React, el nuevo single de Pussycat Dolls

ReactComo ya comenté recientemente, tras una década alejadas del panorama musical Pussycat Dolls hicieron oficial su regreso con una espectacular actuación en la final del concurso X Factor Celebrity (donde Nicole Scherzinger era jueza) en el que interpretaron varios de sus mayores hits como Buttons, When I Grow Up y Don’t Cha además de presentar un pequeño aperitivo de su nuevo single, titulado React. Pussycat Dolls no sólo desvelaron su primer tema en 10 años sino que también anunciaron la gira “Unfinished Business”, la cual tendrá lugar de junio a agosto del 2020 y recorrerá Reino Unido y Australia. Desde que se hizo oficial su regreso todas las Dolls han estado muy activas en las redes sociales promocionando dicho single sin embargo en vez de lanzarlo tras su actuación en TV decidieron posponerlo a finales de enero, aunque más tarde retrasaron su salida hasta el 7 de febrero. React es un tema electro-pop/R&B compuesto por Nicole Scherzinger que habla de una turbulenta relación en la que se queja de la actitud de su pareja: ‘¿porqué ya no me besas como lo solías hacer? me estás volviendo cruel porque sólo quiero que reacciones’. Todavía no se sabe si React formará parte de un nuevo álbum de estudio de Pussycat Dolls o se incluirá en un disco de grandes éxitos. En el videoclip de React podemos comprobar que aunque ha pasado una década desde que se separaron, Nicole, Ashley, Kimberly, Carmit y Jessica siguen siendo grandes bailarinas y conservan una envidiable figura. Sin duda React es uno de los singles más esperados de este año teniendo en cuenta el gran lapso de tiempo que Pussycat Dolls han estado alejadas del mundo de la música, sin embargo ha merecido la pena ya que estamos ante un tema adictivo y pegadizo que no tiene nada que envidiar a sus grandes clásicos. A pesar de que todas las componentes del grupo abandonaron la formación en 2010 debido al excesivo protagonismo de Nicole sobre el resto, han asegurado que ahora están más unidas que nunca y su regreso reafirma el movimiento femenino que ha tenido lugar durante los últimos tiempos dentro del mundo del espectáculo.

Crítica de “High Road” de Kesha

High RoadDespués de dos álbumes encuadrados dentro del dance-pop y electro-pop (del cual fue una de sus mayores representantes) en los que ofreció al mundo una imagen extravagante y alocada de party-girl, la cantante Kesha mostró su lado más serio y vulnerable con su tercer disco de estudio ya que todas las experiencias personales y profesionales vividas tras la batalla legal contra con su ex-productor y artífice de sus mayores hits Dr. Luke (al que acusó de abusos psicológicos y sexuales) hicieron madurar a la polémica cantante. Para su nueva etapa musical, Kesha manifestó que quería regresar al pop comercial y divertido de sus inicios tras los duros momentos vividos en el pasado. High Road es el título de cuarto álbum de estudio de la californiana, que se ha puesto a la venta el pasado 31 de enero, un día de extrema competencia en el que han visto la luz otros importantes lanzamientos como el nuevo álbum de Meghan Trainor. Con una popularidad a la baja y una escasa viabilidad comercial de su música en el panorama actual, Kesha pretende recuperar el apoyo del público con un conjunto de canciones marchosas y bailables que recuerdan a sus primeros hits pero sin el abuso del Auto-Tune de sus inicios ni el desgastado sonido electro-pop de hace una década y con un mayor uso de instrumentos en vivo, menos sintetizadores y con la madurez que ha ganado durante estos últimos años. Es decir, High Road combina el carácter desenfadado, alocado y marchoso de su primer álbum pero con la experiencia y madurez de Rainbow y su sonido más orgánico. High Road está formado principalmente por temas pop up-tempo con influencia electro-pop, Country y pop/rock además de varias baladas y está producido por Wrabel, quien se ha encargado de la mayoría de las canciones presentes, con producción adicional de John Hill, Jeff Bhasker o Stuart Crichton.

