Kylie Minogue fue una de las artistas que nos hizo más ameno el año 2020 con su magnífico álbum Disco y contribuyó al resurgimiento de este género, que resultó tremendamente popular durante dicho año gracias al éxito de álbumes como «Future Nostalgia» de Dua Lipa y en menor medida (a nivel comercial, que no de calidad) «What’s Your Pleasure» de Jessie Ware. Mientras otros artistas continúan estirando el chicle del sonido Disco, que todavía sigue estando muy presente en este 2023, Kylie Minogue ha decidido dar carpetazo final a este estilo que tan bien le sienta y dar un nuevo giro a su música. Tras su colaboración con el Dj holandés Oliver Heldens en el tema ’10 out of 10′, la diva australiana ha regresado este mes de mayo con nuevo single, adelanto de su siguiente trabajo discográfico. Padam Padam abandona el estilo Disco de temas como ‘Magic’ y se adentra de lleno en el sonido electrónico ya que se trata de un adictivo tema electropop y dance-pop cuyo responsable es Lostboy, un productor poco conocido hasta el momento pero que ha participado en joyas como «Diamonds & Dancefloors» de Ava Max. Este tema se sumerge en una atmósfera oscura, fría y enigmática, mientras Kylie afirma que la persona que acaba de conocer en el club terminará obsesionado con ella y no podrá quitársela de la cabeza, todo aderezado con unos pegadizos ‘Padam Padam’ que representan las palpitaciones que su amante sentirá en el corazón. Con una duración de menos de 3 minutos (tal y como se estila hoy en día para encajar en las playlist de moda), ‘Padam Padam’ engancha desde la primera escucha, resulta uno de los mejores ‘lead singles’ de Kylie y es su apuesta más competitiva en años. ‘Padam Padam’ formará parte de su decimosexto álbum de estudio, Tension, que llegará el próximo mes de septiembre e incluirá 11 temas en su edición estándar, entre ellos su colaboración en ’10 out of 10′. Desde el blog MiSTeR MuSiC estaremos muy pendientes de los siguientes pasos de Kylie Minogue.
Los mejores álbumes de R&B de la década 2000-2009 (2ª parte)
The Heat de Toni Braxton.
Durante los años 90 Toni Braxton publicó dos exitosos álbumes, «Toni Braxton» y «Secrets», los cuales recibieron buenas críticas de los expertos musicales, obtuvieron unas altas ventas e hicieron de Toni una de las cantantes de R&B/Soul más importantes del momento. En el año 2000 vio la luz su tercer álbum de estudio, The Heat, el cual marcaba una divergencia con respecto a sus anteriores trabajos al incorporar un sonido más urbano y temas de carácter up-tempo que lo convertían en su álbum más animado hasta la fecha, aunque todavía podíamos encontrar sus clásicas baladas románticas. Toni participó en la composición de 8 temas del álbum, el cual cuenta con la producción de Keri Lewis (su marido por entonces), Babyface, David Foster, Daryl Simmons, Teddy Bishop o Darkchild. «The Heat» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en su tercer top 2 consecutivo y superó los dos millones de ejemplares vendidos en Estados Unidos. En el resto del mundo también tuvo un desempeño comercial positivo y alcanzó el #1 en Canadá y el top 10 en Alemania, Francia o Reino Unido. El álbum recibió opiniones positivas por parte de los críticos por su compendio entre temas urbanos y sus habituales baladas y la magnífica ejecución vocal de Toni Braxton, y recibió varias nominaciones a los premios Grammy, incluyendo mejor álbum R&B del año. El primer single fue He Wasn’t Man Enough, un marchoso tema R&B/pop up-tempo producido por Darkchild que cuenta con su inconfundible sonido que imprimió a otros hits lanzados en el año 2000 como ‘Say My Name’ de Destiny’s Child. En este tema, Toni advierte a una amiga que no se case con un hombre que ha estado antes con ella y ahora regresa pidiéndole perdón, convirtiéndose en un himno de empoderamiento femenino. ‘He Wasn’t Man Enough’ logró gran éxito en la lista americana, donde alcanzó el #2 y en el resto del mundo ocupó el top 10 en Reino Unido, España o Australia. Este single recibió dos nominaciones a los premios Grammy a mejor canción R&B del año y mejor actuación vocal femenina de R&B. El segundo single lanzado en tierras americanas fue Just Be a Man About It, una balada R&B producida por Teddy Bishop que relata una ruptura que sucede a través del teléfono, mientras que a nivel internacional se lanzó Spanish Guitar, una romántica balada R&B con uso prominente de guitarra española compuesta por la gran baladista Diane Warren que recordaba a su hit single ‘Un-Break My Heart’. En ‘Spanish Guitar’ la cantante relata cómo conoce a un atractivo desconocido en un bar y le invita a pasar juntos toda la noche y tocarle como si fuera una guitarra española. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘I’m Still Breathing’, una balada de desamor compuesta nuevamente por Diane Warren que habla de una mujer hundida por una relación amorosa fallida pero que intenta seguir adelante, ‘The Heat’, un marchoso tema R&B producido por Keri Lewis que forma parte de los nuevos temas up-tempo que incorpora el álbum, la emotiva balada Soul ‘Never Just For a Ring’ en la que la cantante se pregunta el porqué de la infidelidad de sus amantes o ‘Gimme Some’, otro tema up-tempo de letras muy explícitas que cuenta con la presencia de la rapera Left Eye de TLC. Podemos considerar a «The Heat» como el último ‘gran álbum’ de Toni ya que tras él iniciaría una espiral decreciente en su éxito comercial, a lo que se unirían problemas con su discográfica, bancarrota financiera y graves problemas de salud. «The Heat» es un álbum clave en la trayectoria musical de Toni Braxton, ya que incorpora un sonido urbano más acusado y está dirigido a un público más amplio, aunque podemos seguir deleitándonos con su profunda y grave voz en clásicas baladas románticas.
Fearless de Jazmine Sullivan.
Antes de lanzar su propia música, Jazmine Sullivan compuso canciones para artistas de la talla de Christina Milian, Monica o Fantasia y en 2008 vio la luz su primer trabajo discográfico, el cual conquistó a la crítica por su enorme talento como vocalista y compositora. Fearless está formado principalmente por medios tiempos y baladas de estilo R&B y Soul que cuentan con la producción de Missy Elliott, Lamb, Carvin & Ivan, Salaam Remi o StarGate. La cantante de Philadelphia participó en la composición de las 12 canciones que forman parte del álbum y trata temas como el desamor, las rupturas sentimentales, las complicadas relaciones con los hombres y sus difíciles comienzos en el mundo de la música. «Fearless» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes, vendió más de medio millón de copias físicas y fue certificado platino. El single presentación del álbum fue Need U Bad, un medio tiempo R&B/Soul con influencia reggae producido por Missy Elliott en el que Jazmine habla de la fuerte necesidad que siente por su pareja. ‘Need U Bad’ tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 40 en la lista americana. El segundo single fue Bust Your Windows, un original tema R&B con melodía de tango en el que Jazmine muestra su frustración y rabia al descubrir que su hombre le ha engañado y se venga destrozando los cristales de su coche. ‘Bust Your Windows’ recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales por el acertado uso del tango en la melodía, sus poderosas letras y la magnífica ejecución vocal de la cantante y obtuvo una nominación a los premios Grammy en la categoría de mejor canción R&B. El tercer single fue Lions, Tigers & Bears, una clásica balada R&B/Soul producida por Salaam Rami en la que afirma que no tiene miedo a peligrosos animales pero sí al dolor que se sufre con el desamor. Este tema también fue nominado a los Grammy en las categorías de mejor actuación vocal de R&B y mejor canción R&B (su segunda nominación consecutiva en dicha categoría tras ‘Bust Your Windows’). Como último single se lanzó Dream Big, un marchoso tema dance-pop producido por Missy Elliott que samplea la melodía de la famosa canción ‘Veridis Quo’ de Daft Punk y en el que Jazmine habla de sus difíciles inicios en el mundo de la música y cómo fue rechazada por varias discográficas porque «no era lo que la industria musical quería» pero con perseverancia logró sus sueños. Entre las canciones más destacadas de «Fearless» se encuentran ‘After The Hurricane’, una balada R&B mid-tempo producida por StarGate en la que Jazmine relata amargamente una ruptura sentimental y cómo su pareja le ha dejado con el corazón destrozado, ‘My Foolish Heart’, en el que reconoce su ingenuidad cuando conoce a un hombre y promete que no volverá a confiar en nadie o ‘One Night Stand’, que se trata de uno de los pocos temas R&B up-tempo del álbum y en el que relata su miedo a enamorarse tras pasar una noche de pasión con un hombre. «Fearless» es uno de los álbumes debut más sólidos dentro del R&B contemporáneo lanzados durante la década del 2000 ya que está formado por un conjunto muy consistente de canciones en las que Jazmine Sullivan muestra todo su talento como compositora relatando sus experiencias y desencuentros amorosos y nos deleita con su poderosa voz.
Survivor de Destiny’s Child.
Tras el moderado éxito del primer álbum de Destiny’s Child en Estados Unidos, en 1999 vio la luz su segundo álbum, The Writing’s On The Wall, el cual disparó la popularidad del grupo gracias a una acertada selección de singles entre los que se encontraban ‘Bills Bills Bills’ y ‘Say My Name’, que alcanzaron #1 en la lista americana y también ocuparon buenas posiciones alrededor del mundo. Este álbum resultó un tremendo éxito comercial pero también destacó por la controversia que causaron los cambios de componentes del grupo durante su promoción. LaTavia y LeToya demandaron al manager del grupo y padre de Beyoncé por su desproporcionado porcentaje de beneficios y el excesivo protagonismo de Beyoncé y Kelly, quienes acaparaban el micrófono en todas las canciones de Destiny’s Child, relegando a LeToya y LaTavia a meras coristas. Ambas fueron sustituidas por dos nuevas componentes, Michelle Williams y Farrah Franklin, aunque ésta última sólo formó parte de Destiny’s Child durante 5 meses y abandonó la formación al no soportar el estrés de la fama y por su escasa participación en las decisiones del grupo. Tras la marcha de Farrah, Destiny’s Child pasó a ser un trío y se convirtió en la formación más estable y recordada del famoso grupo. En el año 2000, Destiny’s Child lanzaron el tema Independent Women, perteneciente a la BSO de la película «Los Angeles de Charlie» y que supuso el trampolín definitivo para afianzar la fama del grupo en el resto del mundo e incluso superó la popularidad de la propia película. ‘Independent Women’ es un tema pop/R&B co-producido por la propia Beyoncé junto a Cory Rooney con letras acerca del empoderamiento femenino. Este single alcanzó el #1 en la lista de ventas americana durante 11 semanas consecutivas, convirtiéndose en el tercer #1 del grupo en Estados Unidos y en el resto del mundo consiguió el primer #1 del grupo en Reino Unido y el top 10 en Australia, Canadá o España. En 2001 vio la luz el tercer álbum de estudio de Destiny’s Child, Survivor, el cual está compuesto y co-producido en su totalidad por Beyoncé, con producción adicional de Rob Fusari y Anthony Dent. Aunque podemos encuadrarlo dentro del sonido R&B contemporáneo, «Survivor» tiene un mayor componente pop que su predecesor y resulta más accesible para el público en general debido a su mayor número de temas up-tempo. Beyoncé seguía siendo la voz principal en la mayoría de las canciones, sin embargo la presencia de Kelly y Michelle incrementó de manera notoria en este álbum, siendo más equitativo el reparto de ‘solos’ en las canciones. «Survivor» debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos y a nivel internacional, lideró las listas de venta en más de 10 países incluidos Reino Unido, Canadá o Alemania y superó los 12 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en el disco de un grupo femenino más vendido de la década del 2000. El single presentación fue Survivor, un marchoso tema R&B/pop con melodía de violines que habla de superar las adversidades y la negatividad de ciertas personas que te rodean y cuyas letras fueron la respuesta a un chiste que hicieron en una radio estadounidense bromeando sobre cuál sería la siguiente componente de Destiny’s Child en abandonar el grupo. Este single ocupó el #2 en la lista americana durante 7 semanas, bloqueado por ‘All For You’ de Janet Jackson y en el resto del mundo tuvo un gran impacto comercial y alcanzó el #1 en Reino Unido. El segundo single fue Bootylicious, un tema R&B/pop up-tempo que habla de lucir ‘un culo grande’ sin ningún complejo y resulta un himno de empoderamiento femenino. ‘Bootylicious’ se convirtió en el cuarto single #1 para el trío y también resultó un éxito alrededor del mundo. El tercer single fue Emotion, una balada R&B/Soul que se trataba de la versión del tema compuesto por Bee Gees y en el que Destiny’s Child mostraban el lado más emotivo y sensible. Como último single se extrajo Nasty Girl, uno de los temas con mayor componente R&B del álbum, en el que Destiny’s Child critican a las chicas sin clase, ordinarias y chabacanas que nos rodean o nos podemos encontrar habitualmente en nuestro barrio o en la discoteca. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Fancy’ y ‘Dance With Me’, dos medios tiempos de estilo R&B o ‘Sexy Daddy’ y ‘Happy Face’, los más bailables del álbum y que encajaban mejor con los gustos europeos por su estilo dance-pop. Aunque «The Writing’s on the Wall» es considerado un auténtico referente dentro del R&B, «Survivor» también se encuentra entre los mejores álbumes de este género ya que mantiene el espíritu del grupo, pero añade un toque dance-pop a su música que les ayudó a conquistar el resto del mundo.
8701 de Usher.
Usher Raymond inició su carrera musical cuando era tan sólo un adolescente y en 1997 logró gran éxito con My Way, el cual vendió 6 millones de copias en Estados Unidos y contó con tres exitosos singles que ocuparon el top 2 en la lista americana. En 2001 vio la luz su tercer álbum de estudio, 8701, cuyo título hace referencia a su fecha de publicación, está influenciado por varios de sus ídolos como Michael Jackson, Marvin Gaye o Stevie Wonder y destaca por el hecho de que Usher se implicó más en el proceso creativo del álbum. «8701» es un álbum de R&B moderno con influencia pop, Hip Hop y Soul que contó con la producción de algunos de los mejores productores del momento como Jermaine Dupri, Bryan-Michael Cox, Jimmy Jam & Terry Lewis, Mike City o The Neptunes. «8701» debutó en el #4 de la lista americana de álbumes y superó los 4 millones de copias en Estados Unidos y en el resto del mundo también tuvo una recepción comercial muy positiva, fue #1 en Reino Unido o Canadá y acabó vendiendo más de 8 millones, igualando los resultados de «My Way». Gracias a su talento como cantante, sus dotes como bailarín, su gran presencia escénica y su indudable atractivo, Usher se convirtió en un auténtico ídolo de las jovencitas americanas. En 2001 se lanzó Pop Ya Collar, un marchoso tema pop/R&B up-tempo compuesto y producido por She’kspere que reforzaba su imagen de casanova. Este single iba a formar parte de un álbum que no llegó a ver la luz debido a su filtración en internet y pasó a formar parte de la edición internacional de «8701». El primer single ‘oficial’ del álbum fue U Remind Me, un pegadizo tema R&B producido por Jimmy Jam y Terry Lewis cuyas letras hacen referencia a una chica que conoció Usher y le recordaba mucho a su ex-pareja, por ello decidió no salir con ella. ‘U Remind Me’ ocupó el #1 en la lista americana durante 4 semanas, se convirtió en una de las canciones más populares de 2001 y gracias a este tema Usher consiguió su primer premio Grammy, en concreto a mejor actuación vocal masculina de R&B. Como segundo single se lanzó U Got It Bad, una balada R&B que contaba con la clásica producción de Jermaine Dupri y Bryan-Michael Cox y recordaba al hit ‘Nice & Slow’ de su anterior álbum. Este sensual ‘slow jam’ con el estilo inconfundible de Usher recibió buenas críticas de los expertos musicales y ocupó el #1 en la lista americana durante otras 5 semanas, haciendo del 2001 uno de los mejores años dentro de la carrera profesional del cantante de Atlanta. El siguiente single en tierras americanas fue U Don’t Have To Call, un moderno tema R&B en el que Usher usa su voz en falsetto, incorpora el típico sonido de sintetizadores de The Neptunes y resulta uno de los temas más up-tempo y bailables del álbum. Este single ocupó el #3 en la lista americana y fue nominado a los Grammy en la categoría de mejor actuación vocal masculina de R&B. Para el mercado internacional se lanzó U Turn, un tema R&B up-tempo con influencia Hip Hop producido por Jermaine Dupri cuyas letras hacen referencia a sus ídolos Michael Jackson y Bobby Brown. Aunque el icónico «Confessions» es considerado como la obra maestra de Usher, «8701» también se encuentra entre los mejores álbumes de su catálogo ya que esta formado por un sólido conjunto de canciones muy accesibles y representativas del típico sonido R&B de principios del 2000.
