Crítica de “In My Defense” de Iggy Azalea

73a5ae3e7c0b2ad0252755badae63f8f.1000x1000x1Iggy Azalea hizo su debut en el mundo de la música en 2014 con el álbum The New Classic, que contó con el single #1 Fancy (el cual se mantuvo en lo más alto de la lista americana durante 7 semanas consecutivas) y Black Widow, que también tuvo una gran acogida comercial en todo el mundo. The New Classic debutó en el #3 de la lista americana de álbumes, una de las mejores posiciones para una artista femenina de Hip-Hop, vendió más de medio millón de copias en Estados Unidos (fue certificado platino) y recibió varias nominaciones a los premios Grammy, entre ellos mejor álbum de Rap o mejor grabación del año. Dado el buen recibimiento comercial del álbum, The New Classic fue re-editado meses más tarde bajo el nombre Reclassified y con nuevas canciones. Sin embargo, este trabajo recibió algunas opiniones negativas por parte de los expertos musicales por su mezcla de Hip-Hop, Dance y música electrónica y lo tacharon de ser un álbum poco consistente, e Iggy Azalea también recibió críticas por su técnica como rapera, por el hecho de que su físico y aspecto no encajaban dentro del mundo del Hip-Hop, y muchos la acusaron de apropiación cultural. Pese a estos inconvenientes, muchos auguraban un futuro prometedor a Iggy Azalea dentro del Hip-Hop femenino, aunque en esos momentos Nicki Minaj gozaba de un éxito y popularidad superior al de la australiana.

En 2016, Iggy Azalea lanzó el single Team como anticipo de su segundo álbum, titulado en su momento Digital Distortion, sin embargo tras el moderado recibimiento del tema en las listas de venta, la publicación del disco se pospuso e Iggy volvió al estudio de grabación a componer nuevas canciones. Durante 2017 y 2018, siguió probando suerte y lanzando singles hasta encontrar uno con el que pudiera repetir el éxito de Fancy o Black Widow, sin embargo ni Mo Bounce, ni Switch junto a la cantante brasileña Anitta, ni el magnífico Savior recibieron apoyo del público y fracasaron en las listas de venta. El verano pasado la rapera australiana lanzó Survive The Summer, un EP con el que abandonaba el estilo pop-rap de sus últimos singles para volver a un Hip-Hop más duro con el que recobraba su “street credibility”. Ya en el 2019, como primer single de su nuevo proyecto musical, Iggy Azalea escogió Sally Walker, un tema Hip-Hop muy influenciado por el sonido Trap que sampleaba la canción infantil del mismo nombre y resultaba muy original y pegadiza. Este tema recibió buenas críticas de los expertos musicales por el nuevo estilo adoptado por la rapera sin embargo se observaban muchas similitudes con la melodía de “Money” de Cardi B (ambos producidos por J. White Did It). Sally Walker logró entrar en el top 70 de la lista Billboard, convirtiéndose en su mejor posición en años. Con Started, el segundo single, Iggy volvió a dar en el clavo, ya que se trataba de un pegadizo tema mid-tempo Hip-Hop/Trap con un estilo y melodía similar a Sally Walker. En Started, la rapera nos relata que tras sus humildes orígenes consiguió su sueño y ahora es una artista millonaria, y contó con un espectacular videoclip rodado en una mansión de Los Angeles. Tras numerosos retrasos en su lanzamiento y con cambio de título incluido, el pasado 19 de julio vio finalmente la luz su esperado segundo álbum de estudio, titulado In My Defense y publicado bajo su propio sello discográfico. In My Defense está compuesto en su totalidad por Iggy Azalea y producido ejecutivamente por J. White, quien ha imprimido su habitual sonido, un Hip-Hop muy escorado al Trap. Coincidiendo con el lanzamiento del álbum, Iggy ha desvelado el tercer single, Fuck It Up, que cuenta con la colaboración de la prometedora rapera Kash Doll y cuya producción recuerda a la de su hit Fancy. In My Defense está formado por 12 temas de apenas 3 minutos en los que se repite el tempo y la producción de J. White una y otra vez, pero aún así podemos encontrar temas interesantes y que enganchan desde la primera escucha como “Thanks I Get”, “Spend It”, “Freak of the Week”, que cuenta la colaboración del rapero Juicy J, o “Just Wanna”, que cambia la fórmula seguida en el resto de los temas y fue sencillo promocional antes del lanzamiento del álbum.

En resumen, el hecho de que Iggy Azalea haya confiado a J. White la entera producción de su álbum tiene su lado positivo, ya que resulta un trabajo más cohesivo y sólido que su disco debut y lleno de buenos temas como Sally Walker o Started, sin embargo cuando escuchas el álbum entero la producción acaba siendo un poco repetitiva, puesto que J. White ha re-utilizado la base de “Money” de Cardi B en muchas de las canciones del álbum, cambiándola ligeramente. Mientras que The New Classic resultaba variado y divertido, el nuevo álbum de Iggy Azalea es más consistente y maduro, sin embargo no encontramos temazos de la talla de Fancy, Change Your Life, Work o Black Widow. En definitiva, In My Defense ha sido un álbum muy esperado por todos los seguidores y detractores de Iggy Azalea: los primeros para poder disfrutar de las nuevas canciones de su diva, y los segundos para presenciar el más que probable batacazo en las listas de venta de la rapera australiana, la cual lleva encadenando singles de escaso éxito desde hace años. “En su defensa” tengo que decir que es un álbum más que digno y me ha sorprendido gratamente. Puntuación: 7/10. 

