Crítica de ‘King of R&B’ de Jacquees

JacqueesTras participar en numerosos talent shows y lanzar varios EP’s y mixtapes en un intento por conseguir su sueño de ser un cantante famoso, Jacquees hizo su debut con ‘4275’, su primer álbum de estudio, en el que se rodeó de importantes nombres de la industria musical como Chris Brown, Trey Songz o Jermaine Dupri, ocupó el top 40 en la lista Billboard y contó con el single ‘You’, con el que alcanzó su mejor posición en la lista americana de singles. Meses después, el cantante de Decatur (Georgia) causó gran revuelo en los medios de comunicación y redes sociales debido a unas controvertidas declaraciones en las que se auto-denominaba el ‘Rey del R&B’ de su generación, lo que provocó numerosas reacciones, críticas y burlas del público y sus compañeros de profesión por tal atrevimiento. Tras estos polémicos comentarios, el joven cantante prosiguió con su carrera musical y a finales del 2019 publicó su segundo álbum de estudio, titulado precisamente King of R&B, el cual está formado por 18 canciones compuestas por el propio Jacques encuadradas dentro de un R&B contemporáneo con influencia Hip Hop que abandona las tendencias actuales y al igual que su anterior trabajo cuenta con un gran número de artistas invitados entre los que se encuentran los raperos T.I., Lil Baby, Future, Quavo, Young Thug o Gunna y los cantantes Tory Lanez y Summer Walker. Aunque las letras siguen estando centradas principalmente en el sexo, destaca el hecho de que Jacquees intenta profundizar en el tema del amor y las relaciones, por lo que ‘King of R&B’ resulta más maduro que sus anteriores trabajos. El single presentación fue ‘Your Peace’, un marchoso tema R&B up-tempo que cuenta con la participación de Lil Baby y como segundo sencillo se lanzó ‘Verify’, un tema mid-tempo con uso prominente de guitarra en el que aparecen Young Thug y Gunna. Dentro de ‘King of R&B’ destaca el tema que abre el álbum, ‘King’, muy influenciado por el Hip-Hop y con la colaboración de T.I. en el que Jacquees rinde homenaje a “todos los reyes” que le han precedido y se presenta a sí mismo como el último de una larga línea de miembros dentro de la realeza del R&B. Otros interesantes temas son la balada mid-tempo ‘Superstar’ en la que participa la prometedora cantante Summer Walker o el animado ‘Risk It All’ junto a Tory Lanez que recuerda al estilo de Chris Brown.

Los títulos honoríficos en el mundo de la música suelen ser ‘otorgados’ después de muchos años de éxito debido a un arduo trabajo y son fruto del reconocimiento por parte del público y los expertos musicales, por lo que un cantante prácticamente desconocido como Jacquees se atribuya el título de ‘Rey del R&B’ que ostentan artistas consagrados de la talla de Usher o R. Kelly demuestra no sólo su gran ambición (algo que no tiene porqué ser visto como negativo) sino que resulta muy pretencioso por su parte ya que su carrera apenas ha despegado todavía y no ha destacado especialmente dentro del género R&B. En resumen, sin tener el carisma y la voz de R. Kelly, un físico imponente como el de Trey Songz, las tablas de Usher como ‘show man’ o el talento como compositor de Chris Brown, Jacquees no destaca especialmente en ninguna de estas facetas pero ha sido capaz de crear un buen álbum de R&B, que sin ser una obra maestra es un trabajo más que digno que puede competir con los recientes trabajos de sus compañeros de profesión. Además es digno de admirar que haya intentado presentarnos un R&B actual pero con gran uso de instrumentos en vivo y desprovisto del abuso de sintetizadores y el sonido Trap que ha inundado el género durante los últimos tiempos. Puntuación: 7/10.

Crítica de ‘Translation’ de Black Eyed Peas

TranslationTras un largo tiempo desaparecidos de la escena musical, Black Eyed Peas han regresado este mes de junio con su octavo álbum de estudio, titulado Translation, el cual toma el relevo a ‘Masters of the Sun’, lanzado en 2018 de manera muy limitada, sin apenas promoción y que pasó totalmente inadvertido entre el público a diferencia de sus anteriores trabajos discográficos. ‘Masters of the Sun’ era un álbum de Hip Hop de carácter político y social inspirado en la novela del mismo nombre creada por los miembros del grupo y resultaba el primer álbum de Black Eyed Peas como trío tras la marcha de la vocalista Fergie en 2017. Dicho álbum regresaba al estilo Hip Hop de sus orígenes y marcaba una gran divergencia musical con respecto a ‘The E.N.D.’ y ‘The Beginning’, los cuales estaban encuadrados dentro del sonido EDM y dance-pop y contaban con marchosos temas up-tempo de la talla de ‘Boom Boom Pow’, ‘I Gotta Feeling’ o ‘The Time (Dirty Bip)’ que triunfaron en todo el mundo. A priori, el regreso de Black Eyed Peas no presagiaba nada bueno ya que después de 10 años de su último éxito y sin la presencia de Fergie, quien fue responsable de revitalizar la carrera del grupo, podríamos pensar que el trío no encajaría en el actual panorama musical, sin embargo han decidido subirse al carro del éxito que vive la música latina hoy en día para intentar recuperar su momento de gloria del pasado. Translation es un álbum muy ecléctico que fusiona su habitual sonido Hip-Hop y dance-pop con géneros tan populares actualmente como el Latin-pop, Trap o reggaeton, ‘fusila’ sin piedad grandes temas del pasado a través de samplers y cuenta con una desproporcionada cantidad de artistas latinos de moda como Maluma, J Balvin, Shakira, Nicky Jam, Ozuna o Becky G, además de otros encuadrados dentro del Hip Hop como French Montana o Tyga. Para no ser acusados de apropiación cultural y subirse tarde y mal al estilo musical del momento, Black Eyed Peas han sacado a relucir los “orígenes latinos” de algunos de sus componentes, que se limitan básicamente a que los padres de Taboo son mexicanos y él habla español, puesto que el miembro más famoso del trío, Will.I.Am (compositor, productor y la voz principal del grupo) es afro-americano nacido en Los Angeles y Apl.de.ap es filipino y lo único latino que tiene es su nombre real, de origen español.

El primer single de Translation fue Ritmo, un despropósito de canción que samplea descaradamente el famoso himno Dance de los 90 ‘The Rhythm of the Night’ de Corona y cuenta con la participación del artista de reggaeton J Balvin. Ritmo, originalmente titulada como ‘Ritmo (Bad Boys For Life)’ debido a su inclusión en la banda sonora de la película de idéntico título protagonizada por Will Smith, es un tema que mezcla Hip Hop, Latin-pop y reggaeton donde J Balvin recurre a los tópicos de las canciones reggateton y menciona a la cantante española Rosalía. Ritmo ha logrado una gran acogida en todos los países de Sudamérica, España o Italia aunque en el mercado anglosajón no ha logrado tal nivel de éxito, sin embargo apenas alcanzó el top 40 en Estados Unidos. Tras ‘Ritmo’ llegó Mamacita, un tema reggaeton que samplea el clásico de Madonna ‘La Isla Bonita’ y en el que participa el cantante puertorriqueño Ozuna. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado como tercer single el extraño tema No Mañana, que se trata de un híbrido que mezcla Dancehall, reggeaton y Hip Hop y resulta irritante debido a la desagradable voz de El Alfa, el artista invitado. Dentro de Translation podemos reseñar ‘Girl Like Me’, un marchoso tema Dancehall en el que aparece Shakira (la cual realiza unos gritos insoportables) y donde los componentes del grupo establecen su preferencia por las mujeres latinas como la cantante colombiana, ‘Feel The Beat’, que cuenta con la participación de Maluma y samplea el hit de los 80 ‘Can You Feel The Beat’ o ‘Vida Loca’ junto a Nicky Jam y el rapero Tyga en el que los Black Eyed Peas se superan y fusilan el clásico ‘U Can’t Touch This’ de MC Hammer y otro tema de Rick James.

