Throwback Review: “Danity Kane”

final_cover_hr_dk-700x700.jpgTras la separación definitiva de Destiny’s Child y con TLC fuera de juego temporalmente, la escena de las girl-bands en Estados Unidos estaba prácticamente desierta hasta 2005 cuando aparecieron Pussycat Dolls, pero pronto llegarían Danity Kane, un quinteto femenino que surgió en la tercera temporada del reality de MTV “Making The Band”, donde anteriormente se creó el grupo masculino O-Town. El rapero y productor musical Diddy fue el encargado de decidir qué componentes formaban parte del grupo final, que en dicha temporada el objetivo era crear un súper grupo de chicas que recuperara el espíritu de Destiny’s Child o Spice Girls. Diddy fichó a Danity Kane en su discográfica Bad Boy Records y actuó como productor ejecutivo del primer álbum de estudio de las chicas, para quienes tenía elaborado un ambicioso proyecto ya que estaban puestas grandes expectativas en el grupo recién creado. Un gran elenco formado por algunos de los mejores productores musicales como Scott Storch, Darkchild, Timbaland, Danja, Mario Winans o Bryan-Michael Cox participaron en el disco debut del grupo, titulado de manera homónima. Tras varios meses en el estudio de grabación, en agosto del 2006 se puso a la venta el álbum Danity Kane, que estaba formado principalmente por temas up-tempo R&B/pop con gran influencia de la música Hip-Hop ya que el objetivo de Diddy era conseguir un sonido urban-pop más similar al de Destiny’s Child que al de las girl-bands convencionales.

El single presentación del álbum fue Show Stopper, un medio tiempo R&B inspirado en el sonido Snap (subgénero del Hip-Hop) producido por Jim Jonsin y que contaba con la participación del rapero Yung Joc, y en el que Danity Kane hablan de pasarlo bien en el club y ser unas chicas malas. Este tema tuvo buen desempeño en Estados Unidos y logró llegar al #8 en la lista Billboard, y fue lanzado de manera internacional únicamente en Alemania, donde el single logró el top 30. Como segundo single del álbum fue lanzado Ride For You, una balada mid-tempo R&B/pop producida por Bryan-Michael Cox que representaba la parte más romántica del disco y donde podíamos apreciar las buenas voces de las 5 componentes y su gran harmonía juntas. Pese a ser un tema muy interesante y de gran calidad, Ride For You no consiguió repetir el éxito del primer single debido a la falta de promoción por parte del grupo, aunque logró el top 5 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard. A pesar de que en el álbum había muchas canciones con potencial como para ser single, ningún sencillo más fue lanzado. Entre los temas más destacados se encuentran “Hold You Down”, un medio tiempo R&B que contaba con la clásica producción de Darkchild, “Want It”, un marchoso tema R&B/dance-pop producido por Timbaland y Danja y que resultaba uno de los más up-tempo y bailables del disco, o “Sleep On It”, el primer tema grabado por Danity Kane para el álbum y que contaba con la característica producción de Scott Storch influenciada por el sonido Hip-Hop.

“Danity Kane” entró en lo más alto de la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado platino en Estados Unidos al ser distribuidas un millón de copias, lo cual es un dato muy positivo para el debut de una girl-band nacida en un reality. Como conclusión, junto con el primer disco de Pussycat Dolls, el álbum “Danity Kane” es uno de los debuts más sólidos de un grupo femenino en Estados Unidos en años y resultaba muy interesante por alejarse del típico pop de las girl-bands e incorporar un moderno sonido R&B y urban-pop. Aunque la producción del álbum estaba repartida entre una gran cantidad de colaboradores, el resultado final resultaba cohesivo y no como una play-list de canciones dispares, que es lo que suele ocurrir cuando están involucrados más de 10 productores diferentes. Además, pese a que las voces de las componentes son muy diferentes, encajan a la perfección (Shannon y Aubrey tienen voces de estilo pop, mientras que D.Woods y Dawn poseen voces negras con timbre Soul, y Aundrea era la componente con rango vocal más alto y destacaba por el uso del melisma). Puntuación: 8/10. Danity Kane – Amazon

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The Best of Pop: “Elle’ments” de No Angels

