Crítica de ‘Plastic Hearts’ de Miley Cyrus

Plastic HeartsEl mes de noviembre suele albergar un gran número de lanzamientos de discos debido al tirón comercial del Black Friday y la cercana temporada navideña, lo que aumenta de manera considerable las ventas de álbumes. Miley Cyrus es una de las cantantes que ha posicionado la publicación de su nuevo trabajo en uno de los fines de semana de mayores ventas del año. Su séptimo álbum de estudio tiene por título Plastic Hearts y toma el relevo a ‘Younger Now’, publicado a finales de 2017 y en el que la cantante americana experimentó con el género Country debido a sus orígenes sureños y por influencia de su padre, el famoso cantante Billy Ray Cyrus. Pese a su intento de mostrar su lado más maduro y sereno tras el polémico ‘Bangerz’, Miley cosechó críticas muy tibias con su aproximación al Country y los expertos musicales se mostraron poco convencidos con la composición y producción del álbum. El nuevo álbum de estudio de Miley iba a tener por título ‘She Is Miley Cyrus’ y se trataba de un ambicioso proyecto precedido por 3 EP’s, del cual sólo llegó a lanzar ‘She Is Coming’ en mayo de 2019, ya que debido a la operación de las cuerdas vocales a la que se sometió Miley, su divorcio con Liam Hemsworth y la pandemia del coronavirus no llegó a materializarse este proyecto. El pasado mes de agosto llegó el single presentación de Plastic Hearts, Midnight Sky, que se trataba de un enérgico tema que combina synth-pop, pop/rock y sonido Disco, cuenta con una gran influencia de la música de los años 80 y está compuesto por Miley junto a Louis Bell y Andrew Watt, los cuales también se encargan de la producción. ‘Midnight Sky’ resulta un himno de empoderamiento cuyas letras sobre el ‘despertar personal’ están inspiradas en su reciente divorcio y su posterior relación con el cantante Cody Simpson y debido a toda la especulación de la prensa entorno a sus turbulentas relaciones, quería ser ella la que contara su versión. Midnight Sky fue aclamado por la crítica por su cambio de dirección musical y su mayor madurez artística sin embargo ha tenido un moderado impacto comercial alrededor del mundo, aunque ha alcanzado el top 5 en Reino Unido y el top 20 en Australia y Estados Unidos. Más tarde se lanzó un remix del tema titulado ‘Edge of Midnight’ junto a la cantante Stevie Nicks (de Fleetwood Mac) que en realidad se trataba de un mash-up de ‘Midnight Sky’ y el clásico tema de Stevie Nicks ‘Edge of Seventeen’.

Plastic Hearts está formado por 12 temas compuestos por la propia Miley Cyrus junto a Andrew Watt y Louis Bell, quienes se encargan de la mayor parte de la producción del disco, con la ayuda adicional de Mark Ronson y The Monsterz & The Strangers. El séptimo álbum de estudio de Miley resulta muy ecléctico musicalmente, algo que no nos extraña teniendo en cuenta que la cantante ha declarado que las influencias de este trabajo son Metallica y Britney Spears (una curiosa combinación) y dentro de él explora géneros tan variados como pop/rock, synth-pop y Disco aunque con especial influencia de la música rock de los años 80 y cantantes como Debbie Harry de Blondie. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado el segundo single, Prisoner, que se trata de la esperada colaboración con Dua Lipa que tanto se había especulado en redes sociales desde hace meses. Prisoner es un tema muy bailable de sonido Disco-punk y pop/rock cuyo estribillo samplea la melodía de ‘Physical’ de Olivia Newton-John (canción que ya inspiró el single de Dua Lipa del mismo nombre) y que se adapta perfectamente a los diferentes estilos de las dos cantantes. En las letras de ‘Prisoner’ Miley habla de estar presa del amor de su ex-pareja y no poder sacárselo de la cabeza, referencias claras a la relación fallida con su ex-marido. Sin duda una de las canciones más pegadizas y memorables del álbum y que suma puntos gracias a la presencia de Dua Lipa.

Aparte de Dua Lipa, Plastic Hearts cuenta con otros dos importantes artistas invitados: Billy Idol en el marchoso tema ‘Night Crawling’ y Joan Jett en ‘Bad Karma’. Entre los temas más destacados del álbum están ‘WTF Do I Know’, un enérgico tema pop/rock up-tempo que cuenta entre sus créditos a Ryan Tedder y recuerda a las canciones guitarreras de principios del 2000 de Kelly Clarkson o Avril Lavigne, ‘Gimme What I Want’, un tema electro-pop y pop/rock más calmado en el que Miley recurre al amor propio tras no sentirse amada y respetada por su pareja, ‘Plastic Hearts’, donde muestra su pasión por el rock de los años 80 o ‘Hate Me’, uno de los momentos más pop del álbum y en el que hace frente a las críticas recibidas por parte de los medios de comunicación. Las baladas son el punto más flojo del álbum aunque merece la pena rescatar ‘Angels Like You’, en la que nuevamente hace referencia a su relación fallida y muestra el lado más emotivo de la cantante de Tennessee. En la edición deluxe del álbum se incluye el remix ‘Edge of Midnight’ con Stevie Nicks y las versiones en directo de ‘Zombie’ de The Cranberries y ‘Heart of Glass’ de Blondie que Miley interpretó durante estos últimos meses en varios conciertos virtuales.

En la última década hemos presenciado a Miley Cyrus moverse en estilos musicales tan diferentes como el electro-pop y dance-pop de ‘Can’t Be Tamed’, el pop/R&B con influencia Hip-Hop de ‘Bangerz’, el Country-pop de ‘Younger Now’ y el pop/rock de ‘Plastic Hearts’ mostrando su gran versatilidad como artista aunque evidenciando que todavía no ha encontrado su estilo definitivo, sin embargo tras escuchar este álbum considero que el sonido rockero es el que más encaja con su rebelde personalidad y su voz grave y rasgada. En resumen, Plastic Hearts sorprende por su nueva dirección musical y cuenta con varias canciones interesantes pero también incluye mucho relleno hacia el final del álbum, especialmente las baladas. Temas imprescindibles: Prisoner, Midnight Sky, WTF Do I Know y Plastic Hearts. Puntuación: 7/10.

