5. Resurrection.
No hay duda de que la cantante Anastacia es una auténtica luchadora, ya que durante su vida ha padecido diversas enfermedades, pero ha sabido sobreponerse a la adversidad y seguir adelante. De adolescente le fue diagnosticada la enfermedad de Crohn (un tipo de dolencia intestinal), también tuvo problemas de corazón y en 2003, cuando gozaba de gran éxito gracias a su álbum «Anastacia» se le diagnosticó cáncer de pecho, por lo que tuvo que parar todos sus proyectos profesionales y centrarse en recuperarse de la enfermedad. Por suerte Anastacia pudo superar el cáncer y prosiguió con su carrera, aunque tras su exitoso álbum de título homónimo, su popularidad disminuyó notoriamente y su cuarto álbum, «Heavy Rotation», obtuvo unas ventas muy bajas y supuso su primer fracaso comercial. En 2013 se le volvió a detectar nuevamente un cáncer de mama, pero tras someterse a una doble mastectomía, éste desapareció, por lo que podemos decir que Anastacia es una auténtica superviviente. Tras varios retrasos en su publicación debido a su batalla contra el cáncer, en 2014 vio la luz su sexto álbum de estudio, titulado de manera muy acertada Resurrection, ya que Anastacia resurgió como un ave fénix tras todos los problemas de salud que atravesó en el pasado y volvió a hacer lo que mejor se le da, que es crear nueva música y deleitar a sus seguidores con su poderosa voz. «Resurrection» está formado por 10 temas encuadrados dentro del pop/rock con ciertas influencias R&B o Soul y compuestos por la propia Anastacia bajo la producción de The Runaways (formado por sus habituales colaboradores Sam Watters y Louis Biancaniello), Jamie Hartman, John Fields y Toby Gad. «Resurrection» es su primer álbum con canciones originales desde «Heavy Rotation» y marca el retorno de Anastacia a su habitual sonido ‘sprock’ (que ella misma definió como una mezcla de Soul, pop y rock) tras profundizar en el pop/R&B comercial en «Heavy Rotation». En el terreno comercial «Resurrection» tuvo un buen desempeño comercial en Europa y alcanzó el top 10 en Reino Unido o Australia. El single presentación del álbum fue Stupid Little Things, un animado tema pop/rock mid-tempo compuesto por Anastacia junto a Sam Watters y Louis Biancaniello. Este tema supone un himno de resiliencia que habla sobre no pensar demasiado las cosas y dejar de enfocarse en los pequeños problemas insignificantes que sabotean nuestra felicidad. ‘Stupid Little Things’ suponía una apuesta muy acertada como single anticipo ya que contiene un estribillo muy pegadizo y resulta similar a su hit ‘Left Outside Alone’. El segundo single lanzado fue Staring at the Sun, un tema pop/rock compuesto nuevamente por Sam Watters y Louis Biancaniello en el que la cantante relata la complicada relación que tiene con un hombre al que quiere pero ‘amarle es como mirar directamente al sol’, mostrando a través de su gran voz su innegable resiliencia. Como tercer single llegó Lifeline, una desgarradora balada cuyas letras hablan sobre la vulnerabilidad, el dolor emocional y la búsqueda desesperada de ayuda o salvación en los momentos más oscuros. Entre los temas mas destacados se encuentran ‘Pendulum’, una emotiva balada cuyas letras abordan la resiliencia emocional, el dolor de una ruptura y la paciencia necesaria para sanar o ‘Evolution’, que habla del crecimiento personal y la superación de los momentos difíciles. En resumen, «Resurrection» supone una buena adición al notable repertorio musical de Anastacia y está formado por un conjunto digno de canciones que ponen de manifiesto su gran talento como vocalista y compositora, sin embargo resulta menos llamativo y sólido que sus primeros álbumes y contiene un exceso de baladas. Puntuación: 7/10.
