Los 10 mejores singles de Jennifer Lopez

Durante este 2022 se ha cumplido el vigésimo aniversario del lanzamiento de uno de los álbumes más destacados de la carrera de Jennifer Lopez, «This Is Me… Then» y coincidiendo con este importante acontecimiento, la cantante ha anunciado que el próximo año publicará su esperado noveno álbum de estudio, This Is Me… Now, que supone una secuela de dicho trabajo. Para celebrar esta gran noticia realizaré un listado de los que en mi opinión son los 10 mejores singles de Jennifer Lopez, cuya carrera no sólo es una de las más exitosas del mundo del pop sino que ha sido fuente de inspiración para infinidad de artistas posteriores. 

Get Right10. Get Right.

En 2005 vio la luz Rebirth, el cuarto álbum de estudio de Jennifer Lopez, cuyo título hace referencia a su «renacimiento» personal tras la sobre-exposición en los medios de comunicación que vivió durante la época de su relación con el actor Ben Affleck, lo que le hizo madurar como persona y adquirir gran experiencia. Una vez que rompió con Ben Affleck se centró en su faceta de actriz y volvió a reconectar con una persona muy especial de su pasado, Marc Anthony, con quien se casó en 2004. «Rebirth» está formado por un compendio de temas mid-tempo pop/R&B y temas up-tempo con influencia funk y Hip-Hop y está producido por su habitual colaborador Cory Rooney además de otros importantes nombres de la industria musical como Darkchild, Rich Harrison, Timbaland o Danja. El single presentación del álbum fue Get Right, un marchoso tema R&B/dance-pop con influencias funk y Hip-Hop producido por Rich Harrison, conocido por su habitual sonido funk que ha imprimido a otras de sus creaciones, como ‘Crazy In Love’ de Beyoncé. En los créditos de este tema aparece como compositor el cantante Usher ya que ‘Get Right’ es en realidad una versión remodelada de ‘Ride’, un descarte de las sesiones de grabación de su álbum ‘Confessions’ que tras ser rechazado por el cantante fue a parar a manos de Jennifer Lopez, aunque Rich Harrison modificó gran parte de las letras originales manteniendo intacta su melodía. ‘Get Right’ recibió buenas críticas de los expertos musicales por su trepidante ritmo, sus pegadizas letras y su sonido ‘Old School’ y resultó un éxito en todo el mundo: fue #1 en Reino Unido, Irlanda e Italia y ocupó el top 5 en la mayoría de mercados musicales importantes como Australia, Canadá, Francia o España. En Estados Unidos sin embargo tuvo un desempeño moderado: alcanzó el #12, la peor posición de un ‘lead single’ hasta la fecha. Jennifer Lopez ha interpretado ‘Get Right’ en directo en todas sus giras de conciertos (normalmente al principio del show) ya que es una de sus canciones favoritas.

Dance Again9. Dance Again.

Después de más de una década plagada de éxitos, aunque con ciertos altibajos comerciales, en el año 2012 vio la luz el primer álbum de grandes éxitos de la cantante de ascendencia portorriqueña, titulado Dance Again… The Hits y que incluía todos sus singles lanzados hasta la fecha además de dos temas inéditos. Este recopilatorio venía precedido por la buena acogida por parte del público de su anterior álbum, «Love?», el cual revitalizó la carrera de Jennifer Lopez tras un periodo comercial infructuoso. Uno de los temas inéditos era el que precisamente daba título al álbum, Dance Again, que fue lanzado como single del recopilatorio y seguía la estela musical de su anterior álbum. ‘Dance Again’ es un marchoso tema dance-pop producido por RedOne (responsable de varios de los temas presentes en Love?) en cuyos créditos de composición aparece Enrique Iglesias y que cuenta con la participación del rapero Pitbull, con quien ya colaboró Jennifer en ‘On The Floor’. Aunque pueda parecer que las letras de ‘Dance Again’ sólo hablan sobre querer bailar y amar, hacen referencia a sobrevivir y seguir adelante tras los momentos difíciles y en el caso de Jennifer, a su divorcio de Marc Anthony. ‘Dance Again’ recibió buenas opiniones de los expertos musicales por su ritmo bailable pero recibió comparaciones con los temas presentes en «Love?», especialmente ‘On The Floor’ y fue catalogado de genérico y poco original. Este single no logró igualar el éxito de ‘On The Floor’, sin embargo tuvo un rendimiento comercial positivo y alcanzó el top 10 en España o Canadá y el top 20 en Estados Unidos, Alemania y Reino Unido. ‘Dance Again’ dio nombre a la primera gira mundial de Jennifer, coincidiendo con el lanzamiento del álbum recopilatorio. Durante su carrera musical, Jennifer Lopez ha mostrado varias facetas diferentes al público: una encuadrada dentro del sonido urbano, otra faceta latina y una última enfocada a las pistas de baile a través de marchosos temas dance-pop y electro-pop y ‘Dance Again’ es uno de los mayores representantes de esta última categoría, por ello merece formar parte de este repaso.

Do It Well8. Do It Well.

Uno de los álbumes menos conocidos por parte del público y que ha pasado desapercibido entre algunos seguidores de Jennifer Lopez es sin duda Brave, su sexto álbum de estudio, publicado en 2007 unos meses después de su debut en español con «Como Ama Una Mujer». Jennifer Lopez se encontraba embarazada durante toda la promoción de «Brave», por lo que ésta cesó abruptamente tras el lanzamiento de sólo dos singles. «Brave» se convirtió en el álbum menos vendido de la cantante neoyorquina hasta la fecha, incluso obtuvo unas ventas inferiores a las de «Como Ama Una Mujer», por lo que muchas veces ha sido catalogado como un ‘fracaso’ y condenado al olvido, sin embargo no es un trabajo de baja calidad en absoluto, sólo que se tomaron decisiones poco acertadas en cuanto a su ‘timing’ y promoción. El single presentación del álbum fue Do It Well, un enérgico tema R&B/pop con influencia funk/Disco producido por Cory Rooney y Ryan Tedder que recordaba a otro de sus singles más famosos, ‘Get Right’ y recibió buenas críticas por su trepidante ritmo y sus pegadizas letras. Pese a ser un ‘lead single’ muy digno y a la altura de otros primeros singles de Jennifer, logró un desempeño moderado en las listas de ventas: apenas ocupó el top 40 en mercados importantes como Estados Unidos, Canadá, Francia o Alemania y obtuvo una de sus mejores posiciones en Reino Unido, donde fue #11. La intensa promoción de ‘Do It Well’ se produjo cuando Jennifer Lopez se encontraba embarazada de sus gemelos, sin embargo ese hecho no le impidió cantar en directo e incluso realizar una coreografía en todas las actuaciones, lo cual es un hecho digno de admirar. En el álbum aparece como bonus track un remix de ‘Do It Well’ con la participación de Ludacris (quien incluye unas palabras en español en su rap) ya que suele ser habitual la colaboración de un rapero en los primeros singles de la cantante. La inclusión de ‘Do It Well’ en este listado es más que merecida por lo que me gustaría romper una lanza en favor de este single y el álbum al que pertenece. 

jlo-aint-your-mama-cover-thatgrapejuice-600x6007. Ain’t Your Mama.

Tras la tibia acogida de su octavo álbum de estudio «A.K.A.», el cual obtuvo unas ventas muy bajas y no contó con el respaldo de ningún hit single, Jennifer Lopez se mantuvo en un perfil bajo en el mundo de la música aunque continuó con su papel como jueza en el ‘talent show’ American Idol y realizó varias colaboraciones con otros artistas. En el año 2016 la cantante comenzó su residencia de conciertos en Las Vegas (llamada ‘All I Have’, como uno de sus singles) y regresó a su antigua discográfica Epic, con la que firmó un acuerdo multimillonario. Ese mismo año Jennifer regresó con un nuevo single, Ain’t Your Mama, que se trataba de un pegadizo tema dance-pop con influencias latinas producido por Dr. Luke y Cirkut y compuesto entre otros por Meghan Trainor en el que Jennifer advierte a su pareja que no le va a hacer la colada ni la comida mientras él juega a los videojuegos porque no es su madre, convirtiéndose en un autentico himno de empoderamiento femenino. Este tema recibió buenas opiniones por parte de los expertos por sus letras a favor de las mujer independientes y su pegadizo ritmo. Jennifer Lopez presentó ‘Ain’t Your Mama’ en directo por primera vez en la final de la 15ª edición de American Idol en un medley junto a su hit ‘Let’s Get Loud’ y desde entonces ha sido interpretado en directo por la cantante en su residencia de Las Vegas y en el tour ‘It’s My Party’. En su momento ‘Ain’t Your Mama’ tuvo un desempeño mediocre en las listas de venta anglosajonas (apenas fue top 75 en Estados Unidos) sin embargo en Europa tuvo cierto éxito y ocupó el top 5 en España o Alemania y #11 en Francia. Pese a no pertenecer a ningún álbum de Jennifer, cabe destacar que ‘Ain’t Your Mama’ es su canción más escuchada en la plataforma musical Spotify con más de 400 millones de reproducciones y su videoclip fue muy popular y se encuentra entre los más vistos de su extenso repertorio. Sin duda ‘Ain’t Your Mama’ es uno de los absolutos ‘fan favorites’ dentro de la discografía de Jennifer, por ello merece estar en este repaso.

