Crítica de «Gloria» de Sam Smith

Gloria Sam SmithEl mes de enero suele venir cargado de novedades musicales ya que una vez que desaparecen las canciones navideñas de nuestras vidas, los artistas intentan recuperar las primeras posiciones de las listas de ventas que habían sido ocupadas por los villancicos durante el mes de diciembre. Uno de ellos ha sido Sam Smith, que ha publicado su cuarto álbum de estudio el 27 de enero, un día de extrema competencia en el que han visto la luz importantes lanzamientos internacionales, como el de Ava Max. El nuevo álbum de Sam Smith toma el relevo a Love Goes, publicado en 2020 y que acabó convirtiéndose en un ‘cajón de sastre’ que contenía todos los singles que fue lanzando durante los meses anteriores. Para dar con el primer single de este nuevo trabajo tenemos que retroceder hasta abril del año pasado cuando fue lanzado Love Me More, una melancólica balada pop/Soul a piano producida por StarGate y Jimmy Napes en la que Sam Smith habla de la superación del rechazo hacia uno mismo y recuperar el autoestima hasta encontrar la mejor versión de ti mismo. Este tema supone un himno de auto-aceptación y nos devuelve al Sam de sus comienzos, sin embargo ha pasado muy inadvertida en las listas de venta. En septiembre llegó el segundo single, Unholy, que se trata de un tema electropop producido por Jimmy Napes, Ilya y Cirkut que cuenta con la colaboración de Kim Petras y cuyas letras hacen referencia a un hombre casado que acude a un local de alterne y le es infiel a su mujer. Este peculiar tema contiene cantos gregorianos, influencias de la música Árabe y cuenta con la breve (y totalmente prescindible) participación de la cantante alemana Kim Petras, que únicamente se dedica a nombrar marcas de lujo. ‘Unholy’ ha resultado un éxito comercial y ha alcanzado el #1 en importantes mercados musicales como Estados Unidos, Australia, Canadá o Reino Unido. En los dos minutos y medio que dura ‘Unholy’ aparecen acreditadas hasta 8 compositores, pero que no logran salvar esta canción rimbombante y con muchas ínfulas que no aporta nada nuevo al conjunto del álbum. A principios de enero llegó el tercer single, Gimme, que se trata de un tema up-tempo con influencias tropicales que cuenta con la participación de la cantante canadiense Jessie Reyez y la rapera jamaicana Koffee y contiene un temática muy sexual.

El cuarto álbum de estudio del cantante inglés tiene por título Gloria y está formado por un compendio de clásicas baladas pop/Soul y temas up-tempo de estilo synth-pop y dance-pop, compuestos por el propio Sam bajo la producción de sus habituales colaboradores Jimmy Napes y StarGate, además de Ilya, Cirkut, Steve Mac o Calvin Harris entre otros. Este álbum habla del proceso de sanación y recuperación personal vivido por parte de Sam Smith tras haber pasado por un periodo oscuro de su vida y trata temas como el sexo, las relaciones amorosas y el auto-empoderamiento. «Gloria» sigue los pasos de «Love Goes», que se caracterizó por añadir temas up-tempo a su repertorio, sin embargo seguimos encontrando numerosas canciones lentas, que fueron y siguen siendo la seña de identidad de Sam Smith, tal y como podemos comprobar en ‘No God’, una balada R&B/Soul en la que habla de un amante que se cree Dios pero en realidad es un ser imperfecto y con numerosos defectos, ‘Who We Love’, que supone un himno a la diversidad e igualdad y cuenta con la participación del omnipresente Ed Sheeran o ‘Perfect’, en la que admite sus fallos e imperfecciones. Los dos temas up-tempo más destacados son ‘Lose You’, un tema dance-pop producido por Cirkut e Ilya que relata la partida de su pareja tras una dolorosa ruptura y ‘I’m Not Here To Make Friends’, un marchoso tema dance-pop con influencia Disco producido por Calvin Harris y StarGate en el que Sam declara que lo único que necesita es un encuentro sexual y sería una magnífica elección como siguiente single.

Con ‘Unholy’ y ‘Gimme’ como singles anticipo, uno se esperaría un álbum de sonido arriesgado, bailable y divertido, sin embargo una vez que escuchas «Gloria» te das cuenta que dichos temas son la excepción al contenido real del álbum, que no se aleja demasiado del estilo de los primeros álbumes del londinense. En conclusión, «Gloria» se queda a mitad de camino entre el estilo tradicional que el público más conservador espera (y su discografía desea seguir ofreciendo) y el estilo ‘queer’ y ‘camp’ que Sam se esfuerza por mostrar últimamente, por lo que al final el álbum no resulta centrado ni cohesivo. Tampoco aportan nada en el álbum los artistas invitados, ya que todas las colaboraciones resultan prescindibles e innecesarias, sobretodo la anodina Jessie Reyez, que aparece hasta en tres ocasiones. Aún así, «Gloria» un trabajo más que digno, con un par de temas up-tempo muy interesantes y varias baladas preciosas. Temas imprescindibles: Lose You, I’m Not Here To Make Friends, No God, Love Me More y Perfect. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de «Diamonds & Dancefloors» de Ava Max

Diamonds & DancefloorsEl álbum debut de la cantante americana Ava Max supuso un soplo de aire fresco en el panorama musical gracias a una sucesión de canciones pop sumamente pegadizas y efectivas que fueron recibidas por parte del público de manera desigual. Mientras que ‘Sweet but Psycho’ (que ocupó el #1 en más de 20 países y resultó un auténtico éxito), ‘So Am I’, ‘Torn’ o ‘Kings & Queens’ sonaron con fuerza en las radios de todo el mundo, otros singles como ‘Who’s Laughing Now’ o ‘OMG What’s Happening’ pasaron más desapercibidos entre el público pese a su innegable potencial. Tras dos años de promoción en los que llegó a lanzar hasta 7 singles, en septiembre de 2020 vio la luz Heaven & Hell, el álbum debut de la cantante de ascendencia albanesa, el cual recibió críticas muy positivas de los expertos musicales por su sólido conjunto de canciones pop que contenían estribillos tremendamente eficaces, aunque se mostraron más críticos ante las letras de las canciones y su labor como compositora. «Heaven & Hell» tuvo un gran impacto comercial en Europa, donde fue muy bien acogido por parte del público y logró ocupar el #2 en Reino Unido o el top 10 en España, Alemania o Suecia. En Estados Unidos debutó en un discreto top 30, pero acabó siendo certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares, entre streaming y copias físicas. El álbum debut de Ava Max estaba formado por un sólido conjunto de temas pop, electropop y dance-pop de carácter up-tempo compuestos por la propia cantante bajo la producción de Cirkut (quien fue pareja sentimental de Ava y ha sido responsable de éxitos de Kesha, Katy Perry o Britney Spears) además de RedOne o Shellback, también expertos en temas pop de éxito. «Heaven & Hell» no contenía relleno y se podía escuchar de principio a fin sin saltar ningún tema, por ello desde el blog MiSTeR MuSiC lo consideré el mejor álbum del 2020 en el listado que realicé a finales de año.

En abril del año pasado, la cantante nacida en Milwaukee (Wisconsin) lanzó el single presentación de su nuevo proyecto musical, Maybe You’re The Problem, que se trata de un marchoso tema synth-pop y dance-pop con influencia de la música de baile de los años 80 y cuya melodía de sintetizadores recuerda a ‘Blinding Lights’ de The Weeknd (que tantas veces ha sido imitado estos últimos años) o ‘As It Was’ de Harry Styles. En este pegadizo tema, Ava Max reflexiona sobre el mal comportamiento de su novio y pese haber sido advertida por ex-parejas de él, sigue dándole nuevas oportunidades, hasta que llega a la conclusión de que «el problema puede que lo tenga él». Pese a su gran potencial, ‘Maybe You’re The Problem’ tuvo un rendimiento comercial mediocre y únicamente entró en la parte baja de las listas de ventas, sin embargo supera los 100 millones de reproducciones en Spotify. En el mes de septiembre, Ava lanzó el segundo single, Million Dollar Baby, un tema dance-pop de aire ‘dosmilero’ que contiene una interpolación de ‘Can’t Fight The Moonlight’ de LeAnn Rimes (perteneciente a la banda sonora de la película ‘El Bar Coyote’) durante el estribillo y habla del sentimiento de liberación y emancipación de una mujer que se sentía oprimida, convirtiéndose en un himno de empoderamiento femenino y del auto-estima. Sin duda ‘Million Dollar Baby’ es un single pegadizo y bailable pero ha recibido algunas críticas que lo tachan de genérico y que abusa del gancho «ma ma ma ma» popularizado por Lady Gaga en ‘Bad Romance’ y que ya fue utilizado anteriormente por Ava en su hit ‘Sweet but Psycho’.

En el mes de noviembre llegó un nuevo sencillo promocional, Weapons, que se trata de un marchoso tema dance-pop y synth-pop de inspiración ochentera en el que Ava Max advierte a su amante que deje de «usar sus palabras como armas» para hacerle daño porque es invencible. En diciembre, tras desvelar la verdadera portada del álbum y descartar la anterior (afortunadamente), la cantante americana aprovechó para ofrecer un nuevo sencillo promocional, Dancing’s Done, que destaca por bajar sensiblemente de ritmo con respecto a los anteriores singles y se trata de un potente tema electropop de sonido oscuro cuyas letras hacen referencia al momento de la noche en que acabas de bailar y se abre un mundo de posibilidades con la persona que has conocido en la discoteca. Como anticipo a la publicación del álbum se ha lanzado un nuevo single, One of Us, que se trata de un tema dance-pop y synth-pop de estribillo épico en el que Ava trata el tema del desamor y describe una ruptura que intenta que sea lo menos dolorosa para ambos.

El segundo álbum de estudio de Ava Max, titulado Diamonds & Dancefloors, tenía previsto ver la luz el pasado mes de octubre tras el lanzamiento del segundo single, pero debido a la filtración en internet de varios de los temas y el escaso interés de los sencillos promocionales por parte del público, se decidió posponer la publicación unos meses para descontento de sus fans, que reaccionaron negativamente en las redes sociales ante el retraso. «Diamonds & Dancefloors» está formado por 14 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del pop, dance-pop y electropop, con un estilo muy similar al de su primer álbum, aunque en este caso se influencia del sonido synth-pop de los años 80 y 90 a diferencia de «Heaven & Hell», que se inspiraba en el pop de la década del 2000. Al igual que en su anterior trabajo, Ava Max ha participado en la composición de todas las canciones y ha contado nuevamente con la producción de Cirkut, aunque pierde cierto protagonismo en esta ocasión y se le suman otros nombres como Jonas Jeberg, Lostboy, Burns, Jason Evigan o David Stewart.

Ava Max DiamondsLa cantante grabó el álbum durante el 2021, al que se refiere como «el año más duro de su vida», lo que le inspiró a componer canciones que sacaron su lado más sensible y vulnerable. El concepto general del álbum es el de «llorar en la pista de baile», que se puede considerar un género en sí mismo dentro del pop debido a la cantidad de canciones que existen con esta temática e incluso el mismo título. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Diamonds & Dancefloors’, que da título a este trabajo y se trata de un tema dance-pop con influencia Disco que contiene una melodía similar a la de ‘My Head & My Heart’ y cuyas letras hacen referencia a la pasión de Ava por la música y las discotecas como método de escape ante las adversidades o ‘Sleepwalker’, en el que advierte a su interés amoroso que le convertirá en un ‘sonámbulo’ rendido ante ella debido a su poder adictivo y destaca por el uso de guitarras sintetizadas en el puente de la canción, que recuerdan a las usadas anteriormente en ‘Kings & Queens’. También merece la pena reseñar ‘Ghost’, en el que utiliza diversas metáforas sobre fantasmas para referirse a un amante al que no puede olvidar, ‘Hold Up (Wait a Minute)’, un tema dance-pop con influencia Disco en el que Ava habla de las sospechas que tiene de que su novio le está engañando o ‘Cold as Ice’, un tema electropop y synth-pop en el que la rubia cantante se presenta como una mujer peligrosa, fría y que sólo busca un pasatiempo con su amante y no una relación seria.

Muchas expectativas estaban puestas en el nuevo álbum de Ava Max, además de la presión extra que supone el segundo álbum para un artista que ha conseguido cierto éxito con su primer trabajo, sin embargo la espera ha merecido la pena ya que nos encontramos ante un álbum muy sólido compuesto por canciones inmediatas y dirigidas a las pistas de baile. Resultaba muy complicado superar la gran calidad de «Heaven & Hell», que es uno de los mejores álbumes pop publicados en los últimos años, pero lo cierto es que «Diamonds & Dancefloors» es un sucesor más que digno de dicho álbum ya que las canciones presentes están a la altura de sus singles más conocidos, pero en su conjunto no resulta tan original y tiende a repetir la misma fórmula utilizada en «Heaven & Hell», aunque es de alabar la capacidad de Ava para seguir creando estribillos pegadizos e inmediatos, que quizás no contienen un componente lírico muy profundo y están cargados de clichés, pero resultan tremendamente efectivos. Sin duda «Diamonds & Dancefloors» es uno de los álbumes pop más destacados del año y personalmente mi favorito entre los publicados hasta el momento. Temas imprescindibles: Dancing’s Done, Million Dollar Baby, Diamonds & Dancefloors, Maybe You’re The Problem, Weapons, Sleepwalker y One of Us. Puntuación: 8’5/10.

