Crítica de «Big Mama» de Latto

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Latto puede presumir de estar pasando por uno de los momentos más felices de su vida ya que en apenas dos semanas de diferencia ha dado a luz a su primera hija (fruto de su relación con el rapero 21 Savage) y ha publicado su último álbum. Alyssa Stephens, el verdadero nombre de Latto, anunció en sus redes sociales que después de este trabajo se iba a retirar del mundo de la música, pero más tarde aclaró sus palabras y comentó que se trataba de un malentendido provocado por un momento de saturación emocional debido a la depresión posparto que está sufriendo tras el nacimiento de su hija. La rapera de Atlanta explicó que se refería a que este álbum es el último proyecto que legalmente debe a su actual sello discográfico y va a seguir haciendo música tras un pequeño parón por su maternidad. El cuarto álbum de estudio de Latto tiene por título Big Mama y está formado por 18 temas encuadrados dentro del Hip Hop con influencias Trap, R&B o Crunk y producidos por Go Grizzly, Pooh Beatz o Coupe entre otros. Mientras que su anterior álbum «Sugar Honey Iced Tea» celebraba la cultura sureña y se trataba de un trabajo explosivo y descarado, en «Big Mama» encontramos a una Latto mucho más sentimental, madura, vulnerable y enfocada en su nueva etapa vital. «Big Mama» cuenta con un gran número de artistas invitados, entre los que se encuentran Doja Cat, Sexyy Red, GloRilla, 21 Savage, Mariah the Scientist, Teyana Taylor o Wizkid. Como dato curioso, hay que mencionar que además del nombre de su nuevo álbum, ‘Big Mama’ es uno de los apodos que tiene Latto y también es el título de un tema perteneciente a «Sugar Honey Iced Tea» (lanzado como tercer single) que le valió una nominación a los premios Grammy en la categoría de mejor interpretación de rap melódico. Para dar con el single anticipo de «Big Mama» tenemos que retroceder hasta verano del año pasado, cuando se lanzó Somebody, que se trata de un tema Hip Hop y Trap de carácter melódico y sonido sureño que contiene una interpolación del clásico del R&B de los 90 ‘Are You That Somebody?’ de Aaliyah y Timbaland. Las letras de ‘Somebody’ exploran el deseo y la necesidad de una conexión emocional y física con otra persona. Este single fue lanzado cuando Latto todavía no tenía claro el concepto de su nuevo álbum y ha sido relegado al final del tracklist. 

«Big Mama» arranca con el tema introductorio Business & Personal, el cual está dividido en dos partes diferenciadas, una de carácter introspectivo y otra con un toque agresivo ‘made in Atlanta’. La primera parte arranca con una producción tranquila de corte R&B y en sus letras Latto se muestra reflexiva y agradecida, hablando de su humilde pasado y cómo su madre le costaba conseguir alimentos para sus hijos, mientras que hoy es una mujer rica y poderosa. La segunda parte da un giro total mediante un cambio de ritmo agresivo y Latto entrega sus barras más duras mientras que presume de su estatus y nos recuerda que la maternidad no ha mermado su hambre de éxito ni su ferocidad como rapera. ‘Business & Personal’ fue lanzado como segundo single promocional del álbum. El single previo a la publicación del álbum ha sido GOMF (el acrónimo de ‘Get Out My Face’), un tema Hip Hop y Crunk que cuenta con la participación de la rapera GloRilla y resulta un auténtico himno de empoderamiento, autenticidad y confrontación contra los haters y las personas envidiosas. Tras haber demostrado una química innegable en el tema ‘Procedure’ (perteneciente al álbum debut de GloRilla), ambas raperas vuelven a formar un tándem indestructible: la de Memphis inyecta una agresividad y un tono grave que rompen la monotonía de la pista, mientras que Latto responde con un flow afilado y unas barras memorables. ‘GOMF’ ha conseguido entrar en la parte baja de la lista americana de singles.

Uno de temas más destacados del álbum es sin duda ‘Okayyy’, que cuenta con la participación de Doja Cat, quien recupera su faceta como rapera tras su coqueteo con el pop de su último trabajo. Las letras de ‘Okayyy’ exploran la complejidad de una relación intensa, apasionada y tumultuosa, en la que ambas protagonistas se encuentran atrapadas en una atracción irresistible hacia su pareja. Otro de los temas más interesantes es ‘Hostage’ junto a 21 Savage, que supone la confirmación de un romance histórico tras un lustro jugando al despiste y dejando sutiles pistas en temas como ‘Pull Up’ (perteneciente a su debut «Queen of da Souf») o ‘Wheelie’ (del álbum «777»). La producción de ‘Hostage’ se apoya en un sample de Soul clásico de los 90, lo que resulta ideal para hablar de la química y el deseo que existe entre la pareja de raperos y da muestras de la compatibilidad que tienen tanto dentro como fuera del estudio de grabación. También merece la pena reseñar ‘Get Money Girl’, un tema de Hip Hop sureño en el que Latto reafirma su autosuficiencia y declara que no necesita hombres que la mantengan o ‘Gimme Dat’, cuyas letras hablan de su beef con Cardi B (tras filtrar un audio suyo en el que la criticaba) y rechaza su oferta de paz en forma de bolso de lujo.

En conclusión, «Big Mama» se presenta como el proyecto más íntimo, maduro y cohesivo en la carrera de Latto hasta la fecha. Coincidiendo con su nueva realidad como madre y el cierre de su etapa con su actual sello discográfico, la rapera de Atlanta logra entregar un álbum sólido que destaca por su crecimiento como liricista y su notable entrega vocal, además de contar con una producción impecable y la gran química existente con varios de los artistas invitados, especialmente GloRilla, Doja Cat y 21 Savage. Sin embargo, el álbum peca de una excesiva familiaridad: «Big Mama» mantiene el buen nivel de sus anteriores trabajos pero no ofrece nada nuevo o especialmente distintivo a su discografía ya que sigue la senda musical de «Sugar Honey Iced Tea» y «777». Temas imprescindibles: GOMF, Okayyy, Get Money Girl, Hostage, Gimme Dat y Business & Personal. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Retrospect» de Mya

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Mya ha regresado al panorama musical después de 8 años sin publicar nuevo álbum, aunque lo cierto es que durante este amplio lapso de tiempo no ha estado en absoluto alejada del mundo de la música ya que ha lanzado singles de manera regular y ha participado en varios festivales y conciertos. Su último trabajo, «T.K.O. (The Knock Out)», se puso a la venta en 2018. Este mes de mayo ha visto la luz su noveno álbum de estudio, Retrospect, el cual está formado por 16 temas compuestos por la propia Mya Harrison junto a su habitual colaborador Lamar ‘MyGuyMars’ Edwards, quien se encarga de la entera producción. El álbum, publicado bajo su propio sello discográfico Planet 9, destaca por su sonido retro y su gran influencia de la música de los años 70 y 80 e incluye elementos R&B, funk, Soul y Hip Hop. «Retrospect» homenajea la música que Mya escuchaba de niña y toma como fuente de inspiración a algunos de sus grandes ídolos como Stevie Wonder, Rick James, Teena Marie o Prince (su mentor y quien le aconsejó que abandonara las grandes multinacionales y se hiciera artista independiente). La primera parte del álbum está formada principalmente por temas up-tempo de estilo funk, mientras que la segunda parte baja de ritmo e incorpora clásicas baladas R&B. Mya comenzó a dar forma a este proyecto durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y en medio de la incertidumbre global utilizó la música como un refugio en el que encontraba felicidad, por ello el objetivo del álbum es transmitir optimismo, celebración y diversión al oyente. Pese a su carácter festivo, «Retrospect» también es un trabajo introspectivo en el que la cantante de Washington aborda las relaciones humanas y amorosas desde una perspectiva adulta y madura.