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Throwback Review: “Disco Defenders” de Alcazar

R-9182808-1476221703-3618.jpegTras un hiato de 2 años en el que los componentes de Alcazar se tomaron un descanso y se dedicaron a otras actividades (Tess se convirtió en jugadora profesional de poker y Andreas participó en varios musicales), en 2008 regresaron como trío con nueva componente. We Keep On Rockin’ fue el single adelanto de su tercer álbum de estudio, llamado Disco Defenders. Este es quizás el mejor título que podrían haber elegido para su nuevo trabajo, ya que la música de Alcazar siempre ha estado dirigida a las pistas de baile gracias a sus marchosas canciones dance-pop, supieron rescatar el sonido Disco de los años 80 y 90 para darle un toque moderno y son los mayores representantes del nuevo sonido Disco durante el nuevo milenio. We Keep On Rockin’ se trataba de un marchoso tema dance-pop compuesto y producido por el responsable de su gran éxito “Crying At The Discoteque” y obtuvo una buena recepción comercial en Suecia, donde ocupó el #4 en la lista de ventas. Como segundo single se lanzó Inhibitions, otro marchoso tema Eurodance que nuevamente tuvo un buen desempeño comercial, convirtiéndose en el séptimo single top 10 de Alcazar en la lista de ventas de Suecia. A pesar de que los dos primeros sencillos del álbum fueron populares, el siguiente single fue el más famoso gracias a la participación de Alcazar en el Melodifestivalen del año 2009. Stay the Night poseía ese estilo festivalero típico de Alcazar y gracias a su sonido Disco y Eurodance resultó un gran éxito en Suecia, donde fue #2, además de obtener un buen puesto en el festival previo a Eurovisión. Sin duda Stay The Night es uno de los mejores temas del álbum (mi favorito personalmente) y de toda la carrera de Alcazar. Disco Defenders era un álbum doble compuesto por un CD con nuevas canciones y un segundo CD a modo de Greatest Hits con todos los temas más famosos del grupo, por lo que este trabajo resultaba de lo más interesante. Disco Defenders se puso a la venta en marzo del 2009 tras el éxito de Stay the Night y debutó en el #6 de la lista de álbumes de Suecia aunque más tarde ocupó el #4. Como último single del álbum se lanzó Burning, otro tema up-tempo muy bailable y marchoso pero debido a una menor promoción por parte del grupo no gozó de una buena respuesta comercial como los sencillos anteriores.

Alcazar hizo su debut en el mundo de la música en el año 1999 con el tema “Shine On”, el cual tuvo un impacto comercial muy moderado en las listas de venta, al igual que el segundo single “Ritmo del Amor”, sin embargo la entrada en el nuevo siglo y milenio fue muy positivo para el grupo, ya que gracias a su tercer single Crying At The Discoteque (el primer lanzado de manera internacional) Alcazar despuntó en todo el mundo, convirtiéndose en una de las canciones más famosas del año 2001. Este pegadizo y bailable tema dance-pop con influencia de la música Disco de los 80 y 90 fue un gran éxito en Europa (consiguió el top 10 en Alemania, Italia e Irlanda y el top 20 en España y Reino Unido) e incluso tuvo cierta rotación en las radios americanas, convirtiéndose en uno de los singles de un grupo sueco más exitosos a nivel mundial. Estos tres singles fueron incluidos en el álbum debut de Alcazar, llamado Casino, el cual vio la luz en Suecia en el año 2000 y fue lanzado a nivel mundial en 2002 tras el éxito de Crying At The Discoteque. Alcazar lanzó Sexual Guarantee como cuarto single (segundo internacional) y era uno de los temas inéditos en la re-edición de Casino. Sexual Guarantee seguía el toque retro de su predecesor y nuevamente se trataba de un marchoso tema dance-pop y Disco, demostrando que la música de Alcazar estaba dirigida a las pistas de baile. El tercer single internacional fue otra de las canciones inéditas de la nueva edición de Casino, Don’t You Want Me, que era una versión del famoso tema de The Human League y de nuevo hizo su aparición en el componente Dance/Club de la lista americana Billboard.

alcazar-this_is_the_world_we_live_in_s_1En 2003, una vez que Alcazar se había transformado en cuarteto y participado en el Melodifestivalen con el tema Not a Sinner, Not a Saint, publicaron su segundo disco de estudio, llamado Alcazarized y que contaba con las voces principales de los dos componentes masculinos del grupo. Debido al éxito de “Not a Sinner, Not a Saint”, el cual fue #1 en la lista de ventas de Suecia, fue incluido en el disco, aunque el primer single oficial fue Ménage à Trois, un polémico tema que contenía varias frases en francés. Aunque este tema resultaba original y pegadizo y contaba con un videoclip muy sexy ambientado en un hotel, no obtuvo una respuesta comercial muy positiva y apenas ocupó el top 20. Alcazarized debutó en el #2 de la lista de ventas de Suecia y fue re-editado en 2004 con varios temas inéditos como This Is The World We Live In, que se convirtió en el siguiente single del álbum. Se trataba de un marchoso tema Disco/dance-pop que alcanzó el #3 en la lista sueca (una de las mejores posiciones de Alcazar) y resultó el tema más exitoso del grupo en el resto de Europa desde Crying At The Discoteque. Como último single del álbum se lanzó otro de los temas inéditos, Physical, aunque resultó un fracaso en las listas de venta. A finales de 2004 Alcazar publicó un disco recopilatorio de grandes éxitos llamado Dancefloor Deluxe que contaba además con varios temas nuevos entre los que se encontraban Here I Am o Start The Fire, con el que Alcazar anotó otro top 10 en la lista de singles de Suecia.

Originalmente Alcazar estaba formado por Andreas, el cantante principal, y dos chicas que hacían los coros y las segundas voces: la pelirroja Annika y la rubia Tess, sin embargo durante su trayectoria musical Alcazar ha sufrido varios cambios de integrantes. A finales de 2002, tras la promoción de Casino, el trío pasó a ser cuarteto ya que se incorporó a la formación Magnus (el novio por entonces de Andreas), con el que grabaron su segundo álbum de estudio y una compilación de sus grandes éxitos. En 2005, Alcazar se separaron temporalmente y tanto Magnus como Annika abandonaron el grupo de manera definitiva. Cuando se reunieron en 2007, Andreas y Tess invitaron a una cantante amiga suya, Lina, a unirse a ellos durante una actuación y debido a la gran química en el escenario pasó a ser componente definitiva de Alcazar. Como trío, Alcazar publicó en 2009 su último disco de estudio.