Throwback Review: «Can’t Be Tamed» de Miley Cyrus

Can't Be TamedTras numerosos años interpretando a Hannah Montana, la cantante y actriz Miley Cyrus empezó a no sentirse cómoda en dicho papel y decidió que quería pasar página de este proyecto y expresar su propia personalidad. Al margen de la exitosa serie, la hija de Billy Ray Cyrus publicó dos álbumes con los que pretendía alejarse de las pelucas y los coloridos atuendos de Hannah Montana, sin embargo todavía era una adolescente con música dirigida al público infantil. En 2010 vio la luz su tercer álbum de estudio, Can’t Be Tamed, el cual marca una divergencia con respecto al estilo de sus anteriores álbumes, encuadrados dentro de un pop/rock muy comercial y se sumerge de lleno en el sonido electropop que estaba de moda durante los primeros años de la década del 2010. El título del álbum hace referencia a un momento vital de transición en el que pretendía deshacerse de la imagen infantil que el público tenía de ella y romper con el estilo musical que había hecho hasta ahora y del cual se sentía desconectada, por lo que adoptó una imagen más sexy y provocativa y un tipo de música radicalmente diferente. En este álbum podíamos empezar a intuir tímidamente la rebeldía que expresaría en sus siguientes trabajos. «Can’t Be Tamed» está formado por 12 temas encuadrados dentro del electropop y el dance-pop y compuestos por la propia Miley junto a Rock Mafia y John Shanks, quienes se encargan de la producción de manera equitativa (los 6 primeros temas están producidos por sus habituales colaboradores y los 6 últimos por John Shanks). La mayor parte de los temas presentes en el álbum son de carácter up-tempo y bailable, aunque podemos encontrar varias baladas con ciertas pinceladas pop/rock y Country reminiscencia de sus anteriores trabajos. «Can’t Be Tamed» debutó en el #3 de la lista americana (a diferencia de sus últimos  álbumes que fueron #1) y ocupó el top 10 en los principales mercados internaciones, sin embargo las ventas fueron bajas y fue considerado como un fracaso comercial y una decepción por parte de su discográfica.

El single presentación fue el tema que daba título al álbum, Can’t Be Tamed, que se trata de un tema electropop y dance-pop en el que Miley expresa su deseo de escapar y experimentar la libertad, unas letras que expresan la frustración de la cantante con respecto a la música infantil que había hecho hasta la fecha y su deseo de auto-expresión. ‘Can’t Be Tamed’ recibió opiniones positivas de los expertos musicales por su nueva dirección musical adoptada por la cantante y tuvo un buen desempeño comercial ya que alcanzó el top 10 en la lista americana de single y el top 20 en Reino Unido, Australia, España y Francia. Como segundo single se lanzó Who Owns My Heart, un enérgico tema electropop y dance-pop producido por Rock Mafia cuyas letras hacen referencia a encontrar a una persona especial en la discoteca. Pese a ser uno de los temas más bailables y pegadizos del álbum, ‘Who Owns My Heart’ tuvo un escaso impacto comercial y apenas entró en las principales listas de venta, por lo que fue el último single lanzado y propició la salida de Miley de su sello discográfico.

Dentro de la primera parte del álbum, producida por Rock Mafia, destacan temas como ‘Liberty Walk’, en el anima a las personas que han sido oprimidas a liberarse y resulta un himno de empoderamiento o ‘Two More Lonely People’, que habla de una relación que no pasa por su mejor momento y cuyo futuro depende de la decisión de él. De la segunda parte, cuyo responsable es John Shanks, merece la pena reseñar ‘Scars’, un potente tema dance-pop con influencias pop/rock y uso prominente de guitarra o ‘Permanent December’, un pegadizo tema electropop que guarda muchas similitudes con ‘TiK ToK’ de Kesha e incluso adopta la típica manera de rapear de Kesha durante los versos. Como he comentado, la mayor parte del álbum es up-tempo aunque encontramos un par de baladas: ‘Every Rose Has Its Thorn’ que se trata de una versión del grupo de rock Poison y resulta la única canción no original del álbum o ‘Forgiveness and Love’, influenciada por el sonido Country y en la que Miley muestra su lado más vulnerable y nos deleita con su poderoso rango vocal.

Las canciones encuadradas dentro del electropop destacan por ser marchosas, bailables y perfectas para las pistas de baile, pero en muchos casos resultan genéricas y carentes de personalidad. «Can’t Be Tamed» es un ejemplo perfecto del sonido electropop que triunfaba a finales del 2000 y principios de la década del 2010 y sigue los pasos de álbumes como «Animal» de Kesha, «Femme Fatale» de Britney Spears o «The Fame» de Lady Gaga, que contaban un estilo muy similar y sin duda han sido fuente de inspiración para este álbum. En resumen, «Can’t Be Tamed» está formado por un digno conjunto de canciones pegadizas y resulta un álbum cohesivo ya que sólo hay dos productores implicados, sin embargo los puntos negativos son el componente lírico (contiene letras muy genéricas y llenas de clichés), el excesivo parecido entre las canciones presentes y su similitud con otras canciones electropop famosas. Temas imprescindibles: Who Owns My Heart, Can’t Be Tamed, Liberty Walk, Two More Lonely People, Permanent December, Scars y Forgiveness and Love. Puntuación: 7/10.

Throwback Review: «Prism» de Katy Perry

Katy Perry PrismKaty Perry vivió su mejor momento profesional durante los años 2010 y 2011 y se convirtió en una super estrella del pop gracias al gran éxito que cosechó su tercer álbum, Teenage Dream, el cual superó los 6 millones de copias en todo el mundo y contó con una acertada selección de singles entre los que destacaban ‘Firework’, ‘California Gurls’, ‘Last Friday Night’ o ‘Teenage Dream’. Los 5 primeros singles lanzados alcanzaron la posición de honor en la lista americana, convirtiendo a «Teenage Dream» en el segundo álbum de la historia de la música en contener 5 singles #1 tras «Bad» de Michael Jackson y a Katy en la primera mujer en conseguir este importante logro. Tras el tremendo éxito del álbum, fue re-editado con nuevos temas entre los que se encontraban ‘Part of Me’, que nuevamente alcanzó el #1 en la lista americana, ampliando la impresionante racha comercial de la cantante californiana. En octubre de 2013 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Katy Perry, titulado Prism y que está formado por 13 temas encuadrados dentro del dance-pop, pop/rock y electropop con influencias Trap, House o Disco compuestos por la propia Katy Perry bajo la producción de Max Martin y Dr. Luke (quienes fueron los responsables de los hits de «Teenage Dream» y se encargan de la mayoría de temas de este álbum), además de Cirkut, Greg Kurstin, StarGate o Bloodshy, la mitad de Bloodshy & Avant. Con «Prism», la cantante de Santa Bárbara repitió la fórmula del exitoso «Teenage Dream», con el que guarda numerosas similitudes, por lo que recibió varias críticas negativas de los expertos musicales al no ofrecer nada nuevo al público aunque es de alabar la madurez y vulnerabilidad que muestra Katy en varias de las canciones. «Prism» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en su segundo ‘chart topper’ en Estados Unidos y acabó superando el millón y medio de copias puras (la mitad de lo que consiguió «Teenage Dream») aunque consiguió un alto nivel de streaming. Alrededor del mundo el álbum también resultó un éxito y alcanzó el #1 en Australia, Reino Unido o Canadá y fue top 5 en los principales mercados musicales, con unas ventas superiores a los 4 millones de copias.

El single presentación del álbum fue Roar, un pegadizo tema power-pop con influencia pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke cuyas letras hacen referencia a defenderse a sí mismo ante las adversidades y resulta un himno de auto-empoderamiento. ‘Roar’ es el típico primer single divertido y alegre que nos ofrece Katy antes de ofrecernos otros temas con letras más profundas y un contenido más serio y ha recibido críticas positivas por su naturaleza desenfadada y sus pegadizas letras aunque también resulta genérico. ‘Roar’ tuvo un gran impacto en Estados Unidos, donde se convirtió en el octavo #1 de Katy en la lista americana y en el resto del mundo también alcanzó el #1 en Reino Unido, Australia o Canadá. Este single destacó por su cómico videoclip, ambientado en la selva y con Katy en el papel de una versión femenina de Tarzan. Como segundo single se lanzó Unconditionally, una balada mid-tempo de estilo pop/rock que habla del amor universal en todas sus vertientes, cuenta nuevamente con la producción de sus habituales colaboradores Max Martin y Dr. Luke y cabe destacar que es el tema favorito de la cantante dentro de su nuevo álbum. ‘Unconditionally’ recibió buenas impresiones de los críticos por la vulnerabilidad y emotividad mostrada por Katy sin embargo su rendimiento comercial fue bastante mediocre en comparación a sus anteriores singles y apenas ocupó el top 15 en Estados Unidos, Australia o Canadá y el top 25 en Reino Unido y Alemania. El tercer single lanzado fue Dark Horse, un tema mid-tempo electropop con influencia Trap y Hip Hop que cuenta con la participación del rapero Juicy J y destaca por sus letras con referencias mágicas en las que una bruja advierte a un hombre que no se enamore de ella. ‘Dark Horse’ resultó un auténtico éxito: alcanzó el #1 en la lista americana y ocupó el top 5 en los principales mercados musicales. Este single obtuvo buenas críticas por su originalidad, su influencia del sonido Trap (que se convertiría en tendencia dentro del pop) y recibió una nominación a los premios Grammy en la categoría de mejor actuación pop de un dúo/grupo. Como cuarto single se lanzó Birthday, un marchoso tema dance-pop con influencia Disco en el que Katy hace referencias sexuales mientras celebra el cumpleaños de su pareja. 

Uno de los sencillos promocionales de «Prism» fue ‘Walking On Air’, un enérgico tema House/Disco que supone el momento más up-tempo y bailable del álbum y pese a no haber sido lanzado de manera oficial ocupó el top 40 en la lista americana. Merecen la pena ser reseñados ‘Double Rainbow’, un emotivo tema electropop mid-tempo compuesto junto a Sia y producido por Greg Kurstin que habla de encontrar la persona indicada, ‘Legendary Lovers’, un épico tema dance-pop que destaca por su influencia del sonido Bhangra y el uso prominente de percusión o ‘Love Me’, un tema dance-pop y electropop producido por Bloodshy cuyas letras hacen referencia a amarse a uno mismo de la misma manera que quieres ser amado por los demás. En resumen, «Prism» es un buen álbum lleno de canciones pop con estribillos efectivos y adictivos que siguen la fórmula de «Teenage Dream», sin embargo no resulta tan redondo en su conjunto ya que encontramos más relleno. Pese a sus evidentes fallos, como sus letras de naturaleza genérica y formulaica, es un digno sucesor de su predecesor ya que se aprecia una mayor madurez por parte de Katy Perry y contiene una mayor diversidad musical. Temas imprescindibles: Dark Horse, Unconditionally, Roar, Walking On Air, This Moment, Legendary Lovers y Birthday. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «The Lost Tapes» de Sugababes

The Lost TapesSugababes es uno de los grupos femeninos que cuentan con una historia más compleja e intrincada dentro del pop contemporáneo, ya que desde sus inicios musicales a finales de los años 90 se han sucedido numerosos cambios de componentes (6 chicas diferentes han pasado por sus filas) hasta finalizar su carrera en 2011 con un grupo totalmente diferente al que empezó. Conocidas eran sus broncas y peleas en el backstage de sus conciertos o antes de las entrevistas promocionales y su fama de chicas complicadas y malhumoradas las persiguió durante su andadura profesional, sin embargo y pese a todas estas circunstancias, han sido capaces de ofrecer algunos de los mejores singles y álbumes del pop de las últimas décadas. Cuando eran apenas unas adolescentes, Keisha Buchanan, Mutya Buena y Siobhan Donaghy debutaron en el año 2000 con su álbum debut, One Touch, el cual destacó por la madurez de sus letras, sus perfectas armonías y estaba formado por un conjunto de temas pop/R&B con tintes electrónicos y un acusado toque alternativo que las diferenciaba de las típicas ‘girl bands’ que triunfaban por entonces, como Spice Girls o Atomic Kitten. Tras este álbum, Siobhan abandonó la formación para desarrollar su carrera en solitario, sin embargo más tarde se supo que sufrió depresión clínica debido a las peleas con sus compañeras y la presión de la fama. En su lugar entró Heidi Range (componente original de Atomic Kitten pero que abandonó el grupo antes de lanzar material), la cual se convirtió en una parte esencial de la banda ya que participó en 6 álbumes de estudio, dos de ellos #1 en Reino Unido y permaneció hasta la separación de Sugababes. En 2005 y tras participar en 4 álbumes, Mutya abandonó Sugababes citando motivos personales, aunque en entrevistas posteriores alegó que sufrió depresión post-parto tras el nacimiento de su hija. Tan sólo dos días después del abandono de Mutya ya tenía sustituta, Amelle Berrabah, quien re-grabó varios temas de «Taller In More Ways» para continuar con la frenética promoción y un año más tarde formó parte del álbum de grandes éxitos de Sugababes en el que su presencia era mínima ya que era una recién llegada en el grupo. En 2010, el grupo publicó «Sweet 7», un álbum de electropop y dance-pop genérico que se distanciaba del sonido original de Sugababes. Keisha, la única componente fundadora que permanecía en el grupo, debido a discrepancias por la deriva artística del grupo y sus peleas con Amelle, fue expulsada de Sugababes tras el lanzamiento del primer single, por lo que rápidamente fue buscada una sustituta, Jade Ewen, quien re-grabó las partes de Keisha y continuó con la promoción del álbum.

En 2011 el grupo formado por Heidi, Amelle y Jade se tomó un descanso temporal que acabó en una separación indefinida, pero para sorpresa de todos, un año más tarde la formación original se reunió nuevamente bajo el nombre Mutya Keisha Siobhan ya que no tenían los derechos de la marca Sugababes de manera legal (pertenecían a su antiguo equipo de managers) y comenzaron a grabar un nuevo álbum. En 2013, lanzaron el single anticipo del álbum, Flatline, que se trataba de un tema pop/R&B up-tempo de sonido muy ‘noventero’ producido por Dev Hynes en el que las chicas hablaban del deterioro de una relación. ‘Flatline’ fue aclamado por los expertos musicales, quienes además celebraron el regreso de la banda, sin embargo tuvo un tibio desempeño comercial y apenas ocupó el top 50 en la lista británica de singles. Tras la filtración de varias canciones de este trabajo, el álbum fue desechado y las chicas siguieron grabando nuevas canciones y en 2019 recuperaron el nombre de Sugababes tras una ardua batalla legal.

