Crítica de “Beauty Marks” de Ciara

ciara-beauty-marksEn mayo de 2015, la cantante americana de R&B Ciara publicó su sexto álbum de estudio, Jackie, el cual resultó un fracaso de ventas y obtuvo críticas muy tibias, aunque contó con I Bet, una bonita balada que fue moderadamente exitosa en el componente R&B de la lista americana de singles. Cuatro años más tarde, la atractiva cantante ha regresado al panorama musical con Beauty Marks, su séptimo trabajo discográfico. Desde el año pasado, Ciara ha lanzado numerosos singles como anticipo de su nuevo álbum, en una estrategia comercial muy similar a la que suele utilizar Chris Brown y que cada vez más cantantes llevan a cabo, ya que hoy en día se venden más singles que álbumes, debido al auge del streaming y las descargas digitales y la dramática bajada en las ventas de CD’s físicos. En julio del año pasado, la cantante de Atlanta lanzó Level Up como single presentación de su nuevo trabajo, que se trataba de un marchoso y bailable tema electro-pop y dance-pop que atrajo la atención del público y se convirtió en uno de los singles de Ciara más exitosos de los últimos tiempos. Este pegadizo tema producido por JR Rotem estuvo acompañado de un videoclip muy futurista en el que Ciara realizaba una compleja y original coreografía con la que demostraba que además de una buena cantante es una excepcional bailarina y posee un físico envidiable. La coreografía de Level Up se convirtió en viral en las redes sociales y ayudó sin duda a hacer de este tema uno de los más populares de la cantante. Tras la promoción de Level Up, la cantante nacida en Austin (Texas) lanzó como siguiente single Freak Me, un bailable tema dance-pop/Tropical House con sonido tribal, aunque a diferencia del anterior single no tuvo un buen desempeño en las listas de venta. Ciara nos siguió ofreciendo más singles como anticipo de su nuevo álbum y en septiembre del año pasado lanzó Dose, un tema R&B up-tempo con gran percusión producido por Darkchild que demostraba que su nuevo trabajo discográfico iba a ser muy bailable, teniendo en cuenta lo rítmicos que habían sido todos los singles lanzados hasta el momento. Ya en 2019, Ciara confirmó que su séptimo álbum de estudio vería la luz en mayo y lanzó nuevo single, Greatest Love, que rompía la racha de temas up-tempo para ofrecernos una balada R&B producida por su habitual colaborador Jasper Cameron, responsable de varios de sus hits. Greatest Love nos mostraba el lado más sensual de la cantante y nos confirmaba que dentro de su nuevo trabajo, como es habitual en todos los trabajos de Ciara, podremos encontrar tanto marchosos temas dance-pop como sus habituales temas mid-tempo R&B de carácter sexy que resultan auténticos “bed-bangers”.

A finales de marzo, como single previo al lanzamiento de Beauty Marks, Ciara nos presentó Thinkin Bout You, un original tema R&B/pop de carácter retro que recupera el sonido Disco/pop de los años 90 y recuerda al estilo de Prince o Janet Jackson. Este single contrasta con el estilo de los primeros sencillos del álbum (los cuales eran potentes y enérgicos temas dance-pop con gran uso de sintetizadores) y aunque es marchoso y bailable, resulta más orgánico y con mayor uso de instrumentación, lo que lo convierte en uno de los mejores temas del álbum y un gran acierto como single. Beauty Marks está formado por 11 temas, por lo que habiendo lanzado ya 5 singles, casi la mitad del contenido del disco ha sido desvelado, lo cual reduce en gran medida el factor el sorpresa del álbum, aunque dentro del resto de él todavía quedan temas muy interesantes que comentar. Una de las sorpresas del álbum es la colaboración de Ciara con Kelly Rowland (ex-Destiny’s Child) en “Girl Bang”, un tema mid-tempo R&B que habla del empoderamiento femenino y demuestra el swagger que poseen las dos cantantes (ambas de procedencia sureña), aunque no es de los mejores temas presentes en el álbum. Mientras que la mayoría de los singles eran de estilo dance-pop, en el resto del disco dominan los medios tiempos R&B, como “Set”, un agresivo tema muy urbano, o “I Love Myself”, que cuenta con la colaboración del rapero Macklemore. Otros de los temas más destacados son “Na Na”, que cuenta con ritmos tropicales e influencia dancehall y resulta muy marchoso, y “Beauty Marks”, la gran balada del álbum y el momento más emotivo en el que Ciara muestra su vulnerabilidad y explica “cómo podemos convertir nuestras cicatrices en marcas de belleza, y no hay mayor sentimiento que transformar las lágrimas de pena en lágrimas de alegría”. El videoclip de esta bonita balada ha sido desvelado coincidiendo con la publicación del álbum y en él podemos ver a Ciara emocionarse y llorar mientras canta, además de alternarse con momentos de su boda con el jugador de rugby Russell Wilson.