In The Morning, el nuevo single de Jennifer Lopez

In The MorningDesde el lanzamiento de su último álbum de estudio, que vio la luz en 2014, la estrategia comercial por parte de la discográfica de Jennifer Lopez ha sido disparatada y marcada por radicales cambios de dirección musical que han hecho que pierda coherencia y credibilidad como artista. De todos los singles que ha lanzado desde entonces, la mayoría en español debido a su intención de lanzar un álbum en nuestro idioma, ninguno ha tenido especial repercusión (con la excepción de ‘El Anillo’) y únicamente han entrado en la lista de ventas americana dos singles, el maravilloso e infravalorado ‘Ain’t Your Mama’ del 2016 y ‘Dinero’ junto a Cardi B del 2018, evidenciando una crisis comercial más que evidente en su mercado principal. El pasado mes de septiembre la diva del Bronx lanzó dos singles en español, ‘Pa Ti’ y ‘Lonely’, ambos junto a Maluma y que formarán parte de la banda sonora de su próxima película ‘Marry Me’, en la que también participa el cantante colombiano. En dichos temas Jennifer continuaba con su aproximación al reggaeton y Trap latino en un intento por revitalizar su carrera pero no han conseguido un buen desempeño comercial. Sin embargo, para alegría de los ‘fans de la vieja escuela’ que la siguen desde sus inicios en el mundo de la música entre los que yo me incluyo, ha lanzado un nuevo single en inglés llamado In The Morning que nos devuelve a la Jennifer que admiramos. ‘In The Morning’ es un tema mid-tempo pop/R&B influenciado por los ritmos caribeños en cuyas letras la cantante neoyorquina le reprocha a su amante que sólo quiera pasar la noche con ella y por la mañana desaparezca, demandándole un mayor compromiso por su parte. El ‘artwork’ de este single no ha pasado inadvertido en sus redes sociales (acumula más de 7 millones de likes) ya que muestra a la cantante de ascendencia puertorriqueña completamente desnuda luciendo su escultural figura a los 51 años. Sin duda ‘In The Morning’ es el mejor single de Jennifer desde el injustamente ignorado ‘Medicine’, lanzado el año pasado. En mi opinión, Jennifer Lopez brilla cuando se aleja del reggaeton y las colaboraciones con artistas latinos que abaratan su imagen y regresa al estilo que la vio nacer como estrella: el pop/R&B combinado con sus raíces latinas de ‘In The Morning’ que recupera el sonido de su mejor álbum ‘J.Lo’, el funk de ‘Medicine’ que recuerda a su trabajo ‘Rebirth’ o la influencia urbana del Hip-Hop de temas como ‘Dinero’. Esperemos que en su nuevo álbum retome el estilo de estos últimos singles mencionados y no caiga en la tentación de hacer un álbum básico de reggaeton como el que inunda actualmente las radios y listas de venta.

Throwback Review: ‘The Makings of Me’ de Monica

monica__the_makings_of_meEn 2006 vio la luz The Makings of Me, el quinto álbum de estudio de la cantante Monica, cuarto si tenemos en cuenta que el lanzamiento de ‘All Eyez On Me’ (la versión original de ‘After The Storm’) fue cancelado tras filtrarse todo su contenido en internet y no llegó a publicarse. ‘The Makings of Me’ está compuesto por 10 temas encuadrados dentro del R&B producidos por sus habituales colaboradores Jermaine Dupri y Missy Elliott, con producción adicional de Bryan-Michael Cox, The Underdogs y Swizz Beatz. Monica no participó en la composición de ningún tema del álbum a diferencia de sus anteriores trabajos, sin embargo ‘The Makings of Me’ es considerado uno de sus álbumes más personales ya que algunos de los temas presentes en el álbum se inspiran en unos antiguos poemas compuestos por ella que utilizaron los compositores y productores para escribir las canciones. ‘The Makings of Me’ debutó en el #8 de la lista americana (su tercer top 10 en Estados Unidos) y alcanzó el #1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard pero las ventas del álbum fueron muy bajas en comparación con sus anteriores trabajos, todos ellos certificados platino. El single presentación del álbum fue Everytime Tha Beat Drop, un marchoso tema R&B con gran influencia del Southern Hip Hop, concretamente el Snap, un subgénero similar al Crunk originado en Atlanta, de donde proviene tanto Monica como el productor del tema, Jermaine Dupri y los artistas invitados, el grupo de rap Dem Franchize Boyz. Desde un primer momento ‘Everytime Tha Beat Drop’ destacó por su fuerte sonido urbano que suponía una gran divergencia con respecto al habitual estilo de Monica y recibió opiniones muy diversas por parte de los expertos musicales, ya que por una parte se alabó su naturaleza up-tempo y bailable pero también se comentó que no era una digna representación del contenido del álbum y resultaba olvidable. ‘Everytime Tha Beat Drop’ obtuvo un rendimiento comercial moderado y apenas ocupó el top 50 en la lista americana (#11 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard), lo que suponía un desempeño inferior al que suelen tener los ‘lead singles’ de Monica.

Como segundo single se lanzó A Dozen Roses (You Remind Me), un tema R&B mid-tempo de sonido retro producido por Missy Elliott que sampleaba el clásico ‘The Makings of You’ de Curtis Mayfield (canción que inspiró el título del álbum) y estaba influenciado por el sonido Soul. En ‘A Dozen Roses’ Monica declara la admiración por su hombre y lo compara con artículos de lujo como zapatos Gucci o un Bentley y recibió buenas críticas por el toque nostálgico que tiene la magistral producción de Missy Elliott y la fantástica ejecución vocal de Monica y su versatilidad, ya que también realiza un pequeño rap. Pese a ser el tema más sobresaliente del álbum, ‘A Dozen Roses’ tuvo un desempeño comercial negativo y ni siquiera entró en la lista americana, convirtiéndose en el segundo single de la cantante que no entraba en Billboard tras ‘Street Symphony’. Ya en 2007 llegó el tercer single, Sideline Ho, que se trataba de un una balada R&B mid-tempo producido por The Underdogs en la que Monica habla de la infidelidad de su pareja y saca las uñas en contra de la otra mujer y la pone en el sitio que se merece. Como último single se lanzó Hell No (Leave Home), un medio tiempo R&B producido por Bryan-Michael Cox que cuenta con la participación del rapero Twista, quien añade al tema su habitual rap de alta velocidad. Tanto ‘Sideline Ho’ como ‘Hell No’ resultaron un fracaso comercial y no consiguieron entrar en la lista americana, haciendo de ‘The Makings of Me’ la era menos exitosa de Monica hasta la fecha en cuanto al rendimiento comercial de los singles.

Entre los temas más destacados de ‘The Makings of Me’ se encuentran la emotiva balada ‘Why Her’, producida por Jermaine Dupri e inspirada en los poemas escritos por Monica y que recuerda a ‘We Belong Together’ de Mariah Carey, también producida por Dupri, ‘Raw’, uno de los pocos temas up-tempo que encontramos en el álbum y es la única aportación de Swizz Beatz, o ‘Gotta Move On’, una balada creada por Missy Elliott con melodía influenciada por la música oriental y en cuyos coros aparece la cantante Tweet. En un principio ‘The Makings of Me’ no me convenció demasiado, pero tras darle más oportunidades fue ganando puntos y aunque está por debajo de los magníficos ‘The Boy Is Mine’ y ‘After The Storm’, resulta una buena adición a su excelente catálogo musical. Cabe destacar que este álbum es el único de la discografía de Monica que no se encuentra disponible en las plataformas musicales y únicamente podemos encontrar el CD-single de ‘Everytime Tha Beat Drop’. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de ‘Good News’ de Megan Thee Stallion

