10. Sexistential de Robyn.

En 2011 la cantante Robyn publicó su quinto álbum de estudio, Body Talk, que se trataba de un proyecto sumamente original y ambicioso formado por tres EP’s que culminaban en el álbum completo. Este trabajo estaba compuesto por un conjunto muy sólido de canciones bailables (como ‘Dancing on My Own’ o ‘Call Your Girlfriend’) que representaban a la perfección el sonido electropop que triunfó durante la década del 2010 y destacaba por sus vulnerables letras y su honesto componente lírico. «Body Talk» brilla por su ausencia de relleno, la magistral producción de Klas Ahlund y el gran talento de Robyn como compositora y vocalista. Siguiendo su costumbre de tomarse un amplio lapso de tiempo entre álbumes, en 2018 la cantante nacida en Estocolmo regresó con Honey, su álbum más personal hasta la fecha, y publicado tras una mala época en la que sufrió importantes pérdidas y duros momentos. Este trabajo seguía la senda electropop de «Body Talk» pero destacaba por su tono melancólico y triste, su atmósfera hipnótica y su estilo íntimo e introspectivo. «Honey» fue bien recibido por los expertos musicales pero no logró el éxito de «Body Talk» y pasó bastante desapercibido por parte del público. En marzo vio la luz el séptimo álbum de estudio de Robyn, Sexistential, cuyo título proviene de una broma de la cantante con sus amigos y es una combinación de las palabras sexo y existencial, es decir que la existencia de uno está vinculada a la sensualidad. «Sexistential» es un álbum muy breve formado por 9 canciones de carácter up-tempo y encuadradas dentro del estilo synth-pop y electropop que recuperan el sonido presente en «Body Talk». Las letras de las canciones presentes abordan la nueva faceta de Robyn como madre soltera tras someterse a un proceso de fecundación in vitro y siguen explorando temas como la sensualidad, el deseo sexual, la independencia o la confianza en una misma. La cantante sueca ha compuesto todas las canciones presentes y se ha rodeado de su mano derecha, Klas Ahlund, además otros productores de la talla de Joseph Mount, Oscar Holter o Max Martin. A finales del 2025 llegó el single presentación del álbum, Dopamine, que se trata de un tema synth-pop compuesto junto al cantante Taio Cruz cuyas letras abordan la dualidad de experimentar la tensión un amor romántico intenso y saber que es solo un proceso biológico del cuerpo. ‘Dopamine’ resultaba una apuesta muy solvente como single anticipo del álbum por su naturaleza desenfadada y su ritmo bailable. En el terreno comercial, ‘Dopamine’ alcanzó el top 10 en la lista sueca de singles, convirtiéndose en el tema más exitoso de Robyn desde ‘Indestructible’ en 2010. Ya en 2026 llegó un single de doble cara A que incluye el tema titular del álbum, Sexistential, el cual aborda temas como la maternidad en solitario y su experiencia al someterse a una fecundación in vitro además de Talk to Me, que se trata de un marchoso tema synth-pop y dance-pop compuesto junto a Max Martin que supone una oda al sexo telefónico o la comunicación íntima y explora la conexión que se produce cuando hay distancia física de por medio. Como tercer single se lanzó Blow My Mind, que se trata de una nueva versión del tema de Robyn originalmente incluido en su cuarto álbum, «Don’t Stop the Music». La versión remodelada de ‘Blow My Mind’ está producida en este caso por Klas Ahlund e incorpora nuevas letras dedicadas a su hijo, en las que explora las emociones intensas y abrumadoras provocadas por la maternidad, en vez de las creadas por el amor romántico de la versión original. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘Really Real’, un tema electropop que habla de las percepciones individuales dentro de una relación o ‘Sucker for Love’, que supone un himno de empoderamiento y explora la vulnerabilidad y rendición emocional dentro de una relación tóxica. En resumen, «Sexistential» es un vigoroso álbum de electropop reminiscente del estilo de «Body Talk» y formado por un sólido conjunto de temas bailables y desenfadados pero no exentos de profundidad lírica, ya que cuentan con letras vulnerables, maduras e introspectivas sobre la sensualidad y la maternidad. «Sexistential» supone un avance con respecto al anodino «Honey» pero no logra llegar al altísimo nivel del magnífico «Body Talk», sin embargo Robyn sigue mostrando su maestría dentro del electropop, su constante evolución musical y su innegable talento como vocalista y compositora. Puntuación: 7’5/10.

