Crítica de “Madame X” de Madonna

4bc501f378850a5c3ef459c8baa19256.jpgLa era Rebel Heart no comenzó de la mejor manera posible, ya que el decimotercer álbum de estudio de Madonna fue filtrado en internet varios meses antes de su lanzamiento, por lo que la discográfica de la veterana cantante, en una rápida maniobra puso a la venta el álbum en iTunes de manera anticipada y quienes lo reservaban podían descargarse inmediatamente las 6 primeras canciones del disco. Por otra parte, el primer single del álbum, “Living For Love”, no obtuvo el éxito esperado y se convirtió en el primer “single anticipo” de Madonna que no entraba en la lista americana Billboard, a lo que hay que sumar que en una de las presentaciones en directo de este tema, Madonna tuvo un problema con el vestuario y cayó varias escaleras abajo, aunque pese a este contratiempo supo continuar con la actuación de manera muy digna. Muchos tomaron esta caída como el presagio de lo que iba suceder con el álbum, ya que la era Rebel Heart había comenzado de una manera muy torcida. Sin embargo pese al traspiés inicial, Rebel Heart recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales, ya que resultaba superior a sus últimos lanzamientos. Por su parte, Madame X, el nuevo álbum de la reina del Pop, ha generado gran expectación entre el público por el misterioso personaje que ha creado Madonna para este proyecto, sin embargo el single anticipo del disco, Medellín, ha despertado reacciones muy variadas por parte de los fans y los críticos musicales, y ha obtenido unas posiciones muy discretas en las listas de venta. Además la actuación de la cantante en el festival de Eurovisión resultó muy polémica por mostrar las banderas de Palestina e Israel (aún cuando estaba prohibida cualquier manifestación política durante el certamen), aunque lo más comentado de la noche fue la mediocre ejecución vocal de Madonna durante el tema Like a Prayer, que fue objeto de grandes críticas por desafinar en varias ocasiones, algo muy criticado teniendo en cuenta que la cantante cobró más de un millón de euros por actuar en Eurovisión (aunque su actuación fue sufragada por un millonario israelí). Por todo ello, podemos considerar que la era Madame X tampoco ha empezado de la mejor forma posible, aunque esto puede cambiar cuando el público escuche las canciones del disco y descubra el ambicioso proyecto que Madonna ha estado preparando durante un largo tiempo. 

Antes del lanzamiento de Madame X hemos podido escuchar varios temas del álbum, como Medellín, un extraño tema electro-pop con gran influencia latina en el que colabora el artista colombiano Maluma, y pese a haber atraído la atención del público por la curiosa mezcla de ambos artistas no ha tenido un gran impacto comercial. Otros de los sencillos promocionales de Madame X han sido I Rise, una balada en la que Madonna pone voz a las personas marginadas y desfavorecidas y resulta todo un himno gracias a su mensaje inspirador, Crave, una insulsa balada mid-tempo con melodía de guitarra e influenciada por el sonido Trap en la que participa el artista Swae Lee, o Future, que se trata de un medio tiempo de sonido reggae en el que participa el rapero Quavo y fue presentado en directo por primera vez en el festival de Eurovisión. Aunque en mi opinión es el mejor tema y el que más me ha gustado de todos los que nos ha adelantado Madonna debido a su mensaje y su influencia reggae, lo cierto es que la anodina aparición de Quavo no aporta nada al tema y es totalmente prescindible, y otro de los puntos negativos es el prominente uso del Auto-Tune en la voz de ambos artistas.

Madame X es un disco introspectivo y personal, pero también cargado de mensajes sociales y políticos, donde las letras de las canciones toman más fuerza que la voz de Madonna, y destaca por el hecho de contar con Mirwais como productor principal (quien fue responsable de su exitoso Music o el polémico American Life), aunque también han participado otros importantes nombres como Diplo, Billboard o Mike Dean. Musicalmente hablando Madame X es un disco muy ecléctico y diverso, ya que el largo período que vivió Madonna en Portugal le sirvió para conocer la cultura del país, su influencia en África, y su conexión con España y el resto de Europa. El conocimiento de la cultura portuguesa y su acercamiento a músicos y artistas de aquel país inspiraron a la veterana cantante a incorporar a su nuevo trabajo la música latina, los ritmos tribales africanos e incluso el fado, fusionándolos con su habitual sonido pop y electro-pop. Madame X está formado en su mayoría por baladas y medios tiempos, que conectan mejor con el mensaje inspirador y reivindicativo que pretende difundir Madonna, como por ejemplo “Dark Ballet”, una oscura balada que contiene un fragmento de la pieza clásica El Cascanueces y es uno de los mejores temas de Mirwais del álbum, o “Killers Who Are Partying”, quizás el tema con mayor inspiración de la cultura portuguesa, que comienza como una balada con melodía de fado para luego transformarse en un medio tiempo electro-pop, y destaca por su gran carga política y social. Aunque dentro del álbum dominan los temas down-tempo también podemos encontrar varias canciones con más ritmo, como “Bitch I’m Loca”, un marchoso tema latin-pop con influencia reggaeton en el que colabora nuevamente Maluma y donde Madonna se atreve a cantar en español, o “Faz Gostoso”, otro de los temas influenciados por la música latina y quizás el más marchoso y bailable, en el que Madonna canta el estribillo en portugués y cuenta con la participación de la joven cantante brasileña Anitta. Sin duda son las dos canciones más pegadizas del álbum y que resultarán las más accesibles al público en general. Otros de los temas más llamativos del álbum y que merecen la pena comentar son “God Control”, que comienza como una balada pero acaba convirtiéndose en un tema Disco, o “I Don’t Search I Find”, el más up-tempo de Madame X, de naturaleza experimental y que recuerda a la era Erotica por su sonido dance y electrónico. 