Suecia siempre ha tenido una gran tradición musical y se ha tomado muy en serio su participación en el certamen de Eurovisión (el cual ha ganado en seis ocasiones), y prueba de ello es que el festival previo a Eurovisión donde se decide el candidato que representará al país nórdico, el Melodifestivalen, es un evento muy seguido por los suecos. Alcazar también han tenido un gran interés en Eurovisión ya que se han presentado nada más y nada menos que en 5 ocasiones, y aunque siempre han obtenido buenas posiciones en el festival previo, siempre se han quedado a las puertas de Eurovisión y no han podido representar a Suecia. Sus marchosas y bailables canciones de estilo Disco/dance-pop han encajado perfectamente con el tipo de música que suele triunfar en este festival y sus peculiares coreografías y original puesta en escena han hecho de Alcazar el epítome de grupo que participa en Eurovisión. Su primer intento fue en el año 2003 con el tema Not a Sinner, Not a Saint, el cual quedó en tercera posición del Melodifestivalen de aquel año pero se convirtió en el single más exitoso de todos los que participaron, obteniendo el primer single #1 del grupo Alcazar en Suecia. Este tema causó gran polémica (sobretodo en nuestro país) debido a su enorme parecido con la melodía del tema de Mónica Naranjo “No Voy a Llorar/I Ain’t Gonna Cry”, especialmente al principio de la canción. En 2005, Alcazar volvieron a intentarlo con Alcastar y aunque tampoco consiguieron su sueño de representar a su país, nuevamente quedaron en el tercer puesto del festival previo, y el single fue otro éxito para el grupo ya que lograron su segundo #1 en la lista de singles sueca. Alcazar no se rindieron y volvieron a presentarse al Melodifestivalen en los años 2009 y 2010 con los temas Stay the Night, el cual ya contaba con Lina como integrante del grupo tras la marcha de Annika, y que consiguió el #2 en Suecia, y Headlines, quizás el tema menos memorable de todos los que ha llevado el grupo al Melodifestivalen pero que consiguió llegar al #10 en la lista de singles sueca. El último intento de Alcazar por representar a Suecia en Eurovisión fue en 2014 con Blame It On The Disco, una de sus mejores apuestas y que nuevamente acabó en tercera posición y consiguió el #10 en la lista de singles de su país. Teniendo en cuenta que Alcazar se separaron el pasado 2018, podemos decir que no han conseguido su sueño de ir a Eurovisión (Andreas sí lo hizo como parte de otro grupo) aunque pueden estar orgullosos de haberlo intentado en numerosas ocasiones y haber obtenido siempre muy buenas posiciones. Aunque Alcazar están lejos del gran impacto que consiguieron sus compatriotas ABBA, también se han convertido en uno de los grupos suecos más importantes en el mundo de la música. La influencia de ABBA en la música y estilo de Alcazar es evidente e incluso comparten muchas similitudes con el famoso cuarteto, sobretodo en la época del 2002-2005 cuando el grupo estaba formado por 4 componentes, dos masculinos y dos femeninos.

Crítica de “Diosa de la Noche” de Gloria Trevi

gloria_trevi_diosa_de_la_noche.jpg_423682103Diosa de la Noche es el duodécimo álbum de estudio de la cantante mexicana Gloria Trevi, que se puso a la venta a finales del pasado mes de mayo y toma el relevo a “Versus”, el cual fue publicado en 2017 y se trataba de un disco a dúo con su compatriota Alejandra Guzmán. “Diosa de la Noche” es un disco autobiográfico en el que Gloria nos relata sus experiencias personales y amorosas, está formado por un compendio de marchosos temas up-tempo y desgarradoras baladas, y encuadrado dentro del Latin-pop y pop-rock con influencias electro-pop y reggaeton. La canción que abre el álbum es precisamente la que le da título, Diosa de la Noche, que se trata de un marchoso tema Disco y dance-pop dirigido a las pistas de baile en el que la cantante habla sobre el empoderamiento femenino y resulta uno de los temas más bailables del disco. Otro de los temas más llamativos del álbum es sin duda Ábranse Perras, un auténtico himno para subir el autoestima y que lanza un mensaje de sobreponerse a los malos momentos, levantarse y seguir adelante, algo que Gloria Trevi conoce a la perfección, ya que pasó casi 5 años en la cárcel por un delito del que finalmente fue absuelta. Este pegadizo tema mezcla pop-rock con Latin-pop y electro-pop, contiene un estribillo a lo “I Will Survive” y resulta todo un himno para las mujeres y el público gay, el cual ha sido incondicional para la artista mexicana durante toda su carrera. Ábranse Perras es una canción que llama la atención desde el primer momento por el uso de varias palabras como “escándala” y donde presume de tener “culazo, pelazo y cuerpazo”. En la primera escucha este tema resulta un tanto extraño, sin embargo rápidamente se te pega su estribillo ya que resulta altamente adictivo. Aunque la Trevi es fiel a su habitual estilo pop-rock latino, este álbum incorpora otros sonidos de moda como el reggaeton en los temas “Me Lloras”, donde la cantante demuestra que no tiene pelos en la lengua en frases como “soy una máquina del sexo y también una señora”, o el sorprendente “Hijoepu*#”, que resulta muy llamativo por su sinceridad en las letras, en las cuales tanto Gloria como Karol G (la artista invitada en el tema) se despachan a gusto contra sus ex-parejas. 

Aunque “Diosa de la Noche” es un álbum dirigido a las pistas de baile, también hay un gran número de baladas, las cuales permiten a la Trevi expresar sus sentimientos y deleitarnos con su potente y profunda voz, como por ejemplo Rómpeme el Corazón, que se trata de una balada rockera de desamor con influencia de la música tradicional mexicana y ha sido elegida como el último single promocional del disco, “Ellas Soy Yo”, una desgarradora balada con gran trasfondo social en la que rinde un homenaje a las mujeres violadas y maltratadas y trata el tema de la violencia de género, o Vas a Recordarme, otra de las grandes baladas del álbum en la que nuevamente habla de desamor (a pesar de que Gloria está felizmente casada desde hace 10 años). 

La portada de Diosa de la Noche encaja perfectamente con el título del álbum ya que nos presenta a Gloria Trevi como una diva gay y diosa de la fiesta, y nos recuerda la grandiosidad de la portada de su famoso álbum “Una Rosa Blu”. A pesar de que nunca he seguido a Gloria Trevi, con motivo de su visita a España por la celebración del Orgullo Gay en Madrid, la cantante mexicana hizo varias entrevistas promocionales y me sorprendió su simpatía, humanidad y humildad para ser una auténtica celebridad en Latinoamérica, por ello decidí darle una oportunidad a su música y escuchar su último disco y tengo que reconocer que Diosa de la Noche es un álbum interesante que merece la pena añadir a tu playlist veraniego. La Trevi prometió volver a pasar por España con su “Diosa de la Noche Tour”, con el que sin duda hará cantar y bailar a los asistentes con las canciones de su último álbum además de sus clásicos, como “Todos Me Miran” (su mayor éxito en nuestro país), “Pelo Suelto” o “Psicofonía”. En definitiva, Diosa de la Noche es un álbum muy ecléctico en el que la diva mexicana se sincera y no tiene reparos en tratar todo tipo de temas, como el empoderamiento femenino, la exclusión social, las mujeres maltratadas o sus relaciones fracasadas, por ello la composición es uno de los puntos fuertes de este álbum. Sin embargo quienes más disfrutarán este disco son el colectivo gay y sus fans más acérrimos. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de “The One” de Trina