4. Heavy Rotation.
Para celebrar su breve pero exitosa carrera en el mundo de la música y finalizar su contrato con la discográfica Sony, la cantante americana Anastacia publicó en 2005 su primer álbum de grandes éxitos, titulado Pieces of a Dream, el cual incluía todos los singles pertenecientes a sus tres primeros álbumes además de varios temas inéditos. Tras un millonario contrato con el sello discográfico Mercury, en 2008 vio la luz su cuarto álbum de estudio, titulado Heavy Rotation, el cual recuperaba el sonido R&B, funk y Soul presente en sus primeros álbumes tras el giro musical hacia el pop/rock acontecido en su tercer álbum de título homónimo. La cantante participó en la composición de la mayoría de los temas presentes y contó con la producción de importantes productores de la talla de Chuck Harmony, J.R. Rotem, The Heavyweights, Darkchild, Andrew Frampton o Lester Mendez entre otros. El título de «Heavy Rotation» hace referencia a que la vida puede resultar difícil pero todo puede girar y cambiar. En este álbum Anastacia conectó con su feminidad, su yo interior y su lado más profundo y sensual. A diferencia de sus tres anteriores álbumes, «Heavy Rotation» tuvo un moderado desempeño comercial y apenas ocupó el top 10 en España y el top 20 en Reino Unido o Alemania. El single presentación del álbum fue I Can Feel You, un marchoso tema pop/R&B up-tempo compuesto y producido por Ne-Yo y Chuck Harmony cuyas letras hablan sobre la conexión emocional y física profunda con la persona amada, cuya presencia se siente de manera abrumadora incluso cuando no está físicamente cerca. En el terreno comercial ‘I Can Feel You’ fue incapaz de repetir el éxito de los anteriores singles de Anastacia y apenas ocupó el top 25 en Italia o Alemania, convirtiéndose en su ‘lead single’ menos exitoso. El segundo single lanzado fue Absolutely Positively, un tema Soul, funk y R&B influenciado por el sonido Motown cuyas letras giran en torno a la indecisión en el amor, la duda emocional y la necesidad de tomarse un tiempo antes de romper definitivamente una relación. ‘Absolutely Positively’ tuvo un impacto mínimo en las listas de venta. De manera limitada se lanzó como tercer single Defeated, que se trata de una balada R&B mid-tempo compuesta por la propia Anastacia y producida por J.R. Rotem en la que la cantante afirma que las adversidades no van a poder con ella, convirtiéndose en un auténtico himno de superación. Entre los temas más destacados se encuentran ‘The Way I See It’, un tema Soul/R&B de corte retro cuyas letras transmiten un mensaje empoderador sobre la autoaceptación, la confianza en uno mismo y la importancia de mantenerse fiel a uno mismo o ‘Heavy Rotation’, un enérgico tema dance-pop de gran componente electrónico producido por Darkchild que supone el momento más up-tempo del álbum. En resumen, «Heavy Rotation» es un álbum más que digno pero no resulta tan sólido como los primeros trabajos de Anastacia ya que contiene canciones bastante genéricas, hay demasiado relleno y no encontramos singles tan llamativos como ‘Paid My Dues’ o ‘I’m Outta Love’. Sin embargo el estilo R&B/Soul presente en el álbum encaja a la perfección con la potente voz de matices negros de la cantante. «Heavy Rotation» marcó el inicio de la espiral decreciente en el éxito comercial y la popularidad de Anastacia. Años más tarde, la cantante mostró su rechazo hacia el álbum, su arrepentimiento acerca de la dirección creativa del mismo y su desconexión emocional con las canciones presentes. Anastacia declaró que su discografía la presionó para grabar un álbum con sonido pop/R&B bailable y comercial para intentar triunfar en el mercado americano. Puntuación: 7/10.