Mientras que muchos seguidores de la cantante esperaban un disco del tipo Confessions, con canciones bailables y marchosas, Madonna nos ha ofrecido por contra un álbum experimental, íntimo, con gran conciencia social y política, y que no está dirigido a las listas de baile ni resulta comercial, ya que en este punto de su carrera Madonna prefiere hablar de los temas que le preocupan como la libertad, el feminismo y la igualdad. Esto hace que en la primera escucha cueste digerir varias de las canciones presentes, debido a su ritmo lento y su carácter introspectivo. Por esta razón, las letras de las canciones son el punto fuerte de Madame X, por encima de la voz de Madonna, que no destaca especialmente y hace uso de un registro bastante limitado. Probablemente Madame X sea uno de los álbumes de Madonna con menos viabilidad comercial, pero gracias a la enorme y leal base de fans que tiene la Reina del Pop, ha conseguido en su primer día a la venta ocupar el #1 en iTunes en más de 50 países, lo cual es todo un éxito para una artista que lleva casi 4 décadas en el mundo de la música.

El álbum ha recibido opiniones muy variadas por parte de los fans y los expertos musicales, ya que algunos consideran Madame X el mejor disco de Madonna de esta década, mientras otros han sido muy críticos con el álbum y denominan Medellín como el peor single que ha lanzado la cantante en toda su trayectoria. En mi opinión, Madame X cuenta con varias canciones muy interesantes pero en la primera escucha cuesta asimilarlo porque en general no resulta muy accesible ni es tan comercial como sus trabajos anteriores, sin embargo cuando le das otra oportunidad va ganando puntos y permite entender mejor las diferentes facetas del personaje Madame X. Otro de los puntos negativos es que la voz de Madonna aparece muy sintetizada a lo largo del álbum y hay un claro abuso del Auto-Tune, haciendo que Madonna brille en esta ocasión por su faceta como compositora y no como vocalista. Madame X recupera en cierto modo el toque intimista y experimental que tenía American Life, pero sobretodo es el reflejo de la madurez de una artista que ya lo ha conseguido todo en el mundo de la música y sólo pretende enviar su mensaje sobre temas que considera fundamentales como la discriminación, el feminismo, la libertad y la igualdad entre las personas. Puntuación: 7’5/10.

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Flying of My Own, el regreso de Céline Dion

celine-dion-flying-on-my-ownEl pasado 8 de junio, la cantante canadiense Céline Dion dio el último concierto dentro de su segunda residencia en Las Vegas, Céline, tras 8 años de continuado éxito en la ciudad del pecado, en los que ha ofrecido 375 shows y recaudado 275 millones de dólares. “Céline” comenzó en marzo de 2011, tras su maratoniana gira mundial Taking Chances, y gracias a ella ha demostrado ser la artista más rentable de Las Vegas, ya que Céline Dion ocupa los dos primeros puestos en el listado de las residencias más exitosas y recaudadoras de todos los tiempos. Recordemos que con su primer show “A New Day”, que tuvo lugar entre 2003 y 2007, Céline Dion recaudó 385 millones de dólares y ofreció 714 shows, convirtiéndose en la residencia más extensa y prolífica de la historia de Las Vegas, además sirvió para cimentar el camino a otros cantantes y grupos que han seguido sus pasos y han decidido establecerse en la ciudad para ofrecer sus espectáculos. Y precisamente en su penúltimo concierto en Las Vegas, Céline Dion decidió cerrar con un broche de oro y presentó un tema inédito, Flying of My Own, que formará parte de su próximo álbum en inglés. La cantante de Quebec ha lanzado este single en las plataformas musicales en su versión en directo, aunque más adelante desvelará la versión de estudio de dicho tema. A diferencia de sus últimos álbumes, donde Céline Dion ha ofrecido su lado más tranquilo mediante baladas y medios tiempos, con “Flying on My Own” nos ha sorprendido con un potente tema dance-pop dirigido a las pistas de baile, y que nos recuerda a los temas más up-tempo procedentes de sus álbumes One Heart y A New Day Has Come. Este tema formará parte de su vigésimo álbum en inglés, Courage, que verá la luz en noviembre de este año. En el mes de septiembre, la artista de 51 años se embarcará en el Courage World Tour, con el que recorrerá de manera extensa Estados Unidos y Canadá y presentará canciones de su próximo disco en inglés. El Courage World Tour será su primera gira mundial desde Taking Chances (10 años atrás) aunque durante estos años ha dado varios conciertos en Europa para promocionar sus álbumes en francés. 