Ain't It Funny6. Ain’t It Funny.

El primer álbum de Jennifer Lopez, superó ampliamente las expectativas de ella misma y su discográfica, por lo que rápidamente se le dio continuidad a su faceta como cantante y a principios de 2001 vio la luz J.Lo, su segundo álbum de estudio. Pese a que al principio no le gustaba demasiado el apodo ‘J.Lo’ con el que se referían a ella sus fans y los medios de comunicación, Jennifer Lopez finalmente accedió a titular de esta manera su nuevo trabajo discográfico. Podemos encuadrar a «J.Lo» dentro del pop/R&B, sin embargo es un álbum muy ecléctico con influencias Latin-pop, dance-pop y electro-pop. El productor Cory Rooney, mano derecha de Jennifer en su primer trabajo, aumentó su presencia en «J.Lo» y fue el responsable de muchos de los temas presentes, aunque también participaron importantes nombres como Darkchild, P. Diddy, Ric Wake o Troy Oliver. El álbum alcanzó el #1 en Estados Unidos, Canadá, Alemania o España y las ventas se mantuvieron muy consistentes durante los siguientes meses debido a la buena aceptación de los sencillos lanzados, por lo que acabó siendo certificado 4 veces platino en Estados Unidos y vendió más de 8 millones de ejemplares en todo el mundo, convirtiéndose en el trabajo más exitoso de Jennifer Lopez. Tras el éxito de ‘Love Don’t Cost a Thing’ y la moderada acogida de ‘Play’, como tercer single llegó Ain’t It Funny, que se trataba de un pegadizo tema Latin-pop compuesto por la propia Jennifer y producido por Cory Rooney que comenzaba con la frase en español «estoy loca, enamorada de ti». En ‘Ain’t It Funny’, la cantante habla de que cuando conoces a un hombre nuevo creas en tu cabeza ciertas expectativas de romance ideal pero la realidad te demuestra que dicho hombre está lejos de ser perfecto. Este tema, que cuenta con una versión en español titulada ‘Qué Ironía’, recibió buenas opiniones de los expertos, los cuales lo consideraron reminiscencia de los temas más latinos de «On The 6» y obtuvo una gran respuesta comercial en Europa, donde ocupó el top 10 en Reino Unido y España. ‘Ain’t It Funny’, que contó con un llamativo videoclip en tono sepia en el que Jennifer se une a un grupo de cíngaros y baila flamenco, se encuentra entre mis favoritos de la cantante.

Waiting For Tonight5. Waiting For Tonight.

On The 6, el álbum debut de Jennifer Lopez, es un trabajo muy variado que fusiona Latin-pop, R&B y dance-pop, una curiosa mezcla que la propia cantante denominó como ‘Latin Soul’. Los singles lanzados de aquel álbum demostraban la variedad presente: ‘If You Had My Love’ estaba encuadrado dentro de un R&B/pop muy accesible que triunfaba en aquel momento, ‘Let’s Get Loud’ era un marchoso tema Latin-pop que se convirtió en uno de sus singles más populares y ‘Feeling’ So Good’ estaba influenciado por el Hip Hop y contaba con la colaboración de varios raperos. Tras el éxito de ‘If You Had My Love’ en las listas de venta, como segundo single del álbum «On The 6» se lanzó Waiting For Tonight, que se trataba de un enérgico tema dance-pop y Latin-House producido por Ric Wake que cuenta con unas letras muy sensuales en las que Jennifer compara sus relaciones íntimas con una escena de película. ‘Waiting For Tonight’ fue grabado originalmente por una ‘girl band’ poco conocida pero tras su separación la canción fue a parar a manos de Cory Rooney (productor musical y responsable del éxito inicial de Jennifer) quien tuvo que convencer a la cantante para que grabara el tema ya que al principio no le gustaba nada, sin embargo tras realizar una serie de cambios en la canción fue del gusto de Jennifer e incluso fue lanzado como sencillo del álbum. ‘Waiting For Tonight’ tuvo un desempeño comercial muy positivo: alcanzó el top 10 en Estados Unidos, Francia, Italia o Reino Unido. En España resultó un auténtico éxito: alcanzó el #2, gracias a su versión en español, titulada ‘Una Noche Más’. ‘Waiting For Tonight’ fue una de las canciones más populares del año 1999, ayudada sin duda por su espectacular videoclip, ambientado en una fiesta de fin de año que daba la bienvenida al nuevo siglo y en el que se utilizaba la versión remix de Hex Hector. Este tema es uno de los más representativos de la primera etapa de Jennifer Lopez e inspiraría a otras cantantes a adentrarse en el sonido Dance/House.

This Is Me...Then4. Jenny From The Block.

En noviembre de 2002 Jennifer Lopez publicó su tercer álbum de estudio, This Is Me… Then, cuyo título hace referencia al carácter personal e introspectivo de sus canciones, las cuales estaban co-escritas por la propia Jennifer, quien asumió un mayor papel en el proceso creativo que en sus anteriores trabajos. Las letras de este álbum giran alrededor del amor y está dedicado al actor Ben Affleck, con quien estaba saliendo durante aquella época. «This Is Me… Then» está compuesto principalmente por temas mid-tempo con influencia R&B/Soul, sin embargo los dos primeros singles lanzados los podemos considerar como una excepción a lo que encontramos dentro del álbum ya que no representan su esencia al incorporar un gran toque urbano y Hip Hop, reminiscencia de su anterior álbum de remixes. El single presentación fue Jenny From The Block, un tema Hip-Hop y R&B up-tempo producido por Troy Oliver y Cory Rooney que cuenta con la participación de los raperos Jadakiss y Styles y samplea varios temas de ‘Old School Hip-Hop’ en sus escasos tres minutos de duración. Aparte de su original título, este single destaca por sus reveladoras letras en las que Jennifer declara que pese a la fama y el éxito obtenidos a lo largo de años sigue siendo la misma chica que creció en el humilde barrio del Bronx. Algunos críticos musicales cuestionaron la letra de la canción por no ajustarse a la realidad (mucho se ha hablado de la actitud de diva de la cantante) sin embargo recibió buenas opiniones debido a su naturaleza divertida y su carácter desenfadado. ‘Jenny From The Block’ supuso un gran éxito para la cantante: alcanzó el #1 en Canadá y ocupó el top 5 en la mayoría de países como Reino Unido, Australia, Francia o España. En Estados Unidos permaneció en el #3 durante numerosas semanas bloqueada por dos hits de la talla de ‘Lose Yourself’ de Eminem y ‘Work It’ de Missy Elliott. ‘Jenny From The Block’ resultó uno de los singles más populares y exitosos del año 2002 y se ha convertido en uno de los temas más representativos dentro de su carrera musical, por ello merece estar en la parte alta de este repaso.

On The Floor3. On The Floor.