trina-the-oneHan pasado 9 años desde la artista de Hip Hop Trina publicó Amazin’, su último álbum de estudio, el cual fue #13 en la lista de ventas americana y contó con los singles “That’s My Attitude” y “Million Dollar Girl” junto a Keri Hilson y Diddy. Durante este largo lapso de tiempo la rapera de Miami no ha parado de grabar nuevas canciones y ha lanzado varios mixtapes (entre ellos Dynasty 6 o Blue Magic), aunque también ha participado en otros proyectos no musicales, como el reality show “Love & Hip Hop: Miami”, gracias al cual ha recuperado parte de su popularidad perdida. El pasado mes de junio, Katrina Taylor (el verdadero nombre de Trina) publicó The One, su sexto trabajo discográfico, tras numerosos retrasos en su lanzamiento, ya que este disco originalmente iba a ver la luz en 2017. Desde entonces varios singles han sido lanzados, como Fuck Boy, que es un auténtico himno contra los hombres de usar y tirar, está producido por Rico Love y se trata de un tema Hip-Hop/Trap de gran componente electrónico, o la balada Hip-Hop/R&B If It Ain’t Me que cuenta con la colaboración de la cantante K. Michelle y resulta muy similar a su clásico single “Here We Go” en un intento de repetir el éxito de este tema, el cual consiguió la mejor posición de Trina en las listas de venta. Durante este año, con antelación a la publicación de su sexto álbum de estudio, Trina ha seguido lanzando nuevos singles como “Mama”, una emotiva balada R&B/Hip-Hop dedicada a su madre y que cuenta con la participación de la cantante de Gospel Kelly Price, “On His Face”, un tema muy explícito sexualmente en el que colabora Lightskin Keisha, o el marchoso “BAPS” (el acrónimo de Bad Ass Pretty Sagittarius) junto a Nicki Minaj en el que Trina repasa los hombres que han pasado por su vida (French Montana, Lil Wayne o Tory Lanez). Entre las canciones más destacadas de este álbum se encuentran “Situation”, que cuenta con la participación de su habitual colaborador y ex-pareja Lil Wayne, “New Thang” junto a 2 Chainz, o “Get Money”, el único tema del álbum que no cuenta con ningún artista invitado. Uno de los puntos en contra es la inclusión de Fuck Boy en forma de remix con la participación de dos raperas desconocidas en vez de la versión original lanzada en 2017 interpretada sólo por Trina.

Con el lanzamiento de The One, Trina se convierte en la segunda rapera en tener seis álbumes de estudio a la venta, empatando con la legendaria Missy Elliott y haciendo de la rapera de Miami una de las artistas de Hip-Hop con una carrera más estable y consistente. El mundo del Hip-Hop ha cambiado mucho desde que Trina, Missy Elliott, Eve o Lil Kim triunfaban años atrás y hoy en día una nueva generación de jóvenes raperas dominan el Rap femenino como Cardi B o City Girls, sin embargo Trina es una de las pocas artistas de aquella época que continúa lanzando canciones de manera regular y sigue activa en el mundo de la música. En definitiva, aunque The One no es el álbum más sólido de Trina ni supera la gran calidad de sus icónicos trabajos “Da Baddest Bitch” y “Diamond Princess” o los más recientes “Still Da Baddest” y “Amazin”, es un buen álbum de Hip Hop con varias canciones muy interesantes que demuestran que Trina sigue siendo una de las mejores raperas de su generación. Sin ser el mejor álbum de Trina, cualquier canción de este disco supera ampliamente al “Mumble Rap” que inunda las radios americanas hoy en día. Puntuación: 7/10.

Step Back In Time: The Definitive Collection

Kylie_Step_Back_In_Time_Deluxe_RGB_HI-RES_2048xUna de las cantantes pop que puede presumir de tener una carrera más extensa y plagada de éxitos es sin duda la australiana Kylie Minogue, cuya trayectoria musical comenzó a finales de los años 80 y desde entonces, con ciertos altibajos, ha obtenido una gran acogida comercial en Europa y Australia y no ha cesado de llenar las pistas de baile gracias a sus marchosos temas dance-pop y Disco, aunque durante estos 30 años de carrera ha probado con diferentes estilos musicales como el electro-pop, Country o R&B. Dada su larga trayectoria musical, Kylie Minogue posee numerosos discos de Greatest Hits, como por ejemplo “Ultimate Kylie”, que se puso a la venta en 2004 e incluyó el tema inédito “I Believe In You”, el cual se convirtió en un gran éxito en las listas de venta, o “The Best of Kylie Minogue”, publicado en 2012 para celebrar los 25 años de la diva australiana en el mundo de la música. A finales del pasado mes de junio se puso a la venta un enésimo álbum recopilatorio que reúne sus grandes éxitos, llamado Step Back In Time: The Definitive Collection, aunque lo de “definitivo” es un término muy relativo, teniendo en cuenta que la discográfica de la veterana cantante es muy dada a rentabilizar el amplio catálogo musical de Kylie y lanzar numerosos álbumes de grandes éxitos. “Step Back In Time: The Definitive Collection” toma el título de un single de Kylie del mismo nombre lanzado en el año 1993, que formaba parte de su tercer álbum de estudio y fue uno de los singles más exitosos de sus primeros años. Además del largo título, en la portada del disco se puede leer “pop precision since 1987”, que resume a la perfección su carrera musical, ya que ha sido una de las más exitosas y dignas de admirar dentro del mundo del Pop. Dado el extenso catálogo musical de Kylie, Step Back In Time está formado por dos discos (de una manera muy similar a Ultimate Kylie), uno de ellos incluye los temas más icónicos de sus seis primeros álbumes como The Loco-Motion, I Should Be So Lucky, Better The Devil You Know o precisamente Step Back In Time, y el segundo de ellos contiene sus singles más exitosos de los últimos tiempos, como Can’t Get You Out of My Head, Spinning Around, Slow, On a Night Like This, All The Lovers, hasta su más reciente álbum de estudio Golden, representado por el hit Dancing y el segundo single, Stop Me From Falling, pese a que no tuvo un gran impacto comercial.