Uno de los puntos fuertes de Beauty Marks es duda la gran elección de los singles, que resultaban muy pegadizos y estaban perfectamente elegidos para mostrarnos la variedad de sonidos presentes en el disco, aunque como punto en contra está la brevedad del álbum teniendo en cuanta el amplio lapso de tiempo que ha pasado desde su último álbum, y por otra parte es que el resto de los temas que conforman Beauty Marks no enganchan tanto como los singles. En definitiva, este trabajo supera ampliamente a su anterior disco Jackie, el cual era poco consistente y con muchos temas de relleno, y también a su quinto álbum de título homónimo, que era breve pero sólido y contenía temas de gran calidad, por tanto estamos ante el mejor álbum de Ciara de esta década, en mi opinión. Con la publicación de su séptimo álbum, Ciara Princess Harris ha demostrado que se ha convertido en una auténtica superviviente entre las cantantes de R&B surgidas durante la década del 2000, ya que disco tras disco se ha labrado una carrera musical consistente y estable, pese a haber iniciado una espiral decreciente en su éxito comercial tras su tercer álbum. Ciara, con sus altos y sus bajos, intenta dar lo mejor de sí misma con cada álbum y es fiel a su estilo, lo cual es digno de admirar. Puntuación: 8/10.

Crítica de “Cuz I Love You” de Lizzo

lizzo_cuz-i-love-youAunque la cantante Lizzo ha publicado anteriormente dos álbumes de estudio, su tercer disco supone el primero en una gran discográfica, lo que sin duda le ha proporcionado un aumento considerable en su popularidad gracias a una mayor promoción. Cuz I Love You es el título del nuevo álbum de estudio de Lizzo, que vio la luz el pasado mes de abril y está formado por 11 temas (14 en la edición deluxe) que van del R&B/Soul al Hip-Hop pasando por el Funk, lo que lo convierte en un álbum urbano muy ecléctico. Todos los temas del álbum están compuestos por Lizzo y producidos por Oak, X Ambassadors o Ricky Reed (conocido por su trabajo junto a Jason Derulo o Meghan Trainor). Antes de ser conocida, Lizzo formó parte de varios grupos de Hip-Hop/R&B en su nativa Minneapolis, e hizo su debut en solitario en 2013 con el álbum Lizzobangers. Lizzo, cuyo verdadero nombre es Melissa Jefferson, luce sin complejos sus curvas en la portada de su nuevo álbum, ya que la cantante ha afirmado en varias ocasiones que está feliz, segura de sí misma y no le importan sus kilos de más. Cuz I Love You debutó en el #6 de la lista americana y vendió 40 mil copias durante su primera semana, convirtiéndose en el trabajo más exitoso de Lizzo y el primero que entra en la lista Billboard. El single presentación del álbum fue Juice, un marchoso tema Funk/Disco que contiene sonido retro y muestra la variedad musical del álbum y su versatilidad como artista ya que Lizzo rapea y canta. Este pegadizo y bailable tema producido por Ricky Reed ha recibido opiniones muy positivas por parte de los expertos musicales por su temática sobre aceptarse a uno mismo y aunque no ha entrado en la lista americana de singles, sí ha obtenido un buen rendimiento en el componente R&B de Billboard, donde ha sido top 10.

Uno de sencillos promocionales del álbum fue Tempo, un tema que combina sonido electrónico con Hip-Hop, en el que Lizzo muestra su faceta de rapera y cuenta con la participación de Missy Elliott, cuyo rap recuerda mucho al que proporcionó a Janet Jackson en “Burn It Up!”. Tempo, en el que la cantante reivindica su cuerpo y arremete contra las chicas delgadas, es sin duda otro de los puntos fuertes de “Cuz I Love You” y resulta muy curioso que colabore con la legendaria artista Missy Elliott, ya que ambas comparten muchos puntos en común, no sólo porque las dos se llamen Melissa, sino que ambas son raperas y cantantes, saltaron a la fama como “gorditas” y son muy talentosas. En la edición deluxe del álbum se incluye otro sencillo promocional, “Boys”, un marchoso tema Funk con influencia Hip-Hop en el que Lizzo muestra su faceta como rapera, y “Truth Hurts”, un medio tiempo R&B que fue lanzado como single en 2017 pero gracias a su incursión en una conocida serie de TV ha aumentado enormemente su popularidad (está entre los temas más escuchados en Spotify), por lo que fue añadido “in extremis” al tracklisting de Cuz I Love You. En el álbum, Lizzo trata temas como la auto-aceptación y la confianza en uno mismo o su relación con los hombres, y entre las canciones más destacadas se encuentran “Cuz I Love You”, una desgarradora balada Soul/Jazz en la que Lizzo habla de la soledad y la depresión que ha sufrido, “Soulmate”, un marchoso tema electro-pop/R&B en el que declara que ella misma es su alma gemela y nuevamente afronta su soledad, “Like a Girl”, un himno feminista en el que nombra a importantes mujeres del R&B como Lauryn Hill, Chaka Kahn o TLC e incluye la hilarante frase “estoy sola en casa como Macaulay Culkin”, o “Jerome”, un medio tiempo R&B/Soul de sonido retro en el que la curvilínea artista despacha a gusto contra su ex.

En definitiva, Cuz I Love You es álbum muy ecléctico en el que Lizzo muestra su variedad musical y su versatilidad como cantante y rapera, y aunque sea el tercer álbum de la artista nacida en Detroit, podría parecer su debut, ya que cuenta con una falta de dirección habitual en los primeros álbumes, pero también resulta muy interesante y original. Además, este trabajo ha permitido al gran público conocer a una cantante peculiar y polémica pero muy talentosa que seguro que seguirá dando que hablar en el futuro dentro del género R&B/Hip-Hop. Puntuación: 7/10.