El pasado mes de enero llegó el single presentación del álbum, ASAP, que se trata de una balada R&B con aire ochentero que habla sobre una relación que está pasando por una crisis por la falta de comunicación y refleja la urgencia de resolver los problemas emocionales antes de que la distancia destruya el vínculo amoroso. En ‘ASAP’ Mya expresa su deseo de solucionar las cosas lo antes posible y pide a su pareja tener una conversación honesta para no tirar por la borda todo lo que han construido juntos. En el terreno comercial, ‘ASAP’ ocupó el top 20 en el componente Adult R&B Songs de la lista Billboard. Más adelante ‘ASAP’ fue lanzado en forma de remix junto al rapero 21 Savage, quien aporta su perspectiva masculina. Como single previo a la publicación del álbum se lanzó Just a Little Bit, un tema up-tempo de estilo funk y R&B con influencia Hip Hop que cuenta con la participación del rapero Too Short y en cuyas letras Mya exige compromiso, respeto y exclusividad a su pareja dentro de la relación. En este tema, la cantante de Washington muestra confianza y seguridad en sí misma frente a un hombre que habla mucho pero a la hora de la verdad hace poco y todo son promesas vacías.

El álbum incluye la mayoría de los singles que Mya ha ido lanzando durante estos últimos años durante el proceso de creación de «Retrospect». Uno de los primeros temas grabados fue Just Call My Name, una majestuosa balada R&B y Soul que habla del apoyo incondicional y la lealtad que muestra Mya a alguien que está pasando por un momento crítico y doloroso. ‘Just Call My Name’ contiene arreglos de cuerdas y un uso de guitarra eléctrica que evocan el estilo del clásico ‘Purple Rain’ de Prince. Sin duda, ‘Just Call My Name’ es la gran balada del álbum y uno de los momentos más profundos y emotivos de este proyecto. En 2024 llegó Anytime, un romántico medio tiempo R&B cuyas letras giran en torno a la devoción, la paciencia en el amor y la promesa de ser el apoyo emocional de tu pareja. En 2025 se lanzó Face to Face, un tema R&B mid-tempo de carácter introspectivo cuyas letras reflejan el momento vital en el que se encuentra Mya en la actualidad y ofrece una visión íntima de su alma, pensamientos y el camino para convertirse en la mejor mejor de sí misma. Más tarde llegó Give It to You, un tema funk de carácter bailable cuyas letras giran en torno a dejar a un lado la timidez y el orgullo para expresar la atracción y afecto hacia tu interés amoroso. Pese a que se considera una dama elegante, Mya confiesa sentirse eufórica cada vez que ve a la persona que le gusta y decide ser clara sobre sus sentimientos. ‘Give It to You’ contiene gran influencia del funk de Minneapolis de los años 80 y rinde tributo a los pioneros de este sonido, como Prince, pero además incorpora influencias del estilo vocal e interpretativo de Rick James.

Una gran parte del contenido del álbum ya estaba a disposición del oyente en el momento de su publicación, sin embargo todavía quedan canciones inéditas dignas de reseñar. ‘Masterpiece’ es un himno de autoestima en el que Mya habla de la exigencia de ser tratada como una obra de arte y representa a la perfección la esencia funk del álbum. ‘No Pressure’ es un enérgico tema G-funk (funk de la West Coast) que cuenta con la participación del rapero Snoop Dogg y habla de disfrutar el momento presente, dejarse llevar por la química mutua y evitar las ataduras emocionales. ‘Saturday Night’ es un tema Disco/funk ochentero con gran uso de sintetizadores que celebra la liberación del estrés semanal y la diversión en la pista de baile. ‘Good to You’ es un tema R&B mid-tempo que habla de la devoción mutua, el placer y la entrega física y emocional dentro de una relación.

En noviembre del año pasado tuve la oportunidad de ver en directo a Mya como telonera del «The Boy Is Mine Tour» de Brandy y Monica durante su parada en Washington y debo alabar su simpatía, profesionalidad y sus grandes habilidades como vocalista y bailarina. He seguido de cerca la carrera de Mya desde que lanzó ‘Case of the Ex’ (que se encuentra entre mis canciones favoritas de R&B de todos los tiempos) y puedo afirmar que «Retrospect» se posiciona como uno de los mejores álbumes de su extensa trayectoria. Los puntos fuertes son el talento de Mya como vocalista y compositora, la cuidada producción de MyGuyMars y el perfecto compendio de marchosos temas funk y emotivas baladas R&B. Pese a incluir un buen número de temas lanzados durante estos últimos años, «Retrospect» en ningún momento se siente como una playlist o recopilatorio de singles, sino que se trata de un álbum centrado, sólido y cohesivo, en el que conviven la euforia de las pistas de baile y la profundidad e intimidad de las letras. Temas imprescindibles: ASAP, Just Call My Name, Face to Face, Just a Little Bit, Give It to You, Anytime y No Pressure. Puntuación: 7’8/10.

