Archivo de la categoría: R&B

Crítica de “Joyride” de Tinashe

joyrideTras el lanzamiento de varios mixtapes que la convirtieron en una de las cantantes más prometedoras de la escena independiente americana, la cantante Tinashe hizo su debut oficial en el mundo de la música en el año 2014 con su primer álbum de estudio, Aquarius, el cual recibió grandes críticas de los expertos musicales por su moderno sonido, que podíamos encuadrarlo dentro de la nueva corriente del R&B alternativo, y que gracias a cantantes como The Weeknd, Frank Ocean o la propia Tinashe comenzó a hacerse un gran hueco dentro del género R&B y empezó a ser más conocido fuera de Estados Unidos. La cantante de ascendencia de Zimbabwe por parte de padre e inglesa/danesa por parte de madre trabajó con importantes productores de la industria musical para su álbum debut como StarGate, Mike Will Made It, Dj Mustard, Detail o Boi-1Da entre otros, quienes le aportaron un toque R&B/pop a su habitual sonido R&B alternativo. Los tres singles extraídos del álbum, 2 On, Pretend y All Hands On Deck, recibieron buenas opiniones por parte del público y de la crítica especializada por su gran voz, sus letras y su estilo en general, y fue comparada con la princesa del R&B Aaliyah, fallecida tristemente en el año 2001, con la que comparte muchas características, como su imagen, su voz y su habilidad para el baile y las coreografías. Aunque Aquarius tuvo un impacto comercial moderado en la lista de ventas americana, donde ocupó el puesto #17, en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard obtuvo un mejor rendimiento, alcanzando el top 5. En 2015, tras finalizar la promoción de Aquarius, la artista revelación del R&B lanzó el single Player como adelanto de su nuevo trabajo discográfico. Se trataba de un marchoso tema R&B/synth-pop que contaba con la colaboración de Chris Brown y sorprendió al público por su mayor toque pop y un sonido más comercial. Sin embargo, el lanzamiento de su nuevo disco se retrasó en numerosas ocasiones y Tinashe decidió apartar este proyecto en favor de otro álbum en el que empezó a trabajar, llamado Nightride. Este álbum fue lanzado exclusivamente en formato digital, recibió escasa promoción y muchos lo consideraron como uno de los mixtapes que ha lanzado la cantante en los inicios de su carrera. Company, un medio tiempo R&B alternativo producido por The Dream, fue el único single de este trabajo discográfico.

Tras Nightride, el cual tuvo un impacto mínimo en la lista de ventas americana, Tinashe volvió al estudio de grabación para continuar con el proyecto que abandonó pero pasaría a convertirse en su tercer álbum de estudio. Joyride es el título del disco en el que lleva trabajando desde hace años pero finalmente ha sido publicado este mes de abril. Todos los temas presentes en Joyride han sido compuestos por la propia Tinashe y entre los productores implicados se encuentran StarGate, Hit-Boy o Soundz, quienes han dado forma un trabajo muy interesante encuadrado en el sonido habitual de la cantante californiana, el R&B alternativo, con influencia electro-pop, Trap y Hip-Hop. El single anticipo del álbum, No Drama, fue lanzado el pasado mes de enero y se trataba de un tema electro-R&B con influencia Trap/Hip-Hop producido por StraGate y que contaba con la colaboración del rapero Offset, perteneciente al grupo Migos. Este tema, en el que la joven cantante habla de hacer frente a la adversidad y demostrar tu valía, ha estado acompañado de un oscuro y enigmático videoclip en el que Tinashe sorprende con un vestuario extravagante y realiza una coreografía en la que demuestra que es una bailarina muy talentosa. Como segundo single se lanzó Faded Love, un tema R&B alternativo producido por StarGate y en el que participa el rapero Future, quien ya trabajó con Tinashe en su primer álbum. El tercer single extraído del álbum ha sido Me So Bad, un marchoso tema Tropical House con influencia R&B/Hip-Hop que cuenta con la colaboración de los raperos Ty Dolla $ign y French Montana. Me So Bad, con su sonido caribeño y su pegadizo ritmo, resulta uno de los temas más bailables y up-tempo de Joyride. El resto del álbum está compuesto por medios tiempos y temas downtempo, los más habituales dentro del R&B alternativo, de los que destacan “Joyride”, el tema que da título al disco y uno de mis favoritos, “He Don’t Want It”, que cuenta con un sonido enigmático y con su voz en high-pitch, o el medio tiempo “Stuck With Me”, en el colabora el grupo de synth-pop Little Dragon. En resumen, Joyride es un buen álbum de R&B que muestra el gran talento de Tinashe como cantante y compositora, quien se ha convertido en una de las figuras más destacadas del género R&B contemporáneo. Puntuación: 7/10. Joyride – Amazon

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Say Less

ashanti-say-lessEn el año 2014, la cantante americana Ashanti publicó su quinto álbum de estudio, BraveHeart, el primero que lanzaba de manera independiente tras abandonar la discográfica Murder Inc, en la que permaneció desde sus orígenes en el mundo de la música. BraveHeart era un trabajo sólido y maduro, y recibió críticas positivas por su evolución musical, que exploraba un sonido R&B moderno y actual, con un mayor toque electrónico. Este álbum contó con singles como Never Should Have o I Got It (que pese a tener un gran potencial, no gozaron de una buena acogida en las listas de venta) y supuso un paso adelante en comparación a The Declaration, su anterior disco, el cual resultó un fracaso comercial. Ashanti fue una de las pioneras en convertirse en artista independiente con todo el riesgo económico que supone, pero la cantante neoyorquina se armó de valentía, se convirtió en empresaria y asumió todos los gastos de grabación, promoción y distribución de su nuevo álbum. Tras BraveHeart apenas supimos de Ashanti, y durante ese lapso de tiempo hizo algún papel como actriz, se centró en la grabación de su nuevo álbum y participó en una gira de conciertos junto al rapero Ja Rule, con el cual re-conectó tras su marcha de Murder Inc. Tras ser descubierta por Irv Gotti (el presidente de dicha discográfica), Ashanti empezó a trabajar estrechamente junto a Ja Rule, uno de los artistas más importantes de Murder Inc, e hizo su debut en el mundo de la música con Always on Time, que se convirtió en un gran éxito en el año 2001. Ashanti siguió colaborando en singles de Ja Rule como Mesmerize o Wonderful, los cuales también fueron hits en las listas de venta americana.