El hecho de que 10 de los 15 temas que componen Translation cuenten con artistas invitados, diluyendo en gran medida la verdadera personalidad de Black Eyed Peas, el uso y abuso de samplers tan famosos como ‘La Isla Bonita’ de Madonna o ‘The Rhythm of the Night’ de Corona, unas letras vacías de contenido con un spanglish que chirría y la producción desfasada por parte de Will.I.Am son razones más que suficientes para convertir a este álbum en uno de los más flojos lanzados durante este 2020. Sin embargo las jóvenes generaciones que escuchan reggaeton y siguen a artistas como J Balvin, Becky G, Ozuna o Maluma estarán encantados con este tipo de canciones y al ser los que más música consumen en la actualidad han conseguido que Black Eyed Peas vuelvan a posiciones altas en las listas de ventas que no habrían logrado sin subirse al carro de la música latina. El único punto a favor del álbum es su carácter entretenido, marchoso y apropiado para las pistas de baile, pero no para escuchar en tu día a día. Puntuación: 4/10.

Crítica de ‘City on Lock’ de City Girls

City on LockEl pasado sábado fue publicado por sorpresa el segundo álbum de estudio de City Girls, titulado City on Lock, tras haberse filtrado todo su contenido en internet, por ello el dúo de raperas de Florida decidieron adelantar su lanzamiento antes de lo que tenían pensado. City on Lock recoge el testigo de Girl Code, el cual fue lanzado en noviembre de 2018 mientras una de dos las componentes, Jatavia Johnson (más conocida como JT) se encontraba en prisión por fraude en tarjetas de crédito. Girl Code recibió buenas críticas de los expertos musicales y contó con los exitosos singles ‘Twerk’ y ‘Act Up’, los cuales ocuparon el top 40 en la lista de singles americana y fueron certificados platino en Estados Unidos. Debido al encarcelamiento de JT, la otra componente del dúo, Yung Miami cogió las riendas de City Girls y se esforzó en promocionar el álbum, realizar videoclips y presentar las canciones de ‘Girl Code’ en directo pese a no contar con la presencia de su compañera y amiga. La buena acogida de ‘Girl Code’ dentro del circuito urbano americano aumentó notablemente la popularidad del grupo y sobretodo la de Yung Miami, cuya presencia fue solicitada por numerosos artistas, incluso cuando se encontraba en un avanzado estado de embarazo. En octubre del año pasado, una vez que JT salió de prisión, City Girls entraron en el estudio de grabación para dar forma a ‘City on Lock’, su segundo álbum de estudio y tercer trabajo discográfico, ya que a principios del 2018 lanzaron la mixtape Period. ‘City on Lock’ está formado por 15 canciones Hip-Hop/Trap con una duración de apenas 2 minutos compuestas por ambas artistas y cuenta con la participación de importantes nombres de la escena Hip Hop como Lil Baby, Yo Gotti, Lil Durk o la prometedora cantante y rapera Doja Cat.

El single presentación del álbum ha sido Jobs, un tema Hip Hop mid-tempo con gran influencia Trap cuya base recuerda a ‘Throw It Back’ de Missy Elliott y en el que hablan de que debido a su éxito en el mundo de la música ya no tendrán que realizar trabajos precarios. En el videoclip del tema, desvelado el mismo día que salió el álbum, Yung Miami y JT son despedidas de su trabajo en una cadena de comida rápida y deciden ganarse la vida creando una cuenta en OnlyFans. En ‘City on Lock’ encontramos sus habituales letras muy explícitas acerca de los hombres sin blanca que intentan acercarse a ellas por su fama y dinero como en ‘Broke Niggas’ donde participa Yo Gotti, reivindicando su sexualidad como en ‘Pussy Talk’ en la que aparece Doja Cat o demostrando que son unas mujeres empoderadas y seguras de si mismas, como en ‘Flewed Out’, con la colaboración de Lil Baby, con quien ya trabajaron en su anterior álbum. Dentro de un año en el que las grandes figuras del Hip Hop han estado ausentes y su lugar lo han ocupado raperos de poca monta sin habilidades para rapear y crear rimas de calidad, es de agradecer que aparezcan álbumes como ‘City on Lock’, que resulta uno de los álbumes de Hip Hop más interesantes del año. Sin embargo JT y Yung Miami tendrán que competir con otras mujeres raperas que vienen pisando muy fuerte como Meghan The Stallion o Doja Cat, las cuales han logrado el #1 en la lista americana en fechas recientes, lo que demuestra que el 2020 está siendo el año del Hip Hop femenino. Temas imprescindibles: City on Lock, Jobs, Pussy Talk, Broke Niggas y Flewed Out. Puntuación: 7’5/10.

Los mejores álbumes del 2020 (1ª parte)

El 2020 está siendo un año extremadamente inusual debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus, la cual ha afectado a todos los sectores de la economía, que se han tenido de adaptar a la profunda crisis que han provocado los meses de confinamiento y el parón de la actividad industrial. El sector del ocio ha sido uno de los más afectados y si nos centramos en la industria musical podemos afirmar que ésta ha sufrido una caída brutal en sus principales fuentes de ingresos, por todos los conciertos y festivales de música que han sido cancelados y la ausencia de ventas de discos en formato físico. Algunos artistas que tenían pensado lanzar sus álbumes durante esta primavera decidieron posponer la fecha de publicación hasta que las condiciones sanitarias “volvieran a la normalidad” y pudieran realizar promoción, mientras que otros valientes siguieron con sus planes originales y lanzaron disco pese a la extraña situación que hemos vivido, algo que es de agradecer y alabar. Aunque este año haya sido atípico desde mediados de marzo y el número de lanzamientos se haya reducido de manera considerable, hemos sido testigo de la publicación de varios álbumes muy interesantes que nos han acompañado durante los duros momentos del confinamiento. Desde el blog MiSTeR MuSiC haré un repaso de los mejores álbumes que se han lanzado durante la primera mitad de este 2020.

Rare5. RARE de SELENA GOMEZ.

Una de las primeras artistas que inauguraron el 2020 fue Selena Gomez, quien publicó su tercer disco de estudio, Rare, el 10 de enero. Aunque la mayoría de las discográficas suelen situar entre noviembre y diciembre la mayoría de los lanzamientos para beneficiarse del lucrativo periodo navideño, el equipo de Selena Gomez decidió ignorar esta regla no escrita de la industria musical. El hecho de que la cantante texana llevara más de 4 años sin publicar álbum unido a que cuenta con una base de fans muy leal y goza de una gran popularidad entre los más jóvenes fueron razones más que suficientes para que sus numerosos seguidores se lanzaran en masa a adquirir su nuevo álbum y no se notara el hecho de que Rare fuera publicado en una fecha tan poco agradecida de cara a las ventas. Durante este amplio lapso de tiempo Selena ha sufrido graves problemas de salud que le han mantenido alejada del mundo de la música, sin embargo ha seguido lanzando varios singles desde su último disco y ha colaborado con otros artistas. Aunque durante 2017 y 2018 lanzó varios sencillos como anticipo de su nuevo trabajo discográfico, no fue hasta octubre del año pasado cuando vieron la luz los verdaderos singles presentación de Rare, que se trataban de dos temas muy diferentes entre sí que mostraban la variedad musical del álbum. Primero llegó ‘Lose You To Love Me’, una emotiva balada a piano compuesta por la propia Selena junto a sus habituales colaboradores Justin Tranter y Julia Michaels y producida por Mattman & Robin. Esta balada de desamor tenía un mensaje de auto-empoderamiento y recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por la vulnerabilidad y honestidad mostrada por Selena, además tuvo un gran impacto comercial y se convirtió en su primer #1 en Estados Unidos. Un día después de ‘Lose You To Love Me’ llegó ‘Look At Her Now’, en el que la cantante cambiaba totalmente de registro y nos ofrecía un marchoso tema up-tempo de estilo dance-pop y electro-pop aunque compartía el mensaje de su anterior single de sobreponerse a las adversidades. Pese a que resultaba a priori una apuesta comercial más acertada por su carácter up-tempo y bailable, ‘Look At Her Now’ no logró una acogida tan positiva como la balada. Rare es un álbum personal y autobiográfico en el que Selena relata sus problemas de salud y todas las experiencias personales y amorosas que ha vivido durante estos últimos años, de ahí que haya compuesto todos los temas presentes en el disco. El tercer álbum de Selena contó con la producción de sus habituales colaboradores Mattman & Robin además de otros importantes productores como Ian Kirkpatrick, Jason Evigan, Rami o The Monsters & The Strangerz y está formado por canciones pop con influencia del dance-pop, synth-pop y R&B. Selena Gomez nunca se ha caracterizado por ser una gran vocalista ya que posee un registro muy limitado, sin embargo tiene una voz personal y un carisma que ha atraído a una legión de fans desde sus comienzos en el mundo de la música. Aunque comparte ciertos puntos en común con Revival, su anterior disco de estudio, Rare resulta menos experimental y alternativo que éste último aunque tiene un balance perfecto entre temas up-tempo y baladas y contiene varios temas muy interesantes que nos muestran los avatares personales y amorosos que ha vivido Selena durante los últimos años. Además Rare destaca por un mayor uso de instrumentos en vivo en muchas de las canciones y tiene un menor componente electrónico que su predecesor. Sin ser una obra maestra, Rare resulta agradable, ameno y disfrutable, por ello forma parte de este repaso a los álbumes más importantes de este 2020. Puntuación: 7/10.