El día de Navidad, Sugababes lanzaron por sorpresa un álbum inédito en las plataformas musicales como detalle hacia sus fans por todo el apoyo mostrado los últimos años. No se trata de un nuevo álbum, sino el que fue grabado hace 8 años durante las sesiones de grabación posteriores a su reencuentro y que por extrañas razones nunca vio la luz. The Lost Tapes es el octavo álbum de estudio de Sugababes (el segundo que cuenta con la formación original) y está formado por 13 temas de estilo pop con elementos electropop, R&B y pop/rock e influenciado por la música de los años 80 y 90, aunque cuenta con el sello inconfundible de Sugababes. Las componentes del grupo han participado activamente en la composición de todos los temas del álbum (especialmente Siobhan, quizás la componente menos conocida por parte del público pero muy talentosa como compositora y vocalista) con la ayuda de Shaznay Lewis de All Saints, Sia o Emeli Sandé y bajo la producción de importantes nombres de la industria musical británica como Richard Stannard, MNEK, Cameron McVey, Dev Hynes o Naughty Boy entre otros. En el álbum destacan ‘Metal Heart’, un tema synth-pop/R&B que trata el tema del desamor y en el que hablan de un hombre frío que no muestra sus sentimientos, ‘Beat Is Gone’, en el que las chicas hablan de una ruptura amorosa tras vivir una relación tóxica y que les deja como «si la música se hubiera marchado» o ‘I’m Alright’, un tema mid-tempo pop/R&B que se convierte en un himno a la resiliencia. Dentro del álbum dominan los medios tiempos aunque también encontramos marchosos temas up-tempo como ‘Today’, producido por MNEK, con ciertas influencias Garage y que destaca por su marcado bajo y su percusión o ‘Summer of 99’, que combina electropop, dance-pop y pop/rock, está compuesto por Siobhan junto a Shaznay y recuerda a uno de los mayores éxitos del grupo, ‘About You Now’.

En resumen, «The Lost Tapes» me ha sorprendido gratamente ya que en ningún momento suena a álbum de descartes, al contrario, es un trabajo cohesionado y sólido, en el que destacan las perfectas armonías de las componentes y queda patente su talento como compositoras y vocalistas. Además, pese a que este proyecto ha estado guardado en un cajón durante 8 años, las canciones presentes en «The Lost Tapes» suenan atemporales, no resultan anticuadas y recuerdan con nostalgia los mejores momentos del grupo. Como gran seguidor de Sugababes desde sus orígenes, es un placer volver a escuchar nueva música y más viniendo de su formación original, por lo que desde el blog MiSTeR MuSiC estaremos muy atentos de los siguientes pasos de Sugababes, que han prometido nuevo álbum y seguirán de gira durante el 2023. Temas imprescindibles: Metal Heart, Beat Is Gone, Love Me Hard, Flatline, Today, No Regrets y I’m Alright. Puntuación: 7’5/10. 

Throwback Review: «The Fame Monster» de Lady Gaga

The Fame MonsterEn el año 2008 Lady Gaga protagonizó uno de los debuts más importantes del mundo de la música con The Fame, el cual se convirtió en un auténtico éxito de ventas gracias a una excelente selección de singles entre los que se encontraban ‘Just Dance’, ‘Poker Face’ o ‘LoveGame’. Con millones de copias vendidas, infinidad de premios y una popularidad al alza, la cantante neoyorquina publicó en noviembre de 2009 una re-edición de su primer álbum, titulada The Fame Monster, que se lanzó como EP independiente en Estados Unidos y ciertos territorios y como doble álbum junto a la edición original de «The Fame» en el resto del mundo. «The Fame Monster» sigue la estela musical del primer álbum y está compuesto por 8 temas encuadrados dentro del sonido electropop y synth-pop bajo la producción de RedOne (responsable del éxito de «The Fame»), además de Rodney ‘Darkchild’ Jerkins, Ron Fair y Fernando Garibay. Este álbum trata el lado más oscuro de la fama e incorpora numerosas referencias a los diferentes ‘monstruos’ que tenemos en nuestro interior, como el miedo a la muerte, al sexo o a las relaciones. El primer single de la re-edición fue Bad Romance, un enérgico tema electropop y dance-pop producido por RedOne e inspirado en el sonido Techno/House alemán en el que Lady Gaga habla sobre su atracción por las relaciones amorosas complicadas y representa a la perfección el tono oscuro y sombrío presente en «The Fame Monster». Desde un primer momento, ‘Bad Romance’ fue aclamado por la crítica y resulta uno de los singles más adictivos de la cantante gracias a los pegadizos ganchos vocales utilizados y su poderoso estribillo y pasó a formar parte de los singles más representativos de su carrera. Este single recibió numerosos premios, entre ellos un Grammy a mejor actuación femenina vocal de pop. Con la popularidad de Lady Gaga en su mejor momento, ‘Bad Romance’ resultó un auténtico éxito comercial: alcanzó el #1 en más de 20 países en todo el mundo (en Estados Unidos y Australia fue #2) y acabó superando los 12 millones de copias, convirtiéndose en su segundo single más vendido por detrás de ‘Poker Face’ y entrando en la élite de los singles más vendidos de todos los tiempos.

Tras el asombroso éxito de ‘Bad Romance’, como segundo single se lanzó Telephone, un tema dance-pop y electropop producido por Darkchild y con la participación de Beyoncé en el que Gaga declara que prefiere seguir en la pista de baile antes que responder a una llamada telefónica, aunque según la cantante dicha llamada representa su miedo a no haber trabajado lo suficiente como para triunfar. Cabe destacar que ‘Telephone’ fue originalmente grabado por Britney Spears para su álbum «Circus», pero tras ser rechazado por la princesa del pop (y van ya unos cuantos hits que dejó escapar) fue grabado por la propia Gaga con la colaboración de Beyoncé. El videoclip de ‘Telephone’ daba continuación a la trama iniciada en el videoclip ‘Paparazzi’, en el que tras envenenar a su novio, Gaga es encarcelada y tras salir de prisión, Beyoncé va a recogerla y siguen haciendo fechorías juntas. ‘Telephone’ tuvo un excelente desempeño comercial y alcanzó el #1 en Reino Unido y el top 5 en los principales mercados musicales. El tercer single de «The Fame Monster» fue Alejandro, un tema synth-pop de carácter mid-tempo con influencia Latin-pop que incorpora numerosas referencias a la cultura latina y varias palabras en español. En ‘Alejandro’, la cantante habla de su miedo a los hombres y relata las relaciones fallidas con sus novios latinos Alejandro, Roberto y Fernando. Este single continuó la imparable racha de éxitos de Lady Gaga y nuevamente tuvo una gran acogida por parte del público ya que ocupó el top 5 en Estados Unidos, Alemania, Australia o España y el top 10 en Reino Unido. Inicialmente Dance In The Dark iba a ser elegido como el tercer single pero Lady Gaga prefirió ‘Alejandro’, por lo que fue lanzado de manera limitada como cuarto single, pero debido a los compromisos de la cantante con su gira mundial y la ausencia de promoción o videoclip, apenas tuvo impacto en las listas de venta. ‘Dance In The Dark’ es una de las joyas de «The Fame Monster» (personalmente mi canción favorita) y se trata de un tema synth-pop de sonido retro producido por Fernando Garibay en el que Stefani Germanotta habla de una mujer que se siente insegura de su cuerpo y prefiere practicar sexo en la oscuridad. En la canción, Gaga también rinde homenaje a importantes mujeres de la historia que fallecieron de manera trágica como Diana de Gales o Marilyn Monroe. ‘Dance In The Dark’ recibió una nominación a mejor grabación Dance en los premios Grammy y sirvió de tema inicial en el la gira «The Monster Ball», a la que yo tuve el placer de asistir. 

Ciertamente se lanzaron como singles las mejores canciones de «The Fame Monster», sin embargo merece la pena reseñar ‘Monster’, que representa el miedo al sexo y las relaciones y se trata de un tema synth-pop en el que relata su atracción por los hombres mujeriegos y peligrosos de los que no puede escapar o ‘So Happy I Could Die’, otra de las aportaciones de RedOne y que habla sobre la liberación a través del alcohol y el sexo. El EP también incluye una de las baladas pop/rock que tanto le gustan a Gaga, ‘Speechless’, que representa el miedo a la muerte y está inspirado por la música de sus adorados Queen. En resumen, «The Fame Monster» no hizo sino incrementar la enorme popularidad que consiguió Lady Gaga durante su primer álbum y la consagró como la estrella pop del momento. Considero que este EP fue una gran adición al ya de por sí excelente álbum debut de Gaga y en mi opinión «The Fame Monster» representó la mejor era de la cantante antes de que sus extravagancias y excentricidades eclipsaran su música. Temas imprescindibles: Dance In The Dark, Bad Romance, Alejandro, Telephone, So Happy I Could Die y Monster. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «Artpop» de Lady Gaga

ArtpopGracias al éxito de sus dos primeros álbumes, Lady Gaga se convirtió no sólo en una de las cantantes más exitosas e influyentes del panorama musical, sino en una de las figuras más controvertidas e icónicas del ‘show business’ debido a sus excéntricos atuendos, su carismática personalidad y su sentido del espectáculo. En noviembre de 2013 vio la luz el tercer álbum de estudio de la cantante americana, titulado Artpop, el cual está formado por 15 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del electropop y el dance-pop con ciertas influencias R&B y Techno y compuestos por Lady Gaga junto a DJ White Shadow y Paul Blair, quienes ya participaron en su anterior álbum, además de Zedd, David Guetta o Nick Monson. Cabe destacar que RedOne, responsable de los mayores éxitos de Lady Gaga, no participó en la producción del álbum y sólo aparecen sus créditos en la composición de un tema. Las letras de «Artpop» giran alrededor del sexo, la fama, el feminismo y la adicción a las drogas y contiene numerosas referencias a la mitología griega y romana. «Artpop» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado platino por ventas cercanas al millón de copias, unas cifras notoriamente inferiores a las de sus anteriores trabajos ya que por ejemplo «Born This Way» en su primera semana ya superó el millón de ejemplares. En el resto de mundo alcanzó el #1 en Reino Unido (el tercer álbum ‘chart topper’ de Lady Gaga) y el top 5 en las principales listas internacionales. El single presentación del álbum fue Applause, un enérgico tema electropop y dance-pop producido por DJ White Shadow cuyas letras hacen referencia a la adoración que sienten sus fans por ella y cómo sus aplausos y reconocimiento le permiten seguir adelante. Este tema recibió críticas positivas por su naturaleza desenfadada, pero sobretodo por recuperar un estilo electropop similar al presente en su primer álbum «The Fame», aunque también surgieron voces que lo tacharon de ‘génerico’ y no estar a la altura de sus anteriores singles. ‘Applause’ tuvo un rendimiento comercial muy positivo y alcanzó el top 5 en las principales listas de venta como Estados Unidos, Alemania, Reino Unido o Canadá, incluyendo el #1 en España.

Después de haber lanzado un single que recordaba el estilo de sus inicios, la cantante neoyorquina quiso que su siguiente single tuviera un sonido diferente e inusual para ella, por eso se lanzó Do What U Want, un tema synth-pop y R&B de carácter mid-tempo que incorpora sintetizadores típicos de la música electrónica de los años 80 y cuenta con la participación del cantante R.Kelly. Las letras de ‘Do What U Want’ tienen diferentes interpretaciones: por una parte puede representar los gustos sexuales de la cantante por la sumisión aunque también afirma que sus detractores y la prensa «pueden hacer lo que quieran con su cuerpo» porque sus sentimientos y sueños sólo le pertenecen a ella. ‘Do What U Want’ recibió opiniones positivas de los críticos musicales por sus pegadizas letras y la decisión de incorporar el sonido R&B y fue considerado uno de los temas más destacados del álbum. Este single obtuvo un éxito moderado y alcanzó el top 10 en España, Reino Unido o Canadá y el #13 en Estados Unidos. Previo a la publicación del álbum se lanzaron dos sencillos promocionales: ‘Venus’, un tema dance-pop y synth-pop con aire ochentero que contiene numerosas referencias a la mitología griega y ‘Dope’, una balada pop autobiográfica que habla de la adicción de la cantante a las drogas que le aliviaban el dolor tras la operación de cadera que sufrió durante la gira promocional de «Born This Way». Ya en 2004 se lanzó como tercer single G.U.Y. (el acrónimo de ‘Girl Under You’), que se trata de un tema electropop y synth-pop con influencia R&B que cuenta con unas letras de naturaleza muy sexual sobre la dominación, la sumisión y los roles de género. ‘G.U.Y.’ apenas contó con promoción aparte de su espectacular videoclip y como consecuencia obtuvo un desempeño comercial muy negativo (apenas pisó el Hot 100 de la lista americana), convirtiéndose en el single de Lady Gaga menos exitoso hasta la fecha.

