Crazy, lo nuevo de Kelly Rowland

CrazyKelly Rowland fue una de las primeras cantantes originalmente encuadradas dentro del R&B/pop que se vieron seducidas por el sonido Dance tras haber colaborado con un famoso Dj. La ex-componente de Destiny’s Child colaboró con David Guetta en el hit ‘When Love Takes Over’, el cual resultó un tremendo éxito en las pistas de baile de 2009 y ocupó el #1 en numerosas listas de venta aquel año, lo que le animó a lanzar varios singles dentro del dance-pop como ‘Commander’, aunque con menor impacto comercial. El ‘efecto Guetta’, del que ya he hablado en el blog en varias ocasiones, arrastró a numerosos cantantes de R&B a probar suerte con el EDM (Electronic Dance Music) como Usher, Ne-Yo, Chris Brown o Rihanna, los cuales se abrieron a un público más amplio gracias a canciones bailables dirigidas a los clubs pero también recibieron algunas críticas negativas por comprometer su integridad artística y ‘venderse’ a un sonido comercial. Después de anunciar hace apenas unos días que está embarazada de su segundo hijo, Kelly Rowland ha regresado al panorama musical con su nuevo single, Crazy, con el que vuelve a las pistas de baile (tras varios años en los que se había centrado en el R&B) pero de una manera muy diferente a cómo sonaba ‘When Loves Takes Over’. En un año en el que el sonido Disco ha vuelto a la primera línea del pop gracias a varias artistas femeninas como Dua Lipa, Kelly ha decidido recuperar su lado más marchoso e incorporar este sonido a su nuevo single. Crazy comienza sampleando un clásico tema de Soul para transformarse en un tema up-tempo de sonido Dance/House con influencia Disco, está producido por Ricky Reed y en él Kelly habla del fuerte sentimiento que siente por su amante, al que le declara un amor casi obsesivo. Crazy es el segundo single que lanza Kelly Rowland durante este año tras ‘Coffee’, el cual llegó el mes de abril y se trataba de un sensual tema pop/R&B de sonido muy veraniego con el que nos animó los primeros días de confinamiento. Se espera que tanto Coffee como Crazy formen parte de su quinto álbum de estudio, todavía sin título o fecha de publicación y que tomaría el relevo del casi olvidado ‘Talk a Good Game’ de 2013, el cual fue #4 en la lista americana pero obtuvo unas ventas muy bajas y ningún single de éxito.

Crítica de ‘The Album’ de Blackpink

BlackpinkAunque hace tiempo que el fenómeno del K-Pop traspasó fronteras, este 2020 ha sido definitivamente el año en el que este peculiar estilo musical ha llegado al mainstream gracias a la presencia máxima en el panorama musical de dos grupos de origen surcoreano, BTS y Blackpink, los cuales cuentan con una enorme ‘fanbase’ de millones de seguidores en todo el mundo que hacen que todos sus videoclips alcancen cifras estratosféricas y consigan récords con cada single que lanzan. Mientras que el septeto masculino BTS logró hace unos meses su primer single #1 en el difícil mercado americano (convirtiéndose en el primer grupo surcoreano en alcanzar la posición de honor en la lista de ventas de Estados Unidos) el cuarteto femenino Blackpink también han consolidado su presencia internacional este año gracias a su colaboración con Lady Gaga en el sencillo promocional ‘Sour Candy’, el cual alcanzó el top 20 en Reino Unido y el top 40 en la lista americana. Blackpink está formado por 4 jovencitas (Jennie, Rosé, Lisa y Jisso) prácticamente intercambiables que desde sus orígenes en el mundo de la música han lanzado varios EP’s en coreano y japonés además de un disco de estudio dirigido al mercado japonés, titulado Blackpink In Your Area, el cual era en realidad un recopilatorio de todos los singles que habían lanzado hasta la fecha. Con una popularidad al alza gracias a su reciente colaboración, Blackpink han publicado su álbum debut en inglés, titulado simplemente The Album, el cual está formado por apenas 8 canciones de estilo electro-pop, dance-pop y Trap con las que intentan dar el espaldarazo definitivo al mercado internacional, algo que se intuye por las dos artistas invitadas que aparecen: Selena Gomez (la cantante más seguida en Instagram) y la rapera de moda Cardi B. El single presentación del álbum fue How You Like That, un marchoso tema electro-pop con influencia Trap y Hip-Hop cantado en coreano e inglés cuyas letras versan sobre no dejarse intimidar en los malos momentos y no perder la confianza para levantarse de nuevo. Gracias al masivo apoyo con el que cuentan Blackpink, el videoclip del tema ha superado los 500 millones de reproducciones en YouTube y a nivel comercial ha supuesto su primer top 20 en Reino Unido y top 40 en Estados Unidos al margen del tema junto a Lady Gaga. Como segundo single lanzaron Ice Cream, su esperada colaboración con Selena Gomez, que se trataba de un insípido tema bubblegum-pop y electro-pop en cuyos créditos aparecen Ariana Grande, su colaboradora Victoria Monét y el productor Tommy Brown, lo cual indica que podría tratarse de un descarte del último disco de Ariana. La presencia de Selena Gomez, más que la efectividad del tema, ha catapultado el single hasta el #13 en la lista americana, la mejor posición de Blackpink hasta la fecha. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado como tercer single Lovesick Girls, un enérgico tema dance-pop y electro-pop que destaca por el hecho de que dos de las componentes del grupo, Jisso y Jennie, participan en la composición del tema, además de David Guetta. Dentro del disco, de tal brevedad que parece un EP, destacan ‘Pretty Savage’, un ruidoso tema electro-pop y Trap que podría pertenecer a Jason Derulo, ‘Crazy Over You’, un tema Trap con influencia de la música de los Balcanes en el que las chicas cantan y rapean, o ‘Bet You Wanna’, en el que participa Cardi B y seguramente será lanzado como futuro single para aprovechar la presencia de la famosa rapera. En resumen, Blackpink ofrecen lo que el público adolescente seguidor del K-Pop demanda: canciones bailables, inmediatas y directas acompañadas de videoclips coloridos y llenos de coreografía, pero que no dejan de ser anodinas, génericas y carentes de personalidad. Gracias a la extensa ‘fanbase’ que Blackpink posee en todo el mundo, ‘The Album’ ha ocupado el #2 en importantes mercados como Estados Unidos, Australia o Reino Unido, sin embargo como disco de estudio deja bastante que desear por su escasez de temas y la poca implicación en el proceso creativo de las componentes, que no dejan de ser unas marionetas en manos de su discográfica. Puntuación: 5/10.