3. Freak of Nature.
Desde sus inicios en la música, Anastacia llamó la atención por su poderosa voz negra con tintes Soul y sin conocerla muchos podrían pensar que detrás de sus canciones se encontraba una cantante afroamericana de curvas rotundas, pero nada más lejos de la realidad, ya que se trataba de una atractiva mujer blanca de melena rubia y llamativas gafas de sol. Apenas un año y medio después de su exitoso debut, la cantante americana publicó su segundo álbum de estudio, Freak of Nature, un título que reflejaba que su potente voz, su estilo inconfundible y su innegable carisma le convertían en un ‘monstruo de la naturaleza’. Para su segundo álbum, Anastacia se reunió nuevamente con los productores que trabajaron en su anterior trabajo, Louis Biancaniello, Sam Watters y Rick Wake, quienes crearon un ecléctico conjunto de canciones encuadradas dentro del pop, R&B, Soul, funk y rock. En el terreno comercial «Freak of Nature» tuvo un buen desempeño: alcanzó el #1 en la lista de ventas de Alemania, el top 10 en Reino Unido y el top 40 en Estados Unidos, la mejor posición en la lista americana de toda su carrera. El single presentación del álbum fue Paid My Dues, un pegadizo tema pop/R&B mid-tempo cuyas letras hablan sobre una mujer fuerte e independiente que trabaja duro para ganarse el éxito, convirtiéndose en un auténtico himno de resiliencia, empoderamiento femenino y superación de los obstáculos. Este tema recibió buenas críticas por sus pegadizas letras y su poderoso mensaje. En el terreno comercial ‘Paid My Dues’ resultó un éxito en Europa, donde alcanzó el top 10 en las listas de España o Francia. Para mostrar la variedad presente en el álbum, como segundo single fue lanzado One Day In Your Life, un tema Disco que recordaba a su single debut y en el que Anastacia describe una relación complicada con un hombre pero esta vez se siente fuerte como para pasar página de la relación. Gracias a una intensa promoción, ‘One Day In Your Life’ tuvo un rendimiento comercial positivo y alcanzó el top 10 en Australia, Alemania o España y fue el único single de la cantante que logró el #1 en el componente Dance de la lista americana Billboard. El tercer single lanzado fue Why’d You Lie to Me, un marchoso tema pop/R&B up-tempo que guarda similitudes con el estilo urbano de Destiny’s Child o TLC de principios de la década del 2000. Este tema resulta un himno de empoderamiento en el que Anastacia habla sobre la infidelidad, la traición y la decisión de terminar una relación tóxica para recuperar su dignidad como mujer. Como último single se lanzó You’ll Never Be Alone, una balada pop cuyas letras hablan de apoyo emocional, consuelo y compañía incondicional en los momentos de mayor vulnerabilidad y en la que Anastacia pone de manifiesto su inmenso talento vocal. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Overdue Goodbye’, que contiene ciertas influencias folk y habla de la liberación personal tras terminar una relación tóxica o ‘How Come the World Won’t Stop’, un tema mid-tempo que habla sobre el duelo, la pérdida inesperada y la incredulidad ante la partida definitiva de un ser querido. La versión americana del álbum incluye ‘I Thought I Told You That’, un tema R&B en el que participa la cantante Faith Evans. En resumen, «Freak of Nature» mantiene en gran nivel del álbum debut de Anastacia, se centra en el sonido R&B y continua con sus letras que la reafirman como una mujer fuerte, feminista y empoderada. La imponente capacidad vocal de la cantante y la pulida producción son los puntos fuertes del álbum. Puntuación: 7’5/10.
2. Anastacia.
Uno de los debuts más exitosos del año 2000 dentro del panorama pop lo protagonizó la cantante americana Anastacia, quien gracias a singles como ‘I’m Outta Love’ ocupó las primeras posiciones en las listas de venta y se convirtió en una de las cantantes más populares del momento. Anastacia demostró con su segundo álbum que su éxito no era flor de un día y siguió triunfando con singles de la talla de ‘Paid My Dues’ o ‘One Day In Your Life’. Sin embargo no todo fueron alegrías para la cantante de las eternas gafas de sol, ya que cuando atravesaba su mejor momento profesional le fue diagnosticado un cáncer de pecho. Tras este traumático acontecimiento y mientras todavía se estaba recuperando de su enfermedad, Anastacia entró en el estudio de grabación para dar forma a su nuevo proyecto musical. En 2004 vio la luz su tercer álbum de estudio, titulado simplemente Anastacia, el cual marcaba una divergencia musical con respecto a sus anteriores trabajos y adoptaba un sonido pop/rock más maduro que ella denominó como ‘sprock’ (una mezcla de Soul, pop y rock), aunque se podían encontrar ciertas influencias R&B. La cantante nacida