Full Moon de Brandy.
Tras finalizar la serie Moesha con la que logró un gran éxito en la TV americana durante más de 5 años, Brandy regresó al mundo de la música en 2002, casi 4 años después del lanzamiento de «Never Say Never», con el que triunfó en todo el mundo gracias a temas tan exitosos como ‘The Boy Is Mine’, que se convirtió en el single más vendido de 1998 en Estados Unidos. En su tercer álbum de estudio, Full Moon, Brandy contó nuevamente con la ayuda de Darkchild y su equipo habitual, LaShawn Daniels y Fred Jerkins III, quienes se encargaron de la mayor parte de las canciones presentes, aunque también participaron Mike City, Warryn Campbell o Robert Smith, con el que iniciaría una relación romántica y sería el padre de su hija. «Full Moon» está encuadrado dentro del R&B al igual que su anterior trabajo y cuenta con sus clásicas baladas, sin embargo por expreso deseo de Brandy, Darkchild añadió un gran componente electrónico al álbum y ciertos sonidos vanguardistas y poco convencionales que hicieron de este trabajo un adelantado a su tiempo y un auténtico referente dentro del R&B contemporáneo. «Full Moon» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, superó el millón de copias (unas cifras muy inferiores a las de «Never Say Never») y se convirtió en el último álbum platino de la cantante antes de iniciar una espiral decreciente en su éxito comercial. El primer single fue What About Us?, un tema R&B up-tempo con influencia electropop y sonido futurista que marcaba una divergencia con respecto al sonido que Darkchild imprimió en «Never Say Never» o en la mayoría de sus producciones. ‘What About Us?’ recibió buenas críticas por su moderno y arriesgado sonido y tuvo una gran acogida comercial ya que ocupó el top 10 en las listas de venta de Estados Unidos, Australia o Reino Unido. En el espectacular videoclip del tema pudimos apreciar que Brandy había dejado atrás su dulce imagen de adolescente para adoptar una imagen de mujer más madura, sexy y empoderada. Como segundo single se lanzó Full Moon, un tema R&B con melodía de piano producido por Mike City que cuenta con unas pegadizas letras que hablan de cómo Brandy conoce a alguien en un club y se produce ‘amor a primera vista’ debido a la luna llena. Como tercer single se lanzó He Is, una balada R&B con influencia Soul y Gospel compuesta por la propia Brandy junto a Warryn Campbell, sin embargo su elección como single no fue muy acertada puesto que dentro del álbum encontramos baladas muy superiores como ‘When You Touch Me’, ‘Come a Little Closer’ o ‘Nothing’, en las que podemos apreciar el asombroso talento vocal de Brandy. «Full Moon» contiene varios temas up-tempo como ‘I Thought’, de sonido muy vanguardista e influenciado por el electropop o ‘Anybody’, otro tema R&B up-tempo con influencia electrónica que pone de manifiesto el amplio registro y la versatilidad vocal de Brandy. El catálogo musical de la cantante americana es uno de los mejores dentro del R&B contemporáneo y «Full Moon» es un álbum clave dentro de su carrera ya que dejó atrás la adolescencia y su imagen de ‘princesa del R&B’ para convertirse en una mujer madura y segura de sí misma.
No More Drama de Mary J Blige.
Mary J Blige puede presumir de tener una de las carreras más sólidas, extensas y exitosas dentro del R&B contemporáneo, por lo que su presencia en este repaso a los mejores álbumes de la década del 2000 es más que obligada. En el año 2001 vio la luz su quinto álbum de estudio, No More Drama, con el que asentó su fama en Estados Unidos y amplió su popularidad a nivel internacional gracias a una selección de exitosos singles. «No More Drama» toma relevo a «Mary» y se trata de uno de los álbumes más honestos de la cantante del Bronx ya que en él relata episodios de su agitada y convulsa vida, marcada por sus adicciones y las relaciones abusivas, y cómo pudo salir de ese círculo vicioso. «No More Drama» está formado por 17 temas encuadrados dentro del R&B con influencia Soul y Hip Hop y compuestos en su mayoría por la propia Mary bajo la producción de algunos de los mejores nombres de la industria musical como Dr. Dre, The Neptunes, Jimmy Jam & Terry Lewis, Swizz Beatz, Missy Elliott o Rich Harrison. «No More Drama» debutó en el #2 de la lista americana por detrás del álbum homónimo de Aaliyah con casi 300 mil copias vendidas en su primera semana, las mejores cifras de Mary hasta la fecha y acabó siendo certificado triple platino por ventas superiores a los 3 millones de ejemplares en Estados Unidos. En el resto del mundo también tuvo un desempeño comercial muy positivo: ocupó el top 5 en Reino Unido, Canadá, Suecia y Australia o el top 10 en Francia y se convirtió en uno de los discos de R&B más vendidos aquel año (superó los 6 millones de copias) y el álbum más famoso y conocido de Mary J Blige a nivel internacional. El single presentación del álbum fue Family Affair, un potente tema R&B up-tempo muy influenciado por el sonido Hip Hop y producido por Dr. Dre en el que Mary nos invita a celebrar y disfrutar la vida. Este tema destacó por popularizar el uso de ciertas palabras entre la sociedad afroamericana. ‘Family Affair’ resultó uno de los mayores éxitos del año 2001 y lideró la lista americana durante 6 semanas, convirtiéndose en el primer y único #1 de Mary J Blige en Estados Unidos. En el resto del mundo también obtuvo un desempeño muy positivo y fue #1 en Francia y top 10 en Reino Unido, Alemania o Australia. Como segundo single se lanzó No More Drama, que se trata de un tema R&B/Soul producido por Terry Lewis & Jimmy Jam cuyas dramáticas y emotivas letras hacen referencia a la violencia doméstica que sufrió Mary en el pasado y cómo decidió poner fin al drama y sufrimiento en su vida. ‘No More Drama’ fue aclamado por la crítica por sus personales letras, la magnífica ejecución vocal de la cantante y la rabia mostrada por Mary a través de su rasgada y potente voz. ‘No More Drama’ gozó de una buena respuesta por parte del público y alcanzó el #15 en la lista americana y fue top 10 en Reino Unido. El segundo single en Europa fue Dance For Me, un marchoso tema R&B/pop que sampleaba una famosa canción de The Police y contaba con la participación del rapero Common. Coincidiendo con la re-edición del álbum llegó el último single, Rainy Dayz, un medio tiempo R&B y Hip Hop-Soul producido por Irv Gotti que cuenta con la participación del rapero Ja Rule y fue originalmente compuesto para el tercer álbum de TLC, pero tras ser rechazado por el grupo cayó en manos de Mary. «No More Drama» es uno de los álbumes más icónicos dentro de la extensa carrera de Mary J Blige y cuenta con dos de sus singles más conocidos y exitosos.
Back To Black de Amy Winehouse.
Amy Winehouse debutó en el mundo de la música en el año 2003 con el álbum «Frank», con el que consiguió un éxito moderado en su nativo Reino Unido y recibió buenas críticas de los expertos musicales por la distintiva voz de Amy, sus habilidades como compositora y su estilo retro que combinaba Blues, jazz, Soul o R&B (un sonido poco habitual en la escena musical británica de la época). En 2006, la cantante inglesa regresó al panorama musical con su segundo álbum de estudio, Back To Black, con el que logró triunfar en todo el mundo y se convirtió en uno de los discos más importantes del 2006 y 2007. Este álbum está compuesto en su totalidad por Amy y producido por Mark Ronson y Salaam Remi, quienes crearon un original álbum de sonido retro que combina Soul, Blues y R&B contemporáneo, lo que muchos denominan como Blue-Eyed Soul. «Back To Black» debutó en el #3 de la lista británica y fue top 10 en Estados Unidos, pero tras el triunfo de Amy en los Grammy, las ventas aumentaron de manera exponencial y alcanzó el #2 en la lista americana. A raíz de su fallecimiento en 2011, las ventas se dispararon a nivel mundial y en muchos países el álbum alcanzó una posición superior al ‘peak’ original. Gran parte del éxito inicial logrado por el «Back To Black» se debió al single presentación, Rehab, que supuso un soplo de aire fresco en el aburrido panorama musical de aquellos años. ‘Rehab’ es un original tema Soul/R&B up-tempo en el que Amy relata sus propias experiencias con las adicciones y sus continuas entradas y salidas de los centros de rehabilitación, aunque prometía que no volvería a beber más. ‘Rehab’ alcanzó el top 10 en Estados Unidos, España o Reino Unido y se convirtió en uno de los singles más populares durante los años 2006 y 2007. El segundo single fue You Know I’m No Good, un tema encuadrado dentro del R&B contemporáneo con influencia Hip Hop en el que Amy relata una infidelidad que está arruinando la relación sana y saludable que tiene con un buen hombre. El tercer single lanzado fue Back To Black, un medio tiempo R&B/Soul producido por Mark Ronson cuyas letras hacen referencia al triste adiós de una relación y en concreto Amy habla de cómo fue engañada por su pareja con otra mujer y también hay referencias a sus adicciones. Este tema recibió grandes elogios de la crítica por la emotividad de las letras, la elegante producción y la impecable ejecución vocal por parte de la cantante. Los siguientes singles fueron Tears Dry on Their Own, un tema pop/Soul influenciado por el sonido Motown y que habla de una relación que sabe que no va a funcionar y Love Is a Losing Game, una balada Soul en la que Amy define el amor como un pasatiempo adictivo y destructivo y lo compara con los juegos de azar, declarando que sólo puedes amar durante un tiempo antes de ser el perdedor. El enorme talento de la cantante londinense fue reconocido con numerosos galardones, incluyendo 5 premios Grammy, entre ellos a mejor artista revelación, mejor grabación del año y mejor canción por ‘Rehab’. Amy Winehouse falleció a los 27 años debido a una sobredosis de alcohol y drogas, truncando su prometedora carrera musical, pero se convirtió en una leyenda del mundo de la música. «Back To Black» es una auténtica joya musical y uno de los álbumes más sólidos, originales y consistentes lanzados durante la década del 2000.
Goodies de Ciara.
Durante los primeros años de la década del 2000 el R&B vivió su época dorada y las canciones de este género sonaron con fuerza en las radios y ocuparon posiciones muy altas en las listas de venta, haciendo que el R&B traspasara las fronteras americanas y se convirtiera en un género muy popular a ambos lados del Atlántico. En 2004 se produjo otro momento de esplendor para el género, pero en este caso no se trataba de un R&B accesible y cercano al pop como en el año 2000 sino influenciado por el sonido Crunk, un subgénero del Southern Hip-Hop. De esta segunda época dorada del R&B destacaron dos artistas, Usher y Ciara, quienes guardan muchas similitudes, ya que ambos nacieron en Texas pero crecieron en Atlanta, una de las cunas más importantes del Hip-Hop y el R&B, donde pudieron desarrollar sus carreras musicales. En 2004 vio la luz el álbum debut de Ciara, Goodies, el cual está encuadrado dentro del R&B con influencias Crunk, pop y Hip-Hop y producido por Jazze Pha, Lil Jon, Bangladesh, Dre & Vidal, Jasper Cameron o R. Kelly entre otros. El primer single del álbum fue Goodies, un marchoso tema de estilo ‘Crunk & B’ (combinación de R&B y Crunk) producido por Lil Jon que cuenta con la colaboración del rapero Petey Pablo y resultaba muy similar al hit ‘Yeah!’ de Usher, lanzado unos meses antes y cuyo responsable también fue Lil Jon. En ‘Goodies’, Ciara aborda el tema de la abstinencia e intenta frenar el avance de los hombres que ligan con ella declarando que «las golosinas permanecerán en el frasco», lo que suponía un himno de independencia y empoderamiento femenino. ‘Goodies’ recibió grandes críticas de los expertos musicales por la combinación de sus inteligentes letras, su pegadizo ritmo y la voz susurrante y sexy de Ciara. Este single gozó de gran éxito y ocupó el #1 en Estados Unidos durante 7 semanas (donde fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias) y también lideró la lista de ventas de Reino Unido y fue top 10 en Alemania. El segundo single fue 1, 2 Step, un tema up-tempo ‘Crunk & B’ con gran influencia electrónica producido por Jazze Pha y que cuenta con la magistral participación de Missy Elliott. Este bailable y pegadizo tema recibió una nominación a los premios Grammy y supuso otro éxito para Ciara en las listas de venta, ya que ocupó el #2 en Estados Unidos y Australia o #3 en Reino Unido. La elección de los singles no pudo ser más acertada ya que resultaron una sucesión de hit tras hit. El tercer sencillo fue Oh, un tema downtempo R&B con influencia Hip-Hop producido por Dre & Vidal en el que Ciara y Ludacris (el artista invitado) rendían homenaje a Atlanta. ‘Oh’ ocupó el #2 en la lista americana de singles y en Reino Unido y Alemania la cantante anotó otro top 10. Gracias al éxito comercial de estos tres temas y en plena explosión del género Crunk, Ciara fue denominada ‘The Princess of Crunk & B’. «Goodies» debutó en el #3 de la lista americana de álbumes, donde fue certificado triple platino y a nivel mundial superó los 5 millones de copias. Desde sus inicios Ciara fue comparada con Janet Jackson y Aaliyah (dos de sus mayores influencias) por su estilo musical y su talento como ‘show woman’ y bailarina. «Goodies» cuenta con una moderna producción y destacó por la gran calidad de los tres singles, sin embargo las letras de las canciones resultaban algo genéricas y el rango vocal de Ciara era limitado. «Goodies» fue uno de los artífices del sonido ‘Crunk & B’ que triunfó durante aquella época y resultó uno de los álbumes de R&B más exitosos del 2004, antes de el género iniciara una importante caída en su popularidad los posteriores años. Sin duda «Goodies» es uno de los mejores álbumes de estilo urbano de la década pasada y gracias a él Ciara se hizo un importante hueco en el género R&B y fue nominada a mejor artista revelación en los premios Grammy.