Chromatica4. CHROMATICA de LADY GAGA.

En su habitual línea de dar pena sacando a la luz enfermedades y traumas pasados, Lady Gaga se ha vendido a sí misma como una de las grandes afectadas por la pandemia del coronavirus al tener que aplazar el lanzamiento de su nuevo álbum, sin embargo no lo ha sido tanto ya que pudo haber lanzado el disco en las fechas originales sin mayor problema puesto que otros cantantes lo han hecho con gran éxito (como Dua Lipa) pese a la disminución de la promoción debido a razones obvias. Lady Gaga tenía previsto publicar su sexto disco de estudio, Chromatica el pasado 10 de abril pero decidió posponer su lanzamiento hasta que las circunstancias fueran más propicias, sin embargo en un arranque muy coherente por su parte el álbum vio la luz a finales de mayo, cuando la pandemia sacudía fuertemente a Estados Unidos, el mercado más importante para la polémica cantante. Dejando a un lado esta incoherente estrategia comercial, nos encontramos ante uno de los discos más esperados del año ya que tras su coqueteo con el Country y el pop/rock de ‘Joanne’ y su participación en la banda sonora de ‘A Star Is Born’, donde continuó con su imagen de artista seria y madura, con su nuevo álbum Lady Gaga ha regresado a sus raíces pop y ha rescatado de nuevo su imagen extravagante. Chromatica abandona las baladas dramáticas como ‘Shallow’ para centrarse exclusivamente en temas up-tempo de estilo dance-pop y electro-pop con gran influencia del sonido House. Aprovechando el momento nostálgico que vive el pop actualmente y al igual que Dua Lipa se inspiró en el sonido Disco de los años 70 y 80, Lady Gaga se ha influenciado del Dance y House que triunfaban en los 90 para dar forma su nuevo trabajo, que reduce el relleno al mínimo y está formado por temas dirigidos a las pistas de baile aunque la temática vaya más encaminada a mostrarnos cómo ha superado las adversidades y los duros momentos del pasado. El primer single del álbum, ‘Stupid Love’ llegó en febrero y aunque resultaba marchoso y pegadizo no dejaba de ser un tema poco arriesgado e innovador que muchos tacharon de básico y menos eficaz que sus habituales primeros singles. Tras la tibia acogida de ‘Stupid Love’ (que fue un éxito en ciertos países pero marcó mínimos en la carrera de Lady Gaga en otros importantes mercados) y coincidiendo con la publicación del álbum, la artista neoyorquina sacó todos los tanques y nos ofreció su esperada colaboración con Ariana Grande en ‘Rain On Me’, un bailable tema dance-pop y House que esta vez sí la devolvió al #1 en las listas de ventas. Chromatica contiene grandes temas que pueden pueden ser singles muy potentes como Replay, Free Woman, Fun Tonight o 911 y supera ampliamente la calidad de Joanne y Artpop, de ahí que lo considere uno de los mejores discos del año, aunque se tiene que conformar con el cuarto puesto. Puntuación: 7’5/10. 

All Monsters Are Human3. ALL MONSTERS ARE HUMAN de K. MICHELLE.

El 31 de enero resultó ser un día de extrema competencia en el mundo de la música ya que se produjeron numerosos lanzamientos de discos de importantes artistas como Kesha, Meghan Trainor, Louis Tomlinson o nuestra protagonista, K. Michelle. La cantante nacida en Memphis publicó su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters All Human, que tomaba el relevo a ‘Kimberly: The People I Used To Know’, lanzado en 2017, lo que supuso el lapso de tiempo más amplio entre disco y disco dentro de su carrera, ya que desde sus inicios en el mundo de la música se ha caracterizado por su gran agilidad al lanzar álbumes. En la actualidad K. Michelle es una de las pocas cantantes que podemos encuadrar dentro del R&B más tradicional y clásico puesto que dicho género se ha visto influenciado durante los últimos años por la música electrónica y el desmedido uso de los sintetizadores y ha perdido parte de su esencia y sus orígenes, sin embargo la cantante de Tennessee se ha mantenido fiel al R&B de los años 90 y 2000 y es una de las escasas representantes del ‘verdadero R&B’ que ha ido desapareciendo a lo largo de los años. ‘All Monsters Are Human’ está formado por 13 temas compuestos por la propia Kimberly y destaca por el hecho de que es su primer trabajo como artista independiente tras dejar su antigua discográfica por los resultados tan mediocres que cosechó su último disco. Dentro del álbum podemos encontrar las clásicas baladas R&B/Soul por las que es conocida K. Michelle como ‘That Game’ o ‘The Worst’ además de otros originales temas como ‘Just Like Jay’, que se trata de un medio tiempo pop/R&B con cierta influencia Country o ‘Love On Me’, un animado tema pop/R&B que supone el momento más up-tempo del álbum. El primer single del álbum fue ‘Supahood’, un marchoso tema R&B/Hip-Hop con influencia Trap que contaba con la participación de las raperas City Girls y Kash Doll y donde la cantante mostraba su lado más urbano y tras él llegó ‘The Rain’, una fantástica balada mid-tempo producida por Jazze Pha que nos trae de vuelta la verdadera esencia del R&B. Tras el pequeño tropiezo que supuso su anterior disco ‘Kimberly: The People I Used To Know’, el cual era excesivamente largo, algo aburrido y resultaba menos sólido y consistente que sus tres magníficos primeros discos, con ‘All Monsters Are Human’ la cantante ha recuperado su habitual nivel y nos encontramos ante un trabajo de gran calidad en el que no sobra ningún tema y donde podemos disfrutar de la maravillosa voz de Kimberly y sus habilidades como compositora en las que relata todas las experiencias por las que ha pasado durante estos últimos años. Puntuación: 8/10. 

After Hours2. AFTER HOURS de THE WEEKND.