Una de las canciones más destacadas del álbum es ‘Gypsy’, un enérgico tema dance-pop y electropop con influencia House que habla de la soledad que viven los artistas y cómo los fans se convierten en su familia, destaca por ser la única contribución como compositor de RedOne al álbum y recuerda a anteriores singles como ‘The Edge of Glory’. También merece la pena reseñar ‘Sex Dreams’, un tema synth-pop con cierta influencia R&B que habla de las fantasías sexuales de Gaga o ‘Jewels n’ Drugs’, un tema de Hip-Hop/Trap que cuenta con la participación de los raperos T.I., Twista y Too Short y nuevamente hace referencia al abuso de sustancias. En mi opinión, «Artpop» supone un evidente paso hacia atrás en comparación a «Born This Way» y sobretodo al magnífico «The Fame» ya que resulta poco cohesivo, contiene excesivo relleno y encontramos una Lady Gaga poco inspirada. «Artpop» recibió unas críticas muy tibias por parte de los expertos musicales y obtuvo unas bajas ventas, lo que evidenciaba que el globo de su éxito comercial empezaba a deshincharse, además fue considerado el álbum maldito de Lady Gaga, quien incluso renegó de él años más tarde ya que coincidió con su etapa más oscura y depresiva. Temas imprescindibles: Do What U Want, Applause, G.U.Y., Venus, Gypsy, Sex Dreams y Jewels n’ Drugs. Puntuación: 6’5/10.

Los mejores álbumes del 2022

Harry's House12. Harry’s House de Harry Styles.

El cantante inglés Harry Styles publicó en 2019 su segundo álbum de estudio, Fine Line, el cual se convirtió en uno de los trabajos más importantes de los últimos años gracias a una gran selección de singles entre los que se encontraban ‘Adore You’, ‘Lights Up’ o ‘Watermelon Sugar’, el más exitoso de todos ellos y que alcanzó el #1 en Estados Unidos. «Fine Line» recibió buenas opiniones de los expertos musicales por su estilo atemporal, la ejecución vocal de Harry y su variedad musical que incluía pop/rock, folk, Soul, funk o indie pop. El segundo álbum de Harry Styles tuvo un excepcional desempeño comercial y destacó por su longevidad en las listas de venta. Durante el confinamiento el ex-componente de One Direction compuso canciones para su nuevo proyecto musical, que vio la luz el pasado mes de mayo. Su tercer álbum de estudio, Harry’s House, está formado por 13 temas encuadrados dentro del pop/rock y el synth-pop con influencias funk, R&B y Soul compuestos por el propio Harry Styles bajo la producción de sus habituales colaboradores Tyler Johnson y Kid Harpoon, quienes se encargaron de la mayoría de los temas presentes en «Fine Line». Este álbum destaca por la influencia del sonido retro de los años 70 y 80 en varias de las canciones. «Harry’s House» ha ocupado el #1 en más de 20 países y ha resultado uno de los álbumes más exitosos del año. El single presentación fue As It Was, un marchoso tema synth-pop con influencias de la música de baile de los años 80 que guarda similitudes con el estilo de ‘Blinding Lights’ de The Weeknd y en el que Harry habla de los sentimientos de soledad que ha vivido en el pasado y todas las transiciones personales por las que ha pasado hasta llegar a su actual yo. ‘As It Was’ ha recibido buenas impresiones de los críticos por su naturaleza bailable y la nueva dirección musical adoptada por Harry y en el terreno comercial ha resultado un auténtico éxito comercial: supera los 1500 millones de reproducciones en Spotify y ha alcanzado el #1 en las listas de venta de más de 20 países. El segundo single lanzado fue Late Night Talking, un pegadizo tema R&B de sonido retro que habla de las conversaciones hasta altas horas de la noche que se tienen con la persona que te gusta. ‘Late Night Talking’ ha tenido un buen desempeño en las listas de venta y ha ocupado el top 5 en Estados Unidos, Canadá, Australia o Reino Unido. El tercer single ha sido Music For a Sushi Restaurant, un original tema funk/Soul de sonido retro en el que Harry relata su deseo por tener una relación y cuyo título surgió un día que Harry se reunió con su manager en un restaurante de sushi de Los Ángeles. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Grapejuice’, un tema mid-tempo pop/rock que habla de disfrutar de la vida con tu pareja mientras tomas una buena botella de vino, ‘Daylight’, un tema pop/rock con gran uso de guitarra que habla de una pareja que lo apartó de su lado o ‘Cinema’, un tema funk up-tempo que recuerda el estilo de Bruno Mars. «Harry’s House» mantiene el buen nivel de «Fine Line» y sigue apostando por canciones atemporales que se alejan de las modas actuales, se inspiran en la música de los años 70/80 y están acompañadas por la agradable voz de Harry Styles y una elegante producción. Puntuación: 7’5/10.

Familia11. Familia de Camila Cabello.

El ‘boom latino’ que llevamos presenciando durante los últimos años ha provocado que muchos artistas saquen a relucir sus raíces hispanas en un intento por encajar en el nuevo mercado musical. Camila Cabello, ex-integrante del grupo femenino Fifth Harmony, siempre ha estado orgullosa de sus raíces latinas y en sus anteriores álbumes en solitario ha incorporado el sonido Latin-pop a varios de sus singles, como por ejemplo ‘Havana’ o ‘Señorita’. Su tercer álbum de estudio, Familia, vio la luz el pasado mes de abril y está compuesto por 12 temas en inglés y español encuadrados dentro del pop y el Latin-pop con influencias R&B y synth-pop compuestos por la propia Camila bajo la producción de Ricky Reed, Mike Sabath y Scott Harris entre otros. La cantante de ascendencia cubana compuso el álbum durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y el hecho de estar aislada de su familia y amigos le hizo darse cuenta de que sus seres queridos son su prioridad. Una vez que pudo pasar tiempo junto a su familia en Miami, Camila reconectó con sus raíces hispanas, lo que le inspiró a incorporar un mayor componente latino a su nuevo álbum. Además de pasar tiempo en familia y disfrutar de los pequeños placeres, la otra fuente de inspiración para la composición del álbum ha sido su ruptura sentimental con el cantante Shawn Mendes, con el que rompió tras dos años y medio de relación juntos. El año pasado llegó el primer single del álbum, Don’t Go Yet, que se trata de un tema up-tempo de estilo Latin-pop con elementos tropicales y de salsa en el que Camila habla sobre la necesidad de tener a tu amor cerca y no querer alejarse de él. ‘Don’t Go Yet’ ha supuesto un regreso de lo más interesante ya que resulta bailable, pegadizo y cargado de ritmos latinos pero sin caer en el desgastado sonido reggaeton que inunda el panorama musical actual. Su impacto comercial ha sido tibio y apenas ha ocupado el top 50 en mercados musicales más importantes, aunque acumula más de 350 millones de reproducciones en Spotify. En marzo llegó el segundo single, Bam Bam, que se trata de un bailable tema pop y Latin-pop que cuenta con la participación del cantante británico Ed Sheeran y trata el tema de su ruptura sentimental aunque contiene un mensaje positivo y esperanzador. ‘Bam Bam’ ha tenido un desempeño comercial positivo y ha alcanzado el top 10 en Reino Unido y el top 25 en Estados Unidos o Australia. Coincidiendo con la publicación de Familia se lanzó el tercer single, Psychofreak, que en esta ocasión deja a un lado los sonidos latinos y resulta una apuesta más adecuada para el mercado anglosajón. ‘Psychofreak’ es un oscuro tema synth-pop con influencia R&B en el que habla de su salud mental, miedos e inseguridades y cuenta con la colaboración de la excéntrica cantante Willow Smith, quien actúa como voz de la conciencia de Camila y añade puntos extra a la canción. El cuarto single fue Hasta Los Dientes, un tema pop up-tempo con influencia Disco que cuenta con la participación de la cantante argentina María Becerra y detalla la obsesión y los celos que se sienten cuando estás en una relación. En «Familia», Camila Cabello por fin se ha dado cuenta de lo que el público espera y quiere de ella, que no son las intensas baladas que muestran su faceta de cantautora (y que abundaban en «Romance», su segundo álbum) sino marchosas y divertidas canciones Latin-pop que resaltan a la perfección su carismática personalidad y simpatía. «Familia» supone un evidente paso adelante con respecto a «Romance» ya que resulta más animado, entretenido y agradable de escuchar gracias a canciones de inspiración latina pero sin caer en el desgastado sonido reggaeton que lleva saturando el panorama musical desde hace unos años. En mi opinión, Familia es el mejor trabajo discográfico de Camila Cabello hasta la fecha y creo que es la dirección que debería tomar en un futuro, ya que contiene un compendio perfecto entre pegadizos temas latinos que contentarán al público masivo y canciones de estilo synth-pop/R&B más del gusto internacional. Puntuación: 7’5/10.

Latto 77710. 777 de Latto.

En 2020, Alyssa Michelle Stephens (por entonces conocida artísticamente como Mulatto) publicó su álbum debut, Queen of da Souf, el cual estaba encuadrado dentro del sonido Southern Hip-Hop con influencias Trap y R&B e incluía los singles ‘Bitch from da Souf’ junto a las raperas Saweetie y Trina y ‘Muwop’ con la colaboración de Gucci Mane. El año pasado la rapera originaria de Atlanta fue noticia por su cambio de nombre artístico a Latto, ya que tal y como declaró en sus redes sociales, al principio de su carrera musical decidió adoptar el nombre artístico de Mulatto debido a su origen biracial (su padre es afroamericano y su madre blanca) pero ese término contiene un componente racista y ha resultado ofensivo y despectivo en determinadas partes de la sociedad americana por su relación con los tiempos del esclavismo en Estados Unidos. En el mes de septiembre Latto lanzó el primer single de su nuevo trabajo, Big Energy, que se trata de un marchoso tema Hip Hop con influencia pop que samplea la melodía del clásico de los 80 ‘Genius of Love’ (popularizada por Mariah Carey en su single ‘Fantasy’) y en el que Latto celebra su buena suerte en la vida. Producido por el polémico Dr. Luke, ‘Big Energy’ ha resultado un gran acierto por parte de Latto debido a su naturaleza bailable, su ritmo up-tempo y la elección del famoso sample y se trata de una apuesta más accesible al público en general por su mayor componente pop y la incorporación de una parte cantada además del rap. ‘Big Energy’ resultó en un auténtico ‘grower’ y tras su debut en la parte baja de la lista americana, fue escalando posiciones hasta alcanzar el #3, gracias en parte por el éxito de su remix junto a Mariah Carey. Tras ‘Big Energy’, Latto lanzó otros singles como Soufside, un tema Hip Hop en sentido estricto en el que la rapera recupera su ‘street credibility’ y muestra su lado más urbano mientras habla de Atlanta, la ciudad que la vio crecer y cómo la fama no le hará olvidar sus orígenes o Wheelie, un pegadizo tema Hip Hop de gran componente electrónico que cuenta con la colaboración del rapero 21 Savage. El pasado mes de marzo vio la luz el segundo álbum de estudio de Latto, 777, cuyo título tiene un significado especial para Latto ya que el 7 es su número favorito, además de representar la buena fortuna en la tradición hebrea y ser el número de la suerte en las máquinas tragaperras, que identifican el mayor premio con el 777. Este trabajo está formado por 13 temas de apenas dos minutos de duración encuadrados dentro del Hip Hop con influencias R&B, Trap y pop compuestos por la propia Alyssa bajo la producción de Bongo By The Way, Dr. Luke, OG Parker o Pharrell Williams entre otros. «777» debutó en el #15 de la lista americana de álbumes, un avance importante con respecto a su anterior trabajo, que apenas ocupó el top 50. El nuevo álbum de ‘Big Latto’ supone un evidente paso adelante con respecto al más que digno «Queen of da Souf», ya que resulta un trabajo más sólido, maduro y consistente en el que podemos apreciar cómo sus habilidades para rimar han mejorado considerablemente, además de mostrar una mayor versatilidad por parte de Latto, quien rapea y canta en muchas de las canciones. «777» no tiene nada que envidiar a los trabajos debut de Megan The Stallion o City Girls y se ha convertido en uno de los álbumes de Hip Hop más importantes del 2022. Puntuación: 7’5/10.

Craig David 229. 22 de Craig David.

El pasado mes de septiembre vio la luz 22, el octavo álbum de estudio de Craig David, cuyo título hace referencia a los 22 años que han pasado desde el lanzamiento de su álbum debut, el icónico «Born To Do It», con el que triunfó a nivel mundial gracias a hits de la talla de ‘7 Days’, ‘Fill Me In’ o ‘Walking Away’. Este nuevo álbum está formado por un compendio de marchosos temas de estilo Garage/Dance y medios tiempos R&B compuestos por el cantante inglés y producidos principalmente por Mike Brainchild y Digital Farm Animals. «22» ha debutado en el #7 de la lista británica de álbumes, convirtiéndose en el sexto top 10 de Craig David en Reino Unido. En 2021 lanzó el single anticipo de su nuevo álbum, Who You Are, que se trata de un tema R&B y Garage compuesto junto al cantante y productor inglés MNEK, quien también participa cantando el estribillo. ‘Who You Are’ destaca por sus letras sobre aceptar a las personas tal y como son, convirtiéndose en un himno sobre la diversidad, tanto de raza, como de género u orientación sexual. Este single ha tenido un desempeño comercial moderado y ha alcanzado el top 40 en la lista británica. Los siguientes singles han sido ‘My Heart’s Been Waiting For You’, un marchoso tema Garage/dance-pop que cuenta con la participación de Duvall, ‘G Love’, un tema R&B/pop mid-tempo en el que Craig David y Nippa, el artista invitado, hablan de sus relaciones con las chicas y ‘DNA’, un tema Dance/House producido por Bloodshy en el que el cantante alaba las cualidades que tiene su pareja. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Obvious’, un medio tiempo R&B que pertenece al lado más romántico del álbum y cuenta con la participación de la cantante americana Muni Long o ‘Teardrops’, un tema 2Step/Garage con melodía de guitarra española y que recuerda el estilo de su álbum debut. Mientras que su anterior álbum «The Time Is Now» se influenciaba de los sonidos de moda que triunfaban en aquel momento como el Tropical House, «22» regresa a su habitual sonido R&B/Garage en un intento por recuperar el espíritu de su álbum debut. «22» no llega al excelente nivel de «Born To Do It», sin embargo es una buena adición al más que digno catálogo musical de Craig David ya que contiene varios temas interesantes en los que podemos disfrutar de la agradable y bonita voz del cantante inglés. Puntuación: 7’5/10.

