Nadie puede negar que los concursos musicales de búsqueda de talentos han sido la cantera de una gran cantidad de artistas que se han convertido más tarde en super estrellas del mundo de la música. En Estados Unidos, American Idol ha sido uno de los favoritos del público y durante sus 16 temporadas ha visto nacer a importantes cantantes, empezando por Kelly Clarkson, la ganadora de la primera edición, su alumna más aventajada y quizás la que ha alcanzado las cotas más altas de éxito no sólo en Estados Unidos sino en todo el mundo, aunque también han destacado Fantasia Barrino, Jordin Sparks, Jennifer Hudson o la ganadora de la cuarta temporada y protagonista de este post, Carrie Underwood. En 2005, una jovencita de Oklahoma se presentó a las audiciones de American Idol y gracias a su espectacular voz conquistó a los espectadores y jueces de la competición y resultó la ganadora de la cuarta edición del popular concurso. El tema que cantó Carrie Underwood en la final de American Idol y le valió su triunfo, ‘Inside of Heaven’, le llevó a lo más alto de la lista americana de singles y fue el inicio de una carrera plagada de éxitos dentro del género Country. Su primer álbum de estudio, Some Hearts, fue #2 en Estados Unidos y vendió más de 8 millones de copias en tierras americanas, convirtiéndose en el disco debut más vendido dentro del género Country (superando las ventas del primer álbum de Shania Twain) y en el álbum más exitoso de un concursante de American Idol en Estados Unidos (batiendo a «Breakaway» de Kelly Clarkson) además de ser el disco más vendido durante el año 2006 en tierras americanas. «Some Hearts» no sólo obtuvo una respuesta comercial que superó ampliamente las expectativas puestas en él, sino que recibió buenas críticas de los expertos musicales y los puristas del Country por la extraordinaria voz de la cantante y por revitalizar dicho género y ello se reflejó en la gran cantidad de premios que recibió tanto Carrie como su álbum debut, ya que ganó tres premios Grammy incluyendo artista revelación, 5 premios Billboard (entre ellos álbum Country de la década) y un Academy of Country Music Award, que es uno de los premios más prestigiosos dentro de dicho género. Este álbum incluye ‘Before He Cheats’, el single más exitoso de toda su carrera, el cual logró el top 10 en la lista Billboard, destacó por su extraordinaria longevidad en las listas de venta y recibió numerosos galardones, entre ellos dos premios Grammy y un Academy of Country Music Award.
Tras un álbum debut tan exitoso y lleno de elogios podríamos pensar que su sucesor no estaría a la altura, sin embargo no fue así ya que Carnival Ride, publicado en 2007, repitió la buena acogida en la lista de ventas americana, donde consiguió el primer #1 de Carrie en Estados Unidos, fue certificado 4 veces platino por ventas superiores a los 4 millones de copias y contó con 4 singles #1 en el componente Country de la lista Billboard. En Canadá este álbum también llegó a lo más alto de su lista de ventas e hizo su primera incursión en Reino Unido y Australia. A pesar del lógico descenso de ventas con sus siguientes álbumes que ha sufrido Carrie Underwood (y el resto de cantantes) durante la década pasada debido a la piratería y el fin de la era de los CD’s físicos, tanto Play On como Blown Away, su tercer y cuarto trabajo discográfico, fueron bien recibidos por la critica y el público, lograron nuevamente #1 en Estados Unidos y fueron certificados tres y dos veces platino respectivamente, haciendo de Carrie Underwood una de las artistas de Country más importantes de la década del 2000, en ausencia de grandes competidoras como Shania Twain que se alejó del mundo de la música en 2004. Tras el exitoso ‘Blown Away Tour’, Carrie publicó un álbum de «Greatest Hits» que contenía todos sus singles además de nuevas canciones. En 2015 la atractiva cantante fue madre de un niño fruto de su relación con el jugador canadiense de hockey sobre hielo Mike Fisher y a finales de ese año lanzó su quinto disco de estudio Storyteller, que fue #2 en la lista americana de álbumes.