9. Big Mama de Latto.

El pasado mes de marzo Latto dio a luz a su primera hija (fruto de su relación con el rapero 21 Savage) y apenas unos días después publicó su cuarto álbum de estudio, Big Mama, el cual está formado por 18 temas encuadrados dentro del Hip Hop con influencias Trap, R&B o Crunk y producidos por Go Grizzly, Pooh Beatz o Coupe entre otros. Mientras que su anterior álbum «Sugar Honey Iced Tea» celebraba la cultura sureña y se trataba de un trabajo explosivo y descarado, en «Big Mama» encontramos a una Latto mucho más sentimental, madura, vulnerable y enfocada en su nueva etapa vital. «Big Mama» cuenta con un gran número de artistas invitados, entre los que se encuentran Doja Cat, Sexyy Red, GloRilla, 21 Savage, Mariah the Scientist, Teyana Taylor o Wizkid. Para dar con el single anticipo de «Big Mama» tenemos que retroceder hasta verano del año pasado, cuando se lanzó Somebody, que se trata de un tema Hip Hop y Trap de carácter melódico y sonido sureño que contiene una interpolación del clásico del R&B de los 90 ‘Are You That Somebody?’ de Aaliyah y Timbaland. Las letras de ‘Somebody’ exploran el deseo y la necesidad de una conexión emocional y física con otra persona. «Big Mama» arranca con el tema introductorio Business & Personal, el cual está dividido en dos partes diferenciadas, una de carácter introspectivo y otra con un toque agresivo ‘made in Atlanta’. La primera parte arranca con una producción tranquila de corte R&B y en sus letras Latto se muestra reflexiva y agradecida, hablando de su humilde pasado y cómo su madre le costaba conseguir alimentos para sus hijos, mientras que hoy es una mujer rica y poderosa. La segunda parte da un giro total mediante un cambio de ritmo agresivo y Latto entrega sus barras más duras mientras que presume de su estatus y nos recuerda que la maternidad no ha mermado su hambre de éxito ni su ferocidad como rapera. El single previo a la publicación del álbum fue GOMF (el acrónimo de ‘Get Out My Face’), un tema Hip Hop y Crunk que cuenta con la participación de la rapera GloRilla y resulta un auténtico himno de empoderamiento, autenticidad y confrontación contra los haters y las personas envidiosas. Uno de temas más destacados del álbum es sin duda ‘Okayyy’, que cuenta con la participación de Doja Cat, quien recupera su faceta como rapera tras su coqueteo con el pop de su último trabajo. Las letras de ‘Okayyy’ exploran la complejidad de una relación intensa, apasionada y tumultuosa, en la que ambas protagonistas se encuentran atrapadas en una atracción irresistible hacia su pareja. Otro de los temas más interesantes es ‘Hostage’ junto a 21 Savage, que supone la confirmación de un romance histórico tras un lustro jugando al despiste y dejando sutiles pistas en temas pertenecientes a sus anteriores álbumes. La producción de ‘Hostage’ se apoya en un sample de Soul clásico de los 90, lo que resulta ideal para hablar de la química y el deseo que existe entre la pareja de raperos y da muestras de la compatibilidad que tienen tanto dentro como fuera del estudio de grabación. En conclusión, «Big Mama» se presenta como el proyecto más íntimo, maduro y cohesivo en la carrera de Latto hasta la fecha. Coincidiendo con su nueva realidad como madre y el cierre de su etapa con su actual sello discográfico, la rapera de Atlanta logra entregar un álbum sólido que destaca por su crecimiento como liricista y su notable entrega vocal, además de contar con una producción impecable y la gran química existente con los artistas invitados. Sin embargo, el álbum peca de una excesiva familiaridad: «Big Mama» mantiene el buen nivel de sus anteriores trabajos pero no ofrece nada nuevo o especialmente distintivo a su discografía ya que sigue la senda musical de «Sugar Honey Iced Tea» y «777». Puntuación: 7’5/10.

