Throwback Review: «Love Hurts» de Cher

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Corría el año 1991 y Cher se encontraba en una encrucijada vital y artística. Tras saborear las mieles del éxito con el álbum Heart of Stone, publicado dos años atrás, la legendaria diva regresaba al estudio de grabación con el corazón roto tras su mediática ruptura con Richie Sambora (guitarrista de Bon Jovi). El resultado fue Love Hurts, un álbum que este año cumple 35 años y por ello el blog Mister Music va a revisitarlo y hacer una crítica en retrospectiva. Sin duda no es el trabajo más cohesionado de su catálogo, pero sí uno de los más honestos, que funciona como el último eslabón de su etapa de rock de estadios, iniciada con «Cher» y seguida con «Heart of Stone». El vigésimo álbum de estudio de Cher, «Love Hurts», está encuadrado dentro del pop/rock y destaca por su uso prominente de guitarras eléctricas, aunque cuenta con ciertas influencias Soul, synth-pop o Country. La cantante californiana se alió nuevamente a la afamada compositora Diane Warren (quien fue responsable de su hit ‘If I Could Turn Back Time’) y contó con la producción de Peter Asher, Bob Rock, Guy Roche o Richie Zito. Los puntos fuertes de «Love Hurts» son sin duda las vulnerables y honestas letras de las canciones, la potente voz de Cher (que ofrece su interpretación vocal más cruda y pasional) y los singles lanzados, que son himnos pop/rock incontestables con ganchos comerciales infalibles. En el terreno comercial «Love Hurts» resultó un éxito moderado en Estados Unidos (apenas ocupó el top 50 y vendió unas 600 mil copias) sin embargo a nivel internacional tuvo un rendimiento comercial notablemente superior y alcanzó el top 10 en la mayor parte de países europeos, destacando Reino Unido, donde se mantuvo en el #1 durante 6 semanas consecutivas. 

El álbum es famoso por incluir el icónico The Shoop Shoop Song (It’s in His Kiss), que se convertiría en una de las canciones más representativas de la carrera de Cher. Sin embargo este tema jamás fue concebido para formar parte de «Love Hurts». Su inclusión fue una maniobra puramente comercial por parte de la discográfica Geffen Records para capitalizar un éxito inesperado. ‘The Shoop Shoop Song (It’s in His Kiss)’ fue el tema principal de la banda sonora de la película «Sirenas», protagonizada por la propia Cher junto a Winona Ryder, sin embargo la canción se convirtió en un monstruo comercial incontrolable, alcanzando el #1 en Reino Unido (el primero de Cher en solitario en tierras británicas) y arrasando en toda Europa. Ante semejante terremoto, la discográfica tomó una decisión empresarial obvia pero artísticamente cuestionable: meter el tema con calzador en las ediciones internacionales de «Love Hurts» para inflar las ventas del álbum. Aunque la versión de ‘The Shoop Shoop Song’ es divertida, pegadiza y Cher desborda carisma, se siente totalmente desconectada del resto del tracklist. Tras una sucesión de potentes guitarras de rock, baladas desgarradoras y canciones de desamor inspiradas por su ruptura con Richie Sambora, toparse de golpe con este tema pop/Soul sesentero tan colorido y alegre rompe por completo la atmósfera del álbum. Por tanto, el gran éxito comercial del álbum es, paradójicamente, el que más rompe la cohesión artística del conjunto.

El single presentación del álbum fue Love and Understanding, que se trata de un tema pop/rock con influencia Soul y que destaca por su coro Gospel. ‘Love and Understanding’ es un himno de conciencia social y empatía que habla sobre la necesidad de amor, paz y comprensión mutua en un mundo hostil y lleno de dolor. Este mensaje encajó a la perfección con la corriente de pop humanitario de principios de los 90. ‘Love and Understanding’ resultó un éxito comercial y alcanzó el top 10 en Reino Unido y el top 20 en Estados Unidos. Como segundo single se lanzó Save Up All Your Tears, un potente tema pop/rock compuesto originalmente por Diane Warren y Desmond Child para Bonnie Tyler, pero fue versionado más tarde y con mayor acierto por parte de Cher. ‘Save Up All Your Tears’ es un himno de desamor cargado de despecho, orgullo y empoderamiento, un traje hecho a la medida de la situación sentimental que Cher atravesaba durante esta época. ‘Save Up All Your Tears’ tuvo un desempeño moderado y alcanzó el top 40 en Estados Unidos, Canadá o Reino Unido. El tercer single lanzado fue la canción titular, Love Hurts, que se trata de una poderosa balada pop/rock que habla sobre el lado oscuro del amor y las cicatrices emocionales que deja una relación fallida. El mensaje principal es que el amor suele traer desilusión, dolor y sufrimiento, comparándolo con una estufa caliente que te quema cuando te acercas demasiado. El siguiente single lanzado en Reino Unido fue Could’ve Been You, un tema pop/rock mid-tempo cuyas letras envían un mensaje contundente y lleno de despecho hacia un ex que no supo valorar la relación. El último single lanzado del álbum fue When Lovers Become Strangers, una emotiva balada compuesta nuevamente por Diane Warren y encuadrada dentro del formato Adult Contemporary. Líricamente, la canción vuelve a explorar el desgarro de ver cómo una relación íntima se desmorona hasta convertir a dos personas en perfectos extraños, encajando de lleno en la narrativa de desamor del disco.

Dentro del álbum domina el pop/rock pero merece la pena reseñar dos temas muy influenciados por el sonido synth-pop ochentero: ‘Fires of Eden’, en el que Cher utiliza metáforas bíblicas y místicas para explorar la nostalgia, el amor perdido y la perdurabilidad del deseo, convirtiéndose en una confesión sobre el impacto eterno de un amor puro y ‘Who You Gonna Believe’, cuyas letras abordan un tenso e inminente ultimátum amoroso provocado por una infidelidad. Por su parte ‘One Small Step’ es un tema up-tempo pop/rock con influencias Country a dúo con el cantante Richard Page cuyas letras plantean preguntas sobre cómo guiar a la humanidad en momentos de oscuridad.

En conclusión, «Love Hurts» es el diario de desamor definitivo con el que Cher cerró su era de rock de estadios antes de reclamar, unos años más tarde, el trono absoluto de las pistas de baile con «Believe». El álbum captura a una Cher enérgica, vulnerable y vocalmente impecable, defendiendo un repertorio que, si bien peca de irregular en su segunda mitad, nos regaló algunos de los himnos de pop/rock más honestos de su carrera. Curiosamente, en el archivo del blog Mister Music, «Love Hurts» empata con la misma calificación que su predecesor, «Heart of Stone», sin embargo, llegan a ese notable alto por caminos opuestos. Mientras que «Heart of Stone» es un disco comercialmente infalible y más cohesionado gracias a bombazos como ‘If I Could Turn Back Time’, «Love Hurts» compensa sus baches de producción con una interpretación vocal mucho más cruda, madura y emocional, sumando puntos gracias a sus inesperadas e interesantísimas pinceladas de Soul, Country y Gospel. Temas imprescindibles: Save Up All Your Tears, Love Hurts, Love and Understanding, Fires of Eden, Who You Gonna Believe y The Shoop Shoop Song. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Resurrection» de Chlöe y Timbaland