Good NewsEste 2020 ha resultado un año clave en la carrera profesional de Megan Thee Stallion ya que ha pasado de ser una rapera conocida dentro del circuito Hip Hop americano a despuntar a nivel internacional gracias a varios singles que ha lanzado durante este año e importantes colaboraciones con otros artistas. En el mes de marzo, antes de que se iniciara la pandemia, Megan publicó su tercer EP, Suga, que recibió buenas críticas por sus habilidades como rapera y contó con el hit single Savage, el cual gracias a su gran exposición en TikTok se convirtió en viral y acabó siendo una de las canciones más populares del momento. Aprovechando el tirón de ‘Savage’ en la famosa red social fue lanzado posteriormente en forma de remix con la colaboración de Beyoncé y alcanzó el #1 en la lista americana, el primero para la rapera de Texas. El single presentación del álbum, Girls In The Hood llegó en junio y se trataba de un marchoso tema Hip Hop producido por Scott Storch que samplea ‘Boyz-n-the-Hood’ de Eazy-E pero cambia el contenido machista de esta canción y se convierta en un asertivo himno en defensa de las mujeres, por lo general tratadas de manera injusta en las letras de canciones de Hip Hop masculino. ‘Girls In The Hood’ obtuvo buenas opiniones por parte de los críticos musicales por las letras de empoderamiento femenino y las habilidades de Megan como rapera y a nivel comercial ocupó el top 30 en la lista americana. Meses más tarde, otra de las raperas de moda, Cardi B solicitó la presencia de Megan Thee Stallion en su polémico single ‘WAP’, el cual llamó la atención del público por sus letras muy explícitas sobre la satisfacción sexual de las mujeres y su controvertido videoclip y acabó ocupando nuevamente el #1 en la lista americana, todo un éxito para la joven rapera de Texas. Tras la excepcional acogida de WAP, Megan lanzó un nuevo single, Don’t Stop, que se trataba de un tema Hip Hop con influencia Trap y fuerte componente electrónico que contaba con la participación del rapero Young Thug y continuaba con su mensaje positivo sobre la sexualidad femenina. Don’t Stop estuvo acompañado de un original videoclip inspirado en la película ‘Alicia en el país de las maravillas’ y nuevamente ocupó el top 30 en la lista americana al igual que el anterior single ‘Girls In The Hood’.

El álbum debut de Megan Thee Stallion tiene por título Good News y está formado por 17 temas encuadrados en el Hip-Hop compuestos por la propia Megan bajo la producción de Scott Storch, J. White Did It, Buddah Bless, J.R. Rotem y Mustard entre otros y cuenta con la participación de un gran número de invitados de la talla de DaBaby, City Girls, Big Sean, 2 Chainz o la cantante SZA. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado como tercer single Body, un marchoso tema en el que la rapera reivindica su rotunda figura y anima a las mujeres a celebrar sus cuerpos, continuando el mensaje de auto-aceptación y empoderamiento femenino de los anteriores singles. Entre los temas más interesantes de Good News se encuentran ‘Shots Fired’ en el que Megan habla de su reciente incidente junto a Tory Lanez en el que recibió un disparo en el pie, ‘What’s New’ en el que se enfrenta a los haters o el up-tempo ‘Circles’, que samplea ‘Holding You Down’ de Jazmine Sullivan. También destaca ‘Do It on the Tip’, que cuenta con la participación de City Girls y presenta un nuevo alter ego de Megan, llamado Hot Girl Meg y que es la líder de Tina Snow o Suga. Al igual que en Suga podemos escuchar la faceta como cantante de la texana en dos temas: ‘Outside’, influenciado por el R&B y ‘Don’t Rock Me To Sleep’, el más llamativo del álbum al tratarse de un bailable tema pop up-tempo y que resulta la primera incursión de Megan en dicho género. En Good News se incluye el remix de ‘Savage’ junto a Beyoncé (ya que en Suga aparecía sólo la versión original) pero no su colaboración en WAP, que aparecerá en el próximo álbum de Cardi B.

El perfil menos controvertido de Megan Thee Stallion (a diferencia de Nicki Minaj o Cardi B que se han visto envueltas en numerosas polémicas) sin duda le ha favorecido de cara a ganarse un mayor respeto y credibilidad en el mundo de la música lo que unido a su profesionalidad y su talento para rimar hacen de la joven una de las figuras más importantes del Hip Hop contemporáneo. Good News destaca por sus letras sexuales pero cargadas de un mensaje feminista y por su influencia del clásico estilo ‘Old School’, distanciándose del repetitivo sonido Trap que inunda la escena actual Hip Hop. Este 2020 ha sido un gran año para el Hip Hop femenino ya que han destacado importantes mujeres como City Girls, Cardi B, Mulatto y la protagonista de este post, Megan Thee Stallion, que ha lanzado uno de los mejores álbumes de Hip Hop del año. Puntuación: 7’5/10.

Man’s World, el regreso de Marina

Man's WorldCuando lo habitual suele ser tomarse sus tres o cuatro años de descanso entre álbum y álbum, el lanzamiento del nuevo single de Marina es cuanto menos un hecho sorprendente aunque muy bienvenido por parte de los que nos consideramos sus seguidores. La cantante galesa Marina Diamandis (anteriormente conocida como Marina and the Diamonds) publicó en abril del año pasado su cuarto álbum de estudio, Love + Fear, el cual recibió unas críticas muy tibias por parte de los expertos musicales, tuvo un desempeño comercial negativo y no contó con ningún single de éxito que respaldara el proyecto. ‘Love + Fear’ no era un álbum de baja calidad en absoluto sin embargo su poco acertada estrategia comercial de lanzar el proyecto en dos partes (que representaban según ella las dos emociones que tienen los seres humanos: el amor y el miedo) y su dudosa elección de singles hizo de él un proyecto poco centrado y cohesivo. Además el hecho de “perder los diamantes” por el camino supuso una ruptura con su pasado que muchos seguidores no apoyaron y resultaba una decisión discutible ya que el público la relaciona principalmente con Electra Heart y Froot, sus álbumes mejor valorados y de más éxito, cuando se la conocía como Marina and the Diamonds. Apenas año y medio después de que terminara la promoción del denostado ‘Love + Fear’, la cantante de ascendencia griega ha regresado con su nuevo single, Man’s World, anticipo de su quinto álbum de estudio, todavía sin título ni fecha de publicación definitivos. El single Man’s World y su videoclip promocional han visto la luz un miércoles, cuando lo habitual suele ser el viernes, lo que indica que Marina se encuentra en un etapa de su carrera en la que las posiciones en las listas de venta no es lo que le interesa en realidad. Man’s World es un tema pop/rock de sonido alternativo que recuerda al estilo del álbum Froot y en el que Marina critica la discriminación y el trato injusto que han recibido a lo largo de la historia las mujeres y los colectivos más discriminados (como el LGTB) convirtiéndose en un auténtico himno de empoderamiento femenino y de apoyo a las minorías más desfavorecidas. Este tema supone un claro avance con respecto a los singles lanzados de su anterior álbum y sin ser un hit contundente resulta más pegadizo y comercial. Desde el blog MiSTeR MuSiC estaremos muy atentos a los siguientes pasos de Marina.