Throwback Review: “9 Lives” de Kat DeLuna

81lMXOv7hXL._SS500_Kat DeLuna es una cantante americana de ascendencia dominicana que inició su carrera musical en solitario en 2007 tras formar parte de un grupo cuando era una adolescente. Kat DeLuna guarda muchas similitudes con Jennifer Lopez, ya que ambas crecieron en el neoyorquino barrio del Bronx, tienen ascendencia latina y se han influenciado del sonido urbano que se respira en el Bronx y de la música latina proveniente de sus raíces hispanas. El álbum debut de Kat DeLuna se titula 9 Lives, fue compuesto en su totalidad por la propia cantante y producido por RedOne, quien por entonces era un desconocido para el gran público pero años más tarde triunfaría en todo el mundo gracias a su trabajo para Lady Gaga o J.Lo. “9 Lives” es un disco muy ecléctico que está formado principalmente por temas up-tempo de estilo dance-pop y R&B, con gran influencia Latin-pop, Dancehall y Hip-Hop. El single anticipo de 9 Lives fue Whine Up (la pronunciación caribeña de la palabra ‘Wind Up’ que significa movimiento de caderas en la pista de baile), que se trataba de un marchoso tema Dancehall en el que colaboraba el artista jamaicano Elephant Man. Whine Up alcanzó el top 30 en la lista americana de singles, obtuvo el premio a mejor tema Latin/Dance en los Billboard Music Latin Awards, y se convirtió en el mayor éxito de su carrera. En el resto del mundo también tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 20 en Canadá, Australia y Francia. El siguiente single fue Run The Show, un bailable y enérgico tema que combinaba R&B/Hip-Hop con sonido reggeaton, contaba con la colaboración del rapero Busta Rhymes y resultaba muy marchoso y pegadizo, convirtiéndose en uno de los temas más destacados del álbum y emblemático dentro de la carrera de Kat DeLuna. A pesar de que tuvo un buen desempeño en el componente Dance y Latin de la lista Billboard, no consiguió entrar en el Hot 100, aunque resultó un gran éxito en varios países europeos como Francia o Bélgica. En un principio estaba previsto que se lanzara Am I Dreaming como segundo single, pero fue cancelado su lanzamiento en favor de Run The Show, sin embargo el tema fue lanzado como parte de la re-edición del álbum en forma de remix junto al cantante senegalés Akon. Mientras que los anteriores singles eran up-tempo, Am I Dreaming se trataba de un romántico tema mid-tempo que mezclaba R&B y Latin-pop, concretamente melodía de bachata. Como último single se lanzó In The End, otro bailable tema dance-pop y electro-pop (esta vez sin un componente latino tan acusado) que resultaba muy similar a las producciones que usaría años más tarde RedOne para Lady Gaga y Jennifer Lopez.

Mientras que los singles lanzados de 9 Lives eran en su mayoría enérgicos temas up-tempo con gran influencia latina, en el resto del álbum podemos encontrar canciones más tranquilas donde dominaba el sonido R&B/pop como la romántica balada “Love Me, Leave Me” o “You Are Only Mine”, que recuerda al estilo de Toni Braxton y cuenta con inspiración latina, o los magníficos medios tiempos “Love Confusion” y “Feel What I Feel”, donde podemos apreciar que Kat es una buena vocalista. En los inicios de su carrera musical, Kat DeLuna tenía un prometedor futuro y un gran potencial, puesto que era una cantante, compositora y bailarina talentosa que podría haber triunfado como lo hizo J.Lo, sin embargo 9 Lives tuvo una recepción muy tibia por parte del público, ya que debutó en el top 60 de la lista americana y apenas vendió 10 mil copias en su primera semana. Su segundo álbum Inside Out vio la luz en 2010, aunque fue publicado de manera limitada en varios países europeos y tuvo un impacto comercial muy reducido. Contó con varios singles destacados como Unstoppable, junto al rapero Lil Wayne, o el polémico Party O’Clock, producido por RedOne, quien tras el relativo fracaso del tema, lo transformó en “On The Floor”, el exitoso single que devolvió a J.Lo al #1 en todo el planeta tras un periodo comercial infructuoso. Siendo más que obvias las similitudes de On The Floor con Party O’Clock, Kat DeLuna se quejó en varias entrevistas de cómo los artistas consagrados roban las ideas y la visión artística a los cantantes emergentes. Tras este segundo álbum, la cantante latina desapareció del panorama musical y apenas hemos sabido nada de ella, pero merece la pena rescatar del olvido a “9 Lives”, el cual lo considero un álbum más de digno. 

Indigo, el regreso de Chris Brown

800px-IndigoChrisBrownEn la fiesta de celebración de su 30 cumpleaños, el cantante americano Chris Brown desveló varios detalles sobre su nuevo álbum de estudio, Indigo, como por ejemplo su fecha de publicación, que será el próximo 21 de junio, aunque tal y como publicó más tarde en su cuenta de Instagram, puede que el álbum sufra un retraso en su lanzamiento de una semana y finalmente vea la luz el 28 de junio. Indigo será el sucesor de Heartbreak on a Full Moon, el cual se puso a la venta en octubre de 2017, fue #3 en la lista americana de álbumes y contó con los singles Party, Privacy o Questions, que obtuvieron un buen desempeño en el componente R&B/Hip-Hop de la lista Billboard. Este álbum contaba con 45 temas, algo totalmente fuera de lo común hoy en día, y debido a esta desmedida extensión fue certificado platino, teniendo en cuenta el enorme streaming alcanzado por los temas presentes en el disco (a pesar de sólo haber vendido 100 mil copias en Estados Unidos). Indigo, el noveno álbum de estudio de Chris Brown, contará con 30 temas en honor a su 30 cumpleaños, lo que demuestra que el cantante es un ágil compositor que no puede parar de crear nuevas canciones. Entre los numerosos artistas invitados con los que cuenta Indigo destacan Drake, Tyga, Tory Lanez, Justin Bieber, Lil Wayne, G-Eazy, Juicy J o Nicki Minaj (con la que Chris saldrá de gira conjunta este verano). El single presentación de Indigo fue Undecided, un marchoso tema R&B/pop de contagiosa melodía influenciada por el sonido Tropical House y producido por Scott Storch, con quien Chris ha trabajado en varias ocasiones y fue el responsable de su exitoso single debut “Run It!”. Este tema ha recibido buenas críticas y ha logrado el top 20 en la lista de ventas de Reino Unido y el top 40 en Estados Unidos. Tras Undecided, el cantante lanzó en abril otros dos sencillos promocionales: “Back To Love”, un marchoso tema R&B/dance-pop también influenciado por el Tropical House en el que Chris promete ser un hombre mejor, y Wobble Up, un tema Hip-Hop/R&B de naturaleza sexual que habla del twerking, y cuenta con la participación de los raperos G-Eazy y Nicki Minaj, quienes en sus respectivos versos dan la perspectiva masculina y femenina sobre el famoso movimiento de culo habitual en los clubs.