Durante los primeros años de la década del 2000 la popularidad de Jennifer Lopez estaba en su mejor momento gracias a una sucesión de singles que ocuparon las primeras posiciones en las listas de venta, sin embargo a finales de la década sufrió una espiral decreciente en su éxito comercial tras el tibio recibimiento de su álbum en español y el fracaso de «Brave». En 2009, como single presentación de su siguiente álbum, la cantante americana lanzó ‘Louboutins’, que se trataba de un tema pop/R&B producido por Tricky Stewart y The Dream en el que Jennifer utilizaba la marca de lujo como metáfora del empoderamiento femenino ya que las mujeres tienen que dejar atrás las relaciones fallidas con la cabeza bien alta. Durante la presentación de ‘Louboutins’ en los American Music Awards, Jennifer sufrió una caída, aunque como gran profesional que es, se levantó y pudo continuar con la actuación, que terminó con una ovación por parte del público. Esta «caída» representaba a la perfección la situación artística y comercial de la diva neoyorquina en aquellos momentos ya que su discográfica no sabía como enfocar su carrera tras sus últimos fracasos por lo que decidió romper su contrato tras más de 10 años juntos. Cuando su carrera estaba en la cuerda floja, Jennifer Lopez resurgió de sus cenizas como el ave fénix con su séptimo álbum de estudio, Love?, el cual vio la luz a principios del 2010 y destacó por su evolución musical hacia el sonido electro-pop y dance-pop de la mano de RedOne, la mano derecha de Lady Gaga, la cual también compuso un par de temas para el álbum. «Love?» tuvo un buen desempeño comercial: debutó en el top 10 de los principales mercados y superó los dos millones de copias. El responsable de este importante regreso fue el primer single, On The Floor, que se trataba de un enérgico tema Dance/House con influencia Latin-pop producido por RedOne y con la colaboración de Pitbull que destacaba por incorporar una interpolación de la famosa melodía de la Lambada (popularizada por Kaoma, pero perteneciente originalmente a la canción ‘Llorando Se Fue’). Jennifer quiso imprimir sus raíces latinas y rendir homenaje a sus orígenes como bailarina en este tema. ‘On The Floor’ resultó un tremendo e inesperado éxito: ocupó el #1 en más de 20 países de todo el mundo (en Estados Unidos fue #3, uno de los pocos mercados donde no lideró la lista de ventas) y acabó vendiendo 8 millones de copias digitales y físicas, convirtiéndose en uno de los singles más exitosos de aquel año. Actualmente ‘On The Floor’ es su segunda canción más escuchada en Spotify con 350 millones de reproducciones y su videoclip supera la marca de los 2000 millones de visualizaciones, lo que denota el grado de éxito que alcanzó este single. 

c0aa0-jennifer_lopez-love_dont_cost_a_thing2528225292. Love Don’t Cost a Thing.

El single presentación de J.Lo, su segundo álbum, fue Love Don’t Cost a Thing, un tema pop/R&B up-tempo producido por Cory Rooney y Ric Wake en el que Jennifer Lopez relata cómo su hombre intenta ganarse su amor a base de caros regalos y posesiones materiales pero ella confiesa que su amor no se compra con dinero. Muchos creyeron que dicho mensaje iba dirigido al rapero Puff Daddy, su pareja por entonces y con el que rompió poco después del lanzamiento del álbum. ‘Love Don’t Cost a Thing’ recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su pegadizo ritmo y su mensaje empoderador para las mujeres y fue comparado con el estilo de Destiny’s Child y las producciones de Darkchild. ‘Love Don’t Cost a Thing’ cosechó un gran éxito comercial: alcanzó el #1 en Reino Unido, Canadá o España y ocupó el top 5 en Estados Unidos o Australia y se ha convertido en una de las canciones más representativas de la carrera de Jennifer Lopez. El espectacular videoclip de ‘Love Don’t Cost a Thing’, rodado en una lujosa mansión de Miami, recibió varias nominaciones a los premios MTV Video Music Awards, disparó la imagen de ‘sex-symbol’ de Jennifer y llamó la atención del público por el hecho de que uno de sus bailarines, Chris Judd, se convertiría meses después en el marido de la cantante. ‘Love Don’t Cost a Thing’ también fue grabado en español en una discutible versión llamada ‘Amor Se Paga Con Amor’. Desde su lanzamiento como single, ‘Love Don’t Cost a Thing’ se convirtió en uno de mis temas favoritos de Jennifer Lopez, hasta el punto de otorgarle la medalla de plata en este repaso a sus mejores singles.

If You Had My Love1. If You Had My Love.

La primera canción con la que conocimos a Jennifer Lopez fue If You Had My Love, que se trata de un tema mid-tempo pop/R&B compuesto y producido por Rodney ‘Darkchild’ Jerkins, quien gracias a este single y otros para Destiny’s Child, Brandy, Whitney Houston o Toni Braxton se convirtió en uno de los productores de R&B más aclamados y exitosos de finales de los 90 y principios de la década del 2000. El single presentación de «On The 6», lanzado en 1999, habla sobre los comienzos de una relación y cómo la cantante le hace una serie de preguntas a su admirador para comprobar si es apto para convertirse en su pareja. La creación de este tema estuvo rodeado de cierta polémica ya que Darkchild compuso y produjo una canción llamada ‘If I Gave Love’ para la cantante de R&B Chanté Moore mientras trabajaba en el debut musical de la por entonces actriz Jennifer Lopez. El rapero Puff Daddy, quien además de pareja de Jennifer también era uno de los productores del álbum «On The 6», al escuchar ‘If I Gave Love’ inmediatamente lo quiso para su novia, por lo que Darkchild rehizo la canción y la convirtió en ‘If You Had My Love’, pero resultó tan similar al tema de Chanté Moore que no pudo lanzarlo como single tal y como tenía planeado. ‘If I Gave Love’ no sólo tiene una temática similar a la de ‘If You Had My Love’ sino que la melodía y producción son prácticamente idénticas. El primer single de Jennifer Lopez recibió buenas opiniones de los expertos musicales por su clásica producción R&B con instrumentación de piano y guitarra (lo compararon con ‘The Boy Is Mine’ de Brandy y Monica, otra producción de Darkchild) aunque se mostraron más críticos con las habilidades como cantante de Jennifer, quien por entonces tenía un rango vocal muy limitado. ‘If You Had My Love’ resultó un gran éxito en todo el mundo y alcanzó el #1 en la lista de Estados Unidos (donde se mantuvo en lo más alto durante 5 semanas consecutivas), Australia o Canadá y fue top 10 en España, Alemania y Reino Unido. ‘If You Had My Love’ se convirtió en uno de los singles debut de una cantante femenina más importantes del año por detrás de ‘…Baby One More Time’ de Britney Spears, aunque a diferencia de la princesa del pop, Jennifer debutó en el mundo de la música con 29 años. El videoclip de ‘If You Had My Love’, muy futurista y con una temática ‘voyeur’ en la que sus fans podían ver todo lo que Jennifer hacía en su casa, resultó muy popular, ayudó a incrementar el éxito del tema y recibió 4 nominaciones a los MTV Video Music Awards. Desde el primer momento ‘If You Had My Love’ se convirtió en una de mis canciones favoritas (y Jennifer Lopez una de mis cantantes preferidas), de ahí que encabece este repaso a sus mejores singles. Sin duda un clásico que nunca pasa de moda.

Crítica de «Dirt Femme» de Tove Lo

Dirt FemmeEl pasado mes de octubre vio la luz el quinto álbum de estudio de la artista sueca Tove Lo, titulado Dirt Femme, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del sonido synth-pop y electro-pop y compuestos por la propia Tove, en los que celebra su feminidad tras muchos años en los que no se sentía cómoda con su lado femenino, pero ahora al fin se siente a gusto con la mujer que es. En la portada del álbum luce un tatuaje en forma de vagina en el muslo y una cola robótica de escorpión (una referencia a escorpio, su signo del zodiaco) porque se aproxima a su visión de la feminidad en el álbum y le gusta «el hecho de que la hembra de escorpión se come al macho después del apareamiento» porque siempre le han dicho que tiene una personalidad fuerte y «consume a los hombres», aunque actualmente se encuentra felizmente casada. La cantante nacida en Helsingborg es conocida como «la chica más triste de Suecia» por su habitual temática de desengaños amorosos y su estilo oscuro y en este álbum trata temas como las relaciones amorosas, las rupturas sentimentales, la sexualidad y por primera vez se siente cómoda para hablar de sus desórdenes alimenticios. «Dirt Femme» es el primer álbum de Tove como artista independiente y en el que ha podido sentirse libre y asumir todo el control creativo de su música ya que el pasado mes de mayo creó su propio sello discográfico, Pretty Swede Records, tras abandonar la multinacional a la que pertenecía hasta entonces. A principios de año llegó el single How Long, que se trata de un tema mid-tempo de estilo electro-pop que formó parte de la segunda temporada de la serie de drama adolescente ‘Euphoria’ y cuyas letras hacen referencia a un triángulo amoroso. Tras crear su sello discográfico, llegó el verdadero single presentación del álbum, No One Dies From Love, que se trata de un fantástico tema electro-pop y synth-pop en el que la cantante relata cómo se ha deteriorado su relación hasta romperse y se pregunta qué ha pasado y de quién ha sido la culpa, pero al final se da cuenta que «nadie muere de amor». ‘No One Dies From Love’ es sin duda uno de los más sobresalientes del álbum y guarda muchas similitudes con el estilo presente en «Body Talk» de su compatriota sueca Robyn. Pese a que la mayor parte del álbum está formado por temas up-tempo también hay cabida para canciones más lentas en las que Ebba Tove Elsa Nilsson (el verdadero nombre de Tove Lo) muestra su lado más vulnerable, como la dramática balada synth-pop True Romance, cuyo título está inspirado en la película del mismo nombre y que relata una historia de amor turbulenta y destructiva.