Throwback Review: ‘All For You’ de Janet Jackson

All For YouUno de mis álbumes favoritos de Janet Jackson es su séptimo trabajo discográfico, All For You, publicado en el año 2001 y que podemos considerar como su último gran éxito comercial antes de que la cantante americana iniciara un descenso notorio en su popularidad provocado por su controvertida intervención en la Super Bowl junto a Justin Timberlake donde ocurrió el famoso “pezón-gate”. La reciente separación de Janet Jackson y su marido animó a la artista a crear un álbum más divertido y alegre en contraposición con el sonido oscuro de su anterior trabajo, The Velvet Rope, en el que trataba temas como la depresión y la violencia doméstica además de estar cargado de un gran componente sexual. All For You es un disco muy largo formado for 20 temas (aunque 6 de ellos son los famosos interludios que suele añadir a sus álbumes) encuadrados dentro del R&B y dance-pop con influencia funk y pop/rock compuestos por la propia Janet junto a sus habituales colaboradores Jimmy Jam y Terry Lewis con producción adicional de Rockwilder. La hermana menor de los Jackson también trabajó con el dúo The Neptunes durante las sesiones de grabación de ‘All For You’ pero los temas resultantes no formaron parte finalmente del álbum. Como curiosidad, dos de los temas creados por The Neptunes para este álbum, I’m a Slave 4 U y Boys, tras ser rechazados por Janet pasaron a Britney Spears, quien los incluyó en su tercer álbum y fueron lanzados como singles. All For You debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el quinto disco #1 de Janet en Estados Unidos y vendió más de 600 mil copias en su primera semana, unas cifras muy altas que la situaban como la cantante femenina con mayores ventas de la década del 2000 en su primera semana por detrás del icónico ‘Oops!… I Did It Again’ de Britney Spears. All For You fue certificado doble platino y obtuvo unas ventas superiores a los 3 millones de copias en Estados Unidos y en el resto del mundo también tuvo un desempeño comercial muy positivo y ocupó el top 5 en Reino Unido, Australia, Francia o Alemania.

En el año 2000 Janet Jackson formó parte de la película ‘The Nutty Professor II’ y participó en su banda sonora con Doesn’t Really Matter, que se trataba de un marchoso tema que combinaba R&B, dance-pop y electro-pop y recibió buenas críticas por su ritmo bailable y la versatilidad vocal de Janet. Doesn’t Really Matter consiguió un gran éxito en la lista americana: fue #1 en Estados Unidos durante tres semanas (su noveno ‘chart topper’ en Estados Unidos) y gracias a este hecho Janet se convirtió en la primera cantante en tener singles #1 en tres décadas diferentes. A nivel internacional este tema también logró una buena acogida y ocupó el top 10 en Canadá, Reino Unido y España. Debido al éxito de ‘Doesn’t Really Matter’ fue incluido posteriormente como bonus track en el álbum All For You. 

El single presentación fue el tema que daba título al álbum, All For You, que se trataba de un marchoso tema dance-pop y R&B con influencia funk/Disco producido por Jimmy Jam y Terry Lewis que habla sobre pasarlo bien y ligar en la pista del baile. All For You recibió grandes críticas de los expertos musicales por su contenido alegre y su ritmo bailable a diferencia del tono sombrío y oscuro de su anterior álbum, fue uno de los temas más populares de aquel año y recibió numerosos premios entre ellos mejor canción Dance en los Grammy. All For You se convirtió en uno de los mayores éxitos de Janet Jackson y ocupó el #1 en la lista americana durante 7 semanas consecutivas gracias a su alto airplay en las radios y fue certificado platino en Estados Unidos y en el resto del mundo también obtuvo un buen desempeño comercial, ocupando el top 5 en Australia, Reino Unido o España. El segundo single elegido fue Someone To Call My Lover, un marchoso tema dance-pop con influencia Country-pop en el que Janet pasa página tras su doloroso divorcio y está determinada a encontrar un nuevo amor. Tras el éxito del anterior single, ‘Someone To Call My Lover’ tuvo un desempeño comercial moderado: fue #3 en la lista americana pero en el resto del mundo apenas ocupó el top 20 en Reino Unido, Australia o Canadá. Como tercer single se lanzó Son of a Gun (I Betcha Think This Song Is About You), un tema pop/R&B con influencia Hip Hop que samplea ‘You’re So Vain’ de la cantante Carly Simon, la cual también participaba en el tema como artista invitada y destaca por su contenido más oscuro sobre un hombre que la extorsiona pidiéndole dinero, una temática que se asemeja al estilo de su anterior álbum. Este tema se lanzó en forma de remix junto a la rapera Missy Elliott, recibió opiniones mixtas por parte de los expertos musicales y apenas ocupó el top 30 en lista americana, la peor posición de Janet Jackson en Estados Unidos desde sus inicios en el mundo de la música.

Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Come and Get Up’, un animado y bailable tema dance-pop que destaca por su mensaje optimista y fue lanzado como último sencillo promocional de manera limitada en varios países, la balada ‘China Love’ que contiene melodía oriental y utiliza varios instrumentos asiáticos, el original y complejo tema ‘Trust a Try’ que comienza con Janet cantando una “opereta” para convertirse en un enérgico tema hard-rock y electro-pop que contiene similitudes con el estilo de su hermano Michael, el agradable ‘Feels So Right’, que contiene influencia ochentera o ‘Better Days’, una balada pop/R&B mid-tempo que aumenta de ritmo a lo largo de la canción y en la que Janet relata los duros momentos vividos en el pasado pero ahora ve un futuro más esperanzador. All For You continúa con la temática sexual de alto voltaje iniciada en su anterior álbum y uno de los temas más explícitos es ‘Would You Mind’ en el que relata con todo lujo de detalles una relación con su amante.

Janet Jackson es un icono del mundo de la música cuyo estilo, imagen sexy, coreografías y presencia escénica han influido a una generación entera de artistas y concretamente el álbum ‘All For You’ inspiró a cantantes de la talla de Rihanna, Britney Spears, Christina Milian o Jennifer Lopez. ‘All For You’ es mi álbum favorito de la cantante americana (junto a su siguiente trabajo, el denostado ‘Damita Jo’) y está formado por un magnífico compendio de marchosos temas dance-pop y baladas R&B que lo hacen más accesible al público que su anterior disco. Temas imprescindibles: All For You, Come and Get Up, Feels So Right, Someone To Call My Lover, Doesn’t Really Matter y Better Days. Puntuación: 8/10.