A finales de 2017, tras estar alejada un tiempo del panorama musical, Ashanti regresó con un nuevo single, Say Less, que se trataba de un marchoso tema R&B con influencia West Coast Hip-Hop producido por Dj Mustard y en el que participa el rapero Ty Dolla $ign. Este tema resulta ideal para los clubs debido a su naturaleza pegadiza y en él, Ashanti hace frente a los medios de comunicación por las críticas a su vida privada y profesional, y les insta a meterse en sus “propios asuntos”. Este single, pese a tener un gran potencial, ya que lo considero uno de los mejores temas que ha lanzado Ashanti, no fue capaz de entrar en ningún componente de la lista Billboard y pasó sin pena ni gloria, sin embargo esta misma semana se ha estrenado el videoclip promocional de Say Less, dando una segunda oportunidad al single. En el espectacular videoclip, donde Ashanti aparece con varios modelitos muy escuetos en los que luce su imponente físico, la cantante neoyorquina tiene que lidiar con los rumores que se han vertido sobre su vida privada incluyendo su supuesto enfrentamiento con Murder Inc. Los 5 meses que ha tardado Ashanti en desvelar el videoclip de Say Less han perjudicado el desempeño comercial del single, que sin apenas promoción cayó en el olvido, pero espero que el videoclip aporte un extra de popularidad a este fantástico single.

Crítica de “My Dear Melancholy” de The Weeknd

B9430F13-06CC-4A21-9831-C876F61EC4B0-600x600A finales del año 2016, el cantante The Weeknd publicó su tercer disco de estudio, Starboy, el cual recibió grandes críticas de los expertos musicales por su evolución musical, debutó en el #1 de la lista americana de álbumes (su segundo trabajo que llega a lo más alto en Estados Unidos) y contó con exitosos singles como Starboy, el cual llegó al #1 en los principales mercados musicales, I Feel It Coming o Party Monster. A nivel internacional, el álbum Starboy logró una gran acogida comercial, ya que ha vendido más de tres millones y medio en todo el mundo y ha sido uno de los discos más exitosos de los años 2016 y 2017. En sus dos primeros álbumes y los mixtapes que lanzó previamente, el cantante canadiense exploraba el R&B alternativo y estaban formados por canciones de sonido oscuro y melodías dispersas, sin embargo gracias al éxito internacional del single Can’t Feel My Face (que contaba con un sonido más accesible a todo el publico gracias a su estilo electro-pop y Disco) en Starboy decidió decantarse por este sonido más comercial, y aunque podemos considerarlo un álbum R&B, contaba con influencias pop y electro-pop, y permitió a The Weeknd abrirse a un mayor público y convertirse en uno de los cantantes más populares dentro de este género. Starboy era un gran álbum en el sentido más estricto de la palabra, ya que estaba formado por 18 temas, de los que no sobraba casi ninguno, y también se caracterizó por su longevidad en las listas de venta debido a la gran cantidad de singles extraídos, los cuales dominaron las radios y los charts de todo el mundo.

Aunque en los últimos meses surgieron rumores de que The Weeknd estaba trabajando en su siguiente álbum, el pasado 30 de marzo lanzó por sorpresa My Dear Melancholy, que no se trataba de un álbum completo, sino de un “Extended Play”, el primero que publica el cantante de Toronto. Este EP está formado por 6 canciones, todas ellas compuestas por The Weeknd junto a Frank Dukes, productor musical asociado a artistas de Hip-Hop y R&B como Drake, Rihanna o Kanye West entre otros, pero más conocido por ser el responsable del último disco de Camila Cabello, aunque también han participado otros famosos productores como Mike Will Made It o Skrillex. En este trabajo, The Weeknd regresa a sus raíces musicales y explora el sonido de su primer álbum Kiss Land o sus anteriores mixtapes, ya que las 6 canciones presentes en este EP son downtempo, de naturaleza oscura, con melodía dispersa y encuadradas dentro del R&B alternativo. Aunque la promoción de este disco ha sido escasa debido a la naturaleza sorpresiva de este lanzamiento, The Weeknd ha grabado los videoclips promocionales (de manera vertical y lanzados vía Spotify) de dos temas de EP: Try Me y Call Out My Name. Mi tema favorito de “My Dear Melancholy” es precisamente Call Out My Name, una sombría balada downtempo que habla de un romance acabado y tiene todas las posibilidades de ser el single oficial del EP, ya que es el tema más destacado y recuerda a grandes temas del cantante como The Hills o Acquainted. En resumen, este trabajo podemos considerarlo como un aperitivo del siguiente álbum de estudio de Abel Tesfaye, pero destaca por su vuelta al enigmático y misterioso sonido R&B alternativo con el que le conocimos y que mejor se adapta a la fantástica voz de The Weeknd. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de “Sex & Cigarettes” de Toni Braxton

toni-braxton-sex-cigarettes-1-thatgrapejuice-600x595Sex & Cigarettes es el título del octavo álbum de estudio de la artista de R&B/Soul Toni Braxton, el siguiente que publica tras “Love, Marriage & Divorce”, el disco que publicó junto al cantante y productor musical Babyface, y el primero en solitario desde “Pulse”, que fue lanzado en 2010. Durante los años 90, Toni Braxton fue una de las cantantes más exitosas dentro del género R&B gracias a sus dos primeros álbumes, Toni Braxton y Secrets, los cuales recibieron grandes críticas de los expertos musicales por sus románticas baladas y su inconfundible voz grave, y vendieron más de 5 millones de copias en Estados Unidos, convirtiendo a Toni en una de las artistas de música negra más importantes de los 90. The Heat, su tercer álbum, en el que incorporó un sonido más moderno y up-tempo, también tuvo buena acogida entre el público, sin embargo tras él, la mayor de las hermanas Braxton inició una espiral decreciente en su éxito comercial, ya que sus posteriores álbumes resultaron un fracaso de ventas, a lo que se unieron además graves problemas de salud, numerosos cambios de casa discográfica y bancarrota económica, haciendo pasar a Toni Braxton por sus momentos más bajos de popularidad y éxito.

Su nuevo trabajo discográfico, Sex & Cigarettes, está compuesto únicamente por 8 temas, muy por debajo de los estándares actuales dentro de la música ya que podríamos considerarlo un EP, algo que resulta decepcionante si tenemos en cuenta los años que ha estado alejada del panorama musical, sin embargo todos los temas presentes tienen una gran calidad y merece la pena por escuchar una vez más su profunda y sensual voz. Este álbum esta compuesto por baladas y medios tiempos de estilo R&B/Soul, y varios de los temas han sido compuesto por la propia Toni Braxton. El single presentación del álbum fue el tema Deadwood, una balada R&B que pese a ser muy interesante no ha logrado buena acogida entre el público. El segundo single previo a la publicación del álbum ha sido Long As I Live, un medio tiempo R&B y el mejor tema que ha lanzado Toni desde hace años. Este single ha estado acompañado de un fantástico videoclip en el que Toni muestra su espectacular físico a los 50 años y hace una coreografía acompañada de alguna de sus hermanas. No hay duda que el fenómeno del “ageism” está presente en la industria musical y ha afectado seriamente a las ventas y popularidad de muchos artistas veteranos, ya que han sido desplazados en las radios en favor de los cantantes más jóvenes y actuales, sin embargo la experiencia es un grado y Toni es una artista plenamente consagrada en el mundo de la música y el entretenimiento (debido a su reality show que protagoniza junto a sus hermanas) y pese a que ya no es la super estrella que era en los años 90 y ha pasado por severos problemas que han mermado su popularidad, sigue manteniendo su asombrosa voz y una elegancia que pocos cantantes actuales poseen. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran la dramática balada “Sex & Cigarettes”, en la que habla sobre la infidelidad de su hombre, el medio tiempo “Sorry” o el tema “Coping”, que comienza como una balada pero se transforma en un tema más marchoso. En resumen, Sex & Cigarettes es un buen álbum, muy esperado por los seguidores de la cantante que llevábamos muchos años sin material nuevo de la diva del R&B/Soul, y aunque los 8 temas presentes en el álbum son muy interesantes, resultan un tanto escasos tras la larga espera. Puntuación: 7’5/10. Sex & Cigarettes – Amazon

