WAP, el nuevo single de Cardi B junto a Megan Thee Stallion

WAPAunque no ha lanzado música propia desde hace unos cuantos meses, Cardi B fue una de las protagonistas durante la pandemia por el video que grabó en sus redes sociales sobre el coronavirus, que más tarde se volvió muy popular e incluso un Dj lo transformó en un remix que se hizo viral en internet. Cardi B alertaba a sus compatriotas americanos que pese a la negación inicial de Trump sobre la pandemia, el virus era real y empezaba a extenderse en Estados Unidos. La rapera del Bronx lleva tiempo hablando de su esperado segundo álbum de estudio, el cual ya tiene grabado, pero finalmente ha desvelado el single presentación del mismo. Aunque se ha convertido en la reina de las colaboraciones (con el permiso de su rival Nicki Minaj) y ha participado en numerosas canciones de otros artistas durante estos meses hay que remontarse a mayo de 2019 para dar con su último single como artista solista. Me refiero a Press, un tema Hip Hop de apenas dos minutos y medio de duración en el que la artista neoyorquina atacaba en un tono agresivo a la prensa por la intromisión en su vida privada y hacía frente a los comentarios negativos que ha recibido de los ‘haters’ en sus redes sociales. Press recibió buenas críticas por la actitud desafiante de la rapera, guardaba similitudes con su hit ‘Bartier Cardi’ y anotó un nuevo top 20 en la lista americana de singles. Press tomaba el relevo a Money y Please Me junto a Bruno Mars, los dos singles que Cardi B lanzó tras la promoción de su exitoso álbum Invasion of Privacy y que ocuparon el top 15 y top 5 respectivamente en la lista americana. Hace apenas unas horas, Cardi B ha lanzado su nuevo single en las plataformas musicales y también ha desvelado el videoclip del mismo, que ya acumula millones de reproducciones en YouTube. Se trata de WAP (el acrónimo de Wet Ass Pussy), un tema Hip Hop con influencia Trap de letras sexualmente muy explícitas que samplea la canción ‘Whores In This House’ y cuenta con la colaboración de otra de las raperas más importantes del momento, Megan The Stallion, quien está de plena actualidad porque hace unos meses publicó su EP Suga y recientemente ha conseguido su primer single #1 en Estados Unidos con ‘Savage’. Este tema que habla sobre las maneras de disfrutar con la vagina ha estado acompañado por un espectacular videoclip grabado en una lujosa mansión en el que hacen pequeños cameos la celebrity Kylie Jenner, la cantante Normani o la española Rosalía. Pese a contar con dos de las mejores raperas de los últimos tiempos, WAP no resulta tan llamativo ni original como muchos de los singles anteriores de Cardi B pero gracias a la enorme popularidad que viven ambas artistas y la gran promoción que están realizando (incluso se han puesto a la venta vinilos y CD singles firmados por la propia Cardi) es muy probable que debute en un puesto muy alto en las listas de venta. Cabe destacar que si WAP alcanza el #1 en la lista Billboard, sería el cuarto single formado por un dúo femenino que llega a lo más alto durante este año tras ‘Say So’ de Doja Cat y Nicki Minaj, ‘Savage’ de Megan Thee Stallion junto a Beyoncé y ‘Rain On Me’ de Lady Gaga y Ariana Grande, lo que confirma el buen momento que las mujeres están viviendo en la música americana, especialmente dentro del género urbano. Seguiremos muy atentos de WAP y los futuros lanzamientos de Cardi B, como su esperado nuevo álbum, que tiene el gran reto de superar el tremendo éxito que cosechó Invasion of Privacy, el cual alcanzó el #1 en la lista de álbumes, ha sido certificado triple platino y ha demostrado una gran longevidad y consistencia en ventas en la lista americana gracias a los hits Bodak Yellow, I Like It y Bartier Cardi.

Crítica de ‘B7’ de Brandy

Una de las figuras más importantes del R&B contemporáneo ha regresado al panorama musical con nuevo álbum tras casi 8 años del lanzamiento de su último trabajo. Me estoy refiriendo a la legendaria cantante Brandy, que acaba de publicar el pasado día 31 de julio su séptimo disco de estudio, titulado simplemente B7. Aunque durante estos años la artista de Mississippi no ha estado desaparecida y ha desarrollado su faceta de actriz, tenemos que remontarnos a octubre de 2012 para dar con su último disco, Two Eleven, el cual recibió grandes críticas de los expertos musicales, debutó en el top 5 en la lista americana de álbumes y contó con el hit single en el componente urbano ‘Put It Down’ junto a Chris Brown. Tanto Two Eleven como B7 hacen guiños a la figura de Whitney Houston, ídolo de Brandy, aunque de maneras diferentes ya que mientras el título del primero hacía referencia a la fecha en la que falleció la icónica cantante (además de ser el cumpleaños de la propia Brandy) la portada de B7 rinde homenaje a una escena de Whitney en la famosa película ‘El Guardaespaldas’. B7 es el álbum más personal y maduro de toda la trayectoria de Brandy y en él relata las experiencias vividas durante estos últimos años, marcados por relaciones fallidas y problemas mentales, de ahí el amplio lapso de tiempo sin publicar nuevo disco. B7 es el primer álbum de Brandy publicado de manera independiente bajo su propio sello Brand’Nu y está formado por 15 canciones encuadradas dentro del R&B compuestas y co-producidas por la propia cantante con la ayuda de DJ Camper, Hit-Boy o LaShawn Daniels, colaborador habitual de Darkchild, con quien la cantante trabajó de manera extensa en ‘Never Say Never’ y falleció el año pasado de un accidente de coche. El single presentación del álbum, Baby Mama, llegó el pasado mes de mayo y se trataba de un marchoso y pegadizo tema R&B con uso prominente de trompetas que contaba con la colaboración de Chance The Rapper y rendía homenaje a las madres solteras por su fuerza y valentía al sacar adelante a sus familias. Coincidiendo con la publicación del álbum, Brandy ha lanzado el segundo single, Borderline y también ha desvelado el videoclip promocional del mismo, en el que lanza un importante mensaje para concienciar a la sociedad sobre las enfermedades mentales, como la depresión, la ansiedad o el desorden bipolar, que ella misma sufrió en el pasado. En Borderline, la cantante regresa a su zona de confort y nos presenta una oscura balada R&B que relata una complicada relación marcada por sus propias debilidades e inseguridades y en la que podemos apreciar todo el talento de la llamada ‘Biblia vocal’.