Throwback review: ‘Circus’ de Britney Spears

Circus2008 fue un año clave en la carrera profesional de Britney Spears ya que tras graves problemas de salud, personales y familiares vividos durante los años anteriores, recuperó el estatus de princesa del pop que ostentaba a principios de la década gracias al lanzamiento de su sexto álbum de estudio. Un año antes, mientras Britney vivía una de sus peores épocas, vio la luz Blackout, el cual fue elogiado por los críticos, es considerado como el mejor disco de toda su trayectoria y ha sido incluido en varias listas que recogen los mejores álbumes de todos los tiempos. El sexto álbum de estudio de Britney, titulado Circus, llegó apenas un par de meses después de los premios MTV Video Music Awards, donde la cantante fue la triunfadora de la noche y presentó una imagen muy recuperada que auguraba el inicio de una gran época en su trayectoria profesional. Los premios MTV sin duda sirvieron de “lavado de cara” a la imagen de Britney, que estaba muy deteriorada tras los episodios que protagonizó a principios de año cuando la cantante se negó a entregar a sus hijos al padre de éstos y mostró un comportamiento errático que la llevó a ser diagnosticada enferma mental e incapaz de manejar su fortuna ni tomar decisiones sobre su carrera. Centrándonos en el aspecto musical, Circus mantiene el toque electrónico de Blackout, pero pierde su sonido urbano y oscuro en favor de melodías pop más ligeras y comerciales en un intento por recuperar su público inicial que perdió años atrás. Circus está encuadrado dentro del pop, dance-pop y electro-pop y cuenta con la producción de Danja y Bloodshy & Avant, los principales responsables de Blackout, además de otros importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke, Benny Blanco, Guy Sigsworth o Max Martin, figura clave en la carrera inicial de Britney y que contribuyó en sus primeros trabajos pero dejó de trabajar con ella en ‘In The Zone’ y ‘Blackout’. Britney Spears nunca se ha caracterizado por participar activamente en el proceso creativo de sus álbumes (con la excepción de In The Zone, en el que se implicó al máximo y compuso la mayoría de los temas presentes) y en este álbum únicamente participó en la composición de 3 temas. 

Circus debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el quinto álbum de la princesa del pop que llegaba a lo más alto en Estados Unidos (es decir, todos los trabajos de Britney hasta la fecha con la excepción de ‘Blackout’, que fue #2 tras un controvertido cambio en las reglas contabilización de Billboard) con más de 500 mil copias en su primera semana a la venta, unas cifras muy altas que jamás volvería a ver Britney. Circus acabó siendo certificado platino en Estados Unidos por ventas superiores al millón y medio de copias, un notable incremento con respecto a Blackout, su álbum menos vendido hasta la fecha. En el resto del mundo también tuvo un desempeño muy positivo, alcanzando el #1 en Canadá o el top 10 en Australia, Alemania o Reino Unido, con ventas superiores a los 4 millones de copias a nivel internacional. Observando las ventas desde el inicio de la carrera de Britney hasta el disco Blackout se podía observar una tendencia descendiente en su éxito comercial sin embargo Circus puso fin a esa tendencia a la baja y obtuvo mayores ventas que el álbum precedente gracias al éxito de los singles y a la nueva imagen sana y recuperada de la cantante de Louisiana, lo que fue visto como un signo de recuperación en su carrera musical. A diferencia de Blackout, Circus fue extensamente promocionado por parte de Britney, lo que benefició sin duda a las ventas y estuvo acompañado de una magnífica gira, ‘The Circus Starring Britney Spears’, a la que yo tuve el placer de asistir.

El single presentación del álbum fue Womanizer, un enérgico tema electro-pop y dance-pop producido por The Outsyders (un grupo de productores de Atlanta desconocidos hasta la fecha) cuyas reveladoras letras acerca de una pareja infiel y el pegadizo estribillo resultaban tremendamente adictivos y lo convertían en un auténtico himno de empoderamiento femenino. Womanizer obtuvo un tremendo éxito aquel año y devolvió a Britney Spears a los primeros puestos de las listas de venta: alcanzó el #1 en Estados Unidos y se convirtió en su segundo ‘chart topper’ en la lista americana después de una década (su primer single …Baby One More Time llegó al #1 en 1999). Womanizer superó los tres millones y medio de copias digitales en Estados Unidos, haciendo de él su tema más vendido en este formato en tierras americanas. A nivel internacional, el lead single de Circus también tuvo un espectacular rendimiento comercial y fue #1 en Francia, Suecia o Canadá y top 5 en Reino Unido, Alemania y Australia. Womanizer recibió críticas positivas por parte de los expertos musicales, quienes lo denominaron como el “verdadero single de regreso de Britney” y consiguió una nominación a mejor canción Dance en los premios Grammy. Tras la gran acogida de Womanizer, el 2 de diciembre (el día del cumpleaños de Britney) se lanzó como segundo single Circus, el tema que daba título al álbum y presentaba la temática circense que acompañaba a este trabajo. Circus es un tema electro-pop con gran uso de sintetizadores producido por Dr. Luke y Benny Blanco en el que Britney utiliza la técnica sing/rap y compara su pasión por el mundo del espectáculo con ser una domadora de circo, mostrando a la perfección la esencia del álbum. Circus tuvo un desempeño comercial muy positivo en Estados Unidos y alcanzó el #3 (#1 en el componente Pop Songs de la lista Billboard), una de sus mejores posiciones en la lista americana y acabó vendiendo más de tres millones de copias. En el resto del mundo Circus no logró el mismo impacto comercial pero fue top 10 en Australia y Canadá y top 10 en Reino Unido y Alemania.

Como tercer single llegó If U Seek Amy, la aportación de Max Martin al álbum y que se trataba de un marchoso y original tema dance-pop que recordaba a las antiguas producciones del sueco para Britney. If U Seek Amy recibió buenas críticas por ser uno de los temas más pegadizos y bailables del álbum y se alabó la ejecución vocal de Britney sin embargo también resultó muy polémico por sus letras con doble sentido (fonéticamente su título decía ‘F-U-C-K Me’). If U Seek Amy tuvo un desempeño moderado en las listas de venta y ocupó el top 20 en Estados Unidos y Reino Unido, pero sin duda fue una de las apuestas más acertadas como single ya que es uno de los temas más sobresalientes de Circus. El cuarto y último single del álbum fue Radar, originalmente perteneciente al álbum Blackout pero que se incluyó posteriormente como bonus track en Circus y lanzado como single por motivos contractuales con los productores del tema, Bloodshy & Avant. Este tema electro-pop con gran uso de sintetizadores resultaba tremendamente pegadizo y la voz de Britney aparecía muy distorsionada por los trucos de producción. 

Las mejores canciones del álbum, al margen de los singles, son ‘Unusual You’, un magnífico tema dance-pop y synth-pop de atmósfera ambiental producido por Bloodsy & Avant y cantado en forma de balada con un tono melancólico y ‘Kill The Lights’, un enérgico tema electro-pop con influencia urbana reminiscencia de Blackout y producido por Danja en el que Britney trata el tema de la fama y su complicada relación con los paparazzi y medios de comunicación (temática que trató en ‘Piece of Me’). También destacaban ‘Mannequin’, un original y arriesgado tema dance-pop de sonido futurístico en el que lanza dardos envenenados a su ex-marido y ‘Lace and Leather’, un marchoso tema electro-funk que recuerda la Janet Jackson de los años 90. Mientras que Blackout era enteramente up-tempo, en Circus también hay espacio para las baladas, como por ejemplo ‘Out From Under’, producida por Guy Sigsworth y en la que Britney ofrece su lado más vulnerable y emotivo hablando del fin de su matrimonio con Kevin Federline. Sin duda ‘Out From Under’ es uno de temas más destacados del álbum y en mi opinión una de las mejores baladas de toda su trayectoria. Como es costumbre en Britney, la edición deluxe del álbum alberga maravillas como ‘Phonography’, un trepidante tema dance-pop producido por Bloodshy & Avant que resulta el tema más bailable y up-tempo de Circus. Aunque en Circus podemos encontrar algunos de los temas más representativos de su carrera también aparece quizás su peor canción: ‘Mmm Papi’, una de sus pocas incursiones en el Latin-pop pero que resulta francamente decepcionante y olvidable.