The First Lady de Faith Evans.
Faith Evans siempre será recordada por ser la viuda del legendario rapero The Notorious BIG y estar involucrada en la famosa rivalidad East Coast/West Coast dentro del mundo del Hip Hop debido a su supuesto romance con Tupac, enemigo de Biggie, sin embargo como artista se hizo un hueco muy importante en el panorama musical de los años 90 y principios de la década del 2000 gracias a una serie de exitosos álbumes que la catapultaron al olimpo del R&B. Tras abandonar Bad Boy Records, la discográfica de Puff Daddy, donde había publicado todos sus trabajos hasta el momento, la cantante de Florida fichó por Capitol y en 2005 publicó su cuarto álbum de estudio, titulado The First Lady en honor al sobrenombre por el que era conocida en su antigua discográfica. «The First Lady» está formado por un compendio de medios tiempos y baladas R&B/Soul y temas up-tempo con influencia funk y Hip Hop compuestos en su mayoría por la propia Faith bajo la producción de importantes nombres de la industria musical como The Neptunes, Carvin & Ivan, Jermaine Dupri, Bryan-Michael Cox, Mario Winans o Chucky Thompson entre otros. «The First Lady» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, logrando la mejor posición de la cantante hasta la fecha y las ventas más altas en su primera semana de toda su carrera y acabó siendo certificado oro por ventas superiores al medio millón de copias en Estados Unidos. El single presentación del álbum fue Again, un tema R&B/Soul mid-tempo en el que Faith hace referencia al episodio ocurrido un año atrás en el que fue arrestada por posesión de drogas y en cuyas letras relata que su fe en Dios le ha ayudado a superar las adversidades y no caer otra vez en los mismos errores. ‘Again’ recibió buenas impresiones de los críticos musicales y tuvo un desempeño comercial positivo: alcanzó el top 50 en la lista americana y obtuvo su mejor posición en Reino Unido, donde fue #12. El segundo single lanzado fue Mesmerized, un marchoso tema up-tempo con gran influencia funk que habla de su enamoramiento por un hombre y tras él llegó Tru Love, una balada mid-tempo R&B con la característica producción de Jermaine Dupri en la que relata su turbulenta relación con Todd Russaw, su ex-marido. Mientras que «Faithfully», su anterior trabajo, estaba encuadrado dentro del sonido Hip Hop Soul (del que es una de las mayores representantes junto a Mary J Blige), «The First Lady» pierde en parte ese toque urbano y resulta un álbum de R&B más adulto y maduro. Sin duda este álbum supuso el momento álgido de la carrera de Faith Evans y merece formar parte de este repaso a los mejores álbumes de la década del 2000.
Exclusive de Chris Brown.
Chris Brown hizo su debut en el mundo de la música en el año 2005 con su álbum de título homónimo, el cual vendió dos millones de copias en Estados Unidos, contó con el single #1 ‘Run It!’ y le convirtió en una de las jóvenes promesas del género R&B. Dos años después el cantante de Virginia publicó Exclusive, su segundo álbum de estudio, el cual recibió buenas críticas de los expertos musicales por su evolución musical y su mayor madurez y fue comparado con el estilo de Usher y Justin Timberlake. Chris Brown compuso la mitad de los temas presentes en «Exclusive» y contó con una extensa nómina de productores de la talla de Sean Garrett, Scott Storch, Dre & Vidal, StarGate, The Underdogs, Bryan-Michael Cox o Swizz Beatz entre otros. «Exclusive» está formado por temas up-tempo de estilo R&B/pop con influencia Hip-Hop además de varias baladas y temas mid-tempo que mostraban el lado más sensible del joven cantante. Las señas de identidad de Chris Brown desde sus inicios en el mundo de la música fueron su agilidad a la hora de publicar álbumes y el gran número de artistas invitados que forman parte de sus discos, que en este caso fueron Lil Wayne, Kanye West, The Game, Will.I.Am y T-Pain. «Exclusive» debutó en el #4 de la lista americana de álbumes y superó los dos millones de copias en Estados Unidos y en el resto del mundo ocupó el top 5 en Reino Unido, Irlanda y Australia. El primer single fue Wall To Wall, un tema pop/R&B up-tempo producido por Sean Garrett en el que Chris habla del éxito que tiene con las mujeres cuando va de fiesta. El siguiente single lanzado fue Kiss Kiss, otro marchoso tema R&B con influencia Hip Hop y grandes dosis de Auto-Tune que contaba con la colaboración del rapero T-Pain, el cual también se encargaba de su producción. ‘Kiss Kiss’ se convirtió en su segundo single #1 en la lista americana y recibió una nominación a los premios Grammy a mejor colaboración rap/cantada. Como tercer single se lanzó With You, un tema mid-tempo pop/R&B producido por StarGate con prominente uso de guitarra que mostraba el lado romántico del Chris. ‘With You’ alcanzó el #2 en la lista americana y en el resto del mundo se convirtió en uno de sus singles más populares. Como cuarto single se lanzó Take You Down, una sensual balada R&B producida por The Underdogs que recibió una nominación a los premios Grammy a mejor actuación vocal masculina de R&B. Este ‘slow jam’ de letras provocativas recibió críticas variadas por parte de los expertos musicales y tuvo un desempeño moderado en la lista de ventas de Estados Unidos, donde apenas ocupó el top 50. Al principio de su carrera Chris Brown era el ‘niño mimado’ del R&B, un ídolo de millones de jovencitas americanas y su presencia era solicitada por numerosos artistas, sin embargo tras protagonizar varios incidentes bochornosos (como la paliza que propinó a Rihanna en 2009) y verse involucrado en numerosas polémicas, su popularidad y credibilidad como artista disminuyeron de manera drástica. De su extensa trayectoria musical, sin duda destaca «Exclusive», un álbum de R&B muy solido y lleno de buenas canciones que sigue el patrón de los discos de sonido urbano de aquella época: una bonita voz acompañada de un amplio elenco de productores implicados y numerosas colaboraciones con los raperos de moda.
The Way It Is de Keyshia Cole.
En 2005 vio la luz el álbum debut de Keyshia Cole, titulado The Way It Is, el cual está formado por 12 temas, encuadrados dentro del R&B y el Hip Hop Soul y compuestos por la propia Keyshia bajo la producción de Ron Fair, Sean Garrett, Polow da Don o Kanye West entre otros. Desde un primer momento, la joven californiana destacó por su poderosa voz Soul, su manera de relatar las complicadas relaciones con los hombres a través de un tono de rabia y angustia y su estilo Hip Hop Soul, convirtiéndose en una digna sucesora de Faith Evans o Mary J Blige. «The Way It Is» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes y destacó por su gran longevidad, ya que permaneció dentro del Hot 200 de Billboard durante más de un año y acabó siendo certificado platino, con ventas superiores al millón y medio de copias. El single presentación del álbum fue I Changed My Mind, un tema R&B compuesto junto al cantante John Legend y producido por Kanye West en el que Keyshia pasa página de su anterior relación y afirma que ya no quiere a su ex-pareja. El segundo single fue (I Just Want It) To Be Over, un tema up-tempo con uso prominente de trompeta compuesto junto a Alicia Keys en el que afirma que ya está harta de su hombre y decide poner punto y final a una relación tormentosa. Como tercer single se lanzó I Should Have Cheated, una desgarradora balada R&B en la que Keyshia confronta a su pareja por su haberle engañado y él le acusa de lo mismo sin ser cierto, por lo que desearía haber engañado ella también. ‘I Should Have Cheated’ es la única canción del álbum no compuesta por Keyshia (los compositores fueron dos de los componentes del grupo americano 112) y destaca por su excepcional ejecución vocal. Este single tuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el top 30 en la lista americana. El cuarto y último single fue Love, una balada R&B/Soul de desamor en cuyas letras Keyshia expresa su frustración por no ser lo suficientemente buena para su pareja pese a que él ha cometido una infidelidad. ‘Love’ alcanzó el top 20 en la lista americana, convirtiéndose en el single más exitoso del álbum. «The Way It Is» incluye ‘Never’, que fue lanzado como parte de la banda sonora de la película «Barbershop 2» y se trata de un tema R&B up-tempo con influencia funk/Disco que cuenta con la colaboración de la rapera Eve y samplea un conocido tema de Luther Vandross. Con este trabajo, Keyshia Cole se hizo un hueco muy importante en el panorama R&B estadounidense gracias a su inconfundible estilo, su portentosa voz y sus letras sobre turbulentas relaciones amorosas.
LeToya de LeToya Luckett.
LeToya Luckett es conocida por formar parte de uno de los grupos femeninos más importantes de la historia, Destiny’s Child, sin embargo su carrera en solitario ha pasado muy desapercibida fuera de Estados Unidos. Dentro del famoso grupo, tanto LeToya como LaTavia permanecieron a la sombra de Beyoncé y Kelly, pero pueden presumir de haber participado en la composición de varios de los singles más exitosos de Destiny’s Child como ‘Say My Name’ o ‘Bills Bills Bills’. Debido a sus diferencias con el manager del grupo (y padre de Beyoncé), LeToya y LaTavia abandonaron Destiny’s Child y formaron el dúo Anjel, pero el proyecto no llegó a materializarse y ambas siguieron sus carreras en solitario. Gracias a su álbum debut descubrimos que la joven cantante tenía una gran voz ya que durante sus días en Destiny’s Child apenas la pudimos oír puesto que nunca tuvo un solo y únicamente hacía las segundas voces y las armonías conjuntas. En el año 2006 vio la luz LeToya, el cual está formado por un compendio de medios tiempos de estilo R&B y temas up-tempo muy influenciados por el Hip Hop en los que la cantante de Houston trata las complicadas relaciones con los hombres y los desengaños amorosos. LeToya participó en la composición de la mayoría de los temas presentes y cuenta con una amplia nómina de productores de la talla de Teddy Bishop, Bryan-Michael Cox, Jermaine Dupri, Scott Storch, Jazze Pha o J.R. Rotem. «LeToya» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado platino, consiguiendo unos datos superiores a los del debut de su ex-compañera Kelly. El single presentación del álbum fue Torn, un medio tiempo R&B compuesto por la propia LeToya y producido por Teddy Bishop en el que la cantante se debate entre seguir con su pareja o dejarle. ‘Torn’ recibió una gran rotación en las radios urbanas americanas y aunque sólo ocupó el top 40 en la lista americana tuvo un desempeño muy superior en el componente R&B/Hip-Hop, donde alcanzó el #2 y se convirtió en una de las canciones R&B más importantes del año. Tras el éxito de ‘Torn’ se lanzaron She Don’t, otro interesante medio tiempo R&B en el que LeToya le recuerda a su ex-novio que no encontrará otra mujer que le quiera y le trate como ella y Obvious, una balada R&B mid-tempo producida por Bryan-Michael Cox. La promoción del álbum terminó abruptamente debido a la reestructuración de su discográfica, sin embargo encontramos temas con gran potencial como ‘I’m Good’, un marchoso tema R&B up-tempo con la típica producción de Scott Storch inspirada en la música del Medio Oriente, ‘Tear Da Club Up’, un potente tema Crunk y Southern Hip Hop producido por Jazze Pha donde quedaban patentes sus influencias sureñas o ‘What Love Can Do’, un pegadizo tema R&B compuesto por la cantante Keri Hilson que muestra el talento vocal de LeToya. En resumen, «LeToya» nos permitió descubrir a una talentosa cantante y compositora que durante sus años en Destiny’s Child estuvo a la sombra de Beyoncé pero demostró que se podía defender a la perfección como artista en solitario. Aunque no es un álbum muy conocido por el gran público, «LeToya» merece formar parte de este repaso a los mejores álbumes de la década del 2000.
Throwback Review: el álbum debut de Mya
Durante este mes de abril se ha cumplido el 25º aniversario del álbum debut de la cantante americana Mya, por lo que realizaré una crítica en retrospectiva de este icónico álbum del R&B de los años 90. Para el gran público, Mya es conocida por ser la voz femenina que aparecía en el hit ‘Ghetto Supastar’ del rapero Ol’ Dirty Bastard y por su participación junto a Pink, Lil’ Kim y Christina Aguilera en el tema ‘Lady Marmalade’, perteneciente a la BSO de la película Moulin Rouge, sin embargo en Estados Unidos es una conocida cantante de R&B que vivió su mejor momento profesional a finales de los 90 y principios de la década del 2000 gracias al éxito de sus tres primeros álbumes. Desde una tierna edad, Mya Harrison tomó clases de violín y se convirtió en una virtuosa bailarina, sin embargo decidió centrarse en su gran pasión, la música y con tan sólo 16 años fichó por Interscope y empezó a grabar su álbum debut. Debido a su gran talento como vocalista y compositora, su discográfica intentó posicionar a Mya como competencia directa de Aaliyah, Brandy o Monica, las jóvenes promesas del R&B de la época y en 1998 vio la luz su primer debut, en el que se rodeó de un importante equipo de compositores y productores de la talla de Babyface, Diane Warren, Darryl Pearson, Missy Elliott, Daryl Simmons o Dru Hill. Publicado cuando la cantante nacida en Washington apenas tenía 18 años, Mya está formado por 12 temas, principalmente medios tiempos y baladas de estilo R&B y temas up-tempo con influencia funk y Hip Hop. El álbum debut de Mya recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por las habilidades vocales de joven y la madurez de sus letras y fue nominado a los premios Soul Train Music en las categorías de mejor álbum femenino de R&B/Soul y mejor nueva artista R&B/Soul. «Mya» debutó muy discretamente en la lista americana de álbumes, sin embargo las ventas se mantuvieron sólidas y consistentes a lo largo de los meses y acabó alcanzando el #29 y fue certificado platino en Estados Unidos por ventas superiores al millón y medio de ejemplares.
El single presentación del álbum fue It’s All About Me, un medio tiempo R&B que cuenta la participación del cantante Sisqó (componente del famoso grupo masculino Dru Hill) y en el que Mya decide que quiere ser la protagonista durante una noche ya que siente que ella está dando más en la relación y su pareja no se esfuerza lo suficiente. ‘It’s All About Me’ resultó un éxito en tierras americanas y alcanzó el #6 en la lista Billboard. El segundo single lanzado fue Movin’ On, un marchoso tema funk compuesto por la propia Mya en el que decide pasar página de su relación y dejar a su infiel pareja. Como tercer y último single llegó My First Night With You, una bonita balada R&B compuesta por Babyface y Diane Warren (especialistas en baladas de éxito) en el que Mya relata su primera experiencia no sexual con un hombre y cuyo estilo recuerda a Faith Evans y Monica. ‘My First Night With You’ supuso el tercer single top 40 consecutivo del álbum en la lista americana (a lo que hay que sumar el hit ‘Ghetto Supastar’, lanzado durante la promoción de «Mya» y que contribuyó a aumentar la popularidad de la cantante). Dentro del álbum destacan ‘Bye Bye’, un tema con influencia Hip Hop que cuenta con la participación de Missy Elliott, la balada ‘If You Died I Wouldn’t Cry Cause You Never Loved Me Anyway’, en la que expresa el profundo dolor que le ha causado su pareja o ‘We’re Gonna Make Ya Dance’, uno de los temas más rítmicos del álbum. Mya mantuvo su estatus dentro del mundo del R&B con sus dos siguientes trabajos discográficos, «Fear of Flying» y «Moodring» y tras ellos su popularidad y éxito iniciaron una espiral decreciente, sin embargo su álbum debut permanece como uno de los esenciales dentro del R&B de los años 90. Temas imprescindibles: My First Night With You, It’s All About Me, If You Died I Wouldn’t Cry, Movin’ On, Baby It’s Yours y Bye Bye. Puntuación: 7’5/10.