Heart & Soul8. Heart & Soul de Blue.

Tras haber conseguido tres álbumes #1 en Reino Unido y 9 singles top 10 en la lista británica, la ‘boy band’ Blue se separó de manera temporal en 2005 después de tan sólo 5 años de andadura profesional. El cuarteto inglés volvió a reunirse en 2011 para representar a Reino Unido en el festival de Eurovisión con el tema ‘I Can’ (con el que quedaron en el undécimo puesto) y debido a la buena respuesta de este single por parte del público, prometieron grabar un nuevo álbum de estudio. Un año después llegó Roulette, su cuarto álbum de estudio, el cual fue incapaz de repetir el éxito de sus tres primeros trabajos en Reino Unido, pero en Alemania y otros países centroeuropeos tuvo cierta popularidad gracias al buen desempeño de singles como ‘Hurt Lovers’. En 2015 Duncan, Lee, Simon y Antony regresaron con su quinto álbum, Colours, el cual acentuó la espiral decreciente en el éxito comercial de Blue y debido a las bajas ventas y el escaso interés por los singles lanzados terminaron fueron despedidos de su discográfica. Tras los mediocres resultados del álbum, los componentes de Blue declararon no tener intención en grabar nueva música ni salir de gira en un futuro cercano y se centraron en sus carreras en solitario y en sus facetas como actores. Para sorpresa de todos sus seguidores, Blue han regresado este 2022 con su sexto álbum de estudio, Heart & Soul, el cual está formado por 10 canciones, principalmente baladas y temas up-tempo, encuadrados dentro del pop con ciertos elementos R&B, dance-pop y electropop. Los componentes de Blue han participado de manera individual o conjunta en la composición de 9 de las canciones que componen el álbum bajo la producción de Hugh Goldsmith (quien fichó a Blue en su discográfica y fue el productor ejecutivo de sus primeros álbumes), Steve DuBerry o Paul Visser entre otros. «Heart & Soul» ha debutado en el #22 de la lista británica de álbumes, lo que supone la peor posición de toda la carrera de Blue en Reino Unido. El primer single del álbum fue Haven’t Found You Yet, un tema pop con influencias electropop compuesto por Lee y Antony que recuerda el estilo de la última etapa de Westlife y en el que hablan de haber encontrado por fin a la persona indicada. Como segundo single, el cuarteto inglés lanzó Dance With Me, una versión del conocido tema del grupo de R&B americano 112 y que se trata de un enérgico tema R&B/dance-pop up-tempo que mantiene la esencia de la canción original pero añade un rap nuevo por parte de Simon. Otros sencillos promocionales han sido lanzados previamente a la publicación del álbum, como la balada ‘Magnetic’ o la canción que da título a este trabajo, ‘Heart & Soul’, que se trata de uno de los temas más up-tempo y bailables del álbum. «Heart & Soul» está compuesto por un breve pero sólido conjunto de canciones pop que combinan el estilo característico de Blue con un toque moderno acorde a nuestros días. Definitivamente no encontramos hits de la talla de ‘All Rise’ o ‘One Love’ en este álbum pero supone un paso adelante con respecto a sus dos últimos álbumes, los más flojos de la trayectoria de Blue. Puntuación: 7’5/10.

Renaissance.jpg7. Renaissance de Beyoncé.

Durante los últimos años Beyoncé ha estado presente en el mundo de la música gracias al álbum colaborativo junto a su marido Jay-Z bajo el nombre The Carters o por su contribución a la banda sonora del remake de la película ‘The Lion King’, sin embargo tenemos que remontarnos hasta el año 2016 para dar con su último álbum de estudio, «Lemonade», en el que Beyoncé relataba su viaje emocional tras enterarse de una infidelidad por parte de su marido. En el mes de julio vio la luz el séptimo álbum de estudio de Beyoncé, titulado Renaissance y que supone el primer acto de un proyecto formado por tres álbumes, tal y como ha confirmó la propia artista. El concepto del álbum fue concebido durante la pandemia del coronavirus y supone un himno al hedonismo, ya que tras la angustia y tristeza provocadas por el confinamiento, es hora de bailar y disfrutar de la vida. La cantante nacida en Houston dedica este álbum a su tío fallecido Jonny, «el tío gay más fabuloso que se puede tener», el cual le introdujo en la música de baile y la cultura de club. Renaissance está formado por 16 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del sonido Dance, House y Disco con ciertos elementos R&B, funk, Gospel y Soul, con el objetivo de rendir tributo a los pioneros de la música de baile (sobretodo los de origen afroamericano) y destaca por el uso de numerosos samplers. Beyoncé se ha encargado de la composición y producción de todos los temas presentes en el álbum pero cuenta con una extensa nómina de colaboradores como Tricky Stewart y The Dream (responsables de su éxito ‘Single Ladies’), Bloodpop, Raphael Saadiq, Hit-Boy o Skrillex entre otros. Todas las canciones del álbum están conectadas unas con las otras como si de una sesión de Dj se tratase. El single presentación del álbum, Break My Soul, llegó el pasado mes de junio y se trata de un marchoso tema Dance/House de sonido muy ‘noventero’ compuesto junto a su marido Jay-Z que cuenta con varios famosos samplers como ‘Show Me Love’ de Robin S. Las letras de ‘Break My Soul’ hacen referencia al movimiento social surgido en la población americana durante los últimos años (denominado como ‘la gran renuncia’) por el que muchos trabajadores abandonan sus empleos debido a la precariedad de sus puestos de trabajo y el estancamiento de sus sueldos. ‘Break My Soul’ no ha contado con ninguna promoción por parte de Beyoncé (ni siquiera videoclip) pero ha tenido un buen desempeño comercial y ha ocupado el top 10 en los principales mercados musicales. Tras lograr buenas cifras de streaming en las plataformas musicales, fue lanzado como segundo single Cuff It, un tema Disco/funk que recuerda el estilo de varias canciones de su álbum ‘4’ y resulta uno de los temas más inmediatos y pegadizos del álbum. ‘Cuff It’ ha ocupado el top 10 en Reino Unido y Australia y el top 20 en Estados Unidos. Las canciones más destacadas de «Renaissance» son ‘Virgo’s Groove’, un tema Disco de más de 6 minutos que contiene letras sexualmente muy explícitas o ‘Summer Renaissance’, un marchoso tema Dance/House que samplea el clásico ‘I Feel Love’ de Donna Summer. «Renaissance» es una buena adición al catálogo musical de Beyoncé por su versatilidad vocal, el carácter bailable y desenfadado de las canciones, la enérgica producción, sus sonidos experimentales y su temática en la que reivindica sus orígenes como mujer afroamericana y rinde tributo a la cultura de club. Los puntos en contra son el excesivo relleno, el abuso de los samplers y la extensa nómina de productores y compositores. Aún con sus fallos, «Renaissance» es uno de los álbumes más destacados del año. Puntuación: 7’5/10.

About Last Night6. About Last Night… de Mabel.

En 2019, la cantante británica Mabel publicó su primer álbum de estudio, High Expectations, el cual debutó en el #3 de la lista británica de álbumes y contó con los hit singles ‘Don’t Call Me Up’ y ‘Mad Love’ que resultaron muy populares en las listas de venta europeas. Durante los años siguientes la presencia de Mabel fue solicitada por varios artistas y en 2022 la cantante nacida en Málaga ha regresado con su segundo álbum de estudio, About Last Night…, el cual está encuadrado dentro del dance-pop y synth-pop con influencias Disco, House y R&B y compuesto principalmente por temas up-tempo de naturaleza bailable. Mabel ha compuesto las 13 canciones presentes en el álbum con la ayuda de importantes productores como Steve Mac, Max Jones, Kamille o Tre Jean-Marie, con quienes ya ha colaborado anteriormente, además de otros como SG Lewis, Bloodshy, StarGate, Rami, Ilya o Tommy Brown, convirtiéndose en un proyecto más ambicioso y de mayor presupuesto que su álbum debut. «About Last Night…» fue concebido por Mabel durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y durante el encierro se inspiró en películas como «Paris Is Burning» (centrada en la cultura Disco de la Nueva York de los años 80) y debido a sus ganas de salir de marcha decidió crear un álbum dirigido a las pistas de baile. El single presentación del álbum fue Let Them Know, un enérgico tema dance-pop, synth-pop y Disco con influencia del House de los años 90 en el que la joven cantante habla de cómo pasó de ser una persona insegura y encerrada en su caparazón a liberar todo su potencial y ser ella misma, y anima a sus fans a no tener miedo a expresar quienes son y «hacérselo saber a los demás». Este himno de auto-aceptación y superación recibió buenas críticas de los expertos musicales debido a su nueva dirección musical y sus letras y en el terreno comercial alcanzó el top 20 en la lista de venta de Reino Unido, Irlanda y Suecia. Ya en 2022 se lanzó el segundo single, Good Luck, que se trataba de otro tema bailable de estilo dance-pop compuesto junto a su habitual colaboradora Kamille y producido por el DJ inglés Jax Jones y Bloodshy en el que Mabel anima a otras mujeres a no perder el tiempo con hombres que no te valoran ni respetan. El tercer single fue Overthinking, un tema synth-pop y dance-pop muy ochentero producido por StarGate que cuenta con la colaboración del rapero 24kGoldn y cuyas letras giran en torno a la ansiedad social y los trastornos mentales, sufridos en primera persona por la joven cantante, quien envía un mensaje positivo de que hay luz al final del túnel y se pueden superar dichos problemas. «About Last Night…» debutó en el #2 de la lista británica de álbumes, su mejor posición en Reino Unido hasta la fecha, pero debido a la ausencia de promoción tras su lanzamiento, las ventas cayeron rápidamente. Mabel es una artista muy completa que quizás no ha triunfado tanto como Dua Lipa pero no tiene nada que envidiarle y este álbum es un buen ejemplo de ello, ya que «About Last Night…» mantiene el buen nivel de «High Expectations» y resulta uno de los álbumes pop más interesantes del año. Puntuación: 7’5/10.

Good Morning Gorgeous5. Good Morning Gorgeous de Mary J Blige.

La Reina del Hip Hop-Soul, Mary J Blige, publicó su más reciente álbum en febrero, unos días antes de su participación junto a Dr. Dre, Snoop Dogg, 50 Cent o Eminem en el tiempo medio de la Super Bowl, un evento que fue visto por millones de personas en Estados Unidos y el resto del mundo. Este multitudinario evento hubiera sido un excelente escaparate para su nuevo trabajo discográfico, sin embargo en los escasos minutos que le correspondieron a Mary dentro del show decidió interpretar dos de sus singles más conocidos, ‘Family Affair’ y ‘No More Drama’, por lo que no hubo tiempo para interpretar temas nuevos. El decimocuarto álbum de estudio de la cantante neoyorquina, Good Morning Gorgeous está formado por un compendio de baladas R&B/Soul y temas up-tempo Hip Hop-Soul con la colaboración de importantes raperos, compuestos por la propia Mary bajo la producción de DJ Khaled, Cool & Dre, D’Mile, J White Did It o London on da Track entre otros. «Good Morning Gorgeous», el cual supone el primer álbum publicado de manera independiente bajo su propio sello Mary Jane Productions, debutó en el #14 de la lista americana de álbumes, la peor posición de Mary en sus 30 años de carrera, ya que todos sus álbumes han ocupado el top 10 en Estados Unidos. La legendaria cantante decidió presentar su álbum con dos singles muy diferentes que mostraban la variedad presente en el álbum y las dos facetas musicales que Mary suele presentar al público. Uno de ellos era Good Morning Gorgeous, una sensual balada R&B/Soul cuyo título hace referencia al mantra que Mary repite por las mañanas al levantarse tras su divorcio y que resulta un himno de empoderamiento y amor a uno mismo, mientras que el otro era Amazing, un marchoso tema R&B/Hip-Hop producido por DJ Khaled en el que la cantante celebra la buena vida, destaca por su mensaje alegre y positivo de vivir la vida como si todos los días fueran tu cumpleaños. Durante este 2022 se han cumplido 30 años del lanzamiento del álbum debut de la cantante nacida en el Bronx y durante estas tres décadas en la industria musical se ha caracterizado por tener una de las carreras más sólidas, consistentes y coherentes dentro del panorama R&B y destaca por no tener ningún álbum malo, algo que es muy complicado de conseguir teniendo en cuenta su larga trayectoria. «Good Morning Gorgeous» es un álbum de R&B sólido y repleto de buenas canciones, que se diferencia de su último trabajo «Strength of a Woman» (en el que hablaba de su tormentoso divorcio) al tener un carácter más relajado, alegre e inspirador. Mary J Blige sigue haciendo gala de su portentosa voz y sus habilidades como compositora en temas que hablan de amor, las complicadas relaciones con los hombres o la celebración de la vida. «Good Morning Gorgeous» ha recibido 6 nominaciones a los premios Grammy, entre ellos álbum del año y mejor álbum R&B. En definitiva, este trabajo no supera la calidad de clásicos como «No More Drama» o «The Breakthrough», sin embargo supone una gran adición a su excelente catálogo musical. Puntuación: 7’5/10.

Takin' It Back4. Takin’ It Back de Meghan Trainor.