Tras un tiempo de descanso, Carrie Underwood lanzó a principios del 2018 un single para promocionar la Super Bowl llamado ‘The Champion’, que se trataba de un marchoso tema urban-pop que se alejaba de su habitual estilo Country. Este tema, producido por Jim Jonsin y que contaba con la colaboración del rapero Ludacris, hablaba de sobreponerse a las adversidades y sorprendió a todos por su sonido diferente. Dos años después de su último disco, la cantante de 35 años ha regresado al panorama musical con su sexto álbum de estudio, Cry Pretty, el cual ha debutado esta misma semana en el #1 de la lista americana de álbumes, haciendo de Carrie la primera cantante femenina de Country que consigue cuatro discos #1 en Estados Unidos. Además, al vender más de 260 mil copias en su primera semana, ha logrado las cifras más altas de un álbum Country desde 2015 y las mayores ventas de una artista femenina en este 2018, superando al impresionante debut de Cardi B y «Sweetener» de Ariana Grande. Aparte del gran debut en Estados Unidos, Cry Pretty también ha tenido una buena acogida alrededor del mundo y ha sido #1 en Canadá (el tercero de Carrie en dicho mercado), #4 en Australia o top 20 en Reino Unido. La mayoría de las canciones presentes en «Cry Pretty» han sido compuestas por la propia Carrie y destaca el hecho de que ha co-producido todos los temas del álbum (con la excepción del bonus track ‘The Champion’). El estilo predominante del álbum es el Country pero como novedad incorpora ciertas influencias R&B.
El single presentación del álbum fue Cry Pretty, que se trataba de una desgarradora balada Country-rock que habla sobre cómo las emociones se apoderan de ti y no puedes contenerlas. Este tema recibió grandes elogios de la crítica por la poderosa voz de la cantante y sus emotivas letras y tuvo una buena acogida en la lista de ventas americana, donde fue top 50 en Billboard y top 5 en el componente Hot Country Songs. El segundo single ha sido Love Wins, una emotiva balada mid-tempo Country-pop de carácter inspiracional que habla sobre el poder del amor. El álbum está compuesto en su mayoría por baladas de estilo Country-pop y Country-rock entre las que destacan ‘The Bullet’ o ‘Ghosts on the Stereo’. Entre mis temas favoritos se encuentran el medio tiempo ‘Drinking Alone’, que destaca por tener un cierto aroma R&B en su melodía o ‘Southbound’, el tema más up-tempo del álbum.
Mientras que algunas cantantes originalmente encuadradas dentro del género Country han explorado otros sonidos para abrirse a un mayor público y aumentar su popularidad (como es el caso de Taylor Swift), Carrie Underwood siempre se ha mantenido fiel al Country y no ha comprometido su integridad artística. Además si comparamos a Carrie con Taylor, la primera cuenta con una carrera más sólida, coherente y consistente en Estados Unidos, ha recibido grandes elogios de sus álbumes por parte de la tradicional comunidad Country y ha obtenido numerosos premios prestigiosos, mientras que la segunda, aunque ha triunfado en el resto del mundo se ha vendido al sonido comercial, ha dado bandazos durante su carrera profesional, ha comprometido su integridad como artista y se ha involucrado en varias polémicas que le han hecho perder credibilidad. Por todo ello podríamos denominar a Carrie Underwood como la reina del Country actual y la heredera de Shania Twain, ya que sigue ofreciendo buenos trabajos como «Cry Pretty» tras más de 10 años de carrera. Temas imprescindibles: Love Wins, Cry Pretty, Drinking Alone y Southbound. Puntuación: 7’5/10.
En Vogue fue uno de los grupos femeninos de R&B más importantes de los años 90, y como la mayoría de los grupos formados por mujeres ha sufrido numerosos cambios de componentes durante su larga trayectoria musical, pero definitivamente ellas se llaman la palma y podríamos considerarlas como las pioneras en realizar múltiples cambios en su formación, algo que más tarde han repetido otros grupos femeninos como Destiny’s Child, Sugababes o Atomic Kitten. En Vogue debutaron como cuarteto en 1990 con Terry, Maxine, Dawn y Cindy como integrantes, aunque durante el transcurso de los años el grupo se ha tomado varios respiros y han aparcado sus compromisos profesionales, a lo que hay que añadir que varias de las componentes han abandonado el grupo temporalmente para ser madres o dedicarse a su vida personal, como es el caso de Dawn y Maxine. Durante los periodos de tiempo en los que dichas componentes han dejado el grupo, ha sido la cantante Rhona Bennet (una de mis cantantes favoritas de R&B, conocida por su álbum homónimo) la que se unido a Terry y Cindy para seguir con los compromisos profesionales de En Vogue. El último disco de estudio del trío fue Soul Flower, publicado en el año 2004 y tras la promoción de este álbum, En Vogue volvieron a separarse temporalmente y no hemos sabido nada de ellas desde entonces a excepción de alguna aparición esporádica. 