Los siguientes sencillos promocionales del álbum fueron 2 Die 4, un pegadizo tema dance-pop y electro-pop que samplea la melodía instrumental de la canción ‘Popcorn’ o Grapefruit, en el que trata el tema del ‘body positive’ o el odio que sentía hacia su cuerpo y habla por primera vez del trastorno alimenticio que sufrió hace años y que a punto estuvo de hacerle perder la voz, la bulimia. Dentro del álbum destacan canciones como ‘Suburbia’, que se trata de un marchoso tema dance-pop y electro-pop en el que la cantante sueca declara que no quiere hijos ni formar una familia tradicional y destaca por la referencia que hace a las mujeres de Stepford (una novela que habla de esposas perfectas) o ‘Call on Me’, un tema dance-pop y electro-pop producido por SG Lewis que supone el momento más up-tempo del álbum. El tema de la sexualidad es otro de los tratados en el álbum y está presente en ‘Pineapple Slice’, en el que Tove le describe a su amante lo que tiene que hacer en la cama para satisfacerla. En resumen, «Dirt Femme» ha sido uno de mis grandes descubrimientos de este año ya que no había prestado excesiva atención hasta ahora a Tove Lo pese a que soy seguidor de muchos artistas suecos como Robyn, con la que precisamente guarda muchas similitudes en cuanto a estilo musical. Tove Lo derrocha talento, versatilidad y originalidad como compositora y artista y «Dirt Femme» es uno de los álbumes electro-pop más sólidos y cohesionados lanzados durante este año, por lo que sin duda formará parte del repaso a los mejores álbumes que realizaré en el blog MiSTeR MuSiC a final de año. Temas imprescindibles: No One Dies From Love, Grapefruit, Suburbia, How Long, Call on Me, 2 Die 4 y Pineapple Slice. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «Breakaway» de Kelly Clarkson

BreakawayEn 2002 una jovencita texana llamada Kelly Clarkson resultó la ganadora de la primera edición del ‘talent show’ American Idol gracias a su extraordinaria voz y su carismática personalidad y pudo cumplir su sueño de dedicarse al mundo de la música. Un año después llegó su álbum debut, Thankful, el cual estaba encuadrado dentro del pop/R&B y contó con un amplio rango de productores de la talla de Babyface, Evan Rogers, Carl Sturken, The Underdogs, Desmond Child o Steve Mac en un intento por parte de su discográfica por presentarnos a la ‘nueva Mariah Carey’. Este álbum recibió críticas principalmente positivas por las habilidades vocales de Kelly Clarkson aunque carecía de una falta de dirección típica de los primeros álbumes de jóvenes artistas. «Thankful» fue #1 en la lista americana de álbumes, vendió cerca de tres millones de copias en Estados Unidos y contó con el single ‘Miss Independent’ (originalmente grabado por Christina Aguilera para su álbum «Stripped»), que ocupó el top 10 en la lista Billboard. En 2004 llegó su segundo álbum de estudio, Breakaway, el cual está compuesto por un compendio de temas up-tempo, baladas y medios tiempos encuadrados dentro del pop/rock con ciertas influencias folk y Soul y marca una divergencia con el sonido pop/R&B presente en su álbum debut. Mientras que en «Thankful» tuvo una escasa participación en el proceso creativo, para su segundo álbum Kelly Clarkson tomó las riendas de su carrera, decidió el estilo musical que quería adoptar y participó en la composición de 6 de los 12 temas presentes. Entre los productores implicados en el álbum se encuentran Ben Moody y David Hodges (componentes de la banda de rock Evanescence), John Shanks, Kara DioGuardi y los ‘hitmakers’ Max Martin y Dr. Luke. Respaldado por el éxito de los singles lanzados, el segundo álbum de Kelly debutó en el #3 en la lista de ventas americana, destacó por su larga vida comercial y acabó siendo certificado seis veces platino por ventas superiores a los 6 millones de copias en Estados Unidos. En el resto del mundo «Breakaway» también tuvo un excelente desempeño comercial y ocupó el top 10 en Australia, Reino Unido, Alemania o Canadá y superó los 12 millones de copias, convirtiéndose en el álbum más vendido de una concursante de ‘American Idol’ a nivel mundial y uno de los más exitosos de la década del 2000. 

El single presentación del álbum fue Breakaway, un medio tiempo pop/rock con influencias folk y Country compuesto originalmente por Avril Lavigne para su álbum debut, pero tras rechazarlo fue a pasar a manos de Kelly Clarkson, quien lo grabó originalmente para la banda sonora de la película «The Princess Diaries» antes de incluirlo en su segundo álbum. Producido por John Shanks, este tema habla sobre el camino hasta conseguir tus sueños y recibió buenas opiniones por parte de los expertos musicales por sus letras autobiográficas (pese a no haber sido compuesto por Kelly) y tuvo un desempeño positivo en la lista americana, donde alcanzó el top 10. Como segundo single se lanzó Since U Been Gone, un enérgico tema pop/rock up-tempo producido por Max Martin y Dr. Luke cuyas letras hacen referencia al alivio que se siente cuando termina una relación turbulenta. ‘Since U Been Gone’ fue compuesto en principio para Pink, pero cuando ella lo rechazó, Clive Davis, el presidente de la discográfica RCA, convenció a Max Martin y Dr. Luke para que fuera grabado por Kelly para el álbum «Breakaway» pese a las reticencias iniciales de ambos productores. ‘Since U Been Gone’ resultó un auténtico éxito comercial: alcanzó el #2 en la lista americana (#1 en el componente pop de Billboard) y fue top 10 en Reino Unido, Australia o Alemania. Este tema fue elogiado por la crítica por su ritmo pegadizo y las extraordinarias habilidades vocales de la cantante texana y recibió numerosos premios, entre ellos un Grammy a mejor actuación vocal femenina de pop.

El tercer single lanzado fue Behind These Hazel Eyes, un potente tema pop/rock con uso prominente de guitarra eléctrica en el que Kelly narra la relación fallida con su ex-pareja y supone la segunda aportación de Max Martin y Dr. Luke al álbum. ‘Behind These Hazel Eyes’ es considerada por Kelly como una de sus canciones favoritas y en el terreno comercial alcanzó el #6 en la lista americana de singles (permaneció más de tres meses dentro del top 10) y en el resto del mundo también tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 10 en Canadá, Reino Unido o Australia. Como cuarto single se lanzó Because of You, una emotiva balada a piano producida por Ben Moody y David Hodges de Evanescence que se ha convertido en una de las canciones más representativas de la carrera de Kelly Clarkson y una de las favoritas de sus seguidores. ‘Because of You’ fue compuesta por la cantante a raíz del dolor y angustia que le produjo el divorcio de sus padres y al ser rechazada para «Thankful» decidió incluirla en su segundo trabajo. ‘Because of You’ supuso otro éxito para Kelly Clarkson y nuevamente ocupó el top 10 en Estados Unidos, Canadá, Australia y Reino Unido. El quinto y último single fue Walk Away, un tema mid-tempo pop/rock producido por Kara DioGuardi cuyas letras hacen referencia a un relación que no funciona porque tu pareja no te muestra su apoyo. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Gone’, un enérgico tema pop/rock en el que Kelly habla de dejar a su pareja para buscar una relación mejor y resulta muy similar a ‘Since U Been Gone’ o la balada ‘Addicted’, compuesta por Kelly junto a los componentes de Evanescence en la que compara su relación con la dependencia a las drogas de un adicto. En mi opinión, «Breakaway» es el mejor álbum de la carrera de Kelly Clarkson ya que está compuesto por un conjunto muy sólido de canciones pop/rock que marcan la nueva dirección musical que tomaría la cantante en sus siguientes álbumes y destaca por sus excelentes habilidades como vocalista y compositora. Temas imprescindibles: Since U Been Gone, Behind These Hazel Eyes, Because of You, Gone y Breakaway. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Faith In The Future» de Louis Tomlinson