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Throwback Review: “Jackie” de Ciara

Ciara-JackieLa cantante americana Ciara recuperó parte de su popularidad y éxito perdidos con su quinto álbum de estudio, titulado de manera homónima, ya que aunque no logró unas ventas espectaculares, sí supuso un importante avance en comparación con Basic Instinct, y contó con el single “Body Party”, que alcanzó su mejor posición en la lista americana tras varios años de ausencia en la parte alta de la lista Billboard. Tras “Ciara”, la cantante de Atlanta fue madre de un niño, fruto de su relación con Future, sin embargo poco después la pareja rompió tras descubrir Ciara las infidelidades del rapero. Mientras se centraba en cuidar a su hijo, Ciara comenzó a grabar su nuevo álbum, inspirado en su ruptura con Future y en su faceta como madre. En mayo de 2015, la cantante publicó su sexto disco de estudio, titulado Jackie en honor a su madre. Tras su maternidad, Ciara recuperó el escultural físico que tenía antes de su embarazo y realizó una intensa promoción del álbum, apareciendo en numerosos programas de televisión americanos y demostrando una gran voz en directo mientras interpretaba el primer single. I Bet es una emotiva balada R&B que trataba su relación con Future, estaba compuesta por la propia Ciara y producida por Harmony Samuels. Aunque en un principio “I Bet” podría parecer que no era la mejor opción como single presentación del álbum por ser una balada de carácter íntimo y autobiográfico, el resultado comercial fue bastante positivo, ya que ocupó el top 50 en la lista americana y el top 20 en el componente R&B de dicha lista, logrando la mejor posición de Ciara en Billboard desde “Body Party”. Tras la promoción de I Bet, Ciara anunció que se embarcaría en una gira por Estados Unidos, la primera de la cantante en muchos años y que recorrió las principales ciudades americanas.

Tras la buena acogida de “I Bet” Ciara lanzó como segundo single Dance Like We’re Making Love, un magnífico tema pop/R&B mid-tempo que recibió muy buenas críticas por parte de los expertos musicales por su ejecución vocal (muy similar a la de Janet Jackson) y la elegante producción de Dr. Luke. La elección de los singles fue todo un acierto ya que eran dos de los mejores temas del álbum y mostraban una faceta más centrada en las habilidades vocales de Ciara que en su talento como bailarina cuando lanza singles más marchosos. Jackie está compuesto principalmente por temas up-tempo de estilo dance-pop y electro-pop, y resulta uno de los trabajos más bailables de la cantante, aunque también podemos encontrar sus habituales baladas R&B. Ciara participó en la composición de varias de las canciones que forman parte de Jackie y contó con la producción de importantes nombres como Polow da Don y Dr. Luke (quienes ya trabajaron con la cantante en el disco Fantasy Ride), además de otros como Harmony Samuels o The Underdogs. Pese a que Ciara declaró en los estadios iniciales del disco que iba a trabajar con el productor Mike WiLL Made It, responsable de varios temas de su anterior álbum, finalmente no se incluyó ningun tema de Mike WiLL en Jackie.

Dentro de los temas up-tempo que forman parte de Jackie destacan la colaboración de Missy Elliott y Pitbull en el tema “That’s How I’m Feelin”, uno de los más bailables y pegadizos del álbum, o “Give Me Love”, que se trata de un potente tema dance-pop y House dirigido a las pistas de baile, y que destaca por el uso del tono más grave y profundo de Ciara. Cabe destacar que en el tracklisting de Jackie se incluye “One Woman Army”, canción que originalmente se iba a incluir en su anterior disco y que en un principio daba título al álbum antes de que decidiera a cambiarlo simplemente por “Ciara”. Jackie debutó en un modesto #17 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en la segunda peor posición de Ciara en Billboard tras “Basic Instinct” y acabó vendiendo apenas 65 mil copias en Estados Unidos, la cifra más baja de ventas de un álbum de la cantante en toda su trayectoria musical. Aunque la elección de los singles fue acertada y podemos encontrar canciones interesantes en Jackie, gran parte álbum no acaba de enganchar y resulta menos sólido y consistente que su anterior disco. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de “Love + Fear” de Marina

marina-2Como ya comenté en la crítica de “Love”, la cantante Marina tenía previsto publicar su cuarto álbum de estudio Love + Fear el 26 de abril, pero decidió liberar la primera parte del mismo a principios de dicho mes, tras el lanzamiento de varios singles que lograron una acogida muy tibia por parte del público. Y en la fecha originalmente establecida, la cantante galesa ha publicado el disco completo, para que podamos valorar el proyecto en su totalidad. “Love + Fear” es un disco doble con dos partes diferenciadas, y tras escuchar Love, que no ha acabado de enganchar a sus seguidores ni al público en general, ahora le toca el turno a Fear, que sin el acompañamiento de ningún sencillo promocional promete ser uno de los fracasos más sonados del año. Aunque “Love” contenía varias canciones interesantes, en conjunto resultaba poco arriesgado y original, sin embargo una vez que escuchas Fear, el álbum completo gana puntos y nos ofrece una visión más completa de este nuevo proyecto de la cantante de origen griego. Musicalmente, Fear sigue el patrón de Love y está compuesto principalmente por medios tiempos y baladas de estilo electro-pop, aunque podemos encontrar algún tema up-tempo de sonido dance-pop e influencia Tropical House, sin embargo en lo que respecta las letras de las canciones, mientras que Love se centraba en el amor y las relaciones, en Fear la cantante habla de los miedos e inseguridades por los que pasó durante su depresión, y cómo la fama y la popularidad tuvieron un efecto negativo sobre ella. 