Crítica de ‘Back Home’ de Trey Songz

Back HomeDesde que comenzó el otoño se han sucedido numerosos lanzamientos musicales tras varios meses en los que los nuevos álbumes llegaron con cuentagotas. Uno de los artistas que han regresado al panorama musical tras un largo tiempo de retiro ha sido el cantante americano Trey Songz, que ha publicado su octavo álbum de estudio, Back Home, el cual recoge el testigo de ‘Tremaine’, que vio la luz en 2017 y debutó en el #3 en la lista americana de álbumes, aunque cosechó unas ventas bastante bajas y no contó con ningún single de éxito. El cantante de Virginia ha declarado que para este nuevo álbum ha vuelto a sus raíces musicales y ha querido hacer el tipo de R&B que le inspiró para ser cantante. Back Home está compuesto por 22 temas encuadrados dentro del R&B/Soul, en su mayoría baladas y medios tiempos, compuestos por el propio Tremaine Neverson bajo la producción de su habitual colaborador Troy Taylor y cuenta con la participación de artistas como Ty Dolla Sign o Swae Lee. El single presentación del álbum llegó el pasado mes de abril y era precisamente del tema que daba título a este proyecto, Back Home, que se trata de un pegadizo tema mid-tempo R&B producido por Hitmaka que samplea la famosa canción ‘I’m Going Down’ de Rose Royce y cuenta con la participación de la cantante Summer Walker. Tras la buena acogida de ‘Back Home’ llegaron otros sencillos promocionales como la ‘slow jam’ Circles, una oda al amor que perdura en el tiempo o Two Ways, lanzado una semana antes del lanzamiento del álbum. Two Ways es una balada de desamor en la que el atractivo ‘crooner’ relata una dolorosa ruptura amorosa. La primera parte del álbum está compuesta principalmente por ‘slow jams’ y baladas como ‘Be My Guest’, el tema que abre el disco, recuerda a las clásicas producciones R&B de Usher de mediados del 2000 y donde podemos apreciar la cálida y sensual voz de Trey, mientras que la segunda parte resulta más diversa y contiene canciones más rítmicas. Dentro de estos últimos temas destacan el pegadizo ‘Sleepless Nights’, muy influenciado por el sonido Dancehall y los ritmos caribeños y que cuenta con la colaboración del artista de origen nigeriano Davido, ‘On Call’, un tema mid-tempo R&B reminiscencia de su disco Trigga por su uso de sintetizadores y en el que participa Ty Dolla Sign, o ‘Nobody’s Watchin’, el tema más up-tempo y marchoso de Back Home y que sería un gran candidato a próximo single.

El cantante de 35 años declaró hace apenas unos días que ha dado positivo en coronavirus y se encuentra aislado para proteger a su hijo Noah que sólo tiene un año. Trey Songz participó en varias de las recientes manifestaciones contra la brutalidad policial a ciudadanos negros (se ha convertido en un gran defensor del movimiento Black Lives Matter) y también colaboró en la recogida de comida para la población más necesitada, donde cree que pudo infectarse del virus, por lo que la promoción futura de ‘Back Home’ puede verse afectada. Trey Songz reveló a través de sus redes sociales que tiene coronavirus y animó a sus fans, sobretodo al colectivo afroamericano (el más vulnerable al virus en Estados Unidos) a tomarse en serio la enfermedad, llevar mascarilla y no seguir el mal ejemplo que está dando el presidente Donald Trump, con el que ha sido muy crítico por su irresponsabilidad.  

Desde el lanzamiento de su álbum debut ‘I Gotta Make It’ en 2005, Trey Songz ha vendido más de 25 millones de discos y singles en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los cantantes de R&B más exitosos de los últimos tiempos junto a Usher o Chris Brown. Back Home supone un evidente paso adelante con respecto a ‘Tremaine’ (el álbum más flojo de su reciente discografía) y aunque no contiene hits tan inmediatos ni resulta tan redondo como su disco ‘Trigga’, nos encontramos ante un álbum de R&B muy interesante que revisita los orígenes más clásicos de Trey Songz, contiene mayor uso de instrumentos en vivo y se aleja del toque electrónico de Trigga. Sin duda Back Home es uno de los álbumes R&B más sólidos de este 2020. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de ‘The Rarities’ de Mariah Carey

The RaritiesEste 2020 ha sido un año intenso y lleno de celebraciones para Mariah Carey ya que durante el pasado mes de junio se cumplió el 30 aniversario del lanzamiento de su álbum debut de título homónimo, que se ha convertido en uno de los discos más importantes de la historia de la música gracias a los logros y récords conseguidos por este icónico disco. Publicado en junio de 1990, cuando la joven neoyorquina apenas tenía 20 años, el álbum debut de Mariah Carey ocupó el #1 en Estados Unidos durante 11 semanas no consecutivas, fue certificado nueve veces platino por ventas superiores a los 9 millones de copias y recibió grandes críticas de los expertos musicales por las extraordinarias habilidades vocales de la cantante y su talento como compositora. “Mariah Carey” incluía en su mayoría baladas románticas de estilo pop/R&B además de marchosos temas up-tempo de estilo dance-pop compuestos por la propia Mariah y sin duda este álbum destacó por el hecho de que los 4 singles lanzados, Vision of Love, Love Takes Time, Someday y I Don’t Wanna Cry, alcanzaron el #1 en la lista americana, un hito nada común para una artista novel y que la propulsó al estrellato. Además del aniversario de su primer disco, el pasado 29 de septiembre se pusieron a la venta las primeras memorias de la cantante bajo el título The Meaning of Mariah Carey en las que habla sin tapujos de su complicada infancia, su turbulento matrimonio con Tommy Mottola, su ascenso a la fama y todos los avatares personales y profesionales que ha vivido en sus 50 años de intensa vida. Durante los últimos meses la cantante de Long Island ha estado lanzando en las plataformas musicales numerosos maxi-singles de sus temas más icónicos que incluían nuevas versiones, remixes y rarezas, pero estos EP’s eran sólo un aperitivo de lo que estaba por venir, ya que para celebrar sus 30 años en el mundo de la música Mariah Carey ha publicado un disco recopilatorio llamado The Rarities, que incluye canciones inéditas de su extenso catálogo musical que tienen un significado personal especial para ella. Además de las 15 ‘rarezas’ que componen el primer CD, The Rarities contiene un segundo CD con canciones en vivo pertenecientes a su primer concierto en Tokio durante el ‘Daydream Tour’ de 1996.

El single presentación del álbum ha sido Save The Day, que comienza como una clásica balada con piano y violines para convertirse un tema mid-tempo R&B de fuerte componente urbano y destaca por samplear el famoso tema ‘Killing Me Softly’, interpretado por Lauryn Hill dentro de su grupo The Fugees, de ahí que la presencia de la veterana cantante esté acreditada en el tema. ‘Save The Day’ está producido por su habitual colaborador Jermaine Dupri y fue compuesto por la cantante neoyorquina durante las sesiones de grabación de su penúltimo álbum de estudio ‘Me I Am Mariah… The Elusive Chanteuse’ (por aquel entonces titulado ‘The Art of Letting Go’) pero decidió terminar de grabarlo para The Rarities ya que su mensaje de esperanza, resiliencia y unión entre las personas encaja perfectamente en los duros momentos que estamos viviendo. Este tema ha recibido buenas críticas de los expertos musicales por su naturaleza inspiradora, su sonido reminiscencia del R&B de los años 90 y la gran ejecución vocal de Mariah Carey y aunque ha obtenido un mínimo impacto comercial en las listas de venta ya ha logrado tres millones de reproducciones en Spotify. Como segundo single previo al lanzamiento del álbum se ha lanzado Out Here On My Own, que se trata de una versión del tema de Irene Cara perteneciente a la banda sonora de la película Fame. Esta magnífica balada data del año 2000, durante las sesiones de grabación de su álbum Glitter, por ello no sorprende que tanto su clásica producción como el estilo de Mariah al cantar recuerde a otras grandes baladas de este disco, como ‘Lead The Way’ o ‘Never Too Far’.