Faith In The FutureLos componentes de One Direction han tenido una acogida por parte del público de lo más diversa en sus carreras en solitario: Harry Styles ha triunfado en todo el mundo con su música e incluso ha conseguido ampliar su número de seguidores gracias a una sucesión de pegadizos singles, Niall Horan ha conseguido un éxito moderado y Liam Payne, quien a priori lo tenía todo para triunfar ha visto como su álbum se convertía en un rotundo fracaso comercial. Zayn, quien abandonó la formación en 2015, se decantó por el R&B alternativo y tuvo gran éxito con su primer álbum pero sus siguientes trabajos no han tenido demasiado impacto entre el público. El último componente de la famosa ‘boy band’ en lanzarse en solitario fue Louis Tomlinson, quien a principios de 2020 publicó su primer álbum de estudio, Walls, el cual recibió críticas muy variadas por parte de los expertos musicales pero tuvo un desempeño comercial positivo y alcanzó el top 10 en los principales mercados musicales, como Reino Unido, España, Australia, Canadá e incluso Estados Unidos. Las trágicas muertes de su madre a causa de leucemia y de su hermana pequeña por una sobredosis y su reciente ruptura sentimental marcaron la vida del joven cantante y fueron la fuente de inspiración en la grabación de su álbum debut. A principios de noviembre ha visto la luz su segundo álbum de estudio, Faith In The Future, el cual continúa el sonido pop/rock e indie-pop de su anterior trabajo y está compuesto por el propio Louis Tomlinson bajo la producción de Mike Crossey, Red Triangle y Joe Cross entre otros. El nuevo álbum del cantante de Doncaster resulta más alegre y positivo que su álbum debut y está influenciado por la música rock de los años 90 y 2000. «Faith In The Future» ha alcanzado el #1 en Reino Unido y España, dos de sus mercados más importantes (además de resultar su primer ‘chart topper’ en ambos territorios) y ha sido top 5 en las listas de venta de Estados Unidos, Canadá o Australia.

El single presentación del álbum fue Bigger Than Me, un tema mid-tempo pop/rock en el que habla de que el momento en que canta para sus fans es la mejor parte de su trabajo y demuestra que Louis es un gran vocalista. El segundo single lanzado ha sido Out of My System, un enérgico tema pop/rock con influencia punk y uso prominente de guitarra eléctrica que supone uno de los momentos más up-tempo del álbum. Dentro de «Faith In The Future» destacan ‘The Greatest’, un marchoso tema pop/rock dedicado a su leales seguidores o ‘Silver Tongues’, que comienza como una balada para convertirse en un potente tema up-tempo. En resumen, «Faith In The Future» es un álbum más alegre y animado que «Walls» y resulta agradable de escuchar gracias a la bonita voz de Louis Tomlinson y su suave sonido pop/rock, sin embargo sigue repitiendo la misma fórmula que en su anterior álbum y apenas se aprecia una evolución. Pese a que no ha conseguido el gran éxito de su compañero Harry Styles ni goza de su inmensa popularidad, Louis Tomlinson ha sabido labrarse una sólida carrera en solitario ya que tiene una amplia y leal base de fans que logra que sus álbumes tengan una gran acogida en las listas de venta y sus giras de conciertos llenen estadios por toda Europa y Estados Unidos. Puntuación: 6/10.

Crítica de «Denim & Rhinestones» de Carrie Underwood

Denim & RhinestonesLa cantante americana Carrie Underwood publicó en 2018 su sexto álbum de estudio, Cry Pretty, el cual recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus extraordinarias habilidades como vocalista y compositora y su sólido conjunto de canciones Country, aunque como novedad incorporaba ciertas influencias R&B. «Cry Pretty» debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos y fue certificado platino, convirtiéndose en el cuarto álbum de Carrie que lideraba la lista americana Billboard. Tras ser madre de su segundo hijo en 2019, la cantante nacida en Oklahoma publicó en los años posteriores un álbum navideño, «My Gift» y un álbum de temática Gospel y Country cristiano, «My Savior», los cuales debutaron en el top 10 de la lista americana. El pasado mes de junio vio la luz su noveno álbum de estudio, Denim & Rhinestones, el cual está formado por 12 canciones, principalmente temas up-tempo y baladas, encuadradas dentro del Country y el pop/rock y compuestas en su mayoría por la propia Carrie Underwood, en las que trata su habitual temática de las complicadas relaciones con los hombres y las rupturas sentimentales (a pesar de que está felizmente casada con el jugador de hockey sobre hielo Mike Fisher), aunque también podemos encontrar canciones más alegres y divertidas. «Denim & Rhinestones» debutó en el #10 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el noveno trabajo (décimo si incluimos su «Greatest Hits») de la atractiva cantante en alcanzar el top 10 en Estados Unidos. El single presentación del álbum fue Ghost Story, una balada Country-pop de desamor compuesta por sus habituales colaboradores David García y Hillary Lindsey (destaca por ser la única canción del álbum no compuesta por Carrie) que ha recibido grandes críticas por su tono dramático y la excelente ejecución vocal por parte de Carrie. El segundo single ha sido Hate My Heart, un potente tema de estilo Country-rock que habla de volver a la soltería tras una dolorosa ruptura. Merece la pena reseñar ‘Denim & Rhinestones’, un marchoso tema con aire ochentero que resulta uno de los momentos más divertidos y desenfadados del álbum, ‘Velvet Heartbreak’, un tema mid-tempo Country que habla de un hombre que «debes probar pero no quitarle las etiquetas» porque te dejará con el corazón roto o ‘She Don’t Know’, quizás el tema con mayor componente Country del álbum y que destaca por su instrumentación de mandolina y violines. Para dar muestra de la importancia de Carrie Underwood en el mundo de la música contemporánea basta mencionar que es una de las cantantes más exitosas y galardonadas dentro del género Country de las últimas décadas ya que desde sus inicios en el mundo de la música en el año 2005 ha logrado 9 álbumes top 10 en la lista americana y vendido más de 60 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en la ex-concursante de «American Idol» que ha obtenido mayores ventas (superando a Kelly Clarkson) y en la poseedora del álbum debut más vendido de todos los tiempos dentro del género Country, «Some Hearts», el cual supera los 10 millones de copias a nivel mundial. Quizás el álbum «Denim & Rhinestones» no incluye hits de la talla de ‘Before He Cheats’ pero está compuesto por un conjunto más que digno de canciones pop/rock y Country que demuestran que Carrie Underwood es una de las vocalistas y compositoras más talentosas de su generación. Temas imprescindibles: Ghost Story, Denim & Rhinestones, Velvet Heartbreak, She Don’t Know y Hate My Heart. Puntuación: 7/10.

Crítica de «The Single Life» de Saweetie

The Single LifeDurante los últimos años, el Hip Hop femenino está viviendo uno de sus mejores momentos ya que varias raperas han alcanzado el ‘mainstream’ y han dominado las listas de ventas, como por ejemplo Cardi B, Megan Thee Stallion, Doja Cat, Latto o la protagonista de este post, Saweetie, quien ha pasado de ser una relativa desconocida a aumentar su presencia de manera considerable dentro del género y se ha convertido en una de las figuras más prometedoras dentro del Hip Hop femenino. Desde el año 2020, Diamonté Harper, el verdadero nombre de Saweetie, ha lanzado numerosos singles que muestran la variedad presente en su álbum debut, como por ejemplo Tap In, que se trata de un tema Hip Hop up-tempo producido por Dr. Luke en el que presume de su riqueza y su físico o Back To The Streets, un tema Hip-Hop con influencia R&B y melodía de piano producido por Timbaland que cuenta con la participación de la cantante de R&B alternativo Jhené Aiko y habla de una relación con un hombre antes de pasar al siguiente. En 2021, Saweetie lanzó el tercer single, Best Friend, que se trata de un marchoso tema Hip Hop producido por Dr. Luke con la colaboración de Doja Cat en el que ambas raperas se declaran las mejores amigas del mundo y alaban cualidades de la otra, destacando que son mujeres exitosas e independientes, ganan su propio dinero y no dependen de los hombres. ‘Best Friend’ recibió buenas críticas por su pegadizo ritmo y sus letras sobre empoderamiento femenino y en el terreno comercial alcanzó el top 15 en la lista americana de singles, la mejor posición de Saweetie hasta la fecha. En 2022 llegó un nuevo single, Closer, que se trata de un tema up-tempo de estilo Disco/pop que cuenta con la colaboración de la cantante H.E.R. y supone la mayor aproximación de Saweetie al pop. ‘Closer’ seguía los pasos de otros singles que han triunfado en los últimos años como ‘Kiss Me More’ o ‘Say So’, influenciados por el sonido Disco y que ayudaron a Doja Cat a abrirse a un público más amplio.