B7 alterna temas R&B tradicionales como ‘No Tomorrow’, un sombrío medio tiempo de producción minimalista que relata el final de una relación, ‘Say Something’, un tema up-tempo de corte clásico con uso de piano e influencia Jazz/Blues o ‘Saving All My Love’, una balada en la que Brandy pide perdón a sus seguidores por su tardanza en publicar álbum y explica su ausencia del mundo de la música por haber estado ‘con el corazón roto’, con otros temas de producción más experimental y arriesgada como ‘Unconditional Oceans’, en la que compara el amor incondicional con una tormenta embravecida, la balada ‘Lucid Dreams’ en la que la cantante de 41 años revela sus sentimientos de angustia y culpa (posiblemente por el accidente en el que se vio envuelta en 2006 que todavía la persigue) o ‘Rather Be’, una balada sensual de moderna producción que recuerda al estilo de su disco Two Eleven. Una de las canciones más personales y autobiográficas de B7 es la balada a piano ‘Bye BiPolar’, en la que habla de la enfermedad mental que sufrió en el pasado, acrecentada por las relaciones tóxicas. Dentro de un álbum dominado por las baladas y medios tiempos destacan ‘I Am More’, un tema Soul/Rock up-tempo que cuenta con un uso prominente de guitarras eléctricas y habla de un triángulo amoroso en el que Brandy le da un ultimátum a su pareja o ‘High Heels’, otro de los temas más rítmicos del disco, con melodía de violines y que cuenta con la participación de Sy’rai, la hija de Brandy. En ambos temas, Brandy introduce su alter-ego como rapera, Brand’Nu. B7 también incluye la colaboración de Brandy con el cantante canadiense Daniel Caesar en ‘Love Again’, que alcanzó el #1 en el componente Adult R&B Songs de Billboard.

El trágico accidente de coche en el que se vio involucrada y donde falleció una persona, relaciones amorosas tumultuosas y problemas mentales han marcado la vida de la cantante durante estos últimos años, pero Brandy ha sabido sobreponerse a los malos momentos del pasado y gracias a la terapia que supuso componer y grabar su nuevo álbum ahora vuelve a estar feliz e ilusionada por la música. En este complicado 2020 que estamos viviendo, Brandy ha regresado para salvar el género R&B con un álbum lleno de canciones de carácter honesto e introspectivo que unidas a su extraordinario talento vocal, su versatilidad como artista y una gran producción hacen de él otra joya dentro de su magnífico catálogo musical. Aunque en B7 no vamos a encontrar hits de la talla de ‘Right Here (Departed)’, ‘Talk About Our Love’ o ‘Afrodisiac’, que nos mostraban la Brandy más comercial, sí podemos descubrir a una Brandy más madura y serena que se ha abierto en canal para relatarnos las duras experiencias que ha vivido. Desde el blog MiSTeR MuSiC no puedo sino celebrar el regreso de una de las mejores cantantes de la historia y figura clave del R&B contemporáneo. Sin duda B7 es uno de los mejores álbumes de R&B de este año. Puntuación: 8/10.