Varias de las canciones presentes en The Rarities no son inéditas del todo, como es el caso de la balada ‘Everything Fades Away’, producida por el habitual colaborador de Mariah en los años 90 Walter Afanassief y que fue bonus track en la edición europea y australiana de su álbum Music Box, o los temas ‘Do You Think of Me’ y ‘Slipping Away’, que eran las cara-B de sus famosos singles ‘Dreamlover’ y ‘Always Be My Baby’ respectivamente. Entre los temas más interesantes de The Rarities que merecen la pena ser reseñados se encuentran ‘Here We Go Around Again’, un marchoso tema dance-pop/R&B del año 1990 perteneciente a las sesiones de grabación de su álbum debut y que hubiera resultado el tema más up-tempo de dicho disco en el que caso de que se hubiera incluido en él, la preciosa balada a piano ‘Can You Hear Me’ del 1991 que nos devuelve a la era Emotions, ‘Cool on You’, un tema R&B/pop muy pegadizo producido por Jermaine Dupri y descarte de las sesiones del disco ‘E=MC²’, o ‘Mesmerized’ un marchoso tema con influencia Disco grabado por Mariah para la banda sonora de la película ‘The Paperboy’ en 2012. También encontramos en el álbum una nueva versión acústica del tema ‘Close My Eyes’ perteneciente al álbum Butterfly, que resulta una de las canciones más personales de toda la trayectoria de Mariah al relatar los problemas a los que se ha enfrentado en su vida, entre ellas su complicado matrimonio con Tommy Mottola.

Uno de los temas más esperados dentro del track listing de The Rarities es ‘Loverboy’, el primer single del disco Glitter, pero en su versión original con el sample de ‘Firecraker’, ya que éste fue incorporado posteriormente al tema I’m Real de Jennifer Lopez cuando Mariah Carey abandonó la discográfica Columbia, presidida por su ex-marido Tommy Mottola, por lo que finalmente cambió la composición de Loverboy y añadió el sample de ‘Candy’ de Cameo. El uso de este sample en el tema de J.Lo y el hecho de que fuera Tommy Mottola quien le animara a incorporarlo a I’m Real resultó muy controvertido ya que durante aquella época la relación entre Mariah y su discográfica era muy tensa (lo que afectó a la promoción de sus álbumes Butterfly y Rainbow) y muchos vieron este ‘robo de sample’ como un acto de despecho de Tommy Mottola contra su ex-mujer, además de avivar la supuesta enemistad de Mariah con Jennifer (famosa es su frase ‘I don’t know her’ que ha espetado en varias entrevistas aludiendo a que ni siquiera sabe quién es). 

La legendaria cantante ha comentado que este disco es un regalo a sus fans para agradecer todo el cariño y apoyo recibido desde sus inicios en el mundo de la música. En ausencia de nuevo disco por parte de Mariah Carey, ‘The Rarities’ supone un aperitivo de lo más jugoso para los seguidores de la cantante ya que resulta muy interesante escuchar rarezas y temas inéditos de su amplio catálogo musical que tienen una especial importancia en la vida de la cantante (algunas de estas canciones son tratadas en ‘The Meaning of Mariah Carey’). Durante este 2020 Mariah Carey ha celebrado sus 30 años en el mundo de la música por todo lo alto lanzando un álbum recopilatorio, varios singles y sus memorias, que están resultando un éxito debido a su revelador contenido, por lo que demuestra que no sólo es la reina de las navidades como muchos creen. Al estar catalogado ‘The Rarities’ como un recopilatorio más que como un álbum de estudio no le pondré nota pero ha sido una grata experiencia escuchar este álbum.

Crítica del álbum ‘Melanie C’

Melanie CMelanie C ha demostrado ser la componente de Spice Girls más comprometida con el mundo de la música y la única que a lo largo de los años se ha labrado una sólida y exitosa carrera en solitario. Prueba de ello son los 7 álbumes de estudio que ha publicado desde 1999, haciendo de ella la Spice con más discos en el mercado y la única que en la actualidad sigue demostrando su pasión por cantar y crear nuevas canciones. Tras la triunfal pero breve gira de Spice Girls del año pasado con la que recorrieron Reino Unido, Melanie Chisholm retomó su carrera como solista y viajó por todo el mundo participando en las celebraciones del ‘Orgullo Gay’ de varios países junto al grupo Sink The Pink, con quienes precisamente participó en el single ‘High Heels’, un marchoso y bailable tema dance-pop con el que animó a todos los asistentes de su ‘Pride World Tour’ y lanzó al mundo un mensaje de amor universal y a uno mismo. Ya en 2020, Melanie nos presentó el single adelanto de su siguiente trabajo discográfico, Who I Am, que se trataba de un fantástico tema electro-pop y dance-pop producido por Richard ‘Biff’ Stannard que mostraba a la perfección su talento vocal y como compositora y resultaba un himno sobre la auto-aceptación (recordemos que Mel sufrió depresión y desorden alimenticio tras los primeros años de fama junto a Spice Girls). Who I Am estuvo acompañado de un original videoclip ambientado en un museo donde Melanie se paseaba observando cuadros y esculturas de ella en sus diferentes etapas musicales, incluyendo sus icónicos looks de ‘Northern Star’ o como Sporty Spice. Durante la pandemia la cantante inglesa ha seguido muy activa en el panorama musical y en mayo lanzó su nueva propuesta, Blame It On Me, un marchoso tema dance-pop y electro-pop con influencia Disco en el que relata una relación tóxica y el duro camino hasta lograr empoderarse y defenderse a sí misma, y a finales de julio llegó In and Out of Love, que en propias palabras de la cantante “es el tema pop up-tempo que todos estamos esperando en estos tiempos tan difíciles que vivimos” y resultaba otra apuesta muy acertada por parte de Mel C. Una de las señas de identidad de esta nueva era ha sido su enorme implicación en el aspecto visual de los singles y más teniendo en cuenta la complicada situación que estamos viviendo en la que hay que practicar la distancia social y el hecho de ser una artista independiente, pero Mel nos ha ofrecido una serie de videoclips muy interesantes con mínimos medios. En el videoclip de ‘In and Out of Love’ Melanie luce varios looks y muestra el espléndido físico que tiene con 46 años mientras realiza coreografías junto a los bailarines de la gira ‘Spice World’ del año pasado.