Todos estos singles formarán parte de su primer álbum de estudio, titulado Pretty Bitch Music y cuyo lanzamiento se ha retrasado en varias ocasiones, pero tras su ruptura de con Quavo (perteneciente al grupo de Hip-Hop Migos), Saweetie entró en el estudio para grabar nuevas canciones que reflejaban su nuevo estado emocional y en las que cuenta detalles de su complicada relación con el conocido rapero. Como aperitivo a su álbum debut, la rapera californiana ha lanzado por sorpresa The Single Life, un EP formado por 6 temas encuadrados dentro del Hip Hop con influencias Trap y R&B en los que celebra su vida de soltera tras su publicitada ruptura con Quavo y se presenta como una mujer empoderada, valiente, orgullosa de su sexualidad y sin pelos en la lengua. Unas horas antes de ver la luz «The Single Life» llegó el primer single, Don’t Say Nothin’, en el que la rapera se enfrenta a los medios de comunicación que han contado mentiras acerca de su relación con Quavo y aclara los rumores de su supuesta infidelidad. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Bo$$ Chick’, un tema Trap en el que una desafiante Saweetie relata su camino hasta convertirse en una mujer exitosa y cómo sus enemigos desean tener lo que ella ha conseguido o ‘P.U.S.S.Y.’, que se trata básicamente de una carta de amor a sus partes íntimas, pero también una oda a la feminidad, ya que declara que «las vaginas hacen que el mundo gire» y destaca por el flow relajado de Saweetie. Pese a la brevedad de «The Single Life», está compuesto por un conjunto más que digno de temas que relatan la valía y el poder de Saweetie como mujer tras haber salido de una complicada relación y pone de manifiesto sus grandes habilidades como rapera y liricista. Estaremos muy atentos del lanzamiento del álbum «Pretty Bitch Music», el cual llegará muy pronto tal y como Saweetie promete al final del EP. Puntuación: 7/10.

Throwback Review: «In The Zone» de Britney Spears

In_The_ZoneDespués de unos años de intenso trabajo en los que Britney Spears alcanzó la cima del mundo del pop gracias a tres álbumes de ventas millonarias, la cantante americana se tomó unos meses de descanso en 2002 tras la gira promocional de su tercer trabajo y la separación de su novio Justin Timberlake. Un año después vio la luz su cuarto álbum de estudio, In The Zone, el cual destacó desde un principio por su divergencia con respecto al sonido presente en sus primeros trabajos ya que se distancia de su clásico sonido ‘teen pop’ para adentrarse de lleno en la música electrónica, aunque es un álbum muy ecléctico que incluye influencias Dance, House, R&B o Hip-Hop. Mientras que Britney Spears apenas participó en la composición de sus primeros álbumes, en «In the Zone» se involucró en mayor medida en el proceso creativo y compuso 9 de las canciones presentes en el álbum. «In The Zone» también destaca sin duda por la temática de las canciones, que muestran a una Britney más madura y cómoda con su propia sexualidad, ya que el sexo es uno de los temas principales en el álbum, además de las relaciones amorosas y es considerado el álbum más autobiográfico de la cantante hasta la fecha. Max Martin, quien fue pieza esencial en el éxito inicial de Britney Spears, no participó en este álbum por diferencias creativas y a su vez trabajó con un amplio rango de productores como el dúo noruego Bloodshy & Avant, Tricky Stewart, Guy Sigsworth, R.Kelly, Diddy o Moby entre otros. «In The Zone» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes (su cuarto álbum ‘chart topper’ consecutivo) con más de 600 mil copias en su primera semana, las segundas cifras más altas del año por parte de una artista femenina y acabó siendo certificado doble platino en Estados Unidos con ventas superiores a los tres millones de ejemplares. Aunque resultaban unas cifras claramente inferiores a las de sus primeros trabajos, todavía se puede considerar un éxito en mayúsculas y cabe destacar que Britney se convirtió en la segunda cantante femenina con más álbumes #1 consecutivos en la lista Billboard por detrás de Janet Jackson. En el resto del mundo, también supuso un éxito comercial y alcanzó el #1 en Francia y el top 10 en Australia, Canadá o Alemania, aunque en importantes mercados como Reino Unido y España apenas fue top 15.

El single presentación del álbum fue Me Against The Music, un marchoso tema dance-pop con influencias funk, R&B y Hip Hop compuesto por Britney Spears junto a Tricky Stewart (quien también se encarga de la producción) que cuenta con la participación de Madonna, el gran ídolo de Britney y con la que protagonizó un tórrido beso en los premios MTV unos meses atrás. ‘Me Against The Music’ tuvo un rendimiento comercial moderado en la lista americana de singles y apenas ocupó el top 40, sin embargo en el resto del mundo resultó muy exitoso y alcanzó el #1 en España, Australia o Irlanda y fue top 5 en Reino Unido, Canadá o Alemania. ‘Me Against The Music’ recibió críticas tibias por parte de los expertos musicales y algunos expertos lo catalogaron como uno de sus singles menos memorables y con una presencia de Madonna poco aprovechada. Personalmente, ‘Me Against The Music’ no se encuentra entre mis canciones favoritas de Britney y recuerdo que en el momento de su lanzamiento no me llamó la atención a diferencia de todos los singles lanzados por la cantante hasta la fecha.

Como segundo single llegó el que se convertiría en uno de los singles más famosos, representativos y exitosos de la carrera de Britney Spears. Me estoy refiriendo por supuesto a Toxic, un enérgico tema dance-pop y electro-pop con melodía inspirada en la música Bhangra producido por Bloodshy & Avant, los cuales se convertirían en colaboradores habituales de Britney y crearían otros éxitos de la talla de ‘Piece of Me’. Toxic, cuyas letras hacen referencia a un amante peligroso y que resulta como una droga adictiva para la cantante, fue en realidad compuesto por Cathy Dennis y el dúo noruego para el álbum «Body Language» de Kylie Minogue, pero la diva australiana lo rechazó y fue a parar a manos de Britney, quien es famosa por haber dejado pasar otros hits como ‘Umbrella’. La discográfica Jive quería como segundo single del álbum ‘(I Got That) Boom Boom’ o ‘Outrageous’, pero Britney decidió lanzar ‘Toxic’ y desde luego no le falló la intuición ya que se convirtió en uno de los mayores éxitos del 2004: debutó en lo más alto de las listas de venta de Reino Unido (su cuarto single #1 en UK), Australia o Irlanda y fue top 5 en España, Francia o Alemania. En Estados Unidos, en contra de lo que pudiera parecer, Britney ha sido una artista más exitosa con sus álbumes que con sus singles y hasta la fecha sólo había conseguido un single #1 y otros dos top 10, pero ‘Toxic’ alcanzó el top 10 (#1 en el componente Dance de Billboard) y fue certificado oro. Toxic estuvo acompañado por un espectacular videoclip en el que Britney se mete en el papel de un agente secreto y recibió numerosas nominaciones. Toxic fue elogiado por los expertos musicales (quienes no ha sido muy benevolentes en general con la artista) y alabaron su adictivo ritmo y su pegadizo estribillo y gracias a él, Britney logró su único premio Grammy a mejor grabación Dance. Con más de 850 millones de reproducciones en Spotify, ‘Toxic’ es la canción más escuchada por parte del público de toda la discografía de la legendaria cantante. 

Tras la excelente acogida de ‘Toxic’, como tercer single se lanzó Everytime, una balada pop a piano compuesta íntegramente por Britney y producida por Guy Sigsworth en la que pide perdón por haber hecho daño involuntariamente a su pareja (muchos vieron esta canción como la respuesta a ‘Cry Me a River’ de Justin Timberlake tras la ruptura de la relación). Everytime fue elogiada por la crítica por la emotividad en la voz de Britney y su labor como compositora y fue considerada como la canción más destacada del álbum y una de sus mejores baladas. Everytime resultó nuevamente un éxito y consiguió el #1 en Reino Unido o Australia y ocupó el #15 en la lista americana. Como cuarto single del álbum tenía previsto lanzarse Outrageous, pero mientras Britney grababa su videoclip en Nueva York, sufrió una caída durante una coreografía y se rompió la rodilla izquierda, por lo que tuvo que ser operada de urgencia y el lanzamiento del single se canceló. Dicha operación es considerada por muchos expertos como el motivo por el que Britney nunca volvió a ser la excelente bailarina que había sido hasta el momento. ‘Outrageous’ es un tema R&B up-tempo compuesto y producido por R.Kelly que destaca por su melodía hipnótica inspirada en el música del Medio Oriente y sus influencias Hip Hop, convirtiéndolo en uno de los temas más urbanos de Britney hasta la fecha. Personalmente ‘Outrageous’ es uno de mis temas favoritos del álbum y resultó una auténtica pena su cancelación como single. Cabe destacar que una parte del videoclip, inacabado por el accidente de Britney, se puede ver en el DVD «Greatest Hits: My Prerogative».