en Chicago participó en la composición de los 12 temas presentes en el álbum bajo la producción de Dallas Austin, Glen Ballard, John Shanks o Rick Wake, dejando fuera a sus habituales colaboradores Louis Biancaniello y Sam Watters, quienes produjeron sus dos primeros álbumes. Gracias al tremendo éxito del primer single, «Anastacia» debutó en el #1 de las listas de ventas de Alemania, Reino Unido o Australia y fue #2 en España o Italia, con ventas superiores a los tres millones de copias en tierras europeas. El single presentación del álbum fue Left Outside Alone, un tema pop/rock producido por Dallas Austin y Glen Ballard que cuenta con unas letras muy personales en las que Anastacia describe la tensa relación existente entre ella y su padre, quien la abandonó cuando era pequeña. ‘Left Outside Alone’ fue aclamado por la crítica por la impecable ejecución vocal de la cantante, su nueva dirección musical y la vulnerabilidad de sus letras sobre abandono y desilusión emocional. El melancólico inicio de la canción, en el que Anastacia utiliza su registro vocal más agudo, guarda similitudes con el estilo gótico de Amy Lee de Evanescence. En el terreno comercial ‘Left Outside Alone’ resultó un auténtico éxito: alcanzó el #1 en más de 10 países del mundo incluyendo Australia, España o Italia y se convirtió en el single más exitoso de la carrera de Anastacia y el sexto single más vendido en Europa en el año 2004. Como segundo single se lanzó Sick and Tired, el tema con mayor influencia R&B que encontramos en el álbum y en cuyas letras Anastacia habla sobre la frustración y el hastío que siente ante la falta de compromiso y amor por parte de su tóxica pareja. ‘Sick and Tired’ continuó la excelente racha comercial de ‘Left Outside Alone’ y alcanzó el top 5 en Reino Unido, España o Alemania. El tercer single lanzado fue Welcome to My Truth, un enérgico tema pop/rock producido por John Shanks en el que la cantante americana hace referencia a varios episodios muy duros de su vida como el abandono de su padre y su batalla contra el cáncer. ‘Welcome to My Truth’ tuvo un desempeño comercial moderado pero fue top 5 en la lista de ventas de España y se convirtió en uno de los singles más exitosos de la cantante en nuestro país. Como último single se lanzó Heavy on My Heart, una dramática balada pop/R&B en la que vuelve a hablar de su lucha contra el cáncer de mama que le fue detectado y resultó una experiencia traumática para ella. Podemos apreciar el sonido rockero presente en este álbum en temas como ‘Seasons Change’, que habla sobre la resiliencia, la aceptación de los altibajos de la vida y la inevitabilidad del cambio, ‘I Do’, que cuenta con la participación de Sonny Sandoval (perteneciente al grupo de nu-metal P.O.D.) o ‘Time’, cuyas letras suponen una profunda reflexión sobre la falta de control humano frente al paso del tiempo y la necesidad de vivir el momento presente. En resumen, «Anastacia» supuso una interesante adición a la discografía de la cantante ya que destacaba por su nueva dirección musical y sus profundas letras sobre traumáticos hechos ocurridos en su vida. Puntuación: 7’5/10.
1. Not That Kind.
Anastacia, nacida en Chicago con ascendencia alemana por parte de padre e irlandesa por parte de madre, desde pequeña estuvo relacionada con el mundo de la música y pese a sus continuos problemas de salud durante su adolescencia, trabajó como corista para varios cantantes y fue bailarina en videoclips de importantes grupos como Salt’n’Pepa. Desde un primer momento la cantante destacó por su inconfundible estilo y es ampliamente reconocible por su extensa colección de gafas de sol, su larga melena rubia, su pequeña estatura y su poderosa voz con matices negros (en sus inicios era conocida como la ‘pequeña chica con enorme voz’). En el año 2000 vio la luz su álbum debut, titulado Not That Kind, el cual está formado por un ecléctico conjunto de canciones que incluyen pop, R&B, funk o Soul y en las que se aprecian una clara inspiración de Whitney Houston o Michael Jackson, sus ídolos de la infancia. Anastacia participó en la composición de los 12 temas que conforman el álbum y cuenta con la producción de importantes nombres de la industria musical como Louis Biancaniello, Sam Watters, Rick Wake, Carl Sturken o Evan Rogers, conocidos por trabajar con estrellas como Jennifer Lopez, Destiny’s Child o Rihanna entre otros. El álbum «Not That Kind» resultó muy exitoso en las listas de venta de Europa, donde vendió más de 5 millones de copias y alcanzó el top 5 en Reino Unido, Australia o Alemania. Pese a ser estadounidense, a Anastacia se le resistió el mercado americano desde el primer momento y sus álbumes no gozaron de demasiado apoyo por parte del público de Estados