En septiembre llegó Fearless, que supuso un importante cambio de dirección musical con respecto a sus anteriores singles de carácter bailable ya que se trata de un tema mid-tempo pop/R&B envuelto por una atmósfera urbana y alternativa y que cuenta con la colaboración de la rapera y compositora inglesa Nadia Rose. Fearless supone la primera colaboración de Melanie con una rapera desde el single del año 2000 ‘Never Be The Same Again’ junto a Lisa ‘Left Eye’ Lopes, el cual es uno de los mejores temas de toda su trayectoria en solitario y uno de sus mayores hits. Un par de días antes de la publicación del álbum y para evitar que el ‘hype’ por él se desvanezca, Melanie ha lanzado un nuevo sencillo promocional, Overload, con el que regresa al pop bailable de sus primeros singles aunque en este caso incorpora un llamativo sonido Disco/funk que le proporciona un toque retro que se ha puesto muy de moda durante este año. Sin duda Overload es uno de los temas más pegadizos y originales del álbum y que sigue la gran racha de magníficos singles lanzados de este proyecto, con permiso de Fearless, el más flojo de todos ellos y su único ‘tropiezo’.

El octavo álbum de estudio de la cantante inglesa tiene por título Melanie C, ya que todas las experiencias vividas durante estos últimos años le han servido para saber quién es como persona y artista. El álbum está formado por 10 canciones de estilo electro-pop y dance-pop compuestas por la propia Melanie que hablan sobre empoderamiento y aceptación de uno mismo. ‘Melanie C’ ha sido lanzado en numerosos formatos incluyendo CD, vinilo, cassette (todos ellos fabricados con material ecológico biodegradable) además de la descarga digital y dentro de la edición deluxe física, que cuenta con 16 canciones, podemos encontrar 3 temas inéditos y remixes de varios de los singles. Entre lo más destacado del álbum se encuentra ‘Good Enough’, un enérgico y bailable tema dance-pop similar a los primeros sencillos extraídos del disco o el marchoso tema electro-pop ‘Here I Am’, cargado de letras muy personales sobre superar las adversidades y que resulta un himno de auto-superación. Aunque la mayor parte del disco son canciones de carácter up-tempo también encontramos otras más tranquilas como la oscura balada ‘Nowhere To Run’ compuesta junto a su habitual colaborador Richard ‘Biff’ Stannard e inspirada en el sonido de la joven Billie Eilish o ‘End of Everything’, otra balada synth-pop muy clásica en la que observamos que el talento vocal de Melanie todavía sigue presente.

En las diferentes entrevistas promocionales que ha realizado recientemente, Melanie ha recalcado que siempre será Sporty Spice (y más desde la última gira de reunión con Spice Girls, que supuso un momento mágico para ella) pero también quiere demostrar que es una artista en solitario plenamente consolidada y con personalidad propia al margen del grupo. Desde el blog MiSTeR MuSiC siempre he apoyado las carreras en solitario de las componentes de Spice Girls y sobretodo la de Melanie C, la más talentosa de todas ellas pero cuya carrera ha estado muy infravalorada por el público en general pese haber lanzado una serie de singles y álbumes más que dignos. En resumen, ‘Melanie C’ es otro ejemplo del excelente momento que está viviendo el pop durante este año ya que este álbum está formado por un conjunto muy sólido de temas bailables pero cargados de mensajes positivos sobre la depresión, el amor propio y la defensa de los derechos de la comunidad LGTB. ‘Melanie C’ no sólo es uno de los álbumes pop más importantes de este otoño, sino que se posiciona como uno de los mejores trabajos de su amplia discografía, sólo superado por su icónico debut ‘Northern Star’. Temas imprescindibles: Who I Am, Overload, In and Out of Love, Blame It On Me, Here I Am y End of Everything. Puntuación: 8/10.

The Best of Pop: ‘Music’ de Madonna

MusicHace unos días se ha cumplido el vigésimo aniversario del lanzamiento de uno de los álbumes más icónicos de la historia del pop. Me estoy refiriendo a Music, el octavo disco de estudio de Madonna, con el que la Ambición Rubia inauguró la década de la mejor manera posible y se ha convertido en uno de los álbumes más importantes dentro de su amplio catálogo musical. Music es el sucesor de Ray of Light, que vio la luz en 1998, recibió grandes opiniones por parte de los críticos musicales por su enésima re-invención tanto de imagen como de sonido y por su naturaleza experimental y sus letras de carácter introspectivo. Ray of Light debutó en el #2 de la lista americana de álbumes por detrás de la BSO de la película Titanic y acabó siendo certificado cuádruple platino por ventas superiores a los 4 millones de copias en Estados Unidos, a lo que hay que sumar el #1 en más de 10 países del mundo incluyendo Australia, Reino Unido, Alemania o España, con unas cifras de 16 millones de copias a nivel global. Durante esta era Madonna adoptó una imagen mística, serena y menos sexual ya que la cantante neoyorquina abrazó la Kabbalah y contó con varios singles imprescindibles dentro de su carrera musical como la balada electrónica ‘Frozen’ o el marchoso ‘Ray of Light’, ambos top 5 en la lista americana de singles. Tras el éxito de Ray of Light, el cual recibió 4 premios Grammy incluyendo mejor álbum pop del año, Madonna quiso salir de gira para promocionar el álbum sin embargo su discográfica la animó para entrar en el estudio de grabación y dar forma a su nuevo disco, por lo que el ‘Drowned World Tour’ de 2001 sirvió como respaldo tanto para Music como Ray of Light. En el año 2000 Madonna retomó su faceta como actriz con la comedia ‘The Next Best Thing’ y participó en la banda sonora de la película con el tema ‘American Pie’, versión del clásico de Don McLean, el cual llegó al #1 en la lista de ventas de Reino Unido, Canadá, Australia y más de 10 países. El álbum ‘Music’ llegó en septiembre del año 2000, dos años y medio después de Ray of Light y está formado por 10 temas encuadrados dentro del electro-pop y dance-pop con influencia Folk y Country y aunque seguía la estela musical de su disco predecesor, Madonna cambió drásticamente su imagen mística influenciada por la Kabbalah por otra más desenfadada de ‘cow-girl’ con estética Country. En cuanto a la producción del álbum, Madonna contó con la ayuda de William Orbit, responsable de la mayor parte de Ray of Light, aunque su presencia se redujo en favor del productor francés Mirwais Ahmadzaï, el cual se encargó de la mayoría de los temas.

Respaldado por el éxito del single de idéntico título, Music debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes con más de 400 mil unidades en su primera semana, convirtiéndose en el cuarto álbum #1 de Madonna en Estados Unidos y el primero desde ‘Like a Prayer’ de 1989. Music fue certificado triple platino y superó los 3 millones de ejemplares en Estados Unidos y en el resto del mundo también tuvo una excepcional acogida y lideró las listas de venta en más de 20 países y superó los 11 millones de copias. Gracias al buen momento profesional que vivió durante las eras Ray of Light y Music, Madonna recobró su estatus de Reina del Pop tras años de declive comercial durante los años 90, cuando su imagen estuvo empañada por diversas polémicas y una imagen abiertamente sexual.