Tras escuchar Fear, puedo decir que me ha gustado más que la primera parte del álbum (olvidándome que “Baby” forma parte de Love, teniendo en cuenta que no es una canción original de Marina) y dentro de las 8 canciones mis favoritas son “Karma”, un pegadizo tema que contiene influencia Latin-pop y sonidos tropicales y que resulta uno de los más pegadizos y accesibles del álbum, y “No More Suckers”, un medio tiempo electro-pop que supone un auténtico himno contra los haters. También destacan “Emotional Machine”, el más up-tempo del álbum y el único tema dance-pop de Fear, y “Soft To Be Strong”, la mejor balada del disco y en la que la cantante muestra su vulnerabilidad como persona. Aunque dentro de “Love + Fear” podemos encontrar buenas canciones y hay que destacar las habilidades de Marina como compositora y su personal voz, es un álbum difícil de digerir en la primera escucha y resulta poco comercial y accesible, convirtiendo a Marina en una artista de carácter indie. La cantante de 33 años, quien nos conquistó cuando era Marina and the Diamonds y adoptaba alter-egos tan divertidos y originales como Electra Heart, ahora se muestra tal y como es, sin personajes ni artificios, pero parece que la estrategia no ha terminado de gustar al público, por lo que quizás es hora de que vuelva a recuperar los diamantes y nos ofrezca trabajos tan sobresalientes como el mencionado Electra Heart, su mejor disco hasta la fecha. Aún con todo, Love + Fear es un trabajo más que digno que merece la pena darle una oportunidad. Puntuación: 7/10.

Throwback Review: “Taking Chances” y “D’Elles” de Céline Dion

81PqLXwTNqL._SL1500_En noviembre de 2007 Céline Dion publicó su décimo álbum en inglés, Taking Chances, el cual tuvo una respuesta comercial muy positiva, ya que fue #1 en su nativa Canadá, alcanzó el top 5 en los principales mercados internacionales como Estados Unidos, Francia, Reino Unido o Alemania, y acabó vendiendo más de 3 millones de copias a nivel mundial. Taking Chances está formado por un compendio de las clásicas baladas de Céline además de temas up-tempo con gran influencia pop-rock y dance-pop. Mientras que sus anteriores álbumes en inglés A New Day Has Come y One Heart estaban influenciados por el dance-pop y el R&B, y resultaban sus trabajos discográficos más comerciales, Taking Chances profundiza en el sonido pop-rock (con ciertas pinceladas R&B) y destaca por contar con un gran número de versiones. Una amplia variedad de compositores y productores estuvieron implicados en este álbum, entre ellos Linda Perry, John Shanks, Kara DioGuardi, Ben Moody (componente del grupo Evanescence), Ne-Yo o Tricky Stewart. El single presentación fue el tema que daba título al álbum, Taking Chances, que se trataba de una poderosa balada mid-tempo de estilo pop-rock originalmente grabada por Kara DioGuardi y producida por John Shanks, pero que finalmente acabó formando parte del disco de Céline Dion. Taking Chances fue top 10 en Canadá, Francia e Italia, aunque obtuvo un rendimiento más moderado en Reino Unido y Estados Unidos. Como segundo single se lanzó la balada Alone, versión del tema del mismo nombre del grupo de rock Heart y que Céline hizo suya convirtiéndola en una de las mejores baladas del álbum. Uno de los temas más interesantes y que se distancia del sonido pop-rock que domina el disco es Eyes On Me, que fue elegido como segundo single en ciertos países como Reino Unido. Este marchoso tema con influencia R&B y sonido del Medio Oeste producido por Kristian Lundin era uno de los más llamativos y pegadizos del disco pero no tuvo un gran impacto en la listas de venta porque careció de promoción.

Taking Chances recibió criticas muy variadas por parte de los expertos musicales, los cuales sintieron que el álbum no era muy original y carecía de personalidad, por lo que algunos declararon que Céline Dion en realidad no había arriesgado demasiado, aludiendo al título del disco. Aunque no resulta tan llamativo, sólido y completo como “A New Day Has Come” (mi disco favorito de Céline en inglés), Taking Chances también es un buen álbum aunque quizás demasiado largo, monótono y con bastantes canciones de relleno, aunque la elección de los singles fue muy acertada. Entre las canciones más destacadas se encuentran “Fade Away”, el tema más up-tempo del disco, de estilo pop-rock y dance-pop, o “This Time”, un dramático medio tiempo muy influenciado por el estilo de Evanescence ya que Ben Moody era el responsable de dicho tema.

dellesUn año más tarde del lanzamiento de Taking Chances y mientras se encontraba de gira, Céline Dion publicó D’Elles, su decimotercer álbum en francés, el cual fue grabado antes que Taking Chances, aunque fuera publicado más tarde. Durante su larga trayectoria musical, Céline Dion ha ido alternando discos en francés e inglés, pero lo que mucha gente desconoce es que la carrera musical en francés de Céline comenzó en 1981, casi 10 años antes de que debutara con su primer disco en inglés. Antes de que Céline Dion se lanzara a nivel internacional, ya era una cantante muy respetada e importante en el mercado francófono, especialmente en Francia y Quebec (la región francófona más importante de Canadá). D’Elles, que en francés significa “de ellas” o “sobre ellas” es un disco conceptual sobre la mujer en todos sus ámbitos y podemos considerarlo la continuación de “D’Eux” (“de ellos”), publicado en 1995, pero con la perspectiva femenina. D’Elles era el primer álbum en francés de Céline en 4 años, fue alabado por la crítica que lo consideró uno de sus proyectos musicales más ambiciosos, y resultó un éxito de ventas, ya que fue #1 en Francia, donde fue certificado platino al vender más de 300 mil copias, y en Canadá. El single presentación del disco fue la dramática balada Et S’Il n’en Restait Qu’une (Je Serais Celle-Là), cuya traducción es “Si sólo quedara una mujer, esa sería yo”. Este tema recibió grandes elogios de la crítica ya que cuando Céline canta en francés transmite más emoción y sentimiento en sus canciones, y tuvo una gran acogida en el mercado francófono, alcanzando el #1 en Francia y #2 en Quebec. Tras este magnífico tema (una de las mejores canciones de Céline en francés) se lanzó como segundo single otra de las grandes baladas del álbum, Immensité, la cual también tuvo un buen rendimiento en Francia y Canadá. Como tercer single se lanzó la emotiva balada “On S’est Aimé à Cause”. Entre los temas más interesantes de D’Elles se encuentran “À Cause”, que destacaba por ser una de las canciones más up-tempo dentro un álbum en el que dominaban las baladas y los medios tiempos, y “Le Temps Qui Compte”, otro marchoso tema pop-rock. Ambos temas fueron contendientes a ser single pero finalmente su lanzamiento no se materializó. 