En este último CD se incluye un tema inédito titulado New York City, que se trata de un descarte de su anterior trabajo Golden, aunque en este caso transformado en un tema Disco/Funk en lugar del sonido Country que poseía dicho álbum. A diferencia de “I Believe In You”, que fue el tema inédito de Ultimate Kylie pero pasó a convertirse en un single imprescindible de la reciente discografía de Kylie, en este caso New York City no creo que forme parte del próximo álbum de lo mejor de la cantante, ya que no aporta nada nuevo a su carrera ni es una canción memorable. Llama la atención que no aparezca ningún tema de “Kiss Me Once”, su penúltimo lanzamiento, ya que aunque no fue un disco especialmente exitoso sí incluyó el más que digno “Into The Blue”, que podía haber sustituido perfectamente en el track listing al segundo single de Golden o a los anodinos “2 Hearts” o “Timebomb” (un single lanzado en 2012 como conmemoración de su 25 aniversario en el mundo de la música pero que no apareció en ningún álbum de estudio). Step Back In Time: The Definitive Collection ha sido lanzado en CD (versión normal y deluxe), vinilo y descarga digital, y hasta la fecha es el disco recopilatorio más completo de Kylie Minogue, sin duda una de las cantantes imprescindibles en la historia del pop y personalmente una de mis favoritas.

Crítica de “Indigo” de Chris Brown

800px-IndigoChrisBrownChris Brown es uno de los cantantes más prolíficos de los últimos tiempos, no sólo por la agilidad con que ha publicado álbumes desde su debut en el año 2005 sino por la extensión que han tenido sus recientes trabajos discográficos, los cuales superan los estándares actuales en el mundo de la música. Heartbreak on a Full Moon, su último disco de estudio, fue lanzado en 2017 y contaba con nada más y nada menos que 45 temas (algo completamente inusual hoy en día), lo que contribuyó a aumentar las ventas del disco debido al alto nivel de streaming acumulado por las canciones. Mientras que muchos artistas suelen lanzar álbumes de tan sólo 10 canciones, Chris Brown demuestra que es un talentoso compositor y para su noveno álbum de estudio, Indigo, nos ha vuelto a ofrecer un trabajo muy extenso, que cuenta con 29 temas (32 en la edición deluxe). Otra de las habituales señas de identidad del polémico cantante es lanzar numerosos singles como anticipo del álbum para crear expectación y en este caso no ha sido diferente ya que Chris nos ha ofrecido un total de 5 sencillos con anterioridad al lanzamiento de su nuevo disco. A nivel musical, Indigo sigue los pasos de “Heartbreak on a Full Moon” y se trata de un álbum de estilo R&B/pop con influencia Tropical House, R&B alternativo y Hip-Hop, y cuenta con una amplia nómina de productores, entre los que destacan Scott Storch (quien fue el responsable de su single debut Run It! y que en este trabajo se encarga de varios temas), Soundz, JR Rotem, Boi-1da, Cardiak o Roccstar entre otros. Al igual que Chris Brown es uno de los cantantes de R&B más solicitados por otros artistas para participar en sus temas, también le gusta rodearse de un buen número de colaboradores en sus álbumes, e Indigo cuenta con artistas de Hip Hop de la talla de Nicki Minaj, Lil Wayne, Drake, Tyga, Gunna, G-Eazy o Juicy J. 

El single presentación del álbum fue Undecided, un pegadizo tema R&B/pop con influencia del sonido Tropical House producido por Scott Storch que ha recibido buenas críticas de los expertos musicales y ha logrado el top 20 en la lista de ventas de Reino Unido y el top 40 en Estados Unidos. Sin duda es uno de los temas más bailables y marchosos del álbum y personalmente mi favorito. Tras Undecided, el cantante lanzó en abril otros dos sencillos promocionales: Back To Love, un marchoso tema R&B/dance-pop también influenciado por el Tropical House en el que Chris declara que el amor le ha hecho ser mejor persona, y Wobble Up, un tema Hip-Hop/R&B de naturaleza sexual que habla del twerking, y cuenta con la participación de los raperos G-Eazy y Nicki Minaj, quienes en sus respectivos versos dan la perspectiva masculina y femenina sobre el famoso movimiento de culo habitual en los clubs. A principios del mes de junio, Chris nos presentó otro single, No Guidance, el cual venía precedido de una gran expectación y polémica teniendo en cuenta el artista invitado que participa. Tanto el rapero canadiense Drake como el protagonista de este post tuvieron en el pasado una relación con Rihanna y a raíz de los malos tratos que sufrió la cantante de Barbados a manos de Chris, ambos iniciaron un “beef” (término muy utilizado en el mundo del Hip-Hop para denominar una rivalidad o pelea entre artistas) aunque acabaron haciendo las paces el año pasado. Centrándonos en el aspecto musical, No Guidance es un medio tiempo de R&B alternativo que ha logrado la mejor posición de Chris en las listas de ventas desde “Loyal” en 2013, y no sólo ha ocupado el top 10 en Estados Unidos, sino también en Canadá, Australia y Reino Unido. Un par de días antes de la publicación de Indigo, el cantante de Virginia nos presentó el single Don’t Check on Me, que se trata de una balada R&B/Soul de sonido casi acústico que cuenta con la colaboración del otro “enfant terrible” del pop americano, Justin Bieber.

Entre los temas más destacados del álbum se encuentran “Indigo”, que da título a este trabajo y resume a la perfección el sonido mid-tempo R&B presente en la mayoría de canciones del disco, el marchoso tema R&B con influencia Tropical House “You Like That”, la balada “Girl of my Dreams” donde Chris demuestra que es un gran vocalista, o “Sexy”, que resulta un auténtico “bed-banger”, cuenta con un gran uso del Auto-Tune y participa su amigo Trey Songz. En resumen, aunque es digno de admirar el talento como compositor de Chris Brown, quien en 15 años de carrera musical ha publicado 9 discos (10 si tenemos en cuenta su álbum conjunto con Tyga), y su dedicación a la música y a sus fans, no se aprecia una gran evolución en sus últimos trabajos y apenas podemos distinguir Indigo de Heartbreak, por lo que quizás lo más acertado para Chris sería descansar un tiempo, llenarse de inspiración y ofrecer un trabajo original y más arriesgado. Sin embargo no estamos ante un trabajo de baja calidad en absoluto, ya que podemos encontrar numerosas canciones muy interesantes, pero un álbum doble con más de 30 canciones se hace pesado y cuesta escucharlo en su totalidad. En definitiva, Indigo no pasará a la historia por ser el álbum más célebre de Chris Brown pero dentro de un año no muy boyante para el R&B, es uno de los mejores trabajos lanzados dentro de este género. Puntuación: 7’5/10. 