8. This Music May Contain Hope de RAYE.

Tres años después de su aclamado debut «My 21st Century Blues» vio la luz el segundo álbum de estudio de RAYE, titulado This Music May Contain Hope, el cual está formado por un conjunto muy ecléctico de canciones que incorporan elementos Soul, R&B, pop orquestal o jazz y se caracterizan por su sonido retro y su influencia de la música ‘big band’ de los años 60. El álbum contiene 17 temas compuestos por la propia Raye y producidos por Mike Sabath, Tom Richards, Chris Hill o Punctual entre otros. «This Music May Contain Hope» es un álbum conceptual dividido en cuatro actos que representan las estaciones del año y exploran diversas emociones humanas, desde la desesperación hasta la liberación, es decir un proceso de sanación y evolución personal tras una ruptura emocional. La portada de «This Music May Contain Hope» representa a Raye de pie en un campo frente a un fondo pintado que muestra un cielo nublado y gris, una referencia al tema introductorio del álbum, ‘Intro: Girl Under the Grey Cloud’ y la idea de estar bajo una nube gris, posiblemente relacionado con la frase en inglés «under the weather», que significa estar enfermo o en este caso triste. El single presentación del álbum fue Where Is My Husband!, que se trata de un tema R&B, pop y Soul de carácter up-tempo y sonido retro producido por Mike Sabath, cuyas letras reflejan la ansiedad y el anhelo de una mujer que se pregunta dónde está su pareja ideal y por qué está tardando tanto en encontrarla. La repetición de «where the hell is my husband?» enfatiza la desesperación y urgencia de Raye por encontrar a alguien con quien compartir su vida. ‘Where Is My Husband!’ sin duda se ha convertido en una de las canciones más populares de los últimos meses debido a su pegadizo ritmo y sus originales letras. En el terreno comercial ‘Where Is My Husband!’ ha resultado un auténtico éxito comercial y ha alcanzado el #1 en Reino Unido, el top 5 en Australia o Alemania e incluso el #13 en Estados Unidos, convirtiéndose en el single más exitoso de Raye en tierras americanas hasta la fecha. Como segundo single se lanzó Nightingale Lane, una balada orquestal con elementos jazz, Soul y Blues cuyas letras detallan el mayor desamor que jamás ha conocido Raye y explora la nostalgia duradera y el dolor de volver a visitar un lugar del sur de Londres donde terminó su primer amor. Debido a su naturaleza poco comercial, este single apenas ha ocupado el top 20 en la lista británica. El tercer single lanzado ha sido Click Clack Symphony, un tema de pop orquestal que resulta un himno de empoderamiento femenino (el ‘click clack’ representa el sonido de los tacones sobre el pavimento) y la superación de la depresión mediante la conexión social, en este caso una salida de chicas. Este tema, compuesto junto al célebre compositor alemán Hans Zimmer, forma parte de acto invernal del álbum, lo que refuerza la temática de supervivencia de Raye en los momentos sombríos. Los temas con mayor potencial para ser futuros singles son ‘The WhatsApp Shakespeare’, que comienza como un tema R&B del estilo de Destiny’s Child para convertirse en una pieza de jazz y cuyas letras hablan de una relación tóxica, ‘Beware… The South London Lover Boy’, en el que Raye de manera satírica advierte a las chicas del perfil ligón del típico londinense del sur o ‘Winter Woman’, que samplea el primer movimiento de invierno de ‘Las Cuatro Estaciones’ de Vivaldi y explora los sentimientos de soledad y melancolía tras una decepción amorosa. En resumen, «This Music May Contain Hope» es un proyecto original y ambicioso que muestra una gran evolución musical por parte de Raye y pone de manifiesto su versatilidad vocal e innegable talento como compositora, sin embargo en su conjunto resulta un trabajo denso, caótico, pretencioso y con demasiadas partes habladas que rompen el flujo del álbum. Puntuación: 7’5/10.

7. Worst Girl in America de Slayyyter.

Catherine Grace Garner dejó la universidad y su trabajo de recepcionista en una peluquería de St. Louis (Missouri) para mudarse a Los Ángeles y perseguir su sueño de triunfar en el mundo de la música. El pasado mes de marzo llegó el tercer álbum de estudio de Slayyyter, titulado Worst Girl in America, el cual está encuadrado dentro del electropop, dance-pop y electroclash (un estilo musical surgido en los años 90 que combina el sonido synth-pop y new wave típico de los 80 con un toque electrónico y EDM) e incorpora elementos hyperpop, pop/rock y punk. El álbum está formado por 14 temas compuestos por la propia Slayyyter y producidos por Austin Corina, Valley Girl, Owen Jackson o Nicopop entre otros. «Worst Girl in America» se aleja del sonido más accesible de su anterior trabajo y se caracteriza por su carácter experimental y su abrasiva producción, que contiene bajos distorsionados, sintetizadores y percusiones pesadas típicas de la música industrial. A diferencia de la temática de fantasía plástica de Hollywood presente en su anterior trabajo, la inspiración de este proyecto proviene de la infancia de Slayyyter en Missouri y representa el retrato de una mujer criada en el Medio Oeste americano. «Worst Girl in America» explora una narrativa conceptual oscura y trata temas como la autodestrucción, el lado tóxico de la fama y el hedonismo como mecanismo de defensa frente a los traumas personales y como método de escape para anestesiar el dolor. En el terreno comercial, el álbum ha alcanzado el top 25 en la lista americana y el top 40 en Reino Unido, convirtiéndose en las mejores posiciones de Slayyyter en la listas de venta de toda su carrera profesional. El single presentación del álbum fue Beat Up Chanels, que se trata de un tema electroclash con influencia punk cuyas letras se inspiran en su juventud en Missouri mientras anhelaba tener ropa de marca que no se podía permitir. ‘Beat Up Chanels’ marca un contraste entre el lujo de la alta costura con la suciedad de la vida nocturna en los suburbios de St. Louis y el escapismo de la realidad mediante alcohol, sexo y drogas. El siguiente single fue Cannibalism!, un oscuro tema pop/rock y punk con guitarras distorsionadas que utiliza el canibalismo como metáfora sobre el enamoramiento obsesivo, el deseo destructivo y la sensación de ser consumido por otra persona. Como tercer single llegó Crank, un tema hyperpop que cuenta con ritmos industriales pesados, bajos saturados y distorsión vocal. Las letras de ‘Crank’ retratan una actitud irreverente de superioridad, exceso de confianza, desinterés por las consecuencias y empoderamiento sexual, consolidando su personaje de la «peor chica de América» (tal y como reza el título del álbum). Ya en 2026 llegó Dance…, un tema de casi 5 minutos de duración cuyo sonido remite al dance-pop y electropop de finales de la década del 2000 y principios del 2010 de artistas como Lady Gaga, Kesha o Britney Spears. Este tema se aleja del sonido oscuro y distorsionado de los singles precedentes y se sumerge en un pop más luminoso y comercial. ‘Dance…’ resulta un himno de liberación, autosuficiencia emocional y desprecio absoluto ante la negatividad ajena en la pista de baile. Como último single antes de la publicación del álbum se lanzó Old Technology, un tema electropop y electroclash cuyas letras utilizan la metáfora de la tecnología obsoleta para hablar sobre el escapismo a través de los excesos (como el uso de drogas), además de resultar un himno sobre la autenticidad, la rebeldía y el desinterés ante las críticas ajenas. «Worst Girl in America» podríamos denominarlo como un ‘collage sonoro’ que combina el electropop más bailable que triunfaba en torno al 2010 (como «Animal» de Kesha o «The Fame Monster» de Lady Gaga) con una producción más agresiva y experimental (que recuerda a «Brat» de Charli XCX) y tiene un claro referente en los álbumes que contienen una temática de procesar las crisis emocionales y personales en la pista de baile (como «Blackout» de Britney Spears). «Worst Girl in America» marca una evolución musical en la carrera de Slayyyter hacia un sonido más sucio, ruidoso e industrial y supone su consagración definitiva como artista. Los puntos fuertes son su versatilidad vocal y sus letras de naturaleza honesta, cruda y vulnerable. Puntuación: 7’5/10.