El single presentación del álbum fue Raising Hell, un marchoso tema dance-pop con influencia pop/rock y Gospel que cuenta con la participación del peculiar artista Big Freedia y en el que Kesha utiliza metáforas religiosas para relatar su vuelta al cielo tras pasar por el infierno (una clara alusión a su batalla legal contra Dr. Luke). Pese a su potencial, Raising Hell no logró llamar la atención del público ni entró en el Hot 100 de Billboard. Como segundo single se lanzó My Own Dance, un pegadizo tema pop que recuperaba el habitual estilo sing-rap de Kesha y nos recordaba a sus orígenes divertidos y alocados pero con menos componente electrónico. Visto el escaso impacto comercial de dichos temas Kesha se apresuró a ofrecer al público un single muy diferente, Resentment, el cual marcaba una divergencia con sus predecesores y se trataba de una emotiva balada Country-pop que recuerda el estilo de su anterior álbum Rainbow. Esta balada cuenta con la participación de Brian Wilson (el veterano cantante de The Beach Boys) y Wrabel, quien además se encarga de la producción del tema, y en él Kesha habla de una relación tóxica y cuenta que el resentimiento es una emoción mucho más poderosa y destructiva que el odio o la rabia.

Entre los temas más interesantes se encuentran la canción que abre el álbum, “Tonight”, que comienza como una balada a piano para transformarse en el típico tema electro-pop de Kesha de hace años y “High Road”, un tema pop muy animado que recupera su famoso rap-sing pero muestra su versatilidad como cantante. También destaca “Honey”, un tema mid-tempo pop/R&B que no encaja demasiado con el resto del álbum pero resulta muy interesante por su sonido diferente e inesperado y podría estar firmado por una cantante negra de finales de los 90. Entre las canciones más ‘peculiares’ de High Road que nos muestran el lado excéntrico y más ‘freak’ de Kesha se encuentran “Birthday Suit”, que contiene la melodía de un videojuego tipo Gameboy, la extraña “Potato Song (Cuz I Want To)” o “Kinky”.

En los inicios de su carrera Kesha fue una de las cantantes más importantes dentro del pop internacional: consiguió el #1 con Animal, su primer álbum y batió récords gracias al single “TiK ToK”, el cual ocupó posiciones muy altas en los charts de todo el mundo y entró en la lista de los singles digitales más vendidos de la historia de la música. La re-edición de Animal incluía un nuevo EP llamado Cannibal con el que nuevamente triunfó gracias a temas como “We R Who We R”, que se convirtió en su segundo single #1 en Estados Unidos. Su segundo álbum de estudio, Warrior, seguía encuadrado dentro del sonido electro-pop aunque contenía ciertas influencias rock y observó un importante bajón de ventas. Rainbow, su tercer álbum, supuso un punto de inflexión en la carrera de Kesha ya que dejó atrás sus marchosas canciones de estilo electro-pop y su abuso del Auto-Tune para mostrar adoptar un sonido pop/Country/folk más orgánico y una imagen seria y madura. Aunque recibió grandes críticas por su cambio de dirección artística y su evolución musical, Rainbow tuvo un recibimiento muy tibio por parte del público (pese a ser #1 en tierras americanas) poniendo al descubierto que el globo del éxito de Kesha se estaba deshinchando a marchas forzadas.

Teniendo en cuenta que Animal es uno de mis álbumes pop favoritos (el cual muestra a la perfección la esencia del sonido electro-pop de principios de la década pasada y está lleno de temas divertidos y bailables sin pretensiones) la evolución hacia un sonido más serio y maduro de Rainbow no me convenció en exceso, sin embargo cuando Kesha prometió una vuelta a sus orígenes con su nuevo disco me pareció una gran noticia. No obstante Dr. Luke fue una parte esencial del éxito que tuvieron las primeras canciones de Kesha, por lo que sin él High Road no consigue llegar al gran nivel de Animal y aunque cuenta con canciones marchosas y divertidas no acaba de enganchar al no contar con hits del tipo Your Love Is My Drug, Take It Off o TiK ToK. En definitiva, High Road es una buena adición al catálogo musical de la cantante californiana y tiene momentos disfrutables y divertidos pero también otros con mayor profundidad en las letras, ya que no podemos olvidar que bajo la excéntrica imagen de party-girl de Kesha se esconde una mujer que apoya a los marginados, lucha por los derechos del colectivo gay y defiende el movimiento femenino. Puntuación: 7/10. 