En resumen, podemos considerar a Circus como el hermano más refinado y pulido de Blackout ya que conserva el estilo electro-pop y los ritmos bailables pero resulta más comercial y accesible para el gran público. Además supuso un importante regreso de la cantante a la escena musical con una imagen sana y recuperada tras los malos momentos sufridos en los últimos años. Circus no es el mejor álbum de su trayectoria pero se puede escuchar prácticamente en su totalidad ya que apenas sobran un par de canciones. Temas imprescindibles: Womanizer, Circus, If U Seek Amy, Phonography, Out From Under y Unusual You. Puntuación: 8/10.

Crítica de ‘Disco’ de Kylie Minogue

DiscoEn un año marcado por el regreso del sonido Disco, el cual ha vuelto a la primera línea del pop gracias a importantes álbumes como ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa o ‘What’s Your Pleasure?’ de Jessie Ware, era más que evidente que Kylie Minogue, una de sus mayores representantes, resurgiría con un trabajo inspirado en el sonido que ha imprimido en varios de los álbumes más importantes de su trayectoria como Light Years, Fever o Aphrodite. La cantante australiana ha regresado al panorama musical con Disco, su decimoquinto álbum de estudio y que toma el relevo a ‘Golden’, publicado hace dos años y con el que logró el #1 en sus dos mercados más importantes: Reino Unido y Australia. Golden destacó por la incursión de Kylie en el género Country (en realidad era un álbum dance-pop con cierta influencia del sonido country-pop) y recibió principalmente críticas positivas por su mayor implicación en el proceso creativo y sus personales letras aunque también surgieron algunas opiniones negativas por su tímido acercamiento al género, que se limitaba al uso de una guitarra Country al principio de las canciones. Teniendo en cuenta que Kylie regresaba a un sonido en el que se mueve como pez en el agua, todos esperábamos como primer single un hit de la talla de ‘Spinning Around’ y más cuando desveló un ‘artwork’ del álbum en el que que la cantante luce como una diva recién salida del icónico Studio 54, sin embargo el single presentación del álbum resultó un tema muy diferente a lo que podíamos pensar. Say Something era un tema electro-pop y dance-pop con escasa influencia Disco pero a su vez contaba con instrumentación de guitarras que nos recordaban a las usadas en Golden, por lo que marcaba una transición entre su anterior álbum y la nueva era Disco. Precisamente ‘Say Something’ ha contado con la composición y producción de Richard ‘Biff’ Stannard (quien participó en varios temas de Golden) y cabe destacar que la veterana cantante también ha participado como compositora en este tema. Aunque ‘Say Something’ es una canción más que digna con unas letras muy interesantes acerca del amor incondicional y la unión de todas las personas a través de él, no resultaba tan potente como algunos de sus ‘lead singles’. Sin embargo Kylie se ha caracterizado a lo largo de su extensa carrera por ofrecer fantásticos segundos singles y en esta ocasión también se guardaba un as en la manga con Magic, que efectivamente sí era el tema que todos esperábamos como presentación de este trabajo. Magic es un pegadizo tema Disco y dance-pop que destaca por su instrumentación retro con piano, violines y cuerdas. Pese a su gran potencial, Magic ha tenido un mínimo impacto en las listas de ventas y apenas ha pisado el top 75 en Reino Unido, unos datos muy mediocres que se unen a los logrados por Say Something, haciendo de la era Disco una de las menos exitosas de Kylie en cuanto al desempeño de los singles lanzados. Un par de semanas antes del lanzamiento del álbum, Kylie nos presentó un nuevo sencillo promocional, I Love It, que se trataba de un magnífico tema Disco/Dance producido por Richard Stannard que nos transporta a una pista de baile con bola de discoteca gracias a la instrumentación de vientos típica del sonido Disco de los años 70 y refleja a la perfección el espíritu discotequero de este trabajo. 

El nuevo álbum de la diva australiana está formado por 12 temas (16 en la edición deluxe) de carácter up-tempo encuadrados dentro del dance-pop y obviamente el sonido Disco, todos ellos compuestos por la propia Kylie bajo la producción de Richard Stannard, Maegan Cottone y Skylar Adams entre otros. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran el elegante ‘Miss a Thing’ que combina electro-pop y Disco, ‘Dance Floor Darling’, en el que nombra el famoso Studio 54, destaca por el uso de guitarra eléctrica al final de la cancion y aparecen voces sintetizadas a lo Daft Punk, ‘Supernova’, posiblemente la canción más up-tempo y pegadiza del álbum, ‘Real Groove’, que añade al sonido Disco un toque dance-pop y electro-pop muy actual y recuerda al estilo de Future Nostalgia o ‘Where Does The Dj Go?’, el tema más setentero del disco y en el que Kylie parece poseída por el espíritu de Gloria Gaynor en ‘I Will Survive’. En este álbum no hay cabida para las baladas y paradójicamente los dos primeros singles son los temas más ‘sosegados’ de Disco. Dentro de la edición deluxe merece la pena reseñar ‘Till You Love Somebody’, que comienza con un punteo de guitarra que recuerda al estilo de ‘Golden’ y es precisamente la canción que más encajaría en el anterior trabajo de Kylie.

Para todos aquellos seguidores que se mostraron desilusionados por la era Golden y sintieron que el Country no encajaba con el estilo de Kylie Minogue, pueden darse por satisfechos con este álbum en el que la diva australiana regresa al sonido bailable y discotequero que más alegrías le ha dado y la representa a la perfección. Los únicos puntos en contra del álbum son el carácter anodino y poco personal de las letras de las canciones (al contrario que en Golden) que podrían ser cantados por cualquier artista pop y la similitud entre todos los temas presentes, pero hay que tener en cuenta que dentro del sonido Disco hay poco margen para el cambio. Sin duda ‘Disco’ es el álbum de “Disco maduro” que nos prometió Kylie hace tiempo y se une a los magníficos álbumes de pop bailable lanzados durante este año como ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa, ‘What’s Your Pleasure?’ de Jessie Ware o ‘Chromatica’ de Lady Gaga. Tras dos álbumes con reacciones tibias por parte de público y crítica, Kylie ha dado en el clavo y nos ha presentado su mejor trabajo desde Aphrodite. En un año catastrófico como el que estamos viviendo, todo lo que suponga bailar, pasar un rato agradable y desconectar de los problemas es bien recibido. Puntuación: 8/10.