Aunque The Weeknd publicó su cuarto álbum de estudio After Hours el 20 de marzo, cuando comenzaba el confinamiento en varios países europeos y la pandemia avanzaba a pasos agigantados, gran parte de la promoción del mismo se había producido los meses anteriores y los dos singles lanzados ya llevaban un tiempo en los primeros puestos de las listas de venta, por lo que su publicación en una fecha tan arriesgada no le pasó factura a las ventas del mismo. After Hours debutó en el #1 de la lista americana con más de 400 mil unidades vendidas (incluyendo más de 250 ejemplares de ventas puras, es decir en formato físico y digital) convirtiéndose en uno de los debut más importantes del año en Estados Unidos y su tercer disco #1 consecutivo. Gran parte del éxito logrado por el álbum se debió a la excepcional respuesta por parte del público de los dos primeros singles, que vieron la luz en noviembre del año pasado. Primero llegó Heartless, un enigmático medio tiempo R&B/Trap en el que el artista canadiense admitía que tras la ruptura con su ex-pareja había vuelto a su vida disoluta de soltero desalmado. Este single de sonido urbano encajaba mejor con los gustos americanos y debutó en el #1 de la lista de singles de Estados Unidos (su cuarto ‘chart topper’) sin embargo The Weeknd tenía guardado otro as en la manga de cara al mercado internacional. Un par de días después de lanzar Heartless llegó Blinding Lights, un marchoso tema synth-pop y dance-pop de corte retro inspirado en el estilo new-wave de los años 80 y producido por el rey Midas del pop Max Martin. Blinding Lights recuperaba el carácter up-tempo y comercial de su hit ‘Can’t Feel My Face’, recibió grandes críticas de los expertos por su naturaleza bailable, superó todas las expectativas y se ha convertido en uno de los temas más importantes de lo que llevamos de año. Blinding Lights sigue liderando actualmente la lista de singles más vendidos a nivel mundial y ha alcanzado el #1 en más de 20 países incluyendo Estados Unidos, Australia, Francia, Alemania, Reino Unido o España. El tercer single, ‘In Your Eyes’, llegó una semana después del lanzamiento del álbum y se trataba de otro marchoso tema synth-pop de sonido retro influenciado por la música Disco. After Hours combina las dos facetas musicales que posee el cantante: por una parte el R&B alternativo con influencia Trap al que estamos acostumbrados los seguidores originales de The Weeknd y por otra el sonido dance-pop y synth-pop a través de temas más comerciales de carácter up-tempo con los que amplió su popularidad y conquistó a un público masivo. Aunque con su anterior álbum ‘Starboy’ The Weeknd había puesto el listón muy alto, ‘After Hours’ sigue manteniendo su gran calidad y por ello ocupa la medalla de plata en este repaso a los mejores álbumes lanzados durante la primera mitad del 2020. Puntuación: 8/10.

Future Nostalgia1. FUTURE NOSTALGIA de DUA LIPA.

Una de las artistas que más se ha visto afectada por la inusual situación que vivimos ha sido sin duda Dua Lipa, la cual tenía pensado lanzar su esperado segundo álbum de estudio a principios del mes de abril, pero debido a la filtración de todo su contenido en internet su discográfica decidió adelantar una semana su publicación y finalmente vio la luz el 27 de marzo, cuando el coronavirus estaba en su peor momento en Europa y muchos de los países cerraban fronteras para detener la pandemia. A través de sus redes sociales, una Dua Lipa rota y llorando comunicaba a sus seguidores que el álbum se iba a publicar una semana antes de lo previsto en pleno inicio de la pandemia, pero lo que no sabía en ese momento es que Future Nostalgia se beneficiaría en gran medida de ser una de las pocas artistas que lanzaba nueva música durante aquellas fechas. Future Nostalgia debutó en el #2 de la lista británica casi empatada en cifras con el grupo 5 Seconds of Summer, quienes consiguieron llevarse el gato al agua, sin embargo gracias al alto nivel de streaming en su segunda semana a la venta ascendió al #1 convirtiéndose en el primer disco de la cantante de ascendencia albanesa que conseguía llegar al puesto de honor en Reino Unido. En el resto del mundo Future Nostalgia fue un auténtico éxito y ocupó el top 5 en todos los mercados importantes incluyendo Estados Unidos, donde alcanzó el #4, su mejor posición hasta la fecha. El segundo álbum de estudio de Dua Lipa se alejaba del EDM (Electronic Dance Music) y el Tropical House de su primer álbum para profundizar en un sonido Disco, dance-pop y electro-pop inspirado en la música de baile de los años 80 y 90 de artistas como Kylie Minogue o Madonna. Future Nostalgia es un disco muy breve de sólo 11 canciones y apenas media hora de duración pero no contiene ningún relleno y está formado por temas up-tempo de corte retro con el objetivo de sonar atemporal y fuera de las modas imperantes. Future Nostalgia fue aclamado por la crítica por su carácter bailable y desenfadado y se ha convertido en uno de los discos con mejores críticas de lo que llevamos de año. Future Nostalgia se merece el puesto de honor en este repaso a los mejores álbumes lanzados hasta la fecha ya que incluye joyas pop como los tres primeros singles, Don’t Start Now, Physical o Break My Heart y otras canciones tan interesantes como Love Again o Levitating que tienen todas las papeletas para ser futuros singles por su gran calidad. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: ‘The Alesha Show’ de Alesha Dixon

Alesha ShowLa cantante inglesa Alesha Dixon se dio a conocer en el mundo de la música tras formar parte del grupo femenino Mis-Teeq, el cual tuvo una vida comercial muy breve pero exitosa en Reino Unido, donde lograron dos álbumes top 10 en la lista británica y 7 singles top 10. Mis-Teeq destacaban por su sonido R&B, Garage y Hip-Hop y mientras que Sabrina era la voz principal del grupo y Su-Elise hacía las segundas voces, Alesha asumía el papel de rapera. Tras la separación de Mis-Teeq en 2005, Alesha Dixon se casó con el rapero inglés Harvey y empezó a trabajar en su álbum debut en solitario, Fired Up, el cual se puso a la venta de manera muy limitada y apenas tuvo repercusión internacional. En 2007 participó como concursante en la cuarta temporada del concurso de TV de Reino Unido ‘Strictly Come Dancing’, en el que resultó ganadora gracias a sus grandes habilidades como bailarina. Inspirada por la música tradicional que aparecía en el show y con su popularidad en su mejor momento, Alesha Dixon entró en el estudio de grabación para dar forma a su segundo álbum de estudio, titulado The Alesha Show, el cual vio la luz en noviembre de 2008. The Alesha Show está formado principalmente por temas up-tempo pop/R&B de corte retro y varias baladas compuestas en su mayoría por la cantante inglesa bajo la producción de Xenomania, Soulshock & Karlin o The Underdogs entre otros. En contraposición a sus días dentro de Mis-Teeq, en su carrera en solitario Alesha dejó a un lado su faceta como rapera y nos mostró que era una cantante versátil con una bonita voz. El álbum debutó en el #11 de la lista británica de álbumes y acabó siendo certificado platino en Reino Unido con ventas superiores a los 300 mil ejemplares. En el resto de Europa tuvo un rendimiento moderado y ocupó el top 40 en las listas de venta de España y Francia. 

El single presentación del álbum fue The Boy Does Nothing, un marchoso tema pop/R&B retro con influencia Swing y Mambo producido por Xenomania en el que Alesha de manera cómica reprochaba a sus anteriores parejas que no le ayudaran en las tareas del hogar y fueran perezosos (“¿él se lava? no se lava, ¿él limpia? no nunca limpia, el chico no hace nada”). Además también declara que en el caso de conocer a un chico en la discoteca, si no sabe bailar es una razón más que suficiente para no darle una segunda oportunidad. Este divertido tema recibió críticas muy positivas por sus pegadizas letras y resultó un éxito en las listas de venta: fue #5 en Reino Unido, ocupó el top 10 en Australia o Italia y alcanzó su mejor posición en Francia y España, donde resultó muy popular y fue #2. Tras la gran acogida de ‘The Boy Does Nothing’ se lanzó como segundo single Breathe Slow, un tema mid-tempo R&B/synth-pop que nos mostraba el lado más emotivo y romántico de la cantante. Breathe Slow superó el desempeño del primer single en Reino Unido y alcanzó el #3, la mejor posición de Alesha en su carrera musical. El tercer single fue Let’s Get Excited, un enérgico tema dance-pop y electro-pop que resultaba uno de los temas más up-tempo y bailables del álbum. En las letras de ‘Let’s Get Excited’ Alesha nombra a Madonna, una de sus ídolos y mayores influencias musicales. Coincidiendo con la re-edición de ‘The Alesha Show’ fue lanzado un nuevo single, To Love Again, que se trataba de una bonita balada pop/R&B compuesta y producida por Gary Barlow, componente de Take That. Dentro del álbum merece la pena mencionar el coqueto y simpático tema retro ‘Cinderella Shoe’, ‘Ooh Baby I Like It Like That’, un bailable tema Disco/dance-pop o ‘Chasing Ghosts’ en el que Alesha habla de la fama.