Ava Max regresa con ‘Who’s Laughing Now’ y anuncia nuevo álbum

Heaven & HellLa escena del pop en sentido estricto (también llamado bubblegum pop, por dirigirse al público adolescente) que triunfó durante los años 90 y principios de la década del 2000 gracias al fenómeno fan y artistas de la talla de Spice Girls, Aqua, Backstreet Boys, Britney Spears o Christina Aguilera, en la actualidad se encuentra prácticamente desierta ya que la nueva generación de jóvenes (que son los que más música consumen) en su mayoría han dejado de escuchar este tipo de pop comercial para decantarse por otros géneros populares hoy en día como el Trap o el reggaeton. Debido a este cambio de tendencia, muchas de las grandes figuras pop que triunfaron durante aquella época, e incluso otros artistas que iniciaron su carrera posteriormente (como Kesha o Katy Perry) han iniciado una espiral decreciente en su éxito y la viabilidad comercial de su música está prácticamente reducida a sus más fieles seguidores. Una de las pocas artistas encuadrada actualmente dentro del pop más “puro” es la protagonista de este post, Ava Max, quien desde que lanzó en 2018 Sweet But Psycho, el cual alcanzó el #1 en más de 20 países de todo el mundo y la situó como una de las cantantes más prometedoras del panorama musical, ha seguido ofreciéndonos fantásticos singles pero que no han logrado conseguir el nivel de éxito del primero. Tras Sweet But Psycho (que acumula casi 1000 millones de reproducciones en Spotify) en 2019 llegaron So Am I, que por el efecto arrastre fue moderadamente exitoso en Reino Unido o Australia pero no obtuvo posiciones tan altas en las listas de venta, el pegadizo Torn o el sencillo promocional Salt, el único que no contó con videoclip promocional, sin embargo la cantante de ascendencia albanesa fue posponiendo ‘sine die’ el lanzamiento de su álbum debut, haciendo que el ‘hype’ por ella se desvaneciera y su popularidad fuera disminuyendo. Ya en 2020 Ava Max continuó desvelando nuevos singles, como el magnífico Kings & Queens, que recuperaba el sonido dance-pop y electro-pop típico de los comienzos de Lady Gaga (con la que ha sido comparada hasta la saciedad tanto por su música como por su imagen) y gracias al cual anotó su tercer top 20 en las Islas Británicas, uno de los mercados mas receptivos para la cantante nacida en Wisconsin. Hace tan sólo unos días Ava Max por fin ha desvelado que su primer álbum de estudio verá la luz el próximo mes de septiembre, nada más y nada menos que dos años después de Sweet but Psycho, bajo el título de Heaven & Hell. Este álbum incluirá los 5 sencillos anticipo que la cantante de 26 años ha ido lanzando durante estos últimos tiempos además de un nuevo single, Who’s Laughing Now, que se trata de otra fabulosa pieza de pop que cuenta con un particular sonido de silbido y está nuevamente producido por su habitual colaborador Cirkut. Este tema nos recuerda al pop de fabricación sueca que triunfó durante los años dorados del pop de finales de los 90 de grupos como Ace of Base y en cuyas letras hace frente a quienes la criticaron y no la apoyaron en sus inicios y ahora es ella “la que ríe la última”. Aunque muchos encuentren a Ava Max un producto desfasado y genérico que no tiene cabida en la música de hoy en día y hayan criticado su anticuada imagen, desde el blog MiSTeR MuSiC he apoyado a la joven cantante desde sus comienzos porque ha lanzado una sucesión de singles de gran calidad que muchos artistas pop envidiarían y nos transportan al pop de hace dos décadas que personalmente considero el mejor de la historia de la música. 

Melanie C anuncia nuevo álbum

Melanie-C-In-And-Out-Of-Love-1Melanie C ha demostrado ser la componente de Spice Girls más comprometida con el mundo de la música y la única que a lo largo de los años se ha labrado una sólida y exitosa carrera en solitario. Prueba de ello son los 7 álbumes de estudio que ha publicado desde 1999, haciendo de ella la Spice con más discos en el mercado y la única que en la actualidad sigue demostrando su pasión por cantar y crear nuevas canciones (con permiso de Emma Bunton, quien publicó álbum el año pasado). Tras la triunfal pero breve gira de Spice Girls del año pasado con la que recorrieron Reino Unido, Melanie Chisholm retomó su carrera como solista y viajó por todo el mundo participando en las celebraciones del ‘Orgullo Gay’ de Brasil, España, Suecia o Alemania junto al grupo de Drag Queens Sink The Pink, con quienes precisamente participó en el single High Heels, un marchoso y bailable tema dance-pop con el que animó a todos los asistentes de su ‘Pride World Tour’ y lanzó al mundo un mensaje de amor universal y a uno mismo. Este tema seguía la senda musical de su último álbum de estudio, Version of Me, publicado en octubre 2016 y con el que abandonó su habitual sonido pop/rock para adentrarse en el sonido electrónico y el Dance. Ya en 2020, Melanie C siguió presentándonos nuevos temas como Who I Am, que se trataba de un fantástico tema electro-pop y dance-pop muy pegadizo que mostraba a la perfección su talento vocal y como compositora y hablaba sobre la auto-aceptación. Who I Am estuvo acompañado de un original videoclip ambientado en un museo donde Melanie se paseaba observando esculturas y cuadros de ella en sus diferentes etapas musicales, incluyendo sus icónicos looks de ‘Northern Star’ o como Sporty Spice. En plena pandemia la cantante inglesa ha seguido muy activa en el panorama musical y en mayo lanzó su nueva propuesta: Blame It On Me, otro potente tema dance-pop y electro-pop con influencia Disco en el que relata una relación tóxica. Esta misma semana, Mel ha anunciado nuevo single y la publicación de su nuevo álbum para el próximo mes de octubre. Su octavo álbum de estudio se llamará simplemente Melanie C, cuyo título hace referencia a que las experiencias vividas durante estos últimos años le han servido para saber quién es como persona y artista. El álbum contendrá 10 canciones que hablan sobre auto-empoderamiento y aceptación de uno mismo e incluirá todos los singles que ha ido lanzando estos últimos meses además de In and Out of Love, que se pondrá a la venta en las plataformas digitales este viernes. Desde el blog MiSTeR MuSiC estaremos muy atentos al nuevo álbum de Sporty Spice, la más talentosa de todas las componentes del famoso quinteto pero cuya carrera ha estado muy infravalorada por el público en general pese haber lanzado una serie de singles más que dignos.