El single presentación de álbum fue Music, un marchoso tema electro-pop y dance-pop con influencia funk/Disco compuesto y producido por Madonna y Mirwais en el que la cantante mandaba un positivo mensaje de unión de las personas a través de la música. Desde un momento llamó la atención la letra de la canción que comenzaba con “Hey Mr. Dj, ponme mi canción que quiero bailar con mi amor y cuando la música empieza no quiero parar”. Music recibió críticas muy positivas por parte de los expertos musicales por su pegadizo estribillo, su naturaleza desenfadada, bailable y optimista en contraposición al carácter introspectivo de las canciones pertenecientes a Ray of Light. Gracias a sus sencillas pero efectivas letras y su adictivo ritmo, Music resultó un tremendo éxito en las listas de venta: ocupó el #1 en Estados Unidos (su último single #1 hasta la fecha) durante 4 semanas y fue certificado platino por ventas de más de un millón de copias de CD’s físicos. En el resto del mundo el desempeño comercial también fue espectacular y alcanzó el #1 en más de 20 países, convirtiéndose en uno de los singles más populares y exitosos del año 2000. Tras el éxito de Music, a finales de año llegó el segundo single, Don’t Tell Me, que se trataba de un tema electro-pop con instrumentación Country y un tono melancólico en la voz de Madonna que encajaba a la perfección con la imagen ‘cow-girl’ que nos presentó la cantante en esta era y en cuyas letras pedía a su amante que no le controlara. Aunque no resultó tan exitoso como Music, Don’t Tell Me tuvo buena acogida comercial y fue #1 en Canadá, #4 en la lista americana y ocupó el top 10 en Australia, España e Italia. Ya en 2001 se lanzó el tercer single, What It Feels Like For a Girl, que en su versión original se trataba de un tema mid-tempo synth-pop producido por Guy Sigsworth (su única aportación en Music) cuyas letras hablan del rol de la mujer en la sociedad y los dobles estándares que existen hacia las mujeres. Este tema fue aclamado por la crítica por sus letras sobre el empoderamiento femenino y considerado como uno de los más sobresalientes del álbum. El videoclip de What It Feels Like For a Girl fue lanzado en una versión totalmente diferente que incorporaba un sonido Trance/House y recibió opiniones negativas por su agresivo y violento contenido. Este single fue el menos exitoso de los tres lanzados oficialmente de Music aunque fue #1 en España y top 10 en Australia y Reino Unido.

Entre los temas up-tempo más destacados del álbum se encuentran ‘Runaway Lover’, un enérgico tema Trance/House producido por William Orbit que habla de las relaciones fugaces con hombres que no merecen la pena, o ‘Amazing’, un marchoso y pegadizo tema dance-pop y electro-pop que guardaba similitudes con su single ‘Beautiful Stranger’ y se trataba de otra de las aportaciones de William Orbit al álbum y mi tema favorito de Music. Por otra parte encontramos ‘Gone’ y ‘I Deserve It’, dos baladas electrónicas con uso de guitarra, de carácter acústico e influencia Folk, un estilo que Madonna profundizaría en su siguiente álbum American Life, y también merece la pena reseñar ‘Paradise (Not For Me)’, un original tema electrónico down-tempo de atmósfera ambiental y enigmática, reminiscencia de Frozen y otras canciones pertenecientes a Ray of Light, en el que Madonna empieza susurrando para incorporar luego un verso en francés. En resumen, Music es uno de los álbumes pop más importantes de la década del 2000 no sólo por su notable éxito comercial sino porque Madonna incorporó el sonido electrónico al pop comercial e influyó a una generación entera de jóvenes artistas que decidieron adoptar el estilo presente en el álbum. Music fue uno de los primeros álbumes que escuché de Madonna (concretamente su primer CD que compré) por lo que le tengo un cariño especial, además de ser uno de mis favoritos de su repertorio. Varias publicaciones prestigiosas como Rolling Stone lo han incluido en su listado de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Puntuación: 9/10.

Crítica de ‘ALICIA’ de Alicia Keys

AliciaEl pasado viernes se puso a la venta el séptimo álbum de estudio de la cantante Alicia Keys, titulado simplemente Alicia, después de haber sido retrasado su lanzamiento en numerosas ocasiones desde el mes de marzo cuando originalmente iba a ser publicado. Para dar con el último álbum de Alicia Keys tenemos que remontarnos a finales de 2016 cuando vio la luz Here, su álbum más desconocido por el gran público pero que recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su composición y su naturaleza ‘cruda y real’ relatando los problemas actuales que vive la población afroamericana. Here debutó en el #2 de la lista americana de álbumes y se convirtió en su séptimo disco #1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard aunque las ventas fueron muy bajas, marcando mínimos en la trayectoria musical de la artista neoyorquina y no contó con ningún single de éxito. Alicia Keys lleva meses presentándonos singles de su nuevo proyecto y el primero de ellos llegó en septiembre del año pasado. Me refiero a Show Me Love, una balada R&B con uso prominente de guitarra eléctrica que cuenta con la participación del cantante de R&B/Soul alternativo Miguel. Este tema recibió opiniones positivas de los críticos por la química entre ambos artistas y por sus sensuales letras y aunque tuvo un rendimiento muy moderado en las listas de venta consiguió alcanzar el #1 en el componente Adult R&B Songs de Billboard y fue certificado oro por ventas superiores al medio millón de copias en Estados Unidos. Un par de meses más tarde, Alicia desveló un sencillo promocional que nada tenía que ver con el anterior. Time Machine era un marchoso tema funk/Disco de sonido retro en el que Alicia destacaba por sus piruetas vocales y su amplio registro y se convertía en uno de los temas up-tempo más bailables que ha lanzado la cantante en su trayectoria musical. Este tema fue bien recibido por los expertos por su nueva dirección musical y sus letras sobre celebrar la libertad y encontrarse a uno mismo. A principios de 2020 llegó el segundo single oficial, Underdog, que se trataba de un bonito y alegre tema pop/Soul con melodía de guitarra compuesto junto a Ed Sheeran que destaca por los coros tribales y sonidos caribeños al final de la canción y lanza un mensaje muy positivo de apoyo a las personas poco valoradas de la sociedad. Aunque no ha resultado un éxito rotundo e inmediato, Underdog ha ocupado el top 70 en la lista americana, la mejor posición de Alicia en casi una década gracias a un consistente nivel de streaming (supera los 80 millones de reproducciones en Spotify). Tras este modesto hit Alicia Keys presentó dos sencillos promocionales: ‘Good Job’, una balada a piano dedicada a todos los trabajadores esenciales que estuvieron en primera línea durante la pandemia del coronavirus y ‘Perfect Way To Die’, otra clásica balada a piano que recuerda el estilo de Alicia durante sus primeros años y sirve de homenaje a los ciudadanos afroamericanos fallecidos recientemente. El pasado mes de agosto llegó el tercer single, So Done, una insípida balada R&B junto al cantante Khalid que habla sobre vivir libremente en la que cambia su clásico sonido de piano por el de la guitarra. Coincidiendo con la llegada del álbum, Alicia Keys ha lanzado su cuarto single oficial, Love Looks Better, que se trata de un marchoso tema pop/R&B con influencia Soul producido por Ryan Tedder que en mi opinión resulta la mejor propuesta que nos ha ofrecido la artista neoyorquina durante este año tras ‘Underdog’ y podría atraer la atención del público hacia el disco. Todos estos singles tan diversos forman parte de ‘Alicia’, que a priori podría parecer un ‘cajón desastre’ más que un disco centrado.