6. Beautiful Madness de Agnes.

Sin haber alcanzado el éxito y reconocimiento internacional de compatriotas como Zara Larsson o Robyn, Agnes se ha labrado una de las trayectorias más consistentes, sólidas y coherentes dentro del pop europeo contemporáneo. En 2021 vio la luz el quinto trabajo discográfico de la cantante sueca, Magic Still Exists, en el que abandonaba la imagen dulce y cándida de ‘pop star’ que la había acompañado hasta la fecha para adoptar un estilo vanguardista, transgresor y excéntrico, acompañado de un sonido bailable de corte alternativo y cargado de mensajes reivindicativos y con mayor consciencia social. En enero se publicó su sexto álbum de estudio, Beautiful Madness, cuyo título hace referencia a la mezcla de fuerzas opuestas: vulnerabilidad y fuerza, amor y ego, caos y belleza. En palabras de la cantante «es precisamente en las contradicciones, en la locura y en lo inacabado donde la vida se siente viva». En este álbum Agnes Carlsson celebra que la vida no es perfecta sino caótica y los momentos desordenados pueden ser igual de intensos y valiosos que los perfectos. «Beautiful Madness» está formado por 13 temas (incluyendo numerosos interludios) de carácter up-tempo y dirigidos a pista de baile que incorporan elementos dance-pop, Disco, House o synth-pop. Con este álbum la cantante sueca decidió invertir su proceso habitual de composición y en vez de comenzar por la melodía, dejó que la letra guiara el desarrollo musical, por ello este trabajo resulta más auténtico y personal, ya que cada canción surge de una emoción real, no solo de un gancho pegadizo. El single presentación del álbum fue Balenciaga Covered Eyes, un hipnótico tema de piano House que explora la tensión entre el glamour exterior y la fragilidad interna, utilizando la moda como escudo para ocultar el dolor de corazón mientras se está de fiesta. ‘Balenciaga Covered Eyes’ utiliza la imagen de una persona rodeada de lujo pero emocionalmente expuesta como metáfora central del tema y resume a la perfección el concepto de «llorar en el club», usado por numerosos cantantes dentro del pop. El segundo adelanto fue Milk, un potente tema House, Disco y synth-pop que resulta un himno sobre el auto-empoderamiento, la autenticidad y la creación de tu propio destino ya que defiende tomar el control, poseer tus peculiaridades y transformar las materias primas de la vida en la realidad deseada, utilizando la metáfora de la leche que puede convertirse en algo más valioso como la mantequilla. El tercer single lanzado fue Ego, un tema que combina sonido Disco con una sofisticada base synth-pop y cuyas letras hablan sobre el auto-descubrimiento y la liberación del control para dejar que la vida te sorprenda. Sin duda ‘Ego’ es uno de los temas más interesantes lanzados por Agnes hasta la fecha debido a su ritmo bailable y su mensaje sobre abrazar la vulnerabilidad y la superación del miedo. Como cuarto single se lanzó Wake Up, un poderoso himno Disco y dance-pop que habla sobre liberarse del pasado, superar el estancamiento y abrazar el poder personal. Agnes anima a sus oyentes a dejar de vivir en el pasado, elevar sus estándares y evolucionar. El álbum se mueve entre la euforia de la pista de baile y una mirada introspectiva que atraviesa todas sus canciones. Los temas presentes funcionan como himnos bailables que esconden una reflexión constante sobre la identidad, vulnerabilidad y auto-aceptación. En resumen, «Beautiful Madness» es un álbum de pop muy sólido y disfrutable que destaca por el excepcional talento como vocalista y compositora de Agnes y su innegable capacidad de reinvención. Este trabajo sigue la fórmula de «Magic Still Exists» y mantiene su esencia bailable pero marca una evolución artística por parte de la cantante sueca. Uno de los pocos puntos en contra del álbum son los excesivos interludios que aparecen, que resultan totalmente prescindibles y rompen el flujo y ritmo del álbum. Puntuación: 7’5/10.