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Durante los años 90 y principios de la década del 2000, Timbaland formó uno de los mejores tándems del mundo de la música junto a Missy Elliott, ya que el famoso productor americano creó junto a la legendaria rapera varios de los álbumes de Hip Hop más icónicos de todos los tiempos, como «Supa Dupa Fly», «Da Real World» o «Miss E… So Addictive», que resultaban adelantados a su tiempo gracias a la vanguardista producción de Timothy Mosley y sentaron precedentes dentro del género por su original e innovador sonido. Aaliyah (protegida de Missy Elliott) también trabajó estrechamente junto al productor americano en sus aclamados álbumes «One in a Million» y «Aaliyah», los cuales han servido de inspiración multitud de artistas de R&B posteriores. Durante la década del 2000 Timbaland formó un tándem increíble junto a Justin Timberlake en trabajos como «FutureSex/LoveSounds» o «The 20/20 Experience», los cuales obtuvieron altas ventas, resultaron un éxito comercial y recibieron grandes críticas por parte de los expertos musicales. El productor nacido en Virginia nuevamente creó magia junto a Brandy en «Afrodisiac», uno de los álbumes más aclamados de la cantante y antesala del R&B progresivo que muchos artistas tomarían como referencia posteriormente. Sin embargo, lo cierto es que Timbaland hace años que no crea maravillas de la talla de ‘Try Again’ de Aaliyah, ‘Get Ur Freak On’ de Missy Elliott, ‘Afrodisiac’ de Brandy o ‘Cry Me a River’ de Justin Timberlake. 

Durante los últimos años, los artistas de R&B están intentando recuperar el clásico sonido que tenía el género durante los años 90 y principios de la década del 2000 (como por ejemplo Kehlani) y Chlöe ha decidido aliarse con el famoso productor Timbaland para rescatar ese sonido tan característico de la época dorada del R&B. Este mes de junio ha visto la luz el tercer trabajo discográfico en solitario de Chlöe Bailey, titulado Resurrection, que se trata de una mixtape colaborativa junto a Timbaland, quien se encarga de la entera producción. «Resurrection» es el tercer trabajo de la artista de Atlanta al margen del dúo Chloe x Halle (junto a su hermana menor) y el sucesor de «Trouble in Paradise», que fue publicado en 2024 con críticas tibias y mínimo impacto comercial. El álbum está formado por 13 temas de apenas dos minutos de duración (siguiendo las actuales reglas del streaming) encuadrados dentro del R&B, con ciertos elementos pop, funk, Hip Hop y del R&B alternativo.

«Resurrection» comienza con ‘Talking Dirty’, el tema que más recuerda a la clásica producción de Timbaland de finales de los 90 por sus ritmos sincopados, su percusión y los característicos sonidos vocales que incorporaba Timbo a las canciones de Missy Elliott o Aaliyah. ‘Talking Dirty’ es un tema R&B mid-tempo con influencia Hip Hop cuyas letras hablan de empoderamiento, seducción, deseo sexual y exigencia de respeto a tu amante. Sin duda ‘Talking Dirty’ es el pilar esencial del álbum y la senda por la que debería haber transitado el resto de canciones para acercarse al verdadero sonido Timbaland de finales de los 90, ya que remite a clásicos como ‘Beep Me 911’ de Missy Elliott. Merece la pena destacar ‘Jittery’, un tema de hipnótica producción cuyas letras exploran el estado mental nervioso y agitado de una persona tras el fin de una relación de la cual se siente responsable, ‘Mama’s Boy’, un medio tiempo en el que Chlöe habla de un hombre inmaduro, dependiente de su madre e incapaz de comprometerse o ‘World on Fire’, un tema R&B de sonido atmosférico que utiliza el caos exterior como una metáfora para resaltar el valor de un amor verdadero y profundo. El álbum está formado principalmente por medios tiempos, sin embargo encontramos un tema up-tempo de carácter bailable, ‘Better Than She Can’, que se trata de un original tema Disco/funk de sonido futurista que resulta un himno de empoderamiento femenino, confianza en una misma y autoafirmación, en cuyas letras Chlöe destaca su superioridad emocional y física frente a la competencia.

Definitivamente Timbaland no ha logrado plasmar en «Resurrection» el R&B futurista que sí imprimió de manera magistral durante la época del cambio de milenio con artistas como Aaliyah y se evidencia una falta de riesgo e innovación, sin embargo podemos presenciar breves destellos de su brillante producción y cierta química con Chlöe. «Resurrection» se ve lastrado por canciones excesivamente breves e inconsistencias en la composición (las letras resultan genéricas y poco inspiradas). Chlöe es una magnífica vocalista y posee una preciosa voz aterciopelada, pero todavía no ha logrado dar con la tecla adecuada en su carrera como solista. «Resurrection» es un trabajo digno y correcto al igual que sus dos anteriores trabajos en solitario, sin embargo la joven artista no logra explotar todo su talento y potencial. Temas imprescindibles: Talking Dirty, Jittery, Better Than She Can, World on Fire, Hold It y Mama’s Boy. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Worst Girl in America» de Slayyyter

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Catherine Grace Garner dejó la universidad y su trabajo de recepcionista en una peluquería de St. Louis (Missouri) para mudarse a Los Ángeles y perseguir su sueño de triunfar en el mundo de la música. La cantante, conocida artísticamente como Slayyyter, con muy pocos medios lanzó una mixtape en 2019, con la que empezó a ganar seguidores en las redes sociales y a hacerse una base de fans reducida pero muy leal. En 2023 llegó su último álbum, Starfucker, un trabajo inspirado en el glamour del viejo Hollywood y cuyas letras exploraban temas como la vanidad, la superficialidad, el sexo, el uso de drogas o el mundo de las celebridades que se pueden encontrar en Los Angeles. El pasado mes de marzo llegó el tercer álbum de estudio de Slayyyter, titulado Worst Girl in America, el cual está encuadrado dentro del electropop, dance-pop y electroclash (un estilo musical surgido en los años 90 que combina el sonido synth-pop y new wave típico de los 80 con un toque electrónico y EDM) e incorpora elementos hyperpop, pop/rock y punk. El álbum está formado por 14 temas compuestos por la propia Slayyyter y producidos por Austin Corina, Valley Girl, Owen Jackson o Nicopop entre otros. «Worst Girl in America» se aleja del sonido pop accesible de su anterior trabajo y se caracteriza por su carácter experimental y su abrasiva producción, que contiene bajos distorsionados, sintetizadores y percusiones pesadas típicas de la música industrial. A diferencia de la temática de fantasía plástica de Hollywood presente en su anterior trabajo, la inspiración de este proyecto proviene de la infancia de Slayyyter en Missouri y representa el retrato de una mujer criada en el Medio Oeste americano. «Worst Girl in America» explora una narrativa conceptual oscura y trata temas como la autodestrucción, el lado tóxico de la fama y el hedonismo como mecanismo de defensa frente a los traumas personales y como método de escape para anestesiar el dolor. En el terreno comercial, el álbum ha alcanzado el top 25 en la lista americana y el top 40 en Reino Unido, convirtiéndose en las mejores posiciones de Slayyyter en la listas de venta de toda su carrera profesional.