Salvando las diferencias, podríamos considerar a Alesha Dixon como la Beyoncé británica ya que ambas saltaron a la fama tras pertenecer a un famoso grupo femenino (Mis-Teeq fueron “las Destiny’s Child inglesas”) y ambas son cantantes, compositoras y bailarinas talentosas que se desenvuelven muy bien en el escenario. Aunque Alesha Dixon no es una vocalista extremadamente brillante y tiene un rango vocal bastante limitado, en su carrera en solitario nos sorprendió por tener una bonita y cálida voz y demostró que en directo se podía defender perfectamente. Tras ‘The Alesha Show’, el álbum más famoso de su carrera, inició una espiral decreciente en su éxito comercial y sus discos sucesivos han tenido un escaso impacto entre el público y por ello se centró en su papel de jueza en numerosos ‘talent shows’ como ‘Strictly Come Dancing’ o ‘Britain’s Got Talent’. En resumen, Alesha Dixon es una cantante muy infravalorada que merece mucho más reconocimiento del que ha tenido y ‘The Alesha Show’ es un álbum más que digno compuesto por divertidas y simpáticas canciones para bailar y pasarlo bien. Puntuación: 7’5/10.

Throwback Review: ‘This Is Me… Then’ de Jennifer Lopez

This Is Me...ThenTras la buena recepción comercial de ‘J.Lo’, la cantante Jennifer Lopez lanzó un año después ‘J To Tha L-O!’, un disco con remixes de los temas más famosos de sus dos primeros álbumes que resultó un éxito de ventas en Estados Unidos y se convirtió en el primer disco de remixes en alcanzar el #1 en la lista americana en la historia de la música, contó con dos singles top 10 y se sitúa en el top 5 de los discos de remixes más vendidos de todos los tiempos. A finales del año 2002 la cantante neoyorquina publicó su tercer álbum de estudio, This Is Me… Then, cuyo título hace referencia al carácter personal e introspectivo de sus canciones, las cuales estaban co-escritas por la propia Jennifer Lopez, quien asumió un mayor papel en el proceso creativo que en sus anteriores trabajos. Las letras de este álbum giran alrededor del amor y está dedicado al actor Ben Affleck, con quien estaba saliendo durante aquella época y le escribió las siguientes palabras en el libreto del disco: “eres mi vida, mi única inspiración para cada letra, cada emoción y cada sentimiento”. Jennifer Lopez confió en su habitual colaborador Cory Rooney para dar forma a este trabajo además de otros productores como Troy Oliver o Trackmasters y en él abandonaba el dance-pop para adentrarse de lleno en un sonido R&B/Soul más adulto (con ciertas pinceladas pop y Hip Hop) que encajaba mejor con el contenido del álbum. A diferencia de ‘J.Lo’ este trabajo profundiza en los medios tiempos y baladas, apenas cuenta con temas up-tempo y destaca por el gran uso de samplers de canciones Soul de los años 70, lo que otorga al disco un sonido retro. El tercer álbum de estudio de Jennifer Lopez recibió críticas muy variadas de los expertos musicales: por una parte se alabó la evolución musical y su mayor implicación en la composición sin embargo se criticó la gran similitud existente entre los temas presentes, el escaso rango vocal de la cantante, la repetitiva producción y el contenido excesivamente ‘blando’ en contraposición al carácter marchoso y alegre de su música hasta entonces. ‘This Is Me… Then’ debutó en el #2 de la lista americana de álbumes con más de 300 mil ejemplares en su primera semana a la venta, obteniendo las mejores cifras de su carrera y acabó siendo certificado doble platino por ventas superiores a los dos millones y medio de copias. En el resto del mundo, aunque tuvo un rendimiento comercial inferior a ‘J.Lo’, ocupó el top 5 en Canadá, Francia y Alemania y fue top 20 en Reino Unido, Australia o España.

Aunque ‘This Is Me… Then’ está compuesto principalmente por temas mid-tempo, los dos primeros singles extraídos podemos considerarlos como una excepción a lo que encontramos dentro del álbum y no representan la esencia del disco ya que incorporan un gran toque urbano y Hip Hop reminiscencia de su reciente disco de remixes. El single presentación fue Jenny From The Block, un tema Hip-Hop/R&B up-tempo producido por Troy Oliver y Cory Rooney que contaba con la participación de los raperos Jadakiss y Styles, pertenecientes al colectivo The Lox y sampleaba varios temas de ‘Old School Hip-Hop’ en sus escasos tres minutos de duración. Aparte de su original título, este single destacaba por sus reveladoras y pegadizas letras en las que Jennifer Lopez declaraba que pese a la fama y éxito obtenidos a lo largo de años sigue siendo la misma chica que creció en el humilde barrio neoyorquino del Bronx. Aunque algunos críticos cuestionaron las letras de la canción por no ajustarse a la realidad (mucho se ha hablado de la actitud de diva de la cantante) la mayoría de los expertos musicales expresaron opiniones positivas sobre el tema debido a su naturaleza divertida y su carácter desenfadado. ‘Jenny From The Block’ supuso un tremendo éxito para la cantante: alcanzó el #1 en Canadá y ocupó el top 5 en la mayoría de países como Reino Unido, Australia, Francia, España o Italia. En Estados Unidos permaneció en el #3 durante numerosas semanas bloqueada por dos hits de la talla de ‘Lose Yourself’ de Eninem y ‘Work It’ de Missy Elliott. Jenny From The Block resultó uno de los singles más populares y exitosos del año 2002 y se ha convertido en uno de los temas más representativos dentro de su carrera musical.

El segundo single, lanzado a finales de 2002, fue All I Have, un tema R&B/Hip-Hop mid-tempo que contaba con la participación del veterano rapero LL Cool J y sampleaba ampliamente el tema ‘Very Special’ de Debra Laws. Este tema habla de la ruptura de una pareja a raíz de una infidelidad y mientras que Jennifer trata de pasar página, LL Cool J intenta recuperarla y salvar la relación. En un principio J.Lo no quería lanzar ‘All I Have’ como single debido a su similitud con sus anteriores sencillos ‘Ain’t It Funny’ o ‘I’m Real (Remix)’ sin embargo su discográfica le convenció porque creían que sería un éxito seguro. Aunque a lo largo de los años no se ha convertido en un clásico dentro de su catálogo musical como lo ha sido ‘Jenny From The Block’, ‘All I Have’ puede presumir de haber ocupado el #1 en la lista americana de singles (su cuarto ‘chart topper’ en Estados Unidos). En el resto del mundo ‘All I Have’ tuvo un rendimiento positivo y alcanzó el #2 en Reino Unido y Australia. En 2003, como tercer single del álbum se lanzó I’m Glad, un tema mid-tempo pop/R&B de corte retro que destacaba por su melodía con arpa y en el que relataba la felicidad en su vida tras conocer a Ben Affleck. Tras el gran éxito comercial de los dos primeros singles, I’m Glad tuvo un impacto moderado en las listas de venta y apenas ocupó el top 40 en Estados Unidos. I’m Glad fue originalmente el tema que Jennifer Lopez y Cory Rooney querían lanzar como primer single pero el presidente de su discográfica, Tommy Mottola, optó por ‘Jenny From The Block’ al ser una opción con más probabilidades de triunfar pese a las reticencias iniciales de la cantante. El cuarto y último single extraído fue Baby I Love U!, una balada mid-tempo R&B que hablaba nuevamente del amor incondicional hacia su pareja. Mientras que en la lista americana tuvo un rendimiento muy negativo, en Reino Unido gozó de gran éxito y alcanzó el #3. Entre mis temas favoritos del álbum se encuentran ‘Still’, un medio tiempo pop/R&B que abre el álbum y habla de la relación con un ex-amante (presumiblemente el rapero P. Diddy) o ‘You Belong To Me’, que se trata de una versión del tema de Carly Simon pero con mayor influencia latina y que suponía el momento más bailable del álbum. Aunque es la canción más floja del disco hay que mencionar ‘Dear Ben’ (originalmente ‘Perfect’), una balada insípida y cursi en la que le declara todo su amor pero me temo que hoy en día J.Lo no se sentirá muy orgullosa de esta canción.