Crítica de ‘Confetti’ de Little Mix

ConfettiMientras que la vida comercial de las ‘girl bands’ suele ser corta, plagada de cambios de integrantes y salpicado por rivalidades o polémicas entre sus componentes, Little Mix se han consolidado como uno de los grupos femeninos más estables y exitosos de los últimos tiempos. La fecha de caducidad de los artistas y grupos que surgen de talent shows como X Factor es usualmente muy reducida pero el caso de Little Mix ha sido una excepción y este mismo mes de noviembre han lanzado su sexto álbum de estudio, que supera con creces el de otros importantes grupos femeninos como Spice Girls, Pussycat Dolls o Fifth Harmony, con una vida comercial más corta. Confetti es el título del nuevo trabajo discográfico de Little Mix y toma el relevo a ‘LM5’, el cual vio la luz hace dos años y tuvo un rendimiento comercial notoriamente inferior al de sus anteriores álbumes (todos ellos platino y multi-platino en Reino Unido) aunque contó con el hit single ‘Woman Like Me’ junto a Nicki Minaj, que se convirtió en un auténtico ‘grower’ hasta alcanzar el #2 de la lista de singles británica. Confetti es el primer disco del cuarteto tras su salida de Syco, la discográfica de Simon Cowell (creador del concurso X Factor, de donde salieron las cuatro jóvenes) y marca su primer trabajo dentro de su nuevo sello, RCA Records. El primer single del álbum, Break Up Song, llegó en marzo y se trataba de un bailable tema synth-pop y dance-pop compuesto por tres de las componentes del grupo (Leigh-Anne, Perrie y Jade) junto a su habitual colaboradora Kamille, quien también se encarga de la producción junto a Goldfingers y en el que regresan a sus orígenes más pop tras el coqueteo con el sonido urbano americano de su último álbum. Este tema tomaba influencia del synth-pop de los 80 y resultaba un himno de auto-empoderamiento al hablar de cómo seguir adelante tras una ruptura amorosa. ‘Break Up Song’ alcanzó el #9 en la lista británica, convirtiéndose en el 14º single de Little Mix en ocupar el top 10 en Reino Unido, todo un récord que pocos grupos femeninos han alcanzado en tierras británicas. Tras un parón de varios meses el cuarteto regresó en septiembre con nuevo single y anunció la fecha de salida y el título de su próximo álbum de estudio. El segundo single, Holiday, era un marchoso tema dance-pop nuevamente compuesto por Little Mix junto a Kamille con el que regresaban al clásico sonido del grupo al que estamos acostumbrados. Holiday ha logrado un discreto #15 en Reino Unido, marcando una tendencia descendiente con respecto al anterior single, sin embargo ha sido certificado plata en tierras británicas al igual que ‘Break Up Song’.

A principios de octubre el cuarteto presentó un sencillo promocional, ‘Not a Pop Song’, que se desmarcaba de los anteriores al resultar menos up-tempo y comercial debido a su naturaleza casi acústica gracias al uso de guitarra. Muy interesante resultaban sus letras en las que Little Mix celebran su independencia artística tras dejar su anterior discográfica y lanzan un dardo envenenado a su antiguo mentor con la frase “no voy a hacer lo que Simon diga ni ser una marioneta en sus manos”. Días después llegó otro sencillo promocional mucho más acertado de cara a atraer la atención del público hacia el álbum que el anterior sencillo. Se trataba de  ‘Happiness’, un marchoso tema dance-pop con cierta influencia Garage en el que declaran ser más fuertes tras una relación fallida y representa a la perfección la esencia de Little Mix por sus habituales armonías conjuntas y su ritmo bailable. En un mes repleto de novedades por parte del grupo femenino para mostrar la variedad presente en Confetti, finalmente desvelaron el tercer single oficial, Sweet Melody. Este marchoso tema dance-pop y Tropical House producido por MNEK destaca por el uso de un pegadizo gancho a lo largo de toda la canción y en sus letras hablan del típico chico que promete amor verdadero pero finalmente no quiere compromiso. Pese a ser el tercer sencillo extraído, Sweet Melody se ha convertido en el más exitoso de la era Confetti y ha ocupado el #8 en la lista británica, superando el desempeño comercial de ‘Break Up Song’ y ‘Holiday’. Sin duda la elección de singles en la era Confetti ha sido una de las más acertadas de toda la carrera de Little Mix.

Confetti está formado por 13 canciones, en su mayoría de carácter up-tempo, encuadradas dentro del pop, synth-pop, dance-pop y R&B y en cuyos créditos aparecen importantes nombres de la industria musical británica como MNEK, Kamille, Goldfingers o TMS. Al igual que en su anterior trabajo, las componentes de Little Mix han participado en el proceso creativo del álbum y han co-escrito 7 de las canciones presentes en Confetti, aunque el grado de involucración de cada una de las chicas ha variado bastante. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Confetti’, un marchoso tema electro-pop con influencia Hip-Hop/Trap que recuerda el sonido de LM5, ‘Gloves Up’, un tema mid-tempo R&B/electro-pop reminiscencia del estilo presente en el álbum Salute o ‘If You Want My Love’, un pegadizo tema R&B que guarda similitudes con el estilo ‘R&B dosmilero’ de Destiny’s Child o TLC. Uno de los temas más llamativos de Confetti es ‘Rendezvous’, un medio tiempo pop/R&B de sonido retro que samplea el famoso mambo ‘Sway’ y destaca porque las chicas utilizan un registro vocal más bajo de lo habitual. Aunque la mayor parte del álbum es de naturaleza bailable también podemos encontrar momentos más profundos como la balada a piano ‘My Love Won’t Let You Down’, en la que Jesy, Leigh-Anne, Perrie y Jade ofrecen su lado más emotivo y vulnerable.

Desde sus inicios Little Mix se han labrado una carrera muy sólida y exitosa en el mundo de la música y se han consolidado como una de las ‘girl bands’ con una trayectoria más larga pese a sus orígenes de ‘grupo prefabricado’. Aunque durante la era ‘LM5’ experimentaron una espiral decreciente en su éxito comercial y tanto las ventas del álbum como el rendimiento de algunos de los singles fue inferior a las cifras que venían manejando hasta la fecha, ‘Confetti’ ha supuesto un incremento de su popularidad y les ha elevado de nuevo al olimpo pop gracias a tres singles muy potentes y exitosos. En mi opinión, no sólo Confetti resulta superior a LM5 al ser más cohesivo y sin apenas canciones de relleno, sino que se sitúa a la altura de ‘Glory Days’, uno de sus trabajos más destacados e importantes de su discografía. Little Mix han regresado al sonido con el que triunfaron y sin duda han contribuido al buen momento que está viviendo el pop publicando uno de los trabajos más sólidos del 2020. Temas imprescindibles: Break Up Song, Holiday, Happiness, Sweet Melody, Gloves Up y If You Want My Love. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: ‘Loose’ de Nelly Furtado