5 singles han sido lanzados previamente para promocionar el álbum. Para dar con el primer single tenemos que retroceder hasta verano del año pasado, cuando llegó Beat Up Chanels, que se trata de un tema electroclash con influencia punk cuyas letras se inspiran en su juventud en Missouri mientras anhelaba tener ropa de marca que no se podía permitir. ‘Beat Up Chanels’ marca un contraste entre el lujo de la alta costura con la suciedad de la vida nocturna en los suburbios de St. Louis y el escapismo de la realidad mediante alcohol, sexo y drogas. El siguiente single fue Cannibalism!, un oscuro tema pop/rock y punk con guitarras distorsionadas que utiliza el canibalismo como metáfora sobre el enamoramiento obsesivo, el deseo destructivo y la sensación de ser consumido por otra persona. Como tercer single llegó Crank, un tema hyperpop que cuenta con ritmos industriales pesados, bajos saturados y distorsión vocal. Las letras de ‘Crank’ retratan una actitud irreverente de superioridad, exceso de confianza, desinterés por las consecuencias y empoderamiento sexual, consolidando su personaje de la «peor chica de América» (tal y como reza el título del álbum). Ya en 2026 llegó el single más accesible de todos los lanzados hasta la fecha como promoción del álbum y en mi opinión la apuesta más acertada. Me refiero a Dance…, un tema de casi 5 minutos de duración cuyo sonido remite al dance-pop y electropop de finales de la década del 2000 y principios del 2010 de artistas como Lady Gaga, Kesha o Britney Spears. Este tema se aleja del sonido oscuro y distorsionado de los singles precedentes y se sumerge en un pop más luminoso y comercial. ‘Dance…’ resulta un himno de liberación, autosuficiencia emocional y desprecio absoluto ante la negatividad ajena en la pista de baile. Como último single antes de la publicación del álbum se lanzó Old Technology, un tema electropop y electroclash cuyas letras utilizan la metáfora de la tecnología obsoleta para hablar sobre el escapismo a través de los excesos (como el uso de drogas), además de resultar un himno sobre la autenticidad, la rebeldía y el desinterés ante las críticas ajenas.

Merece la pena reseñar ‘Gas Station’, un tema synth-pop y electropop en el que de manera vulnerable y melancólica Slayyyter aborda un trauma infantil de abandono familiar (tras una discusión con su padre, éste le dejó abandonaba en una gasolinera en mitad de la noche) y lo relaciona con un patrón muy claro que siguen sus relaciones amorosas actuales. También resulta interesante ‘Old Flings’, un tema de sonido ruidoso e industrial que habla sobre lo que se siente al encontrarte con tu ex en un bar o descubrir el pasado de tu actual pareja o ‘Unknown Loverz’, un tema dance-pop de carácter alternativo e indie en el que Catherine aborda la obsesión romántica, la desconexión emocional y el autoengaño en una relación tóxica. El álbum termina con ‘Brittany Murphy’, quizás el tema más íntimo y vulnerable del álbum, en el que Slayyyter habla de su salud mental y aborda temas como el peso de la fama, la depresión y los pensamientos suicidas.

Slayyyter todavía sigue siendo una artista minoritaria y no excesivamente conocida por parte del público masivo, sin embargo durante los últimos años está obteniendo un mayor reconocimiento y avanzando en la dirección correcta gracias a una sucesión de álbumes más que dignos que ponen de manifiesto su versatilidad como artista y sus habilidades como compositora. «Worst Girl in America» podríamos denominarlo como un ‘collage sonoro’ que combina el electropop más bailable que triunfaba en torno al 2010 (como «Animal» de Kesha o «The Fame Monster» de Lady Gaga) con una producción más agresiva y experimental (que recuerda a «Brat» de Charli XCX) y tiene un claro referente en los álbumes que contienen una temática de procesar las crisis emocionales y personales en la pista de baile (como «Blackout» de Britney Spears). «Worst Girl in America» marca una evolución musical en la carrera de Slayyyter hacia un sonido más sucio, ruidoso e industrial y supone su consagración definitiva como artista. Los puntos fuertes son su versatilidad vocal y sus letras de naturaleza honesta, cruda y vulnerable. Temas imprescindibles: Dance…, Gas Station, Cannibalism!, Old Flings, Unknown Loverz y Old Technology. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Dirty Blonde» de Bebe Rexha

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Mucho se ha hablado últimamente del Khia Asylum, un concepto nacido de internet que hace referencia a un lugar metafórico o cárcel virtual donde residen las estrellas del pop cuyas carreras están estancadas, han perdido relevancia comercial y arrastran varios flops consecutivos. Bebe Rexha fue una de las primeras cantantes en referirse al Khia Asylum a través de sus redes sociales y ha admitido encontrarse en él desde hace tiempo e incluso bromeó con sus fans pidiéndoles pidió salir de ahí pronto. El término de Khia Asylum proviene de la rapera americana Khia (conocida por su único hit ‘My Neck, My Back’), quien se convirtió en una figura de culto por sus críticas feroces a otras celebrities. Algunas cantantes como Sabrina Carpenter o Zara Larsson consiguieron escapar del Khia Asylum gracias a sus recientes éxitos, sin embargo otras ‘pop stars’ siguen atrapadas en esta cárcel, como Rita Ora, Ava Max o Kim Petras (la eterna promesa del pop que nunca acaba de despuntar). Es innegable que Bebe Rexha ha alcanzado el éxito con algunas de las numerosas colaboraciones que ha realizado con otros artistas (un ejemplo es su participación en ‘I’m Good (Blue)’ de David Guetta, que se convirtió en uno de los singles más exitosos del 2022, alcanzó el #1 en las principales listas de venta y acumula más de dos mil millones de reproducciones en Spotify) sin embargo sus canciones propias no han logrado el mismo nivel de impacto y han tenido escasa repercusión comercial. Su falta de carisma o personalidad distintiva y su escasa capacidad de conexión con el público masivo son las razones por las que tras más de una década en el negocio no haya acabado de triunfar en solitario y siga siendo una artista bastante desconocida a nivel general. Tras su repunte de popularidad gracias a ‘I’m Good (Blue)’, la cantante americana publicó su tercer trabajo discográfico, titulado Bebe, el cual profundizaba en el dance-pop y Disco, contaba con un sonido retro inspirado en la música de los años 70 y 80 e incorporaba elementos funk o synth-pop. Después de todas las colaboraciones que ha realizado durante su carrera (la mayoría temas dirigidos a las pistas de baile) Bebe Rexha por fin aprendió la lección y creó un álbum formado por canciones de carácter up-tempo, a diferencia de sus anteriores trabajos «Expectations» y «Better Mistakes», en los que predominaban los temas de carácter mid-tempo.