Crítica de «That! Feels Good!» de Jessie Ware
Durante el año 2020 se produjo un resurgimiento del sonido Disco gracias cantantes pop de la talla de Dua Lipa o Kylie Minogue, quienes triunfaron en las listas de venta con este sonido típico de los años 70 y 80 aunque con un toque moderno de dance-pop. Otra de las artistas que contribuyó a devolver la popularidad este género, aunque con menor impacto comercial, fue Jessie Ware, a la que personalmente no había prestado excesiva atención hasta el momento pero que se convirtió en un auténtico descubrimiento gracias a What’s Your Pleasure?, uno de los mejores álbumes del 2020 para muchas publicaciones musicales, incluido el blog MiSTeR MuSiC. El cuarto álbum de la cantante inglesa estaba compuesto por un magnífico conjunto de temas Disco, dance-pop, funk y electropop de naturaleza bailable que contaban con el estilo elegante y la sugerente voz de Jessie. «What’s Your Pleasure?» alcanzó el #3 en la lista británica de álbumes, su mejor posición hasta la fecha y contó con singles tan interesantes como ‘Spotlight’, ‘Save a Kiss’ o el tema que daba título al álbum. Tras una re-edición de dicho álbum, en julio del año pasado llegó el single adelanto de su nuevo trabajo, Free Yourself, que se trata de un enérgico tema Disco/House producido por Stuart Price (responsable del éxito de «Confessions on a Dance Floor» de Madonna y artífice de éxitos de Kylie Minogue o Dua Lipa) con uso prominente de teclados y cuerdas que nos transportan a las discotecas de los años 70 y en el que Jessie nos anima a mantenernos firmes ante las adversidades de vida o la fugacidad del tiempo y liberarnos. Tras ‘Free Yourself’, que recibió buenas opiniones de los expertos musicales y acumula unos respetables 13 millones de reproducciones en Spotify (Jessie siempre se ha caracterizado por ser una artista minoritaria con un público limitado), el pasado mes de febrero llegó Pearls, otra exultante y deliciosa pieza Disco producida nuevamente por Stuart Price en la que Jessie se desmelena en la pista de baile hasta que su collar de perlas salta por los aires. Como anticipo a la publicación del álbum se ha lanzado el tercer single, Begin Again, un cálido tema con gran influencia de la música latina (en concreto samba y salsa) que está inspirado en un viaje que realizó Jessie a Brasil y en el que habla de escapar de la realidad y marcharse a un lugar en el que olvidarnos de los problemas y empezar de nuevo. ‘Begin Again’ destaca por ser el primer tema que la cantante londinense compuso para este trabajo durante el confinamiento de la pandemia.
El quinto álbum de estudio de Jessie Ware, titulado That! Feels Good!, es un trabajo breve pero muy cohesionado, formado principalmente por temas up-tempo de estilo Disco y dance-pop con influencias funk, House, R&B y Soul. Jessie ha compuesto las 10 canciones que forman parte del álbum y cuenta con la producción de James Ford (responsable de su anterior trabajo) además de Stuart Price, quien se encarga de 4 de los temas presentes. «That! Feels Good!» sigue la estela musical de «What’s Your Pleasure?», con el que comparte su naturaleza bailable y se trata de un trabajo de carácter hedonista en el que Jessie nos invita a celebrar la vida, disfrutar de cada momento y experimentar el placer en todos los sentidos. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Freak Me Now’, un enérgico tema Disco/House de naturaleza muy sensual en el que Jessie disfruta bailando, sintiendo el calor de la otra persona y no sabe lo que le deparará la noche, ‘Beautiful People’, con aroma funk y que resulta una oda a las personas maravillosas que te encuentras en los clubs o ‘These Lips’, otro tema muy sensual que describe el escapismo de la realidad mientras disfrutas con tu amante y destaca por su sección de vientos y cuerdas típico del género Disco. Aunque dentro de «That! Feels Good!» dominan los temas up-tempo, también encontramos dos baladas, que no restan al resultado final y resultan muy interesantes. En ‘Hello Love’, Jessie habla del dolor que le produce una ruptura sentimental pero se muestra esperanzada al encontrar un nuevo amor, mientras que en ‘Lightning’, de aroma R&B/Soul y reminiscencia de sus primeros trabajos, declara que su amor es la luz que ilumina su vida. En resumen, «That! Feels Good!» es un trabajo exultante y luminoso, de producción elegante y en el que podemos deleitarnos con la magnífica y sugerente voz de Jessie Ware. Sin duda uno de los mejores álbumes lanzados en el 2023 hasta el momento. Temas imprescindibles: Free Yourself, Pearls, Begin Again, These Lips, Freak Me Now y Hello Love. Puntuación: 8’5/10.
Crítica de «Bebe» de Bebe Rexha
El año pasado Bebe Rexha se anotó un importante tanto gracias a su participación en el tema ‘I’m Good (Blue)’ de David Guetta, que se convirtió en uno de los singles más exitosos del 2022, alcanzó el #1 en las principales listas de venta y acumula más de 900 millones de reproducciones en Spotify. Pese a su innegable éxito comercial (uno de los mayores de la carrera de la cantante americana) este tema recibió numerosas críticas negativas por fusilar sin piedad uno de los himnos Dance de la década de los 90, concretamente ‘Blue (Da Ba Dee)’ del grupo Eiffel 65. Tras este repunte en su popularidad, la cantante de ascendencia albanesa anunció el lanzamiento de su tercer álbum, el cual describió como un trabajo con «sonido retro inspirado en los años 70», lo que supone una gran divergencia musical con respecto al electropop con tintes urbanos presente en su álbum debut y el sonido pop/rock adoptado en su segundo trabajo discográfico. Su tercer álbum de estudio tiene por título simplemente Bebe y está formado por 12 temas encuadrados dentro del pop y dance-pop con gran influencia del sonido Disco, aunque también encontramos elementos funk, synth-pop, pop/rock y Country. Bebe Rexha ha compuesto todos los temas presentes en el álbum y ha contado con la producción de su colaborador habitual Jussifer, Burns, Joe Janiak o el colectivo inglés TMS. Después de todas las colaboraciones que ha realizado (la mayoría temas dirigidos a las pistas de baile) Bebe por fin ha aprendido la lección y ha incorporado al álbum numerosos temas up-tempo, a diferencia del carácter mid-tempo que tenían la mayor parte de las canciones presentes en «Expectations» y «Better Mistakes». Muchos artistas deciden titular un álbum de manera homónima cuando el carácter personal de sus letras lo convierte en un trabajo autobiográfico o refleja un momento clave de su vida, sin embargo «Bebe» no nos ayuda demasiado a conocer en profundidad a la cantante mas allá de los desengaños amorosos por los que ha pasado o las relaciones fallidas que ha dejado atrás, ya que las letras de las canciones resultan un tanto genéricas e impersonales.
El single presentación del álbum, Heart Wants What It Wants, llegó en febrero y se trata de un animado tema up-tempo de sonido retro y estilo Disco/funk en cuyas letras Bebe declara que no puede garantizar a su amante que le vaya a querer eternamente porque el corazón sigue sus propias reglas. Este tema, compuesto por Bebe junto a Bonnie McKee y Jussifer, envía un mensaje de amor propio y auto-empoderamiento. Tras el escaso impacto de ‘Heart Wants What It Wants’ en las listas de venta se lanzó Call on Me, un enérgico tema dance-pop con influencia Disco/House producido por Burns en el que Bebe presume de ser la amante que toda persona necesita. Una semana antes del lanzamiento del álbum llegó el tercer single, Satellite, en el que Bebe adopta nuevamente un sonido Disco muy ‘setentero’ y cuenta con la colaboración del legendario rapero Snoop Dogg, quien aporta un divertido verso y su habitual sentido del humor. ‘Satellite’ relata el ‘viaje al espacio exterior’ que emprende Bebe tras fumar marihuana (afición que comparte con Snoop) y resulta uno de los temas más pegadizos del álbum. El álbum está formado principalmente por temas up-tempo, de entre los que destacan ‘When It Rains’, que adopta un sonido synth-pop y pop/rock ochentero, ‘I’m Not High, I’m In Love’, en el que Bebe declara que la causa de su estado de éxtasis no es porque esté fumada sino enamorada o ‘I Am’, que resulta un auténtico himno de empoderamiento y en el que la cantante demuestra su valía como mujer y amante. Una de las canciones más llamativas del álbum es ‘Seasons’, una balada mid-tempo Country que cuenta con la participación de una de las figuras indiscutibles del género, Dolly Parton y en la que Bebe despliega todo su torrente vocal pero no acaba de encajar demasiado con el resto del resto del álbum.
Los continuos bandazos musicales que ha dado Bebe Rexha a lo largo de su carrera evidencian una falta de dirección artística más que una supuesta ‘capacidad de re-invención’ por parte de la artista y si a esto le añadimos su falta de carisma y personalidad distintiva (que la han convertido en carne de colaboración gracias a su bonita pero impersonal voz) y una escasa capacidad de conexión con el público, encontramos la razón por la que tras más de una década en el negocio no haya acabado de despuntar y siga siendo una desconocida para el público en general. Durante su trayectoria profesional Bebe ha probado suerte con géneros tan diversos como el electropop, R&B, pop/rock o Country sin encontrar su verdadero sonido y el hecho de contar en el mismo álbum con artistas tan opuestos como Dolly Parton y Snoop Dogg resulta un tanto chocante, sin embargo, pese a los evidentes handicaps a los que se enfrenta la cantante, ha sido capaz de entregarnos su mejor álbum hasta la fecha. «Bebe» resulta muy disfrutable y agradable de escuchar ya que está formado por un conjunto sólido de temas divertidos, bailables y pegadizos de sonido retro que le sientan de maravilla a la cantante. Los puntos fuertes del álbum son la acertada elección de los singles lanzados y la ejecución vocal de Bebe, que compensan unas letras un tanto genéricas y vacías de contenido. Temas imprescindibles: Heart Wants What It Wants, Satellite, Call on Me, When It Rains, I’m Not High I’m In Love, I Am y Visions (Don’t Go). Puntuación: 7’5/10.
Crítica de «In Pieces» de Chlöe
Chlöe es conocida por ser una de las integrantes de Chlöe x Halle, un dúo formado por dos hermanas nacidas en Atlanta que tras colgar varios videoclips en YouTube en los que versionaban famosas canciones llamaron la atención de la mismísima Beyoncé, quien se convirtió en mentora de las hermanas Bailey y se apresuró a ficharlas en su discográfica debido a su gran potencial. En el año 2020 publicaron su segundo álbum estudio, «Ungodly Hour», con el que se hicieron un importante hueco dentro del mundo del R&B/pop gracias a la buena acogida de singles como ‘Do It’, sin duda ayudado por hacerse viral en la red social TikTok. Tras la promoción de «Ungodly Hour», las hermanas Bailey se centraron en sus carreras en solitario y mientras que Halle Bailey ha hecho sus pinitos como actriz en el remake de la película «The Little Mermaid» interpretando a Ariel, Chlöe se ha propuesto labrarse una carrera como cantante en solitario. En 2021 Chlöe lanzó su primer single como solista, Have Mercy, un tema R&B up-tempo producido por Murda Beatz en el que habla de sus posaderas y cómo los hombres se sienten atraídos por esta parte de su cuerpo. ‘Have Mercy’ recibió buenas opiniones de los expertos musicales, quienes alabaron la nueva dirección artística tomada por Chlöe y su nueva imagen más sexy. El debut en solitario de la joven cantante alcanzó el top 30 en la lista americana (top 10 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard). En 2022 llegó el segundo single, Treat Me, que se trataba de un moderno tema R&B up-tempo en el que Chlöe muestra su valía y poder como mujer en el final de una relación y destacaba por su adictivo ritmo y la gran versatilidad de Chlöe como rapera y cantante. Más tarde llegaron Surprise, un medio tiempo R&B de sonido moderno producido por Scott Storch y elegido por la propia Beyoncé como single y For The Night, un interesante tema mid-tempo pop/R&B con melodía de guitarra española producido por London on da Track con la participación de Latto que relataba su reciente ruptura sentimental.
Dicen que «año nuevo, vida nueva» y esto es precisamente lo que pensó la joven cantante, ya que descartó todos los singles lanzados hasta el momento y en enero inició una nueva era con un imaginario totalmente diferente y desveló su nuevo single, que servía como presentación de su esperado álbum debut. Pray It Away es un medio tiempo R&B con influencia Gospel en el que Chlöe se lamenta del daño que le ha hecho su ex-pareja y se refugia en la iglesia para buscar su espiritualidad y evitar vengarse de su infiel ex. La manera de cantar de Chlöe y el estilo de la canción sin duda nos remiten a Brandy, sin embargo ‘Pray It Away’ no resultaba una apuesta suficientemente sólida como para respaldar su nuevo proyecto. Un mes más tarde llegó el segundo single del álbum, How Does It Feel, que se trata de un R&B mid-tempo producido por Hitmaka y Cardiak que cuenta con la participación de Chris Brown y samplea el estribillo de ‘Throwback’ de Usher (que a su vez sampleaba un clásico de Dionne Warwick). En ‘How Does It Feel’ ambos cantantes muestran su vulnerabilidad al recordar sus últimas relaciones fallidas y cómo sus ex-parejas les fueron infieles. Este tema resulta un single más competitivo que el anterior y muestra una gran química entre Chloe y Chris.
In Pieces es el álbum debut de Chlöe y está compuesto por 14 temas, principalmente medios tiempos y baladas R&B, con influencias pop, Hip-Hop y Trap compuestos en su mayoría por la propia cantante bajo la producción de The Dream, Hitmaka, Cardiak, Mikky Ekko o Metro Boomin entre otros. El álbum (que cuenta con Missy Elliott, Future y Chris Brown como artistas invitados) relata el viaje emocional de Chlöe durante la relación y posterior ruptura con su ex-pareja, el rapero Gunna. Merece la pena reseñar ‘Cheatback’, un tema casi acústico con uso prominente de guitarra en el que Chlöe confiesa haber sido infiel como respuesta a la infidelidad de su pareja, ‘Make It Look Easy’, en el que la cantante oculta su dolor bajo una máscara y resulta una de las canciones más vulnerables del álbum o ‘In Pieces’, una clásica balada a piano que resume a la perfección el mensaje de fuerza y resiliencia ante las adversidades que Chlöe envía en este trabajo. Dentro del lado más rítmico de «In Pieces» encontramos el tema up-tempo ‘Body Do’, en el que la cantante reconoce que pese a la infidelidad de su hombre, la conexión física entre ambos es innegable, ‘Looze U’, producido por The Dream y ‘Told Ya’, un extraño tema con influencia Trap y estilo similar a ‘Have Mercy’ que cuenta con rap poco inspirado por parte de Missy Elliott.