Disco, el nuevo álbum de Kylie Minogue

Kylie DiscoKylie Minogue ha anunciado esta semana que su próximo álbum de estudio verá la luz el 6 de noviembre y se llamará Disco, un título que no nos sorprende demasiado ya que la cantante australiana adelantó hace un tiempo que su nuevo trabajo profundizaría precisamente en este estilo musical. Aunque pueda parecer que la veterana cantante se está subiendo al carro del sonido Disco que ha sido rescatado este año con gran éxito por otros cantantes pop como Dua Lipa o Jessie Ware y está viviendo un importante ‘revival’ comercial, lo cierto es que Kylie Minogue es una experta en dicho estilo musical, que fue utilizado de manera predominante en el año 2000 con su álbum de regreso ‘Light Years’, el cual contó con hits memorables de la talla de ‘Spinning Around’, ‘One a Night Like This’ o ‘Your Disco Needs You’, que se han convertido en clásicos dentro de la discografía de la veterana cantante. ‘Disco’ será el sucesor de ‘Golden’, publicado en abril de 2018 y en el que Kylie hizo su particular acercamiento al sonido Country-pop, apreciado por algunos gracias a magníficos singles como ‘Dancing’ y criticado por otros por su tímida incursión en dicho género, aunque alcanzó el #1 en Reino Unido y su nativa Australia y resultó un moderado éxito comercial en Europa. Su nuevo álbum todavía tardará en llegar varios meses pero Kylie ya nos ha desvelado su single adelanto, Say Something. Teniendo en cuenta las declaraciones de Kylie sobre su vuelta al sonido Disco y la portada de inspiración retro del álbum en la que la cantante luce como una diva recién salida del icónico Studio 54, lo cierto es que poco podemos apreciar del sonido Disco en este single. Say Something en realidad se trata de un tema electro-pop y dance-pop con escasa influencia Disco pero a su vez cuenta con instrumentación de guitarras que nos recuerdan a las usadas en ‘Golden’, por lo que marca una transición entre su anterior álbum y la nueva era ‘Disco’. Precisamente Say Something ha contado con la composición y producción de Richard ‘Biff’ Stannard y Jon Green, quienes ya participaron en varios temas de Golden y cabe destacar que la cantante de Melbourne también ha participado como compositora en este tema. Aunque personalmente celebro el regreso de Kylie al panorama musical y Say Something resulta una canción bonita y agradable con unas letras muy interesantes acerca del amor incondicional y la unión de todos, no lo encuentro un tema tan potente como muchos de sus ‘lead singles’ y parece más un ‘album track’. Como suele ser habitual a lo largo de su carrera, Kylie Minogue nos ha ofrecido fantásticos segundos singles conque estaremos atentos a los próximos lanzamientos dentro de la esperada era ‘Disco’.

Throwback Review: ‘Miss Thang’ de Monica

MIss ThangHace unos días se han cumplido 25 años del lanzamiento del álbum debut de la cantante Monica, uno de los clásicos del R&B de los años 90, por lo que haré una crítica en retrospectiva de este legendario disco. Monica Arnold nació en una familia muy vinculada al mundo de la música ya que su madre cantaba en el coro de la iglesia y entre sus primos se encuentran el famoso rapero Ludacris y el productor musical Polow da Don, por lo que a nadie le sorprendió que decidiera formar parte de este mundo y a una temprana edad comenzó a cantar en el coro de la iglesia al igual que su madre. Con apenas 11 años Monica fue descubierta por el productor Dallas Austin mientras interpretaba el clásico de Whitney Houston ‘The Greatest Love of All’ en un auditorio de Atlanta y sorprendido por la magistral actuación de la joven y sus habilidades vocales decidió ficharle en su discográfica y darle la oportunidad de cumplir su sueño y grabar un disco. Su primer álbum Miss Thang vio la luz el 18 de julio de 1995 cuando Monica apenas tenía 14 años y fue alabado por la crítica por su madurez y versatilidad y aunque debutó en un discreto top 40 de la lista americana gracias a una acertada selección de singles el álbum tuvo unas ventas muy estables que le permitieron llegar al millón y medio de copias y fue certificado triple platino en Estados Unidos. Miss Thang está formado por medios tiempos, baladas y temas up-tempo encuadrados dentro del R&B clásico de los años 90 con gran influencia del Hip Hop-Soul, pop y el sonido ‘adult contemporary’. La mayor parte de la composición y producción corrió a cargo de Dallas Austin y sus colaboradores Tim & Bob con producción adicional de Soulshock & Karlin y Daryl Simmons y cabe destacar que la joven Monica participó en la composición de un tema del álbum. Desde sus inicios, los expertos musicales destacaron la madurez y confianza en sí misma de Monica pese su temprana edad y fue comparada con el estilo de Toni Braxton y Janet Jackson. 