Este mes de junio ha visto la luz el cuarto álbum de estudio de Bebe Rexha (primero publicado como artista independiente tras su salida de Warner Records), titulado Dirty Blonde, el cual está formado por 13 temas encuadrados dentro del dance-pop y que profundizan en el sonido EDM, aunque incorporan elementos electropop, synth-pop o pop/rock. Bebe Rexha ha participado en la composición de las todas canciones presentes (las cuales giran en torno a la auto-aceptación, la vulnerabilidad, los problemas de salud mental, el desamor, el hedonismo o la rebeldía) y ha contado con la producción de Punctual, Jean Baptiste, DJ Snake, Boaz van de Beatz, David Guetta o Hit-Boy entre otros. A principios de año se lanzaron dos sencillos promocionales como aperitivo del álbum. El primero de ellos fue ‘I Like You Better Than Me’, un tema dance-pop que aborda de manera honesta la lucha interna de Bebe con la autoestima y cuyas letras expresan su sentimiento de inferioridad y envidia hacia otra persona que cumple los estándares de belleza. El segundo fue ‘Çike Çike’, un tema House con influencia EDM producido por DJ Snake que supone un homenaje a las raíces albanesas de la cantante y habla de la complicidad femenina durante una noche de chicas.

El ‘lead single’ del álbum fue New Religion, un potente tema Dance/House producido por Punctual que samplea la melodía del famoso himno ‘Insomnia’ de Faithless. Las letras de este tema describen las pistas de baile como su refugio y salvación, mientras que el término ‘nueva religión’ simboliza la lealtad incondicional y el sentido de pertenencia que Bebe encuentra en la música cuando el mundo exterior es caótico. ‘New Religion’ ha tenido un desempeño comercial moderadamente positivo y ha alcanzado el top 50 en las listas de venta de Reino Unido o Alemania, superando ampliamente el rendimiento de sus últimos singles. ‘New Religion’ supera los 60 millones de reproducciones en Spotify y es una de las canciones más populares de Bebe en las plataformas musicales. Sin duda ‘New Religion’ ha sido un paso en la dirección correcta para salir del Khia Asylum donde dice encontrarse la cantante americana. Tras el buen recibimiento de ‘New Religion’ por parte del público llegó otro sencillo promocional, ‘Hysteria’, que se trata de un explosivo tema dance-pop y EDM con ciertos elementos hyperpop cuyas letras celebran la liberación, el desenfreno emocional y la necesidad de dejarse llevar por la música en la pista de baile para olvidar los problemas. Como segundo single oficial se lanzó Sad Girls, un tema dance-pop producido por David Guetta cuyas letras abordan cómo algunas personas intentan ocultar su tristeza, una ruptura amorosa o el dolor de ver a un ser amado con otra persona detrás de la diversión y la vida nocturna. ‘Sad Girls’ es un tema enérgico y pegadizo, pero su sonido resulta tremendamente genérico y derivativo de las producciones de David Guetta de la década del 2010, además guarda muchas similitudes con el reciente single ‘Save Me Tonight’ de Jennifer Lopez, también producido por el DJ francés.

«Dirty Blonde» está formado en su mayoría por temas bailables de carácter up-tempo, como ‘Nobody’s There’, en cuyas letras Bebe habla de una mujer peligrosa o femme fatale que opera en las sombras de la noche y deja destrucción emocional a su paso, sin embargo a mitad de la secuencia, el álbum baja el ritmo y encontramos canciones más calmadas como la balada ‘Time’, que habla de la frustración absoluta tras una ruptura destructiva y muestra el dolor de perder el tiempo con la persona equivocada, ‘One Day’, un tema mid-tempo electropop en el que Bebe le advierte a su ex-pareja que se arrepentirá de haberle dejado o ‘The Way I Want You’, un tema con influencia pop/rock que explora una obsesión amorosa, la dependencia emocional y la frustración de no poder superar a alguien a pesar de hacer terapia.

Tras convertirse en artista independiente, Bebe Rexha ha conseguido una libertad creativa absoluta, lo que le ha permitido ser fiel a su visión artística y crear canciones cuyas letras resultan brutalmente honestas y crudas. El punto fuerte de «Dirty Blonde» son los temas dirigidos a las pistas de baile, pero en su conjunto resulta irregular e inconsistente, ya que pierde fuerza a mitad del álbum debido a la inclusión de varias baladas y canciones más tranquilas que rompen el flujo de ritmo frenético y restan impacto al conjunto. Además, muchos de los temas presentes apenas superan los dos minutos de duración y están diseñados para encajar en las nuevas reglas del streaming, pero algunos de ellos se sienten inacabados y les falta un mayor desarrollo, como un puente potente o un verso más. En resumen, «Dirty Blonde» es un álbum digno y correcto, que destaca por la solvencia vocal de Bebe y su talento como compositora, pero se encuentra un escalón por debajo de la solidez de su anterior álbum. Volviendo a la premisa inicial: ¿consigue Bebe Rexha escapar finalmente del Khia Asylum con este trabajo? En mi opinión ha conseguido la libertad condicional, pero todavía no ha recibido el alta definitiva. Temas imprescindibles: New Religion, Sad Girls, Hysteria, Nobody’s There, I Like You Better Than Me y One Day. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Dinner Party» de Niall Horan

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Durante este 2026 los ex-componentes de la famosa ‘boy band’ One Direction se han mantenido muy activos a nivel profesional y todos ellos han publicado nuevo álbum. En febrero vio la luz «How Did I Get Here?» de Louis Tomlinson, que suponía su apuesta más solvente hasta la fecha, un mes más tarde llegó el arriesgado «Kiss All The Time. Disco, Occasionally» de Harry Styles, un trabajo de carácter experimental pero en su conjunto bastante aburrido y decepcionante, y en abril se publicó el enigmático «Konnakol» de Zayn, que suponía su regreso al sonido R&B de sus orígenes y resultaba un paso adelante con respecto a su anterior trabajo. Y por último, este mes de junio ha visto la luz Dinner Party, el tercer álbum de estudio de Niall Horan, cuyo título hace referencia a la noche en que conoció a su actual pareja (Amelia Woolley) en una cena hace 6 años y refleja el momento vital más calmado y maduro que está viviendo actualmente. «Dinner Party» está formado por 12 temas encuadrados dentro del pop/rock, indie pop y folk, todos ellos compuestos por el propio Niall Horan bajo la producción de John Ryan y Julian Bunetta (sus habituales colaboradores), además de Jamie Scott y Matt Zara. El pasado mes de marzo llegó el single presentación del álbum, Dinner Party, un tema pop/rock e indie pop de carácter mid-tempo cuyas letras celebran el momento de felicidad absoluta en el que conoció a su novia y nos transporta a un momento íntimo y especial, donde dos personas se conocen en un ambiente relajado y festivo. Las letras de ‘Dinner Party’ describen la experiencia de un encuentro fortuito en una cena con amigos, donde las luces y el ambiente nocturno crean una atmósfera mágica. ‘Dinner Party’ consiguió entrar en el top 75 de la lista británica.