La gran influencia que han tenido en Chlöe artistas como Brandy o Beyoncé son más que evidentes, tanto en su estilo musical como en su versatilidad vocal y el uso de diversos registros, sin embargo en «In Pieces» el innegable talento de la joven cantante se diluye en un mar de baladas insustanciales y anodinas que no ofrecen nada nuevo ni original. Los puntos negativos de este trabajo son los excesivos interludios que aparecen, la poco acertada secuencia del álbum y la escasa conexión de Chlöe con los artistas invitados, especialmente Future y Missy, que apenas aportan nada a las canciones en las que participan. En los últimos años, Chlöe se ha convertido en una amenaza real a las actuales promesas del R&B como SZA, Tinashe, Summer Walker o Kehlani debido a sus grandes habilidades como compositora y vocalista con tan sólo 24 años, sin embargo su debut «In Pieces» no cumple del todo las expectativas que estaban puestas en ella. Pese a sus evidentes fallos (motivados en parte la decisión de descartar los primeros singles y re-hacer el proyecto entero) nos encontramos ante un álbum de R&B correcto y más que digno que marca el inicio de la carrera en solitario de una artista que dará mucho que hablar en el futuro. Temas imprescindibles: How Does It Feel, Cheatback, Make It Look Easy, Pray It Away, Worried y Looze U. Puntuación: 7/10.
Los mejores álbumes de R&B de la década 2000-2009 (1ª parte)
Ashanti de Ashanti.
En la actualidad Ashanti no goza de tanta popularidad como en sus inicios en el mundo de la música y sus últimos álbumes han cosechado unas ventas bastante bajas, sin embargo hay que resaltar su gran relevancia durante la década del 2000, ya que se convirtió en la tercera artista femenina de R&B más exitosa a nivel comercial de dicha década por detrás de Beyoncé y Alicia Keys. Tras ser fichada por la discográfica Murder Inc, la joven cantante obtuvo gran popularidad en 2002 al participar en dos temas de Hip-Hop que consiguieron gran éxito en las listas de venta americanas como ‘Always on Time’ de Ja Rule y ‘What’s Luv?’ de Fat Joe. El single presentación de su álbum debut fue Foolish, un magnífico tema R&B producido por Irv Gotti y 7 Aurelius en el que Ashanti expresa su frustración al estar enamorada de un hombre que no le conviene ni le trata bien. ‘Foolish’ se mantuvo durante 10 semanas en lo más alto de la lista americana de singles y en el resto del mundo ocupó el top 10 en Reino Unido, Canadá o Australia. Mientras ‘Foolish’ ocupaba el #1 en la lista americana, ‘What’s Luv?’ se encontraba en el #2, haciendo de Ashanti la primera cantante femenina en tener dos singles simultáneamente en las dos primeras posiciones del Hot 100 de Billboard, pero este no fue el único récord que cosechó ya que también hizo historia al tener 3 singles (‘Foolish’ y sus colaboraciones junto a Ja Rule y Fat Joe) dentro del top 10 de la lista americana. El álbum debut de la cantante neoyorquina, titulado Ashanti, fue producido en su totalidad por Irv Gotti (fundador de Murder Inc Records), Chink Santana y 7 Aurelius, y aunque Ashanti participó en la composición de todos los temas presentes, no tuvo un papel decisivo en la creación del álbum ya que todas las decisiones fueron tomadas por Irv Gotti en un intento por hacer de ella la artista revelación del momento en el género R&B. «Ashanti» es un álbum de R&B sólido y cohesivo, compuesto en su mayoría por medios tiempos que toman influencias del Hip Hop-Soul de los años 90 e inspirado en cantantes como Mary J Blige. «Ashanti» entró directamente al #1 de la lista americana de álbumes con unas ventas superiores al medio millón de ejemplares y acabó siendo certificado triple platino en Estados Unidos y a nivel internacional ocupó el top 10 en Reino Unido, Canadá, Alemania o Australia. El álbum no sólo gozó de un gran impacto comercial sino que recibió numerosos galardones musicales, incluyendo tres nominaciones a los premios Grammy, de los que ganó uno a mejor álbum de R&B contemporáneo. El segundo single fue Happy, un tema mid-tempo R&B con una melodía hipnótica de flauta en el que la joven cantante expresa su felicidad al sentirse profundamente enamorada de su hombre, y como último single se lanzó Baby, una balada R&B en la que Ashanti le declara todo su amor a su pareja. El álbum superó ampliamente las expectativas y resultó un éxito de ventas en Estados Unidos, sin embargo la joven cantante fue incapaz de tomar decisiones durante sus primeros años de carrera profesional (motivo por el cual abandonaría la discográfica años más tarde), ya que «Ashanti» no dejó de ser un proyecto perfectamente calculado por Irv Gotti para convertirla en la ‘First Lady’ de Murder Inc y cubrir la cuota de R&B femenino dentro de su discográfica.
Confessions de Usher.
2004 podemos considerarlo como uno de los mejores años para el R&B y quizás uno de los últimos en los que este género tuvo una posición dominante dentro del mundo de la música, ya que años más tarde el R&B iniciaría un gran retroceso y su viabilidad comercial descendería dramáticamente. Para hacernos una idea del tremendo impacto que tuvo este género musical, basta decir que durante el 2004 todos los artistas que llegaron al #1 en la lista americana de singles eran afro-americanos y pertenecientes a los géneros R&B y Hip Hop. En 2004 se publicaron varios álbumes encuadrados dentro del R&B que dominaron las listas de ventas de Estados Unidos y reforzaron el estatus del R&B dentro del mundo de la música, destacando sin duda Confessions de Usher. El tremendo éxito comercial de este álbum y de otros como «Goodies» de Ciara fue visto como un signo de recuperación en las ventas de discos tras un par de años de recesión. «Confessions» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con más de un millón de ejemplares vendidos en su primera semana a la venta, convirtiéndose en el primer álbum ‘chart topper’ de Usher en Estados Unidos y logrando varios récords: las mejores ventas en la primera semana de un artista R&B y las segundas mejores de un artista masculino. «Confessions» superó los 8 millones de copias en 2004 y se convirtió en el álbum más exitoso del año y el segundo más vendido de la década en Estados Unidos. La longevidad de este álbum en la lista de ventas de Estados Unidos y su tremendo éxito comercial se debió al excepcional desempeño de los singles lanzados, ya que los 4 primeros sencillos extraídos alcanzaron el #1 en la lista americana y juntos acumularon nada más y nada menos que 28 semanas en el #1, todo un récord, lo que convirtió a Usher en el «rey de la música» durante el año 2004. «Confessions» es el álbum más personal y maduro de Usher hasta la fecha, en él desnuda sus sentimientos acerca de su reciente ruptura sentimental con Chilli de TLC y está formado principalmente por medios tiempos y baladas R&B con influencia Hip Hop y Soul producidos por Jermaine Dupri y Bryan-Michael Cox, Terry Lewis & Jimmy Jam, Rich Harrison, Dre & Vidal, Just Blaze o Lil Jon. El single presentación del álbum fue Yeah!, un tema R&B y Crunk up-tempo que a priori poco tenía que ver con el estilo de Usher pero que consiguió un tremendo éxito en Estados Unidos, donde lideró la lista de ventas durante 12 semanas consecutivas y también fue #1 en Reino Unido y Australia. Este tema producido por Lil Jon y con la colaboración del rapero Ludacris (ambos procedentes de Atlanta, al igual que Usher) fue la última adición a «Confessions» tras pensar su discográfica que el álbum necesitaba un tema potente y enérgico como primer single. ‘Yeah!’ era un tema pegadizo y bailable dirigido a los clubs, pero no reflejaba la esencia del álbum. Burn, una balada R&B producida por Jermaine Dupri y Bryan-Michael Cox, fue lanzado como segundo single y en este caso sí que representaba el espíritu personal y autobiográfico del álbum. ‘Burn’ recibió buenas críticas y logró un gran éxito comercial, ya que reemplazó a ‘Yeah!’ del #1 en la lista americana, posición que ocupó durante otras 8 semanas. El tercer single fue Confessions (Part II), otro de los temas de Jermaine Dupri para el álbum y que lideró la lista Billboard durante dos semanas, expandiendo el reinado de Usher en el año 2004. El álbum fue re-editado meses más tarde con nuevos temas, entre los que se encontraba My Boo, una romántica balada R&B/Soul con la participación de la cantante Alicia Keys que se mantuvo en la posición de honor de la lista americana durante 6 semanas. Como último single se lanzó Caught Up, uno de los pocos temas up-tempo del álbum. «Confessions» es un álbum muy sólido de R&B que merece formar parte de este repaso debido a su gran elección de singles, sus letras de carácter autobiográfico, el talento de Usher como vocalista y por ser uno de los responsables de la gran presencia que tuvo el género R&B durante aquel año.
The Breakthrough de Mary J Blige.
Tras el éxito logrado con «No More Drama» y cuando Mary J Blige vivía uno de sus mejores momentos profesionales, publicó Love & Life, que pretendía ser una secuela de su icónico trabajo «My Life» sin embargo en aquella ocasión no se produjo la misma química con P. Diddy como años atrás y el álbum recibió ciertas críticas negativas y sufrió un bajón de ventas considerable, pese a debutar en el #1 de la lista americana de álbumes. En el 2005, uno de los mejores años para el R&B gracias a regresos tan importantes como «The Emancipation of Mimi» de Mariah Carey, vio la luz el séptimo álbum de estudio de la cantante neoyorquina, The Breakthrough, que contó con una extensa nómina de productores de la talla de Darkchild, Jimmy Jam & Terry Lewis, Cool & Dre, Bryan-Michael Cox, Dre & Vidal o Will.I.Am entre otros. «The Breakthrough» está formado en su mayoría por medios tiempos y baladas de estilo R&B/Soul además de varios temas up-tempo con influencia Hip Hop y destacaba por su toque retro y el uso de numerosos samplers de clásicos temas Soul. «The Breakthrough» recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales por su cuidada producción, sus letras acerca de sus turbulentas relaciones amorosas y la magnífica ejecución vocal de Mary y fue considerado su mejor álbum en años. El álbum recibió 8 nominaciones a los premios Grammy y se llevó tres premios, entre ellos mejor álbum de R&B. «The Breakthrough» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el segundo #1 de Mary en Estados Unidos tras «Love & Life» y fue certificado triple platino, igualando las cifras de su exitoso trabajo «No More Drama». El single presentación fue Be Without You, una emotiva balada R&B producida por Bryan-Michael Cox que fue aclamada por la crítica y considerada como una de las mejores canciones de toda su trayectoria por sus letras sobre el amor incondicional y su impresionante talento vocal. ‘Be Without You’ gozó de gran éxito en Estados Unidos, alcanzó el #3 en la lista de ventas y se mantuvo durante varios meses en lo más alto del componente R&B/Hip-Hop de Billboard, convirtiéndose en el tercer single más exitoso de su carrera tras ‘Family Affair’ y ‘Not Gon’ Cry’. Este tema recibió varias nominaciones a los premios Grammy del 2007, entre ellas mejor canción del año y mejor grabación del año y se llevó dos galardones: mejor canción R&B y mejor actuación vocal R&B femenina. El segundo single fue Enough Cryin, un marchoso tema R&B producido por Darkchild (quien trabajó con la cantante por última vez en 1997) que cuenta con la aparición de Brook Lynn, el alter-ego de Mary como rapera. Este single no resultó tan exitoso como el anterior y apenas ocupó el top 40 en la lista americana. Como segundo single internacional se lanzó a su vez One, una versión del famoso tema del mismo nombre perteneciente al grupo de rock U2 que contaba con la colaboración del propio Bono. ‘One’ permanecía muy fiel a la versión original pero con el toque personal de Mary, recibió grandes críticas de los expertos y fue un éxito en Europa, donde ocupó el top 10 en las listas de Reino Unido, Italia o Alemania. Como tercer single se lanzó Take Me As I Am, un medio tempo R&B compuesto por el colectivo The Clutch (entre los que se encuentra la cantante Keri Hilson) que relata cómo las mujeres pasan por situaciones muy duras en su vida y supone un auténtico himno de superación y auto-aceptación. «The Breakthrough» está compuesto por un conjunto muy sólido de canciones que destacan por sus personales letras sobre los hombres de su pasado y en las que podemos disfrutar de la asombrosa voz de Mary J Blige, por ello resulta indispensable su inclusión en este repaso.
Dangerously In Love de Beyoncé.
Una vez acabada la promoción de «Survivor», el tercer álbum de Destiny’s Child, las componentes del famoso grupo femenino se tomaron un descanso e iniciaron sus carreras en solitario y tras los debut como solistas de Michelle Williams y Kelly Rowland, en 2003 la líder indiscutible del grupo, Beyoncé Knowles, publicó su primer disco en solitario, Dangerously In Love, el cual está compuesto por temas R&B con influencias pop, funk, Soul y Hip Hop compuestos por la propia Beyoncé bajo la producción de importantes nombres de la industria musical como Scott Storch, Rich Harrison o Missy Elliott entre otros. El título del álbum procede de una de las canciones presentes en «Survivor» que fue incluida en este trabajo en una nueva versión cantada en su totalidad por Beyoncé. Respaldado por un hit single, «Dangerously In Love» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con más de 300 mil copias en su primera semana y acabó siendo certificado 6 veces platino por ventas superiores a los 6 millones de copias en Estados Unidos. A nivel internacional también tuvo un desempeño comercial muy positivo y alcanzó el #1 en Alemania, Canadá o Reino Unido, el top 5 en los principales mercados y superó los 10 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los álbumes más exitosos del año. El single presentación del álbum fue Crazy In Love, un adictivo tema R&B up-tempo con influencia funk y Hip Hop producido por Rich Harrison y que cuenta con la participación de su entonces novio el rapero Jay-Z. Este tema, en el que la cantante de Houston relata el amor obsesivo que siente por su amante, fue aclamado por los críticos musicales por su trepidante ritmo, la ejecución vocal de Beyoncé y su química con Jay-Z y ganó dos premios Grammy. ‘Crazy In Love’ resultó un tremendo éxito comercial y alcanzó el #1 en Estados Unidos o Reino Unido y el top 5 en las principales listas de venta y superó los 8 millones de copias físicas y digitales en todo el mundo. Como segundo single se lanzó Baby Boy, un tema R&B con influencias caribeñas producido por Scott Storch en el que Beyoncé detalla sus fantasías como mujer y cuenta con la colaboración de Sean Paul. ‘Baby Boy’ no igualó el impacto comercial de ‘Crazy In Love’ pero tuvo un desempeño muy positivo, ya que nuevamente alcanzó el #1 en la lista americana y el top 5 en Australia, Reino Unido o Alemania. Para mostrar la versatilidad de la cantante y la variedad presente en el álbum, como single se lanzó Me Myself & I, una balada mid-tempo R&B producida por Scott Storch en la que Beyoncé describe cómo afrontar la infidelidad de su pareja. Como último single llegó Naughty Girl, un marchoso tema R&B up-tempo que sampleaba el tema Disco de Donna Summer ‘Love To Love You Baby’ y suponía uno de los temas más sensuales del álbum. El desmesurado éxito de Beyoncé con «Dangerously In Love» confirmó que su futuro estaba en su carrera en solitario y fue uno de los motivos por los que Destiny’s Child no continuaron como grupo más allá de «Destiny Fulfilled», publicado un año después. «Dangerously In Love» es uno de los álbumes más importantes de la década del 2000, supuso el inicio de la fulgurante carrera en solitario de Beyoncé y destaca por su acertada selección de singles lanzados.
Songs In A Minor de Alicia Keys.