Madonna regresa con Bring Your Love junto a Sabrina Carpenter

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El pasado mes de abril, durante el show de Sabrina Carpenter en el festival de Coachella, Madonna irrumpió por sorpresa en el escenario para interpretar dos de sus mayores éxitos como ‘Vogue’ y ‘Like a Prayer’, además de presentar por primera vez en directo una nueva canción junto a la joven sensación del pop. Esta aparición estelar de Madonna ocurría exactamente 20 años después de su debut en el famoso festival californiano y para la ocasión, lució la misma chaqueta morada de Gucci que usó en aquella icónica actuación. Unos días después se lanzó la esperada colaboración entre Madonna y Sabrina Carpenter, que resultó ser el single presentación del nuevo álbum de la reina del pop. Me estoy refiriendo a Bring Your Love, que se trata de un enérgico tema House y dance-pop compuesto por Madonna junto a Stuart Price y que samplea el clásico de los años 80 ‘Good Life’ de Inner City. Las letras de ‘Bring Your Love’ se centran en el rechazo a las críticas ajenas y el escrutinio público, además de abordar la autenticidad, la fuerza de las mujeres y la superación de las relaciones tóxicas, lo que lo convierte en un himno de resiliencia y empoderamiento. Madonna lleva enfrentando críticas por parte de los medios de comunicación desde el comienzo de su carrera (incluso antes de que naciera Sabrina) y la joven cantante también ha tenido que hacer frente a los haters desde su ascenso a la fama, por lo que Madonna actúa en esta canción como mentora de Sabrina y se produce un diálogo intergeneracional. Ambas artistas declaran que su entrega a la música no se debe al dinero, las posiciones en listas de venta o la aprobación de los demás, sino que se trata estrictamente por pasión y dedicación a sus seguidores. ‘Bring Your Love’ es una invitación a sus haters, detractores y público en general para que se acerquen a ellas con el corazón abierto, ya que la negatividad por parte de los demás ya no tiene poder para destruirlas o detenerlas.

En el terreno comercial, ‘Bring Your Love’ ha tenido un desempeño moderado: ha alcanzado el top 40 en la lista de Reino Unido y ha ocupado el #74 en la lista americana, lo que podríamos denominar como posiciones modestas, sin embargo son los mejores datos de Madonna en más de una década y teniendo en cuenta el edadismo presente en la industria musical actual, es un gran logro para una artista de 67 años. En mi opinión, ‘Bring Your Love’ es un tema marchoso, bailable y con un estribillo pegadizo. También se aprecia una buena química entre ambas artistas y como single es solvente. ¿Cuál es el problema entonces? Desgraciadamente no está a la altura del magnífico ‘Hung Up’, uno de los temas más sobresalientes de toda la carrera de Madonna. Estamos hablando del single presentación de Confessions II, la secuela del icónico álbum «Confessions on a Dance Floor», uno de los mejores trabajos de su discografía, por lo que las expectativas están muy altas. Desde el blog Mister Music estaremos muy atentos de los siguientes pasos de Madonna y su nuevo álbum, que verá la luz el próximo 3 de julio e incluirá tanto ‘Bring Your Love’ como ‘I Feel So Free’, el hipnótico sencillo promocional que sirvió de aperitivo a esta nueva era.

Crítica de «Brown» de Chris Brown

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Los reyes indiscutibles del R&B contemporáneo, Usher y Chris Brown, han anunciado una gira conjunta que recorrerá Estados Unidos durante este verano para deleite de la legión de seguidores de ambos cantantes. El «R&B Tour» no solo hace referencia al género al que pertenecen ambos artistas sino que también son sus apellidos (Raymond & Brown). Podríamos denominar al «R&B Tour» como la versión masculina del «The Boy Is Mine Tour», la exitosa y nostálgica gira conjunta de Brandy y Monica que tuvo lugar a finales del año pasado y que un servidor tuvo el placer de asistir. Este mes de mayo ha visto la luz Brown, el duodécimo álbum de estudio de Chris Brown, cuyo título corresponde a las siglas de «Break Rules Only When Necessary», en un concepto muy similar al utilizado en «F.A.M.E.», su cuarto trabajo discográfico. Siguiendo el habitual patrón de Chris de publicar trabajos de gran extensión, «Brown» está formado por un mastodóntico conjunto de 27 temas compuestos por el cantante de Virginia y que cuentan con la producción de Roccstar, Hitmaka, Troy Taylor, Metro Boomin, The Monsters & The Strangerz, Lamb o Tay Keith entre otros. Un gran número de artistas invitados hacen su presencia en el álbum, como Bryson Tiller, Leon Thomas, Tank, Sexyy Red, GloRilla, Lucky Daye o YoungBoy Never Broke Again. El álbum sigue la estela musical de los anteriores trabajos de Chris Brown y está encuadrado dentro del R&B contemporáneo, sin embargo cabe destacar que «Brown» incorpora un sonido más clásico y tradicional, siguiendo la reciente tendencia dentro del R&B de rescatar el sonido que tenía el género décadas atrás. Las letras de las canciones presentes en «Brown» muestran una faceta más vulnerable, introspectiva y madura por parte de Chris y exploran su crecimiento personal, aunque la mayor parte del álbum sigue girando en torno a las relaciones amorosas y contiene sus habituales ‘bed bangers’ de naturaleza sexual. La portada del álbum, en la que un elegante Chris vestido de traje aparece acostado de lado, supone un homenaje a la portada de «Thriller» de Michael Jackson y a las de otros legendarios artistas de R&B que han utilizado poses reclinadas en sus álbumes, como Teddy Pendergrass, Lionel Richie o Luther Vandross.

Para dar con el single presentación del álbum tenemos que retroceder hasta junio del año pasado, cuando se lanzó Holy Blindfold, que se trata de un tema mid-tempo producido por The Monsters & The Strangerz que explora el concepto del amor como un refugio sagrado y una forma de rendición espiritual, mientras que utiliza metáforas religiosas para describir una conexión emocional tan profunda que transforma la percepción del mundo del artista. ‘Holy Blindfold’ es un tema R&B pero se aleja del habitual estilo urbano de Chris Brown y profundiza en el dream pop e incorpora sintetizadores suaves, cuerdas y un sonido atmosférico que le dan un aire introspectivo y tranquilo. ‘Holy Blindfold’ tuvo un escaso impacto comercial y apenas pisó el Hot 100 de la lista americana, sin embargo alcanzó el top 25 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard. Pese a ser un magnífico primer single, ‘Holy Blindfold’ está relegado al final del tracklist del álbum ya que difiere del estilo presente en los siguientes singles y se aleja del concepto que adoptaría el álbum más adelante. El segundo single lanzado fue It Depends, un tema R&B con influencias Drill y Trap que cuenta con la participación del cantante Bryson Tiller y samplea el clásico ‘Nice & Slow’ de su amigo Usher. Las letras de ‘It Depends’ exploran la atracción física intensa, la seducción y la ambigüedad en las relaciones modernas. ‘It Depends’ fue nominado a los premios Grammy en las categorías de mejor canción R&B y mejor interpretación de R&B. En el terreno comercial ‘It Depends’ resultó un éxito y alcanzó el top 20 en la lista americana. Ya en 2026 llegó el tercer single, Obvious, un tema R&B producido por su habitual colaborador Roccstar cuyas letras suponen un himno al amor apasionado y la profunda conexión entre dos personas. Las letras celebran la química ‘obvia’ que existe entre la pareja y se centran en la pasión, admiración mutua y el deseo de Chris de ofrecer una vida de lujo a su amante. Como cuarto single, previo a la publicación del álbum, ha llegado Fallin’, un tema Blues y R&B de carácter retro que cuenta con la participación del cantante Leon Thomas y cuyas letras describen un amor tan intenso que lleva a Chris a un estado de dependencia emocional. Tanto la canción como su videoclip ambientado en los años 20 (en el que Usher hace un pequeño cameo) representan a perfección la esencia retro y nostálgica que incorpora gran parte del álbum.