Crítica de “Walls” de Louis Tomlinson

WallsParece que los ex-componentes de la boy-band inglesa One Direction se han puesto de acuerdo para publicar sus álbumes en solitario y tres de ellos lo han hecho en un escaso margen de dos meses. Mientras que Liam Payne lanzó su disco debut a principios de diciembre con unas críticas muy tibias y mediocre impacto comercial, una semana más tarde Harry Styles publicó su segundo álbum de estudio con resultados mucho más positivos a ambos lados del Atlántico y a finales del mes de enero ha visto la luz el primer disco en solitario de Louis Tomlinson. Cada uno de los miembros de One Direction ha expresado su propia personalidad y sus verdaderas aspiraciones musicales en sus carreras en solitario y mientras Zayn Malik, el primer componente en dejar el popular grupo, se decantó por el R&B alternativo y Liam Payne ha adoptado un sonido urban-pop y electro-pop moderno y comercial, Harry Styles no se alejó demasiado del pop/rock típico de la banda aunque con un sonido más indie. Louis Tomlinson era quizás el componente menos popular y carismático dentro de la boy-band y consciente de que no va a tener una carrera tan meteórica como Harry Styles o Zayn ni llenará inmensos estadios como lo hacía junto a One Direction, ha sido el más discreto y prudente labrándose su carrera en solitario. Aunque en el año 2017 el cantante inglés hizo sus pinitos en solitario no fue hasta 2019 cuando comenzó a presentarnos los singles procedentes de su primer álbum de estudio, titulado Walls y que ha visto la luz el pasado 31 de enero. Walls está formado por 12 temas de estilo pop/rock, Britpop e indie-pop compuestos por el propio Louis en los que se nota la gran influencia que tuvo en él la banda inglesa Oasis y destaca por el uso dominante de guitarra. 

El single presentación del álbum, Two of Us, fue lanzado en marzo del año pasado y se trataba de una emotiva balada pop dedicada a su madre (que murió en 2016 a causa de una leucemia) en la que Louis relataba la gran conexión que tenía con ella y aunque fue doloroso el proceso de creación de este tema resultó terapéutico para él. Como segundo single se lanzó Kill My Mind, un marchoso tema Britpop y pop/rock que resulta uno de los temas más pegadizos y comerciales de Walls. Luego llegaron el medio tiempo We Made It en el que habla de la ruptura con su ex-novia y de sus momentos más difíciles dentro de One Direction y cómo el apoyo de sus fans le ayudó a recuperarse, y la interesante balada mid-tempo Don’t Let It Break Your Heart, producida por el cada vez más solicitado Steve Mac y que recuerda a la música que hacía junto a su antiguo grupo. Coincidiendo con la publicación del álbum se lanzó la balada Walls, en la que nuevamente habla de la relación intermitente con su ex-novia y destaca por estar co-escrita junto a Noel Gallagher de Oasis. Aunque en Walls dominan las baladas y los temas mid-tempo también hay cabida para canciones algo más animadas como Always You o Defenceless. De todos los componentes de One Direction que se han lanzado en solitario, Louis Tomlinson ha sido el más conservador y el que menos riesgos ha tomado, sin embargo no ha ofrecido un producto de baja calidad o decepcionante. Aunque no es el tipo de música que suelo escuchar, Walls me ha sorprendido gratamente gracias a la agradable voz de Louis y al conjunto de canciones sencillas y sin pretensiones. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de “Treat Myself” de Meghan Trainor