El pasado mes de junio se puso a la venta Liberation, el sexto álbum en inglés (el octavo si tenemos en cuenta su disco navideño y su trabajo en español) de la cantante americana Christina Aguilera tras un largo periodo de silencio musical, ya que su último trabajo «Lotus» fue publicado en 2012. Tanto «Bionic» como «Lotus» supusieron un fracaso comercial impropio de una artista de la talla de Christina y es que tras el éxito masivo de sus tres primeros álbumes, ambos trabajos se encuentran entre los mayores flops de esta década. El desempeño comercial tan negativo de Lotus, el gran lapso de tiempo entre álbum y álbum, unido al hecho de que Christina no se prodiga demasiado dando conciertos (su última gran gira fue el «Back To Basics Tour» en 2006) han hecho que su popularidad haya descendido en los últimos años y su presencia en radios y listas de venta sea muy reducida y limitada prácticamente a sus primeros éxitos, por lo que Christina Aguilera ha pasado a vivir de las rentas. Sin duda su declive se ha visto acrecentado por la aparición de nuevas competidoras como Ariana Grande, Selena Gomez o Demi Lovato que han llegado pisando muy fuerte y se han convertido en las actuales ‘princesas del pop’.
Tras la separación definitiva de Destiny’s Child y con TLC fuera de juego temporalmente, la escena de las ‘girl bands’ en Estados Unidos estaba prácticamente desierta hasta 2005 cuando aparecieron The Pussycat Dolls, pero pronto llegarían Danity Kane, un quinteto surgido de la tercera temporada del reality de MTV ‘Making The Band’, en el que se crearon anteriormente grupos como O-Town. El rapero y productor musical Diddy fue el encargado de decidir qué componentes formaban parte del grupo final, que en dicha temporada el objetivo era crear un súper grupo de chicas que recuperara el espíritu de Destiny’s Child o Spice Girls. Diddy fichó a Danity Kane en su discográfica Bad Boy Records y actuó como productor ejecutivo del primer álbum de estudio de las chicas, para quienes tenía elaborado un ambicioso proyecto. El grupo estaba formado por componentes con voces muy diferentes pero que encajaban a la perfección: Shannon y Aubrey aportaban el toque pop, mientras que D.Woods y Dawn poseen poderosas voces negras y Aundrea era la componente con el rango vocal más alto y destacaba por el uso del melisma. Un gran elenco formado por algunos de los mejores productores musicales como Timbaland, Danja, Mario Winans, Bryan-Michael Cox, Jim Jonsin, Scott Storch, Darkchild o Ryan Leslie participaron en el álbum debut del grupo, titulado de manera homónima. Tras varios meses en el estudio de grabación, en agosto del 2006 se puso a la venta el álbum Danity Kane, el cual está formado principalmente por temas up-tempo R&B/pop con influencia de la música Hip Hop, ya que el objetivo de Diddy era conseguir un sonido urbano más similar al de Destiny’s Child que el de las ‘girl bands’ convencionales. 
A principios de la década del 2000 el pop vivió su época dorada y tanto las ‘boy bands’ como las ‘girl bands’ triunfaban alrededor del mundo gracias al éxito masivo de Spice Girls, N’Sync o Backstreet Boys, que se convirtieron en auténticos fenómenos sociales, dominaron las listas de venta en todo el planeta, vendieron millones de copias con sus discos, además de ser el espejo en el que se miraron numerosos grupos posteriores, que imitaron sus coreografías, copiaron su imagen y estilo musical e intentaron aprovechar el enorme tirón comercial de estos fenómenos fan aunque no lograron el espectacular éxito de dichos grupos. Tras el gran impacto que tuvieron Spice Girls en el mundo de la música, por todo el mundo aparecieron numerosos grupos femeninos con características muy similares a las chicas picantes y que seguían su mismo patrón, como por ejemplo No Angels, un grupo de 5 jovencitas que se presentaron al concurso musical Popstars en Alemania con el objetivo de crear una banda femenina similar a Spice Girls. Al final de la competición, las chicas elegidas para formar el primer grupo de Popstars resultaron Nadja, Jessica, Sandy, Lucy y Vanessa, quienes fueron fichadas en el año 2000 por una importante discográfica y empezaron a grabar su primer álbum. El debut de No Angels en el mundo de la música fue con el single Daylight In Your Eyes, un marchoso y bailable tema dance-pop que lideró las listas de ventas de Alemania, Suiza o Austria y acabó convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del año 2001 en el viejo continente. ‘Daylight In Your Eyes’ fue certificado platino por ventas cercanas al millón de copias en Alemania, terminó como el single más exitoso del año 2001 en dicho país y el quinto de toda la década del 2000, lo cual denota el enorme impacto comercial de este single, arropado sin duda por el éxito que tuvo Popstars en Alemania y que dio gran popularidad a las chicas.