Para promocionar Taking Chances y D’Elles, Céline Dion se embarcó en una extensa gira por todo el mundo (principalmente en Norteamérica y Europa) después de haber pasado los últimos 5 años en su exitosa residencia “A New Day…” en Las Vegas. “Taking Chances World Tour” fue la primera gira mundial de Céline en 10 años y por ello llevó a cabo un espectacular show que fue aclamado por la crítica por la magnífica selección de temas elegidos y la grandiosa voz de Céline en directo, y se convirtió en una de las giras más exitosas y recaudadoras de la década pasada. Con el “Taking Chances World Tour”, la cantante de Quebec promocionó de manera conjunta tanto Taking Chances como D’Elles, aunque el set-list difería ligeramente cuando la cantante se encontraba en Quebec o Francia, donde incorporaba más temas en francés. Gracias a la gran acogida por parte del público, fue lanzado un DVD grabado durante una de las paradas de esta maratoniana gira y entre los temas más destacados se encuentran su clásico “All By Myself” en el que la cantante canadiense nos deleita con su espectacular voz, la original puesta en escena de “Eyes On Me”, el medley de sus grandes éxitos que incluía “Because You Love Me” o “To Love You More”, su tributo a Queen cantando una preciosa rendición de “The Show Must Go On” o el apoteósico final con su tema más famoso “My Heart Will Go On”.

Crítica de “Désobéissance” de Mylène Farmer

9E801606-C9D7-4E33-A457-651A968CBA28De padres franceses, la cantante y compositora Mylène Farmer nació en Quebec, Canadá, aunque a una edad temprana su familia se trasladó a los suburbios de París. Tras probar suerte como actriz, una joven Mylène conoció a Laurent Boutonnat, un estudiante de cine quien se convertiría años más tarde en su habitual colaborador musical y la fuerza creativa detrás de los vídeos musicales de Mylène. Desde sus inicios en el mundo de la música, la cantante destacó por las polémicas letras de sus canciones y sus explícitos videoclips, como por ejemplo su single debut, “Maman a tort” (mi madre está equivocada), el cual hablaba de una relación lésbica y en cuyo videoclip se mostró por primera vez un desnudo femenino frontal. Entre sus temas más famosos se encuentran “Libertine” o “Desenchantée”, que años más tarde serían versionados por la cantante belga Kate Ryan. Dentro de su larga trayectoria musical, Mylène Farmer ha vendido más de 30 millones de discos en Francia y ostenta el título de ser la artista con más #1 en la lista de singles francesa (18 en total), convirtiéndose en la cantante femenina más importante y exitosa de dicho país. Por todo ello podríamos considerar a Mylène Farmer como la “Madonna francesa”, ya que con cada disco consigue reinventarse y ofrecer un estilo e imagen diferentes, además de haber atraído la atención del público por las polémicas y atrevidas letras de sus canciones. En septiembre del año pasado, la cantante de 57 años publicó su undécimo álbum de estudio, Désobéissance (desobediencia en francés), cuyo título demuestra que aunque pasen los años Mylène sigue teniendo un espíritu rebelde e inconformista. Este álbum está formado principalmente por temas up-tempo de estilo electro-pop y dance-pop, con gran influencia de la música electrónica de los años 80 y 90, y destaca por el hecho de que, al igual que su anterior disco Interstellaires, no cuenta con la participación de su habitual colaborador Laurent Boutonnat.

Désobéissance debutó en lo más alto de la lista francesa de álbumes, convirtiéndose en el noveno trabajo de Mylène Farmer que alcanza el #1 en Francia, y desde septiembre ha vendido más de 200 mil copias, siendo certificado doble platino. El single presentación fue Rolling Stone, un marchoso tema synth-pop que se convirtió nuevamente en otro #1 para Mylène en la lista francesa de singles. El segundo sencillo fue su colaboración con la cantante y compositora americana LP en N’oublie Pas, que empezaba como una emotiva balada pero iba aumentando de ritmo hasta convertirse en un tema dance-pop. Este tema, en el que Mylène canta en francés mientras que LP lo hace en inglés, nuevamente alcanzó el #1 en Francia, extendiendo el reinado de Mylène Farmer en lo más alto de la lista francesa a 18 singles. La elección de los siguientes singles fue de lo más acertada ya que son las canciones más interesantes del álbum (y mis temas favoritos): Sentimentale, en el que la cantante muestra su fragilidad y vulnerabilidad, pero ambientado en un sonido dance-pop y electro-pop que lo hace uno de los temas más marchosos del disco, y Désobéissance, que da título a este trabajo y se trata de un pegadizo tema electro-pop en el que Mylène utiliza su habitual falsetto. Este mismo mes de ha puesto a la venta dicho single en formato físico, tanto CD como vinilo, algo que ha encantado a los fieles fans de la veterana artista, quienes coleccionan todos los lanzamientos de su extensa trayectoria. Aunque los singles extraídos y la mayor parte de los temas del álbum son de carácter up-tempo, también hay cabida a medios tiempos electro-pop, como “Des Larmes”, que será el siguiente single, y “Get Up Girl”, en el que Mylène incluye varias frases en inglés, o la oscura balada “Retenir L’eau”.