The Best of R&B: “Survivor” de Destiny’s Child

unnamedUno de los grupos femeninos más importantes de la historia de la música, y concretamente dentro del género R&B, son sin lugar a dudas Destiny’s Child, quienes comenzaron como cuarteto en su álbum debut de título homónimo con las componentes Beyoncé Knowles, Kelly Rowland, LeToya Robertson y LaTavia Luckett bajo el mando de Matthew Knowles (padre de Beyoncé y tutor legal de Kelly) pero durante su trayectoria han sufrido numerosos cambios en sus integrantes, creando una gran confusión entre el público pero también aumentando considerablemente su popularidad. Tras el moderado éxito del primer disco de Destiny’s Child en Estados Unidos, el grupo publicó en 1999 su segundo álbum, titulado The Writing’s On The Wall, el cual disparó la fama del grupo gracias a una acertada selección de singles que triunfaron en la lista de venta americana y aumentaron su presencia internacional. Bills Bills Bills y Say My Name, primer y tercer single del álbum respectivamente, fueron #1 en Estados Unidos y también ocuparon buenas posiciones en las listas de venta alrededor del mundo. Ambos temas los considero una auténtica joya del R&B de finales de los 90 y principios de la década pasada e imprescindibles dentro de la historia de la música negra. En este álbum participaron algunos de los mejores productores del momento como Darkchild, Missy Elliott o She’kspere, recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales y gozó de gran éxito en tierras americanas, ya que fue un ejemplo de longevidad en la lista de venta de Estados Unidos, donde vendió más de 6 millones de ejemplares y fue certificado 8 veces platino por más de 8 millones de copias distribuidas. Además del gran éxito comercial que consiguió, este álbum destacó sin duda por la controversia que causaron los cambios de componentes del grupo durante su promoción. LaTavia y LeToya intentaron demandar al manager del grupo y padre de Beyoncé por su desproporcionado porcentaje de beneficios y por el excesivo protagonismo de Beyoncé y Kelly, quienes acaparaban el micrófono y eran las voces principales en todas las canciones de Destiny’s Child, relegando a LeToya y LaTavia a meras coristas. Pero lo más sorprendente ocurrió cuando vio la luz el videoclip promocional de Say My Name y ninguna de las dos integrantes aparecían, siendo sustituidas por dos nuevas componentes: Michelle Williams y Farrah Franklin, aunque ésta última fue vista y no vista, ya que sólo formó parte de Destiny’s Child durante 5 meses y únicamente participó en los videoclips de Say My Name y Jumpin Jumpin, abandonando el grupo por no soportar el estrés y su escasa participación en las decisiones del grupo. Tras la marcha de Farrah, Destiny’s Child pasó a ser un trío y se convirtió en la formación más estable y recordada del famoso grupo.

En el año 2000, Destiny’s Child participaron en la banda sonora de la película “Los Angeles de Charlie” con el tema Independent Women, que fue el trampolín definitivo para afianzar la fama del grupo en todo el mundo, ya que este single no sólo resultó un tremendo éxito a nivel internacional sino que el tema superó la popularidad de la propia película. Este tema co-producido por la propia Beyoncé junto a Cory Rooney y cuyo título completo es Independent Women Part I (puesto que dos versiones de la canción fueron grabadas), alcanzó el #1 en la lista de ventas americana durante 11 semanas consecutivas, convirtiéndose en el tercer #1 del grupo en Estados Unidos y uno de los mayores hits del año. Este single no sólo triunfó en tierras americanas sino que fue un éxito a nivel mundial, ya que consiguió el primer #1 del grupo en Reino Unido y ocupó el top 10 en Australia, Canadá o España. Durante los meses siguientes, las tres componentes del grupo grabaron el que sería su tercer disco de estudio, Survivor, que se puso a la venta en mayo del 2001. Este álbum fue compuesto en su totalidad por Beyoncé (a diferencia de The Writing’s on the Wall en el que participaron Kelly, LeToya y LaTavia en la composición de varias de las canciones) y está co-producido por Beyoncé junto a Rob Fusari y Anthony Dent principalmente. Aunque podemos encuadrarlo dentro del sonido R&B contemporáneo, Survivor tiene un mayor componente pop que su álbum predecesor y es más accesible para el público en general, ya que tiene más temas up-tempo, aunque predominan los medios tiempos y cuenta con varias baladas. Survivor debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos con más de 650 mil copias, convirtiéndose en el primer álbum #1 del grupo y logró la cifra de ventas más alta de un grupo femenino en la historia de la música americana. A nivel internacional, Survivor fue #1 en más de 10 países incluidos Reino Unido, Canadá o Alemania. Gracias a la magnífica acogida de los singles lanzados, Survivor vendió 3’7 millones de copias en Estados Unidos (donde fue certificado 4 veces platino) y más de 12 millones en todo el mundo, logrando el récord de ser el disco de un grupo femenino más vendido de la década del 2000.