El álbum está formado por 15 temas (de los que conocemos 7 con anterioridad a su lanzamiento) encuadrados dentro del R&B, Soul y pop, compuestos por la propia Alicia Keys bajo la producción de Ryan Tedder, Tricky Stewart, The Dream, Rob Knox o su marido Swizz Beatz. Dentro del álbum predominan las baladas y medios tiempos de carácter minimalista y destaca por el hecho de abandonar el uso del piano (seña de identidad de Alicia desde sus inicios) en muchas de las canciones en favor de otros sonidos, como la guitarra o instrumentos caribeños que otorgan una atmósfera ambiental y enigmática. La cantante nacida en el barrio neoyorquino de Hell’s Kitchen (Manhattan) ha declarado que ‘Alicia’ es su álbum más personal hasta la fecha y explora las diferentes emociones y sentimientos del ser humano como el amor, la ira o la rabia, además de narrar su visión socio-política del mundo que le rodea. Entre los temas más destacados de ‘Alicia’ se encuentran ‘Wasted Energy’, un medio tiempo de influencia reggae que habla de un amor no correspondido, ‘3 Hours Drive’, una balada de estilo R&B alternativo y melodía dispersa que cuenta con la colaboración del artista Sampha, o el up-tempo ‘Authors of Forever’, en el que Alicia celebra la existencia de “soñadores” en nuestra sociedad que luchan por el cambio y destaca no sólo por su mensaje inspirador sino por su moderna instrumentación caribeña. 

Alicia Keys fue una de las figuras más importantes del R&B durante la década del 2000 gracias a tres álbumes multi-platino en Estados Unidos que fueron alabados por la crítica por sus magníficas cualidades vocales y su talento como pianista y compositora, sin embargo en la siguiente década inició una espiral decreciente en su éxito comercial y una disminución de popularidad. Tras su quinto disco ‘Girl on Fire’ la cantante de 39 años viene arrastrando una pérdida de seguidores muy notoria debido a sus largos periodos de ausencia en el panorama musical, su falta de hits y el progresivo cambio tanto en su música como en su imagen, que ahora muestra un toque más alternativo e ‘indie’. Su nuevo trabajo ‘Alicia’ supone un avance cualitativo con respecto al reivindicativo pero aburrido ‘Here’ pero la cantante sigue tropezando en la misma piedra, ya que el relleno sigue siendo considerable y no hay temas especialmente originales o llamativos, con la excepción de algunos singles interesantes como ‘Time Machine’, ‘Underdog’ o ‘Love Looks Better’. Lejos quedan ya álbumes espléndidos como ‘Songs in A Minor’, ‘The Diary of Alicia Keys’ o ‘As I Am’, en los que mandaba un mensaje muy positivo sobre empoderamiento, la fuerza y el auto-estima de las mujeres y además contenían estribillos pegadizos con naturaleza de himno. Los puntos fuertes de ‘Alicia’ son sus personales letras y carácter introspectivo y su portentosa voz. Puntuación: 7/10.

Crítica de ‘Heaven & Hell’ de Ava Max

Heaven & HellPese a que el 2020 va a ser un año para olvidar debido a la pandemia provocada por el coronavirus y la crisis que ha provocado en la economía, lo cierto es que en el plano musical y especialmente dentro del pop, nos ha regalado unas cuantas alegrías debido al lanzamiento de importantes álbumes que han ayudado a salvar el año, como por ejemplo ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa o ‘Chromatica’ de Lady Gaga, los cuales valoré de manera positiva desde el blog MiSTeR MuSiC y se han convertido en dos de los discos más exitosos y escuchados durante este extraño año. Precisamente estos álbumes, además de otros de menor impacto comercial pero de gran calidad como ‘What’s Your Pleasure’ de Jessie Ware, han supuesto un importante resurgimiento del pop, que durante los últimos años había perdido peso entre los más jóvenes en favor de otros géneros más populares actualmente como el reggaeton o el Trap. Otra de las artistas que sin duda han ayudado a revitalizar el sonido puramente pop ha sido Ava Max, una joven cantante americana de ascendencia albanesa que lleva varios años lanzando singles muy potentes y ha recuperado la esencia del género que fue tan popular a principios de la década del 2000 antes de que se viera influenciado demasiado por los sonidos electrónicos y perdiera su verdadera esencia. Aunque su álbum debut, titulado Heaven & Hell, ha visto la luz este mes de septiembre tenemos que remontarnos dos años atrás para dar con el single presentación de este proyecto. Me refiero por supuesto a Sweet but Psycho, su tema más conocido por el gran público y que después de dos años sigue siendo su canción más escuchada en las plataformas musicales, con casi un billón de reproducciones en Spotify y más de 600 millones de visualizaciones de su videoclip en YouTube. ‘Sweet but Psycho’ es un pegadizo tema combina pop, dance-pop y electro-pop, compuesto por la propia Amanda Ava Koci (el verdadero nombre de Ava Max) junto a Cirkut, la pareja sentimental de la cantante y que se convertiría en el productor responsable de todos sus siguientes singles. Este tema cuenta con un efectivo y adictivo estribillo cuyas letras hacen referencia no a que la cantante sea una psicópata, sino una mujer fuerte e independiente, pero en los temas del amor tiene dos lados muy diferenciados, uno más dulce y otro más loco que le hace decir a su pareja todo lo que siente. Sweet but Psycho no se convirtió en un hit inmediato sino que poco a poco fue ascendiendo en las listas de venta hasta lograr el #1 en más de 20 países, incluyendo Reino Unido, donde lideró la lista de ventas durante 4 semanas, además de ocupar el top 10 en Estados Unidos, un mercado que siempre se ha caracterizado por ser muy poco receptivo a las canciones eminentemente pop. Desde un principio, gran parte del público y los expertos musicales compararon a Ava Max con Lady Gaga, no sólo por el tema ‘Sweet but Psycho’ y su gancho ‘I’m-ma-ma-ma out of my mind’, que recordaba a los utilizados en ‘Poker Face’ y ‘Bad Romance’, sino por su extravagante imagen y estrafalarios atuendos, reminiscencia de la Lady Gaga de ‘The Fame’, aunque Ava Max siempre ha reivindicado su propio estilo y su característica melena asimétrica, que se ha convertido en su ‘logo’ profesional y seña de identidad.