En junio de 2001 vio la luz Songs In A Minor, el álbum debut de Alicia Keys, el cual álbum formado por 16 canciones compuestas y producidas por la cantante americana (con la excepción de una versión de un tema de Prince) y encuadradas dentro del R&B y el Neo-Soul, con influencias Hip Hop, Gospel, Jazz y Blues. Aunque la joven neoyorquina se encargó de la producción de todas las canciones, contó con la ayuda de importantes productores como Kerry ‘Krucial’ Brothers, Jermaine Dupri, Kandi o Brian McNight. La mayor parte del álbum son baladas y medios tiempos R&B/Soul con melodía de piano clásico, además de un par de temas rítmicos con modernas bases procedentes del Hip Hop, lo que daba lugar a una fusión de estilos clásico y moderno que se convertiría en el sello de identidad de Alicia. El single presentación fue Fallin’, una balada Neo-Soul y R&B que destaca por los coros Gospel al final de la canción y en la que Alicia relata los altibajos que se producen en una relación, ya que lanza un mensaje de amor a su pareja, pero este amor también le causa cierta tristeza y desasosiego. Fallin’ fue aclamado por la crítica por su carga emocional, las excelentes habilidades de Alicia como vocalista, compositora y pianista y por su fusión de estilos R&B/Soul con marcadas bases prestadas del Hip Hop. Fallin’ ganó innumerables galardones, incluyendo 3 premios Grammy a canción del año, mejor canción R&B y mejor actuación vocal femenina de R&B. Fallin’ alcanzó el #1 de la lista americana y se mantuvo en lo más alto durante 6 semanas no consecutivas y acabó siendo certificado doble platino en Estados Unidos. En el resto del mundo alcanzó el top 5 en Francia, Alemania o Reino Unido y el top 10 en España. Debido al éxito masivo de Fallin’ en las listas de venta, el siguiente single del álbum no fue lanzado hasta el 2002, 10 meses después. A Woman’s Worth es una balada clásica R&B/Soul con influencia Gospel que habla sobre cómo sólo los «verdaderos hombres» saben apreciar el valor que tienen las mujeres, lo que lo convierte en un auténtico himno de empoderamiento femenino. Aunque no logró igualar el éxito de Fallin’, este single también tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 10 en la lista americana y el top 20 en Reino Unido, Alemania o España y permanece como uno de los temas más representativos de la carrera de Alicia. Como siguiente single fue lanzada la versión del tema ‘How Come U Don’t Call Me Anymore?’ de Prince, re-titulado para el álbum como How Come You Don’t Call Me y que se trata de una balada Neo-Soul y R&B a piano en la que la joven cantante muestra su gran versatilidad vocal. En el resto del mundo se lanzó Girlfriend, un tema R&B rítmico con influencia Hip Hop producido por Jermaine Dupri y que resultaba uno de los temas más up-tempo dentro de un álbum dominado por las baladas. «Songs In A Minor» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes y superó los 7 millones de copias en Estados Unidos y en el resto del mundo fue top 5 en Canadá, Australia o Alemania y top 10 en Reino Unido, ascendiendo las ventas totales a más de 12 millones. Mientras que los álbumes de Alicia Keys suelen pecar de tener un excesivo relleno, su álbum debut es una excepción ya que el relleno es mínimo y está formado por un conjunto sólido de canciones que combinan sus raíces más clásicas a través de melodías de piano con bases R&B/Hip-Hop modernas. Sin duda «Songs In A Minor» es uno de los álbumes más importantes de la década del 2000 y que nos permitió descubrir a una de las cantantes más talentosas de la historia de la música.
Born To Do It de Craig David.
Antes de lanzar su primer disco, el cantante Craig David participó en el tema ‘Re-Rewind’ del dúo inglés Artful Dodger, el cual se convirtió en un éxito a finales del 1999 en la lista británica de singles y dio el impulso definitivo a la carrera musical del cantante de Southampton. A raíz de su participación en este tema, Craig David empezó a trabajar en su primer álbum con uno de los miembros de Artful Dodger, Mark Hill, el cual se convertiría en su productor habitual y responsable de varios de sus posteriores éxitos. Born To Do It está formado por 12 temas compuestos en su totalidad por Craig David y Mark Hill y encuadrados dentro del R&B y el 2-Step Garage (sonido típicamente británico nacido a finales de los 90) y trata temas como el amor, las relaciones con las chicas y salir de fiesta. «Born To Do It» debutó en el #1 de la lista británica y acabo vendiendo más d aun millón y medio de copias sólo en Reino Unido y a nivel internacional el álbum también tuvo una respuesta comercial muy positiva y ocupó el top 5 en Australia, Alemania o Francia y vendió más de 7 millones de ejemplares. Cabe destacar el buen desempeño de «Born To Do It» en Estados Unidos (donde alcanzó el #11 y superó el millón de copias) pese a ser un mercado muy poco receptivo a los artistas británicos. «Born To Do It» forma parte del top 40 de los álbumes más exitosos de la historia de la música británica y ha sido incluido en varias publicaciones que recogen los mejores álbumes de todos los tiempos. El álbum recibió excelentes críticas por su magnífica y rica producción, que destaca por su uso prominente de guitarra española, sus marcados bajos y la suave y agradable voz de Craig David, quien mostraba su versatilidad como artista rapeando en varios temas. El primer single fue Fill Me In, un marchoso tema 2-Step Garage con influencia R&B en el que Craig David habla de los inicios de una relación con una chica que acaba de conocer y cómo los padres de ella sospechan de las intenciones de él. ‘Fill Me In’ debutó en el #1 de la lista británica y acabó el 2000 como una de las 10 canciones más exitosas del año en Reino Unido, donde superó el medio millón de copias vendidas. Como segundo single se lanzó 7 Days, un tema R&B con uso prominente de guitarra en cuyas letras Craig detalla los planes que tendrá los siguientes días de la semana tras haber conocido a una chica que le gusta. ‘7 Days’ alcanzó nuevamente el #1 en Reino Unido y en Estados Unidos fue #10, la mejor posición de Craig David en la lista Billboard y que permanece como su último gran éxito en tierras americanas. ‘7 Days’ recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales y fue nominado a single del año en los premios BRIT y a mejor actuación vocal masculina de pop en los Grammy. 7 Days es uno de los temas más representativos de la carrera de Craig David y su single más famoso y exitoso. El tercer single fue Walking Away, un emotivo tema mid-tempo R&B en el que el cantante inglés relata una dolorosa ruptura amorosa por falta de compromiso pero confía que en un futuro le llegarán días felices. ‘Walking Away’ alcanzó el #3 en la lista británica y ocupó el top 50 en Estados Unidos, donde se convirtió en la última entrada de Craig David en la lista americana. Pese a que en el álbum predominan los temas up-tempo, también encontramos canciones más lentas como Rendezvous, una balada R&B mid-tempo en la que el cantante inglés relata una cita que tendrá con una chica por la noche y resultará una romántica y maravillosa velada. «Born To Do It» es el epítome del sonido R&B que triunfó durante aquellos años, resulta uno de los álbumes de R&B más icónicos e influyentes de la historia de la música británica y fue el responsable de presentarnos a una de las mejores voces de la década del 2000.
Just Like You de Keyshia Cole.
En el año 2005, Keyshia Cole hizo su debut en el mundo de la música con el álbum The Way It Is, el cual recibió grandes críticas de los expertos musicales por las habilidades vocales de Keyshia Cole y en el terreno comercial debutó en el top 10 en Estados Unidos, destacó por su gran longevidad en la lista de ventas y se convirtió en uno de los debuts más exitosos de una cantante de R&B. La cantante de Oakland también captó la atención del público gracias a su participación en el reality show «Keyshia Cole: The Way It Is», en el que relataba sus humildes orígenes y el camino que recorrió hasta grabar su álbum debut, además de contar su turbulenta vida personal y familiar. Dos años después del lanzamiento de «The Way It Is», Keyshia Cole regresó con su segundo álbum de estudio, Just Like You, el cual está compuesto en su totalidad por la cantante californiana y producido por algunos de los mejores nombres de la industria musical como Missy Elliott, Soulshock & Karlin, The Runners, Scott Storch, Bryan-Michael Cox y Darkchild, aunque la producción ejecutiva recayó sobre Ron Fair, quien también supervisó su álbum debut. Este trabajo es mucho más personal que el anterior y en él Keyshia reflejó sus propias experiencias amorosas y las complicadas relaciones con los hombres cantadas con su habitual tono de rabia y angustia. «Just Like You» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, fue certificado platino por ventas superiores al millón y medio de copias y recibió una nominación a mejor álbum R&B contemporáneo. Este álbum continúa con el sonido R&B, Soul y Hip-Hop/Soul presente en su anterior trabajo pero cuenta con un mayor componente Hip Hop debido a las colaboraciones con artistas de este género como Missy Elliott, Lil’ Kim, Too Short o Amina Harris. El primer single del álbum fue Let It Go, un marchoso tema R&B/Hip-Hop de moderna producción compuesto por Missy Elliott que fue rechazado por varias cantantes hasta llegar a manos de Keyshia, quien decidió grabarlo junto a la propia Missy y Lil’ Kim. Este single alcanzó el #7 en la lista americana (#1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard) convirtiéndose en su mejor posición como artista principal y todavía hoy permanece como su mayor éxito. ‘Let It Go’, que samplea un tema del legendario rapero Notorious BIG, estuvo nominado a los premios Grammy como mejor colaboración rap/cantada y acabó siendo certificado doble platino en Estados Unidos. El segundo single fue Shoulda Let You Go, un tema R&B up-tempo con melodía de violines producido por Rodney «Darkchild» Jerkins que cuenta con la participación de la desconocida rapera Amina Harris y habla de dejar marchar a tu amante cuando la relación está pasando por malos momentos. Keyshia mostró su lado más sensible con I Remember, una emotiva con la balada R&B/Soul en la que podemos deleitarnos con su poderosa voz y Heaven Sent, un medio tiempo R&B que recibió grandes críticas y fue nominado a dos premios Grammy en las categorías de mejor canción R&B y mejor actuación vocal de R&B. «Just Like You» es el álbum más completo y redondo de su trayectoria y junto con su debut y su siguiente trabajo «A Different Me», forman el trío de ases que hicieron de Keyshia Cole una de las cantantes más destacadas dentro del R&B/Soul contemporáneo.
Year of the Gentleman de Ne-Yo.
Ne-Yo se hizo un hueco muy importante en el género R&B gracias a sus dos primeros álbumes, los cuales alcanzaron el #1 en Estados Unidos y generaron 3 singles top 10 en la lista americana. Además del éxito comercial, Ne-Yo destacó por su talento como cantante y compositor, ya que además de escribir sus propias canciones, compuso y produjo para otros importantes artistas. Apenas un año después de «Because of You», el talentoso artista de Arkansas publicó su tercer álbum de estudio, Year of the Gentleman, el cual resulta muy similar musicalmente a sus discos predecesores, ya que cuenta con sus clásicas baladas y temas mid-tempo de estilo R&B, pero incorpora una clara influencia del sonido dance-pop en los temas up-tempo que lo hacía más marchoso y bailable que sus álbumes anteriores. Ne-Yo se reunió con sus habituales colaboradores StarGate y junto a ellos compuso y co-produjo 4 temas (los más destacados del álbum ya que tres de ellos fueron singles), aunque también trabajó con otros importantes productores como Shea Taylor, Chuck Harmony, Syience o Polow da Don entre otros. El single presentación del álbum, Closer, sorprendió por su cambio de sonido con respecto a los anteriores singles del cantante, ya que se trataba de un enérgico tema dance-pop con influencia R&B compuesto y producido por Ne-Yo junto a StarGate. Este single supuso un punto de inflexión en la carrera del cantante, ya que su gran éxito en las listas de venta de todo el mundo provocó que Ne-Yo se decantara por el sonido dance-pop en sus siguientes trabajos. ‘Closer’ alcanzó el #1 en Reino Unido, convirtiéndose en el segundo tema de Ne-Yo que llegaba a lo más alto de la lista británica tras ‘So Sick’ y ocupó el top 10 en Alemania o Italia, al igual que en Estados Unidos, donde logró el #7 y se convirtió en el cuarto top 10 de Ne-Yo en la lista americana. Como segundo single se lanzó Miss Independent, un tema up-tempo R&B con influencia electropop y Dancehall que pese a que no alcanzó las cotas de éxito de ‘Closer’, sí se convirtió en uno de los temas más importantes del 2008 y nuevamente ocupó el #7 en Estados Unidos (#1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard) y #6 en Reino Unido. Además del impacto comercial del tema, ‘Miss Independent’ recibió grandes críticas por su moderna producción, sus letras a favor del empoderamiento femenino y por la voz de Ne-Yo y resultó ganador de dos premios Grammy: a mejor canción R&B del año y mejor actuación vocal masculina de R&B. Como tercer single se lanzó Mad, una balada R&B de desamor producida por StarGate en la que Ne-Yo se lamenta de cómo las discusiones entre él y su pareja han arruinado su relación y declara que deben hablar e intentar solucionar sus problemas. También forman parte del álbum Part of the List, una emotiva balada R&B producida por Chuck Harmony y Single, que originalmente se trataba de un dueto entre el grupo New Kids On The Block y Ne-Yo, pero la versión incluida en el álbum está cantada únicamente por Ne-Yo. «Year of the Gentleman» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, a diferencia de sus predecesores que lograron el #1 en Billboard, pero consiguió ser certificado doble platino y vendió más de un millón y medio de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en su disco más exitoso. El álbum tuvo un rendimiento comercial muy positivo en todo el mundo: alcanzó el #2 en la lista británica y fue top 10 en Canadá y Australia. El éxito internacional de ‘Closer’ fue clave en el aumento de popularidad de Ne-Yo, ya que hasta entonces había tenido una gran acogida en los mercados anglosajones, pero la enorme presencia en las radios y clubs de todo el mundo de este single convirtió a Ne-Yo en uno de los cantantes de moda a partir de aquel momento. «Year of the Gentleman» es uno de los mejores álbumes de R&B de la pasada década: contiene los clásicos medios tiempos y baladas R&B de Ne-Yo en los que nos deleita con su fantástica voz e incorpora como novedad temas up-tempo de estilo dance-pop que se convertirían en la seña de identidad de sus siguientes trabajos discográficos.
Afrodisiac de Brandy.