Destiny's Child - Survivor (FanMade Album Cover) Made by JonathanLGardnerEl single presentación del álbum fue Survivor, un marchoso tema R&B/pop que resultaba altamente adictivo debido a su pegadiza melodía de violines y las maravillosas voces de Beyoncé, Kelly y Michelle. La idea de hacer un tema acerca de ser superviviente y superar las adversidades y la negatividad de ciertas personas vino de un chiste que hicieron en una radio estadounidense bromeando sobre cuál sería la siguiente componente de Destiny’s Child en abandonar el grupo, y esto sirvió de inspiración a Beyoncé para componer Survivor. Este tema resultó otro éxito para el trío originario de Houston, ocupando el #2 en Estados Unidos durante 7 semanas y siendo bloqueado de ascender a la posición de honor por el hit “All For You” de Janet Jackson, que ocupó el #1. En el resto del mundo también tuvo un gran rendimiento en las listas de venta, logrando el #1 en Reino Unido e Irlanda y el top 10 en Canadá, Australia y Alemania. Survivor estuvo acompañado de un espectacular videoclip ambientado en una isla desierta del Pacífico, donde Destiny’s Child aparecen en la playa tras naufragar, para más tarde explorar la isla y realizar una coreografía, compartiendo similitudes con el reality-show del mismo nombre. Survivor ganó numerosos premios, incluyendo mejor single R&B de un dúo/grupo en los Soul Train Awards y a mejor vídeo R&B en los MTV Video Music Awards. Tras el éxito de Survivor, Destiny’s Child lanzaron uno de los temas más bailables y marchosos del álbum: Bootylicious, que se trataba de un tema R&B/dance-pop up-tempo que hablaba de mover las posaderas de manera sexy y sentirse cómodo con tu propio cuerpo, y aunque creó cierta controversia por sus letras sexuales, más tarde fue considerado uno de los temas precursores del empoderamiento femenino y de lucir “un culo grande” sin ningún complejo, algo que se pondría de moda años después gracias a varias artistas y celebrities como Jennifer Lopez, Kim Kardashian o la propia Beyoncé. El término Bootylicious, formado por las palabras booty y delicious, logró tanta repercusión en Estados Unidos que fue incorporado al diccionario inglés Oxford y empezó a ser muy utilizado entre los jóvenes americanos, sobretodo entre el colectivo afroamericano y latino. Bootylicious fue un gran éxito en la lista de ventas americana, donde se convirtió en el cuarto single #1 para el trío y también fue un gran hit alrededor del mundo, logrando el #2 en Reino Unido y el top 5 en Irlanda, Australia y Canadá. El tercer single elegido fue Emotion, una versión del tema compuesto por Bee Gees. Esta balada R&B/Soul mostraba el lado más emotivo y sensible de Destiny’s Child, recibió buenas impresiones de los críticos musicales aunque resultó sensiblemente menos exitoso que los anteriores singles en las listas de venta, pero aún así fue top 10 en Estados Unidos y Reino Unido. Como último single se extrajo Nasty Girl, uno de los temas con mayor componente R&B del álbum, en el que Destiny’s Child critican a las chicas sin clase, horteras y chabacanas que nos rodean o nos podemos encontrar habitualmente en nuestro barrio o en la discoteca. Tuvo un impacto comercial mínimo ya que fue lanzado como single de manera muy limitada, aunque personalmente es uno de mis temas favoritos del álbum.

Aunque Beyoncé sigue siendo la voz principal en la mayoría de las canciones, la presencia de Kelly y Michelle incrementó de manera notoria en este álbum, siendo más equitativo el reparto de “solos” en las canciones, ya que se criticó el excesivo protagonismo de Beyoncé en los anteriores álbumes. Survivor está compuesto por 16 temas de los cuales apenas ninguno sobra, y entre los más destacados se encuentran “Fancy” y “Dance With Me”, dos medios tiempos de estilo R&B, o los marchosos temas dance-pop “Sexy Daddy” y “Happy Face”, los más bailables del álbum y que encajaban más con los gustos europeos. El álbum posee baladas muy interesantes como “Dangerously In Love”, una emotiva balada R&B cantada en su totalidad por Beyoncé y que fue la inspiración para su álbum debut en solitario, al que tituló de la misma manera que dicha canción. Aunque The Writing’s on the Wall es mi disco favorito de Destiny’s Child y es considerado un auténtico referente en la música R&B de la década pasada, Survivor también lo encuentro uno de los mejores álbumes de este género, ya que mantiene el espíritu R&B típico del grupo, pero añade un toque dance-pop que lo hizo más accesible y comercial, y permitió al trío triunfar definitivamente en todo el mundo. En resumidas cuentas, Survivor es un gran álbum y un digno sucesor del extraordinario The Writing’s on the Wall, compuesto por una magnífica selección de singles y un conjunto de canciones muy interesantes acompañadas de las maravillosas voces de Kelly, Beyoncé y Michelle, las cuales individualmente destacan, pero en conjunto harmonizan a la perfección. Sin duda uno de mis discos imprescindibles que me emociona cada vez que lo escucho. Puntuación: 9/10. Survivor – Amazon

Crítica de “Starboy” de The Weeknd

starboy1En el año 2015 el cantante americano Abel Tesfaye, conocido artísticamente como The Weeknd publicó su segundo álbum de estudio, “Beauty Behind The Madness”, el cual estaba encuadrado dentro del género R&B alternativo, aunque también contenía algunos temas que resultaban más accesibles a un público no acostumbrado a este tipo de música. Gracias al gran éxito del single “Can’t Feel My Face” logró captar la atención de un público más amplio, ya que se trataba de un marchoso tema dance-pop/Funk producido por Max Martin que supuso un cambio radical de dirección musical con respecto a su estilo habitual, pero que permitió al cantante canadiense ser conocido en todo el mundo, ya que hasta entonces su particular estilo R&B alternativo había tenido buena acogida en Estados Unidos pero el público masivo no conocía sus canciones. Tanto “The Hills” como “Can’t Feel My Face”, segundo y tercer single del álbum respectivamente, consiguieron el #1 en la lista americana de singles. Por su parte, el álbum también logró llegar a lo más alto de la lista de Estados Unidos, vendió más de 3 millones de copias, recibió grandes elogios por parte de los críticos musicales por su enigmático sonido y la magnífica voz de The Weeknd, y ganó un premio Grammy al mejor álbum de estilo urbano del año.

Apenas un año después de la publicación de su segundo álbum, The Weeknd publicó su tercer trabajo discográfico, titulado Starboy, que debutó en lo más alto de las listas de ventas de Estados Unidos, Australia y Canadá, convirtiéndose en el segundo #1 consecutivo del cantante en dichos terriotrios, además de ocupar el top 10 en Reino Unido y Alemania. Aunque Starboy no abandona el sonido R&B presente en los anteriores trabajos de The Weeknd, este álbum pierde el toque alternativo que tenía su música para adoptar un mayor componente electrónico que lo hace más accesible y up-tempo. Este álbum está compuesto por 18 temas compuestos por el propio The Weeknd y producidos en su mayoría por Doc McKinney, con producción adicional de Daft Punk, Cirkut, y Max Martin, quien fue el responsable de su hit Can’t Feel My Face. El single presentación fue la canción que daba título al álbum, Starboy, un tema R&B up-tempo con un gran componente electrónico producido por el dúo francés Daft Punk, quienes trabajan por primera vez con The Weeknd. Starboy es un tema marchoso, bailable, pero con el velo misterioso y enigmático presente en todos los temas del cantante, destaca por su temática sexual y por la magnífica voz del cantante, y con él The Weeknd demostró que su objetivo era decantarse por un sonido más accesible y comercial, al estilo de Can’t Feel My Face, con el que logró una gran respuesta por parte del público. Starboy tuvo un gran impacto en las listas de venta de todo el mundo, convirtiéndose en el tercer #1 del cantante en la lista americana y canadiense, además del #2 en Reino Unido y Australia. Para acompañar la promoción previa a la publicación del álbum, el cantante también lanzó el sencillo promocional False Alarm, un enérgico tema dance-punk que se desmarca del habitual estilo musical del cantante y destacó por su polémico videoclip, que contenía escenas de acción y resultaba altamente violento, además de mostrar el cambio de look recién adoptado por el cantante. El segundo single fue I Feel It Coming, un marchoso tema Disco, electro-pop y R&B que también contaba con la inconfundible producción de Daft Punk, quienes nos transportaban a una atmósfera electrónica y ambiental de las discotecas de los años 80. Este single recibió elogios de los críticos musicales y gozó de una buena respuesta comercial, ya que ocupó el top 10 en los principales mercados musicales.