Unidos. El single presentación del álbum fue I’m Outta Love, un enérgico tema Disco/funk producido por Louis Biancaniello, Sam Watters en el que Anastacia decide poner fin a una relación con un hombre que no es capaz de darle el amor que ella necesita y supone un auténtico himno de empoderamiento. ‘I’m Outta Love’ tuvo una gran rotación en las radios europeas y resultó un auténtico éxito comercial: alcanzó el #1 en Australia y fue top 10 en las listas de venta de Reino Unido, Alemania, Francia o España. Cabe destacar que en Estados Unidos este tema un impacto comercial mínimo y entró en la parte baja de la lista americana (el único single de Anastacia que conseguiría penetrar en la lista Billboard). Tras el gran éxito de su single debut, Anastacia lanzó como segundo sencillo el tema que daba título al álbum, Not That Kind, que se trata de un tema mid-tempo de estilo funk, Soul y R&B cuyas letras suponen un himno de empoderamiento que rechaza la manipulación y la superficialidad, reafirmando la autenticidad personal y la independencia emocional. Este tema no consiguió igualar el desempeño comercial del anterior single y apenas ocupó el top 10 en España y el top 20 en Francia y Reino Unido. El tercer single lanzado fue Cowboys & Kisses, una balada pop/rock y Country producida por Rick Wake en la que Anastacia relata la complicada relación tóxica que tiene con un ‘casanova’ que no atiende sus necesidades. Como último single se lanzó Made for Lovin’ You, un marchoso tema funk de carácter up-tempo cuyas letras giran en torno a la certeza absoluta del amor verdadero, el deseo de una conexión profunda y la exigencia de honestidad mutua en la pareja. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Love is Alive’, un marchoso tema pop/funk cuyas letras hablan sobre el despertar emocional, la revelación de sentirse completa gracias a un amor verdadero y la fuerza interior que este sentimiento provoca o ‘Who’s Gonna Stop the Rain’, un fantástico medio tiempo R&B que habla de los obstáculos que se presentan en la vida e impiden encontrar la felicidad. La asombrosa voz de Anastacia brilla en baladas como ‘I Ask of You’, que habla sobre la vulnerabilidad y la búsqueda de un amor incondicional y recuerda al estilo de Whitney Houston. En resumen, «Not That Kind» es un álbum debut muy sólido que destaca por su ecléctico sonido, su cuidada producción pero sobretodo por la excepcional ejecución vocal de Anastacia. Sin duda este álbum fue el responsable de presentarnos a una de las mejores voces del panorama pop de la década del 2000. Puntuación: 8/10.
Tras experimentar con el pop brillante en su último trabajo «Queen of Me», Shania Twain se despoja de los artificios y regresa a sus raíces con su séptimo álbum de estudio, Little Miss Twain, cuyo título proviene del apodo con el que su madre la presentaba en los bares de Canadá mucho antes de convertirse en una estrella mundial. El resultado es el trabajo más íntimo, vulnerable y maduro de su carrera, donde el Country más clásico se abraza con el rock y el Blues bajo la inteligente producción de Zach Dawes, Justin Tranter y Jeff Gitelman. Más allá de la nostalgia, el verdadero acierto de este álbum radica en su dirección sonora. En un momento en el que la música Country está viviendo una de las mayores olas de popularidad global de su historia, el regreso de Shania Twain a sus raíces es un acierto rotundo. Dejar a un lado los sintetizadores y el experimento con el pop comercial de su anterior trabajo para volver a abrazar la instrumentación orgánica (con violines, banjos y guitarras puramente western) no solo resulta auténtico, sino sumamente oportuno. La legendaria artista canadiense no necesita perseguir las tendencias del pop moderno, el género que ella ayudó a reinventar en los años 90 ha vuelto a la cima y «Little Miss Twain» destaca por ser un trabajo cohesivo, coherente y centrado. El elemento que verdaderamente define la identidad de este álbum es, sin duda, la interpretación vocal de Shania. Quien haya estado fuera del radar de la cantante durante los últimos años y busque aquí los agudos cristalinos de sus inicios se sentirá decepcionado. Desde su álbum de regreso de 2017, «Now», nos encontramos con una voz notablemente más grave, texturizada y raspada. Este cambio es el resultado directo de su larga batalla contra la enfermedad de Lyme, la severa disfonía y depresión que paralizaron su carrera, y las posteriores cirugías invasivas en su laringe para poder volver a cantar. Lejos de camuflar estas secuelas con sobreproducción, Shania las abraza con orgullo. Este toque raspado de su voz añade una capa de honestidad descarnada y aroma Blues que le sienta de maravilla al tono nostálgico de «Little Miss Twain». 