Recuerdo que cuando escuché por primera vez ‘This Is Me… Then’ no me convenció en exceso porque muchas de las canciones resultan bastante similares (en concreto los 4 primeros temas son muy parecidos) y su carácter mid-tempo no ayuda demasiado, aunque con las sucesivas escuchas va ganado puntos. Además tras un álbum tan variado como fue ‘J.Lo’, que cuenta con marchosos temas up-tempo de estilo dance-pop, R&B y Latin-pop, ‘This Is Me… Then’ resultaba más plano y aburrido debido a su componente ‘blando’ y sus letras sobre amor. Pese a todo no es un trabajo de baja calidad en absoluto, sino un álbum nacido de un momento concreto en su vida personal ya que según las propias palabras de Jennifer Lopez lo tituló de esa manera para que pasados los años supiéramos “cómo era ella por entonces”. Aunque cuenta con varias canciones muy interesantes y muestra una mayor madurez como artista, el rango vocal de Jennifer era todavía escaso y limitado. Temas imprescindibles: Jenny From The Block, Still, You Belong To Me, All I Have y I’m Glad. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de ‘Good To Know’ de JoJo

Good To KnowLa cantante americana Joanna Levesque, conocida en el mundo del música como JoJo, regresó el mes de mayo con su cuarto álbum de estudio, titulado Good To Know, el primero en 4 años. En 2016 vio la luz su último disco, ‘Mad Love’, el cual recibió buenas críticas de los expertos musicales por sus labores como compositora y su evolución musical hacia el R&B alternativo y ocupó el top 10 en la lista americana de álbumes sin embargo obtuvo unas ventas muy bajas y no contó con ningún single exitoso. Este álbum nos mostró a una JoJo adulta y madura ya que cuando debutó en el mundo de la música con su hit ‘Leave (Get Out)’ era una adolescente de apenas 14 años y su música estaba encuadrada dentro de un pop/R&B muy comercial. Después de sus dos primeros álbumes, la cantante se enfrentó a varios conflictos con su discográfica y durante muchos años no pudo lanzar nueva música hasta la publicación de ‘Mad Love’. Su nuevo trabajo, Good To Know, pertenece a su propio sello discográfico y está formado por 9 canciones, en su mayoría medios tiempos y baladas R&B/pop, todas ellas compuestas por JoJo en las que relata lo que ha aprendido durante estos últimos años, destacando las experiencias y rupturas amorosas desde la perspectiva de las mujeres. El single presentación del álbum fue Man, un medio tiempo R&B en el que JoJo declara su confianza en sí misma y su deseo de encontrar un hombre que pueda corresponder a sus sentimientos. Tras la tibia recepción de este tema por parte del público se lanzó un nuevo sencillo promocional, ‘Lonely Hearts’, que se trataba de una balada R&B de melodía dispersa con influencia del sonido R&B alternativo en el que nuevamente relata sus propias experiencias en el amor. Sin apenas promoción debido a las circunstancias de la pandemia, ‘Good To Know’ debutó en un discreto top 40 de la lista americana, la peor posición de toda su trayectoria. En resumen, JoJo es una talentosa cantante y compositora que tenía un gran potencial tras sus primeros años de carrera, sin embargo su desaparición del panorama musical durante tantos años y su evolución hacia un R&B más alternativo no le han beneficiado en absoluto ya que su popularidad ha descendido de manera notoria y su música tiene una escasa viabilidad comercial. Aunque no es un trabajo de baja calidad, tiene un concepto más de mixtape que de álbum en sentido estricto. Puntuación: 6/10.

Throwback Review: ‘Rebirth’ de Jennifer Lopez

Jennifer_Lopez Rebirth

Con su carrera como cantante totalmente asentada, en 2005 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Jennifer Lopez, llamado Rebirth, cuyo título hace referencia a su “renacimiento” personal tras la sobre-exposición en los medios de comunicación que vivió durante la época de su relación con el actor Ben Affleck, lo que le hizo madurar como persona y adquirir gran experiencia. Su anterior trabajo, This Is Me… Then destacó por abandonar el urban-pop y el dance-pop de sus anteriores álbumes para centrarse en un R&B/Soul más calmado y aunque contó con singles como ‘Jenny From The Block’ la mayor parte del álbum estaba dedicado al amor y tenía un contenido ‘blando’ donde incluso podíamos encontrar un tema llamado ‘Dear Ben’ (dicho sea de paso una de las peores canciones de toda su trayectoria). Tras la promoción de este álbum, la cantante de origen puertorriqueño se centró en su faceta como actriz y una vez que rompió con Ben Affleck se tomó un tiempo de descanso y volvió a reconectar con una persona muy especial de su pasado, Marc Anthony, con quien se casó en 2004. Rebirth está formado en su mayoría por temas mid-tempo pop/R&B aunque también encontramos varios temas up-tempo con influencia funk y Hip-Hop y está producido por su habitual colaborador Cory Rooney además de otros importantes nombres de la industria musical como Darkchild, Rich Harrison, Tim & Bob, Timbaland, Danja y su por entonces marido Marc Anthony. Rebirth debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, al igual que ‘This Is Me… Then’, pero obtuvo unas cifras inferiores a las de este último y finalmente fue certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares en Estados Unidos. En el resto del mundo Rebirth resultó un éxito moderado: ocupó el top 5 en los principales mercados europeos como Francia, Alemania, Italia y España y fue top 10 en Reino Unido y Australia. Podemos considerar a Rebirth como el último ‘gran álbum’ dentro de la primera etapa de su carrera musical ya que tras él iniciaría una espiral decreciente en su éxito comercial y una notable caída en su popularidad hasta que regresó por la puerta grande con el single ‘On The Floor’ que devolvió a J.Lo a los primeros puestos de las listas de venta.

El single presentación del álbum fue Get Right, un marchoso tema Dance/funk con influencia R&B y Hip Hop producido por Rich Harrison, conocido por su habitual sonido funk que ha imprimido a otras de sus producciones más famosas como ‘Crazy In Love’ de Beyoncé o ‘1 Thing’ de Amerie. En los créditos de este tema aparece como compositor Usher ya que ‘Get Right’ en realidad es una versión remodelada de ‘Ride’, un descarte de las sesiones de grabación de su álbum ‘Confessions’ que tras ser rechazado por el cantante fue a parar a manos de Jennifer Lopez, aunque Rich Harrison modificó gran parte de las letras originales manteniendo intacta su melodía. ‘Get Right’ recibió buenas críticas de los expertos musicales por su trepidante ritmo, sus pegadizas letras y su sonido ‘Old School’ y resultó un éxito en todo el mundo: fue #1 en Reino Unido, Irlanda e Italia y ocupó el top 5 en la mayoría de mercados musicales importantes como Australia, Canadá, Francia o España. En Estados Unidos sin embargo tuvo un desempeño moderado: alcanzó el #12 (su peor posición de un ‘lead single’) y fue certificado oro por ventas superiores al medio millón de ejemplares entre CD singles físicos y descargas digitales. Teniendo en cuenta que el mercado urbano siempre ha sido muy importante en la carrera de Jennifer Lopez, se lanzó un remix de ‘Get Right’ con el rap de Fabolous, del que incluso se grabó un videoclip.