Es imposible reseñar todas las canciones presentes en «Brown» pero pasaré a comentar las que me parecen más interesantes. El álbum comienza con ‘Leave Me Alone’, un tema de R&B clásico de 6 minutos con gran introducción instrumental cuyas letras abordan temas como la aceptación de errores pasados, la decisión de vivir bajo tus propias reglas y el rechazo a la validación externa y el escrutinio público. Entre mis canciones favoritas se encuentran ‘It’s Not You It’s Me’, una emotiva balada mid-tempo que aborda la responsabilidad personal y el arrepentimiento tras el fin de una relación y en cuyas letras Chris asume sus errores en vez de culpar a su pareja, ‘Something in the Water’, un tema muy sensual que utiliza la metáfora del agua para describir una intensa conexión física con su amante o ‘For the Moment’, que habla de la importancia de disfrutar intensamente del momento presente y lo efímeras que resultan las experiencias positivas. En un álbum compuesto en su mayoría por baladas y medios tiempos sin duda destaca ‘Your Time’, un tema de carácter rítmico que contiene el espíritu hedonista de Chris y cuyas letras se centran en la importancia de dedicar un tiempo de calidad a tu pareja.

Un álbum con 27 canciones como «Brown» resulta difícil de digerir por su excesiva extensión: muchos de los temas acaban sonando parecidos y contiene bastante relleno, sin embargo en su conjunto resulta muy agradable de escuchar gracias a la bonita voz de Chris y es un gran acierto la incorporación de un sonido R&B más tradicional y clásico. Las innecesarias colaboraciones de los artistas invitados, que no aportan demasiado a las canciones, son uno de los puntos negativos del álbum. «Brown» ha recibido críticas negativas e injustas por parte de algunas publicaciones importantes, sin embargo el blog Mister Music lo considera uno de los álbumes de R&B más destacados del año y resulta una buena adición al catálogo musical de Chris Brown. Temas imprescindibles: Holy Blindfold, Obvious, Leave Me Alone, It’s Not You It’s Me, Fallin’, Something in the Water, For the Moment y Your Time. Puntuación: 7/10.

Crítica del álbum «Sweat» de Melanie C

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Durante los últimos años, Melanie C ha dedicado gran parte de su tiempo a su faceta como DJ y ha participado en numerosos festivales veraniegos y sesiones en famosos clubs. En dichas sesiones Mel repasa tanto sus temas en solitario como algunas de las canciones más famosas de Spice Girls, ya que su leal base de fans la sigue desde sus tiempos dentro del famoso grupo femenino. En el año 2020 la cantante inglesa publicó su último trabajo discográfico, titulado de manera homónima, el cual estaba formado por un sólido conjunto de canciones bailables pero cargadas de mensajes positivos sobre la superación de adversidades, el amor propio o la auto-aceptación, además de la defensa de los derechos de la comunidad LGTB. «Melanie C» suponía uno de los mejores trabajos de su amplia discografía, solo superado por su icónico debut «Northern Star». Este mes de mayo ha visto la luz el noveno álbum de estudio en solitario de Melanie Chisholm, titulado Sweat, el cual sigue la estela musical de su anterior trabajo pero está todavía más enfocado a las pistas de baile y profundiza en la música electrónica. Melanie ha compuesto las 13 canciones presentes en el álbum, las cuales incorporan elementos dance-pop, electropop, House o Disco y se inspiran en la música que suele pinchar en los clubs con sus sesiones como DJ. El single presentación del álbum fue la canción titular, Sweat, que fue creada por Melanie como un himno para sudar en el gimnasio y trata sobre la liberación emocional a través del baile. ‘Sweat’ es un enérgico tema dance-pop con influencias de la música EDM y que contiene cierto toque Disco/funk debido a la interpolación del himno ochentero del fitness ‘Work That Body’ de Diana Ross (lo que refuerza la conexión entre el entrenamiento físico y el baile). ‘Sweat’ representa la fusión de todas las facetas de Melanie: su lado más atlético y deportista como Sporty Spice, su estatus como icono del pop y su reciente trabajo como DJ en la escena club y underground. Como segundo single se lanzó What Could Possibly Go Wrong?, que se trata de un tema synth-pop y electropop producido por Klas Ahlund (mano derecha de Robyn) cuyas letras exploran la emoción e incertidumbre de correr riesgos y resulta un himno optimista sobre la confianza en uno mismo y vivir el momento, en lugar de temer el futuro o centrarse en los remordimientos. 

El tercer single lanzado fue Undefeated Champion, un enérgico tema dance-pop y Disco que celebra el empoderamiento y la superación de las adversidades, convirtiéndose en un himno de resiliencia y perseverancia. Como último single antes de la publicación del álbum se lanzó Attitude, un potente tema House con influencias Disco/funk que samplea el clásico ‘Over Like a Fat Rat’ de Fonda Rae y envía un mensaje auto-confianza, empoderamiento y sensación de seguridad, celebrando el momento en que dejas de sentirte pequeño ante los demás y adoptas una actitud positiva. Uno de los temas más destacados y que representa la esencia del álbum es ‘Drum Machine’, un poderoso tema House y electropop que habla sobre encontrar a alguien que te hace sentir vivo de nuevo, es decir una conexión tan profunda en la que el amor te recorre todo el cuerpo. También merece la pena reseñar ‘Till It Breaks’, un tema electropop que habla de la vulnerabilidad tras una ruptura y la sanación a través del baile o ‘Pressure’, un tema House en el que Mel habla de la necesidad de la liberación emocional y reflexiona sobre las expectativas de ser una artista en solitario tras Spice Girls y de la presión auto-impuesta.

En sus primeros años como solista tras la separación de Spice Girls, Melanie C quiso pasar página de su pasado como componente del famoso grupo y en cierta manera se deshizo de su ‘alter ego’ como Sporty Spice, ya que luchaba por hacerse un nombre como artista en solitario y quería desvincularse de su perfil más comercial, sin embargo en los últimos años (especialmente a raíz de la gira de reunión de Spice Girls en 2019) Melanie se ha reconciliado con su pasado como Sporty Spice y se muestra tremendamente orgullosa de haber formado parte de la icónica ‘girl band’ y del inmenso legado que han construido. En «Sweat», Melanie C vuelve a ser más Sporty Spice que nunca (luce una figura envidiable a sus 52 años) y se ha inspirado en la temática de ‘sudar’ en el gimnasio y los famosos vídeos de fitness de los 80 para crear un álbum bailable y divertido pero cargado de mensajes positivos como la confianza en uno mismo, la superación de adversidades (Mel ha pasado por problemas de salud mental, presión extrema por la fama, rupturas y cambios de discográfica), la autenticidad o la resiliencia. «Sweat» es un álbum sólido y cohesivo, que mantiene el buen nivel de su anterior trabajo y reafirma el talento de Melanie Chisholm como vocalista y compositora. Sin duda uno de los mejores álbumes de dance-pop publicados durante este año. Temas imprescindibles: Undefeated Champion, What Could Possibly Go Wrong?, Drum Machine, Attitude, Till It Breaks y Sweat. Puntuación: 7’5/10. 