Tras el éxito masivo de Sweet and Psycho, en 2019 llegó So Am I, otro pegadizo tema pop con elementos electro-pop en el que Ava hablaba de sentirse marginada e incomprendida en la sociedad y no encajar con los que le rodean, lo que resultaba un himno de auto-aceptación y de superar las propias inseguridades. Aunque resultaba tan pegadizo como ‘Sweet but Psycho’, este tema recibió algunas críticas negativas al presentarse Ava Max como una marginada cuando en realidad es una mujer blanca, atractiva y privilegiada. ‘So Am I’ no logró igualar el espectacular resultado del single precedente, sin embargo alcanzó el top 20 en Alemania, Irlanda o Reino Unido, mientras que en el resto de mercados el desempeño comercial fue moderado. Cuando la popularidad de Ava Max estaba en su punto álgido y hubiera sido el mejor momento de publicar álbum aprovechando el tirón de los dos singles anteriores, la cantante de Milwaukee (Wisconsin) decidió seguir presentando nuevos temas, pero el globo del éxito fue deshinchándose poco a poco y el ‘hype’ por la artista empezó a desvanecerse. Meses más tarde Ava Max presentó dos nuevos temas, entre los que destacaba el medio tiempo oscuro ‘Freaking Me Out’, del que incluso grabó un videoclip, pero ambos resultaron un fracaso comercial y fueron catalogados posteriormente como sencillos promocionales. En pleno verano, la rubia cantante regresó con su tercer single oficial, Torn, con el que regresaba a su zona de confort y nos presentaba un marchoso y bailable tema dance-pop con influencias Disco en el que se debatía entre el amor y el odio dentro de una relación turbulenta. Torn vino acompañado de un magnífico videoclip de alto presupuesto en el que Ava se transformaba en una heroína de cómic enfrentándose a su infiel pareja. Pese a su gran calidad, Torn resultó un fracaso en las listas de venta y fue incapaz de alcanzar los resultados de ‘So Am I’. A finales del año pasado, Ava lanzó en las plataformas musicales Salt, un tema que ya había desvelado hace meses e interpretado en vivo en varias actuaciones y que sus seguidores habían recibido de manera muy positiva. Salt se trataba de un marchoso tema dance-pop con influencia Disco que contaba con una magistral producción muy ‘ochentera’ y un uso prominente de violines. Salt ha sido añadido de manera muy astuta en todos sus últimos lanzamientos, incrementando sus datos de streaming de manera notoria hasta alcanzar más de 180 millones de reproducciones, convirtiéndose no sólo en un “fan favorite” sino en uno de sus singles más populares en Spotify. Pese a no haber contado con excesiva promoción por parte de Ava (es su único single que no cuenta con videoclip) gracias a su incursión como cara-B en singles como Torn, Salt ha ocupado el top 40 en las listas de venta de Alemania o Francia. 

En el mes de marzo, antes de que el mundo se viera sumido en la pandemia del coronavirus, Ava Max nos presentó un nuevo single, Kings & Queens, que se trataba de un épico tema electro-pop y dance-pop producido por su habitual colaborador Cirkut junto al famoso productor RedOne, artífice de los mayores éxitos de Lady Gaga, con quien Ava Max precisamente ha sido comparada en infinidad de ocasiones. Este tema resulta un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que la cantante “hace una llamada a los reyes para cuidar de sus reinas”, destaca por el prominente uso de guitarra eléctrica a final de la canción y recuerda a las producciones de RedOne de hace una década, especialmente para Lady Gaga. Kings & Queens ha tenido un mayor impacto comercial que sus últimos singles y ha ocupado el top 20 en sus mercados estrella, Reino Unido y Alemania y como dato positivo ha logrado cierta acogida en el difícil mercado americano, logrando la segunda entrada de Ava en el Hot 100 tras Sweet but Psycho. Sin duda ‘Kings & Queens’ ha resultado una de las apuestas más sólidas y acertadas por parte de la cantante de ascendencia albanesa ya que ha superado el resultado comercial de sus últimos singles y se ha posicionado como su segundo single de mayor éxito tras ‘Sweet but Psycho’. A finales de julio la cantante de melena asimétrica lanzó Who’s Laughing Now como el sexto single de su álbum debut, al que por fin daba título y fecha de salida definitiva. Who’s Laughing Now destaca por su particular sonido de silbido y sus carcajadas durante el estribillo, nos recuerda al pop de fabricación sueca que triunfó durante los años dorados del pop de finales de los 90 de grupos como Ace of Base y en cuyas letras Ava hace frente a quienes la criticaron y no la apoyaron en sus inicios y ahora es ella “la que ríe la última”. Podríamos considerar este tema como una continuación de ‘Sweet but Psycho’ ya que Ava nuevamente “saca las uñas” y su lado más vengativo tras haber sido menospreciada. Mientras que ‘Kings & Queens’ era el mayor representante del lado ‘Heaven’ del disco, ‘Who’s Laughing Now’ lo es del lado ‘Hell’ tal y como Ava Max nos ha hecho saber a través de los videoclips de ambos singles. Dos semanas antes de que viera la luz el álbum se lanzó como single OMG What’s Happening, que se trataba de un marchoso tema dance-pop con influencia Disco en el que Ava Max realiza varias piruetas vocales que recuerdan a Marina and the Diamonds y en cuyas letras reprocha a su pareja todo el daño que le ha hecho. 

Ava MaxHeaven & Hell es un álbum eminentemente pop con gran influencia electro-pop y dance-pop compuesto por 15 temas que nos transportan al pop de hace más de una década mediante melodías sencillas y letras que no destacan especialmente por su originalidad pero cuentan con estribillos que resultan de lo más efectivo. Los temas presentes en Heaven & Hell están divididos en dos partes diferenciadas, precisamente las que hace referencia su título, en un planteamiento muy similar al que utilizó Geri Halliwell con su disco debut ‘Schizophonic’ separando su lado ángel y demonio. En el lado ‘Heaven’ podemos encontrar canciones enérgicas de naturaleza inspiradora que sirven como himnos y en ‘Hell’ canciones de temática más oscura y melancólica, con el tema central ‘Torn’ representando el purgatorio (en sus letras dice “estoy dividida entre el cielo y el infierno”). Todos los temas han sido co-escritos por la propia Ava Max bajo la producción de Cirkut y entre la extensa nómina de compositores y co-productores figuran importantes nombres como Charlie Puth, RedOne, Bonnie McKee o Shellback. Aunque casi la mitad del contenido de ‘Heaven & Hell’ ya ha sido desvelada antes de su lanzamiento, todavía quedan sorpresas en el disco como ‘Tattoo’, un tema electro-pop compuesto junto a Charlie Puth que podría encajar en el debut de Lady Gaga, ‘Call Me Tonight’, que contiene un cierto toque R&B gracias a un riff de guitarra similar al de ‘No Scrubs’ de TLC, o ‘Naked’, un bailable tema dance-pop en el que la cantante desnuda sus sentimientos a su pareja y se muestra tal como es y cuyo videoclip ha sido desvelado el mismo día que llegaba el álbum. Dentro de la segunda parte destacan ‘Take You To Hell’, que comienza con una melodía oscura y enigmática para convertirse en un tema pop muy “dosmilero” cuya producción recuerda a las de Oops! de Britney, ‘Rumors’, influenciado por el synth-pop de los años 80 y en el que Ava declara que aunque oiga ciertos rumores sobre su amante sigue enganchada a él, o ‘Belladonna’, un original tema electro-pop en el que Ava se compara con dicha planta venenosa y confiesa a su amante que puede ser peligrosa y contagiosa como ella.