Crítica de “Cuz I Love You” de Lizzo

lizzo_cuz-i-love-youAunque la cantante Lizzo ha publicado anteriormente dos álbumes de estudio, su tercer disco supone el primero en una gran discográfica, lo que sin duda le ha proporcionado un aumento considerable en su popularidad gracias a una mayor promoción. Cuz I Love You es el título del nuevo álbum de estudio de Lizzo, que vio la luz el pasado mes de abril y está formado por 11 temas (14 en la edición deluxe) que van del R&B/Soul al Hip-Hop pasando por el Funk, lo que lo convierte en un álbum urbano muy ecléctico. Todos los temas del álbum están compuestos por Lizzo y producidos por Oak, X Ambassadors o Ricky Reed (conocido por su trabajo junto a Jason Derulo o Meghan Trainor). Antes de ser conocida, Lizzo formó parte de varios grupos de Hip-Hop/R&B en su nativa Minneapolis, e hizo su debut en solitario en 2013 con el álbum Lizzobangers. Lizzo, cuyo verdadero nombre es Melissa Jefferson, luce sin complejos sus curvas en la portada de su nuevo álbum, ya que la cantante ha afirmado en varias ocasiones que está feliz, segura de sí misma y no le importan sus kilos de más. Cuz I Love You debutó en el #6 de la lista americana y vendió 40 mil copias durante su primera semana, convirtiéndose en el trabajo más exitoso de Lizzo y el primero que entra en la lista Billboard. El single presentación del álbum fue Juice, un marchoso tema Funk/Disco que contiene sonido retro y muestra la variedad musical del álbum y su versatilidad como artista ya que Lizzo rapea y canta. Este pegadizo y bailable tema producido por Ricky Reed ha recibido opiniones muy positivas por parte de los expertos musicales por su temática sobre aceptarse a uno mismo y aunque no ha entrado en la lista americana de singles, sí ha obtenido un buen rendimiento en el componente R&B de Billboard, donde ha sido top 10.

Uno de sencillos promocionales del álbum fue Tempo, un tema que combina sonido electrónico con Hip-Hop, en el que Lizzo muestra su faceta de rapera y cuenta con la participación de Missy Elliott, cuyo rap recuerda mucho al que proporcionó a Janet Jackson en “Burn It Up!”. Tempo, en el que la cantante reivindica su cuerpo y arremete contra las chicas delgadas, es sin duda otro de los puntos fuertes de “Cuz I Love You” y resulta muy curioso que colabore con la legendaria artista Missy Elliott, ya que ambas comparten muchos puntos en común, no sólo porque las dos se llamen Melissa, sino que ambas son raperas y cantantes, saltaron a la fama como “gorditas” y son muy talentosas. En la edición deluxe del álbum se incluye otro sencillo promocional, “Boys”, un marchoso tema Funk con influencia Hip-Hop en el que Lizzo muestra su faceta como rapera, y “Truth Hurts”, un medio tiempo R&B que fue lanzado como single en 2017 pero gracias a su incursión en una conocida serie de TV ha aumentado enormemente su popularidad (está entre los temas más escuchados en Spotify), por lo que fue añadido “in extremis” al tracklisting de Cuz I Love You. En el álbum, Lizzo trata temas como la auto-aceptación y la confianza en uno mismo o su relación con los hombres, y entre las canciones más destacadas se encuentran “Cuz I Love You”, una desgarradora balada Soul/Jazz en la que Lizzo habla de la soledad y la depresión que ha sufrido, “Soulmate”, un marchoso tema electro-pop/R&B en el que declara que ella misma es su alma gemela y nuevamente afronta su soledad, “Like a Girl”, un himno feminista en el que nombra a importantes mujeres del R&B como Lauryn Hill, Chaka Kahn o TLC e incluye la hilarante frase “estoy sola en casa como Macaulay Culkin”, o “Jerome”, un medio tiempo R&B/Soul de sonido retro en el que la curvilínea artista despacha a gusto contra su ex.

En definitiva, Cuz I Love You es álbum muy ecléctico en el que Lizzo muestra su variedad musical y su versatilidad como cantante y rapera, y aunque sea el tercer álbum de la artista nacida en Detroit, podría parecer su debut, ya que cuenta con una falta de dirección habitual en los primeros álbumes, pero también resulta muy interesante y original. Además, este trabajo ha permitido al gran público conocer a una cantante peculiar y polémica pero muy talentosa que seguro que seguirá dando que hablar en el futuro dentro del género R&B/Hip-Hop. Puntuación: 7/10.

Throwback Review: “Jackie” de Ciara

Ciara-JackieLa cantante americana Ciara recuperó parte de su popularidad y éxito perdidos con su quinto álbum de estudio, titulado de manera homónima, ya que aunque no logró unas ventas espectaculares, sí supuso un importante avance en comparación con Basic Instinct, y contó con el single “Body Party”, que alcanzó su mejor posición en la lista americana tras varios años de ausencia en la parte alta de la lista Billboard. Tras “Ciara”, la cantante de Atlanta fue madre de un niño, fruto de su relación con Future, sin embargo poco después la pareja rompió tras descubrir Ciara las infidelidades del rapero. Mientras se centraba en cuidar a su hijo, Ciara comenzó a grabar su nuevo álbum, inspirado en su ruptura con Future y en su faceta como madre. En mayo de 2015, la cantante publicó su sexto disco de estudio, titulado Jackie en honor a su madre. Tras su maternidad, Ciara recuperó el escultural físico que tenía antes de su embarazo y realizó una intensa promoción del álbum, apareciendo en numerosos programas de televisión americanos y demostrando una gran voz en directo mientras interpretaba el primer single. I Bet es una emotiva balada R&B que trataba su relación con Future, estaba compuesta por la propia Ciara y producida por Harmony Samuels. Aunque en un principio “I Bet” podría parecer que no era la mejor opción como single presentación del álbum por ser una balada de carácter íntimo y autobiográfico, el resultado comercial fue bastante positivo, ya que ocupó el top 50 en la lista americana y el top 20 en el componente R&B de dicha lista, logrando la mejor posición de Ciara en Billboard desde “Body Party”. Tras la promoción de I Bet, Ciara anunció que se embarcaría en una gira por Estados Unidos, la primera de la cantante en muchos años y que recorrió las principales ciudades americanas.