5. Superbloom de Jessie Ware.

El estilo musical de Jessie Ware durante sus primeros años de carrera se definía como R&B contemporáneo, Soul y un pop electrónico y sofisticado, dentro de una atmósfera melancólica e íntima. En el año 2020 la cantante inglesa inició un giro radical hacia la música de baile con «What’s Your Pleasure?», un álbum que incorporaba elementos Disco, dance-pop, funk y música electrónica, a la vez que Jessie adoptaba una estética más festiva, glamurosa y con cierto toque ‘camp’. Su siguiente álbum, «That! Feels Good!», era un trabajo de carácter hedonista en el que Jessie nos invitaba a celebrar la vida, disfrutar de cada momento y experimentar el placer de los sentidos. «That! Feels Good!» se trataba de un álbum breve pero muy cohesivo, formado principalmente por temas up-tempo de estilo Disco y dance-pop. En abril vio la luz el sexto álbum de estudio de Jessie Ware, titulado Superbloom, que cierra su trilogía centrada en el placer y sigue la estela musical de sus dos anteriores trabajos, sobretodo «That! Feels Good!». Este álbum está formado por 13 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del sonido Disco y dance-pop con influencias funk, Soul y R&B, pero en este caso profundiza todavía más en el sonido Disco de los años 70 y contiene una instrumentación retro con arreglos de vientos y cuerdas. Todos los temas presentes han sido compuestos por la propia Jessie Ware y cuentan con la producción de James Ford, Jon Shave, Barney Lister, TommyD, Karma Kid o Stuart Price. El single presentación del álbum fue I Could Get Used to This, un tema Disco con cierto toque del R&B clásico que cuenta con una exuberante instrumentación de cuerdas y flauta. ‘I Could Get Used to This’ está compuesto por Jessie junto a Jon Shave y Miranda Cooper (componentes del colectivo Xenomania) y sus letras describen el deseo de detener el tiempo y sumergirse en la euforia de una intensa conexión física y emocional, convirtiéndose en un himno al placer hedonista. El segundo single lanzado fue Ride, un enérgico tema Disco/House con cierta influencia funk producido por Karma Kid cuyas letras exploran el deseo carnal, la seducción o las fantasías y utiliza metáforas del mundo del Spaghetti Western sobre ‘montar’ durante toda la noche. Este tema contiene una interpolación del icónico silbido del tema principal de la película «El bueno, el malo y el feo» de Ennio Morricone. Como tercer single se lanzó Automatic, un tema dance-pop y Disco con cierto toque synth-pop de los 80 cuyas letras exploran la sensación de perder el control de forma voluntaria cuando estás disfrutando en la pista de la discoteca o bajo el efecto de la atracción por alguien. En resumen, «Superbloom» es un álbum cohesivo, elegante y bien producido, que está formado por un digno conjunto de canciones bailables ejecutadas de manera magistral por parte de Jessie Ware, quien sigue brillando en su faceta de vocalista y compositora. Sin embargo este trabajo empieza a dar muestras de un estancamiento creativo por parte de Jessie Ware ya que repite la fórmula de sus dos anteriores trabajos, especialmente «That! Feels Good!», con el que guarda excesivas similitudes y no muestra ninguna evolución musical. En mi opinión, el resurgimiento del sonido Disco que tuvo lugar a principios de la década del 2020 resultó todo un acierto, ya que proporcionó un soplo de aire fresco al panorama musical y nos regaló algunos de los mejores álbumes pop de los últimos años, sin embargo este género musical tiende a resultar repetitivo y contiene poco margen para la innovación, por lo que todos los temas Disco acaban sonando muy parecidos. Puntuación: 7’5/10.