Las colaboraciones entre artistas suelen ser muy habituales hoy en día, aunque podríamos decir que se popularizaron en la década de los 90 dentro del R&B y el Hip Hop, que fueron los géneros pioneros en este tipo de participaciones entre cantantes. Desde entonces, este fenómeno de las colaboraciones se ha generalizado dentro de todos los estilos musicales lo cual nos ha permitido conocer a nuevos artistas. Y precisamente de esta manera descubrí a Kehlani, la cual participó en el tema ‘Ring’ de la rapera Cardi B (que se ha convertido en el quinto single del exitoso álbum «Invasion of Privacy»). Kehlani Parrish dio sus primeros pasos en el mundo de la música cuando participó en el concurso musical America’s Got Talent dentro del grupo adolescente PopLyfe, el cual quedó en cuarta posición en la temporada en la que se presentaron. Tras un par de años dentro de la formación, la cantante californiana decidió dejar PopLyfe y lanzarse en solitario ya que las canciones que hacía con el grupo no reflejaban sus verdaderas aspiraciones musicales. A pesar de sus comienzos dentro del grupo PopLyfe, Kehlani está muy lejos de la imagen de ‘princesa del pop’ que poseen muchas de las participantes de ese tipo de programas, puesto que la cantante de Oakland tiene un carácter rebelde, fuerte e independiente como consecuencia de su dura infancia, ya que su madre era adicta a las drogas y su padre fue encarcelado cuando Kehlani era sólo una niña, por ello aprendió a sobrevivir sin tener la referencia de unos padres y este hecho le convirtió en una mujer fuerte y madura. Si esto no fuera suficiente, tras dejar el grupo la cantante sobrevivió en Los Angeles sin familia, viviendo en la calle y robando en las tiendas, lo que podemos considerar una auténtica ‘homeless’. Kehlani empezó a grabar temas en solitario y gracias a la ayuda de Nick Cannon (quien era el presentador de America’s Got Talent mientras concursaron PopLyfe), la joven cantante pudo grabar su primera mixtape, que recibió buenas opiniones de los críticos musicales. Su segunda mixtape fue lanzada en 2015 y todavía logró una mayor repercusión entre el público ya que fue top 40 en la lista americana y consiguió su primera nominación a los premios Grammy. 