En 1979 vio la luz el decimoquinto álbum de estudio de Cher, titulado Take Me Home, el cual marcó un exitoso regreso comercial por parte de la artista californiana tras una racha de fracasos a mediados de los años 70. El álbum fue diseñado específicamente por el sello Casablanca Records (la discográfica de Donna Summer o Village People) para rescatar la carrera de Cher y meterla de lleno en las pistas de baile de la época. «Take Me Home» supuso la primera incursión de la legendaria cantante en el género Disco, tan popular en los años 70, que se caracteriza por su clásico ritmo ‘four on the floor’ (que contiene un golpe de batería constante en cada tiempo), sus arreglos de vientos y cuerdas, su bajo marcado y las letras hedonistas (como la búsqueda del placer inmediato y la discoteca como santuario). Tal y como solía ser habitual en los álbumes de la época, «Take Me Home» es un álbum muy breve formado por 9 canciones, todas ellas compuestas y producidas por Bob Esty. El álbum está dividido en dos partes muy diferenciadas: en la primera encontramos temas up-tempo de estilo Disco y la segunda mitad baja radicalmente el ritmo y contiene baladas influenciadas por el pop/rock y el Country. «Take Me Home» marcó el comienzo de la breve aventura de Cher dentro de la música Disco, solo continuada con su siguiente álbum, «Prisoner», publicado a finales del 1979. Más tarde supimos que Cher fue presionada por su discográfica para grabar un álbum de este género pero que no reflejaba sus gustos e intereses musicales. En el terreno comercial, «Take Me Home» debutó muy bajo en la lista americana de álbumes, pero consiguió ocupar el top 25 y fue certificado oro en Estados Unidos por ventas superiores al medio millón de copias.
A finales de 1979 y apenas nueve meses después del lanzamiento de «Take Me Home» vio la luz Prisoner, el decimosexto álbum de estudio de Cher y su último trabajo publicado bajo el sello Casablanca Records. «Prisoner» sigue la estela musical de «Take Me Home» y contiene sonido Disco, pero incorpora una gran influencia del rock y un prominente uso de guitarras eléctricas, lo que lo convierte en un álbum más arriesgado, agresivo e innovador. La música presente en «Prisoner» marca una evolución hacia el New Wave, que se trata de un movimiento surgido a finales de los 70 que evolucionó del punk-rock 
Corría el año 1991 y Cher se encontraba en una encrucijada vital y artística. Tras saborear las mieles del éxito con el álbum Heart of Stone, publicado dos años atrás, la legendaria diva regresaba al estudio de grabación con el corazón roto tras su mediática ruptura con Richie Sambora (guitarrista de Bon Jovi). El resultado fue Love Hurts, un álbum que este año cumple 35 años y por ello el blog Mister Music va a revisitarlo y hacer una crítica en retrospectiva. Sin duda no es el trabajo más cohesionado de su catálogo, pero sí uno de los más honestos, que funciona como el último eslabón de su etapa de rock de estadios, iniciada con «Cher» y seguida con «Heart of Stone». El vigésimo álbum de estudio de Cher, «Love Hurts», está encuadrado dentro del pop/rock y destaca por su uso prominente de guitarras eléctricas, aunque cuenta con ciertas influencias Soul, synth-pop o Country. La cantante californiana se alió nuevamente a la afamada compositora Diane Warren (quien fue responsable de su hit ‘If I Could Turn Back Time’) y contó con la producción de Peter Asher, Bob Rock, Guy Roche o Richie Zito. Los puntos fuertes de «Love Hurts» son sin duda las vulnerables y honestas letras de las canciones, la potente voz de Cher (que ofrece su interpretación vocal más cruda y pasional) y los singles lanzados, que son himnos pop/rock incontestables con ganchos comerciales infalibles. En el terreno comercial «Love Hurts» resultó un éxito moderado en Estados Unidos (apenas ocupó el top 50 y vendió unas 600 mil copias) sin embargo a nivel internacional tuvo un rendimiento comercial notablemente superior y alcanzó el top 10 en la mayor parte de países europeos, destacando Reino Unido, donde se mantuvo en el #1 durante 6 semanas consecutivas. 