Désobéissance, pese al handicap obvio ser un álbum en francés, resulta muy accesible a todos los públicos al ser marchoso y bailable, por lo que es la opción perfecta para lanzarse a escuchar un disco en este idioma para quienes no lo hayan hecho nunca, además de dar una oportunidad a Mylène Farmer, quien pese a ser una de las artistas más vendedoras e importantes dentro del mercado francófono, no ha obtenido un mayor éxito fuera de Francia por el inconveniente del idioma. En definitiva, Désobéissance es un buen álbum que nos muestra la madurez y la constante evolución musical de una de las artistas más consolidadas de Francia, además de una magistral producción por parte de DJ francés Feder. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de “Hurts 2B Human” de Pink

pink-hurts-2b-human-thatgrapejuice-600x600Teniendo en cuenta la maratoniana gira en la que se encuentra inmersa Pink, con la que ha recorrido de manera extensa Estados Unidos y Australia para promocionar su anterior álbum Beautiful Trauma, su regreso al panorama musical con nuevo trabajo discográfico ha llegado antes de lo que todos podríamos pensar. Hurts 2B Human es el título del octavo álbum de estudio de Pink, que se puso a la venta el pasado día 26 de abril, apenas año y medio después del lanzamiento de Beautiful Trauma, el cual recibió críticas muy variadas por parte de los expertos musicales pero obtuvo una gran respuesta comercial, alcanzando el #1 en las listas de venta de Estados Unidos, Reino Unido o Australia entre otros. Musicalmente hablando, Hurts 2B Human resulta muy similar a su anterior álbum, en el que abandonó su habitual estilo pop-rock para centrarse de lleno en el pop, con varias canciones encuadradas dentro del dance-pop y el electro-pop, sin embargo en lo que respecta a las letras, este nuevo álbum resulta más optimista que Beautiful Trauma. El single presentación del álbum ha sido Walk Me Home, un tema pop de estilo muy similar a los que encontrábamos en su anterior disco y que contiene el característico estribillo de Pink con coro creciente. Este tema ha sido compuesto por Pink junto a Nate Ruess (con quien ya colaboró en el single Just Give Me a Reason) y destaca por su mensaje inspirador y su naturaleza de himno, pero a diferencia de otros primeros singles de Pink no engancha tanto ni resulta original, y eso se ha notado en la reacción por parte del público, ya que Walk Me Home ha ocupado posiciones muy discretas en las listas de venta de todo el mundo, obteniendo su mejor puesto en Reino Unido, donde ha sido #8, y en Australia, donde ha ocupado el #12, una posición muy baja teniendo en cuenta la excepcional acogida que tiene la cantante en dicho país.

Para este trabajo, Pink ha contado con varios de sus habituales colaboradores, como Max Martin y Shellback, quienes han contribuido con “(Hey You) Miss You Sometime”, un enérgico tema electro-pop en el que la voz de la cantante aparece sintetizada, Greg Kurstin, que ha producido “Courage”, un bonito medio tiempo pop que resulta uno de los momentos más emotivos, o Billy Mann en la balada casi acústica que cierra el álbum, “The Last Song of Your Life”. Sin embargo Alecia Moore (el verdadero nombre de Pink) ha decidido trabajar por primera vez con otros productores como por ejemplo Ryan Tedder, que ha contribuido con “Can We Pretend”, un tema dance-pop que resulta uno de los más alegres y optimistas del disco, o el desconocido Odegard, quien ha sido el responsable de “Hustle”, un marchoso tema pop de estribillo pegadizo e influencia folk (mi canción favorita del álbum y que será el siguiente single). Uno de los pocos temas que conserva el característico estilo pop-rock de Pink es “We Could Have It All”, producido por Greg Kurstin y uno de los más up-tempo del álbum. Hurts 2B Human cuenta con varios artistas invitados, como la promesa del R&B Khalid, quien colabora en el tema que da título al disco y se trata de una emotiva balada mid-tempo con influencia Soul/R&B, o el cantante de Country Chris Stapleton que participa en la balada “Love Me Anyway”, la cual destaca por ser la primera canción producida totalmente por la propia Pink.