Tras la buena acogida de “I Bet” Ciara lanzó como segundo single Dance Like We’re Making Love, un magnífico tema pop/R&B mid-tempo que recibió muy buenas críticas por parte de los expertos musicales por su ejecución vocal (muy similar a la de Janet Jackson) y la elegante producción de Dr. Luke. La elección de los singles fue todo un acierto ya que eran dos de los mejores temas del álbum y mostraban una faceta más centrada en las habilidades vocales de Ciara que en su talento como bailarina cuando lanza singles más marchosos. Jackie está compuesto principalmente por temas up-tempo de estilo dance-pop y electro-pop, y resulta uno de los trabajos más bailables de la cantante, aunque también podemos encontrar sus habituales baladas R&B. Ciara participó en la composición de varias de las canciones que forman parte de Jackie y contó con la producción de importantes nombres como Polow da Don y Dr. Luke (quienes ya trabajaron con la cantante en el disco Fantasy Ride), además de otros como Harmony Samuels o The Underdogs. Pese a que Ciara declaró en los estadios iniciales del disco que iba a trabajar con el productor Mike WiLL Made It, responsable de varios temas de su anterior álbum, finalmente no se incluyó ningun tema de Mike WiLL en Jackie.

Dentro de los temas up-tempo que forman parte de Jackie destacan la colaboración de Missy Elliott y Pitbull en el tema “That’s How I’m Feelin”, uno de los más bailables y pegadizos del álbum, o “Give Me Love”, que se trata de un potente tema dance-pop y House dirigido a las pistas de baile, y que destaca por el uso del tono más grave y profundo de Ciara. Cabe destacar que en el tracklisting de Jackie se incluye “One Woman Army”, canción que originalmente se iba a incluir en su anterior disco y que en un principio daba título al álbum antes de que decidiera a cambiarlo simplemente por “Ciara”. Jackie debutó en un modesto #17 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en la segunda peor posición de Ciara en Billboard tras “Basic Instinct” y acabó vendiendo apenas 65 mil copias en Estados Unidos, la cifra más baja de ventas de un álbum de la cantante en toda su trayectoria musical. Aunque la elección de los singles fue acertada y podemos encontrar canciones interesantes en Jackie, gran parte álbum no acaba de enganchar y resulta menos sólido y consistente que su anterior disco. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de “Beauty Marks” de Ciara

ciara-beauty-marksEn mayo de 2015, la cantante americana de R&B Ciara publicó su sexto álbum de estudio, Jackie, el cual resultó un fracaso de ventas y obtuvo críticas muy tibias, aunque contó con I Bet, una bonita balada que fue moderadamente exitosa en el componente R&B de la lista americana de singles. Cuatro años más tarde, la atractiva cantante ha regresado al panorama musical con Beauty Marks, su séptimo trabajo discográfico. Desde el año pasado, Ciara ha lanzado numerosos singles como anticipo de su nuevo álbum, en una estrategia comercial muy similar a la que suele utilizar Chris Brown y que cada vez más cantantes llevan a cabo, ya que hoy en día se venden más singles que álbumes, debido al auge del streaming y las descargas digitales y la dramática bajada en las ventas de CD’s físicos. En julio del año pasado, la cantante de Atlanta lanzó Level Up como single presentación de su nuevo trabajo, que se trataba de un marchoso y bailable tema electro-pop y dance-pop que atrajo la atención del público y se convirtió en uno de los singles de Ciara más exitosos de los últimos tiempos. Este pegadizo tema producido por JR Rotem estuvo acompañado de un videoclip muy futurista en el que Ciara realizaba una compleja y original coreografía con la que demostraba que además de una buena cantante es una excepcional bailarina y posee un físico envidiable. La coreografía de Level Up se convirtió en viral en las redes sociales y ayudó sin duda a hacer de este tema uno de los más populares de la cantante. Tras la promoción de Level Up, la cantante nacida en Austin (Texas) lanzó como siguiente single Freak Me, un bailable tema dance-pop/Tropical House con sonido tribal, aunque a diferencia del anterior single no tuvo un buen desempeño en las listas de venta. Ciara nos siguió ofreciendo más singles como anticipo de su nuevo álbum y en septiembre del año pasado lanzó Dose, un tema R&B up-tempo con gran percusión producido por Darkchild que demostraba que su nuevo trabajo discográfico iba a ser muy bailable, teniendo en cuenta lo rítmicos que habían sido todos los singles lanzados hasta el momento. Ya en 2019, Ciara confirmó que su séptimo álbum de estudio vería la luz en mayo y lanzó nuevo single, Greatest Love, que rompía la racha de temas up-tempo para ofrecernos una balada R&B producida por su habitual colaborador Jasper Cameron, responsable de varios de sus hits. Greatest Love nos mostraba el lado más sensual de la cantante y nos confirmaba que dentro de su nuevo trabajo, como es habitual en todos los trabajos de Ciara, podremos encontrar tanto marchosos temas dance-pop como sus habituales temas mid-tempo R&B de carácter sexy que resultan auténticos “bed-bangers”.