El pasado mes de octubre vio la luz el cuarto álbum de estudio de Meghan Trainor (quinto si tenemos en cuenta su disco navideño), Takin’ It Back, con el que regresa al sonido doo-wop de su primer trabajo, aunque sigue incorporando el estilo pop/R&B que ha formado parte de toda su carrera musical y un gran uso de instrumentos en vivo. El inesperado éxito viral de ‘Title’ (la canción que daba título a su álbum debut) en la red social TikTok durante el año pasado inspiró a Meghan a retomar el sonido con el que triunfó años atrás para su nuevo álbum. «Takin’ It Back» está formado por 16 canciones compuestas por la propia Meghan y producidas por Kid Harpoon, Stint o Justin Trainor, hermano de la cantante. Meghan fue madre de su primer hijo a principios del año pasado y el hecho de cómo la maternidad afecta a la vida de las mujeres es uno de los temas recurrentes en el álbum. El pasado mes de junio llegó el single presentación del álbum, Bad For Me, que se trata de una balada pop que cuenta con la participación de Teddy Swims y en la que Meghan habla de una relación tóxica con un miembro de su familia y aconseja que debes distanciarte de esa persona aunque le tengas cariño. Coincidiendo con la publicación del álbum se lanzó el segundo single, Made You Look, un pegadizo tema doo-wop en el que Meghan habla de las inseguridades en su cuerpo a raíz de su reciente embarazo y declara que puede gustar a su pareja con o sin lujosos vestidos de Versace o carísimos bolsos de Louis Vuitton. Este tema incluye la característica parte rapeada por parte de Meghan y el estilo retro inspirado en los años 50 y 60, por lo que podría pertenecer perfectamente al álbum «Title» y resulta una gran elección como single. ‘Made You Look’ ha supuesto un inesperado éxito para Meghan y ha regresado a las primeras posiciones de las listas de venta tras años sin ocuparlas: ha alcanzado el top 5 en Reino Unido o Australia y el top 25 en Estados Unidos. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Don’t I Make It Look Easy’, un tema up-tempo de estilo doo-wop en el que habla de mostrar al mundo la mejor versión de uno mismo y sería un fantástico candidato a single ya que recuerda a las mejores canciones de Title, ‘Drama Queen’, otro marchoso tema doo-wop en el que habla de la buena relación que tiene con su marido a pesar de los problemas que surgen en una pareja o ‘Takin’ It Back’, el tema que da título al álbum y cuenta con influencias de la música Disco. «Takin’ It Back» supone un evidente paso adelante con respecto a «Treat Myself» ya que recuperar el estilo doo-wop de «Title» es la mejor decisión que ha tomado Meghan Trainor en muchos años. Como suele ser habitual en todos los trabajos de la cantante americana, el punto fuerte son los temas up-tempo donde muestra su lado más divertido y en cambio la parte más floja son las baladas que en general no acaban de enganchar. En mi opinión, con 3 o 4 canciones menos, el álbum hubiera resultado más redondo y consistente. Pese a la espiral decreciente en su éxito comercial y las más que cuestionables decisiones que ha tomado acerca de su carrera, es una gran noticia que Meghan Trainor regrese con un álbum más que digno lleno de buenas canciones que muestran su inconfundible estilo y su talento como vocalista y compositora. Puntuación: 7’5/10.

Dawn Fm Thee Weeknd3. Dawn FM de The Weeknd.

The Weeknd publicó su último álbum de estudio, After Hours en marzo de 2020, cuando muchos países comenzaban el periodo de confinamiento por la pandemia del coronavirus, pero lejos de convertirse en un «trabajo maldito» por ser lanzado en tan fatídica fecha, resultó uno de los álbumes más importantes del año gracias al éxito descomunal de los singles ‘Blinding Lights’, ‘In Your Eyes’ y ‘Save Your Tears’, que acabaron entre los más escuchados del 2020. Durante el 2021 dichos singles continuaron su imparable éxito en las radios, plataformas musicales y listas de ventas de todo el mundo, por ello la discográfica del cantante de Toronto aprovechó para publicar un álbum de grandes éxitos llamado «The Highlights». Uno de los primeros lanzamientos del 2022 fue el quinto álbum de estudio de Abel Tesfaye, Dawn FM, el cual está compuesto por 16 temas encuadrados dentro del synth-pop y el dance-pop que siguen la estela musical de «After Hours», pero todavía se aprecian más las influencias de la música electrónica de los años 80, además de ciertos elementos funk, Disco o New Wave y destaca por el hecho de que abandona el sonido R&B que le ha acompañado desde sus inicios. «Dawn FM» se trata de un álbum conceptual en el que «el oyente viaja a través de un túnel oscuro mientras escucha sus canciones en la radio hasta llegar a la luz», lo que podríamos interpretar como que la oscuridad y los pensamientos atormentados y autodestructivos que el cantante tenía durante la era «After Hours» han terminado y ahora llega el amanecer, que representa el comienzo de una nueva vida más alegre. Para la creación del álbum The Weeknd siguió confiando en Max Martin y Oscar Holter, quienes fueron responsables de todos los hits del álbum anterior, pero se ha unido a otros productores como Tommy Brown, Calvin Harris o Swedish House Mafia entre otros. El single presentación del álbum fue Take My Breath, un tema up-tempo de estilo synth-pop, Disco y dance-pop que suponía la transición perfecta entre su anterior trabajo y «Dawn FM» ya que continúa el estilo bailable presente en singles como ‘Blinding Lights’ pero profundiza en el sonido psicodélico y cuenta con un mayor uso de sintetizadores típicos de la música de los años 80. La presencia del cantante canadiense ha sido máxima y continua desde finales del 2019, lo que ha «saturado» en cierta manera al público y ha provocado que ‘Take My Breath’ no haya alcanzado las cotas de éxito de sus recientes singles, sin embargo ha ocupado el top 10 en las listas de venta de Estados Unidos, Australia o Canadá. El segundo single fue Sacrifice, un marchoso tema electropop y dance-pop con gran influencia funk/Disco que destaca por su riff de guitarra electro-funk y el hecho de que The Weeknd canta con varios acentos, entre ellos el británico. Los siguientes singles del álbum han sido ‘Out of Time’, un tema mid-tempo pop/R&B de estilo retro en el que podemos apreciar una gran influencia de la música de Michael Jackson y ‘Less Than Zero’, un pegadizo tema synth-pop, dance-pop y New Wave con uso prominente de guitarra que tiene el sello inconfundible de Max Martin y recuerda al estilo de los singles más famosos de su anterior álbum. Mientras que en «After Hours» estaban presentes las dos facetas del cantante (el R&B más oscuro y el dance-pop comercial), en «Dawn FM» ha profundizado en ésta última y nos ha presentado un conjunto de canciones synth-pop del tipo ‘Blinding Lights’ con gran influencia de la música electrónica de los años 80. «Dawn FM» destaca por su pulida y refinada producción y contiene un conjunto muy sólido de canciones que continúa el alto listón dejado por magníficos «Starboy» y «After Hours», lo cual es algo muy complicado. Puntuación: 8/10.

Special2. Special de Lizzo.

La cantante y rapera Lizzo publicó en 2019 su tercer álbum de estudio, Cuz I Love You, con el que pasó de ser una artista prácticamente desconocida por parte del público a alcanzar la fama mundial y convertirse en una de las artistas revelación del panorama musical gracias a una sucesión de exitosos singles. «Cuz I Love You» es un álbum urbano muy ecléctico que combinaba funk, R&B, Hip Hop o Soul, y gracias a esta mezcla de sonidos, la versatilidad para cantar y rapear de Lizzo y el conjunto de buenos temas presentes recibió grandes críticas de los expertos musicales y alcanzó el top 10 en la lista americana. Tras la promoción de «Cuz I Love You», el cual ganó un premio Grammy a mejor álbum urbano contemporáneo y estuvo nominado a álbum del año, la cantante de Detroit regresó en verano del 2021 con el single Rumors, un pegadizo tema funk y Hip-Hop que cuenta con la participación de Cardi B y en el que ambas artistas afrontan todos los chismes y rumores (falsos y verdaderos) que se han dicho sobre ellas en los medios de comunicación y hacen frente a los ‘haters’ que las critican en las redes sociales. ‘Rumors’ tuvo un buen desempeño comercial en Estados Unidos: alcanzó el #4 (su tercer single top 5 en la lista americana), sin embargo no ha formado parte de su nuevo álbum. En el mes de abril, Melissa Jefferson (el verdadero nombre de Lizzo) lanzó el single presentación de su nuevo álbum, About Damn Time, que se trata de un marchoso tema Disco/funk en el que la cantante expresa el buen momento personal y profesional que está viviendo y se muestra aliviada y emocionada por lanzar su nueva música. Pese a llegar un par de años tarde al ‘revival’ del sonido Disco, ‘About Damn Time’ recibió críticas positivas de los expertos musicales por su naturaleza desenfadada y su ritmo bailable y ha resultado un éxito comercial, ya que ha ocupado el top 5 en las listas de venta de Estados Unidos, Australia, Canadá o Reino Unido. En el mes de julio vio la luz el cuarto álbum de estudio de Lizzo, titulado Special, el cual está formado por 12 canciones encuadradas dentro del sonido funk, Disco, R&B y Hip-Hop compuestas por la propia Lizzo bajo la producción de importantes nombres como Ricky Reed, Max Martin, Ian Kirkpatrick, Benny Blanco, The Monsters & The Strangerz o Kid Harpoon entre otros. Lizzo vuelve a tratar temas como la auto-aceptación y el amor propio, las relaciones y el positivismo sexual, ya presentes en su anterior trabajo. Como segundo single se lanzó 2 Be Loved (Am I Ready), un pegadizo tema dance-pop, funk y R&B producido por Max Martin en el que Lizzo declara que ha aprendido quererse a sí misma por lo que ya está preparada para ser amada por los demás. Pese a debutar muy tímidamente en las listas de venta, ‘2 Be Loved’ ha alcanzado el top 20 en Reino Unido o Australia, pero apenas ha ocupado el top 60 en la lista americana, ensombrecido sin duda por el continuado éxito de ‘About Damn Time’. Lizzo es una de las artistas más completas y versátiles de los últimos tiempos ya que aparte de ser una gran vocalista y compositora, también rapea y es una virtuosa tocando la flauta, la cual incorpora en muchas de sus actuaciones en directo. «Special» resulta un proyecto mucho más cohesivo y centrado que «Cuz I Love You» (el cual carecía de dirección artística pese a ser un buen álbum) y supone todo un acierto la incorporación del sonido Disco, que encaja a la perfección con la voz de la cantante de Detroit y no desentona con su habitual estilo funk, R&B y Hip Hop. «Special» me ha sorprendido gratamente porque se puede escuchar de principio a fin sin apenas saltar ninguna canción ya que está formado por un conjunto muy sólido de canciones marchosas y bailables pero con importantes mensajes sobre auto-aceptación, amor propio y positivismo sexual, por ello lo considero uno de los mejores álbumes del año. Puntuación: 8/10.

Dirt Femme1. Dirt Femme de Tove Lo.

El pasado mes de octubre vio la luz Dirt Femme, el quinto álbum de estudio de la artista sueca Tove Lo, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del sonido synth-pop y electro-pop y compuestos por la propia Tove, en los que celebra su feminidad tras muchos años en los que no se sentía cómoda con su lado femenino, pero ahora al fin se siente a gusto con la mujer que es. La cantante nacida en Helsingborg es conocida como «la chica más triste de Suecia» por su habitual temática de desengaños amorosos y su estilo oscuro y en este álbum trata temas como las relaciones amorosas, las rupturas sentimentales, la sexualidad y por primera vez se siente cómoda para hablar de sus desórdenes alimenticios. «Dirt Femme» es el primer álbum de Tove como artista independiente y en el que ha podido sentirse libre y asumir todo el control creativo de su música ya que el pasado mes de mayo creó su propio sello discográfico, Pretty Swede Records, tras abandonar la multinacional a la que pertenecía hasta entonces. A principios de año llegó el single How Long, que se trata de un tema mid-tempo de estilo electropop que formó parte de la segunda temporada de la serie ‘Euphoria’ y cuyas letras hacen referencia a un triángulo amoroso. El  verdadero single presentación del álbum fue No One Dies From Love, un fantástico tema electropop y synth-pop en el que la cantante relata cómo se ha deteriorado su relación hasta romperse y se pregunta qué ha pasado y de quién ha sido la culpa, pero al final se da cuenta que «nadie muere de amor». ‘No One Dies From Love’ es sin duda uno de los más sobresalientes del álbum y guarda muchas similitudes con el estilo presente en «Body Talk» de su compatriota sueca Robyn. Pese a que la mayor parte del álbum está formado por temas up-tempo también hay cabida para canciones más lentas en las que Ebba Tove Elsa Nillson (el verdadero nombre de Tove Lo) muestra su lado más vulnerable, como la dramática balada synth-pop True Romance, cuyo título está inspirado en la película del mismo nombre y que relata una historia de amor turbulenta y destructiva. Los siguientes sencillos promocionales del álbum fueron 2 Die 4, un pegadizo tema dance-pop y electropop que samplea la melodía instrumental de la canción ‘Popcorn’ o Grapefruit, en el que trata el tema del ‘body positive’ o el odio que sentía hacia su cuerpo y habla por primera vez del trastorno alimenticio que sufrió hace años y que a punto estuvo de hacerle perder la voz, la bulimia. Dentro del álbum destacan ‘Suburbia’, en el que la cantante sueca declara que no quiere hijos ni formar una familia tradicional y destaca por la referencia que hace a las mujeres de Stepford (una novela que habla de esposas perfectas), ‘Call on Me’, un tema dance-pop y electropop producido por SG Lewis que supone el momento más up-tempo del álbum o ‘Pineapple Slice’, en el que le describe a su amante lo que tiene que hacer en la cama para satisfacerla. Tove Lo se aleja del estereotipo de cantante pop, ya que posee un toque oscuro y cierto aire melancólico, pero derrocha talento y originalidad como artista y «Dirt Femme» es uno de los álbumes pop más sólidos y cohesionados lanzados durante este año, por ello ocupa la posición de honor en este repaso a lo mejor del año. Puntuación: 8/10.