Como gran seguidor de Pink que me considero desde sus inicios en el mundo de la música, cada vez que la cantante lanza nuevo álbum es motivo de alegría y en esta ocasión no ha sido menos ya que Hurts 2B Human cuenta con varias canciones muy interesantes, sin embargo no ofrecen nada nuevo ni original al panorama musical y resultan muy similares a las presentes en Beautiful Trauma. Aunque Hurts 2B Human no sea el mejor álbum de su trayectoria, sí es una buena adición al amplio catálogo musical de Pink, y lo cierto es que me ha gustado más que Beautiful Trauma en su primera escucha. Aunque la Pink de pelo rosa que cantaba R&B siempre será mi favorita, lo cierto es que el estilo que mejor se adapta a ella es el pop-rock más marchoso que la ha acompañado durante muchos años y numerosos discos, sin embargo en esta última etapa la hemos visto caminar por una senda más pop que a muchos no les ha acabado de convencer, pero es obvio que la cantante de 39 años y madre de dos hijos ha madurado y dejado atrás su lado más rebelde e inconformista. Canciones imprescindibles: Hustle, Courage, Hurts 2B Human, Can We Pretend y Walk Me Home. Puntuación: 7’5/10.

Throwback Review: “Read My Lips” de Sophie Ellis-Bextor

Sophie_Ellis-Bextor_-_Read_My_LipsTras pertenecer al grupo indie Theaudience a finales de los años 90, la cantante británica Sophie Ellis-Bextor hizo su debut en solitario en el año 2000 colaborando con el DJ Spiller en el tema “Groovejet”, el cual resultó un éxito en Reino Unido, donde alcanzó el #1 en la lista de ventas, además de en Australia e Irlanda. Tras la participación de la cantante inglesa en este tema, decidió comenzar la grabación de su primer álbum de estudio en solitario, llamado Read My Lips, el cual vio la luz en agosto de 2001. Para su álbum debut, Sophie Ellis-Bextor abandonó el estilo indie y rock presente en sus inicios en el mundo de la música para adoptar un sonido más comercial y bailable, en concreto una mezcla de electro-pop y dance-pop con influencias del sonido Disco de los 80, conformando un disco enfocado a las pistas de baile. El single presentación del álbum fue la versión del tema de Cher Take Me Home, al cual Sophie cambió ciertas partes de la composición dándole un toque más sexual que no acabó de convencer a la veterana cantante, la cual no quedó nada satisfecha con los cambios en su canción. Pese a dicha controversia, este marchoso tema dance-pop y Disco gozó de buena acogida en Reino Unido, donde alcanzó el #2. Pero sin duda fue el segundo single el que acaparó más atención por parte del público debido a sus peculiares letras y su pegadizo ritmo. Me estoy refiriendo a Murder on the Dancefloor, un marchoso tema dance-pop con influencia Disco que recibió buenas críticas de los expertos musicales y tuvo una gran respuesta comercial, convirtiéndose en el single más exitoso del álbum y unos de los temas más carismáticos de toda la carrera de la cantante. Murder on the Dancefloor fue #2 en la lista de singles de Reino Unido y ocupó el top 5 en los principales mercados musicales como Canadá, Australia, Francia o Italia. Como tercer single en Reino Unido se lanzó Get Over You junto a Move This Mountain como single de doble cara A, mientras que a nivel internacional se lanzó únicamente el primero de ellos. Move This Mountain pertenecía originalmente al álbum, sin embargo Get Over You era un nuevo tema que fue añadido a la re-edición de Read My Lips. Get Over You es un pegadizo tema electro-pop y dance-pop que se convirtió en otro éxito para Sophie en la lista británica de singles, alcanzando el #3, y también gozó de buena acogida en Australia o España, donde ocupó el top 10.

En contraste al resto de marchosos singles lanzados, el otro tema perteneciente al single de doble cara A lanzado en Reino Unido era Move This Mountain, una balada electrónica y el momento más sosegado del álbum. Como cuarto y último single se extrajo Music Gets the Best of Me, la otra canción inédita perteneciente a la re-edición de Read My Lips. Este tema dance-pop con influencia House era uno de los más up-tempo del álbum, sin embargo debido a su carácter poco original obtuvo una respuesta comercial más moderada, alcanzando únicamente el #14 en Reino Unido. Mientras que los singles lanzados tenían un sonido dance-pop/Disco y carácter up-tempo, del resto del álbum dominaban los temas electro-pop como “Lover”, “Sparkle” o “By Chance” aunque también podíamos encontrar marchosos temas dance-pop como “The Universe Is You”. Read My Lips debutó en el #2 de la lista británica de álbumes y acabó siendo certificado doble platino por ventas superiores a las 800 mil copias, y también cosechó cierto éxito en Australia o Alemania, donde fue top 10. Gracias a este álbum descubrimos a una de las cantantes británicas más elegantes, con mayor personalidad y sentido del humor, además de una gran vocalista y un ejemplo en la perfecta pronunciación del acento británico. Sin duda Read My Lips fue uno de los mejores álbumes de dance-pop y electro-pop de la primera década del 2000.

Madame X, el esperado regreso de Madonna

madamex“Madame X es una agente secreta que viaja alrededor del mundo, cambia de identidad, lucha por la libertad y trae la luz a lugares oscuros. Ella es una instructora de cha cha cha, una profesora, una jefe de estado, una ama de casa, una amazona, una prisionera, una estudiante, una maestra, una monja, una cantante de cabaret, una santa, una prostituta”. Estas son las palabras que ha publicado Madonna durante las últimas semanas en sus redes sociales, además de varias imágenes con las que confirma el lanzamiento de su nuevo trabajo discográfico, titulado Madame X y que se pondrá a la venta el próximo 14 de junio. El decimocuarto disco de estudio de Madonna se trata de un álbum conceptual grabado durante estos últimos años mientras ha estado viviendo en Portugal, y contará con la producción de Mirwais Ahmazdaï, con quien ya trabajó de manera extensa en los discos Music y American Life, y por última vez en un tema de Confessions on a Dancefloor. Madonna ha estado últimamente muy activa en las redes sociales y nos ha desvelado varios detalles de Madame X, entre ellos que estará formado por 13 temas en su edición estándar y 15 en la deluxe, cada uno con una portada diferente, y contará con varios artistas invitados: Maluma (quien participa en dos temas del álbum), el rapero Quavo, la cantante brasileña Anitta y el artista de Hip-Hop Swae Lee.