009A principios de la década del 2000 el Pop vivió su época dorada y tanto las boy-bands como las girl-bands triunfaban alrededor del mundo gracias al éxito masivo de Spice Girls, N’Sync o Backstreet Boys, que se convirtieron en auténticos fenómenos sociales, dominaron las listas de venta en todo el planeta, vendieron millones de copias con sus discos, además de ser el espejo en el que se miraron numerosos grupos posteriores, que imitaron sus coreografías, copiaron su imagen y estilo musical, e intentaron aprovechar el enorme tirón comercial de estos fenómenos fan aunque no lograron el espectacular éxito de dichos grupos. Tras el gran impacto que tuvieron Spice Girls en el mundo de la música, por todo el mundo aparecieron numerosos grupos femeninos con características muy similares a las chicas picantes y que seguían su mismo patrón, como por ejemplo No Angels, un grupo de 5 jovencitas que se presentaron al concurso musical Popstars en Alemania con el objetivo de crear una banda femenina muy parecida a Spice Girls. Al final de la competición, las chicas elegidas para formar el primer grupo de Popstars resultaron Nadja, Jessica, Sandy, Lucy y Vanessa, quienes fueron fichadas en el año 2000 por una importante discográfica y empezaron a grabar su primer álbum. El debut de No Angels en el mundo de la música fue el single Daylight In Your Eyes, un marchoso y bailable tema dance-pop que lideró las listas de ventas de Alemania, Suiza y Austria, también consiguió penetrar en otros mercados europeos, y acabó convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del año 2001 en el viejo continente. Daylight In Your Eyes fue certificado platino por ventas superiores al medio millón de copias en Alemania, terminó como el single más exitoso del año 2001 en dicho país y el quinto de toda la década del 2000, lo cual denota el enorme impacto comercial de este single, arropado sin duda por el éxito que tuvo Popstars en Alemania, que dio gran popularidad a las chicas.

El quinteto alemán publicó en marzo del 2001 su álbum debut, llamado Elle’ments, el cual estaba formado por temas pop y dance-pop con influencia del sonido R&B y latin-pop, y recibió comparaciones con la música de los primeros álbumes de Britney Spears, Christina Aguilera y Spice Girls. Elle’ments fue #1 en los países germano-hablantes (Alemania, Suiza y Austria), destacando el éxito sin precedentes que obtuvo el disco en el país natal de grupo, donde acabó vendiendo un millón de copias. Como segundo single se lanzó Rivers of Joy, otro enérgico tema dance-pop con influencia de la música Gospel y melodía de piano que resultaba un auténtico himno sobre el auto-empoderamiento. Aunque no pudo repetir el gran impacto que supuso el primer single, Rivers of Joy también obtuvo un buen rendimiento en las listas de venta de Centro Europa y fue top 10 en Alemania. Cuando No Angels ya eran unas auténticas estrellas en Alemania gracias a su aparición en Popstars y al éxito de sus dos primeros sencillos, decidieron lanzar como tercer single un tema que originalmente no formaba parte del álbum, pero sí lo hizo en la re-edición de Elle’ments, llamada Special Winter Edition. El single en cuestión era una versión del famoso tema de Eurythmics There Must Be An Angel que respetaba la esencia de este clásico del grupo liderado por Annie Lennox. Este tema de pegadizo estribillo fue otro éxito para No Angels ya que logró el segundo #1 del grupo en las listas de venta alemana y austriaca y fue galardonado como mejor canción del año procedente de Alemania en los importantes premios británicos Top of The Pops. Como broche de oro a un año triunfal, el quinteto femenino lanzó el cuarto y último single de Elle’ments, When The Angels Sing, que se trataba de un medio tiempo pop con influencia R&B que suponía un contrapunto más tranquilo y emotivo a los anteriores singles de carácter up-tempo y bailable. When The Angels Sing demostró que el éxito de No Angels no era flor de un día y nuevamente consiguió el top 5 en el chart alemán.

Aunque la carrera musical de No Angels fue relativamente corta (como la mayoría de girl-bands nacidas en concursos de talentos) y sufrió la baja de alguna de sus componentes, durante su trayectoria se convirtieron en uno de los grupos/artistas alemanes más exitosos y con mayores ventas surgidos en la década del 2000 junto con Sarah Connor. Además No Angels ostentan el título de grupo femenino más importante de todos los tiempos en Alemania y una de las girl-bands con mayor impacto en Europa continental durante dicha década. Elle’ments permanece como el álbum más exitoso de No Angels y junto con su siguiente disco, Now… Us, son los dos mejores trabajos del quinteto femenino ya que resumen a la perfección el espíritu pop de aquellos años, cuando el fenómeno fan vivía sus mejores tiempos. Elle’ments – Amazon