A finales de marzo, como single previo al lanzamiento de Beauty Marks, Ciara nos presentó Thinkin Bout You, un original tema R&B/pop de carácter retro que recupera el sonido Disco/pop de los años 90 y recuerda al estilo de Prince o Janet Jackson. Este single contrasta con el estilo de los primeros sencillos del álbum (los cuales eran potentes y enérgicos temas dance-pop con gran uso de sintetizadores) y aunque es marchoso y bailable, resulta más orgánico y con mayor uso de instrumentación, lo que lo convierte en uno de los mejores temas del álbum y un gran acierto como single. Beauty Marks está formado por 11 temas, por lo que habiendo lanzado ya 5 singles, casi la mitad del contenido del disco ha sido desvelado, lo cual reduce en gran medida el factor el sorpresa del álbum, aunque dentro del resto de él todavía quedan temas muy interesantes que comentar. Una de las sorpresas del álbum es la colaboración de Ciara con Kelly Rowland (ex-Destiny’s Child) en “Girl Bang”, un tema mid-tempo R&B que habla del empoderamiento femenino y demuestra el swagger que poseen las dos cantantes (ambas de procedencia sureña), aunque no es de los mejores temas presentes en el álbum. Mientras que la mayoría de los singles eran de estilo dance-pop, en el resto del disco dominan los medios tiempos R&B, como “Set”, un agresivo tema muy urbano, o “I Love Myself”, que cuenta con la colaboración del rapero Macklemore. Otros de los temas más destacados son “Na Na”, que cuenta con ritmos tropicales e influencia dancehall y resulta muy marchoso, y “Beauty Marks”, la gran balada del álbum y el momento más emotivo en el que Ciara muestra su vulnerabilidad y explica “cómo podemos convertir nuestras cicatrices en marcas de belleza, y no hay mayor sentimiento que transformar las lágrimas de pena en lágrimas de alegría”. El videoclip de esta bonita balada ha sido desvelado coincidiendo con la publicación del álbum y en él podemos ver a Ciara emocionarse y llorar mientras canta, además de alternarse con momentos de su boda con el jugador de rugby Russell Wilson.

Uno de los puntos fuertes de Beauty Marks es duda la gran elección de los singles, que resultaban muy pegadizos y estaban perfectamente elegidos para mostrarnos la variedad de sonidos presentes en el disco, aunque como punto en contra está la brevedad del álbum teniendo en cuanta el amplio lapso de tiempo que ha pasado desde su último álbum, y por otra parte es que el resto de los temas que conforman Beauty Marks no enganchan tanto como los singles. En definitiva, este trabajo supera ampliamente a su anterior disco Jackie, el cual era poco consistente y con muchos temas de relleno, y también a su quinto álbum de título homónimo, que era breve pero sólido y contenía temas de gran calidad, por tanto estamos ante el mejor álbum de Ciara de esta década, en mi opinión. Con la publicación de su séptimo álbum, Ciara Princess Harris ha demostrado que se ha convertido en una auténtica superviviente entre las cantantes de R&B surgidas durante la década del 2000, ya que disco tras disco se ha labrado una carrera musical consistente y estable, pese a haber iniciado una espiral decreciente en su éxito comercial tras su tercer álbum. Ciara, con sus altos y sus bajos, intenta dar lo mejor de sí misma con cada álbum y es fiel a su estilo, lo cual es digno de admirar. Puntuación: 8/10.

Crítica de “Love + Fear” de Marina

marina-2Como ya comenté en la crítica de “Love”, la cantante Marina tenía previsto publicar su cuarto álbum de estudio Love + Fear el 26 de abril, pero decidió liberar la primera parte del mismo a principios de dicho mes, tras el lanzamiento de varios singles que lograron una acogida muy tibia por parte del público. Y en la fecha originalmente establecida, la cantante galesa ha publicado el disco completo, para que podamos valorar el proyecto en su totalidad. “Love + Fear” es un disco doble con dos partes diferenciadas, y tras escuchar Love, que no ha acabado de enganchar a sus seguidores ni al público en general, ahora le toca el turno a Fear, que sin el acompañamiento de ningún sencillo promocional promete ser uno de los fracasos más sonados del año. Aunque “Love” contenía varias canciones interesantes, en conjunto resultaba poco arriesgado y original, sin embargo una vez que escuchas Fear, el álbum completo gana puntos y nos ofrece una visión más completa de este nuevo proyecto de la cantante de origen griego. Musicalmente, Fear sigue el patrón de Love y está compuesto principalmente por medios tiempos y baladas de estilo electro-pop, aunque podemos encontrar algún tema up-tempo de sonido dance-pop e influencia Tropical House, sin embargo en lo que respecta las letras de las canciones, mientras que Love se centraba en el amor y las relaciones, en Fear la cantante habla de los miedos e inseguridades por los que pasó durante su depresión, y cómo la fama y la popularidad tuvieron un efecto negativo sobre ella. 

Tras escuchar Fear, puedo decir que me ha gustado más que la primera parte del álbum (olvidándome que “Baby” forma parte de Love, teniendo en cuenta que no es una canción original de Marina) y dentro de las 8 canciones mis favoritas son “Karma”, un pegadizo tema que contiene influencia Latin-pop y sonidos tropicales y que resulta uno de los más pegadizos y accesibles del álbum, y “No More Suckers”, un medio tiempo electro-pop que supone un auténtico himno contra los haters. También destacan “Emotional Machine”, el más up-tempo del álbum y el único tema dance-pop de Fear, y “Soft To Be Strong”, la mejor balada del disco y en la que la cantante muestra su vulnerabilidad como persona. Aunque dentro de “Love + Fear” podemos encontrar buenas canciones y hay que destacar las habilidades de Marina como compositora y su personal voz, es un álbum difícil de digerir en la primera escucha y resulta poco comercial y accesible, convirtiendo a Marina en una artista de carácter indie. La cantante de 33 años, quien nos conquistó cuando era Marina and the Diamonds y adoptaba alter-egos tan divertidos y originales como Electra Heart, ahora se muestra tal y como es, sin personajes ni artificios, pero parece que la estrategia no ha terminado de gustar al público, por lo que quizás es hora de que vuelva a recuperar los diamantes y nos ofrezca trabajos tan sobresalientes como el mencionado Electra Heart, su mejor disco hasta la fecha. Aún con todo, Love + Fear es un trabajo más que digno que merece la pena darle una oportunidad. Puntuación: 7/10.