Como segundo single se eligió Hold You Down, una balada Hip-Hop/R&B que contaba con la colaboración del rapero Fat Joe, amigo de la cantante, también originario del Bronx y que ya participó en ‘Feelin’ So Good’, perteneciente a su primer álbum. Este single habla de la amistad entre ambos artistas, que comparten raíces latinas y su procedencia de uno de los barrios más humildes de New York, por lo que siempre se han apoyado a lo largo de su carrera. ‘Hold You Down’ tuvo un rendimiento comercial muy mediocre en Estados Unidos y apenas ocupó el top 70 en la lista americana aunque tuvo gran éxito en Reino Unido, donde fue #6, su mejor posición alrededor del mundo. ‘Hold You Down’ apenas contó con promoción por parte de Jennifer aparte del videoclip grabado en el barrio de su infancia y recibió algunas críticas por su escaso rango vocal y resultar una apuesta menos atractiva que el pegadizo ‘Get Right’. Pese a ser una buena canción que nos ofrecía el lado más urbano de J.Lo, en mi opinión no fue la opción más acertada como single ni la mejor representación de la esencia del álbum ya que podemos encontrar temas superiores en Rebirth.

Rebirth album

Debido a la rápida caída en las ventas del álbum sólo fueron lanzados dos singles pese a contar con varios temas con gran potencial para ser single. Algunas de mis canciones favoritas de Jennifer Lopez pertenecen a este álbum, entre ellas ‘Step Into My World’, la elección natural como segundo single pero que por extrañas razones no se llegó a lanzar. Se trata de un pegadizo tema R&B mid-tempo producido por Darkchild que contaba con una adictiva melodía y unas letras muy sensuales en las que J.Lo intenta seducir a su amante. También resultan brillantes ‘He’ll Be Back’, un medio tiempo R&B producido por Timbaland y Danja que cuenta con una hipnótica melodía inspirada en la música del Medio Oriente y en el que habla de su ruptura con Ben Affleck o ‘I Got U’, un marchoso tema pop/R&B up-tempo que Darkchild compuso inspirándose en la relación de amor de Jennifer con Marc Anthony. Merece la pena también mencionar el tema ‘Ryde or Die’, grabado originalmente por la cantante Brandy para su álbum ‘Afrodisiac’ pero al ser descartado fue ofrecido a Jennifer o la dramática balada ‘(Can’t Believe) This Is Me’, compuesta por Marc Anthony y que más tarde sería incluida en una versión en español dentro de su álbum ‘Como Ama Una Mujer’. En resumen, Rebirth es un álbum de pop/R&B sólido que nos muestra una Jennifer más madura y serena aunque como puntos en contra encontramos unas letras en general poco personales y el limitado rango vocal de la cantante (que mejoraría notablemente en ‘Como Ama Una Mujer’ y ‘Brave’). Rebirth fue muy infravalorado por la crítica y es una verdadera lástima que recibiera una escasa promoción por parte de Jennifer ya que quedaron en el tintero grandes canciones que pudieron haber triunfado. Temas imprescindibles: Step Into My World, He’ll Be Back, Get Right, I Got U, (Can’t Believe) This Is Me, Ryde or Die y Hold You Down. Puntuación: 8/10.

Crítica de ‘Chromatica’ de Lady Gaga

ChromaticaLa pandemia del coronavirus ha afectado a muchos sectores de la economía, entre ellos la industria musical, que ha visto cómo desaparecía su principal fuente de ingresos: las giras de conciertos, las cuales desde hace años superan ampliamente las ganancias provenientes de la venta de discos. Una de las artistas que se ha visto afectada por la pandemia global ha sido Lady Gaga, quien el 10 de abril debía publicar su nuevo trabajo discográfico, Chromatica, sin embargo debido a las circunstancias decidió posponer su lanzamiento y finalmente confirmó que vería la luz el 29 de mayo. Los artistas que tenían previsto publicar álbumes durante la época del confinamiento o bien han optado por mantener las fechas de publicación actuando con gran valentía y generosidad de cara a sus fans (como Dua Lipa con ‘Future Nostalgia’, que se ha beneficiado de ser una de las pocas cantantes pop en lanzar disco durante la pandemia) o por el contrario han pospuesto indefinidamente sus respectivos trabajos hasta que las circunstancias sean más propicias, sin embargo la decisión de Lady Gaga de retrasar el lanzamiento de su disco tan sólo un mes y medio después no deja de resultar contradictorio e incoherente ya que la situación sanitaria actual sigue siendo la misma (de hecho es peor en Estados Unidos, donde ahora se encuentra el principal epicentro de la pandemia) lo cual no facilita la promoción de su nuevo trabajo, por ello la opción más lógica hubiera sido lanzar Chromatica en su fecha original, antes de que el ‘hype’ por el primer single se desvaneciera y hubiera que sacar todos los tanques para acaparar la atención del público. Centrándonos en el aspecto musical, Chromatica destaca por el hecho de que la cantante neoyorquina vuelve al pop electrónico de sus inicios tras su participación en la banda sonora de ‘A Star Is Born’ y su último disco de estudio ‘Joanne’, en los que coqueteó con el Country y el pop/rock, por lo que tendríamos que remontarnos a 2013 con ‘Artpop’ para dar con su último disco pop en sentido estricto. Chromatica está formado por 16 canciones up-tempo de estilo dance-pop y electro-pop con gran influencia del sonido House de los años 90 que nos devuelve a la Lady Gaga más alegre y divertida, reminiscencia de ‘Born This Way’ o ‘The Fame’. Como suele ser habitual, la controvertida artista ha compuesto todos los temas presentes en el álbum bajo la producción de BloodPop, Burns, Skrillex o Axwell. Cabe destacar que al igual que Artpop y Joanne, Chromatica no cuenta con input por parte de RedOne, el responsable de sus mayores éxitos y quien le imprimió el vanguardista sonido electro-pop con el que triunfó en todo el mundo. 

El single presentación del álbum fue Stupid Love, un marchoso tema electro-pop y dance-pop compuesto junto a Max Martin y producido por BloodPop que recibió opiniones muy variadas por parte de los expertos musicales: por una parte se alabó su naturaleza desenfadada y bailable y su vuelta al típico sonido de ‘Born This Way’ pero por otra se criticó el hecho de ser un tema muy genérico que no ofrecía nada nuevo al panorama musical. ‘Stupid Love’ tuvo un buen desempeño comercial en las listas de venta de Estados Unidos, Australia o Reino Unido, donde ocupó el top 10, sin embargo en otros importantes mercados como Francia, Alemania o España pasó muy desapercibido y estuvo muy lejos de las posiciones que suelen ocupar los primeros singles de Lady Gaga. Una semana antes del lanzamiento de Chromatica se ha lanzado el segundo single, Rain On Me, que se trata de la esperada colaboración con Ariana Grande que tanto se había rumoreado meses atrás. ‘Rain On Me’ es un tema dance-pop con influencia House que está compuesto por ambas artistas junto a Rami y producido por BloodPop y Burns en el que las dos cantantes hablan de superar las adversidades y todos los problemas a los que se han enfrentado (recordemos que Lady Gaga sufrió de fibromialgia y Ariana se enfrentó a una depresión tras el atentado terrorista en uno de sus conciertos). Este tema, que celebra “todas las lágrimas derramadas durante los malos momentos”, no tiene demasiadas pretensiones ya que su objetivo es hacer bailar y disfrutar de dos de las voces más conocidas del mundo del pop, sin embargo nuevamente resulta un tema muy básico en el que no han arriesgado demasiado puesto que resulta similar a los temas dance-pop de Ariana como ‘Break Free’. Con toda seguridad ‘Rain On Me’ alcanzará el #1 en las principales listas de venta pero será gracias a la colaboración de la joven cantante de Florida, que está viviendo su mejor momento profesional desde ‘Thank U, Next’ y todo lo que toca lo convierte en oro, lo que no deja de resultar una medida un tanto desesperada por parte de Lady Gaga para conseguir el ansiado #1 que no logró con ‘Stupid Love’.