GTFO, el regreso de Mariah Carey

mariah-carey-gtfo-tgj-600x600Tras publicar varias fotos durante los últimos meses en sus redes sociales en las que se le veía en el estudio de grabación, Mariah Carey ha puesto fin a su sequía musical y ha lanzado el single GTFO, anticipo de su nuevo álbum de estudio que se pondrá a la venta durante este 2018 pero sin fecha de publicación definitiva. GTFO son las siglas de “Get The Fuck Out” y dado el significado de estas palabras (“vete a la mierda”), se ha decidido lanzar el single en modo de acrónimo ya que la cantante siempre ha sido políticamente muy correcta y apenas ha compuesto canciones con palabras malsonantes o con la etiqueta de “parental advisory”. GTFO es el primer single de Mariah Carey desde principios de 2017, cuando lanzó I Don’t, un tema que pasó desapercibido entre el público y recibió unas críticas muy tibias ya que estaba por debajo de los estándares habituales de la cantante. GTFO es un medio tiempo R&B producido por Nineteen85, responsable de muchos de los éxitos de Drake, por ello no es difícil ver la influencia del estilo del rapero y cantante canadiense en este tema, en el que Mariah dedica unas palabras nada bonitas a su ex-amante. Mariah Carey ha declarado que este tema no hay que tomárselo en serio ya que es sólo el reflejo de los buenos ratos que ha pasado en el estudio de grabación y únicamente es un sencillo promocional ya que el single oficial, llamado With You, llegará en octubre, por lo que GTFO es sólo un pequeño aperitivo del álbum. Aún así, el single es claramente superior a I Don’t, de lo cual nos alegramos ya que fue un error lanzar dicho tema que no aportaba nada a su carrera musical y no hizo sino abaratar su imagen debido a su vulgar videoclip. GTFO por fin nos trae a la Mariah que adoramos, sexy y elegante, y aunque no muestra su enorme torrente de voz ya que se centra en sus “breathy vocals”, es un single de gran calidad, además de contar con un bonito videoclip que nos demuestra que Mariah está estupenda a sus 49 años, mostrando su nueva figura delgada y sexy.

La legendaria cantante publicó en 2014 su último disco de estudio, “Me. I Am Mariah… The Elusive Chanteuse”, el cual recibió buenas impresiones de la crítica pero tuvo una respuesta muy moderada en las listas de venta y un año más tarde lanzó un disco recopilatorio de grandes éxitos, #1 To Infinity, coincidiendo con el inicio de su residencia en Las Vegas de idéntico título. Aunque apenas haya lanzado canciones nuevas desde entonces, Mariah Carey no ha estado alejada del mundo de la música ya que ha pasado los últimos años dando conciertos como parte de su residencia en la ciudad del pecado, en giras como “The Sweet Sweet Fantasy Tour” en la que visitó Europa por primera vez en muchos años, o en su tradicional show navideño “All I Want For Christmas Is You” en el que canta todos sus famosos villancicos.

Crítica de “Sweet Sexy Savage” de Kehlani

27KEHLANI1-jumboLas colaboraciones entre artistas suelen ser muy habituales hoy en día, aunque podríamos decir que se popularizaron en la década de los 90 dentro del R&B y el Hip-Hop, que fueron los géneros pioneros en este tipo de participaciones entre cantantes. Desde entonces, este fenómeno de las colaboraciones se ha generalizado dentro de todos los estilos musicales lo cual nos ha permitido conocer a nuevos artistas. Y precisamente de esta manera descubrí a Kehlani, la cual participó en el tema “Ring” de la rapera Cardi B (que se ha convertido en el quinto single del exitoso álbum Invasion of Privacy). Kehlani Parrish dio sus primeros pasos en el mundo de la música cuando participó en el concurso musical America’s Got Talent dentro del grupo adolescente PopLyfe, el cual quedó en cuarta posición en la temporada en la que se presentaron. Tras un par de años dentro de la formación, la cantante californiana decidió dejar PopLyfe y lanzarse en solitario ya que las canciones que hacía con el grupo no reflejaban sus verdaderas aspiraciones musicales. A pesar de sus comienzos dentro del grupo PopLyfe, Kehlani está muy lejos de la imagen de “princesita del pop” que poseen muchas de las participantes de ese tipo de programas, puesto que la cantante de Oakland tiene un carácter rebelde, fuerte e independiente como consecuencia de su dura infancia, ya que su madre era adicta a las drogas y su padre fue encarcelado cuando Kehlani era sólo una niña, por ello aprendió a sobrevivir sin tener la referencia de unos padres y este hecho le convirtió en una mujer fuerte y madura. Si esto no fuera suficiente, tras dejar el grupo la cantante sobrevivió en Los Angeles sin familia, viviendo en la calle y robando en las tiendas, lo que podemos considerar una auténtica homeless. Kehlani empezó a grabar temas en solitario y gracias a la ayuda de Nick Cannon (quien era el presentador de America’s Got Talent mientras concursaron PopLyfe), la joven cantante pudo grabar su primera mixtape, que recibió buenas opiniones de los críticos musicales. Su segunda mixtape fue lanzada en 2015 y todavía logró una mayor repercusión entre el público ya que fue top 40 en la lista americana y consiguió su primera nominación a los premios Grammy.