El single presentación del álbum es un dueto con el artista colombiano Maluma llamado Medellín, que es la cuidad donde nació el famoso cantante de reggaeton. El tema en cuestión resulta bastante extraño en la primera escucha ya que las partes cantadas por Madonna son de estilo electro-pop con un sonido ambiental y la voz de la cantante muy sintetizada, mientras que cuando interviene Maluma el tema aumenta de ritmo e incorpora sonido latino, percusión tribal e influencia de reggaeton. En Medellín, Madonna nos cuenta que tras tomar una pastilla cae en un sueño que le transporta a cuando tenía 17 años, antes de alcanzar la fama, pero al despertar se encuentra en Medellín, donde Maluma le canta en español e intenta seducirla con su encanto y todas las bondades de este paraíso latino. En este tema, la Reina del Pop repite en varias ocasiones “1, 2, cha cha cha”, por lo que suponemos que está adoptando la personalidad de instructora de cha cha cha dentro de todas las identidades que posee la enigmática Madame X. Las opiniones del público hacia Medellín han sido muy diversas, y mientras algunos observan una gran química entre ambos artistas y una nueva re-invención musical por parte de Madonna, otros afirman que el tema no acaba de enganchar, está muy por debajo de los estándares de calidad de la veterana cantante y se ha subido al carro de lo latino demasiado tarde. Tendremos que esperar a junio para poder escuchar más canciones de Madame X y hacernos una idea más global de este ambicioso proyecto.

Crítica de “Love” de Marina

MARINA_LOVEMarina Diamandis, conocida artísticamente como Marina and the Diamonds, está de vuelta en el panorama musical tras varios años sin lanzar nuevas canciones. Después de la promoción de su tercer álbum de estudio, Froot, publicado en 2015, la cantante galesa decidió tomarse un tiempo de descanso para encontrarse a sí misma y desconectar del estresante ritmo de trabajo, aunque realizó varias colaboraciones esporádicas con otros artistas. Marina tenía pensado publicar a finales de abril su cuarto álbum de estudio, Love + Fear, el cual está compuesto por 16 canciones divididas en dos partes diferenciadas, pero tras desvelar varios singles de la primera parte del disco, ha decidido lanzar “Love” antes de lo previsto, concretamente el pasado día 8 de abril. Para este nuevo proyecto, la artista de origen griego se ha desprendido de la coletilla “and the Diamonds” que la ha acompañado durante toda su trayectoria y ahora su nombre artístico es simplemente Marina, dando a entender que ha dejado atrás los artificios de épocas pasadas y ahora muestra su verdadera identidad como persona y artista. Además para esta nueva era musical, Marina ha mostrado una imagen más natural y visiblemente más delgada. A finales del año pasado, Marina colaboró con Clean Bandit en Baby, un marchoso tema de inspiración latina que suponía la segunda colaboración de la cantante con el grupo inglés. Este pegadizo tema latin-pop, que contaba con la colaboración del artista puertorriqueño Luis Fonsi, también será incluido en Love, la primera parte del nuevo trabajo de Marina, aunque resulta más up-tempo, comercial y bailable que el resto de los temas presentes en el álbum.

El single presentación de este proyecto fue Handmade Heaven, una balada introspectiva de estilo synth-pop que recordaba a la Madonna de “Ray of Light”. Debido a su naturaleza poco comercial (a diferencia de sus primeros singles, que suelen ser marchosos y bailables) la respuesta del público ha sido muy tibia y apenas ha tenido repercusión en las listas de venta. El siguiente sencillo fue Superstar, un medio tiempo electro-pop en el que Marina alterna su voz grave con la aguda, y pese a tener algo más de ritmo que el primer single tampoco acaba de enganchar. Tras el moderado recibimiento de los dos primeros sencillos, Marina optó por un tema más alegre y pegadizo, Orange Trees, el cual estaba influenciado por el sonido Tropical House y resultaba más up-tempo y comercial. Sin duda, Orange Trees sí es el tema de regreso que todos esperábamos de Marina por lo que hubiera sido la mejor opción como single presentación del álbum. Love es un álbum que nos ofrece un mensaje positivo sobre amar a los demás y a nosotros mismos, y dentro de él destacan “Enjoy Your Life”, un marchoso tema electro-pop en el que Marina nos anima a centrarnos en todo lo positivo que nos ofrece la vida, “True”, el tema más pegadizo y up-tempo del álbum y quizás el que más nos recuerda a la Marina bailable del pasado, o la balada electro-pop “End of the Earth”. La reacción del público hacia “Love” ha sido muy moderada aún teniendo el cuenta el gran lapso de tiempo que ha pasado desde que Marina publicó su último álbum, y muchos seguidores se han mostrado decepcionados con el regreso de la cantante galesa, ya que las canciones presentes en la primera parte del álbum no están a la altura de sus anteriores trabajos Electra Heart o Froot, y eso teniendo en cuenta que “Love” parece ser la parte más comercial y animada de este proyecto, por lo que habrá que esperar al 26 de abril para conocer el estilo de “Fear” y poder valorar el proyecto en su totalidad. Puntuación: 6’5/10.