Durante este 2026 los ex-componentes de la famosa ‘boy band’ One Direction se han mantenido muy activos a nivel profesional y todos ellos han publicado nuevo álbum. En febrero vio la luz «How Did I Get Here?» de Louis Tomlinson, que suponía su apuesta más solvente hasta la fecha, un mes más tarde llegó el arriesgado «Kiss All The Time. Disco, Occasionally» de Harry Styles, un trabajo de carácter experimental pero en su conjunto bastante aburrido y decepcionante, y en abril se publicó el enigmático «Konnakol» de Zayn, que suponía su regreso al sonido R&B de sus orígenes y resultaba un paso adelante con respecto a su anterior trabajo. Y por último, este mes de junio ha visto la luz Dinner Party, el tercer álbum de estudio de Niall Horan, cuyo título hace referencia a la noche en que conoció a su actual pareja (Amelia Woolley) en una cena hace 6 años y refleja el momento vital más calmado y maduro que está viviendo actualmente. «Dinner Party» está formado por 12 temas encuadrados dentro del pop/rock, indie pop y folk, todos ellos compuestos por el propio Niall Horan bajo la producción de John Ryan y Julian Bunetta (sus habituales colaboradores), además de Jamie Scott y Matt Zara. El pasado mes de marzo llegó el single presentación del álbum, Dinner Party, un tema pop/rock e indie pop de carácter mid-tempo cuyas letras celebran el momento de felicidad absoluta en el que conoció a su novia y nos transporta a un momento íntimo y especial, donde dos personas se conocen en un ambiente relajado y festivo. Las letras de ‘Dinner Party’ describen la experiencia de un encuentro fortuito en una cena con amigos, donde las luces y el ambiente nocturno crean una atmósfera mágica. ‘Dinner Party’ consiguió entrar en el top 75 de la lista británica. 
Try This fue el último trabajo de Pink dentro de la discográfica Arista, con la que tuvo grandes diferencias durante la grabación y promoción de dicho disco, lo que provocó su salida después de tres álbumes dentro de ella. Tras la gira promocional de «Try This» Pink se tomó un periodo de descanso en el que se inspiró de nuevos estilos y sonidos para su próximo disco. En 2006 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Pink, I’m Not Dead, cuyo título hacía referencia a que la cantante no estaba ‘muerta’ ni desaparecida del panorama musical tras el fracaso de su anterior álbum. «I’m Not Dead» sigue la estela pop/rock de sus dos anteriores álbumes pero resulta más accesible a todos los públicos y contiene un mayor componente pop que «Try This», el cual incorporaba un sonido más oscuro. Pink compuso todas las canciones presentes en el álbum y trabajó con importantes nombres de la industria musical como Billy Mann (quien ya contribuyó en su anterior disco), Butch Walker, Max Martin o Dr. Luke entre otros. El single presentación del álbum fue Stupid Girls, un marchoso tema pop con influencias R&B y pop/rock producido por Billy Mann que destacaba por sus letras en contra de la imagen sexualizada que se les impone a las mujeres en la sociedad y el mundo del espectáculo. Este tema resultaba un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que Pink animaba a las niñas y mujeres a potenciar su inteligencia y no su cuerpo. ‘Stupid Girls’ recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus inspiradoras letras y el carácter marchoso y bailable de la canción y fue nominado a mejor actuación vocal femenina en los premios Grammy. ‘Stupid Girls’ llevó de nuevo a Pink a la parte alta de las listas de venta tras el fracaso de sus últimos singles y ocupó el top 5 en Reino Unido, Australia o Canadá y el #13 en Estados Unidos. ‘Stupid Girls’ contó con un divertido e irónico videoclip en el que Pink se metía en el papel de varias chicas superficiales (algunas de ellas famosas como Lindsay Lohan, Jessica Simpson o Paris Hilton) contra las que se revela en la letra de la canción. Como segundo single se lanzó Who Knew, un tema pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke (quienes juntos han creado grandes hits dentro del mundo del pop) en el que Pink muestra su lado más emotivo y vulnerable hablando de un buen amigo al que perdió por el abuso de drogas. ‘Who Knew’ recibió opiniones positivas de los críticos musicales por la emotividad de la cantante y la producción del tema y obtuvo un rendimiento muy positivo en las listas de venta ya que ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. En su lanzamiento original en Estados Unidos, ‘Who Knew’ no tuvo demasiado apoyo por parte del público pero tras el éxito del siguiente single volvió a ser relanzado en tierras americanas y alcanzó el top 10 y fue certificado platino. 