El segundo single lanzado fue Little More Time, que se trata de una romántica y nostálgica balada que explora el deseo profundo de congelar el tiempo y detener el ritmo acelerado del mundo. Las letras de ‘Little More Time’ también se pueden interpretar como un himno generacional sobre cumplir los 30 años, cuando se mira con nostalgia el paso del tiempo y se pide «una canción más o una copa más» antes de que la noche termine. El tercer single lanzado fue End of and Era, una balada acústica folk/pop que supone una reflexión melancólica sobre el paso del tiempo y la inevitable conclusión de etapas significativas en la vida. Sin embargo, tras la muerte de Liam Payne, su compañero de One Direction, Niall rehizo la canción y la convirtió en un tributo a su amigo fallecido en 2024, cuyas letras reflejan el dolor repentino, la nostalgia por su juventud compartida y la dificultad de asimilar una despedida inesperada. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Tastes So Good’, un marchoso tema pop/rock cuyas letras exploran la complejidad de una relación adictiva y emocionalmente intensa o ‘Boys Are Fun’, que habla de la independencia de las mujeres y cómo los chicos pueden aportar diversión y una actitud despreocupada a las relaciones. También merece la pena reseñar ‘Pretty’, un tema pop/rock de carácter up-tempo que supone una oda a la belleza que va más allá de lo físico y explora la complejidad emocional y la conexión profunda entre dos personas o ‘Monochromatic’, que aborda el tema de la atracción y el deseo a través de metáforas visuales y sensoriales.

En resumen, «Dinner Party» es el proyecto más maduro, íntimo y vulnerable de la carrera de Niall Horan en solitario y las canciones presentes celebran su crecimiento personal y la estabilidad emocional al haber encontrado el amor en una etapa más madura de su vida. «Dinner Party» es un álbum correcto y disfrutable gracias a la agradable voz de Niall Horan y sus accesibles letras, sin embargo el cantante irlandés sigue manteniéndose en su zona de confort y no ha arriesgado demasiado con respecto a sus anteriores trabajos. Temas imprescindibles: Dinner Party, Tastes So Good, Boys Are Fun, Pretty, Little More Time y Monochromatic. Puntuación: 7/10.

Throwback Review: «I’m Not Dead» de Pink

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I'm Not DeadTry This fue el último trabajo de Pink dentro de la discográfica Arista, con la que tuvo grandes diferencias durante la grabación y promoción de dicho disco, lo que provocó su salida después de tres álbumes dentro de ella. Tras la gira promocional de «Try This» Pink se tomó un periodo de descanso en el que se inspiró de nuevos estilos y sonidos para su próximo disco. En 2006 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Pink, I’m Not Dead, cuyo título hacía referencia a que la cantante no estaba ‘muerta’ ni desaparecida del panorama musical tras el fracaso de su anterior álbum. «I’m Not Dead» sigue la estela pop/rock de sus dos anteriores álbumes pero resulta más accesible a todos los públicos y contiene un mayor componente pop que «Try This», el cual incorporaba un sonido más oscuro. Pink compuso todas las canciones presentes en el álbum y trabajó con importantes nombres de la industria musical como Billy Mann (quien ya contribuyó en su anterior disco), Butch Walker, Max Martin o Dr. Luke entre otros. El single presentación del álbum fue Stupid Girls, un marchoso tema pop con influencias R&B y pop/rock producido por Billy Mann que destacaba por sus letras en contra de la imagen sexualizada que se les impone a las mujeres en la sociedad y el mundo del espectáculo. Este tema resultaba un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que Pink animaba a las niñas y mujeres a potenciar su inteligencia y no su cuerpo. ‘Stupid Girls’ recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus inspiradoras letras y el carácter marchoso y bailable de la canción y fue nominado a mejor actuación vocal femenina en los premios Grammy. ‘Stupid Girls’ llevó de nuevo a Pink a la parte alta de las listas de venta tras el fracaso de sus últimos singles y ocupó el top 5 en Reino Unido, Australia o Canadá y el #13 en Estados Unidos. ‘Stupid Girls’ contó con un divertido e irónico videoclip en el que Pink se metía en el papel de varias chicas superficiales (algunas de ellas famosas como Lindsay Lohan, Jessica Simpson o Paris Hilton) contra las que se revela en la letra de la canción. Como segundo single se lanzó Who Knew, un tema pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke (quienes juntos han creado grandes hits dentro del mundo del pop) en el que Pink muestra su lado más emotivo y vulnerable hablando de un buen amigo al que perdió por el abuso de drogas. ‘Who Knew’ recibió opiniones positivas de los críticos musicales por la emotividad de la cantante y la producción del tema y obtuvo un rendimiento muy positivo en las listas de venta ya que ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. En su lanzamiento original en Estados Unidos, ‘Who Knew’ no tuvo demasiado apoyo por parte del público pero tras el éxito del siguiente single volvió a ser relanzado en tierras americanas y alcanzó el top 10 y fue certificado platino.

El tercer single elegido fue U + Ur Hand, otra de las producciones de Max Martin y Dr. Luke para el álbum y que se trataba de un enérgico tema pop/rock en el que Pink habla de cómo rechaza a los hombres en el club y destaca por sus explicitas letras sobre la masturbación. ‘U + Ur Hand’ alcanzó el top 10 en la lista americana, acabó siendo certificado platino (su primer single en alcanzar el millón de copias) y fue el responsable de la revitalización de la carrera de Pink en Estados Unidos y el aumento de ventas de I’m Not Dead. En el resto del mundo también tuvo un desempeño muy positivo y ocupó el top 10 en los principales mercados. En Europa y Australia se lanzó como cuarto single Nobody Knows, que se trataba de una balada a piano producida por Billy Mann que destaca por sus personales letras sobre la depresión que sufrió Pink años atrás. Pese a ser una de las mejores baladas lanzadas por la cantante hasta la fecha, apenas contó con promoción y tuvo un impacto comercial limitado. El siguiente single extraído fue Dear Mr. President, una balada acústica pop/rock y folk que resultó bastante polémica por sus directas letras en contra del entonces presidente de Estados Unidos George Bush, a quien critica sus desacertadas decisiones sobre la guerra de Irak o su oposición al matrimonio gay. Aunque no contó con videoclip ni apenas promoción fue capaz de ocupar el top 5 en Australia y Alemania. Como último single se lanzó Leave Me Alone (I’m Lonely), un marchoso tema pop/rock y dance-pop producido por Butch Walker en el que Pink demanda a su amante más tiempo libre.

«I’m Not Dead» se caracterizó por su gran longevidad en las listas de venta debido al gran número de singles lanzados, debutó en el #6 de la lista americana (la posición más alta de Pink hasta la fecha) y gracias a la consistencia y éxito de los tres primeros singles acabó vendiendo más de dos millones de copias en Estados Unidos. A nivel internacional el éxito del álbum fue muy notorio, sobretodo en Australia y Alemania, donde alcanzó el #1 y en Reino Unido, donde fue #3 y superó los 6 millones en todo el mundo, unas cifras muy superiores a las alcanzadas por «Try This». Aunque casi la mitad de los temas del álbum fueron lanzados como singles, todavía quedaban canciones interesantes dentro de «I’m Not Dead» como ‘Cuz I Can’, un potente tema pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke en el que Pink demuestra que es una mujer fuerte e independiente y no sigue las reglas de los demás o el tema que da título al disco o ‘I’m Not Dead’, que supone una declaración de intereses por parte de Pink. Tras el relativo fracaso que supuso su anterior álbum, Pink regresó con un álbum muy sólido de pop/rock comercial que marcaba el sendero por el que continuaría en sus sucesivos trabajos. Sin duda «I’m Not Dead» es uno de los mejores trabajos de su amplia discografía. Temas imprescindibles: Who Knew, Stupid Girls, I’m Not Dead, Cuz I Can, U + Ur Hand y Leave Me Alone. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «F.A.M.E.» de Chris Brown