Un día antes del lanzamiento de Chromatica se desveló el sencillo promocional ‘Sour Candy’, que se trata de un potente tema House/Dance que cuenta con la colaboración del grupo femenino coreano Blackpink, recuerda a ‘Swish Swish’ de Katy Perry y tiene muchas posibilidades de convertirse en nuevo single por su pegadizo ritmo y sus letras. Entre mis temas favoritos del álbum se encuentran ‘Free Woman’, un bailable tema Dance/House en el que Lady Gaga nuevamente reivindica la independencia y libertad de ser lo que queramos ser, temática que ha utilizado en numerosas ocasiones durante su carrera, ‘911’, un enérgico tema electro-pop que podría encajar dentro de la atmósfera de The Fame por la manera de cantar y el efecto robotizado en su voz, ‘Enigma’, un tema Dance/House en el que declara que es una incomprendida y su personalidad todavía resulta un enigma, ‘Fun Tonight’, otro marchoso tema Dance que habla de una relación que hace aguas y en el que hace referencia a su disco The Fame: “amas los Paparazzi, amas la fama”, o el pegadizo ‘Replay’, que cuenta con gran influencia de la música House de los 90 y recuerda a la Madonna más bailable y discotequera de ‘Deeper and Deeper’. También merece la pena reseñar ‘Sine From Above’, un tema Dance bastante experimental en el que participa su amigo Elton John y cuenta con los créditos de Axwell e Ingrosso (componentes de Swedish House Mafia) en la composición.

Al igual que ocurría con ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa, el nuevo trabajo de Lady Gaga está formado por temas up-tempo dirigido a las pistas de baile donde no hay espacio para las baladas y cuenta con influencias ‘nostálgicas’ (en el caso de Dua Lipa el sonido Disco y en Gaga el House) pero actualizado a los tiempos que corren. Dejando a un lado la habitual tendencia de Lady Gaga a victimizarse por sus enfermedades y todos los problemas que ha sufrido en el pasado a través de sus letras y su intento de lanzar al mundo himnos de empoderamiento y auto-aceptación, estamos ante uno de los álbumes más sólidos, consistentes y cohesivos dentro de la carrera de la cantante y en conjunto resulta muy superior a ‘Artpop’. En los últimos años, Lady Gaga se ha esforzado en ofrecernos una imagen de artista seria y madura en un intento por abrirse a un público más diverso y adulto (con álbumes como ‘Joanne’ o su participación en ‘A Star Is Born’) que está muy lejos de la imagen extravagante y polémica que nos mostró durante los inicios de su carrera, por lo que la vuelta a su antiguo sonido electrónico y los atuendos excéntricos resulta una táctica un tanto desesperada por contentar a sus ‘Little Monsters’ más que una evolución natural. Pese a todo, el álbum cuenta con un gran número de temas marchosos y divertidos para hacernos bailar y disfrutar, que es el punto fuerte de la artista y donde nunca nos decepciona. Temas imprescindibles: Replay, Sour Candy, Rain On Me, Free Woman, Fun Tonight y Enigma. Puntuación: 7’5/10.

The Best of R&B: ‘A Different Me’ de Keyshia Cole

A Different Me

La cantante americana Keyshia Cole hizo su debut en el mundo de la música en el año 2005 con el álbum The Way It Is, el cual recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su poderosa voz y sus personales letras acerca de sus turbulentas relaciones amorosas y fue certificado platino en Estados Unidos por ventas superiores al millón y medio de copias. Aparte de por su música, Keyshia Cole ganó gran popularidad por su participación en su propio reality show, ‘Keyshia Cole: The Way It Is’, en el que la cantante californiana mostraba al público diversas facetas de su vida profesional y personal y resultó muy popular dentro del colectivo afroamericano y fue un éxito en la TV americana. En 2007 vio la luz su segundo álbum de estudio, Just Like You, el cual recibió opiniones favorables de los críticos por su evolución como artista y seguía destacando por sus letras autobiográficas y su habitual tono de dramatismo, rabia y angustia en su potente voz. ‘Just Like You’ debutó en el #2 en la lista de ventas de Estados Unidos, contó con el exitoso single ‘Let It Go’, su primer single top 10 en Billboard y se convirtió en el álbum más vendido dentro de su carrera. Tras estrenarse la tercera y última temporada de su reality show, llegó su tercer álbum de estudio, titulado A Different Me, que se diferenciaba de sus anteriores trabajos por el hecho de que no estaba tan centrado en la angustia y el dolor provocados por sus tormentosas relaciones con los hombres y resultaba un disco más optimista y alegre. Este álbum está compuesto por 15 temas, en su mayoría medios tiempos y baladas de estilo R&B/Soul y abandona en cierta manera su habitual sonido Hip Hop/Soul influenciado por su ídolo Mary J Blige. Como es habitual, Keyshia Cole compuso todas las canciones presentes en el álbum bajo la producción de su habitual colaborador Ron Fair además de otros como Polow da Don, Neff-U o The Runners. ‘A Different Me’ debutó en el #2 de la lista americana de álbumes con las cifras más altas de su carrera en su primera semana y acabó siendo certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares.

El single presentación del álbum fue Playa Cardz Right, un tema mid-tempo R&B/Hip-Hop que contaba con la participación póstuma del legendario rapero Tupac Shakur, quien fue mentor e inspiración de Keyshia durante sus inicios dentro del mundo de la música. Considero que no fue un acierto su lanzamiento como single ya que en ‘A Different Me’ podemos encontrar temas muy superiores. Como segundo single se lanzó You Complete Me, una balada R&B que recordaba a otras de sus grandes baladas como ‘Love’ o ‘Heaven Sent’. Este tema cargado de sentimiento recibió buenas opiniones de los críticos por su emotividad y el amplio rango vocal de Keyshia y tuvo un rendimiento positivo en el componente R&B/Hip-Hop de la lista Billboard, donde fue top 10. El tercer y último single de ‘A Different Me’ fue Trust, una preciosa balada R&B a dúo con la cantante Monica que resultaba uno de los temas más destacados del álbum y personalmente mi favorito. Esta balada comienza con una conversación telefónica entre ambas cantantes en la que Keyshia pide consejo a su amiga en un tema relacionado con el amor y destaca por el talento vocal de ambas artistas y su gran harmonía juntas. ‘Trust’ tuvo un desempeño positivo en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard, donde ocupó el top 5. Entre las canciones más destacadas de ‘A Different Me’ se encuentran el marchoso ‘Make Me Over’, el tema más up-tempo y bailable del álbum, ‘This Is Us’, una balada mid-tempo con base de guitarra o ‘No Other’, un bonito medio tiempo R&B que cuenta con la colaboración de la rapera Amina Harris, recuerda a su single ‘Shoulda Let You Go’ y fue planeado como cuarto single, sin embargo su lanzamiento fue cancelado. 

Podemos considerar ‘A Different Me’ como el último ‘gran álbum’ de Keyshia Cole ya que tras este trabajo inició una espiral descendiente en su éxito comercial y tanto su popularidad como las ventas de sus siguientes discos disminuyeron de manera notoria. Aunque sus tres primeros álbumes fueron muy exitosos en Estados Unidos, Keyshia no ha despuntado a nivel internacional como Brandy, Monica o Ashanti y se ha centrado en el mercado americano, donde el R&B es uno de sus géneros más importantes. Keyshia Cole es una de mis cantantes favoritas de R&B y durante la década del 2000 se convirtió en una de las figuras más destacadas dentro de dicho género y sus tres primeros trabajos forman parte de los álbumes imprescindibles de la música negra durante aquellos años. Aunque la mayoría de sus trabajos tienen una gran calidad (quizás el único tropiezo en su carrera es el disco Point of No Return) mis dos álbumes preferidos de la cantante son ‘Just Like Me’ y ‘A Different Me’, por ello he decidido hacer una crítica en retrospectiva de este último ya que es un álbum muy interesante con el que podemos deleitarnos de la poderosa voz de Keyshia en canciones donde desnuda sus sentimientos y habla de sus tormentosas relaciones con los hombres. Puntuación: 8/10.