El single presentación del álbum fue Don’t Take It Personal (Just One of Dem Days), un tema mid-tempo R&B y Hip Hop-Soul producido por Dallas Austin que sampleaba dos importantes canciones Hip Hop del rapero LL Cool J y el grupo Public Enemy. Don’t Take It Personal resultó un éxito en Estados Unidos: alcanzó el #2 en la lista americana, lideró el componente R&B/Hip-Hop de Billboard y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. Como segundo single se lanzó Before You Walk Out of My Life, una balada mid-tempo R&B con uso prominente de saxofón en el que Monica mostraba su lado más vulnerable y sensible. ‘Before You Walk Out of My Life’ ocupó nuevamente el top 10 en la lista americana y logró el #1 en el componente R&B/Hip-Hop, haciendo de Monica la cantante más joven en la historia de la música en liderar dicho componente con sus dos primeros singles. Este tema se lanzó como single de doble cara A junto a Like This and Like That, uno de los temas up-tempo de influencia Hip Hop-Soul del disco. Como último single de Miss Thang llegó Why I Miss You So Much, una balada de amor R&B/Soul que alcanzó nuevamente el top 10 en la lista americana y con los años se ha convertido en un clásico de la discografía de la cantante de Atlanta. La primera parte del álbum está compuesta por temas más rítmicos de estilo Hip Hop-Soul como ‘Miss Thang’, donde la cantante hacía toda una declaración de intenciones y la segunda contiene baladas R&B/Soul más convencionales como la versión de ‘Let’s Straighten It Out’ junto a un jovencito Usher que también comenzaba a dar sus primeros pasos en la música.

Miss Thang fue uno de los debut más sólidos del R&B de los 90 gracias a su magnífico compendio entre ‘slow-jams’ de estilo R&B/Soul y temas rítmicos Hip Hop-Soul y por el indiscutible talento vocal de Monica y supuso el inicio de su exitosa carrera profesional, que alcanzaría años más tarde su punto álgido con el hit ‘The Boy Is Mine’ junto a Brandy, con la que sería comparada hasta la saciedad por parte de los expertos y medios de comunicación debido al paralelismo entre sus carreras y su supuesta rivalidad. Precisamente el debut de Brandy de título homónimo es otro de los álbumes de R&B más representativos de los años 90 y con el que ‘Miss Thang’ guarda ciertas similitudes. Aunque personalmente encuentro superior su siguiente álbum ‘The Boy Is Mine’, ‘Miss Thang’ es un más que digno debut que nos retrotrae al magnífico sonido R&B de los 90 y contiene varios de los clásicos de Monica. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de ‘What’s Your Pleasure?’ de Jessie Ware

Jessie WareDurante los últimos meses hemos presenciado un resurgimiento del sonido Disco y en general de la música de baile que triunfó en las décadas de los 80 y 90 gracias a artistas pop como Dua Lipa, The Weeknd o Lady Gaga, quienes con sus recientes trabajos discográficos han sido responsables de llevar al mainstream el clásico sonido discotequero y se han convertido en los cantantes más triunfadores durante los meses de confinamiento por la pandemia del coronavirus al lanzar importantes singles que se han colado en los puestos más altos de las listas de venta. Otra de las artistas que también se ha influenciado de esta corriente dentro del pop ha sido Jessie Ware, una cantante inglesa muy popular en Reino Unido, donde ha logrado el top 10 con sus tres primeros álbumes, aunque fuera de las Islas Británicas sigue siendo una gran desconocida. A finales del pasado mes de junio Jessie Ware puso fin a su sequía musical y publicó su cuarto álbum de estudio, titulado What’s Your Pleasure?, tras año y medio lanzando singles como anticipo del mismo. What’s Your Pleasure está formado por 12 canciones compuestas por la propia Jessie Ware y encuadradas dentro de un electro-pop y dance-pop de corte retro con gran influencia del sonido Disco, funk y House. Este trabajo toma el relevo a ‘Glasshouse’, su tercer trabajo discográfico, el cual vio la luz en 2017 y vino marcado por su reciente maternidad y una mayor madurez como artista. A principios de 2019 la cantante londinense desveló el primer aperitivo de su nuevo álbum, Adore You, que se trata de una sofisticada pieza de synth-pop y dance-pop de producción minimalista que destaca por la suave y sensual voz de Jessie. Ya en 2020 llegó Spotlight, el single que realmente representaba la esencia del álbum y vino acompañado de un videoclip promocional grabado en un lujoso tren propiedad del antiguo presidente de Yugoslavia. Spotlight comienza como una dramática balada para transformarse rápidamente en un elegante tema Disco/House que nos transportaba a las pistas de baile del Nueva York de los 80. En plena pandemia Jessie Ware siguió presentándonos nuevos singles como Oh La La, un marchoso tema Funk producido por James Ford o Save a Kiss, un pegadizo tema dance-pop y electro-pop que resulta uno de los momentos más up-tempo y bailables del álbum.

What’s Your Pleasure? se puede escuchar en su totalidad sin saltar ningún tema ya que resulta muy equilibrado y aunque es un disco eminentemente up-tempo en la segunda parte el ritmo comienza a bajar y podemos encontrar un par de temas más calmados pero que no desentonan con el resto del álbum, como ‘The Kill’, un elegante tema electro-pop de carácter mid-tempo y sonido ambiental o la única balada presente, ‘Remember Where You Are’, que recupera el pop/R&B de sus inicios y cierra el álbum. Entre mis temas favoritos se encuentran ‘What’s Your Pleasure?’, el tema que da título al disco y resulta un marchoso tema electro-pop de sensuales letras o ‘Soul Control’, un alegre y divertido tema Disco/funk. En resumen, pese al extraño año que estamos viviendo han aparecido grandes álbumes que nos han permitido evadirnos de la realidad y disfrutar de buena música de baile, como es el caso de What’s Your Pleasure?, un sofisticado y elegante álbum de pop que suena atemporal y fuera de las modas imperantes y está inspirado en el sonido electrónico y Disco de los años 70 y 80. Si te gustó el estilo eminentemente electro-pop de álbumes como ‘Electra Heart’ de Marina o ‘Body Talk’ y ‘Honey’ de Robyn o eres seguidor de las cantantes Kylie Minogue y Sophie Ellis-Bextor en su versión más Disco, sin duda disfrutarás del nuevo trabajo de Jessie Ware, una cantante y compositora muy talentosa que todavía no ha logrado despuntar y sin duda merece más éxito del que ha tenido. En definitiva, uno de los mejores álbumes de lo que llevamos del año. Puntuación: 8/10.