Crítica de «Konnakol» de Zayn

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En 2024 vio la luz el cuarto álbum de Zayn, titulado Room Under the Stairs, el cual marcaba una divergencia musical con respecto a sus anteriores trabajos y abandonaba su habitual estilo R&B para adentrarse en un sonido Country, pop/rock, folk y Soul carente de artificios y con mínima producción. El concepto de «Room Under the Stairs» fue creado en su casa rural de Pensilvania mientras escuchaba artistas Country y resulta el álbum más personal y maduro de Zayn hasta la fecha ya que relata de manera honesta y vulnerable el proceso de sanación mental, crecimiento y descubrimiento personal que ha experimentado durante los últimos años. Su tormentosa relación con la modelo Gigi Hadid y posterior separación fueron la fuente de inspiración de las letras de las canciones presentes. No hay duda de que Zayn Malik asumió muchos riesgos al salir de su zona de confort y ofrecer un trabajo poco comercial que lo situaba en un perfil más cercano al de un artista indie que a la súper estrella de la música que era al principio de su carrera. «Room Under the Stairs» resultaba cohesivo y mostraba una gran madurez y vulnerabilidad por parte de Zayn, sin embargo la mayoría de los temas sonaban parecidos y acababan resultando monótonos y repetitivos. El álbum se centraba en las habilidades de Zayn como compositor y ponía en un primer plano su agradable voz con una mínima instrumentación, pero en su conjunto las canciones presentes no eran suficientemente potentes o llamativas. En el terreno comercial «Room Under the Stairs» debutó en el #3 de la lista británica de álbumes y alcanzó el top 10 en Alemania y el top 20 en Estados Unidos o Australia.

Dos años después de «Room Under the Stairs» ha llegado el quinto álbum de estudio de Zayn Malik, titulado Konnakol, que busca explorar las raíces culturales del artista y cuyo título proviene del arte tradicional de percusión vocal en la música del sur de la India. Tras el coqueteo con el Country, pop/rock y folk de su último trabajo, «Konnakol» marca el regreso del cantante inglés al R&B alternativo reminiscente de su álbum debut y está formado principalmente por medios tiempos y temas de carácter downtempo con gran toque electrónico que se sumergen en un atmósfera oscura, misteriosa y alternativa que recuerda al estilo del primer The Weeknd. Zayn ha compuesto la mayoría de los temas presentes y ha contado con la producción de Malay, quien fue el responsable de gran parte de su álbum debut, «Mind of Mine», sin duda el mejor trabajo de su carrera. Las letras de las canciones presentes exploran el auto-descubrimiento, la vulnerabilidad, la espiritualidad o la búsqueda de paz interior, reflejando el viaje personal de madurez artística por parte del artista de origen pakistaní. En el mes de febrero llegó el primer single, Die for Me, que se trata del único tema del álbum no compuesto por Zayn y cuenta con la producción de The Monsters & The Strangerz. ‘Die for Me’ es un oscuro tema R&B de carácter downtempo cuyas letras exploran el dolor, la traición y la rabia que surgen tras el fin de una relación cuando las promesas de amor eterno se rompen. Como segundo single se lanzó Sideways, una melancólica balada R&B que habla de una relación que se desmorona y cuyas letras describen a una pareja que está presente físicamente pero ausente emocionalmente (se especula que podría referirse a su relación con Gigi Hadid).

La técnica de percusión vocal tradicional del sur de la India conocida como Konnakol se integra de manera muy sutil en el álbum y apenas hace acto de presencia en un par de canciones, por lo que resulta una influencia más estética que conceptual. El tema ‘Nusrat’ está dedicado al cantante pakistaní Nusrat Fateh Ali Khan y supone una reflexión personal sobre el crecimiento, la devoción y la lealtad, mientras que ‘Fatal’ incorpora letras en Urdu (la lengua nacional de Pakistán y uno de los idiomas oficiales de la India) y explora un sentimiento de desgaste emocional e indefensión dentro de una relación difícil. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Prayers’, cuyas letras exploran la vulnerabilidad, la honestidad emocional y la búsqueda de conexión profunda en medio de la confusión personal, ‘Take Turns’, un tema R&B de carácter experimental en el que Zayn explora su identidad sexual o ‘Meet Tonight’, con influencias caribeñas y que supone uno de los pocos temas bailables del álbum. En resumen, «Konnakol» es el álbum más maduro, personal e introspectivo de Zayn Malik hasta la fecha y en el cual queda patente su innegable talento vocal, además de sus solventes habilidades como compositor, que han ido mejorando a lo largo de los años. «Konnakol» es un álbum de sonido sombrío y nocturno que consolida a Zayn como un artista de R&B alternativo y lo aleja del ídolo de masas que fue a principios de su carrera. Temas imprescindibles: Die for Me, Sideways, Meet Tonight, Prayers, Take Turns y Blooming. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de «Toy with Me» de Meghan Trainor

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Últimamente se ha hablado mucho de la nueva apariencia física de Meghan Trainor, quien empezó a bajar notablemente de peso tras sus dos primeros embarazos, que tuvieron lugar en 2021 y 2023 respectivamente. La popular cantante americana confirmó públicamente que utilizó un medicamento llamado Mounjaro (similar a Ozempic) para su reciente transformación física, sin embargo afirmó que lo ha acompañado de dieta, ejercicio físico y profundos cambios en su estilo de vida. Por recomendación médica tras ser diagnosticada con diabetes gestacional durante sus embarazos y tener dos partos difíciles, Meghan Trainor recurrió a la gestación subrogada para el nacimiento de su tercera hija, nacida a principios de este año. La cantante nacida en Massachusetts ha sido blanco de las críticas en los medios de comunicación y redes sociales por su apariencia extremadamente delgada, su ‘cara Ozempic’ y sus operaciones estéticas, pese a que declaró que la motivación de su cambio físico no es la belleza sino estar más ágil y sana para poder cuidar mejor de sus hijos. Hay que recordar que Meghan Trainor debutó en el año 2014 con el tema ‘All About That Bass’, que resultaba un himno sobre la auto-aceptación y el ‘body positivity’ y en cuyas letras celebraba las curvas de las mujeres y cuestionaba los estándares de belleza poco realistas. Este tema, que resultó un éxito en las listas de venta de todo el mundo, incluía líneas como «no seré una muñeca de silicona» o «cada centímetro de ti es perfecto desde abajo hasta arriba». Durante sus siguientes álbumes, Meghan continuó siendo la abanderada del ‘body positivity’ (un movimiento que promueve la aceptación de los cuerpos no normativos), lo que choca frontalmente con el nuevo físico que luce en actualidad y ha provocado que muchos de sus fans y el público en general sientan que su transformación es una traición al mensaje que la hizo famosa. A continuación veremos cómo Meghan Trainor hace frente a estas feroces críticas a través de su nuevo trabajo.