Los 10 mejores singles de Jennifer Lopez

Durante este 2022 se ha cumplido el vigésimo aniversario del lanzamiento de uno de los álbumes más destacados de la carrera de Jennifer Lopez, «This Is Me… Then» y coincidiendo con este importante acontecimiento, la cantante ha anunciado que el próximo año publicará su esperado noveno álbum de estudio, This Is Me… Now, que supone una secuela de dicho trabajo. Para celebrar esta gran noticia realizaré un listado de los que en mi opinión son los 10 mejores singles de Jennifer Lopez, cuya carrera no sólo es una de las más exitosas del mundo del pop sino que ha sido fuente de inspiración para infinidad de artistas posteriores. 

Get Right10. Get Right.

En 2005 vio la luz Rebirth, el cuarto álbum de estudio de Jennifer Lopez, cuyo título hace referencia a su «renacimiento» personal tras la sobre-exposición en los medios de comunicación que vivió durante la época de su relación con el actor Ben Affleck, lo que le hizo madurar como persona y adquirir gran experiencia. Una vez que rompió con Ben Affleck se centró en su faceta de actriz y volvió a reconectar con una persona muy especial de su pasado, Marc Anthony, con quien se casó en 2004. «Rebirth» está formado por un compendio de temas mid-tempo pop/R&B y temas up-tempo con influencia funk y Hip-Hop y está producido por su habitual colaborador Cory Rooney además de otros importantes nombres de la industria musical como Darkchild, Rich Harrison, Timbaland o Danja. El single presentación del álbum fue Get Right, un marchoso tema R&B/dance-pop con influencias funk y Hip-Hop producido por Rich Harrison, conocido por su habitual sonido funk que ha imprimido a otras de sus creaciones, como ‘Crazy In Love’ de Beyoncé. En los créditos de este tema aparece como compositor el cantante Usher ya que ‘Get Right’ es en realidad una versión remodelada de ‘Ride’, un descarte de las sesiones de grabación de su álbum ‘Confessions’ que tras ser rechazado por el cantante fue a parar a manos de Jennifer Lopez, aunque Rich Harrison modificó gran parte de las letras originales manteniendo intacta su melodía. ‘Get Right’ recibió buenas críticas de los expertos musicales por su trepidante ritmo, sus pegadizas letras y su sonido ‘Old School’ y resultó un éxito en todo el mundo: fue #1 en Reino Unido, Irlanda e Italia y ocupó el top 5 en la mayoría de mercados musicales importantes como Australia, Canadá, Francia o España. En Estados Unidos sin embargo tuvo un desempeño moderado: alcanzó el #12, la peor posición de un ‘lead single’ hasta la fecha. Jennifer Lopez ha interpretado ‘Get Right’ en directo en todas sus giras de conciertos (normalmente al principio del show) ya que es una de sus canciones favoritas.

Dance Again9. Dance Again.

Después de más de una década plagada de éxitos, aunque con ciertos altibajos comerciales, en el año 2012 vio la luz el primer álbum de grandes éxitos de la cantante de ascendencia portorriqueña, titulado Dance Again… The Hits y que incluía todos sus singles lanzados hasta la fecha además de dos temas inéditos. Este recopilatorio venía precedido por la buena acogida por parte del público de su anterior álbum, «Love?», el cual revitalizó la carrera de Jennifer Lopez tras un periodo comercial infructuoso. Uno de los temas inéditos era el que precisamente daba título al álbum, Dance Again, que fue lanzado como single del recopilatorio y seguía la estela musical de su anterior álbum. ‘Dance Again’ es un marchoso tema dance-pop producido por RedOne (responsable de varios de los temas presentes en Love?) en cuyos créditos de composición aparece Enrique Iglesias y que cuenta con la participación del rapero Pitbull, con quien ya colaboró Jennifer en ‘On The Floor’. Aunque pueda parecer que las letras de ‘Dance Again’ sólo hablan sobre querer bailar y amar, hacen referencia a sobrevivir y seguir adelante tras los momentos difíciles y en el caso de Jennifer, a su divorcio de Marc Anthony. ‘Dance Again’ recibió buenas opiniones de los expertos musicales por su ritmo bailable pero recibió comparaciones con los temas presentes en «Love?», especialmente ‘On The Floor’ y fue catalogado de genérico y poco original. Este single no logró igualar el éxito de ‘On The Floor’, sin embargo tuvo un rendimiento comercial positivo y alcanzó el top 10 en España o Canadá y el top 20 en Estados Unidos, Alemania y Reino Unido. ‘Dance Again’ dio nombre a la primera gira mundial de Jennifer, coincidiendo con el lanzamiento del álbum recopilatorio. Durante su carrera musical, Jennifer Lopez ha mostrado varias facetas diferentes al público: una encuadrada dentro del sonido urbano, otra faceta latina y una última enfocada a las pistas de baile a través de marchosos temas dance-pop y electropop y ‘Dance Again’ es uno de los mayores representantes de esta última categoría, por ello merece formar parte de este repaso.

Do It Well8. Do It Well.

Uno de los álbumes menos conocidos por parte del público y que ha pasado desapercibido entre algunos seguidores de Jennifer Lopez es sin duda Brave, su sexto álbum de estudio, publicado en 2007 unos meses después de su debut en español con «Como Ama Una Mujer». Jennifer Lopez se encontraba embarazada durante toda la promoción de «Brave», por lo que ésta cesó abruptamente tras el lanzamiento de sólo dos singles. «Brave» se convirtió en el álbum menos vendido de la cantante neoyorquina hasta la fecha, incluso obtuvo unas ventas inferiores a las de «Como Ama Una Mujer», por lo que muchas veces ha sido catalogado como un ‘fracaso’ y condenado al olvido, sin embargo no es un trabajo de baja calidad en absoluto, sólo que se tomaron decisiones poco acertadas en cuanto a su ‘timing’ y promoción. El single presentación del álbum fue Do It Well, un enérgico tema R&B/pop con influencia funk/Disco producido por Cory Rooney y Ryan Tedder que recordaba a otro de sus singles más famosos, ‘Get Right’ y recibió buenas críticas por su trepidante ritmo y sus pegadizas letras. Pese a ser un ‘lead single’ muy digno y a la altura de otros primeros singles de Jennifer, logró un desempeño moderado en las listas de ventas: apenas ocupó el top 40 en mercados importantes como Estados Unidos, Canadá, Francia o Alemania y obtuvo una de sus mejores posiciones en Reino Unido, donde fue #11. La intensa promoción de ‘Do It Well’ se produjo cuando Jennifer Lopez se encontraba embarazada de sus gemelos, sin embargo ese hecho no le impidió cantar en directo e incluso realizar una coreografía en todas las actuaciones, lo cual es un hecho digno de admirar. En el álbum aparece como bonus track un remix de ‘Do It Well’ con la participación de Ludacris (quien incluye unas palabras en español en su rap) ya que suele ser habitual la colaboración de un rapero en los primeros singles de la cantante. La inclusión de ‘Do It Well’ en este listado es más que merecida por lo que me gustaría romper una lanza en favor de este single y el álbum al que pertenece. 

jlo-aint-your-mama-cover-thatgrapejuice-600x6007. Ain’t Your Mama.

Tras la tibia acogida de su octavo álbum de estudio «A.K.A.», el cual obtuvo unas ventas muy bajas y no contó con el respaldo de ningún hit single, Jennifer Lopez se mantuvo en un perfil bajo en el mundo de la música aunque continuó con su papel como jueza en el ‘talent show’ American Idol y realizó varias colaboraciones con otros artistas. En el año 2016 la cantante comenzó su residencia de conciertos en Las Vegas (llamada ‘All I Have’, como uno de sus singles) y regresó a su antigua discográfica Epic, con la que firmó un acuerdo multimillonario. Ese mismo año Jennifer regresó con un nuevo single, Ain’t Your Mama, que se trataba de un pegadizo tema dance-pop con influencias latinas producido por Dr. Luke y Cirkut y compuesto entre otros por Meghan Trainor en el que Jennifer advierte a su pareja que no le va a hacer la colada ni la comida mientras él juega a los videojuegos porque no es su madre, convirtiéndose en un autentico himno de empoderamiento femenino. Este tema recibió buenas opiniones por parte de los expertos por sus letras a favor de las mujer independientes y su pegadizo ritmo. Jennifer Lopez presentó ‘Ain’t Your Mama’ en directo por primera vez en la final de la 15ª edición de American Idol en un medley junto a su hit ‘Let’s Get Loud’ y desde entonces ha sido interpretado en directo por la cantante en su residencia de Las Vegas y en el tour ‘It’s My Party’. En su momento ‘Ain’t Your Mama’ tuvo un desempeño mediocre en las listas de venta anglosajonas (apenas fue top 75 en Estados Unidos) sin embargo en Europa tuvo cierto éxito y ocupó el top 5 en España o Alemania y #11 en Francia. Pese a no pertenecer a ningún álbum de Jennifer, cabe destacar que ‘Ain’t Your Mama’ es su canción más escuchada en la plataforma musical Spotify con más de 400 millones de reproducciones y su videoclip fue muy popular y se encuentra entre los más vistos de su extenso repertorio. Sin duda ‘Ain’t Your Mama’ es uno de los absolutos ‘fan favorites’ dentro de la discografía de Jennifer, por ello merece estar en este repaso.

Ain't It Funny6. Ain’t It Funny.

El primer álbum de Jennifer Lopez, superó ampliamente las expectativas de ella misma y su discográfica, por lo que rápidamente se le dio continuidad a su faceta como cantante y a principios de 2001 vio la luz J.Lo, su segundo álbum de estudio. Pese a que al principio no le gustaba demasiado el apodo ‘J.Lo’ con el que se referían a ella sus fans y los medios de comunicación, Jennifer Lopez finalmente accedió a titular de esta manera su nuevo trabajo discográfico. Podemos encuadrar a «J.Lo» dentro del pop/R&B, sin embargo es un álbum muy ecléctico con influencias Latin-pop, dance-pop y electropop. El productor Cory Rooney, mano derecha de Jennifer en su primer trabajo, aumentó su presencia en «J.Lo» y fue el responsable de muchos de los temas presentes, aunque también participaron importantes nombres como Darkchild, P. Diddy, Ric Wake o Troy Oliver. El álbum alcanzó el #1 en Estados Unidos, Canadá, Alemania o España y las ventas se mantuvieron muy consistentes durante los siguientes meses debido a la buena aceptación de los sencillos lanzados, por lo que acabó siendo certificado 4 veces platino en Estados Unidos y vendió más de 8 millones de ejemplares en todo el mundo, convirtiéndose en el trabajo más exitoso de Jennifer Lopez. Tras el éxito de ‘Love Don’t Cost a Thing’ y la moderada acogida de ‘Play’, como tercer single llegó Ain’t It Funny, que se trataba de un pegadizo tema Latin-pop compuesto por la propia Jennifer y producido por Cory Rooney que comenzaba con la frase en español «estoy loca, enamorada de ti». En ‘Ain’t It Funny’, la cantante habla de que cuando conoces a un hombre nuevo creas en tu cabeza ciertas expectativas de romance ideal pero la realidad te demuestra que dicho hombre está lejos de ser perfecto. Este tema, que cuenta con una versión en español titulada ‘Qué Ironía’, recibió buenas opiniones de los expertos, los cuales lo consideraron reminiscencia de los temas más latinos de «On The 6» y obtuvo una gran respuesta comercial en Europa, donde ocupó el top 10 en Reino Unido y España. ‘Ain’t It Funny’, que contó con un llamativo videoclip en tono sepia en el que Jennifer se une a un grupo de cíngaros y baila flamenco, se encuentra entre mis favoritos de la cantante.

Waiting For Tonight5. Waiting For Tonight.

On The 6, el álbum debut de Jennifer Lopez, es un trabajo muy variado que fusiona Latin-pop, R&B y dance-pop, una curiosa mezcla que la propia cantante denominó como ‘Latin Soul’. Los singles lanzados de aquel álbum demostraban la variedad presente: ‘If You Had My Love’ estaba encuadrado dentro de un R&B/pop muy accesible que triunfaba en aquel momento, ‘Let’s Get Loud’ era un marchoso tema Latin-pop que se convirtió en uno de sus singles más populares y ‘Feeling’ So Good’ estaba influenciado por el Hip Hop y contaba con la colaboración de varios raperos. Tras el éxito de ‘If You Had My Love’ en las listas de venta, como segundo single del álbum «On The 6» se lanzó Waiting For Tonight, que se trataba de un enérgico tema dance-pop y Latin-House producido por Ric Wake que cuenta con unas letras muy sensuales en las que Jennifer compara sus relaciones íntimas con una escena de película. ‘Waiting For Tonight’ fue grabado originalmente por una ‘girl band’ poco conocida pero tras su separación la canción fue a parar a manos de Cory Rooney (productor musical y responsable del éxito inicial de Jennifer) quien tuvo que convencer a la cantante para que grabara el tema ya que al principio no le gustaba nada, sin embargo tras realizar una serie de cambios en la canción fue del gusto de Jennifer e incluso fue lanzado como sencillo del álbum. ‘Waiting For Tonight’ tuvo un desempeño comercial muy positivo: alcanzó el top 10 en Estados Unidos, Francia, Italia o Reino Unido. En España resultó un auténtico éxito: alcanzó el #2, gracias a su versión en español, titulada ‘Una Noche Más’. ‘Waiting For Tonight’ fue una de las canciones más populares del año 1999, ayudada sin duda por su espectacular videoclip, ambientado en una fiesta de fin de año que daba la bienvenida al nuevo siglo y en el que se utilizaba la versión remix de Hex Hector. Este tema es uno de los más representativos de la primera etapa de Jennifer Lopez e inspiraría a otras cantantes a adentrarse en el sonido Dance/House.