75310390_10157064312498882_8741252307087261696_oTreat Myself, el tercer álbum de estudio de Meghan Trainor, tenía prevista su salida en agosto de 2018 tras el single No Excuses, sin embargo la moderada respuesta comercial de dicho tema y sobretodo el fracaso en las listas de venta de los posteriores singles hizo que la cantante americana cancelara su lanzamiento y entrara en el estudio de grabación para crear nuevos temas, seguramente presionada por su discográfica, preocupada por el poco interés por parte del público que despertaban sus recientes singles. Desde entonces, Meghan Trainor ha trabajado en otros proyectos como su participación como jueza en el talent-show de la TV americana The Four y ha colaborado con otros artistas, pero según ella misma declaró, no ha dejado de escribir nuevas canciones, de ahí que en febrero de 2019 lanzara el EP The Love Train inspirado en el amor y su reciente boda con Daryl Sabara. Este breve EP fue lanzado como aperitivo de su retrasado tercer álbum, el cual ha tenido numerosas fechas de lanzamiento pero por fin ha visto la luz el pasado 31 de enero en el que se han publicado otros importantes álbumes. Muy difícil lo va a tener la cantante de Massachusetts para recuperar el éxito y la popularidad no ya de su primer álbum Title (que incluía su famosísimo #1 All About That Bass) sino de su segundo trabajo Thank You, con el que pese a una notable bajada de ventas todavía se mantuvo fuerte en las listas de venta. No podemos considerar a Meghan Trainor una artista ‘one-hit wonder’ ya que durante su trayectoria ha logrado que 6 de sus singles ocupen el top 15 en la lista americana, sin embargo tras Thank You la rubia cantante no ha dado pie con bola y todos sus singles ha tenido un impacto comercial nulo en las listas de venta.

No Excuses, el single presentación de la primera versión de Treat Myself, era un tema marchoso y pegadizo con el que regresaba al estilo musical de su primer disco tras el coqueteo con el urban-pop y el R&B de Thank You, pero aún así no consiguió acaparar la atención del público y apenas fue top 50 en Estados Unidos, su principal mercado. Durante el 2018 Meghan Trainor siguió ofreciéndonos singles pertenecientes a su próximo trabajo, sin embargo ni el prometedor tema dance-pop con influencias Disco Let You Be Right, que lo tenía todo para triunfar por su original sonido, ni la apuesta menos arriesgada que resultaba Can’t Dance pisaron el Hot 100 de Billboard. Las cosas se ponían feas para la cantante y en septiembre de 2019, coincidiendo con el anuncio de su participación como coach en el talent-show The Voice UK, desveló el nuevo ‘single presentación’ del álbum, ya con fecha de salida para enero del 2020. El tema en cuestión era Wave, el cual dejaba atrás su intento de volver a su habitual estilo retro y nos ofrecía un medio tiempo electro-pop de sonido más contemporáneo junto al poco conocido cantante Mike Sabath. El resultado comercial de Wave nuevamente fue muy negativo pese al esfuerzo de Meghan de presentar dicho single en varios programas de la TV americana. Desde finales del año pasado, Meghan Trainor ha lanzado a la desesperada varios sencillos promocionales en las plataformas musicales como Evil Twin o Blink para intentar remontar un proyecto que hace aguas desde hace tiempo. Unos días antes del lanzamiento de Treat Myself la cantante desveló el que sería el enésimo single presentación del álbum: Nice To Meet Ya, que se ha lanzado a las plataformas musicales coincidiendo con el disco. Se trata de un tema pop/R&B de gran componente urbano que cuenta con la participación de la rapera Nicki Minaj, cuyo verso no destaca especialmente ni es de sus mejores intervenciones como artista invitada, además de mostrar poca conexión con Meghan o el resto del tema. 