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A raíz del episodio de malos tratos a Rihanna, su novia por entonces, la popularidad y credibilidad como artista de Chris Brown descendió de manera dramática, sin embargo tras pedir perdón de manera pública y hacer servicios en favor de la comunidad pudo salvar su carrera musical y recuperar el apoyo de su leal base de fans que lo sigue desde sus inicios en el mundo de la música. El álbum «Graffiti», publicado unos meses después, se vio ensombrecido por este controvertido episodio y obtuvo unas ventas muy bajas en comparación a sus dos primeros álbumes, los cuales vendieron más de dos millones de copias en Estados Unidos. En el año 2011 Chris Brown regresó al panorama musical con su cuarto álbum, F.A.M.E. (el acrónimo de «Forgiving All My Enemies»), que se trata de un álbum muy ecléctico que incorpora sus habituales medios tiempos y baladas R&B, además de temas con influencia Hip Hop y como novedad, incluye varios temas dance-pop de carácter electrónico dirigidos a las pistas de baile. Todos los temas presentes están compuestos por el propio Chris Brown (muchos de ellos junto a los cantantes y compositores Sevyn Streeter y Kevin McCall) y cuenta con un amplio rango de productores de la talla de The Underdogs, Harmony Samuels, The Stereotypes, Timbaland, Polow da Don, Diplo o The Messengers entre otros. El contenido lírico de las canciones presentes se centra en encontrar el lado positivo de la vida a través de la autenticidad, el amor romántico, el sexo o la autoconfianza, pero también trata temas como el desamor o las relaciones tóxicas. Como suele ser habitual, Chris contó con un gran número de artistas invitados entre los que se encuentran Busta Rhymes, Lil Wayne, Ludacris, Justin Bieber, The Game, Big Sean o Kevin McCall. «F.A.M.E.» ganó un premio Grammy a mejor álbum de R&B y un Soul Train Award a mejor álbum del año. En el terreno comercial «F.A.M.E.» alcanzó el #1 en la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer trabajo de Chris Brown que ocupaba la posición de honor de la lista Billboard y fue certificado tres veces platino en Estados Unidos (con unas 900 copias puras), superando ampliamente el rendimiento comercial de su predecesor. La buena recepción del álbum y los singles lanzados ayudó a Chris Brown a recuperar la posición dominante en el panorama pop/R&B que tenía al principio de su carrera.

El single presentación del álbum fue Yeah 3x, un marchoso tema dance-pop y electro-House producido por Calvin Harris que resulta un himno de celebración, el baile y energía positiva cuyas letras invitan a disfrutar el momento y olvidarse de las preocupaciones. ‘Yeah 3x’ tuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el top 10 en Reino Unido o el top 15 en la lista americana. ‘Yeah 3x’ resultaba un tema pegadizo y de carácter bailable pero también tremendamente genérico y formulaico. Para mostrar la variedad presente en el álbum, como segundo se lanzó Look at Me Now, que se trata de un tema Hip Hop con gran componente electrónico que cuenta con la colaboración de los raperos Busta Rhymes y su habitual colaborador Lil Wayne. En este tema, tanto Chris como los artistas invitados hacen ostentación de su éxito y riqueza, además de presumir de sus superiores habilidades para el rap con respecto a sus rivales. ‘Look at Me Now’ alcanzó el #6 en la lista americana y se convirtió en el single más exitoso del álbum. El tercer single lanzado fue Beautiful People, un enérgico tema dance-pop y House producido por Benny Benassi que resulta un himno que celebra la unidad, la positividad o la auto-aceptación y cuyas letras promueven dejar de lado el juicio y los estereotipos, invitando a la gente guapa a celebrar la vida y ser auténticos. A nivel internacional ‘Beautiful People’ tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 10 en Reino Unido o Australia, sin embargo en Estados Unidos apenas ocupó el top 50. Como cuarto single se lanzó She Ain’t You, un tema R&B mid-tiempo que samplea ‘Human Nature’ de Michael Jackson y que habla de la incapacidad de superar una relación pasada y en cuyas letras Chris admite que su nueva pareja no podrá superar a su ex.

«F.A.M.E.» incluye un par de temas incluidos previamente en un álbum colaborativo con Tyga y una mixtape, respectivamente. El primero de ellos es Deuces, un tema R&B mid-tempo con influencia Hip Hop que cuenta con la colaboración de Kevin McCall (quien también se encarga de la producción) y el rapero Tyga. En ‘Deuces’, Chris habla del fin de una relación tóxica y que no funciona pero desea suerte a su ex-pareja. El otro tema es No Bullshit, nuevamente con la participación de Kevin McCall y que cuenta con unas letras de naturaleza sexual acerca de la atracción física y el posterior encuentro íntimo con una mujer.

En resumen, «F.A.M.E.» es un álbum clave en la carrera de Chris Brown ya que representa una transición de sus inicios en el R&B urbano hacia un sonido pop de carácter bailable. Este álbum supone una buena adición al catálogo musical del cantante americano e incluye una gran selección de singles, sin embargo en su conjunto resulta un álbum poco centrado y cohesivo, ya que incorpora demasiados géneros musicales diferentes y alterna momentos bailables con otros más profundos y románticos, evidenciando una falta de dirección artística por parte del artista. La ejecución vocal de Chris Brown, sin embargo, sigue siendo uno de los puntos fuertes del álbum. Temas imprescindibles: Deuces, She Ain’t You, Yeah 3x, No Bullshit y Beautiful People. Puntuación: 7/10.

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Crítica de «Big Mama» de Latto

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Latto puede presumir de estar pasando por uno de los momentos más felices de su vida ya que en apenas dos semanas de diferencia ha dado a luz a su primera hija (fruto de su relación con el rapero 21 Savage) y ha publicado su último álbum. Alyssa Stephens, el verdadero nombre de Latto, anunció en sus redes sociales que después de este trabajo se iba a retirar del mundo de la música, pero más tarde aclaró sus palabras y comentó que se trataba de un malentendido provocado por un momento de saturación emocional debido a la depresión posparto que está sufriendo tras el nacimiento de su hija. La rapera de Atlanta explicó que se refería a que este álbum es el último proyecto que legalmente debe a su actual sello discográfico y va a seguir haciendo música tras un pequeño parón por su maternidad. El cuarto álbum de estudio de Latto tiene por título Big Mama y está formado por 18 temas encuadrados dentro del Hip Hop con influencias Trap, R&B o Crunk y producidos por Go Grizzly, Pooh Beatz o Coupe entre otros. Mientras que su anterior álbum «Sugar Honey Iced Tea» celebraba la cultura sureña y se trataba de un trabajo explosivo y descarado, en «Big Mama» encontramos a una Latto mucho más sentimental, madura, vulnerable y enfocada en su nueva etapa vital. «Big Mama» cuenta con un gran número de artistas invitados, entre los que se encuentran Doja Cat, Sexyy Red, GloRilla, 21 Savage, Mariah the Scientist, Teyana Taylor o Wizkid. Como dato curioso, hay que mencionar que además del nombre de su nuevo álbum, ‘Big Mama’ es uno de los apodos que tiene Latto y también es el título de un tema perteneciente a «Sugar Honey Iced Tea» (lanzado como tercer single) que le valió una nominación a los premios Grammy en la categoría de mejor interpretación de rap melódico. Para dar con el single anticipo de «Big Mama» tenemos que retroceder hasta verano del año pasado, cuando se lanzó Somebody, que se trata de un tema Hip Hop y Trap de carácter melódico y sonido sureño que contiene una interpolación del clásico del R&B de los 90 ‘Are You That Somebody?’ de Aaliyah y Timbaland. Las letras de ‘Somebody’ exploran el deseo y la necesidad de una conexión emocional y física con otra persona. Este single fue lanzado cuando Latto todavía no tenía claro el concepto de su nuevo álbum y ha sido relegado al final del tracklist. 