Tras la buena acogida de los primeros singles, el cantante de Toronto siguió desgranando más canciones del álbum, como Party Monster, un tema mid-tempo que se mantenía fiel al sonido R&B alternativo y oscuro de sus anteriores trabajos y contenía influencias Trap, o Reminder, un bonito medio tiempo R&B (uno de mis temas favoritos del álbum) que estaba acompañado por su espectacular videoclip que recibió varias nominaciones a los MTV Video Music Awards. Aparte de los singles lanzados, que son los mejores temas del álbum, también destacan Rockin’, un marchoso tema electro-pop producido por Max Martin y que fue el último single extraído de manera internacional, “Secrets”, un pegadizo tema electro-pop con influencia Disco, el más up-tempo del álbum y que contiene inspiración de la música New Wave de los años 80, “Six Feet Under”, un tema down-tempo R&B alternativo reminiscencia de su anterior trabajo que cuenta con la colaboración del rapero Future, o la balada oscura “Die For You”, una de las canciones más personales y emotivas del álbum en la que habla de una relación amorosa fallida.

Starboy nos muestra una gran evolución musical por parte de The Weeknd, ya que explora un sonido más electrónico gracias a la producción de Daft Punk entre otros, aunque no abandona el típico sonido R&B con el que le conocimos, pero dejando a un lado el toque alternativo. Este álbum recibió en general buenas críticas por parte de los expertos musicales (a los que yo me uno), destacando la excepcional voz de The Weeknd y su talento como compositor y productor, aunque se mostraron algo reticentes con la nueva dirección musical del cantante, quien años atrás fue uno de los mayores representantes del sonido R&B alternativo que tan de moda se puso dentro de la música negra americana y muchos artistas mainstream intentaron copiar. Los pocos puntos en contra que podemos encontrar del álbum son su larga extensión, ya que quizás con 3 o 4 temas menos resultaría más redondo y perfecto, y que conforme avanza el álbum va perdiendo algo de fuerza. En resumen, Starboy es un buen álbum R&B moderno, en el que The Weeknd trata los temas de las relaciones amorosas, el sexo o de cómo afronta la fama y ser un personaje popular, y resulta uno de los mejores del año pasado (aunque fuera lanzado a finales de 2016) procedente de uno de los artistas más talentosos del panorama urbano. Puntuación: 8/10. Starboy – Amazon

Crítica de “Man of the Woods” de Justin Timberlake

justin-timberlake-man-of-the-woods-coverEn el año 2013, Justin Timberlake publicó su tercer y cuarto álbum de estudio, The 20/20 Experience y The 20/20 Experience 2 of 2, que formaban parte de una saga y juntos daban la visión completa de este complejo y original proyecto. Ambos álbumes, sobretodo el primero, estaba encuadrado en el género Neo-Soul con influencias R&B y del Soul de los años 70, y se distanciaba del sonido dance-pop/R&B comercial de los anteriores trabajos discográfico del ex-líder de N’Sync. Ambos discos fueron #1 en Estados Unidos y también lograron una gran respuesta comercial en el resto del mundo, obtuvieron dos premios Grammy, y recibieron excelentes críticas por parte de los expertos musicales por la decisión de profundizar en el sonido Soul, la originalidad de este proyecto y por la magistral producción de Timbaland y Danja. Tras la exitosa gira que acompañó la promoción de ambos álbumes, Justin Timberlake se centró en vida personal y otras facetas como la actuación y estuvo alejado del panorama musical durante unos años. En 2016 participó en la banda sonora de la película Trolls con el tema Can’t Stop The Feeling, que marcaba una divergencia con respecto al estilo musical de sus dos últimos discos y se trataba de un marchoso tema funk/dance-pop producido por Max Martin que resultó un gran éxito en las listas de venta de todo el mundo, logrando el #1 en más de 20 países y pasando a la historia del mundo de la música como uno de las canciones más exitosas de todos los tiempos.

Cinco años después del lanzamiento de la primera entrega de The 20/20 Experience, Justin Timberlake ha regresado con su quinto álbum de estudio, titulado Man Of The Woods, un trabajo discográfico inspirado en sus raíces y en su familia (ya que el nombre de su hijo, Silas, significa “viviendo en el bosque”) y el más personal de toda su trayectoria. En su constante capacidad de re-invención, el cantante de Memphis ha vuelto a dar un giro radical a su estilo musical, ha tomado inspiración de sus raíces sureñas y nos ha ofrecido un álbum, que sin abandonar su habitual R&B/pop, se influencia de los estilos musicales presentes en Tennessee (su estado de origen) como el Country y el Blues, aunque con un toque electrónico moderno. En Man of the Woods, Justin Timberlake ha contado con sus habituales colaboradores Timbaland y Danja pero destaca por el hecho de que vuelve a trabajar con The Neptunes, responsables de la mayoría de los singles de su álbum debut, por lo que este álbum reúne a los mismos productores que crearon el disco Justified. Este álbum está compuesto por 16 temas, 4 de ellos producidos por Timbaland (tres junto a Danja), 9 de ellos por The Neptunes, además de dos temas firmados por Eric Hudson, y un interludio. Man of the Woods cuenta con dos artistas invitados, la cantante de R&B/Soul Alicia Keys y el artista Country Chris Stapleton. El single presentación del álbum ha sido Filthy, un marchoso tema electro-Funk con influencia R&B producido por Timbaland y Danja que ha generado opiniones muy dispares por parte de los críticos, ya que por una parte alaban su sonido futurístico y su carácter bailable, mientras que otros critican el tema por estar sobre-producido y que la voz de Justin resulta robótica y se oculta tras los sintetizadores. Filthy debutó en el #9 de la lista americana de singles, una posición muy alta debido al gran interés que tenían sus fans en este esperado regreso, pero tras su gran debut el tema ha experimentado una caída libre en la lista Billboard. Justin Timberlake declaró que antes del lanzamiento del álbum y su actuación en el medio tiempo de la Super-Bowl, lanzaría varios singles muy diferentes para mostrar la variedad musical presente en el álbum. Mucho más interesante resulta el segundo single del álbum, Supplies, un medio tiempo R&B perteneciente a la parte del disco producida por The Neptunes, y que comparte similitudes con el tema “TKO” perteneciente al álbum The 20/20 Experience 2 of 2. Este single marca la reunión de Justin y Pharrell Williams (el 50% de The Neptunes junto a Chad Hugo) tras 15 años sin colaborar, ya que su ultimo tema juntos fue el sencillo promocional I’m Lovin’ It. Sin duda este tema es uno de los puntos fuertes del álbum y personalmente mi favorito. Apenas una semana después de presentarnos Supplies y a unos días de la publicación de Man of The Woods, Justin nos sorprendió con Say Something, el tercer sencillo promocional, acompañado por el cantante y compositor Country Chris Stapleton. Este medio tiempo producido por Timbaland y Danja explora el sonido Country aunque cuenta con influencias R&B, y nos recuerda a “All Good Things (Come To An End)” de Nelly Furtado, y no es casualidad ya que dicho tema también fue firmado por Timbaland. Este single ha recibido buenas impresiones por parte de los críticos musicales debido a la naturaleza íntima y acústica del tema, por mostrar una mayor madurez en la música de Timberlake, y reflejar la influencia que la música Country ha tenido en el cantante debido a su procedencia de Tennessee, que se considera la cuna del género Country.