Meghan Trainor ha compuesto todas las canciones de Treat Myself con la ayuda de su hermano Ryan Trainor y Mike Sabath en la composición de muchos de los temas presentes y bajo la producción del propio Mike Sabath o Tyler Johnson dejando a un lado a su habitual colaborador Andrew Wells, responsable de los temas grabados durante el estadio inicial del álbum como No Excuses, All The Ways y Treat Myself (estos dos últimos relegados a la edición deluxe del disco). El álbum está formado por temas de estilo pop/R&B con influencia Funk, Soul y electro-pop combinado con el habitual estilo doo-wop típico de su primer disco de estudio. Más interesante que Wave y Nice To Meet Ya, los dos singles presentación del proyecto, resulta el tema “Genetics”, que tiene todas las papeletas para ser lanzado como próximo sencillo debido a su bailable ritmo y el buen rollo que transmite. Este marchoso tema dance-pop de sonido futurístico cuenta con la colaboración de Pussycat Dolls (o más bien su voz principal Nicole Scherzinger) que están de plena actualidad por su reciente reunión tras años apartadas del mundo de la música y en él habla de que su cuerpo es natural y lo acepta tal y como es (en una temática similar a la de su hit All About That Bass). También destacan “Funk”, un marchoso tema de sonido Funk/Dance que recuerda el estilo de su anterior disco Thank You, “Lie To Me”, que mezcla electro-pop con su habitual estilo doo-wop, o el interesante tema “Ashes”, que cuenta con un sonido electro-pop más contemporáneo. Aunque no suele ser el punto fuerte de Meghan, hay una gran cantidad de baladas en el álbum como “Babygirl” en la que recurre a su habitual tema de la auto-aceptación o “After You” que cuenta con la colaboración del cantante americano AJ Mitchell.

Personalmente me da pena el poco interés que despierta la música de Meghan Trainor en la actualidad ya que la considero una cantante y compositora talentosa con mucho potencial pero que ha perdido la conexión que tenía con el público años atrás. Pese al descalabro comercial de los últimos singles lanzados, la autora de “Dear Future Husband” tiene una base de fans fiel que hará que el proyecto en su totalidad no sea el flop que muchos predicen. Cabe destacar que Let You Be Right y Can’t Dance han sido descartados del tracklist final del álbum, algo imperdonable ya que el primero de ellos es muy superior a varios de los temas que se incluyen en Treat Myself, sin duda otro error más en la disparatada estrategia comercial que ha llevado a cabo la discográfica de Meghan durante esta era. En resumen, aunque Treat Myself no logra superar el gran nivel de Thank You y sobretodo Title, no se trata de un trabajo de baja calidad en absoluto pero parece más bien una playlist muy variada de los temas que ha ido lanzado la rubia cantante durante los últimos años más que un proyecto centrado. Puntuación: 7/10.

Crítica de “All Monsters Are Human” de K. Michelle

All Monsters Are HumanEn la actualidad K. Michelle es una de las pocas cantantes que podemos encuadrar dentro del R&B más tradicional y clásico ya que dicho género se ha visto influenciado durante los últimos años por la música electrónica y el desmedido uso de los sintetizadores y ha perdido parte de su esencia y sus orígenes, sin embargo Kimberly Michelle Pate se ha mantenido fiel al R&B de los años 90 y 2000 y es una de las escasas representantes del “verdadero R&B” que ha ido desapareciendo a lo largo de los años para desgracia de los amantes de la música negra entre los que yo me encuentro. El 31 de enero (un día de extrema competencia con numerosos e importantes lanzamientos) la cantante de Tennessee ha publicado su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters All Human, que toma el relevo a Kimberly: The People I Used To Know, el cual vio la luz en diciembre del 2017, lo que supone el lapso de tiempo más amplio entre disco y disco dentro de su carrera, ya que desde sus inicios en el mundo de la música K. Michelle se ha caracterizado por su gran agilidad al lanzar álbumes. Durante este tiempo la voluptuosa cantante se ha sometido a varias operaciones para quitarse unos implantes que le estaban afectando a su salud y ahora luce una figura más natural. Centrándonos en el aspecto musical, All Monsters Are Human está formado por baladas y medios tiempos de estilo R&B/Soul compuestos por la propia Kimberly bajo la producción de Lil Ronnie o Jazze Pha entre otros y destaca por el hecho de que es su primer trabajo como artista independiente tras dejar su antigua discográfica por los resultados tan mediocres que cosechó su último disco. En varias entrevistas recientes K. Michelle ha declarado que tras este álbum va a probar suerte dentro del Country, género que le inspiró desde que era pequeña debido a sus orígenes sureños (nació en Memphis) y que sigue escuchando en la actualidad. No sabemos que le deparará a Kimberly dentro del Country pero lo que no podemos negar es su importancia en el género R&B/Soul ya que es una de las cantantes más talentosas surgidas en la pasada década y se ha ganado un importante hueco en el panorama musical urbano gracias a varios álbumes aclamados por la crítica y que han cosechado un notorio éxito dentro de dicho género (sus tres primeros discos fueron top 10 en la lista de ventas de Estados Unidos).