Throwback Review: “Da Real World” de Missy Elliott

MI0002037641Hace unos días se han cumplido 20 años del lanzamiento de Da Real World, el segundo disco de estudio de la legendaria Missy Elliott. Este álbum me trae grandes recuerdos ya que varias de las canciones que aparecen en el disco fueron las responsables de que me interesara por el R&B y Hip Hop, los cuales se convirtieron en mis géneros musicales favoritos desde entonces. Da Real World debutó en el #10 de la lista americana de álbumes (#1 en el componente R&B/Hip Hop de Billboard) y acabó siendo certificado platino por ventas superiores al millón de copias en Estados Unidos, al igual que Supa Dupa Fly, el álbum debut de la rapera nacida en Virginia. Las críticas hacia este álbum fueron positivas, ya que los expertos musicales alabaron la producción de Timbaland, que resultaba muy futurista y moderna para aquellos años, además de las rimas y la habilidad de Missy Elliott como rapera y su versatilidad musical. Da Real World contenía una perfecta combinación entre Hip Hop y R&B, resultaba más oscuro que el álbum debut de Missy y contaba con una larga lista de artistas invitados, como Eminem, su protegida Aaliyah, sus amigas Da Brat y Lil Kim, Redman, Lil Mo o Beyoncé, en uno de sus primeros pinitos en solitario fuera de su grupo Destiny’s Child.

El single anticipo del álbum fue She’s a Bitch, un tema Hip Hop up-tempo con gran componente electrónico, y una de las primeras canciones que incluía la palabra “bitch” no con un sentido peyorativo, sino denotando a las mujeres fuertes, empoderadas y que no tienen miedo de decir lo que sienten. El futurista y espectacular videoclip de She’s a Bitch fue dirigido por Hype Williams y costó dos millones de dólares de 1999, convirtiéndose en uno de los más caros de la historia de la música. Aunque era una de las canciones mejores del Da Real World y el single perfecto para presentar el álbum, She’s a Bitch no tuvo un gran impacto comercial y apenas ocupó la parte baja de la lista americana Billboard. Como segundo single, Missy “Misdemeanor” Elliott eligió All n My Grill, un medio tiempo R&B en el que mostraba su faceta como cantante y donde participaban Nicole Wray, que aportaba las notas más altas a la canción, y el rapero Big Boi, perteneciente al dúo Outkast. Para el mercado europeo, se lanzó una versión diferente que incluía un rap en francés del artista MC Solaar, quien gracias a su flow más lento encajaba mucho mejor con la canción. All n My Grill no sólo es una de mis canciones favoritas del álbum sino de toda la trayectoria musical de Missy Elliott. Este single superó el rendimiento comercial de She’s a Bitch en Estados Unidos, donde fue top 20 en el componente R&B/Hip Hop de Billboard y también tuvo un buen desempeño en las listas de venta de Francia, Alemania y Reino Unido, sin embargo fue el siguiente single el que más éxito cosechó de los tres lanzados. Hot Boyz fue el primer tema de Hip Hop que realmente me llamó la atención y gracias al que empecé a explorar en profundidad el rap americano. En la versión del álbum, Hot Boyz contaba únicamente con la participación de la cantante Lil Mo, pero fue lanzado en forma de remix con los raps adicionales de Nas y Eve. Hot Boyz alcanzó el #5 en la lista americana, la mejor posición de Missy en Estados Unidos hasta el momento y permaneció en el #1 del componente Hot Rap Singles durante 18 semanas consecutivas, convirtiéndose en uno de los temas de Hip Hop más exitosos del año. Sin duda un clásico de Hip Hop que nunca pasará de moda.

En resumen, Da Real World fue una gran continuación a Supa Dupa Fly, ya que es un álbum muy futurista, moderno y adelantado a su tiempo, cuenta con varias de las mejores producciones de Timbaland de toda su trayectoria, y además es el perfecto ejemplo de la estrecha relación que surgió entre el Hip Hop y el R&B a finales de los años 90, de la que Missy Elliott fue una de las precursoras. A este álbum le tengo un cariño especial porque fue el primer disco de Hip Hop que compré, gracias a él me aficioné a escuchar Rap americano y descubrí a una de las mejores artistas del género, Missy Elliott, quien no sólo es una gran rapera, sino también una magnífica compositora y productora musical, además de cantante. Da Real World es mi álbum favorito de Missy Elliott, aunque sus siguientes trabajos “Miss E… So Addictive” y “Under Construction” también se encuentran entre mis discos favoritos de Hip Hop de todos los tiempos. Cualquier canción de este álbum es mejor que lo que suena actualmente en las radios urbanas americanas. 

Crítica de “Madame X” de Madonna

4bc501f378850a5c3ef459c8baa19256.jpgLa era Rebel Heart no comenzó de la mejor manera posible, ya que el decimotercer álbum de estudio de Madonna fue filtrado en internet varios meses antes de su lanzamiento, por lo que la discográfica de la veterana cantante, en una rápida maniobra puso a la venta el álbum en iTunes de manera anticipada y quienes lo reservaban podían descargarse inmediatamente las 6 primeras canciones del disco. Por otra parte, el primer single del álbum, “Living For Love”, no obtuvo el éxito esperado y se convirtió en el primer “single anticipo” de Madonna que no entraba en la lista americana Billboard, a lo que hay que sumar que en una de las presentaciones en directo de este tema, Madonna tuvo un problema con el vestuario y cayó varias escaleras abajo, aunque pese a este contratiempo supo continuar con la actuación de manera muy digna. Muchos tomaron esta caída como el presagio de lo que iba suceder con el álbum, ya que la era Rebel Heart había comenzado de una manera muy torcida. Sin embargo pese al traspiés inicial, Rebel Heart recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales, ya que resultaba superior a sus últimos lanzamientos. Por su parte, Madame X, el nuevo álbum de la reina del Pop, ha generado gran expectación entre el público por el misterioso personaje que ha creado Madonna para este proyecto, sin embargo el single anticipo del disco, Medellín, ha despertado reacciones muy variadas por parte de los fans y los críticos musicales, y ha obtenido unas posiciones muy discretas en las listas de venta. Además la actuación de la cantante en el festival de Eurovisión resultó muy polémica por mostrar las banderas de Palestina e Israel (aún cuando estaba prohibida cualquier manifestación política durante el certamen), aunque lo más comentado de la noche fue la mediocre ejecución vocal de Madonna durante el tema Like a Prayer, que fue objeto de grandes críticas por desafinar en varias ocasiones, algo muy criticado teniendo en cuenta que la cantante cobró más de un millón de euros por actuar en Eurovisión (aunque su actuación fue sufragada por un millonario israelí). Por todo ello, podemos considerar que la era Madame X tampoco ha empezado de la mejor forma posible, aunque esto puede cambiar cuando el público escuche las canciones del disco y descubra el ambicioso proyecto que Madonna ha estado preparando durante un largo tiempo. 