Man of the Woods es un disco muy ecléctico que combina géneros musicales tan diferentes como lo son el R&B y el Country (además de incorporar Funk y Blues) y más arriesgado resulta todavía que el álbum haya sido producido por Timbaland, Danja y The Neptunes, expertos en música Hip-Hop/R&B, sin embargo no suena en ningún momento chirriante o como un experimento, sino que se trata de un proyecto centrado, coherente y maduro, por lo que supone una gran adición al catálogo musical de Justin Timberlake. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran “Higher Higher”, un curioso híbrido Country/R&B/Blues que muestra a la perfección la evolución y variedad musical de este disco, “Man of the Woods”, que se trata de un marchoso tema Country/Folk con clara influencia del típico sonido de The Neptunes y uno de los highlights del álbum, “Morning Light”, una balada con aroma Blues/Soul en la que aparece Alicia Keys, “Midnight Summer Jam”, un tema up-tempo Funk muy pegadizo que combina los sintetizadores característicos de The Neptunes con sonidos tan diferentes como el de una armónica Country y resulta uno de los más bailables del álbum, “Wave”, un marchoso tema que mezcla el sonido Folk con un componente electrónico, o “Breeze off the Pond”, otro tema up-tempo Funk que podría encajar en la segunda parte de The 20/20 Experience. Uno de los pocos puntos en contra que podemos encontrar es que la estrategia comercial de lanzar varios singles muy seguidos con anticipación al lanzamiento del álbum no ha surtido mucho efecto ya que la recepción por parte del público de los singles ha sido bastante fría. Como gran seguidor de Justin Timberlake que me considero siempre es un placer escuchar por primera vez un álbum suyo, y más teniendo en cuenta que suele tomarse un largo tiempo de descanso entre disco y disco, pero si además es un disco tan interesante y elegante como Man of the Woods, todavía resulta más emocionante el regreso de JT. Aunque estemos a principios de año, seguro que este trabajo se convertirá en uno de los más importantes del 2018 y por ahora es mi favorito de este año recién comenzado, por su cambio de registro adoptando el sonido Country sin abandonar el R&B, por su sonido acústico y orgánico dentro de un panorama musical cada vez sobre-producido y lleno de sintetizadores, y por la capacidad de Justin para re-inventarse y experimentar con nuevos estilos. Además Man of the Woods es su disco más personal hasta la fecha, está inspirado en su familia y el nacimiento de su primer hijo, y en él declara ser “un hombre del bosque” que se siente orgulloso de sus raíces sureñas. Puntuación: 8/10. Man Of The Woods – Amazon

Crítica de “The Time Is Now” de Craig David

CraigDavid_TIN_Album_BuildTras varios años alejado del panorama musical, el cantante inglés Craig David regresó a finales del 2016 con Following My Intuition, su sexto álbum de estudio con el que logró su segundo #1 en la lista de ventas británica y recibió buenas críticas de los expertos musicales, quienes celebraron la vuelta del cantante a sus raíces Garage y alabaron su dirección musical. Dicho álbum podíamos considerarlo como una recopilación de los singles que lanzó Craig David junto a importantes DJ’s meses antes de su publicación, más que un proyecto centrado o un álbum convencional. Sin embargo, Following My Intuition estaba formado por un conjunto de buenas canciones dirigidas a los clubs que lograron captar la atención del público tras un periodo infructuoso para el cantante, que vio como su carrera musical iniciaba una espiral descendiente en su popularidad y éxito comercial. The Time Is Now es el título del séptimo disco de estudio de Craig David y se ha puesto a la venta a finales del mes de enero, apenas un año y medio después su último disco, un periodo muy breve en comparación con el gran lapso de tiempo que nos hizo esperar el cantante de Southampton cuando regresó con Following My Intuition. El nuevo trabajo de Craig David está compuesto por 12 canciones (15 en la edición deluxe), todas compuestas por él y bajo la batuta de productores británicos como Fraser T Smith o Steve Mac. Mientras que Following My Intuition profundizaba en el sonido Garage acompañado de House y Dance, en esta ocasión Craig David cambia de tercio y regresa a un R&B electrónico pero destaca la gran influencia del sonido Tropical House, el estilo musical que está de plena actualidad y que muchos artistas se han apresurado en adoptar. Este álbum, sin dejar de tener un claro sonido R&B “made in Britain”, está influenciado del R&B alternativo que está de moda actualmente en Estados Unidos.

El single presentación del álbum fue Heartline, un tema R&B up-tempo electrónico con influencia Tropical House y dance-pop, que tuvo un desempeño moderado en la lista de ventas británica. El segundo single ha sido I Know You, un medio tiempo R&B alternativo que cuenta con la colaboración de la banda inglesa Bastille y está producido por Fraser T Smith, quien ha sido el responsable de la mayoría de temas del álbum, ya colaboró en los primeros trabajos de Craig David, y es conocido por su trabajo para artistas británicos como Adele. Este tema ha logrado un mayor impacto comercial y ha sido top 10 en Reino Unido, la mejor posición de Craig David desde “When The Bassline Drops”, el single presentación de su anterior álbum. Mi tema favorito del álbum es el marchoso “Love Me Like It’s Yesterday”, el mejor ejemplo del sonido Tropical House presente en el álbum y uno de los temas más up-tempo. Otras de las canciones más interesantes del álbum son “Brand New”, un tema Tropical House con cierto aroma latino en el que el cantante dice unas palabras en español, “For The Gram” un marchoso tema R&B/Hip-Hop que habla de la gran influencia que tienen las redes sociales como Instagram en nuestros días, y en el que observamos una gran inspiración de la manera de cantar-rapear de Drake, o “Get Involved”, que tiene una gran inspiración del R&B actual americano. Aunque este álbum marca una divergencia con el anterior disco de Craig David ya que explora el sonido Tropical House, sigue ligado al R&B con el que hemos relacionado al cantante inglés desde sus inicios, pero sin el componente Garage que tenía Following My Intuition. En resumen, My Time Is Now es un disco muy diferente al anterior ya que se adentra en un sonido más actual y con influencia de artistas americanos como Drake, pero sigue mostrando la esencia de Craig David, con su agradable voz y canciones muy pegadizas. Puntuación: 7’5/10. The Time Is Now – Amazon