Uno de los temas más interesantes de All Monsters Are Human es precisamente el que abre el álbum, “Just Like Jay”, que se trata de un medio tiempo pop/R&B con cierta influencia Country, aunque la inspiración de dicho género se aprecia más que en la canción en la temática y look de K. Michelle en el videoclip promocional del tema, el cual fue desvelado un día antes del lanzamiento del álbum. Muy revelador es el contenido de Just Like Jay, en el que la cantante relata lo duro que le resultó componer y grabar este álbum y donde habla de las razones por las que dejó su antigua discográfica: ‘me fui de Atlantic porque querían que fuera Mary J (Blige) y todo el tiempo estaba pensando: ¿y qué pasa con K (Michelle)?’. En Just Like Jay, la carismática cantante también revela que a estas alturas de su carrera lo que verdaderamente le importa es hacer canciones desde el corazón, más que hacer canciones para triunfar en las listas de venta. Sin duda un gran tema para abrir el álbum. Dentro de las clásicas baladas R&B/Soul por las que es conocida K. Michelle destacan “That Game”, “All The Lovers”, “The Worst” o “Something New” donde podemos apreciar su enorme talento vocal y sus profundas letras. También merece la pena reseñar “Love On Me”, un animado tema pop/R&B que supone el momento más up-tempo del álbum. El single anticipo de All The Monsters Are Human (en realidad era un “street-single”) fue Supahood, un marchoso tema R&B/Hip-Hop con influencia Trap que contaba con la participación de las raperas City Girls y Kash Dolls y donde la cantante mostraba su lado más urbano. Como siguiente single se lanzó The Rain, una fantástica balada mid-tempo producida por Jazze Pha que nos devolvía el “R&B real” a nuestros días y ha resultado todo un acierto su elección como single ya que es una de las mejores canciones del disco y personalmente mi favorita. Debido al gran potencial de The Rain, K. Michelle ha promocionado el single en varias ocasiones: primero lo cantó en los prestigiosos Soul Train Awards y más recientemente en un famoso talk-show de la TV americana y gracias a esta exposición en los medios The Rain ha ocupado el top 10 en el componente Adult R&B Songs de la lista Billboard.

Dentro de la excelente discografía de K. Michelle sólo podemos encontrar un pequeño tropiezo, su anterior álbum “Kimberly: The People I Used To Know”, el cual era excesivamente largo (contenía más de 20 temas), algo aburrido y resultaba menos sólido y consistente que sus magníficos tres primeros discos, sin embargo con All Monsters Are Human la cantante ha recuperado su habitual gran nivel y nos encontramos ante un trabajo de alta calidad en el que no sobra ningún tema y donde podemos disfrutar de la maravillosa voz de Kimberly y sus habilidades como compositora en las que relata todas las vivencias y experiencias por las que ha pasado durante estos últimos años. En definitiva, All Monsters Are Human comparte muchos puntos en común con sus primeros trabajos, Rebellious Soul y Anybody Wanna Buy a Heart? y se pone a su nivel en cuanto a calidad, lo cual es el mejor cumplido que se le puede hacer ya que son dos de los álbumes R&B más destacados de la pasada década. Aunque el 2020 acaba de comenzar, el nuevo álbum de K. Michelle consigue la mejor nota de todos los discos publicados durante el mes de enero y es mi favorito de lo que llevamos de año. Puntuación: 8/10. 