Antes del lanzamiento de Madame X hemos podido escuchar varios temas del álbum, como Medellín, un extraño tema electro-pop con gran influencia latina en el que colabora el artista colombiano Maluma, y pese a haber atraído la atención del público por la curiosa mezcla de ambos artistas no ha tenido un gran impacto comercial. Otros de los sencillos promocionales de Madame X han sido I Rise, una balada en la que Madonna pone voz a las personas marginadas y desfavorecidas y resulta todo un himno gracias a su mensaje inspirador, Crave, una insulsa balada mid-tempo con melodía de guitarra e influenciada por el sonido Trap en la que participa el artista Swae Lee, o Future, que se trata de un medio tiempo de sonido reggae en el que participa el rapero Quavo y fue presentado en directo por primera vez en el festival de Eurovisión. Aunque en mi opinión es el mejor tema y el que más me ha gustado de todos los que nos ha adelantado Madonna debido a su mensaje y su influencia reggae, lo cierto es que la anodina aparición de Quavo no aporta nada al tema y es totalmente prescindible, y otro de los puntos negativos es el prominente uso del Auto-Tune en la voz de ambos artistas.

Madame X es un disco introspectivo y personal, pero también cargado de mensajes sociales y políticos, donde las letras de las canciones toman más fuerza que la voz de Madonna, y destaca por el hecho de contar con Mirwais como productor principal (quien fue responsable de su exitoso Music o el polémico American Life), aunque también han participado otros importantes nombres como Diplo, Billboard o Mike Dean. Musicalmente hablando Madame X es un disco muy ecléctico y diverso, ya que el largo período que vivió Madonna en Portugal le sirvió para conocer la cultura del país, su influencia en África, y su conexión con España y el resto de Europa. El conocimiento de la cultura portuguesa y su acercamiento a músicos y artistas de aquel país inspiraron a la veterana cantante a incorporar a su nuevo trabajo la música latina, los ritmos tribales africanos e incluso el fado, fusionándolos con su habitual sonido pop y electro-pop. Madame X está formado en su mayoría por baladas y medios tiempos, que conectan mejor con el mensaje inspirador y reivindicativo que pretende difundir Madonna, como por ejemplo “Dark Ballet”, una oscura balada que contiene un fragmento de la pieza clásica El Cascanueces y es uno de los mejores temas de Mirwais del álbum, o “Killers Who Are Partying”, quizás el tema con mayor inspiración de la cultura portuguesa, que comienza como una balada con melodía de fado para luego transformarse en un medio tiempo electro-pop, y destaca por su gran carga política y social. Aunque dentro del álbum dominan los temas down-tempo también podemos encontrar varias canciones con más ritmo, como “Bitch I’m Loca”, un marchoso tema latin-pop con influencia reggaeton en el que colabora nuevamente Maluma y donde Madonna se atreve a cantar en español, o “Faz Gostoso”, otro de los temas influenciados por la música latina y quizás el más marchoso y bailable, en el que Madonna canta el estribillo en portugués y cuenta con la participación de la joven cantante brasileña Anitta. Sin duda son las dos canciones más pegadizas del álbum y que resultarán las más accesibles al público en general. Otros de los temas más llamativos del álbum y que merecen la pena comentar son “God Control”, que comienza como una balada pero acaba convirtiéndose en un tema Disco, o “I Don’t Search I Find”, el más up-tempo de Madame X, de naturaleza experimental y que recuerda a la era Erotica por su sonido dance y electrónico. 

Mientras que muchos seguidores de la cantante esperaban un disco del tipo Confessions, con canciones bailables y marchosas, Madonna nos ha ofrecido por contra un álbum experimental, íntimo, con gran conciencia social y política, y que no está dirigido a las listas de baile ni resulta comercial, ya que en este punto de su carrera Madonna prefiere hablar de los temas que le preocupan como la libertad, el feminismo y la igualdad. Esto hace que en la primera escucha cueste digerir varias de las canciones presentes, debido a su ritmo lento y su carácter introspectivo. Por esta razón, las letras de las canciones son el punto fuerte de Madame X, por encima de la voz de Madonna, que no destaca especialmente y hace uso de un registro bastante limitado. Probablemente Madame X sea uno de los álbumes de Madonna con menos viabilidad comercial, pero gracias a la enorme y leal base de fans que tiene la Reina del Pop, ha conseguido en su primer día a la venta ocupar el #1 en iTunes en más de 50 países, lo cual es todo un éxito para una artista que lleva casi 4 décadas en el mundo de la música.

El álbum ha recibido opiniones muy variadas por parte de los fans y los expertos musicales, ya que algunos consideran Madame X el mejor disco de Madonna de esta década, mientras otros han sido muy críticos con el álbum y denominan Medellín como el peor single que ha lanzado la cantante en toda su trayectoria. En mi opinión, Madame X cuenta con varias canciones muy interesantes pero en la primera escucha cuesta asimilarlo porque en general no resulta muy accesible ni es tan comercial como sus trabajos anteriores, sin embargo cuando le das otra oportunidad va ganando puntos y permite entender mejor las diferentes facetas del personaje Madame X. Otro de los puntos negativos es que la voz de Madonna aparece muy sintetizada a lo largo del álbum y hay un claro abuso del Auto-Tune, haciendo que Madonna brille en esta ocasión por su faceta como compositora y no como vocalista. Madame X recupera en cierto modo el toque intimista y experimental que tenía American Life, pero sobretodo es el reflejo de la madurez de una artista que ya lo ha conseguido todo en el mundo de la música y sólo pretende enviar su mensaje sobre temas que considera fundamentales como la discriminación, el feminismo, la libertad y la igualdad entre las personas. Puntuación: 7’5/10.