4. Sweat de Melanie C.

Durante los últimos años, Melanie C ha dedicado gran parte de su tiempo a su faceta como DJ y ha participado en numerosos festivales veraniegos y sesiones en famosos clubs. En dichas sesiones Mel repasa tanto sus temas en solitario como algunas de las canciones más famosas de Spice Girls, ya que su leal base de fans la sigue desde sus tiempos dentro del famoso grupo femenino. En el año 2020 la cantante inglesa publicó su último trabajo discográfico, titulado de manera homónima, el cual estaba formado por un sólido conjunto de canciones bailables pero cargadas de mensajes positivos sobre la superación de adversidades, el amor propio o la auto-aceptación, además de la defensa de los derechos de la comunidad LGTB. En mayo vio la luz el noveno álbum de estudio en solitario de Melanie Chisholm, titulado Sweat, el cual sigue la estela musical de su anterior trabajo pero está todavía más enfocado a las pistas de baile y profundiza en la música electrónica. Melanie ha compuesto las 13 canciones presentes en el álbum, las cuales incorporan elementos dance-pop, electropop, House o Disco y se inspiran en la música que suele pinchar en los clubs con sus sesiones como DJ. El single presentación del álbum fue la canción titular, Sweat, que fue creada por Melanie como un himno para sudar en el gimnasio y trata sobre la liberación emocional a través del baile. ‘Sweat’ es un enérgico tema dance-pop con influencias de la música EDM y que contiene cierto toque Disco/funk debido a la interpolación del himno ochentero del fitness ‘Work That Body’ de Diana Ross (lo que refuerza la conexión entre el entrenamiento físico y el baile). ‘Sweat’ representa la fusión de todas las facetas de Melanie: su lado más atlético y deportista como Sporty Spice, su estatus como icono del pop y su reciente trabajo como DJ en la escena club y underground. Como segundo single se lanzó What Could Possibly Go Wrong?, que se trata de un tema synth-pop y electropop producido por Klas Ahlund (mano derecha de Robyn) cuyas letras exploran la emoción e incertidumbre de correr riesgos y resulta un himno optimista sobre la confianza en uno mismo y vivir el momento, en lugar de temer el futuro o centrarse en los remordimientos. El tercer single lanzado fue Undefeated Champion, un enérgico tema dance-pop y Disco que celebra el empoderamiento y la superación de las adversidades, convirtiéndose en un himno de resiliencia y perseverancia. Como último single antes de la publicación del álbum se lanzó Attitude, un potente tema House con influencias Disco/funk que samplea el clásico ‘Over Like a Fat Rat’ de Fonda Rae y envía un mensaje auto-confianza, empoderamiento y sensación de seguridad, celebrando el momento en que dejas de sentirte pequeño ante los demás y adoptas una actitud positiva. En «Sweat», Melanie C vuelve a ser más Sporty Spice que nunca y se ha inspirado en la temática de sudar en el gimnasio y los famosos vídeos de fitness de los 80 para crear un álbum bailable y divertido pero cargado de mensajes positivos como la confianza en uno mismo, la superación de adversidades (Mel ha pasado por problemas de salud mental, presión extrema por la fama, rupturas y cambios de discográfica), la autenticidad o la resiliencia. «Sweat» es un álbum sólido y cohesivo, que mantiene el buen nivel de su anterior trabajo y reafirma el talento de Melanie Chisholm como vocalista y compositora. Sin duda uno de los mejores álbumes de dance-pop publicados durante este año. Puntuación: 7’5/10. 

3. We Need to Talk de Keri Hilson.

Después de 15 años alejada del panorama musical, Keri Hilson ha regresado con su tercer álbum de estudio, titulado We Need to Talk, que se trata de un ambicioso proyecto formado por 20 canciones y estructurado en tres escenas (amor, drama y redención) en los que la cantante explora el concepto de amor romántico y las diferentes fases por las que pasan las relaciones. «We Need to Talk» es el primer álbum de Keri Hilson como artista independiente y su trabajo más maduro, personal y vulnerable hasta la fecha. En abril del año pasado vio la luz la primera parte de la trilogía, We Need to Talk: Love, que se centra en el romance y el amor propio. «We Need to Talk: Love» está formado por 9 temas R&B con influencias Soul y Trap compuestos por la propia Keri bajo la producción de Danja, Andre Harris o Mel & Mus entre otros. El single presentación fue ‘Bae’, un medio tiempo R&B producido por Mel & Mus que contiene una interpolación del famoso tema ‘A Bay Bay’ de Hurricane Chris y en el que Keri expresa su afecto, cariño y profundo amor a su pareja. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Naked’, que resulta un himno de auto-aceptación en el que Keri se muestra a su amante tal y como es, en un estado de brutal honestidad o ‘Searchin’, un tema con influencia Hip Hop que cuenta con la colaboración del rapero Method Man y cuyas letras hablan de encontrar el amor auténtico. En septiembre llegó la segunda parte del proyecto, We Need to Talk: Drama, que supone la fase del conflicto y en la que afloran los sentimientos de desamor, ira, traición o sospechas en la relación. Musicalmente hablando, «We Need to Talk: Drama» está formado por 6 temas producidos por Danja, Polow da Don o DJ Camper que destacan por su carácter up-tempo y su influencia del Trap y Hip Hop, a diferencia del perfil más sosegado de la primera parte de la trilogía. El single presentación fue ‘Again’, un tema R&B up-tempo cuyas letras exploran el ciclo tóxico de volver a una relación disfuncional pese a saber que no es sana ni saludable para uno mismo. La canción se centra en la lucha por liberarse de una pareja tóxica y la frustración de repetir errores. En marzo vio la luz el tercer acto de la trilogía, We Need to Talk: Redemption, con el que podíamos contemplar el álbum en su totalidad. «Redemption» se centra en la curación de las heridas emocionales, la perseverancia, la recuperación espiritual y seguir adelante tras el caos y la agitación presentes en la fase de «Drama». Esta tercera parte añade otros 5 temas, principalmente baladas R&B de sonido retro producidas por Polow Da Don, Blac Elvis o Ryan Leslie. El single principal fue ‘XO (My Gift Interlude)’, una melancólica balada que habla de las dolorosas secuelas de una relación fallida y cuyas letras se centran en la frustración de que se produzca una ruptura pese a la profunda conexión y la dificultad de pasar de amantes a amigos. Merece la pena reseñar ‘Thankful’, el único tema up-tempo de esta parte y que resulta un himno de empoderamiento sobre encontrar fuerza y amor propio tras una ruptura, lo cual supone la mejor manera de finalizar el álbum y plasmar el proceso de curación y crecimiento personal de Keri. En resumen, la larga espera ha merecido la pena ya que Keri Hilson ha regresado con un trabajo en el que sigue brillando por su faceta como compositora y vocalista, tal y como lo hacía en el pasado. «We Need to Talk» es uno de los álbumes de R&B más sólidos publicados durante este año y destaca por su carácter maduro e introspectivo y su componente lírico crudo, vulnerable y tremendamente honesto. Keri ha pasado por malos momentos en el pasado y ha sufrido decepciones en el amor, pero ha conseguido sobreponerse y salir adelante. Pese a todos los hándicaps a los que se enfrenta en su regreso, es un placer tener a Keri Hilson de vuelta en el panorama musical. Puntuación: 7’5/10.