Este mes de abril Meghan Trainor ha regresado con su séptimo álbum de estudio, Toy with Me, el cual está formado por 16 canciones cuyas letras se centran en temas como la autenticidad, la libertad individual, el bienestar personal, la maternidad y el empoderamiento femenino tras los recientes cambios físicos y emocionales de la artista. En los temas presentes, Meghan busca conectar con sus seguidores mediante mensajes que invitan a la auto-aceptación y la valentía de ser uno mismo en un mundo lleno de constantes juicios y críticas por parte de los demás. En el aspecto musical «Toy With Me» es un álbum eminentemente pop que fusiona su habitual estilo doo-wop de carácter retro e inspirado en los años 60 con un sonido más moderno que incluye elementos dance-pop, synth-pop, R&B o Disco. La cantante de 32 años sigue siendo fiel a su tono bromista y sus letras ingeniosas, atrevidas e irónicas. En la portada del álbum, Meghan se presenta visualmente como una muñeca en una vitrina, simbolizando las expectativas irreales de perfección que la industria musical impone a las mujeres.

El single presentación del álbum fue Still Don’t Care, un marchoso tema con influencias del pop de los años 80 producido por Steve Mac en cuyas letras Meghan responde a las críticas recibidas y el escrutinio público al que ha sido sometida a lo largo de su carrera, especialmente tras sus recientes cambios físicos. La canción es un himno de auto-aceptación y empoderamiento en la que Meghan declara que ha llegado a un punto en su vida en el que las opiniones ajenas ya no afectan a su salud mental ni a su felicidad. El segundo single lanzado fue Get in Girl, un tema doo-wop con arreglos de saxofón y trompetas cuyas letras resultan un himno a la sororidad, empoderamiento y apoyo incondicional ante la ruptura amorosa de una amiga. Ambos singles han tenido un escaso impacto comercial y no han logrado entrar en las principales listas de venta. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado el tercer single, Shimmer, que se aleja de su característico estilo doo-wop para adoptar un sonido dance-pop y electropop que guarda similitudes con su hit ‘Me Too’ por su prominente uso de sintetizadores. Mientras que otros temas como ‘Still Don’t Care’ se centran en ignorar las críticas, ‘Shimmer’ es un himno de empoderamiento, amor propio y confianza en uno mismo y se enfoca en recuperar la luz o brillo interior que todos tenemos (una metáfora de la autoestima) tras los duros momentos.

Uno de los temas destacados del álbum es ‘Chef’s Kiss’, que combina su habitual estilo retro con un toque dance-pop y Disco y en el que Meghan hace gala de su ironía y su peculiar sentido del humor mientras se venga de un ex que le hizo daño en el pasado y le desea pequeñas ‘maldiciones’ en forma de contratiempos cotidianos. Por su parte, ‘Rich Man’ es un tema pop/R&B que resulta un himno de independencia financiera y éxito personal que desafía los roles de género tradicionales y cuyo título proviene de la famosa entrevista a la legendaria cantante Cher en la que comentaba que su madre le aconsejó casarse con un hombre rico y ella respondió «mamá, yo soy un hombre rico». También merece la pena reseñar ‘Potential’, un enérgico tema dance-pop y synth-pop de sonido muy ochentero cuyas letras exploran la decepción amorosa y la frustración ante las altas expectativas puestas en una pareja, ‘Cry Baby’, un clásico tema doo-wop en el que responde a las críticas y el odio recibido en las redes sociales o ‘Little One’, una emotiva balada dedicada a sus hijos. 

La elección de los singles ha sido uno de los puntos fuertes del álbum ya que están perfectamente escogidos, sin embargo la mayoría de los temas presentes, aunque dignos y correctos, resultan genéricos, formulaicos y derivativos de sus anteriores trabajos. «Toy With Me» es un álbum honesto y valiente en el que Meghan Trainor responde a las críticas recibidas por parte de los medios de comunicación a través de himnos de empoderamiento y canciones que demuestran su confianza en sí misma. En resumen, nos encontramos ante un álbum ameno y agradable de escuchar, pero en el que se evidencia una falta de innovación y escasa evolución musical. Temas imprescindibles: Get in Girl, Shimmer, Still Don’t Care, Chef’s Kiss, Potential y Rich Man. Puntuación: 7/10.

Crítica del álbum «Kehlani» de Kehlani

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En ausencia de grandes figuras del R&B dentro del actual panorama musical, prometedoras cantantes como SZA, Kehlani, Muni Long, Summer Walker, Victoria Monét o Coco Jones se han hecho un importante hueco en el panorama musical y han mantenido vivo el género. Precisamente la protagonista de este post, Kehlani, está dispuesta a devolver al R&B el esplendor del que gozaba durante su época dorada de los 90 y el 2000. El pasado 24 de abril, coincidiendo con su 31 cumpleaños, la cantante californiana publicó su quinto álbum de estudio, titulado de manera homónima, el cual está formado por 17 temas compuestos por la propia Kehlani y producidos en su mayoría por Khris Riddick-Tynes, con producción adicional de Babyface, Antonio Dixon, Jimmy Jam & Terry Lewis, Richard Harrison, DJ Camper, The Stereotypes, Pop & Oak o Jermaine Dupri entre otros. Mientras que el anterior álbum de Kehlani, «Crash», se trataba de un trabajo muy ecléctico que incorporaba elementos Afrobeats, rock, Country o folk, «Kehlani» se centra en un R&B clásico y de sonido retro, reminiscente del R&B de finales de principios del 2000. El álbum cuenta con un amplio número de artistas invitados, entre los que se encuentran Brandy, Missy Elliott, Usher, Cardi B, Lil Wayne, Big Sean, T-Pain o Lil Jon. Para dar con el single presentación del álbum tenemos que retroceder hasta junio del año pasado, cuando fue lanzado Folded, el cual ha situado a Kehlani en la primera fila del panorama musical y le ha dado un mayor reconocimiento y visibilidad por parte del público. ‘Folded’ es una balada R&B mid-tempo de sonido retro que cuenta con una rica instrumentación formada por cuerdas, guitarra o batería. Este tema producido por Antonio Dixon y Khris Riddick-Tynes sin duda remite al sonido R&B de los años 90 y principios del 2000, con Brandy como claro referente. ‘Folded’ destaca por la magnífica ejecución vocal de Kehlani y su profundo componente lírico, en cuyas letras la cantante explora las complejas emociones que se producen tras una ruptura pero intenta reavivar la relación ya que todavía tiene sentimientos por su pareja, por lo que le invita a venir a casa a recoger su ‘ropa doblada’. Este tema sido aclamado por la crítica musical y ha recibido numerosos premios, entre ellos dos premios Grammy a mejor canción R&B del año y mejor interpretación de R&B. ‘Folded’ ha destacado por su gran longevidad en la lista americana y logró alcanzar el top 10 en noviembre. Cuando las canciones navideñas que inundaban el Billboard Hot 100 desaparecieron en enero, ‘Folded’ ascendió hasta el #6, convirtiéndose en el single más exitoso de Kehlani hasta la fecha y su mejor posición en la lista americana. En el resto del mundo ‘Folded’ ha tenido un desempeño comercial más moderado pero ha ocupado el top 20 en la lista de Reino Unido o el top 40 en Australia y Canadá. En definitiva ‘Folded’ es uno de los mejores temas R&B de los últimos años y sin duda ha cambiado la vida de Kehlani, cuya carrera ha vivido un notorio resurgimiento y la ha puesto en la primera línea del panorama musical americano.