«Big Mama» arranca con el tema introductorio Business & Personal, el cual está dividido en dos partes diferenciadas, una de carácter introspectivo y otra con un toque agresivo ‘made in Atlanta’. La primera parte arranca con una producción tranquila de corte R&B y en sus letras Latto se muestra reflexiva y agradecida, hablando de su humilde pasado y cómo su madre le costaba conseguir alimentos para sus hijos, mientras que hoy es una mujer rica y poderosa. La segunda parte da un giro total mediante un cambio de ritmo agresivo y Latto entrega sus barras más duras mientras que presume de su estatus y nos recuerda que la maternidad no ha mermado su hambre de éxito ni su ferocidad como rapera. ‘Business & Personal’ fue lanzado como segundo single promocional del álbum. El single previo a la publicación del álbum ha sido GOMF (el acrónimo de ‘Get Out My Face’), un tema Hip Hop y Crunk que cuenta con la participación de la rapera GloRilla y resulta un auténtico himno de empoderamiento, autenticidad y confrontación contra los haters y las personas envidiosas. Tras haber demostrado una química innegable en el tema ‘Procedure’ (perteneciente al álbum debut de GloRilla), ambas raperas vuelven a formar un tándem indestructible: la de Memphis inyecta una agresividad y un tono grave que rompen la monotonía de la pista, mientras que Latto responde con un flow afilado y unas barras memorables. ‘GOMF’ ha conseguido entrar en la parte baja de la lista americana de singles.

Uno de temas más destacados del álbum es sin duda ‘Okayyy’, que cuenta con la participación de Doja Cat, quien recupera su faceta como rapera tras su coqueteo con el pop de su último trabajo. Las letras de ‘Okayyy’ exploran la complejidad de una relación intensa, apasionada y tumultuosa, en la que ambas protagonistas se encuentran atrapadas en una atracción irresistible hacia su pareja. Otro de los temas más interesantes es ‘Hostage’ junto a 21 Savage, que supone la confirmación de un romance histórico tras un lustro jugando al despiste y dejando sutiles pistas en temas como ‘Pull Up’ (perteneciente a su debut «Queen of da Souf») o ‘Wheelie’ (del álbum «777»). La producción de ‘Hostage’ se apoya en un sample de Soul clásico de los 90, lo que resulta ideal para hablar de la química y el deseo que existe entre la pareja de raperos y da muestras de la compatibilidad que tienen tanto dentro como fuera del estudio de grabación. También merece la pena reseñar ‘Get Money Girl’, un tema de Hip Hop sureño en el que Latto reafirma su autosuficiencia y declara que no necesita hombres que la mantengan o ‘Gimme Dat’, cuyas letras hablan de su beef con Cardi B (tras filtrar un audio suyo en el que la criticaba) y rechaza su oferta de paz en forma de bolso de lujo.

En conclusión, «Big Mama» se presenta como el proyecto más íntimo, maduro y cohesivo en la carrera de Latto hasta la fecha. Coincidiendo con su nueva realidad como madre y el cierre de su etapa con su actual sello discográfico, la rapera de Atlanta logra entregar un álbum sólido que destaca por su crecimiento como liricista y su notable entrega vocal, además de contar con una producción impecable y la gran química existente con varios de los artistas invitados, especialmente GloRilla, Doja Cat y 21 Savage. Sin embargo, el álbum peca de una excesiva familiaridad: «Big Mama» mantiene el buen nivel de sus anteriores trabajos pero no ofrece nada nuevo o especialmente distintivo a su discografía ya que sigue la senda musical de «Sugar Honey Iced Tea» y «777». Temas imprescindibles: GOMF, Okayyy, Get Money Girl, Hostage, Gimme Dat y Business & Personal. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Retrospect» de Mya

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Mya ha regresado al panorama musical después de 8 años sin publicar nuevo álbum, aunque lo cierto es que durante este amplio lapso de tiempo no ha estado en absoluto alejada del mundo de la música ya que ha lanzado singles de manera regular y ha participado en varios festivales y conciertos. Su último trabajo, «T.K.O. (The Knock Out)», se puso a la venta en 2018. Este mes de mayo ha visto la luz su noveno álbum de estudio, Retrospect, el cual está formado por 16 temas compuestos por la propia Mya Harrison junto a su habitual colaborador Lamar ‘MyGuyMars’ Edwards, quien se encarga de la entera producción. El álbum, publicado bajo su propio sello discográfico Planet 9, destaca por su sonido retro y su gran influencia de la música de los años 70 y 80 e incluye elementos R&B, funk, Soul y Hip Hop. «Retrospect» homenajea la música que Mya escuchaba de niña y toma como fuente de inspiración a algunos de sus grandes ídolos como Stevie Wonder, Rick James, Teena Marie o Prince (su mentor y quien le aconsejó que abandonara las grandes multinacionales y se hiciera artista independiente). La primera parte del álbum está formada principalmente por temas up-tempo de estilo funk, mientras que la segunda parte baja de ritmo e incorpora clásicas baladas R&B. Mya comenzó a dar forma a este proyecto durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y en medio de la incertidumbre global utilizó la música como un refugio en el que encontraba felicidad, por ello el objetivo del álbum es transmitir optimismo, celebración y diversión al oyente. Pese a su carácter festivo, «Retrospect» también es un trabajo introspectivo en el que la cantante de Washington aborda las relaciones humanas y amorosas desde una perspectiva adulta y madura.

El pasado mes de enero llegó el single presentación del álbum, ASAP, que se trata de una balada R&B con aire ochentero que habla sobre una relación que está pasando por una crisis por la falta de comunicación y refleja la urgencia de resolver los problemas emocionales antes de que la distancia destruya el vínculo amoroso. En ‘ASAP’ Mya expresa su deseo de solucionar las cosas lo antes posible y pide a su pareja tener una conversación honesta para no tirar por la borda todo lo que han construido juntos. En el terreno comercial, ‘ASAP’ ocupó el top 20 en el componente Adult R&B Songs de la lista Billboard. Más adelante ‘ASAP’ fue lanzado en forma de remix junto al rapero 21 Savage, quien aporta su perspectiva masculina. Como single previo a la publicación del álbum se lanzó Just a Little Bit, un tema up-tempo de estilo funk y R&B con influencia Hip Hop que cuenta con la participación del rapero Too Short y en cuyas letras Mya exige compromiso, respeto y exclusividad a su pareja dentro de la relación. En este tema, la cantante de Washington muestra confianza y seguridad en sí misma frente a un hombre que habla mucho pero a la hora de la verdad hace poco y todo son promesas vacías.