Dos de los temas más destacados del álbum, pero también muy polémicos por sus sensuales letras, son ‘Breathe On Me’, un tema dance-pop con influencia House producido por Mark Taylor (responsable de ‘Believe’ de Cher) en el que Britney relata una relación íntima con su amante y muestra un registro vocal susurrante y ‘Touch of My Hand’, una balada mid-tempo de estilo synth-pop con melodía inspirada en la música del Lejano Oriente cuyas letras hacen referencia a la masturbación femenina. Ambas canciones, favoritas de los fans desde el primer momento, fueron interpretadas en directo durante la gira ‘The Onyx Hotel’ y resultaron muy controvertidas por los bailes de naturaleza sexual de Britney junto a sus bailarines. También merece la pena reseñar ‘Showdown’, un tema synth-pop de temática sexual que supone la segunda aportación de Bloodshy & Avant al álbum o la balada electro-pop ‘Shadow’ que habla de los recuerdos de una relación que ha terminado y destaca por la ejecución vocal de Britney. En la edición deluxe está presente ‘The Answer’, un tema R&B producido por Diddy que demuestra que el género urbano le siente de maravilla a Britney. Mientras que el álbum «Britney» es considerado un punto de inflexión en la carrera de la cantante de Louisiana al dejar atrás su antigua imagen adolescente y mostrar una faceta más sexy, «In The Zone» nos presenta a una Britney ya adulta, más madura y cómoda hablando de sexo y resulta un trabajo original y arriesgado. En mi opinión, a pesar de que contiene hits incontestables como Toxic (mi canción favorita de Britney) o Everytime, «In The Zone» no resulta un álbum tan sólido o consistente en su conjunto como sus trabajos anteriores ya que mezcla estilos muy diferentes como electro-pop, dance-pop, R&B o Hip-Hop. Temas imprescindibles: Toxic, Outrageous, Touch of My Hand, Showdown, Breathe On Me, Everytime, Shadow y The Answer. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «Ray of Light» de Madonna

Ray of LightTras alcanzar el éxito durante la década de los 80 con álbumes de ventas millonarias como «Like a Virgin» o «True Blue» que convirtieron a Madonna en la auténtica Reina del Pop, en los años 90 la popularidad de la cantante americana descendió notoriamente debido al polémico libro «Sex» y el álbum «Erotica», que observó un considerable bajón en ventas con respecto a sus anteriores trabajos por su naturaleza sexual. Con el álbum «Bedtime Stories» y su participación en la película Evita, la imagen de Madonna se suavizó y se mostró más serena y madura. En febrero de 1998 vio la luz el séptimo álbum de estudio de la cantante americana, Ray of Light, su trabajo más místico y espiritual hasta la fecha en el que se observa una clara influencia de su estudio de la Cábala y el reciente nacimiento de su hija Lourdes María en las letras de las canciones que lo componen. Madonna empezó a grabar el álbum en 1997 junto a su habitual colaborador Patrick Leonard o Babyface, pero las sesiones de grabación no resultaron fructíferas y se unió al productor inglés William Orbit, quien le dio una dirección más experimental al álbum y se adentró de lleno en la música electrónica. «Ray of Light» está compuesto por 13 temas, principalmente baladas y temas downtempo encuadrados dentro del synth-pop además de varios temas up-tempo de estilo dance-pop y Techno, compuestos por Madonna junto a Patrick Leonard, Rick Nowels y William Orbit, quien se encargó de la entera producción. «Ray of Light» recibió elogios por parte de los expertos musicales por la dirección musical tomada en el álbum, la arriesgada producción de William Orbit, la naturaleza misteriosa y enigmática de las canciones presentes y las habilidades de Madonna como compositora. El álbum recibió 6 nominaciones a los premios Grammy, de los que ganó 4, entre ellos mejor álbum pop. «Ray of Light» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes (por detrás de la imbatible banda sonora de la película Titanic) con más de 370 mil copias en la primera semana a la venta, convirtiéndose en la cifra más alta de ventas de una cantante femenina hasta la fecha y acabó siendo certificado cuádruple platino en Estados Unidos por ventas superiores a los 4 millones de copias. En el resto del mundo fue #1 en más de 15 países incluyendo Reino Unido, Australia, España, Alemania o Canadá y superó los 16 millones de copias, superando ampliamente las ventas de «Erotica» y «Bedtime Stories» e incluso las del exitoso «Like a Prayer». 

El single presentación del álbum fue Frozen, una balada electrónica mid-tempo con influencia de la música del Medio Oeste compuesta por Madonna junto a Patrick Leonard y producida por William Orbit que habla de un hombre con carácter frío y sin emociones y cómo la cantante desea cambiar su carácter gélido. ‘Frozen’ fue aclamado por la crítica, que lo consideró «una obra maestra de la música de los 90» y en el terreno comercial resultó un éxito: alcanzó el #1 en Reino Unido, Italia o España y fue top 5 en los principales mercados musicales como Estados Unidos (donde fue #2), Australia o Alemania. Como segundo single se lanzó Ray of Light, un enérgico tema dance-pop y electro-pop con influencias pop/rock y Techno en el que Madonna reflexiona sobre lo insignificantes que somos los seres humanos dentro del universo. ‘Ray of Light’ nuevamente fue elogiado por los expertos musicales por su naturaleza ‘club-friendly’ y recibió tres nominaciones a los premios Grammy: mejor grabación del año, mejor grabación Dance y mejor videoclip, de los que ganó los dos últimos. Este single continuó el éxito de ‘Frozen’: alcanzó el top 5 en Estados Unidos, Australia o Reino Unido y fue #1 en España. El tercer single fue Drowned World/Substitute for Love, un tema downtempo en el que Madonna relata su transformación espiritual para buscar el amor auténtico y cuyo título dio nombre a la gira con la que la artista promocionó dicho álbum. El cuarto single lanzado fue The Power of Good-Bye, una melancólica balada mid-tempo de estilo electrónico y con gran componente orquestal que habla del poderoso sentimiento de «dejar ir» a un ser amado y resulta muy similar al estilo de ‘Frozen’. ‘The Power of Good-Bye’ no igualó el tremendo éxito de los dos primeros singles pero obtuvo un buen desempeño en las listas de venta: fue top 10 en Reino Unido, España, Canadá o Alemania y #11 en Estados Unidos. Como quinto y último single se lanzó Nothing Really Matters, un tema up-tempo de estilo electro-pop y dance-pop en el que Madonna habla de su papel como madre tras el nacimiento de Lourdes María y cómo antes vivía la vida de manera egoísta. ‘Nothing Really Matters’ tuvo una moderada acogida en las listas de venta aunque ocupó el top 10 en Reino Unido y Canadá e incluso alcanzó el #1 en España, uno de los mercados más receptivos durante la era «Ray of Light».

Merece la pena reseñar ‘Sky Fits Heaven’, un enérgico tema Trance/Dance que supone el momento más bailable del álbum, ‘To Have and Not To Hold’, un tema electrónico de carácter mid-tempo y melodía enigmática que habla de la distancia que existe con su amante o ‘Little Star’, una balada de sonido ambiental dedicada a su hija. En resumen, «Ray of Light» no sólo es uno de los álbumes mejor valorados por la crítica de toda su carrera, sino que devolvió a Madonna a la primera línea del panorama musical tras una época comercial infructuosa y protagonizó una de sus más célebres ‘re-invenciones’. Personalmente le tengo un cariño especial a «Ray of Light» porque fue el álbum con el que descubrí a Madonna, concretamente gracias a ‘Frozen’ (que se encuentra entre mis canciones favoritas de la diva) y tras escuchar este álbum indagué en sus trabajos anteriores y me convertí en seguidor de su música. Sin duda uno de los álbumes pop más importantes de la década de los 90 y muy destacado dentro de la extensa discografía de Madonna. Temas imprescindibles: Frozen, The Power of Good-Bye, Nothing Really Matters, To Have and Not To Hold, Ray of Light y Sky Fits Heaven. Puntuación: 8’5/10.