Cuando ‘Folded’ todavía se mantenía muy fuerte en la lista americana, se lanzó el segundo single, Out the Window, que se trata de una clásica balada R&B en cuyas letras Kehlani muestra su vulnerabilidad mientras explora las secuelas de una relación terminada y la posibilidad de reconciliación con su pareja. La cantante californiana describe su profundo arrepentimiento y anhelo por tener una segunda oportunidad después de romper la confianza que su pareja había puesto en ella. Pese a su gran calidad, ‘Out the Window’ se mantuvo a la sombra del continuado éxito de ‘Folded’ y apenas alcanzó el #63 de la lista americana, sin embargo ocupó el top 10 en el componente R&B Songs de Billboard. El tercer single lanzado ha sido Back and Forth, un tema R&B de carácter rítmico producido por The Stereotypes que cuenta con la colaboración de la incomparable Missy Elliott. En ‘Back and Forth’, Kehlani trata de ignorar una discusión con su pareja y en cambio decide salir por la noche en la ciudad. Al final de su verso, Missy hace una referencia a su protegida y amiga Aaliyah, quien también tenía una canción llamada ‘Back & Forth’.

Para este álbum Kehlani ha reclutado a algunos de sus ídolos indiscutibles, como Brandy, de quien ha declarado ser su mayor influencia y fuente de inspiración en su crecimiento como artista. Brandy (quien ya participó en un remix de ‘Folded’) aparece en una de las mejores baladas del álbum, la nostálgica ‘I Need You’, producida por el legendario dúo Jimmy Jam & Terry Lewis y cuyas letras exploran, de manera vulnerable y honesta, la dificultad de superar un amor que dejó una huella profunda, ya que pese a los intentos por pasar página, esa conexión especial sigue siendo insustituible. También podemos apreciar el clásico sonido R&B de los 90 en ‘Unlearn’, una balada introspectiva que aborda el proceso de sanación de Kehlani (cuya voz brilla especialmente) o ‘You Got It’, cuyas letras reflejan el crecimiento personal de la cantante, la cual reconoce que, aunque es fuerte y autosuficiente, también tiene derecho a pedir un espacio seguro dentro de una relación adulta. Uno de los candidatos a futuro single es definitivamente el animado ‘Shoulda Never’, co-producido por Babyface y cuyas letras exploran el conflicto de volver a caer en una relación tóxica. Kehlani y Usher, el artista invitado, expresan su frustración por haber invertido su tiempo en alguien que los falló y manipuló emocionalmente. Aunque «Kehlani» está formado principalmente por melancólicas baladas y medios tiempos, también encontramos temas up-tempo y rítmicos como ‘Anotha Luva’, cuyas letras giran en torno a la incapacidad de reemplazar a un amor único y cuenta con la presencia del rapero Lil Wayne o ‘Pocket’, que habla del deseo sexual o la conexión física y tiene como artista invitada a Cardi B, con quien Kehlani ha colaborado en numerosas ocasiones.

Mientras que «Crash» era un proyecto ecléctico, experimental y disperso por su mezcla de géneros, «Kehlani» es un álbum de R&B clásico y tradicional, que destaca por su contenido lírico vulnerable e íntimo y es su trabajo más personal y reflexivo hasta la fecha. En resumen, «Kehlani» es un trabajo sólido, cohesivo y que destaca por su carácter nostálgico y la ausencia de relleno, ya que se puede escuchar de principio a fin sin apenas saltar ninguna canción. El excepcional talento de Kehlani como vocalista y compositora sigue siendo uno de los puntos más destacados de este trabajo. «Kehlani» es el tipo de álbum que todos los amantes del R&B deseábamos escuchar en la actualidad, ya que cuenta con el sonido R&B típico de los 90 y el 2000 pero con una producción moderna y pulida. Para el blog Mister Music, «Kehlani» es sin duda el mejor álbum de R&B publicado durante este 2026. Temas imprescindibles: Folded, Out the Window, I Need You, Shoulda Never, You Got It, Back and Forth y Unlearn. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Dandelion» de Ella Langley

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Ella Langley se ha convertido en una de las cantantes de Country más prometedoras de los últimos años gracias a una sucesión de singles que han tenido una buena acogida dentro del público joven americano, sobretodo el sureño, caracterizado por sus férreos valores tradicionales y conservadores. Este mes de abril ha visto la luz el segundo álbum de estudio de Ella Langley, titulado Dandelion, el cual está formado principalmente por medios tiempos y baladas, encuadrados dentro de un Country muy accesible y cercano al Country-pop que guarda similitudes con el estilo de Carrie Underwood o Miranda Lambert. Las letras de las canciones presentes hablan de los desengaños amorosos típicos de los veinte años, el crecimiento personal o la autenticidad, además de mostrar el orgullo por sus raíces sureñas. «Dandelion» se apoya en una producción sobria, con guitarras acústicas, arreglos suaves y una voz ligeramente áspera y grave que se ha convertido en la seña de identidad de Ella Langley. «Dandelion» ha alcanzado el #1 en la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer trabajo de Ella Langley en ocupar la posición de honor. El single presentación del álbum ha sido Choosin’ Texas, un tema mid-tempo Country compuesto por Ella Langley junto a la afamada cantante Miranda Lambert cuyas letras hacen referencia a un amante que la ha dejado por una mujer de Texas. Gracias a su agradable melodía y sus pegadizas letras, ‘Choosin’ Texas’ se ha convertido en un auténtico éxito durante los últimos meses y ha alcanzado el #1 en la lista americana de singles, donde se ha mantenido en lo más alto durante 7 semanas no consecutivas. En el resto del mundo, donde el impacto de las canciones Country suele ser notablemente inferior, también ha obtenido un gran desempeño comercial y ha alcanzado el top 5 en Australia o el top 20 en Reino Unido. Con 300 millones de reproducciones en Spotify, ‘Choosin’ Texas’ es una de las canciones de Country más exitosas del 2026. Tras el enorme éxito conseguido con ‘Choosin’ Texas’, la cantante de Alabama lanzó Be Her, que se trata de un tema mid-tempo Country de sonido muy tradicional e inspiración noventera compuesto junto al cantante y compositor Michael Hardy. ‘Be Her’ contiene unas letras de carácter introspectivo en las que Ella habla de su aspiración a convertirse en la mejor versión de sí misma y explora el deseo de superación personal y la búsqueda de su propia identidad. ‘Be Her’ ha continuado la buena racha comercial de Ella Langley y ha alcanzado el #4 en la lista americana de singles.