This Is Me...Then4. Jenny From The Block.

En noviembre de 2002 Jennifer Lopez publicó su tercer álbum de estudio, This Is Me… Then, cuyo título hace referencia al carácter personal e introspectivo de sus canciones, las cuales estaban co-escritas por la propia Jennifer, quien asumió un mayor papel en el proceso creativo que en sus anteriores trabajos. Las letras de este álbum giran alrededor del amor y está dedicado al actor Ben Affleck, con quien estaba saliendo durante aquella época. «This Is Me… Then» está compuesto principalmente por temas mid-tempo con influencia R&B/Soul, sin embargo los dos primeros singles lanzados los podemos considerar como una excepción a lo que encontramos dentro del álbum ya que no representan su esencia al incorporar un gran toque urbano y Hip Hop, reminiscencia de su anterior álbum de remixes. El single presentación fue Jenny From The Block, un tema Hip-Hop y R&B up-tempo producido por Troy Oliver y Cory Rooney que cuenta con la participación de los raperos Jadakiss y Styles y samplea varios temas de ‘Old School Hip-Hop’ en sus escasos tres minutos de duración. Aparte de su original título, este single destaca por sus reveladoras letras en las que Jennifer declara que pese a la fama y el éxito obtenidos a lo largo de años sigue siendo la misma chica que creció en el humilde barrio del Bronx. Algunos críticos musicales cuestionaron la letra de la canción por no ajustarse a la realidad (mucho se ha hablado de la actitud de diva de la cantante) sin embargo recibió buenas opiniones debido a su naturaleza divertida y su carácter desenfadado. ‘Jenny From The Block’ supuso un gran éxito para la cantante: alcanzó el #1 en Canadá y ocupó el top 5 en la mayoría de países como Reino Unido, Australia, Francia o España. En Estados Unidos permaneció en el #3 durante numerosas semanas bloqueada por dos hits de la talla de ‘Lose Yourself’ de Eminem y ‘Work It’ de Missy Elliott. ‘Jenny From The Block’ resultó uno de los singles más populares y exitosos del año 2002 y se ha convertido en uno de los temas más representativos dentro de su carrera musical, por ello merece estar en la parte alta de este repaso.

On The Floor3. On The Floor.

Durante los primeros años de la década del 2000 la popularidad de Jennifer Lopez estaba en su mejor momento gracias a una sucesión de singles que ocuparon las primeras posiciones en las listas de venta, sin embargo a finales de la década sufrió una espiral decreciente en su éxito comercial tras el tibio recibimiento de su álbum en español y el fracaso de «Brave». En 2009, como single presentación de su siguiente álbum, la cantante americana lanzó ‘Louboutins’, que se trataba de un tema pop/R&B producido por Tricky Stewart y The Dream en el que Jennifer utilizaba la marca de lujo como metáfora del empoderamiento femenino ya que las mujeres tienen que dejar atrás las relaciones fallidas con la cabeza bien alta. Durante la presentación de ‘Louboutins’ en los American Music Awards, Jennifer sufrió una caída, aunque como gran profesional que es, se levantó y pudo continuar con la actuación, que terminó con una ovación por parte del público. Esta «caída» representaba a la perfección la situación artística y comercial de la diva neoyorquina en aquellos momentos ya que su discográfica no sabía como enfocar su carrera tras sus últimos fracasos por lo que decidió romper su contrato tras más de 10 años juntos. Cuando su carrera estaba en la cuerda floja, Jennifer Lopez resurgió de sus cenizas como el ave fénix con su séptimo álbum de estudio, Love?, el cual vio la luz a principios del 2010 y destacó por su evolución musical hacia el sonido electropop y dance-pop de la mano de RedOne, la mano derecha de Lady Gaga, la cual también compuso un par de temas para el álbum. «Love?» tuvo un buen desempeño comercial: debutó en el top 10 de los principales mercados y superó los dos millones de copias. El responsable de este importante regreso fue el primer single, On The Floor, que se trataba de un enérgico tema Dance/House con influencia Latin-pop producido por RedOne y con la colaboración de Pitbull que destacaba por incorporar una interpolación de la famosa melodía de la Lambada (popularizada por Kaoma, pero perteneciente originalmente a la canción ‘Llorando Se Fue’). Jennifer quiso imprimir sus raíces latinas y rendir homenaje a sus orígenes como bailarina en este tema. ‘On The Floor’ resultó un tremendo e inesperado éxito: ocupó el #1 en más de 20 países de todo el mundo (en Estados Unidos fue #3, uno de los pocos mercados donde no lideró la lista de ventas) y acabó vendiendo 8 millones de copias digitales y físicas, convirtiéndose en uno de los singles más exitosos de aquel año. Actualmente ‘On The Floor’ es su segunda canción más escuchada en Spotify con 350 millones de reproducciones y su videoclip supera la marca de los 2000 millones de visualizaciones, lo que denota el grado de éxito que alcanzó este single. 

c0aa0-jennifer_lopez-love_dont_cost_a_thing2528225292. Love Don’t Cost a Thing.

El single presentación de J.Lo, su segundo álbum, fue Love Don’t Cost a Thing, un tema pop/R&B up-tempo producido por Cory Rooney y Ric Wake en el que Jennifer Lopez relata cómo su hombre intenta ganarse su amor a base de caros regalos y posesiones materiales pero ella confiesa que su amor no se compra con dinero. Muchos creyeron que dicho mensaje iba dirigido al rapero Puff Daddy, su pareja por entonces y con el que rompió poco después del lanzamiento del álbum. ‘Love Don’t Cost a Thing’ recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su pegadizo ritmo y su mensaje empoderador para las mujeres y fue comparado con el estilo de Destiny’s Child y las producciones de Darkchild. ‘Love Don’t Cost a Thing’ cosechó un gran éxito comercial: alcanzó el #1 en Reino Unido, Canadá o España y ocupó el top 5 en Estados Unidos o Australia y se ha convertido en una de las canciones más representativas de la carrera de Jennifer Lopez. El espectacular videoclip de ‘Love Don’t Cost a Thing’, rodado en una lujosa mansión de Miami, recibió varias nominaciones a los premios MTV Video Music Awards, disparó la imagen de ‘sex-symbol’ de Jennifer y llamó la atención del público por el hecho de que uno de sus bailarines, Chris Judd, se convertiría meses después en el marido de la cantante. ‘Love Don’t Cost a Thing’ también fue grabado en español en una discutible versión llamada ‘Amor Se Paga Con Amor’. Desde su lanzamiento como single, ‘Love Don’t Cost a Thing’ se convirtió en uno de mis temas favoritos de Jennifer Lopez, hasta el punto de otorgarle la medalla de plata en este repaso a sus mejores singles.

If You Had My Love1. If You Had My Love.

La primera canción con la que conocimos a Jennifer Lopez fue If You Had My Love, que se trata de un tema mid-tempo pop/R&B compuesto y producido por Rodney ‘Darkchild’ Jerkins, quien gracias a este single y otros para Destiny’s Child, Brandy, Whitney Houston o Toni Braxton se convirtió en uno de los productores de R&B más aclamados y exitosos de finales de los 90 y principios de la década del 2000. El single presentación de «On The 6», lanzado en 1999, habla sobre los comienzos de una relación y cómo la cantante le hace una serie de preguntas a su admirador para comprobar si es apto para convertirse en su pareja. La creación de este tema estuvo rodeado de cierta polémica ya que Darkchild compuso y produjo una canción llamada ‘If I Gave Love’ para la cantante de R&B Chanté Moore mientras trabajaba en el debut musical de la por entonces actriz Jennifer Lopez. El rapero Puff Daddy, quien además de pareja de Jennifer también era uno de los productores del álbum «On The 6», al escuchar ‘If I Gave Love’ inmediatamente lo quiso para su novia, por lo que Darkchild rehizo la canción y la convirtió en ‘If You Had My Love’, pero resultó tan similar al tema de Chanté Moore que no pudo lanzarlo como single tal y como tenía planeado. ‘If I Gave Love’ no sólo tiene una temática similar a la de ‘If You Had My Love’ sino que la melodía y producción son prácticamente idénticas. El primer single de Jennifer Lopez recibió buenas opiniones de los expertos musicales por su clásica producción R&B con instrumentación de piano y guitarra (lo compararon con ‘The Boy Is Mine’ de Brandy y Monica, otra producción de Darkchild) aunque se mostraron más críticos con las habilidades como cantante de Jennifer, quien por entonces tenía un rango vocal muy limitado. ‘If You Had My Love’ resultó un gran éxito en todo el mundo y alcanzó el #1 en la lista de Estados Unidos (donde se mantuvo en lo más alto durante 5 semanas consecutivas), Australia o Canadá y fue top 10 en España, Alemania y Reino Unido. ‘If You Had My Love’ se convirtió en uno de los singles debut de una cantante femenina más importantes del año por detrás de ‘…Baby One More Time’ de Britney Spears, aunque a diferencia de la princesa del pop, Jennifer debutó en el mundo de la música con 29 años. El videoclip de ‘If You Had My Love’, muy futurista y con una temática ‘voyeur’ en la que sus fans podían ver todo lo que Jennifer hacía en su casa, resultó muy popular, ayudó a incrementar el éxito del tema y recibió 4 nominaciones a los MTV Video Music Awards. Desde el primer momento ‘If You Had My Love’ se convirtió en una de mis canciones favoritas (y Jennifer Lopez una de mis cantantes preferidas), de ahí que encabece este repaso a sus mejores singles. Sin duda un clásico que nunca pasa de moda.

Crítica de «Dirt Femme» de Tove Lo

Dirt FemmeEl pasado mes de octubre vio la luz el quinto álbum de estudio de la artista sueca Tove Lo, titulado Dirt Femme, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del sonido synth-pop y electropop y compuestos por la propia Tove, en los que celebra su feminidad tras muchos años en los que no se sentía cómoda con su lado femenino, pero ahora al fin se siente a gusto con la mujer que es. En la portada del álbum luce un tatuaje en forma de vagina en el muslo y una cola robótica de escorpión (una referencia a escorpio, su signo del zodiaco) porque se aproxima a su visión de la feminidad en el álbum y le gusta «el hecho de que la hembra de escorpión se come al macho después del apareamiento» porque siempre le han dicho que tiene una personalidad fuerte y «consume a los hombres», aunque actualmente se encuentra felizmente casada. La cantante nacida en Helsingborg es conocida como «la chica más triste de Suecia» por su habitual temática de desengaños amorosos y su estilo oscuro y en este álbum trata temas como las relaciones amorosas, las rupturas sentimentales, la sexualidad y por primera vez se siente cómoda para hablar de sus desórdenes alimenticios. «Dirt Femme» es el primer álbum de Tove como artista independiente y en el que ha podido sentirse libre y asumir todo el control creativo de su música ya que el pasado mes de mayo creó su propio sello discográfico, Pretty Swede Records, tras abandonar la multinacional a la que pertenecía hasta entonces. A principios de año llegó el single How Long, que se trata de un tema mid-tempo de estilo electropop que formó parte de la segunda temporada de la serie de drama adolescente ‘Euphoria’ y cuyas letras hacen referencia a un triángulo amoroso. Tras crear su sello discográfico, llegó el verdadero single presentación del álbum, No One Dies From Love, que se trata de un fantástico tema electropop y synth-pop en el que la cantante relata cómo se ha deteriorado su relación hasta romperse y se pregunta qué ha pasado y de quién ha sido la culpa, pero al final se da cuenta que «nadie muere de amor». ‘No One Dies From Love’ es sin duda uno de los más sobresalientes del álbum y guarda muchas similitudes con el estilo presente en «Body Talk» de su compatriota sueca Robyn. Pese a que la mayor parte del álbum está formado por temas up-tempo también hay cabida para canciones más lentas en las que Ebba Tove Elsa Nilsson (el verdadero nombre de Tove Lo) muestra su lado más vulnerable, como la dramática balada synth-pop True Romance, cuyo título está inspirado en la película del mismo nombre y que relata una historia de amor turbulenta y destructiva.

Los siguientes sencillos promocionales del álbum fueron 2 Die 4, un pegadizo tema dance-pop y electropop que samplea la melodía instrumental de la canción ‘Popcorn’ o Grapefruit, en el que trata el tema del ‘body positive’ o el odio que sentía hacia su cuerpo y habla por primera vez del trastorno alimenticio que sufrió hace años y que a punto estuvo de hacerle perder la voz, la bulimia. Dentro del álbum destacan canciones como ‘Suburbia’, que se trata de un marchoso tema dance-pop y electropop en el que la cantante sueca declara que no quiere hijos ni formar una familia tradicional y destaca por la referencia que hace a las mujeres de Stepford (una novela que habla de esposas perfectas) o ‘Call on Me’, un tema dance-pop y electropop producido por SG Lewis que supone el momento más up-tempo del álbum. El tema de la sexualidad es otro de los tratados en el álbum y está presente en ‘Pineapple Slice’, en el que Tove le describe a su amante lo que tiene que hacer en la cama para satisfacerla. En resumen, «Dirt Femme» ha sido uno de mis grandes descubrimientos de este año ya que no había prestado excesiva atención hasta ahora a Tove Lo pese a que soy seguidor de muchos artistas suecos como Robyn, con la que precisamente guarda muchas similitudes en cuanto a estilo musical. Tove Lo derrocha talento y originalidad como compositora y artista y «Dirt Femme» es uno de los álbumes de electropop más sólidos y cohesionados lanzados durante este año, por lo que sin duda formará parte del repaso a los mejores álbumes que realizaré en el blog MiSTeR MuSiC a final de año. Temas imprescindibles: No One Dies From Love, Grapefruit, Suburbia, How Long, Call on Me, 2 Die 4 y Pineapple Slice. Puntuación: 8/10.