Throwback Review: “Taking Chances” y “D’Elles” de Céline Dion

81PqLXwTNqL._SL1500_En noviembre de 2007 Céline Dion publicó su décimo álbum en inglés, Taking Chances, el cual tuvo una respuesta comercial muy positiva, ya que fue #1 en su nativa Canadá, alcanzó el top 5 en los principales mercados internacionales como Estados Unidos, Francia, Reino Unido o Alemania, y acabó vendiendo más de 3 millones de copias a nivel mundial. Taking Chances está formado por un compendio de las clásicas baladas de Céline además de temas up-tempo con gran influencia pop-rock y dance-pop. Mientras que sus anteriores álbumes en inglés A New Day Has Come y One Heart estaban influenciados por el dance-pop y el R&B, y resultaban sus trabajos discográficos más comerciales, Taking Chances profundiza en el sonido pop-rock (con ciertas pinceladas R&B) y destaca por contar con un gran número de versiones. Una amplia variedad de compositores y productores estuvieron implicados en este álbum, entre ellos Linda Perry, John Shanks, Kara DioGuardi, Ben Moody (componente del grupo Evanescence), Ne-Yo o Tricky Stewart. El single presentación fue el tema que daba título al álbum, Taking Chances, que se trataba de una poderosa balada mid-tempo de estilo pop-rock originalmente grabada por Kara DioGuardi y producida por John Shanks, pero que finalmente acabó formando parte del disco de Céline Dion. Taking Chances fue top 10 en Canadá, Francia e Italia, aunque obtuvo un rendimiento más moderado en Reino Unido y Estados Unidos. Como segundo single se lanzó la balada Alone, versión del tema del mismo nombre del grupo de rock Heart y que Céline hizo suya convirtiéndola en una de las mejores baladas del álbum. Uno de los temas más interesantes y que se distancia del sonido pop-rock que domina el disco es Eyes On Me, que fue elegido como segundo single en ciertos países como Reino Unido. Este marchoso tema con influencia R&B y sonido del Medio Oeste producido por Kristian Lundin era uno de los más llamativos y pegadizos del disco pero no tuvo un gran impacto en la listas de venta porque careció de promoción.

Taking Chances recibió criticas muy variadas por parte de los expertos musicales, los cuales sintieron que el álbum no era muy original y carecía de personalidad, por lo que algunos declararon que Céline Dion en realidad no había arriesgado demasiado, aludiendo al título del disco. Aunque no resulta tan llamativo, sólido y completo como “A New Day Has Come” (mi disco favorito de Céline en inglés), Taking Chances también es un buen álbum aunque quizás demasiado largo, monótono y con bastantes canciones de relleno, aunque la elección de los singles fue muy acertada. Entre las canciones más destacadas se encuentran “Fade Away”, el tema más up-tempo del disco, de estilo pop-rock y dance-pop, o “This Time”, un dramático medio tiempo muy influenciado por el estilo de Evanescence ya que Ben Moody era el responsable de dicho tema.

dellesUn año más tarde del lanzamiento de Taking Chances y mientras se encontraba de gira, Céline Dion publicó D’Elles, su decimotercer álbum en francés, el cual fue grabado antes que Taking Chances, aunque fuera publicado más tarde. Durante su larga trayectoria musical, Céline Dion ha ido alternando discos en francés e inglés, pero lo que mucha gente desconoce es que la carrera musical en francés de Céline comenzó en 1981, casi 10 años antes de que debutara con su primer disco en inglés. Antes de que Céline Dion se lanzara a nivel internacional, ya era una cantante muy respetada e importante en el mercado francófono, especialmente en Francia y Quebec (la región francófona más importante de Canadá). D’Elles, que en francés significa “de ellas” o “sobre ellas” es un disco conceptual sobre la mujer en todos sus ámbitos y podemos considerarlo la continuación de “D’Eux” (“de ellos”), publicado en 1995, pero con la perspectiva femenina. D’Elles era el primer álbum en francés de Céline en 4 años, fue alabado por la crítica que lo consideró uno de sus proyectos musicales más ambiciosos, y resultó un éxito de ventas, ya que fue #1 en Francia, donde fue certificado platino al vender más de 300 mil copias, y en Canadá. El single presentación del disco fue la dramática balada Et S’Il n’en Restait Qu’une (Je Serais Celle-Là), cuya traducción es “Si sólo quedara una mujer, esa sería yo”. Este tema recibió grandes elogios de la crítica ya que cuando Céline canta en francés transmite más emoción y sentimiento en sus canciones, y tuvo una gran acogida en el mercado francófono, alcanzando el #1 en Francia y #2 en Quebec. Tras este magnífico tema (una de las mejores canciones de Céline en francés) se lanzó como segundo single otra de las grandes baladas del álbum, Immensité, la cual también tuvo un buen rendimiento en Francia y Canadá. Como tercer single se lanzó la emotiva balada “On S’est Aimé à Cause”. Entre los temas más interesantes de D’Elles se encuentran “À Cause”, que destacaba por ser una de las canciones más up-tempo dentro un álbum en el que dominaban las baladas y los medios tiempos, y “Le Temps Qui Compte”, otro marchoso tema pop-rock. Ambos temas fueron contendientes a ser single pero finalmente su lanzamiento no se materializó. 