Throwback Review: «Guilty» de Blue

Guilty BlueEl cuarteto británico Blue se caracterizó por su rapidez a la hora de publicar álbumes ya que en 2001 debutaron con All Rise, el cual fue #1 en Reino Unido y contó con 4 singles top 10 en la lista británica y un año más tarde llegó One Love, que también lideró la lista británica de álbumes y nuevamente logró gran éxito con sus 4 singles, todos ellos top 5 en UK. Sin apenas un respiro, en 2003 vio la luz el tercer álbum de estudio de Blue, Guilty, el cual está compuesto por medios tiempos, baladas y temas up-tempo encuadrados dentro del pop/R&B y cuenta con la producción de importantes nombres de la industria musical europea como StarGate (quienes fueron responsables de sus hits ‘All Rise’ y ‘One Love’), Deekay, Cutfather o Truth North entre otros. Todos los componentes de Blue participaron en la composición de las canciones de manera individual o conjunta, pero fueron Lee y Antony los que destacaron por su mayor contribución en las letras. ‘Guilty’ debutó en el #1 de la lista británica, convirtiéndose en el tercer álbum consecutivo de Blue que llegaba a lo más alto en Reino Unido. Siguiendo la misma fórmula que en sus anteriores trabajos, el single presentación fue la canción que daba título al álbum, Guilty, que se trata de una balada pop/R&B mid-tempo compuesta por Gary Barlow en la que los componentes de Blue ruegan a la chica que les ha dejado que les dé una nueva oportunidad. ‘Guilty’ alcanzó el #2 en la lista británica (el séptimo top 5 de Blue en Reino Unido) y en el resto del mundo tuvo un desempeño moderadamente exitoso y ocupó el top 10 en España, Italia e Irlanda. Nuevamente continuaron con su habitual patrón de lanzar una versión de un tema conocido como segundo single y en esta ocasión versionaron Signed, Sealed, Delivered I’m Yours, el famoso tema de Stevie Wonder, al cual le incorporaron un toque R&B/funk y la colaboración de la veterana cantante americana Angie Stone y el propio Stevie Wonder. Este single alcanzó el #11 en la lista británica, convirtiéndose en el primer sencillo de Blue que no ocupaba el top 10 en Reino Unido. Como tercer single se lanzó Breathe Easy, una emotiva balada pop compuesta por Lee en la que nuevamente tratan el tema de desamor y se lamentan de la separación física y emocional de su pareja. ‘Breathe Easy’ recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales por el tono dramático de las letras y la excelente ejecución vocal de los componentes, especialmente Lee. ‘Breathe Easy’ debutó en el #4 de la lista británica y logró gran éxito en Italia, donde su versión en italiano ‘A Chi Mi Dice’ fue #1. Como cuarto y último single del álbum llegó Bubblin’, un tema pop/R&B up-tempo que suponía uno de los momentos más bailables de «Guilty» y con el que Blue anotaron otro top 10 en la lista británica. Merece la pena reseñar ‘Taste It’, un tema up-tempo con aroma funk co-escrito junto a Gary Barlow, la bonita balada R&B ‘How’s a Man Supposed To Change?’ o ‘When Summer’s Gone’, un medio tiempo producido por StarGate. En resumen, «Guilty» mantiene el gran nivel de «One Love» y «All Rise» ya que está compuesto por un sólido conjunto de canciones pop/R&B pegadizas que cuentan con las excelentes voces de Lee, Simon, Duncan y Antony. Puede que «Guilty» no añadiera nada nuevo u original a la carrera de Blue, ya que repite la misma fórmula utilizada en sus dos anteriores álbumes, pero si algo funciona ¿para qué cambiarlo?. Temas imprescindibles: Guilty, Breathe Easy, Taste It, When Summer’s Gone, How’s a Man Supposed To Change? y Walk Away. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «The Declaration» de Ashanti

The DeclarationDurante los primeros años de la década del 2000, una de las figuras más prominentes dentro del panorama R&B fue sin duda Ashanti, quien consiguió gran éxito con su álbum debut de título homónimo, el cual alcanzó el #1 en Estados Unidos y contó con el hit single ‘Foolish’, el cual también lideró la lista de singles durante 10 semanas consecutivas. Cabe destacar que mientras ‘Foolish’ ocupaba el #1 en la lista americana, otros dos temas en los que colaboraba (‘What’s Luv?’ de Fat Joe y ‘Always On Time’ de Ja Rule) también se encontraban en el top 10, lo que convirtió a Ashanti en la primera artista desde los Beatles en tener tres singles en las 10 primeras posiciones de Billboard. Tras «Ashanti», llegó «Chapter II», el cual nuevamente fue #1 en la lista americana y contó con el exitoso single ‘Rock With U’. En 2004 vio la luz el tercer álbum de la cantante americana, «Concrete Rose», que observó un bajón de ventas con respecto a sus dos primeros trabajos pero todavía fue certificado platino por ventas superiores a un millón de copias y contó con el hit single ‘Only U’. Tras un lapso de casi 4 años, en 2008 se puso a la venta su cuarto álbum de estudio, The Declaration, el cual está formado por 13 temas encuadrados dentro del R&B bajo la producción de L.T. Hutton, Channel 7, Babyface, Jermaine Dupri o Darkchild y en los que Ashanti habla de las complicadas relaciones con los hombres mientras muestra su habitual tono de rabia y angustia. El primer single del álbum fue The Way That I Love You, una dramática balada mid-tempo R&B con melodía construida por arpegios de piano en la que Ashanti relata una dolorosa traición por parte de su pareja. Este single recibió buenas críticas por la magnífica ejecución vocal de la cantante, su elegante producción y su tono dramático, sin embargo tuvo un desempeño moderado en la lista americana y apenas ocupó el top 40 (cuando todos sus ‘lead singles’ habían sido top 10), aunque alcanzó el #2 en el componente Hot R&B/Hip-Hop Songs de Billboard. Como segundo single se lanzó Good Good, un simpático tema R&B mid-tempo producido por Jermaine Dupri en la que Ashanti habla de sus habilidades como mujer para satisfacer a un hombre y destaca por repetir el título de la canción durante gran parte de la canción. Pese a ser un tema pegadizo y original, tuvo un rendimiento comercial mediocre y fue incapaz de entrar en el Hot 100 de Billboard. El álbum también incluye Body On Me, el single de Nelly con la colaboración de Ashanti y Akon que fue lanzado durante la promoción de The Declaration, pero pertenece al álbum «Brass Knuckles» del rapero. ‘Body On Me’ es un marchoso tema Hip-Hop/R&B de letras muy sexuales producido por Akon, quien además participa cantando el estribillo junto a Ashanti. ‘Body On Me’ ocupó el top 50 en la lista americana pero tuvo un mejor desempeño comercial en Reino Unido, donde fue top 20. Recordemos que Ashanti y Nelly fueron pareja sentimental durante una década, hasta que rompieron en el año 2014.

Entre los temas más interesantes de The Declaration se encuentran ‘So Over You’, la aportación de Darkchild y uno de los temas más rítmicos y marchosos del álbum, en el que Ashanti relata estar cansada de las mentiras de su pareja y decide pasar página de la relación o ‘You’re Gonna Miss’, que cuenta con un toque Old School inspirado en el R&B de los 80 y en el que advierte a su hombre lo que se pierde si la deja escapar. «The Declaration» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el cuarto trabajo de la cantante neoyorquina en ocupar el top 10 en Estados Unidos, sin embargo las ventas fueron notoriamente inferiores a las de su último álbum, «Concrete Rose», el cual despachó más de 250 mil copias en su primera semana a la venta, lo cual agravó la espiral decreciente en su éxito comercial. Definitivamente «The Declaration» no es el mejor álbum de Ashanti ya que contiene excesivo relleno y no ofrece nada nuevo que no haya presentado anteriormente en «Concrete Rose» o «Chapter II» (los cuales resultan superiores) sin embargo no es un trabajo de baja calidad en absoluto ya que encontramos varias canciones interesantes en las que podemos apreciar su gran talento como vocalista y compositora. Pese a no ser muy conocida por el público masivo, Ashanti Douglas es una artista consolidada en Estados Unidos y para demostrar su importancia dentro del mundo de la música basta decir que terminó la década del 2000 como la tercera artista de R&B más exitosa a nivel mundial tras Beyoncé y Alicia Keys con unas ventas superiores a los 10 millones de sus primeros tres álbumes, además de haber recibido numerosos galardones. Temas imprescindibles: The Way That I Love You, So Over You, Good Good, You’re Gonna Miss, The Declaration y Body On Me. Puntuación: 7/10.