LooseLa cantante canadiense Nelly Furtado hizo su debut en el mundo de la música en el año 2000 con el disco ‘Whoa, Nelly’, el cual recibió excelentes críticas de los expertos por su original sonido y su particular voz que la distinguía de sus rivales, fue moderadamente exitoso y contó con el hit single ‘I’m Like a Bird’. Tres años más tarde la cantante de ascendencia portuguesa publicó su segundo álbum, ‘Folklore’, que tuvo un desempeño inferior a su disco debut y pasó muy desapercibido entre el público. En 2006 Nelly Furtado regresó con su tercer álbum álbum de estudio, Loose, el cual marcaba una gran divergencia con respecto a sus anteriores trabajos, no sólo musical sino de imagen, ya que la cantante lucía más sexy y provocativa y abandonaba su imagen ‘indie’ y alternativa. Nelly Furtado se unió a los productores Timbaland y Danja para dar forma a un trabajo muy influenciado por el sonido urbano y añadió un mayor componente electrónico a su música. Loose dejó atrás el folk y pop/rock de sus anteriores trabajos para incorporar un sonido más moderno y actual que incluía electro-pop, dance-pop, Hip-Hop y R&B, haciendo de él un álbum muy ecléctico. Nelly Furtado llevó a cabo una extensa promoción de este trabajo, el cual contó con numerosas ediciones diferentes y el orden de los singles lanzados varió dependiendo del país. Loose debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer disco de Nelly Furtado que alcanzaba dicha posición y gracias a su gran longevidad en las listas de venta acabó siendo certificado platino en Estados Unidos y vendió más de dos millones de ejemplares. En Reino Unido resultó muy exitoso, fue #4 en la lista británica y acabó superando el millón de copias vendidas. Loose ocupó el top 5 en los principales mercados internacionales, incluyendo el #1 en su nativa Canadá y superó los 10 millones de copias a nivel mundial.

El primer single en Estados Unidos fue Promiscuous, un marchoso tema Hip-Hop, dance-pop y R&B en el que Timbaland aparecía como artista invitado y contaba con letras abiertamente sexuales. Promiscuous estaba influenciado por mujeres empoderadas y seguras de sí mismas, como Madonna (una de las ídolos de Nelly) pero también otras dentro del género urbano como TLC, Janet Jackson o Queen Latifah. Promiscuous alcanzó el #1 en la lista de ventas de Estados Unidos, convirtiéndose en el primer tema de Nelly que lideraba la lista americana gracias a una gran rotación en las radios estadounidenses y sus altas ventas, tanto de CD singles físicos como copias digitales (acabó vendiendo más de dos millones de ejemplares y fue certificado platino). En el resto del mundo Promiscuous fue lanzado como segundo single y ocupó el #2 en Reino Unido y Australia. Como ‘lead single’ en Europa y segundo single en Norteamérica se lanzó Maneater, un tema muy diferente al anterior y que se trataba de un tema up-tempo de estilo electro-pop y dance-pop inspirado en la música electrónica de los 80 y en la canción del mismo nombre de Hall & Oates. En Maneater, Nelly volvía a ofrecer su lado más provocativo y resultaba un himno de auto-empoderamiento y confianza en uno mismo. Maneater se convirtió en uno de los singles más populares de la cantante canadiense en Europa y alcanzó el #1 en Reino Unido y el top 5 en Alemania y Australia. En Estados Unidos, Maneater resultó menos exitoso que Promiscuous y ocupó el top 20 en la lista de ventas. Como tercer single en Norteamérica se lanzó Say It Right, un tema mid-tempo pop/R&B que contaba con la clásica producción de Timbaland. ‘Say It Right’ continuó con el éxito de los singles precedentes y se convirtió en el segundo #1 de la cantante en Estados Unidos. En el resto del mundo, donde fue lanzado como cuarto single, ocupó el top 5 en Alemania y Australia, incluyendo el #1 en Francia y España. ‘Say It Right’ recibió buenas críticas de los expertos musicales por la versatilidad y ejecución vocal de Nelly Furtado y fue nominado a los premios Grammy en la categoría de mejor actuación vocal pop femenina.

El tercer single lanzado en Europa y cuarto en Estados Unidos fue All Good Things (Come to an End), una emotiva balada pop que contaba entre sus créditos de composición a Chris Martin, líder del grupo Coldplay. ‘All Good Things’ recibió buenas críticas por ser uno de los temas más orgánicos, reminiscencia de sus anteriores álbumes y resultó extremadamente exitoso en Europa (acabó siendo la segunda canción más vendida del 2007) donde alcanzó el #1 en Alemania e Italia y top 5 en Reino Unido. Tras los cuatro primeros singles, fueron lanzados otros de manera limitada en diferentes mercados, como por ejemplo Do It, un marchoso tema dance-pop que recordaba a la Madonna de los años 80 y tenía letras muy sugestivas sobre cómo satisfacer a su amante. Do It fue lanzado también en forma de remix junto a Missy Elliott. El último single fue In God’s Hands, una balada de desamor producida por Rick Nowels e inspirada en la reciente ruptura sentimental de Nelly Furtado de su pareja y padre de su hija. Al ser lanzado casi un año después de la publicación del álbum, ‘In God’s Hands’ tuvo un mediocre desempeño comercial. En España fue lanzado como single Te Busqué, un tema pop compuesto por el cantante Juanes (el cual aparecía como artista invitado) junto a Lester Mendez y destacaba por ser uno de los pocos temas del álbum no producidos por Timbaland y Danja. Te Busqué era uno de los dos temas cantados en español de Loose y resultó muy exitoso en nuestro país, convirtiéndose en una de las canciones más populares del 2006. Pese a que un gran número de sencillos fueron lanzados, todavía quedaban interesantes canciones dentro del álbum como ‘Wait For You’, un medio tiempo R&B que contaba con la característica producción de Timbaland, ‘Glow’, un enérgico tema electro-pop similar a Maneater, o ‘Showtime’, una balada R&B mid-tempo producida en solitario por Danja. Dentro de la edición internacional de Loose destaca ‘Somebody To Love’, un pegadizo tema Latin-pop y reggaeton producido por Rick Nowels que resultaba uno de los momentos más bailables y marchosos del álbum.

Loose recibió opiniones de lo más variado: por una parte se criticó la nueva imagen más sexualizada de Nelly Furtado como intento de aumentar su popularidad y su limitado rango vocal, pero también recibió buenas impresiones por la moderna y vanguardista producción de Timbaland y el conjunto variado de canciones presentes en el álbum. Timbaland y Danja sin duda revitalizaron la carrera de Nelly Furtado tras la escasa acogida por parte del público de ‘Folklore’ y gracias a su participación en ‘Loose’ o ‘FutureSex/LoveSounds’ de Justin Timberlake, otro de los discos más importantes del 2006, vivieron uno de sus mejores momentos profesionales y se convirtieron en los productores de moda para los artistas pop. En definitiva, Loose es uno de los discos más memorables del catálogo musical de Nelly Furtado y permanece como su mayor éxito ya que tras él, los siguientes álbumes publicados resultaron un fracaso de ventas y su popularidad disminuyó dramáticamente. Temas imprescindibles: Say It Right, Maneater, All Good Things, Te Busqué y Promiscuous. Puntuación: 8/10.