El álbum incluye la mayoría de los singles que Mya ha ido lanzando durante estos últimos años durante el proceso de creación de «Retrospect». Uno de los primeros temas grabados fue Just Call My Name, una majestuosa balada R&B y Soul que habla del apoyo incondicional y la lealtad que muestra Mya a alguien que está pasando por un momento crítico y doloroso. ‘Just Call My Name’ contiene arreglos de cuerdas y un uso de guitarra eléctrica que evocan el estilo del clásico ‘Purple Rain’ de Prince. Sin duda, ‘Just Call My Name’ es la gran balada del álbum y uno de los momentos más profundos y emotivos de este proyecto. En 2024 llegó Anytime, un romántico medio tiempo R&B cuyas letras giran en torno a la devoción, la paciencia en el amor y la promesa de ser el apoyo emocional de tu pareja. En 2025 se lanzó Face to Face, un tema R&B mid-tempo de carácter introspectivo cuyas letras reflejan el momento vital en el que se encuentra Mya en la actualidad y ofrece una visión íntima de su alma, pensamientos y el camino para convertirse en la mejor mejor de sí misma. Más tarde llegó Give It to You, un tema funk de carácter bailable cuyas letras giran en torno a dejar a un lado la timidez y el orgullo para expresar la atracción y afecto hacia tu interés amoroso. Pese a que se considera una dama elegante, Mya confiesa sentirse eufórica cada vez que ve a la persona que le gusta y decide ser clara sobre sus sentimientos. ‘Give It to You’ contiene gran influencia del funk de Minneapolis de los años 80 y rinde tributo a los pioneros de este sonido, como Prince, pero además incorpora influencias del estilo vocal e interpretativo de Rick James.

Una gran parte del contenido del álbum ya estaba a disposición del oyente en el momento de su publicación, sin embargo todavía quedan canciones inéditas dignas de reseñar. ‘Masterpiece’ es un himno de autoestima en el que Mya habla de la exigencia de ser tratada como una obra de arte y representa a la perfección la esencia funk del álbum. ‘No Pressure’ es un enérgico tema G-funk (funk de la West Coast) que cuenta con la participación del rapero Snoop Dogg y habla de disfrutar el momento presente, dejarse llevar por la química mutua y evitar las ataduras emocionales. ‘Saturday Night’ es un tema Disco/funk ochentero con gran uso de sintetizadores que celebra la liberación del estrés semanal y la diversión en la pista de baile. ‘Good to You’ es un tema R&B mid-tempo que habla de la devoción mutua, el placer y la entrega física y emocional dentro de una relación.

En noviembre del año pasado tuve la oportunidad de ver en directo a Mya como telonera del «The Boy Is Mine Tour» de Brandy y Monica durante su parada en Washington y debo alabar su simpatía, profesionalidad y sus grandes habilidades como vocalista y bailarina. He seguido de cerca la carrera de Mya desde que lanzó ‘Case of the Ex’ (que se encuentra entre mis canciones favoritas de R&B de todos los tiempos) y puedo afirmar que «Retrospect» se posiciona como uno de los mejores álbumes de su extensa trayectoria. Los puntos fuertes son el talento de Mya como vocalista y compositora, la cuidada producción de MyGuyMars y el perfecto compendio de marchosos temas funk y emotivas baladas R&B. Pese a incluir un buen número de temas lanzados durante estos últimos años, «Retrospect» en ningún momento se siente como una playlist o recopilatorio de singles, sino que se trata de un álbum centrado, sólido y cohesivo, en el que conviven la euforia de las pistas de baile y la profundidad e intimidad de las letras. Temas imprescindibles: ASAP, Just Call My Name, Face to Face, Just a Little Bit, Give It to You, Anytime y No Pressure. Puntuación: 7’8/10.

Madonna regresa con Bring Your Love junto a Sabrina Carpenter

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El pasado mes de abril, durante el show de Sabrina Carpenter en el festival de Coachella, Madonna irrumpió por sorpresa en el escenario para interpretar dos de sus mayores éxitos como ‘Vogue’ y ‘Like a Prayer’, además de presentar por primera vez en directo una nueva canción junto a la joven sensación del pop. Esta aparición estelar de Madonna ocurría exactamente 20 años después de su debut en el famoso festival californiano y para la ocasión, lució la misma chaqueta morada de Gucci que usó en aquella icónica actuación. Unos días después se lanzó la esperada colaboración entre Madonna y Sabrina Carpenter, que resultó ser el single presentación del nuevo álbum de la reina del pop. Me estoy refiriendo a Bring Your Love, que se trata de un enérgico tema House y dance-pop compuesto por Madonna junto a Stuart Price y que samplea el clásico de los años 80 ‘Good Life’ de Inner City. Las letras de ‘Bring Your Love’ se centran en el rechazo a las críticas ajenas y el escrutinio público, además de abordar la autenticidad, la fuerza de las mujeres y la superación de las relaciones tóxicas, lo que lo convierte en un himno de resiliencia y empoderamiento. Madonna lleva enfrentando críticas por parte de los medios de comunicación desde el comienzo de su carrera (incluso antes de que naciera Sabrina) y la joven cantante también ha tenido que hacer frente a los haters desde su ascenso a la fama, por lo que Madonna actúa en esta canción como mentora de Sabrina y se produce un diálogo intergeneracional. Ambas artistas declaran que su entrega a la música no se debe al dinero, las posiciones en listas de venta o la aprobación de los demás, sino que se trata estrictamente por pasión y dedicación a sus seguidores. ‘Bring Your Love’ es una invitación a sus haters, detractores y público en general para que se acerquen a ellas con el corazón abierto, ya que la negatividad por parte de los demás ya no tiene poder para destruirlas o detenerlas.

En el terreno comercial, ‘Bring Your Love’ ha tenido un desempeño moderado: ha alcanzado el top 40 en la lista de Reino Unido y ha ocupado el #74 en la lista americana, lo que podríamos denominar como posiciones modestas, sin embargo son los mejores datos de Madonna en más de una década y teniendo en cuenta el edadismo presente en la industria musical actual, es un gran logro para una artista de 67 años. En mi opinión, ‘Bring Your Love’ es un tema marchoso, bailable y con un estribillo pegadizo. También se aprecia una buena química entre ambas artistas y como single es solvente. ¿Cuál es el problema entonces? Desgraciadamente no está a la altura del magnífico ‘Hung Up’, uno de los temas más sobresalientes de toda la carrera de Madonna. Estamos hablando del single presentación de Confessions II, la secuela del icónico álbum «Confessions on a Dance Floor», uno de los mejores trabajos de su discografía, por lo que las expectativas están muy altas. Desde el blog Mister Music estaremos muy atentos de los siguientes pasos de Madonna y su nuevo álbum, que verá la luz el próximo 3 de julio e incluirá tanto ‘Bring Your Love’ como ‘I Feel So Free’, el hipnótico sencillo promocional que sirvió de aperitivo a esta nueva era.