Rodney ‘Darkchild’ Jerkins fue uno de los productores musicales más importantes e influyentes de finales de los 90 y la década del 2000 y el responsable de varias de las mejores canciones de estilo R&B que triunfaron durante aquella época, como ‘Say My Name’ de Destiny’s Child, ‘It’s Not Right But It’s Okay’ de Whitney Houston o ‘He Wasn’t Man Enough’ de Toni Braxton. Darkchild trabajó de manera extensa en «Never Say Never», el segundo álbum de Brandy, el cual logró un tremendo éxito durante el año 1998, vendió más de 14 millones de copias en todo el mundo y contó con los hit singles ‘The Boy Is Mine’ junto a Monica y ‘Top of the World’. Tras la excepcional acogida de este álbum, Brandy volvió a contar con Darkchild para dar forma a su tercer álbum, «Full Moon», al cual le imprimió un sonido más moderno, futurístico y arriesgado, inusual en el R&B de aquella época y que gozó de buenas críticas por parte de los expertos musicales. Durante la grabación de «Full Moon», Brandy inició una relación sentimental con el productor Robert ‘Big Bert’ Smith, también asociado al equipo de Darkchild que se convertiría en el padre de su única hija. Para su siguiente trabajo, Brandy quiso incorporar un sonido más crudo y urbano que el mostrado en «Full Moon» y decidió apartar del proyecto a su habitual colaborador Darkchild debido a las diferencias artísticas que atravesaron con el paso del tiempo. Brandy declaró que Darkchild creó un sonido único junto a ella y luego se lo ofreció a todos los artistas con los que trabajó, por lo que necesitaba explorar nuevos sonidos y contactó con otro importante productor, Timbaland, responsable del éxito de artistas de la talla de Missy Elliott o Aaliyah. En 2004 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Brandy Norwood, titulado Afrodisiac, el cual está encuadrado dentro el R&B contemporáneo y producido principalmente por Timbaland, con producción adicional de Kanye West, Mike City o Warryn Campbell. El R&B presente en este álbum se aleja del que había hecho la cantante hasta el momento, ya que Timbaland imprimió su particular sello pero también aportó un sonido innovador, moderno y experimental, que supondría la antesala del llamado R&B progresivo que llegaría años después. «Afrodisiac» es un álbum de carácter autobiográfico que trata temas como su ruptura con Robert Smith, la lealtad y monogamia en las relaciones o su ansiedad profesional. Además destaca por incluir numerosos samplers nada convencionales e incorpora referencias líricas a figuras de la cultura Hip-Hop/R&B de los 90 como Timbaland, Missy Elliott, Aaliyah o la propia Brandy. El primer single fue Talk About Our Love, un tema R&B up-tempo con influencia Hip Hop en el que participa Kanye West y trata sobre una relación que no cuenta con el apoyo de amigos o familiares. Talk About Our Love logró un éxito moderado y alcanzó el top 40 en la lista de ventas de Estados Unidos o Australia y ocupó su mejor posición en Reino Unido, donde fue #6. El siguiente single en tierras americanas fue Who Is She 2 U, un tema mid-tempo R&B producido por Timbaland que describe la confrontación entre una mujer y su novio infiel, lo cual supone un himno de empoderamiento femenino y guarda similitudes con el estilo de la primera Mary J Blige, mientras que a nivel internacional se lanzó Afrodisiac, un marchoso tema R&B/pop con influencias caribeñas y original melodía de flauta en el que Brandy expresa la adicción que le produce su amante, al cual le considera su afrodisíaco. ‘Afrodisiac’ fue aclamado por la crítica por la innovadora y poco convencional producción de Timbaland, su estructura progresiva y la excelente ejecución vocal de Brandy y fue comparado con el estilo de ciertas canciones de Aaliyah y Destiny’s Child. «Afrodisiac» debutó en el #3 de la lista americana de álbumes y fue certificado oro por medio millón de copias distribuidas en Estados Unidos, convirtiéndose en su álbum menos vendido hasta el momento y acentuando la espiral decreciente en su éxito comercial. «Afrodisiac» fue un álbum adelantado a su tiempo, sirvió de inspiración a un gran número de artistas posteriores y su original e innovador sonido fue el precursor del R&B progresivo o alternativo que despuntaría años después con Frank Ocean, Miguel o Solange. Aunque Darkchild y Brandy hacen un gran equipo y juntos han creado temas imprescindibles dentro del género R&B, hay que reconocer que el tándem formado por Timbaland y Brandy resultó muy fructífero y nos ofrecieron algunas de sus mejores canciones. Sin duda «Afrodisiac», destaca por la dirección musical tomada en el álbum, el excepcional talento vocal de Brandy, su versatilidad y diferentes registros, de ahí que se le denomine como la «Biblia Vocal».
Aaliyah de Aaliyah.
En 1999 Aaliyah protagonizó su primera película, «Romeo Debe Morir» y contribuyó con varias canciones a la BSO, entre ellas Try Again, un tema R&B up-tempo producido por Timbaland que marcaba una dirección más electrónica y moderna en la música de la joven cantante. Con este single, Aaliyah consiguió su primer #1 en la lista americana y despuntó a nivel internacional, ya que consiguió su primer top 5 en Reino Unido, Alemania y Canadá. ‘Try Again’ me trae grandes recuerdos ya que fue uno de mis primeros temas favoritos de R&B y no sólo resultó un éxito en las listas de venta, sino que consiguió una nominación a los mejor vocalista R&B en los Grammy y ganó varios premios MTV por su espectacular videoclip en el que Aaliyah demostraba que además era una gran bailarina. Tras «Romeo Must Die», Aaliyah protagonizó su segunda película «Queen of Damned» (la cual recibió críticas negativas pero fue un moderado éxito comercial) y comenzó a trabajar en su nuevo disco junto a Missy Elliott y Timbaland. Debido a los compromisos de Aaliyah como actriz las sesiones de grabación de dicho álbum duraron más de un año, y en julio de 2001 finalmente vio la luz su tercer trabajo discográfico titulado de manera homónima. Aaliyah está encuadrado dentro del R&B y Neo-Soul con influencias de la música electrónica, Hip-Hop, funk y rock y es su trabajo más experimental y arriesgado hasta la fecha, ya que desde un principio quería un sonido diferente al de «One In a Million», por ello aparte de sus viejos amigos Timbaland y Missy Elliott trabajó con nuevos colaboradores como Static Major, quien compuso la mayoría de los temas del álbum y Eric Seats y Rapture, que se encargaron de la producción del resto del álbum. «Aaliyah» llegó en un momento en el que el género R&B vivía su mejor momento y el Neo-Soul estaba despuntando por ello el álbum fue visto como uno de los más influyentes de su época debido a su vanguardista sonido y su carácter innovador. Como primer single se lanzó We Need a Resolution, un moderno tema R&B producido por Timbaland que contaba con una hipnótica melodía y sonido futurista muy característico del famoso productor, el cual también participaba como rapero en el tema. «Aaliyah» debutó en el #2 de la lista americana con unas discretas cifras de venta, lo que unido a la moderada acogida del primer single hicieron que la cantante se apresurara a grabar los videoclips de dos nuevos singles del disco para intentar incrementar las ventas. El 25 de agosto del 2001, cuando abandonaba las Bahamas tras rodar el videoclip de ‘Rock The Boat’, el avión en el que viajaba Aaliyah junto a otras 8 personas (entre ellas la estilista de la cantante, pero ningún familiar) se estrelló apenas unos minutos después de despegar debido a un exceso de peso y todo el pasaje murió en el acto. Así terminó la vida y la carrera de una de las cantantes más prometedoras del R&B y el mundo de la música en general. El segundo single fue More Than a Woman, un marchoso tema R&B up-tempo con influencias dance-pop y electropop producido por Timbaland que se trataba la canción con mayor viabilidad comercial y más ‘radio friendly’ del álbum. El furor por Aaliyah tras su muerte hizo que este single alcanzara altas cotas de popularidad en Europa, sobretodo en Reino Unido, donde se convirtió en el primer y único #1 de Aaliyah en las islas Británicas. El tercer single fue Rock The Boat, un medio tiempo R&B con influencias caribeñas que recibió una nominación a mejor actuación vocal femenina de R&B en los premios Grammy y consiguió buenas posiciones de venta en Reino Unido y Estados Unidos, donde ocupó el top 15. Tras el trágico fallecimiento de la ‘princesa del R&B’ las ventas del álbum se dispararon, ascendió al #1 en Billboard y acabó superando los dos millones de ejemplares en Estados Unidos. El tercer álbum de la cantante neoyorquina re-definió el sonido R&B de la época, fue un adelantado a su tiempo y Aaliyah como artista influenció a una generación entera de cantantes como Ciara, Keyshia Cole, Rihanna o Kelly Rowland.
The Emancipation of Mimi de Mariah Carey.
Los primeros años de la década del 2000 supusieron el momento más bajo de toda la trayectoria profesional de Mariah Carey, ya que el fracaso de «Glitter» y el moderado recibimiento de «Charmbracelet» hicieron que la popularidad de la cantante neoyorquina descendiera de manera notoria y muchos dieron su carrera por acabada, sin embargo en el 2005 resurgió cual ave fénix y nos ofreció no sólo uno de sus mejores álbumes de la década sino de toda su carrera. Me estoy refiriendo a The Emancipation of Mimi, un trabajo que obtuvo críticas muy positivas de los expertos musicales, atrajo a los seguidores que la abandonaron durante su etapa más oscura, obtuvo unas ventas sorprendentes y ayudó a Mariah Carey a retomar nuevamente su estatus de gran diva de la música. El título del álbum alude al sobrenombre con el que conocen a Mariah sus seres queridos ya que se trata de un trabajo autobiográfico en el que la cantante ofrece su lado más íntimo y nos relata lo que ha vivido durante los anteriores años. «Mimi» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes, donde consiguió su quinto #1 y el primero desde «Butterfly» y acabó superando los 6 millones de ejemplares en Estados Unidos. En el resto del mundo fue top 10 en Australia, Francia, Canadá o Reino Unido y vendió más de 10 millones a nivel global, convirtiéndolo en su mayor éxito de la década y superando las ventas de «Rainbow» o «Butterfly». «The Emancipation of Mimi» está producido en su mayoría por Jermaine Dupri, habitual colaborador de Mariah, aunque también participaron otros importantes nombres de la industria musical como Kanye West, Bryan-Michael Cox, Darkchild, James Wright o The Neptunes, para dar forma a un trabajo encuadrado dentro del R&B con influencia Hip-Hop que resultaba más actual, moderno y up-tempo que sus anteriores álbumes, aunque siguen apareciendo sus características baladas, de sonido retro e inspiradas del Soul de los años 70 y el género Gospel. En 2005 llegó el primer single, It’s Like That, que se trata de un marchoso tema R&B/urban-pop influenciado por el Hip-Hop y producido por Jermaine Dupri en el que Mariah mostraba su lado más festivo y divertido, celebraba su emancipación y auguraba un año plagado de éxitos. Este single resultó un éxito moderado en Estados Unidos, donde ocupó el puesto #15 en la lista Billboard, una de las posiciones más altas de Mariah en los últimos años. Como segundo single se lanzó We Belong Together, que se convertiría en una canción clave dentro de la carrera de Mariah y que le llevó a uno de los momentos álgidos de su trayectoria profesional. ‘We Belong Together’ es una balada mid-tempo R&B de sonido retro en la que se lamenta por la marcha de su amante, narra cómo le echa de menos mientras escucha canciones románticas en la radio y termina expresando su frustración y desesperación en el punto álgido de la canción. Con ‘We Belong Together’, Mariah rompió varios récords al lograr su decimosexto single #1 en la lista americana de singles, posición donde se mantuvo durante 14 semanas no consecutivas y a nivel internacional obtuvo algunas de sus mejores posiciones en las listas de venta de toda su carrera, como el #1 en Australia, #2 en Reino Unido o el #3 en España. Tanto el álbum como varios de sus singles recibieron numerosos elogios, incluyendo 8 nominaciones a los premios Grammy de 2006, de las cuales ganó en tres categorías: mejor canción R&B y mejor actuación vocal femenina de R&B por ‘We Belong Together’ y mejor álbum de R&B contemporáneo del año. El tercer single fue Shake It Off, un tema mid-tempo R&B en cuyas letras Mariah rompe con un ex infiel dejándole un mensaje en el contestador. Cuando ‘We Belong Together’ todavía se situaba en el #1 de la lista americana, ‘Shake It Off’ permaneció bloqueado en el #2 durante varias semanas incapaz de robarle el #1 al single precedente. Para el mercado internacional se lanzó Get Your Number, un marchoso tema R&B/dance-pop contaba con la colaboración de Jermaine Dupri no sólo como productor sino como artista invitado, era uno de los más up-tempo y bailables del álbum y encajó mejor con los gustos europeos. A finales de año, el álbum fue re-editado con varios temas nuevos entre los cuales se encontraba Don’t Forget About Us, que se trata de una balada mid-tempo R&B con un estilo muy similar a ‘We Belong Together’ que habla de sus sentimientos tras una ruptura. Este single alcanzó nuevamente la posición de honor en la lista americana y al lograr su 17º single #1 en Billboard, Mariah Carey se convirtió en la artista con más temas #1 en la lista de ventas de Estados Unidos empatada con Elvis Presley. ‘Don’t Forget About Us’ recibió dos nominaciones a los Grammy en las categorías de mejor canción R&B del año y mejor actuación vocal femenina de R&B, aunque esta vez Mariah no consiguió llevarse ninguno de los premios. Como sencillo promocional en Estados Unidos se lanzó Fly Like a Bird, una balada Gospel/Soul de sonido retro que destaca por su temática religiosa y mensaje inspirador, y recibió elogios de la crítica por la poderosa ejecución vocal por parte de Mariah durante el climax del tema. Como último single llegó Say Something, un marchoso tema R&B/Hip-Hop que cuenta con la colaboración del rapero Snoop Dogg y era una de las dos contribuciones de The Neptunes al disco. En resumen, «The Emancipation of Mimi» llegó en un momento en el que Mariah Carey atravesaba una de las etapas más complicadas de su carrera, ya que su popularidad había descendido dramáticamente y muchos consideraban escasa la viabilidad comercial de su música, pero el excelente desempeño del álbum en las listas de venta, las buenas críticas recibidas y el éxito que cosecharon los singles lanzados, hizo que la cantante protagonizara uno de los regresos más importantes de todos los tiempos y recobrase el estatus de súper estrella de la música que tenía en los años 90. Además de poner de manifiesto el enorme talento de Mariah como cantante y compositora, este álbum ayudó a redefinir el sonido R&B. En definitiva, «The Emancipation of Mimi» es uno de los mejores álbumes dentro del amplio catálogo musical de Mariah Carey y uno de los imprescindibles dentro del género R&B de la década del 2000.
Can’t Take Me Home de P!nk.
Durante los últimos años de los 90 y principios de la década del 2000 el R&B vivió su época dorada gracias a artistas y grupos como Destiny’s Child, Brandy, Monica o TLC, que lideraron las listas de ventas y exportaron el R&B fuera de Estados Unidos, donde hasta entonces había sido su mercado principal. Una de las cantantes que debutaron durante el año 2000 (al que considero uno de los mejores dentro de la historia de la música) fue Alecia Moore, más conocida como P!nk por su llamativo color de pelo rosa, quien publicó su álbum debut, titulado Can’t Take Me Home. Este álbum está formado por temas up-tempo, medios tiempos y baladas de estilo R&B/pop producidos por importantes nombres del R&B como Babyface, She’kspere, Soulshock & Karlin o Tricky Stewart y aunque Pink no tuvo demasiado control creativo en este álbum participó en la composición de 7 de los 13 temas presentes. El single presentación fue There You Go, un tema up-tempo producido por She’kspere que contenía el sonido R&B típico de principios del 2000 y cuya melodía resultaba similar a ‘Bills Bills Bills’ de Destiny’s Child o ‘No Scrubs’ de TLC, ambos también compuestos por Kandi y producidos por el propio She’kspere. En este pegadizo tema (uno de mis favoritos dentro del R&B) Pink se encuentra en una relación tóxica que no tiene futuro y opta por dejar a su pareja pese a que éste le ruega que le perdone y continúen la relación. Con su single debut, Pink cosechó gran éxito y alcanzó el #2 en Australia y el top 10 en Estados Unidos, Canadá o Reino Unido. El segundo single lanzado fue Most Girls, un medio tiempo R&B producido por Babyface cuyas letras hacen referencia a que Pink es una mujer independiente y autosuficiente que no necesita a un hombre que la mantenga por lo que resulta un himno de empoderamiento femenino. ‘Most Girls’ es uno de los temas más sobresalientes del álbum y resultó un hit en las listas de venta: fue #1 en Australia y top 5 en Estados Unidos, Canadá y Reino Unido. Como tercer y último single se lanzó You Make Me Sick, un tema R&B producido por Babyface en el que Pink relata la deteriorada relación con su pareja, al que le reprocha su comportamiento y declara estar harta de él. «Can’t Take Me Home» debutó en un discreto #26 de la lista americana pero el buen desempeño de los singles consiguió que el álbum vendiera más de dos millones de copias en Estados Unidos. A nivel internacional el desempeño del álbum fue moderado, alcanzó su mejor posición en Australia donde fue #10 y acabó vendiendo más de 4 millones en todo el mundo. El álbum debut de Pink recibió críticas mixtas por parte de los expertos musicales, quienes consideraron que no resultaba original ni llamativo aunque alabaron las habilidades vocales de Pink, sin embargo personalmente lo considero un álbum muy sólido de R&B. «Can’t Take Me Home» es el único álbum de Pink encuadrado dentro del R&B dentro de su trayectoria y su trabajo más desconocido por parte del público ya que la cantante triunfó de manera masiva a partir de su siguiente álbum, «Missundaztood», cuando inició un viraje hacia el sonido pop/rock.