The Best of Pop: “Irresistible” de Jessica Simpson

51C0CPBD42LA finales de los años 90 se produjo un apogeo del fenómeno fan, ya que boy-bands y girl-bands como Backstreet Boys, N’Sync o Spice Girls triunfaron en todo el mundo y el género Pop más comercial vivió uno de sus mejores momentos. Durante esos años también aparecieron cantantes femeninas surgidas de programas infantiles que lograron un éxito sin precedentes en el mundo de la música. Por supuesto me refiero a Britney Spears y Christina Aguilera, y debido a la tremenda repercusión que tuvieron ambas cantantes con sus primeros álbumes, las discográficas se apresuraron a lanzar al mercado a imitadoras para poder aprovechar este auge en el Pop femenino, que vivió su mejor momento desde que Madonna, Janet Jackson y Mariah Carey triunfaran en los años 80 y principios del 90. A la sombra de Britney y Christina estuvo Jessica Simpson, una eterna segundona cuya carrera musical se vio eclipsada totalmente por el éxito sin precedentes de las señoritas Spears y Aguilera, y aunque también gozó de buena acogida tuvo la mala suerte de co-existir en la misma época que dichas Princesas del Pop. Britney y Christina publicaron sus álbumes debut en el año 1999 y cuando ya habían conseguido grandes ventas y acumulaban millones de fans por todo el mundo, Jessica Simpson hizo lo propio y lanzó su primer álbum, titulado Sweet Kisses, a finales de ese año. Mientras que la imagen de Britney durante sus primeros años era la de una Lolita sexy aunque dulce y su música estaba dirigida a un público adolescente, la discográfica de Jessica Simpson, liderada por Tommy Mottola (ex-marido de Mariah Carey), quiso posicionarla en el mercado como la nueva Mariah y centrarse en un público mayor gracias a un sonido Adult Contemporary y una imagen más conservadora, seria y recatada. Jessica Simpson era una joven religiosa y tradicional que repitió hasta la saciedad que llegaría virgen al matrimonio, y encajaba más con el tipo de artista más tradicional que se llevaba a principios de los años 90 (como Mariah Carey en sus inicios), aunque lo que demandaba el público en el nuevo milenio era un tipo de cantante más sexy y divertida, como lo eran su máximas competidoras. Pese a que el álbum debut de Jessica Simpson gozó de buena acogida, distribuyó 2 millones de ejemplares en Estados Unidos y contó con el hit-single I Wanna Love You Forever, las comparaciones resultan odiosas y al lado de los debuts de Britney y Christina, con más de 10 millones de copias vendidas en tierras americanas y singles de la talla de …Baby One More Time o Genie In a Bottle, el álbum debut de Jessica no cubrió las expectativas de su discográfica y fue visto como un fracaso (aunque en nuestros días se consideraría un éxito notable).

La estrategia de marketing para el siguiente álbum de Jessica Simpson podríamos resumirla como “donde dije digo, digo Diego”, ya que el intento de su discográfica por convertirla en la nueva Mariah Carey y diferenciar a la cantante texana de sus competidoras mediante una imagen conservadora y más centrada en su voz y no el físico, no surtió efecto. Por ello en 2001, una Jessica Simpson más delgada, más ligerita de ropa y mostrando una imagen sexy irrumpió en el panorama musical con su segundo álbum de estudio, titulado Irresistible. Por tanto, para este nuevo trabajo se tragaron sus propias palabras sobre ser virgen hasta el matrimonio, e intentaron vender a Jessica no como la Mariah de los 90, sino como la Christina provocativa y la Britney con sus coreografías y sus canciones pegadizas. Además del radical cambio de imagen, la música de Jessica también evolucionó y dejó atrás sus emotivas baladas Pop para adoptar el sonido de moda, el R&B, que triunfaba durante aquellos años. Irresistible está compuesto en su mayoría por marchosos temas R&B con influencia dance-pop, además de varias baladas reminiscencia de Sweet Kisses. Algunos de los productores musicales del momento trabajaron en este álbum, como Cory Rooney (quien ya participó en su anterior álbum), Louis Biancaniello & Sam Watters, Rodney “Darkchild” Jerkins, además de Walter Afanasieff, quien produjo las baladas del disco y es el responsable de los mayores éxitos de Mariah Carey. El single presentación del álbum fue el tema que da título al álbum, Irresistible, un pegadizo tema pop/R&B producido por el sueco Anders Bagge que contaba con el típico sonido urbano de principios del 2000. Este single llamó la atención por su espectacular videoclip, que mostraba la nueva imagen de Jessica, con menos ropa y más coreografía, y resultó un éxito moderado en las listas de venta, ya que fue top 20 en Reino Unido y Estados Unidos. El segundo single fue A Little Bit, un marchoso tema dance-pop con influencias urbanas producido por Rick Wake, conocido por su trabajo previo con Anastacia, Jennifer Lopez o Mariah Carey. Este marchoso tema, uno de los más up-tempo y bailables del álbum, fue incapaz de repetir la buena acogida de Irresistible y fracasó en las listas de venta, por ello no más singles fueron lanzados de este álbum. Un tercer single fue planeado, la espectacular balada “When You Told Me You Loved Me” compuesta y producida por Afanassieff, pero su lanzamiento fue cancelado. Esta dramática balada, muy al estilo Mariah, es uno de los puntos fuertes del disco ya que Jessica nos muestra su enorme torrente de voz. Mi tema favorito del álbum es el medio tiempo R&B/pop “Forever In Your Eyes”, compuesto por el que se convertiría en su futuro marido Nick Lachey y que hubiera sido un gran candidato como single. De entre los temas up-tempo que abundan en el álbum, destacan el potente y enérgico “Hot Like Fire” producido por Cory Rooney y en el que Jessica se deshace de su imagen virginal y canta abiertamente de sexo, el marchoso tema dance-pop “What It’s Gonna Be” que podría pertenecer al álbum Oops! de Britney, “Imagination”, otro tema up-tempo R&B con influencia Hip-Hop por su base melódica, obra de Darkchild, o “I Never”, también producido por Darkchild y que contaba con su inconfundible sonido R&B del año 2000.