«Dandelion» contiene dos interludios situados al principio y al final, que contienen un fragmento de la canción tradicional ‘Froggy Went a Courtin’, la cual sirve de hilo conductor del álbum y tiene un significado especial para Ella Langley, ya que su abuelo la tocaba en la guitarra cuando era pequeña y supone un homenaje a sus raíces sureñas y su infancia en Alabama. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Dandelion’, una balada en la que se compara con la flor llamada diente de león (a menudo considerada una mala hierba) para demostrar su resiliencia y autenticidad, ‘I Gotta Quit’, un enérgico tema Country-rock de carácter up-tempo que aborda la dificultad de superar una ruptura amorosa o ‘Butterfly Season’, a dúo con su amiga e ídolo Miranda Lambert y que supone un himno al crecimiento personal. En resumen, «Dandelion» es un trabajo cohesivo, agradable de escuchar y que pone de manifiesto las solventes habilidades de Ella Langley como vocalista y compositora, además de reafirmar su estatus como figura prominente dentro del género Country. Sin embargo, con 16 temas (sin contar los dos interludios), «Dandelion» resulta largo, contiene excesivo relleno y cuenta con una producción repetitiva y monótona que hace que muchos de los temas acaben sonando similares. Pese a sus pequeños defectos, «Dandelion» es uno de los álbumes de Country más destacados del 2026. Temas imprescindibles: Choosin’ Texas, Be Her, Dandelion, Bottom of Your Boots, I Gotta Quit y Butterfly Season. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Superbloom» de Jessie Ware

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El estilo musical de Jessie Ware durante sus primeros años de carrera se definía como R&B contemporáneo, Soul y un pop electrónico y sofisticado, dentro de una atmósfera melancólica e íntima. En el año 2020 la cantante inglesa inició un giro radical hacia la música de baile con «What’s Your Pleasure?», un álbum muy interesante que incorporaba elementos Disco, dance-pop, funk y música electrónica, a la vez que Jessie adoptaba una estética más festiva, glamurosa y con cierto toque ‘camp’. Su siguiente álbum, «That! Feels Good!», era un trabajo de carácter hedonista en el que Jessie nos invitaba a celebrar la vida, disfrutar de cada momento y experimentar el placer de los sentidos. «That! Feels Good!» se trataba de un álbum breve pero muy cohesivo, formado principalmente por temas up-tempo de estilo Disco y dance-pop. Este mes de abril ha visto la luz el sexto álbum de estudio de Jessie Ware, titulado Superbloom, que cierra su trilogía centrada en el placer y sigue la estela musical de sus dos anteriores trabajos, sobretodo «That! Feels Good!». Este álbum está formado por 13 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del sonido Disco y dance-pop con influencias funk, Soul y R&B, pero en este caso profundiza todavía más en el sonido Disco de los años 70 y contiene una instrumentación retro con arreglos de vientos y cuerdas. Todos los temas presentes han sido compuestos por la propia Jessie Ware y cuentan con la producción de James Ford, Jon Shave, Barney Lister, TommyD, Karma Kid o Stuart Price (responsable del icónico «Confessions on a Dance Floor» de Madonna, con el que comparte su naturaleza bailable y desenfadada). El single presentación del álbum fue I Could Get Used to This, un tema Disco con cierto toque del R&B clásico que cuenta con una exuberante instrumentación de cuerdas y flauta. ‘I Could Get Used to This’ está compuesto por Jessie junto a Jon Shave y Miranda Cooper (componentes del colectivo Xenomania) y sus letras describen el deseo de detener el tiempo y sumergirse en la euforia de una intensa conexión física y emocional, convirtiéndose en un himno al placer hedonista.

El segundo single lanzado fue Ride, un enérgico tema Disco/House con cierta influencia funk producido por Karma Kid cuyas letras exploran el deseo carnal, la seducción o las fantasías y utiliza metáforas del mundo del Spaghetti Western sobre ‘montar’ durante toda la noche. Este tema contiene una interpolación del icónico silbido del tema principal de la película «El bueno, el malo y el feo» de Ennio Morricone. Como tercer single se lanzó Automatic, un tema dance-pop y Disco con cierto toque synth-pop de los 80 cuyas letras exploran la sensación de perder el control de forma voluntaria cuando estás disfrutando en la pista de la discoteca o bajo el efecto de la atracción por alguien. Entre los temas más destacados de «Superbloom» se encuentran ‘Don’t You Know Who I Am?’, un opulento tema Disco de sonido retro que nos lleva de vuelta a las listas de baile de los años 70 con artistas como Gloria Gaynor y cuyas letras resultan un himno del empoderamiento y reafirmación del valor propio o ‘Sauna’, una sensual canción Disco/funk producida por Stuart Price inspirada en las saunas gays neoyorquinas de los años 70. Dentro de un álbum eminentemente bailable encontramos una balada dedicada a sus tres hijos, ’16 Summers’, que supone el momento más introspectivo y vulnerable del álbum y cuyas letras reflexionan sobre la maternidad y el paso del tiempo.

En resumen, «Superbloom» es un álbum cohesivo, elegante y bien producido, que está formado por un digno conjunto de canciones bailables ejecutadas de manera magistral por parte de Jessie Ware, quien sigue brillando en su faceta de vocalista y compositora. Sin embargo este trabajo empieza a dar muestras de un estancamiento creativo por parte de Jessie Ware ya que repite la fórmula de sus dos anteriores trabajos, especialmente «That! Feels Good!», con el que guarda excesivas similitudes y no muestra ninguna evolución musical. En mi opinión, el resurgimiento del sonido Disco que tuvo lugar a principios de la década del 2020 resultó todo un acierto, ya que proporcionó un soplo de aire fresco al panorama musical y nos regaló algunos de los mejores álbumes pop de los últimos años, sin embargo este género musical tiende a resultar repetitivo y contiene poco margen para la innovación, por lo que todos los temas Disco acaban sonando muy parecidos. Temas imprescindibles: I Could Get Used to This, Don’t You Know Who I Am?, Automatic, Sauna y Superbloom. Puntuación: 7’5/10.