Crítica de «Endless Summer Vacation» de Miley Cyrus
Dentro del mundo de la música, Madonna es conocida por su capacidad de re-invención y a lo largo de su extensa carrera ha mostrado diferentes facetas, looks y estilos con los que ha conquistado al público y ha influenciado a generaciones enteras de artistas posteriores, como es el caso de la protagonista de este post, Miley Cyrus, quien tampoco se queda atrás en este aspecto y se ha caracterizado por ofrecer un imaginario diferente con cada álbum publicado. En el aspecto musical, la hija de Billy Ray Cyrus ha mostrado su gran versatilidad adoptando numerosos estilos musicales durante su trayectoria, como el electropop, pop/rock, R&B, Country o Hip-Hop entre otros. Su último álbum de estudio, Plastic Hearts, publicado en 2020, estaba encuadrado dentro del pop/rock y el synth-pop y tomaba influencias del rock de los años 80 y artistas como Stevie Nicks, Blondie o Metallica. «Plastic Heart» fue bien recibido por los expertos musicales por su nueva dirección musical y contó con el hit single ‘Midnight Sky’, una joya Disco, dance-pop y synth-pop que suponía un camino muy interesante por el que transitar en sus siguientes trabajos. El octavo álbum de estudio de Miley Cyrus tiene por título Endless Summer Vacation y en sus propias palabras es una ‘carta de amor a Los Angeles’ y representa el crecimiento mental y físico que ha experimentado en los últimos años tras la ruptura con su marido, Liam Hemsworth. «Endless Summer Vacation» vuelve a marcar una divergencia con respecto al pop/rock ‘ochentero’ presente en su último álbum y en esta ocasión se sumerge en un pop y synth-pop con ciertos elementos funk, Disco, pop/rock y Country. Kid Harpoon y Tyler Johnson, los responsables del último álbum de Harry Styles, han sido los encargados de la mayor parte del álbum y han impregnado en varias canciones ese toque retro que tenía «Harry’s House» pero con menor acierto en esta ocasión. También aparecen productores de la talla de Greg Kurstin o Mike Will Made It, quien trabajó de manera extensa en su polémico álbum «Bangerz». Tal y como reveló Miley durante la promoción previa del álbum, este trabajo se divide en el lado AM, que corresponde a la parte de la mañana en la que hay gran energía y un mundo de posibilidades y el lado PM, más elegante y glamouroso, que es la parte del día «para descansar y recuperarse o salir de marcha y experimentar el lado salvaje de la noche». En la realidad dicha división no queda del todo clara debido a una secuencia de canciones muy poco acertada.
El single presentación del álbum ha sido Flowers, un tema pop up-tempo con influencia Disco/funk producido por Kid Harpoon y Tyler Johnson en el que Miley hace referencia a su ruptura con Liam Hemsworth y relata que ha encontrado su verdadera felicidad y no necesita a un hombre que le haga regalos, convirtiéndose en un himno de independencia y auto-empoderamiento. Como dato curioso, ‘Flowers’ fue lanzado el 13 de enero, el día del cumpleaños de Liam y en el videoclip, grabado en una lujosa mansión de Los Angeles, Miley baila, hace ejercicio e incluso lleva puesto un traje que perteneció a su ex-pareja. ‘Flowers’ ha resultado un tremendo éxito comercial: ha alcanzado el #1 en más de 20 países, incluyendo Reino Unido, Australia, Francia, Alemania o Estados Unidos y se ha convertido en el single más exitoso de Miley hasta la fecha. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado el segundo single, River, que se trata de un tema synth-pop y dance-pop de sonido retro con influencia Disco cuyas letras hacen referencia a una pareja que ha recuperado la magia tras haber pasado un mal momento en la relación. Los dos singles lanzados, bailables y de carácter up-tempo, no representan en absoluto la esencia del álbum ya que el resto del contenido está formado por temas mid-tempo y baladas que no resultan tan pegadizos ni llamativos. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran el marchoso ‘Violet Chemistry’, en el que habla de la complicidad y química que tenía con su pareja y resulta un firme candidato a futuro single o ‘Jaded’, la contribución de Greg Kurstin y que se trata de un tema mid-tempo pop/rock en el que Miley muestra su arrepentimiento por lo que pudo hacer y decir para salvar la relación con su ex-marido y no hizo. Las baladas son el punto más flojo del álbum, pero merece la pena reseñar ‘Island’, que representa la nueva realidad de Miley tras su divorcio y un lugar donde evadirse de los problemas o ‘Muddy Feet’, en el que la contribución de Sia se reduce a unos coros al final de la canción.
«Endless Summer Vacation» falla prácticamente en los mismos puntos que lo hacía el reciente álbum de Pink, que son el exceso de temas lentos (en general bastante anodinos e irrelevantes) y las colaboraciones, que resultan totalmente prescindibles y no aportan nada a sus respectivas canciones. Muchas expectativas estaban puestas en torno al nuevo álbum de Miley Cyrus debido al apabullante éxito cosechado por el primer single, sin embargo este trabajo se queda a medio gas al no replicar en más temas ese toque retro y elegante de ‘Flowers’ que ha enganchado al público y a su vez estar repleto de baladas insípidas que han tirado por tierra todo el ‘hype’ previo al álbum. La cantante sigue sin ofrecernos su gran obra maestra pero ha presentado un álbum correcto y más que digno del que se pueden rescatar un puñado de canciones interesantes en las que Miley nos deleita con su personal voz y su inconfundible estilo. La producción de Kid Harpoon y Tyler Johnson es uno de los puntos fuertes, pero sin duda se guardaron sus mejores ideas para el álbum de Harry Styles. Temas imprescindibles: Flowers, River, Violet Chemistry y Jaded. Puntuación: 7/10.
Throwback Review: «Slicker Than Your Average» de Craig David
En el pasado mes de noviembre se cumplieron 20 años del lanzamiento del segundo álbum de estudio de Craig David, uno de los trabajos más importantes dentro de la trayectoria del cantante inglés, por lo que realizaré una reseña en retrospectiva del álbum. En el año 2000, Craig David hizo su debut en el mundo de la música con Born To Do It, un álbum encuadrado dentro del R&B/pop con gran influencia del Garage, sonido típicamente británico y con el que se hizo un hueco muy importante en el panorama musical gracias a singles tan populares como ‘Fill Me In’, ‘7 Days’ o ‘Walking Away’, que ocuparon posiciones muy altas en las listas de venta, no sólo en Reino Unido, sino en Europa, Australia e incluso Estados Unidos, que se suele ser un mercado reacio a los artistas británicos. «Born To Do It» resultó un tremendo éxito en su nativo Reino Unido, donde fue #1 y superó el millón y medio de copias y ocupó el top 5 en Australia, Francia o Alemania e incluso alcanzó el #11 en Estados Unidos, donde vendió un millón de ejemplares. Dos años después de su debut, Craig David regresó al panorama musical con su segundo álbum de estudio, Slicker Than Your Average, el cual está formado por 13 temas encuadrados dentro del R&B/pop y destaca por tener una influencia menor del sonido Garage que «Born To Do It». Craig David participó en la composición de todos los temas presentes bajo la producción de su colaborador habitual Mark Hill, aunque su presencia se reduce en favor de otros productores como Marshall & Trell, Fraser T Smith o Soulshock & Karlin. «Slicker Than Your Average» debutó en el #4 de la lista británica, donde vendió más de medio millón de copias, unas cifras notoriamente inferiores a las de su predecesor y en el resto del mundo tuvo un desempeño comercial moderado y ocupó el top 10 en Francia o Australia y el top 40 en Estados Unidos. El single presentación del álbum fue What’s Your Flava?, un tema R&B up-tempo con gran componente electrónico producido por Marshall & Trell en el que Craig describe cómo coquetea con una chica mientras hace referencias a los sabores de helados. ‘What’s Your Flava?’ tuvo un impacto comercial moderado aunque ocupó el top 10 en Reino Unido, Australia, España o Canadá, sin embargo fue incapaz de entrar en la lista americana.
Como segundo single se lanzó Hidden Agenda, un tema pop/R&B con melodía de guitarra española producido por Mark Hill que podría encajar perfectamente en su primer álbum. ‘Hidden Agenda’ tuvo un desempeño mediocre en las listas de venta alrededor del mundo, aunque fue top 10 en Reino Unido. El tercer single lanzado fue Rise & Fall, un tema mid-tempo R&B que cuenta con la participación de Sting y samplea la melodía del tema ‘Shape of My Heart’ del veterano cantante. ‘Rise & Fall’ es una de las canciones más personales del álbum y habla de los altibajos que trae consigo la fama y de los errores cometidos en el pasado. Este single se convirtió en el más popular y exitoso del álbum y alcanzó el #2 en Reino Unido, el top 10 en Australia o Italia y el top 15 en Alemania o Francia. Como cuarto single se lanzó Spanish, un tema R&B con influencia Latin-pop y Hip Hop en el que Craig describe una noche en la que conoce a una chica que le gusta e incluye varias palabras en español. ‘Spanish’ continuó la gran racha de Craig David en tierras británicas y nuevamente ocupó el top 10. El quinto single fue World Filled With Love, un tema mid-tempo pop/R&B producido por Fraser T Smith en el que el cantante declara que es feliz con todo lo que ha conseguido pese a su juventud. Aunque el sonido Garage y 2Step no es tan prominente como en su anterior álbum, está presente en canciones como ‘Hands Up In The Air’ o ‘2 Steps Back’. En resumen, «Slicker Than Your Average» no logra igualar la gran calidad del magnífico «Born To Do It» ya que contiene más relleno y los temas presentes no resultan tan originales y llamativos, pero en su conjunto es un digno sucesor de dicho trabajo. Temas imprescindibles: Rise & Fall, Hidden Agenda, Spanish, World Filled With Love, What’s Your Flava? y Hands Up In The Air. Puntuación: 7’5/10.
Crítica de «My 21st Century Blues» de Raye
En el año 2014, la cantante Rachel Keen, conocida artísticamente como RAYE, firmó un contrato con la discográfica Polydor para publicar 4 álbumes de estudio, sin embargo durante aquellos no vio la luz ningún álbum y únicamente pudo lanzar varios EP’s. Raye fue ‘animada’ por su discográfica a componer para otros cantantes y realizar numerosas colaboraciones en temas dance-pop de conocidos DJ’s que gozaron de gran popularidad en las listas de venta pero no reflejaban sus verdaderas aspiraciones musicales. En 2021 Raye abandonó Polydor y se lanzó como artista independiente y fue precisamente entonces cuando le llegó el éxito definitivo, lo que claramente podríamos considerar como un caso de «justicia poética». En junio del año pasado llegó el primer single, Hard Out Here, un tema R&B influenciado por el sonido Hip Hop en el que Raye critica el patriarcado que existe en la industria musical y lanza dardos envenenados a su antigua discográfica. El segundo single lanzado fue Black Mascara, un tema Dance/House en el que Raye cuenta que ha sido traicionada por una persona en la que confiaba y cómo acaba en la pista de baile con su maquillaje ‘arruinado’ por haber llorado. Ninguno de estos dos singles tuvo buen desempeño comercial y ocuparon posiciones muy bajas en la lista de venta británica, sin embargo todo cambiaría con el tercer single, Escapism, que fue lanzado en el mes octubre. ‘Escapism’ es un tema mid-tempo R&B con influencia electropop y Hip Hop en el que la cantante inglesa habla de escapar de la realidad y refugiarse en el alcohol y las drogas para sobrellevar una ruptura sentimental. Debido a su gran exposición en TikTok, este single fue escalando posiciones en las listas de venta hasta alcanzar en enero el #1 en Reino Unido y también ocupó el top 10 en Australia, Canadá o Alemania e incluso el top 25 en Estados Unidos, convirtiéndose en el single más exitoso de Raye en solitario. ‘Escapism’ fue lanzado como single de doble cara A junto a The Thril Is Gone, un marchoso tema de Blues y funk con uso prominente de saxofón reminiscencia del estilo de Amy Winehouse.
A principios de febrero vio la luz su álbum debut, titulado My 21st Century Blues, que se trata de un trabajo muy ecléctico en el que aparecen elementos R&B, electropop, dance-pop, House, trip-hop o Blues y está compuesto en su totalidad por Raye bajo la producción de Mike Sabath. En este álbum la cantante londinense trata temas muy personales como su adicción al alcohol y las drogas, el rechazo a su cuerpo que sufrió años atrás, además de complicadas relaciones amorosas y sus posteriores rupturas. Coincidiendo con la publicación del álbum llegó un nuevo single, la balada Ice Cream Man, en la que Raye relata los abusos sexuales que sufrió en el pasado, de los que destaca un episodio en el que está envuelto un productor musical con el que trabajó y le puso sus ‘frías manos’ encima. Podemos observar la variedad presente en el álbum en temas como ‘Oscar Winning Tears’, una majestuosa balada con numerosos instrumentos que relata una relación fallida, ‘Mary Jane’, un balada de estilo Blues en la que habla de su adicción a las drogas y el alcohol o ‘Worth It’, que destaca por su sonido Disco. Durante la promoción previa a la publicación de «My 21st Century Blues», en un táctica comercial un tanto desesperada, Raye imploró a sus seguidores a que compraran su álbum e incluso redujo el precio de las copias digitales del álbum, pero finalmente debutó en el #2 de lista británica por detrás de «Queen of Me» de Shania Twain con apenas dos mil copias de diferencia, pero pese a no alcanzar la posición de honor en Reino Unido es un dato muy positivo para una artista de perfil independiente. «My 21st Century Blues» es un álbum debut más que digno que muestra la gran versatilidad de Raye como artista y su particular voz, pero resulta evidente que todavía no ha encontrado un sonido definido. La primera parte del álbum es muy potente y en ella encontramos todos los singles lanzados, sin embargo gradualmente va perdiendo fuelle y los últimos temas enganchan menos. En definitiva, «My 21st Century Blues» es el ejemplo perfecto de que si persigues tus sueños y tienes paciencia y perseverancia, finalmente conseguirás tus objetivos. Temas imprescindibles: Escapism, Black Mascara, The Thrill Is Gone, Hard Out Here, Oscar Winning Tears y Worth It. Puntuación: 7’5/10.
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