2. Retrospect de Mya.

Mya ha regresado al panorama musical después de 8 años sin publicar nuevo álbum aunque lo cierto es que durante este amplio lapso de tiempo no ha estado en absoluto alejada del mundo de la música ya que ha lanzado singles de manera regular y ha participado en varios festivales y conciertos. En mayo llegó su noveno álbum de estudio, Retrospect, el cual está formado por 16 temas compuestos por la propia Mya Harrison junto a su habitual colaborador Lamar ‘MyGuyMars’ Edwards, quien se encarga de la entera producción. El álbum, publicado bajo su propio sello discográfico Planet 9, destaca por su sonido retro y su gran influencia de la música de los años 70 y 80 e incluye elementos R&B, funk, Soul y Hip Hop. «Retrospect» homenajea la música que Mya escuchaba de niña y toma como fuente de inspiración a algunos de sus grandes ídolos como Stevie Wonder, Rick James, Teena Marie o Prince (su mentor y quien le aconsejó que abandonara las grandes multinacionales y se hiciera artista independiente). La primera parte del álbum está formada principalmente por temas up-tempo de estilo funk, mientras que la segunda parte baja de ritmo e incorpora clásicas baladas R&B. Mya comenzó a dar forma a este proyecto durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y en medio de la incertidumbre global utilizó la música como un refugio en el que encontraba felicidad, por ello el objetivo del álbum es transmitir optimismo, celebración y diversión al oyente. Pese a su carácter festivo, «Retrospect» también es un trabajo introspectivo en el que la cantante de Washington aborda las relaciones humanas y amorosas desde una perspectiva adulta y madura. El pasado mes de enero llegó el single presentación del álbum, ASAP, que se trata de una balada R&B con aire ochentero que habla sobre una relación que está pasando por una crisis por la falta de comunicación y refleja la urgencia de resolver los problemas emocionales antes de que la distancia destruya el vínculo amoroso. En ‘ASAP’ Mya expresa su deseo de solucionar las cosas lo antes posible y pide a su pareja tener una conversación honesta para no tirar por la borda todo lo que han construido juntos. Como single previo a la publicación del álbum se lanzó Just a Little Bit, un tema up-tempo de estilo funk y R&B con influencia Hip Hop que cuenta con la participación del rapero Too Short y en cuyas letras Mya exige compromiso, respeto y exclusividad a su pareja dentro de la relación. En este tema, la cantante de Washington muestra confianza y seguridad en sí misma frente a un hombre que habla mucho pero a la hora de la verdad hace poco y todo son promesas vacías. El álbum incluye la mayoría de los singles que Mya ha ido lanzando durante estos últimos años durante el proceso de creación de «Retrospect». Uno de los primeros temas grabados fue Just Call My Name, una majestuosa balada R&B y Soul que habla del apoyo incondicional y la lealtad que muestra Mya a alguien que está pasando por un momento crítico y doloroso. ‘Just Call My Name’ contiene arreglos de cuerdas y un uso de guitarra eléctrica que evocan el estilo del clásico ‘Purple Rain’ de Prince. En 2024 llegó Anytime, un romántico medio tiempo R&B cuyas letras giran en torno a la devoción, la paciencia en el amor y la promesa de ser el apoyo emocional de tu pareja. En 2025 se lanzó Face to Face, un tema R&B mid-tempo de carácter introspectivo cuyas letras reflejan el momento vital en el que se encuentra Mya en la actualidad y ofrece una visión íntima de su alma, pensamientos y el camino para convertirse en la mejor mejor de sí misma. Más tarde llegó Give It to You, un tema funk de carácter bailable cuyas letras giran en torno a dejar a un lado la timidez y el orgullo para expresar la atracción y afecto hacia tu interés amoroso. ‘Give It to You’ contiene gran influencia del funk de Minneapolis de los años 80 y rinde tributo a los pioneros de este sonido, como Prince, pero además incorpora influencias del estilo vocal e interpretativo de Rick James. Merece la pena reseñar ‘Masterpiece’, que supone un himno de autoestima en el que Mya habla de la exigencia de ser tratada como una obra de arte y representa a la perfección la esencia funk del álbum o ‘No Pressure’ es un enérgico tema G-funk que cuenta con la participación del rapero Snoop Dogg y habla de disfrutar el momento presente, dejarse llevar por la química mutua y evitar las ataduras emocionales. Sin duda «Retrospect» se posiciona como uno de los mejores álbumes de su extensa trayectoria y sus puntos fuertes son el talento de Mya como vocalista y compositora, la cuidada producción de MyGuyMars y el perfecto compendio de marchosos temas funk y emotivas baladas R&B. Pese a incluir un buen número de temas lanzados durante estos últimos años, «Retrospect» en ningún momento se siente como una playlist o recopilatorio de singles, sino que se trata de un álbum centrado, sólido y cohesivo, en el que conviven la euforia de las pistas de baile y la profundidad e intimidad de las letras. Puntuación: 7’8/10.