A principios del mes de junio se puso a la venta el séptimo álbum de estudio de Ne-Yo, titulado Good Man y que recoge el testigo de Non-Fiction, que vio la luz en 2015, tuvo un impacto moderado alrededor del mundo, no consiguió que ninguno de sus singles despuntara en las principales listas de venta y se convirtió en el trabajo discográfico menos vendido dentro de su catálogo musical. «Good Man» está formado principalmente por medios tiempos y baladas de estilo R&B/pop y destaca por el hecho de que no incluye los típicos temas dance-pop que se ha acostumbrado a lanzar Ne-Yo en los últimos tiempos y suelen tener gran éxito en Europa. «Good Man» ha sido compuesto en su totalidad por el propio Ne-Yo bajo la producción de StarGate (habituales colaboradores del cantante desde sus inicios), DJ Camper, Dr. Luke o Cirkut. El single anticipo del álbum para el mercado americano fue Good Man, una balada R&B/Soul que da título al álbum y en la que Ne-Yo promete ser un «hombre mejor» y tratar bien a las mujeres con las que se relaciona. Este single pasó totalmente inadvertido dentro de la lista americana. Desde hace un tiempo los seguidores de Ne-Yo y el público en general han favorecido los temas dance-pop más up-tempo del cantante en detrimento de los clásicos temas mid-tempo R&B que lanzaba a principio de su carrera y que han tenido una repercusión menor en las listas de venta. Por ello, Ne-Yo se ha apresurado en lanzar rápidamente el siguiente single, un tema mucho más marchoso y comercial con el que captar la atención del público internacional. En este caso no se trata de un potente tema dance-pop dirigido a las pistas de baile como suele lanzar Ne-Yo sino uno de estilo Dancehall, el cual se ha vuelto muy popular recientemente debido al auge del Tropical House y los sonidos caribeños que inundan las radio-fórmulas hoy en día. El tema en cuestión es Push Back, que resulta muy pegadizo, está producido por StarGate y cuenta con la colaboración de la cantante pop Bebe Rexha y la rapera Stefflon Don, quien le da un toque exótico al tema por su acento reggae. Push Back es una de las canciones más llamativas del álbum por su naturaleza bailable, su temática sexual y sus ritmos tropicales (que ya empiezan a saturar las radios), sin embargo este single no conseguido incrementar la atención del público por el álbum y ha fracasado en las listas de venta.
The Documentary, el álbum debut de The Game, fue publicado en 2005 bajo el sello discográfico de Dr. Dre, el cual no sólo le fichó en su poderosa discográfica sino que fue su mentor, el productor ejecutivo de su disco e imprimió su estilo West Coast Hip Hop en las canciones que produjo para el rapero de Compton. «The Documentary» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, acabó vendiendo más de 4 millones de copias en Estados Unidos y se convirtió en el soplo de aire fresco que necesitaba el género, además de ser el responsable de devolver al West Coast Hip Hop a una posición dominante que no tenía desde la década de los 90. El primer álbum de rapero californiano recibió buenas críticas de los expertos musicales, los cuales alabaron la magistral producción de Dr. Dre y el resto de colaboradores que participaron en el proyecto y por el hecho de revitalizar el sonido West Coast Hip-Hop, sin embargo criticaron las habilidades de Game como rapero y compositor. Tras las tensiones con 50 Cent (el cual le introdujo en su grupo G-Unit) debido a que Game no quiso formar parte de las rivalidades de Fifty con muchos compañeros de profesión, el rapero de Compton abandonó G-Unit y la discográfica de Dr. Dre, por lo que dejó de contar con el apoyo del legendario productor musical debido a su estrecha relación con 50 Cent. Tras el éxito de «The Documentary» y sus singles ‘How We Do’ y ‘Hate It Or Love It’ (los cuales ocuparon el top 5 en la lista Billboard) The Game empezó a trabajar en su segundo álbum de estudio, titulado Doctor’s Advocate y que vio la luz a finales de 2006. Pese a no contar con Dr. Dre en su nuevo disco, The Game volvió a trabajar con varios productores que participaron en «The Documentary» como Scott Storch, Kanye West o Just Blaze, además de Will.I.Am o J.R. Rotem, quienes trabajaron con Game por primera vez pero imprimieron el sonido West Coast Hip Hop que tanto deseaba incorporar el rapero de Compton a este álbum. Y así fue, ya que «Doctor’s Advocate» pertenecía a este sub-género musical nacido en la Baja California e incluso sonaba con mayor intensidad pese a no contar con Dr. Dre, quien fue el precursor de este sonido en los años 90. Sin embargo las referencias a su antiguo mentor y sus peleas con 50 Cent fueron constantes en este álbum, lo cual fue comentado de manera negativa en las críticas de los expertos musicales. 