Katy Perry anuncia la salida de Smile, su nuevo álbum

SmileLa era Witness resultó todo un despropósito: desde la horripilante portada del álbum, la disparatada estrategia comercial, la poco acertada elección de los singles, sus polémicas declaraciones y su sobreexposición en los medios de comunicación durante aquella época no sólo hicieron que Katy Perry obtuviese los peores resultados de su carrera y pasase por su momento más bajo de popularidad sino que hicieron mella en salud mental y la obligaron a desconectar durante en tiempo del mundo de la música para encontrar paz espiritual. Es cierto que ‘Witness’ se convirtió en el tercer #1 de la cantante en Estados Unidos y obtuvo buenas cifras en su primera semana, sin embargo las ventas pronto se estancaron debido a la modesta acogida de los singles lanzados, de los cuales sólo destacaron ‘Chained To The Rhythm’, el cual alcanzó el top 5 en la lista americana y ‘Swish Swish’, que se volvió viral debido al famoso baile que aparecía en su videoclip aunque apenas pasó de un top 50. Un resultado francamente decepcionante para una artista de la talla de Katy Perry, la cual venía de conseguir dos sencillos #1 con ‘Prism’ y de encadenar 5 singles #1 con su legendario álbum ‘Teenage Dream’. Tras la gira mundial de ‘Witness’ y debido al desgaste mental sufrido durante la promoción del álbum, la cantante californiana decidió retirarse temporalmente del mundo de la música y una vez que estuvo recuperada comenzó a grabar nuevos temas pero declaró que en esta nueva etapa iba a lanzar canciones “no para los charts sino para el corazón” quedando implícito que su discográfica ya no aspiraba a repetir los éxitos del pasado por lo que daba la libertad a Katy de lanzar las canciones que verdaderamente le gusten, además aseguró que no iba a seguir el estresante patrón de single-álbum-tour del pasado sino que se iba a tomar las cosas con calma y lanzar nuevas canciones una vez que terminara de grabarlas sin intención de publicar disco en próximas fechas.

Tras varias colaboraciones con otros artistas, en mayo de 2019 Katy Perry puso fin a su sequía musical y lanzó Never Really Over, el ‘supuesto’ single anticipo de su nuevo proyecto, todavía sin fecha de publicación ni título definitivo. Se trataba de un alegre tema electro-pop que contenía una interpolación de una canción de la artista noruega Dagny y estaba producido por Zedd, con quien Katy había colaborado recientemente. Aunque ‘Never Really Over’ no resultó un hit de la talla de ‘California Gurls’ o ‘Roar’, sí supuso un importante avance con respecto al desempeño comercial de los singles de su anterior álbum y dio un respiro a la maltrecha situación comercial que vivía la cantante. ‘Never Really Over’ ocupó el top 10 en Australia o Canadá y alcanzó el top 20 en Reino Unido y Estados Unidos, aunque resultaba la posición más baja de un ‘lead single’ de Katy en tierras americanas, si es que podíamos denominar así a este tema. Unos meses después llegó Small Talk, un coqueto tema synth-pop producido por Johan Carlsson y Charlie Puth que resultaba un buen ‘album track’ pero no terminaba de funcionar como single y prueba de ello fue su mediocre desempeño comercial, con el que regresaba a los peores días de ‘Witness’. Durante el resto del año Katy Perry siguió lanzando singles para tantear el terreno y ver si contaba con suficiente apoyo por parte del público como para poder respaldar la publicación de su ‘hipotético’ nuevo álbum, como Harleys in Hawaii, un tema pop de aire veraniego con influencia reggae que no pasaba más allá de ser el track 10 de un álbum. Ya en 2020 llegó Never Worn White, una insípida balada a piano en cuyo videoclip Katy desveló que estaba embarazada de su primer hijo y meses después mientras el mundo se encontraba sumido en la pandemia del coronavirus lanzó Daisies, acompañado del típico videoclip grabado en el jardín de su casa debido al confinamiento. Daisies se trataba de un tema pop con guitarras acústicas producido por The Monsters & The Strangerz que recibió mejores críticas que sus últimos temas y consiguió un desempeño moderado en las listas de venta.  

Esta misma semana, Katy Perry ha revelado que su nuevo álbum de estudio se llamará Smile, será publicado a mediados de agosto y ha desvelado su portada, en la que la cantante aparece como un payaso triste en contraposición con el alegre título del álbum, una imagen que a priori no presagia nada bueno (al igual que cuando presenciamos la horrible carátula de ‘Witness’) sobre el futuro de esta nueva era y nos hace preguntarnos si resultará tan caótica y controvertida como la anterior. En primer lugar la estética circense ha sido explotada hasta la saciedad en el mundo del pop: ejemplos memorables son ‘Circus’ de Britney Spears, ‘Funhouse’ de Pink o ‘Back To Basics’ de Christina Aguilera, y por otra parte, esta estética rompe con la imagen hippy, retro y maternal que Katy nos ha presentado en los singles Never Really Over, Small Talk y Daisies respectivamente, si es que estos temas finalmente pasan a formar parte del ‘track list’ del disco. Después de numerosos singles sin un apoyo masivo por parte del público y una estrategia promocional tan poco centrada y coherente, no sé que le deparará esta era a Katy Perry por lo que tendremos que esperar al 14 de agosto, fecha en que verá la luz Smile, para escuchar el resto del contenido del álbum.