51y2DZ3Ic2LIrresistible recibió críticas principalmente negativas por ser un disco muy genérico y sobre-producido, debutó en el #6 de la lista americana de álbumes y fue certificado oro por ventas superiores al medio millón de unidades, una cifra claramente inferior a la de su álbum debut y también a la de su siguiente disco de estudio, In This Skin, que se convertiría en el trabajo más exitoso de su carrera musical. Aunque sea el menos vendido de sus tres primeros álbumes, y fuera muy infravalorado por la crítica y el público, es claramente superior a sus siguientes trabajos discográficos, en los que ha pasado del Dance-pop al Country sin encontrar su estilo propio y han tenido un impacto comercial mínimo. Definitivamente, Jessica Simpson no es santo de mi devoción ya que durante su carrera musical ha tocado todos los palos intentando adoptar un estilo musical basado en lo que está de moda en vez de seguir propio su criterio, y a que responde al estereotipo de “rubia tonta” (como demostró ampliamente en su reality-show). Sin embargo, dejando a un lado su peculiar personalidad y su falta de carisma, tengo que reconocer que Irresistible es uno de mis discos favoritos ya que combina el sonido R&B del año 2000 (mi favorito) con una gran voz como la de Jessica y cuenta con buenas canciones que pudieron haber triunfado de la mano de otro artista. Sin duda, Jessica Simpson canta mejor que Britney y es más atractiva físicamente que Christina, además cuenta con un gran talento vocal y un espectacular físico, sin embargo ha tenido un éxito muy limitado y reducido a Estados Unidos, y su carrera siempre ha estado a la sombra de estas dos pop-stars. Pese a todo, merece la pena rescatar del olvido este álbum, desconocido para muchos, pero que representa la esencia del Urban-pop que adoptaron muchos cantantes durante los primeros años de la década pasada debido al auge del sonido R&B. Puntuación: 8/10. Irresistible – Amazon

Crítica de “Following My Intuition” de Craig David

1200x630bbCraig David fue uno de mis cantantes favoritos desde que apareció en el mundo de la música y se convirtió en el mayor exponente del R&B británico durante la década del 2000. El cantante de Southampton, Inglaterra, hizo su debut musical de la mano de Artful Dodger con el tema “Re-Rewind”, el cual gozó de una gran acogida en la lista de ventas británica, y sirvió para allanar el camino para su single debut en solitario. Fill Me In, el sencillo presentación de su primer álbum, resultó un gran éxito en Reino Unido, donde consiguió su primer #1 en la lista británica. No sólo fue un éxito en Europa, sino que logró tener buena acogida en el complicado mercado americano, donde fue top 20. La razón del éxito de este single se debió a su sonido R&B, estilo musical que estaba en pleno auge durante los primeros años del nuevo milenio. Born To Do It fue el primer álbum de estudio de Craig David, un trabajo compuesto por el propio cantante que combinaba el R&B/pop con sonidos típicamente británicos como el Garage y 2-Step. Los dos siguientes singles, Seven Days y Walking Away, obtuvieron similar éxito en Reino Unido y Europa, e hicieron de Craig David el cantante revelación del año 2000 y el máximo exponente del sonido R&B y UK Garage. Además estos dos singles también lograron ocupar el top 50 de la lista americana, todo un logro para un cantante, convirtiéndose en los últimos singles de Craig David que consiguieron entrar en la lista Billboard. Sus dos siguientes álbumes, Slicker Than Your Average, que fue #2 en la lista británica y contó con los singles “What’s Your Flava?” y “Rise & Fall”, y The Story Goes… también fueron moderadamente exitosos en Reino Unido, Europa y Australia, pero no lograron impactar en Estados Unidos, que dejó de ser un mercado relevante para el joven cantante inglés. Tras su cuarto trabajo discográfico, Trust Me, la carrera musical de Craig David entró en declive, las ventas de sus álbumes disminuyeron dramáticamente y su popularidad descendió a nivel mundial, aunque en su Reino Unido natal siguió siendo un artista importante. En el año 2008, Craig David puso a la venta su primer disco de grandes éxitos y en 2010 publicó Signed Sealed Delivered, un álbum de versiones de temas de estilo Motown y Funk de los años 70, que resultó un fracaso de ventas.

Después de unos cuantos años en los que apenas supimos de él, Craig David regresó al panorama musical en 2015 con varias colaboraciones con artistas del circuito Garage/Dance británico, como When The Bassline Drops, el cual originalmente se pensó como single presentación de su siguiente disco de estudio y que se trataba de un marchoso tema Garage con influencia electrónica y House. Este tema debutó en el top 10 de la lista británica, convirtiéndose en el tema más exitoso de Craig David en años. Tras la gran respuesta comercial y de crítica de este tema, el cantante inglés siguió tanteando el terreno para ver la respuesta del público antes del lanzamiento de su nuevo disco y ofreciéndonos nuevos singles dirigidos a los clubs, como Nothing Like This, un potente tema House que también obtuvo buena acogida en la lista británica. Como tercer single del álbum se lanzó One More Time, otro tema Garage con el que nos dibujaba a la perfección el sonido que iba a seguir el artista para su nuevo trabajo. En septiembre de 2016, el cantante puso a la venta su esperado sexto álbum de estudio, titulado Following My Intuition, después de una larga sequía musical. Este álbum profundiza en el sonido Garage y está compuesto principalmente por temas up-tempo con influencia Dance/House además de varios medios tiempos R&B reminiscencia de sus primeros trabajos, todos ellos compuestos por el propio Craig David. Ain’t Giving Up, lanzado un mes antes de la publicación del álbum, fue catalogado por su discográfica como el “verdadero primer single” oficial de este trabajo (aunque sea el cuarto sencillo lanzado) y se trataba de un marchoso tema Garage con influencia Tropical House producido por Sigala que logró un desempeño moderado en la lista británica. Mientras que la mayoría de canciones del álbum siguen el sonido Garage, también hay espacio para temas R&B, como el quinto single extraído, Change My Love, un bonito medio tiempo que recuerda a los temas con los que Craig David triunfó en la década del 2000, y personalmente mi canción favorita del disco. Un sexto single fue lanzado del álbum, que se trataba de una sentida balada R&B, la única presente en este álbum. All We Needed fue elegido como el sencillo de Children In Need (una asociación caritativa en para recaudar dinero para los niños desfavorecidos de Reino Unido) del año 2016. No Holding Back, un enérgico tema Dance y Garage lanzado como single por el prestigioso DJ holandés Hardwell junto a Craig David a principios del 2016 también se incluye en la versión deluxe del álbum. 

Gracias a la buena acogida de los numerosos singles lanzados con anticipación a la publicación del álbum y al gran interés de sus fans por este esperado trabajo, Following My Intuition debutó en el #1 de lista de ventas de Reino Unido, logrando su segundo disco #1 (tras su debut Born To Do It) y fue certificado oro por ventas superiores a 100 mil copias, superando ampliamente las ventas de sus 3 últimos lanzamientos, lo cual se puede considerar como “su gran disco de regreso” y un gran avance en la carrera musical de Craig David tras el traspiés de sus últimos álbumes. Con Following My Intuition, el artista inglés definitivamente siguió su intuición y creó uno de sus mejores trabajos hasta la fecha, quizás diferente a sus primeros álbumes que estaban centrados en un R&B más clásico, pero resulta muy marchoso, bailable y actual, y ha supuesto sin duda un punto de inflexión en su carrera ya que ha devuelto al cantante inglés la popularidad perdida durante estos años de retiro. Puntuación: 7/10. Following My Intuition – Amazon