The Documentary es el debut oficial de The Game en el mundo de la música, aunque previamente el rapero de California lanzó una mixtape que llamó la atención de varios productores de Hip Hop, entre ellos el legendario Dr. Dre, que viendo su enorme potencial se apresuró a ficharle en su discográfica y empezó a grabar canciones para su álbum debut. Jayceon Taylor, apodado The Game por ser un gran seguidor de la película del mismo nombre, nació en Compton, al sur de Los Ángeles, proveniente de una familia disfuncional de orígenes muy humildes y desde una temprana edad se asoció a bandas callejeras (o Gangs, como se llaman en la jerga local), se movió dentro del circuito de la droga e incluso se vio envuelto en un tiroteo donde fue herido de bala. The Game tuvo unos orígenes muy similares a los de 50 Cent (con quien el futuro le uniría casualmente) y ambos son la representación perfecta de «street credibility» ya que contaban con los ingredientes idóneos para convertirse en un artista de Rap de manual. Y así fue, ya que mientras se recuperaba del tiroteo que sufrió, The Game decidió grabar junto a su hermano un mixtape, el cual pasó por las manos de varios productores hasta que finalmente Dr. Dre le dio la oportunidad que cambiaría la vida al rapero de Compton. Una vez que The Game fue fichado por la discográfica de Dr. Dre, también fue incluido en el grupo G-Unit liderado por 50 Cent para darle una mayor popularidad a Game y hacer promoción previa al lanzamiento de su disco debut, como su aparición en varios videoclips de 50 Cent, es decir una estrategia de marketing perfectamente ejecutada que logró poner a Game en el mapa sin haber ni siquiera lanzado su álbum. 
En octubre de 2015, el icono de la música Janet Jackson publicó su undécimo álbum, Unbreakable, el cual se convirtió en su séptimo disco #1 en la lista de ventas americana y recibió buenas críticas de los expertos musicales por su constante innovación dentro del pop/R&B. Para promocionar este álbum, la hermana menor de Michael Jackson se embarcó en el Unbreakable Tour que iba a recorrer de manera extensa Estados Unidos, Canadá y Europa, pero a finales de año, tras haber completado la parte americana de la gira, Janet tuvo que posponer las siguientes fechas de los conciertos debido a problemas de salud y más tarde al enterarse de que estaba embarazada de su por entonces multimillonario marido, decidió cancelar el resto del tour, agradeciendo a sus fans la paciencia, apoyo y comprensión por las inconveniencias que suponía la cancelación de la gira, aunque como compensación nos ofreció una sorpresa, el videoclip de uno de los temas de Unbrekable, llamado Dammn Baby. Una vez que Janet Jackson fue madre de su primer hijo a principios de 2017, pudo retomar su tour pero dándole un nuevo enfoque y llamándolo State of The World Tour, título que provenía de una canción de su legendario álbum Rhythm Nation. Para esta renovada gira, Janet añadió canciones antiguas de su discografía que trataban sobre tomar conciencia social en temas como el racismo, la xenofobia, la supremacía blanca, la homofobia o la violencia doméstica, que ya trató en profundidad en los álbumes «The Velvet Rope», «janet.» o «Rhythm Nation», que se han convertido en clásicos del mundo de la música. En verano de 2018, recién terminada su gira de conciertos, Janet Jackson nos ha sorprendido con el lanzamiento de un nuevo single, que será el anticipo de su nuevo trabajo discográfico. Dicho single es Made For Now, desvelado por la cantante en sus redes sociales y que a priori nos causó algo de terror al ver que figuraba como artista colaborador el cantante de reggeaton Daddy Yankee. Sin embargo, una vez escuchado el tema, puedo afirmar que es una de las mejores canciones que ha lanzado Janet en los últimos años, ya que mezcla su habitual sonido dance-pop y R&B con una acertada inclusión de sonidos tropicales, africanos y latinos, que hacen de este tema uno de los más bailables, pegadizos y marchosos lanzados durante este año. Con ‘Made For Now’, Janet ha aprovechado el auge del sonido latino y los ritmos tropicales que han inundado los últimos meses el mundo de la música e incorpora un verso en español de Daddy Yankee, pero no resulta una canción extraña dentro de la discografía de la cantante. Este tema está producido por Harmony Samuels junto con sus habituales colaboradores Jimmy Jam & Terry Lewis, habla de vivir el momento, pasarlo bien y no dejar las cosas para mañana y resulta sumamente alegre, inspirador y motivador. El espectacular videoclip de ‘Made For Now’ fue grabado en el neoyorquino barrio de Brooklyn y resume perfectamente la esencia de la canción por su gran colorido, su influencia latina y los ritmos Afrobeat, sus coreografías y la inclusión social de la que habla la canción. Tanto el tema como el videoclip han sido sin duda un gran acierto para Miss Janet Jackson y una de las grandes sorpresas de este 2018, convirtiéndose en el regreso del año en el mundo de la música.
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