Desde que Ava Max irrumpió en el año 2018, muchos han criticado tanto el estilo musical como el sonido de Ava Max por resultar anticuado y ser una copia de la Lady Gaga del 2009, sin embargo desde el blog MiSTeR MuSiC siempre la he apoyado por haber lanzado una serie de magníficos singles que muchas de sus competidoras envidiarían poseer y además es una de las pocas representantes del ‘pop en sentido estricto’ en la actualidad. Sin ser la mejor cantante del panorama actual (aunque se defiende perfectamente en directo como ha demostrado en sus actuaciones) ni una fantástica compositora, ya que sus letras contienen muchos clichés ya utilizados anteriormente, Ava Max ha sido capaz de crear uno de los mejores álbumes pop del año. Quizás algunos de los temas inéditos no están a la altura de los ya conocidos y no resultan tan contundentes e inmediatos, pero en su conjunto es un álbum muy sólido, cohesionado y disfrutable debido a la ausencia de baladas. Puntuación: 9/10.

Bad Habits, el regreso de Usher

Bad HabitsDurante mucho tiempo se ha rumoreado que Usher quería dar continuidad al álbum más exitoso y relevante de su carrera profesional, Confessions, el cual vio la luz en 2004, vendió más de 10 millones de copias sólo en Estados Unidos, produjo 4 singles #1 en la lista americana y se convirtió en uno de los álbumes más importantes de la historia del R&B y responsable del buen momento que vivió el género durante aquellos años. El año pasado, el rompecorazones de Atlanta publicó en sus redes sociales varias imágenes en el estudio de grabación junto a Jermaine Dupri (principal artífice de aquel disco) en las que se podía leer ‘Confessions 2’ e incluso desveló el posible ‘track list’ del álbum, aunque borroso. A finales del 2019 pudimos escuchar una de las canciones pertenecientes a esas sesiones de grabación, ya que Usher lanzó Don’t Waste My Time, que se trataba de un marchoso tema pop/R&B producido por sus habituales colaboradores, Jermaine Dupri y Brian-Michael Cox, que contaba con la colaboración de la cantante británica Ella Mai y recuperaba el sonido y la esencia de Confessions. Pese a resultar uno de los mejores temas de Usher de los últimos años, no recibió un apoyo excesivo por parte del público aunque consiguió alcanzar el #1 en el componente Adult R&B Songs de Billboard. Ya en 2020, Usher siguió intentando captar la atención de sus fieles seguidores con otro tema, SexBeat, en el que se reunía de nuevo con Lil Jon y el rapero Ludacris en un intento por recuperar el espíritu de su gran hit ‘Yeah!’, sin embargo el impacto comercial fue nulo, poniendo en riesgo el futuro de esa probable secuela del legendario álbum ‘Confessions’. El pasado mes de junio Usher lanzó la emotiva balada ‘I Cry’ como homenaje a la muerte de varios ciudadanos negros por brutalidad policial en Estados Unidos y como parte del movimiento Black Lives Matter y hace apenas unos días nos ha sorprendido anunciando su residencia en Las Vegas en The Colosseum del hotel Caesars Palace para el año 2021. Coincidiendo con este anuncio, el cantante de 41 años ha presentado su nuevo single, Bad Habits, que pretende dar algo de ‘hype’ para su próxima residencia en la ciudad del pecado. ‘Bad Habits’ es un pegadizo tema R&B en el que Usher reflexiona sobre su historial amoroso, lleno de relaciones fugaces que le impiden encontrar el verdadero amor. Todavía no sabemos si el proyecto ‘Confessions 2’ sigue adelante pero lo que es seguro es que ‘Bad Habits’ formará parte de su noveno álbum de estudio, sin fecha definitiva de publicación. En mi opinión, lo más acertado sería abandonar la idea de una secuela de dicho álbum, ya que el escaso impacto que están obteniendo los supuestos singles de ese proyecto puede empañar el legado del gran álbum ‘Confessions’, que supuso el momento más álgido de la carrera de Usher.

Crítica de ‘Queen of da Souf’ de Mulatto

Queen of da SoufAlyssa Michelle Stephens, conocida artísticamente como Mulatto, saltó a la fama por ser la ganadora de la primera edición del talent show de la TV americana ‘The Rap Game’ en 2016. Tras rechazar el contrato en la discográfica de Jermaine Dupri (presentador de The Rap Game) al ganar el concurso por no ser lo suficientemente suculento, Mulatto se convirtió en artista independiente y lanzó varias mixtapes y EP’s, entre ellas Miss Mulatto, Big Latto y Hit The Latto, las cuales ayudaron a la joven rapera a abrirse camino dentro del circuito Hip Hop americano. El pasado mes de agosto, la rapera originaria de Atlanta publicó Queen of da Souf, su disco debut y el primero dentro de su nueva discográfica RCA, el cual está formado por 13 canciones encuadradas dentro del Hip Hop (concretamente el subgénero Southern Hip Hop) con influencia Trap compuestas por la propia Mulatto bajo la producción de Bankroll Got It, Murda Beatz, J White Did It, Hitmaka entre otros y cuenta con la colaboración de importantes artistas de Hip Hop como City Girls, 21 Savage, Gucci Mane, Saweetie o Trina. El single presentación del álbum fue Bitch from da Souf, cuya versión original pertenecía a su mixtape ‘Big Latto’ pero que fue incluida más tarde en el álbum en forma de remix junto a las raperas Saweetie y Trina, las cuales aportan puntos extra a la canción. ‘Bitch from da Souf’ resulta muy adictiva gracias a su pegadizo estribillo, en el que Mulatto se presenta como ‘la perra más real y rica del sur’ pero su verso palidece al lado de una rapera legendaria como Trina. ‘Bitch from da Souf’ ha supuesto la primera entrada de Mulatto en la lista americana de singles, todo un logro para la joven rapera. El segundo single fue Muwop, un marchoso tema Hip Hop producido por J White que samplea ‘Freaky Gurl’ de Gucci Mane y cuenta precisamente con la participación del rapero. Dentro de ‘Queen of da Souf’ hay canciones interesantes como ‘Youngest and Richest’, el tema que abre el disco, sirve de carta de presentación de Mulatto y cuenta con una melodía clásica de violines que empasta a la perfección con la base Trap, ‘In and Out’, que cuenta con un pegadizo estribillo de estilo Bounce y en el que participan City Girls, o ‘No Hook’, un tema de menos de 2 minutos pero donde Mulatto realiza el mejor verso del álbum y se muestra vulnerable relatando sus miedos y algunas relaciones tormentosas. Por el contrario la segunda parte es más floja e incluye temas como ‘My Body’, más down-tempo y con influencia R&B en el que Mulatto hace un intento de cantar nada acertado. En resumen, Mulatto no es la mejor rapera del panorama actual del Hip Hop ya que sus rimas no son tan sólidas como las de Megan The Stallion, Cardi B o Nicki Minaj ni posee el carisma de éstas últimas, pero teniendo en cuenta que apenas tiene 21 años, hay gran margen de mejora en sus habilidades como rapera y compositora. Definitivamente Mulatto no es la ‘reina del sur’, título que sigue ostentando Trina, pero nos ha ofrecido un más que digno álbum debut con varias canciones disfrutables y de calidad. Puntuación: 6’5/10.