Tusa, el gran éxito de Karol G y Nicki Minaj

TusaUna de las canciones más importantes del año pasado dentro del panorama latino y que ha seguido aumentando su popularidad durante este 2020 ha sido Tusa, el single de Karol G junto a la rapera Nicki Minaj. Tusa se ha convertido en un gran éxito en el mercado hispanohablante, donde ha ocupado el #1 en numerosos países de Latinoamérica y en España, e incluso ha logrado alcanzar el top 70 en Estados Unidos debido al boom latino que vive la música desde hace un tiempo. Las cifras de Tusa son imparables: en la plataforma musical Spotify ha superado los 250 millones de reproducciones y su videoclip ya ha alcanzado los 350 millones de visitas, lo que prueba el gran éxito que está cosechando dicho single. Tusa se trata de un tema latin-pop y reggaeton compuesto por Karol G junto a Nicki Minaj, pero a diferencia de muchas canciones pertenecientes a este género destaca por el prominente uso de violines que le da un toque muy diferente a las típicas canciones de reggaeton. Desde un principio llamó la atención el título de la canción y la propia Karol G (cuyo verdadero nombre es Carolina Giraldo) aclaró que ‘tusa’ es una palabra muy usada en Colombia para definir el sentimiento de despecho y desamor que se siente tras una ruptura. Karol G relata la historia de una amiga que acaba de dejarlo con su pareja y se apoya en sus amigas para salir de marcha e intentar olvidar a su hombre y cuenta con frases tan curiosas como “pero si le ponen la canción, le da una depresión tonta”. Por su parte, Nicki Minaj comienza su verso cantando en español con un peculiar acento en la curiosa frase “pero hice todo este llanto por nada, ahora soy una chica mala” y continúa rapeando en inglés mientras relata que la protagonista de la canción ya ha pasado página y sigue adelante su vida sin su ex-pareja. Sin duda Tusa es una de las canciones más adictivas, originales y pegadizas de los últimos meses y que seguirá aumentando su popularidad en este 2020. Tusa formará parte del tercer álbum de estudio de la cantante colombiana, que se espera que vea la luz a lo largo de este año. 

Grande, la esperada colaboración entre Gloria Trevi y Mónica Naranjo

GrandeDurante las fiestas del Orgullo Gay de Madrid del año pasado, donde Mónica Naranjo fue la pregonera, coincidió con la cantante mexicana Gloria Trevi, quien también fue invitada y actuó para los asistentes congregados en este multitudinario evento. Ambas artistas se hicieron amigas durante el Orgullo Gay y declararon que sintieron gran química desde el momento en que se conocieron, por ello surgieron rumores de una posible colaboración entre estas dos importantes cantantes, muy queridas tanto en México como en España. Pues bien, el pasado viernes se puso a la venta en las plataformas musicales el esperado dueto entre Gloria Trevi y Mónica Naranjo. El tema en cuestión es Grande, un marchoso tema dance-pop que se adapta perfectamente a los estilos de ambas cantantes (pese a ser diferentes) y donde muestran sus potentes voces y una actitud de diva y reina de la fiesta. Grande es un auténtico himno de superación personal y de auto-empoderamiento compuesto por la propia Gloria, quien declaró que la canción está dedicada a todas las personas que han sufrido bullying o maltrato durante sus vidas y han logrado sobreponerse a los malos momentos. En Grande, la artista mexicana canta “me hiciste daño, debiste hacerlo con alguien de tu tamaño” mientras que la pantera de Figueras replica “me diste un golpe y me llevaste al borde” o “te burlaste porque te creíste enorme”. Sin duda estamos ante uno de los temas más destacados de lo que llevamos de año y que sigue la estela musical de “Ábranse Perras”, perteneciente a Diosa de la Noche, el último disco de Gloria Trevi y que se puede convertir en un himno para los supervivientes, las mujeres y también dentro del colectivo gay, donde ambas cantantes son auténticas divas.

Gloria Trevi y Mónica Naranjo grabaron el videoclip de “Grande” en la capital de México y precisamente la cantante catalana se encuentra estos días en su segunda tierra y el que fue su primer mercado musical para dar una serie de conciertos dentro de su gira Renaissance, pero éste es sólo uno de los proyectos en los que se ha embarcado Mónica durante estos últimos meses, ya que recientemente ha desvelado otro tema, Temptations, perteneciente al reality-show La Isla de las Tentaciones, donde también es la presentadora. Esta balada synth-pop y electro-pop en inglés marca una divergencia con respecto al estilo habitual de Mónica, pero es un tema muy interesante y que está recibiendo una gran acogida por parte del público debido a su gran exposición en la TV y al éxito de dicho reality.