Double Round Review: ‘Animal’ y ‘Cannibal’ de Ke$ha

AnimalTras iniciarse en el mundo de la música haciendo coros y componiendo para otros artistas, una jovencita llamada Kesha Sebert despuntó en la escena musical gracias a su participación en el single ‘Right Round’ del rapero FloRida, el cual alcanzó el #1 en los principales mercados musicales como Reino Unido, Australia o Estados Unidos y supuso el espaldarazo definitivo para iniciar su carrera como cantante. Ke$ha estuvo trabajando en su debut durante años y publicó su primer álbum, Animal, el 1 de enero de 2010, inaugurando la década de la mejor manera posible. La cantante nacida en Los Angeles se rodeó de importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke (el cual le fichó en su discográfica, se convirtió en su mano derecha y fue el responsable de la mayor parte de las canciones del disco) además de Max Martin, Greg Kurstin, Ammo o Benny Blanco para dar forma a un álbum encuadrado dentro del sonido electro-pop y dance-pop con gran uso de sintetizadores. El single presentación de Animal fue TiK ToK, un tema electro-pop sumamente adictivo producido por Dr. Luke en el que Ke$ha destacaba por su técnica sing-rap y el uso desmedido de Auto-Tune, que se convertirían en la seña de identidad de la cantante durante los primeros años de su carrera. Tik Tok sorprendió al público por sus pegadizas letras sobre pasarlo bien, vivir la vida y no dejar que nadie te pisotee mientras que relataba un sueño en el que se despertaba siendo un importante rapero rodeado de bellas mujeres y creyéndose una estrella de la música. Tik Tok tuvo un enorme impacto comercial: lideró las listas de venta en más de 20 países de todo el mundo y se convirtió en uno de los temas con mayores ventas digitales de la historia de la música, superando los 10 millones de copias. Tras la tremenda acogida de TiK ToK, Ke$ha demostró que su éxito no era flor de un día y lanzó varios singles que ocuparon nuevamente los primeros puestos en las listas de venta como Your Love Is My Drug, un pegadizo tema dance-pop en el que la cantante hablaba de la ruptura con su ex-pareja y la relación de dependencia que sentía junto a él o Take It Off, un potente tema electro-pop y Dance que resultaba uno de los momentos más up-tempo y bailables del disco. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran el divertido ‘Party at a Rich Dude’s House’ en el que Ke$ha contaba su experiencia cuando fue a una fiesta de Paris Hilton y acabó vomitando en su armario, ‘Dancing With Tears In My Eyes’, que destaca por su uso de instrumentos en vivo como la guitarra dentro de un disco dominado por los sintetizadores o ‘Hungover’, uno de los temas co-producidos por Max Martin en el que la cantante muestra su lado más emotivo y vulnerable y resultaba uno de los momentos más ‘calmados’ del álbum. Desde un primer momento Ke$ha destacó por su excéntrica personalidad, su imagen ‘descuidada’ de ‘party girl’ y sus polémicos comentarios pero sin duda cautivó al público joven gracias a unas canciones divertidas, desenfadadas y dirigidas a las pistas de baile, además fue una de las abanderadas del sonido electro-pop que tan de moda estuvo a principios de la década pasada. Animal se puede escuchar en su totalidad sin apenas saltar ningún tema y resulta uno de los debuts más sólidos de un artista novel de las últimas décadas. Puntuación Animal: 8/10.