1. Kehlani de Kehlani.

En ausencia de grandes figuras del R&B dentro del actual panorama musical, prometedoras cantantes como SZA, Kehlani, Muni Long, Summer Walker, Victoria Monét o Coco Jones se han hecho un importante hueco en el panorama musical y han mantenido vivo el género. Kehlani está dispuesta a devolver al R&B el esplendor del que gozaba durante su época dorada de los 90 y el 2000. El pasado mes de abril la cantante californiana publicó su quinto álbum de estudio, titulado de manera homónima, el cual está formado por 17 temas compuestos por la propia Kehlani y producidos en su mayoría por Khris Riddick-Tynes, con producción adicional de Babyface, Antonio Dixon, Jimmy Jam & Terry Lewis, Richard Harrison, DJ Camper, The Stereotypes, Pop & Oak o Jermaine Dupri entre otros. Mientras que el anterior álbum de Kehlani, «Crash», se trataba de un trabajo muy ecléctico que incorporaba elementos Afrobeats, rock, Country o folk, «Kehlani» se centra en un R&B clásico y de sonido retro, reminiscente del R&B de finales de los años 90 y principios del 2000. El álbum cuenta con un amplio número de artistas invitados, entre los que se encuentran Brandy, Missy Elliott, Usher, Cardi B, Lil Wayne, Big Sean, T-Pain o Lil Jon. El single presentación del álbum fue Folded, que se trata de una balada R&B mid-tempo de sonido retro que cuenta con una rica instrumentación formada por cuerdas, guitarra o batería. Este tema producido por Antonio Dixon y Khris Riddick-Tynes sin duda remite al sonido R&B de los años 90 y principios del 2000, con Brandy como claro referente. ‘Folded’ destaca por la magnífica ejecución vocal de Kehlani y su profundo componente lírico, en cuyas letras la cantante explora las complejas emociones que se producen tras una ruptura pero intenta reavivar la relación ya que todavía tiene sentimientos por su pareja, por lo que le invita a venir a casa a recoger su ‘ropa doblada’. Este tema ha recibido numerosos premios, entre ellos dos premios Grammy a mejor canción R&B del año y mejor interpretación de R&B. ‘Folded’ alcanzó el top 10 en la lista americana, el top 20 en la lista de Reino Unido o el top 40 en Australia y Canadá. El segundo single lanzado fue Out the Window, que se trata de una clásica balada R&B en cuyas letras Kehlani muestra su vulnerabilidad mientras explora las secuelas de una relación terminada y la posibilidad de reconciliación con su pareja. La cantante californiana describe su profundo arrepentimiento y anhelo por tener una segunda oportunidad después de romper la confianza que su pareja había puesto en ella. El tercer single lanzado ha sido Back and Forth, un tema R&B de carácter rítmico producido por The Stereotypes que cuenta con la colaboración de Missy Elliott y en cuyas letras Kehlani trata de ignorar una discusión con su pareja y en cambio decide salir por la noche en la ciudad. Para este álbum Kehlani ha reclutado a algunos de sus ídolos indiscutibles, como Brandy, quien aparece en una de las mejores baladas del álbum, la nostálgica ‘I Need You’, producida por el legendario dúo Jimmy Jam & Terry Lewis y cuyas letras exploran, de manera vulnerable y honesta, la dificultad de superar un amor que dejó una huella profunda. También destaca el animado ‘Shoulda Never’, a dúo con Usher, cuyas letras exploran el conflicto de volver a caer en una relación tóxica. Mientras que «Crash» era un proyecto ecléctico, experimental y disperso por su mezcla de géneros, «Kehlani» es un álbum de R&B clásico y tradicional, que destaca por su contenido lírico vulnerable e íntimo y es su trabajo más personal y reflexivo hasta la fecha. En resumen, «Kehlani» es un trabajo sólido, cohesivo y que destaca por su carácter nostálgico y la ausencia de relleno, ya que se puede escuchar de principio a fin sin apenas saltar ninguna canción. El excepcional talento de Kehlani como vocalista y compositora sigue siendo uno de los puntos más destacados de este trabajo. «Kehlani» es el tipo de álbum que todos los amantes del R&B deseábamos escuchar en la actualidad, ya que cuenta con el sonido R&B típico de los 90 y el 2000 pero con una producción moderna y pulida. Para el blog Mister Music, «Kehlani» es sin duda el mejor álbum publicado durante la primera mitad del 2026. Puntuación: 8/10.