Para promocionar Taking Chances y D’Elles, Céline Dion se embarcó en una extensa gira por todo el mundo (principalmente en Norteamérica y Europa) después de haber pasado los últimos 5 años en su exitosa residencia “A New Day…” en Las Vegas. “Taking Chances World Tour” fue la primera gira mundial de Céline en 10 años y por ello llevó a cabo un espectacular show que fue aclamado por la crítica por la magnífica selección de temas elegidos y la grandiosa voz de Céline en directo, y se convirtió en una de las giras más exitosas y recaudadoras de la década pasada. Con el “Taking Chances World Tour”, la cantante de Quebec promocionó de manera conjunta tanto Taking Chances como D’Elles, aunque el set-list difería ligeramente cuando la cantante se encontraba en Quebec o Francia, donde incorporaba más temas en francés. Gracias a la gran acogida por parte del público, fue lanzado un DVD grabado durante una de las paradas de esta maratoniana gira y entre los temas más destacados se encuentran su clásico “All By Myself” en el que la cantante canadiense nos deleita con su espectacular voz, la original puesta en escena de “Eyes On Me”, el medley de sus grandes éxitos que incluía “Because You Love Me” o “To Love You More”, su tributo a Queen cantando una preciosa rendición de “The Show Must Go On” o el apoteósico final con su tema más famoso “My Heart Will Go On”.

Crítica de “Désobéissance” de Mylène Farmer

9E801606-C9D7-4E33-A457-651A968CBA28De padres franceses, la cantante y compositora Mylène Farmer nació en Quebec, Canadá, aunque a una edad temprana su familia se trasladó a los suburbios de París. Tras probar suerte como actriz, una joven Mylène conoció a Laurent Boutonnat, un estudiante de cine quien se convertiría años más tarde en su habitual colaborador musical y la fuerza creativa detrás de los vídeos musicales de Mylène. Desde sus inicios en el mundo de la música, la cantante destacó por las polémicas letras de sus canciones y sus explícitos videoclips, como por ejemplo su single debut, “Maman a tort” (mi madre está equivocada), el cual hablaba de una relación lésbica y en cuyo videoclip se mostró por primera vez un desnudo femenino frontal. Entre sus temas más famosos se encuentran “Libertine” o “Desenchantée”, que años más tarde serían versionados por la cantante belga Kate Ryan. Dentro de su larga trayectoria musical, Mylène Farmer ha vendido más de 30 millones de discos en Francia y ostenta el título de ser la artista con más #1 en la lista de singles francesa (18 en total), convirtiéndose en la cantante femenina más importante y exitosa de dicho país. Por todo ello podríamos considerar a Mylène Farmer como la “Madonna francesa”, ya que con cada disco consigue reinventarse y ofrecer un estilo e imagen diferentes, además de haber atraído la atención del público por las polémicas y atrevidas letras de sus canciones. En septiembre del año pasado, la cantante de 57 años publicó su undécimo álbum de estudio, Désobéissance (desobediencia en francés), cuyo título demuestra que aunque pasen los años Mylène sigue teniendo un espíritu rebelde e inconformista. Este álbum está formado principalmente por temas up-tempo de estilo electro-pop y dance-pop, con gran influencia de la música electrónica de los años 80 y 90, y destaca por el hecho de que, al igual que su anterior disco Interstellaires, no cuenta con la participación de su habitual colaborador Laurent Boutonnat.

Désobéissance debutó en lo más alto de la lista francesa de álbumes, convirtiéndose en el noveno trabajo de Mylène Farmer que alcanza el #1 en Francia, y desde septiembre ha vendido más de 200 mil copias, siendo certificado doble platino. El single presentación fue Rolling Stone, un marchoso tema synth-pop que se convirtió nuevamente en otro #1 para Mylène en la lista francesa de singles. El segundo sencillo fue su colaboración con la cantante y compositora americana LP en N’oublie Pas, que empezaba como una emotiva balada pero iba aumentando de ritmo hasta convertirse en un tema dance-pop. Este tema, en el que Mylène canta en francés mientras que LP lo hace en inglés, nuevamente alcanzó el #1 en Francia, extendiendo el reinado de Mylène Farmer en lo más alto de la lista francesa a 18 singles. La elección de los siguientes singles fue de lo más acertada ya que son las canciones más interesantes del álbum (y mis temas favoritos): Sentimentale, en el que la cantante muestra su fragilidad y vulnerabilidad, pero ambientado en un sonido dance-pop y electro-pop que lo hace uno de los temas más marchosos del disco, y Désobéissance, que da título a este trabajo y se trata de un pegadizo tema electro-pop en el que Mylène utiliza su habitual falsetto. Este mismo mes de ha puesto a la venta dicho single en formato físico, tanto CD como vinilo, algo que ha encantado a los fieles fans de la veterana artista, quienes coleccionan todos los lanzamientos de su extensa trayectoria. Aunque los singles extraídos y la mayor parte de los temas del álbum son de carácter up-tempo, también hay cabida a medios tiempos electro-pop, como “Des Larmes”, que será el siguiente single, y “Get Up Girl”, en el que Mylène incluye varias frases en inglés, o la oscura balada “Retenir L’eau”.

Désobéissance, pese al handicap obvio ser un álbum en francés, resulta muy accesible a todos los públicos al ser marchoso y bailable, por lo que es la opción perfecta para lanzarse a escuchar un disco en este idioma para quienes no lo hayan hecho nunca, además de dar una oportunidad a Mylène Farmer, quien pese a ser una de las artistas más vendedoras e importantes dentro del mercado francófono, no ha obtenido un mayor éxito fuera de Francia por el inconveniente del idioma. En definitiva, Désobéissance es un buen álbum que nos muestra la madurez y la constante evolución musical de una de las artistas más consolidadas de Francia, además de una magistral producción por parte de DJ francés Feder. Puntuación: 7’5/10.