CannibalGracias al gran éxito de TiK ToK, Animal debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes y destacó por su alto porcentaje de ventas digitales, que superaron ampliamente las copias físicas, lo que denotaba cómo el mundo de la música estaba cambiando hacia la era digital. Animal terminó el 2010 con más de un millón de ejemplares en Estados Unidos y en el resto del mundo también tuvo una buena acogida comercial: fue #1 en Canadá y alcanzó el top 10 en Reino Unido, Australia o Alemania con unas ventas totales a nivel mundial de 9 millones de copias, en su mayoría de formato digital. Gracias a la buena acogida de los 4 singles lanzados, todos los cuales ocuparon el top 10 en la lista americana, Animal siguió obteniendo buenas ventas durante el 2010 y a finales de año fue re-editado con un segundo disco compuesto por nuevas canciones inéditas, llamado Cannibal, el cual se puso a la venta como EP independiente en tierras americanas y como parte de la re-edición bajo el nombre ‘Animal + Cannibal’ en el resto del mundo. Cannibal estaba formado por 9 temas con la producción de sus habituales colaboradores Dr. Luke, Benny Blanco, Ammo y Max Martin en los que la cantante continuaba con el sonido electro-pop, su peculiar técnica de rapear-cantar y su abuso del Auto-Tune. El single presentación de Cannibal fue We R Who We R, un pegadizo tema electro-pop de sonido futurista en el que Ke$ha reivindicaba su excéntrica personalidad y resultaba un himno de auto-aceptación y empoderamiento. Este tema producido por Dr. Luke recibió buenas opiniones de los expertos por su carácter desenfadado y bailable aunque también le llovieron críticas por resultar muy similar a sus anteriores singles. ‘We R Who We R’ tuvo un gran impacto comercial en Estados Unidos y se convirtió en el segundo #1 de Ke$ha como solista tras TiK ToK y en el resto del mundo el single también tuvo una gran acogida y lideró las listas de venta en Australia y Reino Unido. Como segundo single llegó Blow, un marchoso tema electro-pop y dance-pop bajo la producción de Dr. Luke y Max Martin que continuaba con su habitual temática de pasarlo bien en la pista de baile. Dentro del nuevo EP destacaban ‘Cannibal’, un original y pegadizo tema en el que la cantante admite “sus instintos asesinos y de caníbal” con los hombres que conoce o ‘Sleazy’, un tema mid-tempo electro-pop con influencia Hip Hop co-producido por Bangladesh que fue lanzado como sencillo promocional y tuvo un buen desempeño comercial en la lista americana. En resumen, de la misma manera que ‘The Fame Monster’ elevó el álbum debut de Lady Gaga a otro nivel, ‘Cannibal’ fue un todo acierto por parte de Ke$ha ya que aumentó la gran calidad de ‘Animal’ con nuevas temas muy interesantes. Quizás las letras de sus canciones fueran banales y poco profundas y su voz estaba tan distorsionada por los excesivos trucos de producción que apenas podíamos escuchar la voz real de la cantante californiana, sin embargo Ke$ha consiguió crear un álbum divertido, alegre y que representaba a la perfección el sonido electro-pop que triunfaba durante aquellos años y del cual Lady Gaga y Ke$ha fueron las máximas representantes. Puntuación Animal + Cannibal: 8’5/10.

Crítica de ‘King of R&B’ de Jacquees

JacqueesTras participar en numerosos talent shows y lanzar varios EP’s y mixtapes en un intento por conseguir su sueño de ser un cantante famoso, Jacquees hizo su debut con ‘4275’, su primer álbum de estudio, en el que se rodeó de importantes nombres de la industria musical como Chris Brown, Trey Songz o Jermaine Dupri, ocupó el top 40 en la lista Billboard y contó con el single ‘You’, con el que alcanzó su mejor posición en la lista americana de singles. Meses después, el cantante de Decatur (Georgia) causó gran revuelo en los medios de comunicación y redes sociales debido a unas controvertidas declaraciones en las que se auto-denominaba el ‘Rey del R&B’ de su generación, lo que provocó numerosas reacciones, críticas y burlas del público y sus compañeros de profesión por tal atrevimiento. Tras estos polémicos comentarios, el joven cantante prosiguió con su carrera musical y a finales del 2019 publicó su segundo álbum de estudio, titulado precisamente King of R&B, el cual está formado por 18 canciones compuestas por el propio Jacques encuadradas dentro de un R&B contemporáneo con influencia Hip Hop que abandona las tendencias actuales y al igual que su anterior trabajo cuenta con un gran número de artistas invitados entre los que se encuentran los raperos T.I., Lil Baby, Future, Quavo, Young Thug o Gunna y los cantantes Tory Lanez y Summer Walker. Aunque las letras siguen estando centradas principalmente en el sexo, destaca el hecho de que Jacquees intenta profundizar en el tema del amor y las relaciones, por lo que ‘King of R&B’ resulta más maduro que sus anteriores trabajos. El single presentación fue ‘Your Peace’, un marchoso tema R&B up-tempo que cuenta con la participación de Lil Baby y como segundo sencillo se lanzó ‘Verify’, un tema mid-tempo con uso prominente de guitarra en el que aparecen Young Thug y Gunna. Dentro de ‘King of R&B’ destaca el tema que abre el álbum, ‘King’, muy influenciado por el Hip-Hop y con la colaboración de T.I. en el que Jacquees rinde homenaje a “todos los reyes” que le han precedido y se presenta a sí mismo como el último de una larga línea de miembros dentro de la realeza del R&B. Otros interesantes temas son la balada mid-tempo ‘Superstar’ en la que participa la prometedora cantante Summer Walker o el animado ‘Risk It All’ junto a Tory Lanez que recuerda al estilo de Chris Brown.

Los títulos honoríficos en el mundo de la música suelen ser ‘otorgados’ después de muchos años de éxito debido a un arduo trabajo y son fruto del reconocimiento por parte del público y los expertos musicales, por lo que un cantante prácticamente desconocido como Jacquees se atribuya el título de ‘Rey del R&B’ que ostentan artistas consagrados de la talla de Usher o R. Kelly demuestra no sólo su gran ambición (algo que no tiene porqué ser visto como negativo) sino que resulta muy pretencioso por su parte ya que su carrera apenas ha despegado todavía y no ha destacado especialmente dentro del género R&B. En resumen, sin tener el carisma y la voz de R. Kelly, un físico imponente como el de Trey Songz, las tablas de Usher como ‘show man’ o el talento como compositor de Chris Brown, Jacquees no destaca especialmente en ninguna de estas facetas pero ha sido capaz de crear un buen álbum de R&B, que sin ser una obra maestra es un trabajo más que digno que puede competir con los recientes trabajos de sus compañeros de profesión. Además es digno de admirar que haya intentado presentarnos un R&B actual pero con gran uso de instrumentos en vivo y desprovisto del abuso de sintetizadores y el sonido Trap que ha inundado el género durante los últimos tiempos. Puntuación: 7/10.