Flying of My Own, el regreso de Céline Dion

celine-dion-flying-on-my-ownEl pasado 8 de junio, la cantante canadiense Céline Dion dio el último concierto dentro de su segunda residencia en Las Vegas, Céline, tras 8 años de continuado éxito en la ciudad del pecado, en los que ha ofrecido 375 shows y recaudado 275 millones de dólares. “Céline” comenzó en marzo de 2011, tras su maratoniana gira mundial Taking Chances, y gracias a ella ha demostrado ser la artista más rentable de Las Vegas, ya que Céline Dion ocupa los dos primeros puestos en el listado de las residencias más exitosas y recaudadoras de todos los tiempos. Recordemos que con su primer show “A New Day”, que tuvo lugar entre 2003 y 2007, Céline Dion recaudó 385 millones de dólares y ofreció 714 shows, convirtiéndose en la residencia más extensa y prolífica de la historia de Las Vegas, además sirvió para cimentar el camino a otros cantantes y grupos que han seguido sus pasos y han decidido establecerse en la ciudad para ofrecer sus espectáculos. Y precisamente en su penúltimo concierto en Las Vegas, Céline Dion decidió cerrar con un broche de oro y presentó un tema inédito, Flying of My Own, que formará parte de su próximo álbum en inglés. La cantante de Quebec ha lanzado este single en las plataformas musicales en su versión en directo, aunque más adelante desvelará la versión de estudio de dicho tema. A diferencia de sus últimos álbumes, donde Céline Dion ha ofrecido su lado más tranquilo mediante baladas y medios tiempos, con “Flying on My Own” nos ha sorprendido con un potente tema dance-pop dirigido a las pistas de baile, y que nos recuerda a los temas más up-tempo procedentes de sus álbumes One Heart y A New Day Has Come. Este tema formará parte de su vigésimo álbum en inglés, Courage, que verá la luz en noviembre de este año. En el mes de septiembre, la artista de 51 años se embarcará en el Courage World Tour, con el que recorrerá de manera extensa Estados Unidos y Canadá y presentará canciones de su próximo disco en inglés. El Courage World Tour será su primera gira mundial desde Taking Chances (10 años atrás) aunque durante estos años ha dado varios conciertos en Europa para promocionar sus álbumes en francés. 

Throwback Review: “9 Lives” de Kat DeLuna

81lMXOv7hXL._SS500_Kat DeLuna es una cantante americana de ascendencia dominicana que inició su carrera musical en solitario en 2007 tras formar parte de un grupo cuando era una adolescente. Kat DeLuna guarda muchas similitudes con Jennifer Lopez, ya que ambas crecieron en el neoyorquino barrio del Bronx, tienen ascendencia latina y se han influenciado del sonido urbano que se respira en el Bronx y de la música latina proveniente de sus raíces hispanas. El álbum debut de Kat DeLuna se titula 9 Lives, fue compuesto en su totalidad por la propia cantante y producido por RedOne, quien por entonces era un desconocido para el gran público pero años más tarde triunfaría en todo el mundo gracias a su trabajo para Lady Gaga o J.Lo. “9 Lives” es un disco muy ecléctico que está formado principalmente por temas up-tempo de estilo dance-pop y R&B, con gran influencia Latin-pop, Dancehall y Hip-Hop. El single anticipo de 9 Lives fue Whine Up (la pronunciación caribeña de la palabra ‘Wind Up’ que significa movimiento de caderas en la pista de baile), que se trataba de un marchoso tema Dancehall en el que colaboraba el artista jamaicano Elephant Man. Whine Up alcanzó el top 30 en la lista americana de singles, obtuvo el premio a mejor tema Latin/Dance en los Billboard Music Latin Awards, y se convirtió en el mayor éxito de su carrera. En el resto del mundo también tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 20 en Canadá, Australia y Francia. El siguiente single fue Run The Show, un bailable y enérgico tema que combinaba R&B/Hip-Hop con sonido reggeaton, contaba con la colaboración del rapero Busta Rhymes y resultaba muy marchoso y pegadizo, convirtiéndose en uno de los temas más destacados del álbum y emblemático dentro de la carrera de Kat DeLuna. A pesar de que tuvo un buen desempeño en el componente Dance y Latin de la lista Billboard, no consiguió entrar en el Hot 100, aunque resultó un gran éxito en varios países europeos como Francia o Bélgica. En un principio estaba previsto que se lanzara Am I Dreaming como segundo single, pero fue cancelado su lanzamiento en favor de Run The Show, sin embargo el tema fue lanzado como parte de la re-edición del álbum en forma de remix junto al cantante senegalés Akon. Mientras que los anteriores singles eran up-tempo, Am I Dreaming se trataba de un romántico tema mid-tempo que mezclaba R&B y Latin-pop, concretamente melodía de bachata. Como último single se lanzó In The End, otro bailable tema dance-pop y electro-pop (esta vez sin un componente latino tan acusado) que resultaba muy similar a las producciones que usaría años más tarde RedOne para Lady Gaga y Jennifer Lopez.

Mientras que los singles lanzados de 9 Lives eran en su mayoría enérgicos temas up-tempo con gran influencia latina, en el resto del álbum podemos encontrar canciones más tranquilas donde dominaba el sonido R&B/pop como la romántica balada “Love Me, Leave Me” o “You Are Only Mine”, que recuerda al estilo de Toni Braxton y cuenta con inspiración latina, o los magníficos medios tiempos “Love Confusion” y “Feel What I Feel”, donde podemos apreciar que Kat es una buena vocalista. En los inicios de su carrera musical, Kat DeLuna tenía un prometedor futuro y un gran potencial, puesto que era una cantante, compositora y bailarina talentosa que podría haber triunfado como lo hizo J.Lo, sin embargo 9 Lives tuvo una recepción muy tibia por parte del público, ya que debutó en el top 60 de la lista americana y apenas vendió 10 mil copias en su primera semana. Su segundo álbum Inside Out vio la luz en 2010, aunque fue publicado de manera limitada en varios países europeos y tuvo un impacto comercial muy reducido. Contó con varios singles destacados como Unstoppable, junto al rapero Lil Wayne, o el polémico Party O’Clock, producido por RedOne, quien tras el relativo fracaso del tema, lo transformó en “On The Floor”, el exitoso single que devolvió a J.Lo al #1 en todo el planeta tras un periodo comercial infructuoso. Siendo más que obvias las similitudes de On The Floor con Party O’Clock, Kat DeLuna se quejó en varias entrevistas de cómo los artistas consagrados roban las ideas y la visión artística a los cantantes emergentes. Tras este segundo álbum, la cantante latina desapareció del panorama musical y apenas hemos sabido nada de ella, pero merece la pena rescatar del olvido a “9 Lives”, el cual lo considero un álbum más de digno.