En el año 2000 vio la luz el álbum debut de Pink, titulado Can’t Take Me Home, el cual estaba formado por 13 temas de estilo R&B/pop que contaban con la producción de algunos de los nombres más destacados del panorama R&B como Babyface, She’kspere, Soulshock & Karlin o Tricky Stewart. Pink apenas tuvo control creativo en este álbum, sin embarg participó en la composición de 7 de los 13 temas presentes, incluido el exitoso primer single, ‘There You Go’, que ocupó el top 10 en la lista americana. En abril de 2001 Pink participó junto con Christina Aguilera, Lil’ Kim y Mya en la banda sonora de la película «Moulin Rouge» con el tema Lady Marmalade, que se trataba de una versión de la famosa canción de Patty Labelle pero con un toque R&B/Hip-Hop moderno y producido por Missy Elliott y Rockwilder. Este tema resultó muy popular aquel año, superó el éxito de la versión original y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Reino Unido y más de 10 países en todo el mundo. Frustrada con la imagen de ‘pop star prefabricada’ que su discográfica había elegido para ella y cansada del poco control artístico que tuvo durante la creación de su primer álbum, Alecia Moore (el verdadero nombre de Pink) tomó las riendas de su carrera y empezó a trabajar en su nuevo trabajo. Con una popularidad al alza, Pink publicó a finales del 2001 su segundo álbum de estudio, titulado Missundaztood (que podemos traducir como incomprendida) y en el que dejaba a un lado su antiguo look de pelo rosa y mostraba una nueva imagen más rebelde e inconformista. «Missundaztood» destaca por su gran divergencia con respecto al estilo musical de «Can’t Take Me Home» y profundiza en un sonido pop/rock más maduro con ciertos elementos de folk, Blues o R&B. Pink compuso la mayoría de los temas presentes del álbum y para lograr su sonido deseado trabajó principalmente con Linda Perry (componente del grupo 4 Non Blondes y su ídolo juvenil) y Dallas Austin, además de contar con Scott Storch y Damon Elliott. «Missundaztood» debutó en el #8 de la lista americana y gracias al buen desempeño de los singles lanzados alcanzó el #6, gozó de una gran longevidad en las listas de venta y acabó siendo certificado 5 veces platino por ventas superiores a los cinco millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el segundo álbum de una artista femenina más vendido del 2002. A nivel internacional también logró un buen desempeño comercial: fue top 5 en Reino Unido o Alemania y top 20 en Australia y Francia, superando los 12 millones de copias en todo el mundo. 
Sin llegar a las cotas de éxito y popularidad que ha alcanzado su compañero Harry Styles, Louis Tomlinson cuenta con una leal base de fans, se ha labrado una sólida carrera en solitario al margen de One Direction e incluso ha logrado una trayectoria más consistente y coherente que la de Zayn. En 2022 vio la luz el segundo álbum del cantante inglés, «Faith in the Future», el cual fue grabado durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y con el que alcanzó su primer #1 en la lista británica de álbumes. A finales del pasado mes de enero fue publicado el tercer álbum de estudio de Louis Tomlinson, titulado How Did I Get Here?, el cual está formado por 12 temas, en su mayoría de carácter up-tempo, compuestos por el artista inglés junto a su colaborador habitual Theo Hutchcraft y producidos en su mayoría por Joseph Cross y Nicolas Rebscher, quienes ya participaron en «Faith in the Future». Al igual que sus anteriores trabajos, «How Did I Get Here?» está encuadrado dentro de su característico estilo indie rock y pop/rock, pero se diferencia de ellos al incorporar numerosos elementos del synth-pop, funk y pop psicodélico, convirtiéndolo en un trabajo musicalmente más diverso y arriesgado. Este álbum está inspirado en el viaje que realizó Louis Tomlinson a Costa Rica el año pasado, el cual le animó a crear canciones más alegres, divertidas y con un gran aroma veraniego. En septiembre del año pasado llegó el primer adelanto del álbum, Lemonade, que se trata de un tema up-tempo funk rock con influencias del pop psicodélico cuyas letras exploran las complejidades emocionales que surgen de una relación intensa con una mujer agridulce como la limonada. Este tema marcaba una divergencia con respecto al habitual estilo pop/rock de Louis Tomlinson, se aproximaba al territorio musical de su compañero Harry Styles o Bruno Mars y resultaba una apuesta muy solvente como single presentación de su nuevo álbum. ‘Lemonade’ logró entrar en la parte baja de la lista británica de singles pero solo permaneció una semana en dicha lista. 
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