A principios del 2017, Kehlani publicó su primer álbum de estudio, Sweet Sexy Savage (cuyo título estaba inspirado en el disco CrazySexyCool del grupo TLC) compuesto en su totalidad por la propia cantante y bajo la producción del dúo Pop & Oak. Este álbum pertenece al género R&B, con algunos temas encuadrados dentro del R&B alternativo y otros con influencia Hip-Hop y pop. La respuesta comercial de Sweet Sexy Savage fue muy positiva ya que debutó en el #3 de la lista de ventas de Estados Unidos y Canadá, y logró entrar en otros importantes mercados europeos como Reino Unido, Irlanda o Francia, donde el álbum tuvo un rendimiento moderado pero resulta un logro muy notorio para una artista novel de R&B. El single adelanto del álbum, lanzado a mediados del 2016, fue Crzy, un marchoso tema R&B con base Trap que resulta toda una declaración de intenciones por parte de Kehlani en la que habla sobre los dobles estándares que tienen las mujeres, y que supuso la primera entrada de la cantante en la lista americana de singles. Como segundo single se lanzó Distraction, un medio tiempo R&B alternativo muy interesante en el que Kehlani declara que no le importa si su amante tiene dinero, ya que es sólo una distracción. Este single recibió la segunda nominación de Kehlani en los premios Grammy, en este caso a mejor actuación R&B. Otros de los temas más destacados del disco son el marchoso “Keep On”, que fue el último sencillo promocional extraído del álbum y uno de los temas más up-tempo, “Piece of Mind”, en el que habla sobre su intento de suicidio, “Undercover”, en la que destaca su melodía con guitarra, o la balada “Personal” que contiene un sample de “Come Over” de Aaliyah, la cual es una de sus mayores inspiraciones musicales. Sweet Sexy Savage recibió opiniones generalmente favorables de los críticos musicales, los cuales alabaron el carácter personal del álbum y la sinceridad de Kehlani relatando los avatares sobre su vida, aunque observaron que muchos temas eran similares y repetitivos. Kehlani declaró que Pink y Gwen Stefani fueron las principales inspiraciones de Sweet Sexy Savage, sin embargo escuchando el álbum podemos observar similitudes con la música de Tinashe y Aaliyah, ya que la primera de ellas tiene muchos puntos en común con Kehlani y ambas son dos de los mayores exponentes del R&B actual. Sin duda, el primer álbum de Kehlani es uno de los debuts más sólidos dentro del R&B de los últimos años y Kehlani una de las artistas revelación del género, con una fuerte personalidad y sin pelos en la lengua. Puntuación: 7’5/10. SweetSexySavage – Amazon

Crítica de “Good Man” de Ne-Yo

ne-yo-good-man-coverA principios del mes de junio se puso a la venta el séptimo álbum de estudio de Ne-Yo, titulado Good Man y que recoge el testigo de Non-Fiction, que vio la luz en 2015, tuvo un impacto moderado alrededor del mundo, no consiguió que ninguno de sus singles despuntara en las principales listas de venta y se convirtió en el trabajo discográfico menos vendido dentro de su catálogo musical. Good Man ha sido compuesto en su totalidad por el propio Ne-Yo bajo la producción de StarGate (habituales colaboradores del cantante desde sus inicios), DJ Camper, Dr. Luke o Cirkut, podemos encuadrarlo dentro de su habitual estilo R&B/pop al igual que sus anteriores trabajos y destaca por el hecho de que no incluye los típicos temas dance-pop que se ha acostumbrado a lanzar Ne-Yo para atraer la atención del público joven y que suelen tener gran éxito en Europa. Este álbum está compuesto principalmente por medios tiempos y baladas R&B, además de algún tema up-tempo con influencia Dancehall. El single anticipo del álbum para el mercado americano fue Good Man, una balada Soul que da título al álbum y en la que Ne-Yo promete ser un “hombre mejor” y tratar bien a las mujeres con las que se relaciona. Este single pasó totalmente inadvertido dentro de la lista americana. Desde hace un tiempo los seguidores de Ne-Yo y el público en general han favorecido los temas dance-pop más up-tempo del cantante en detrimento de los clásicos temas mid-tempo R&B que lanzaba a principio de su carrera y que han tenido una repercusión menor en las listas de venta. Por ello, Ne-Yo se ha apresurado en lanzar rápidamente el siguiente single, un tema mucho más marchoso y comercial con el que captar la atención del público internacional. En este caso no se trata de un potente tema dance-pop dirigido a las pistas de baile como suele lanzar Ne-Yo sino uno de estilo Dancehall, el cual se ha vuelto muy popular recientemente debido al auge del Tropical House y los sonidos caribeños que inundan las radio-fórmulas hoy en día. El tema en cuestión es Push Back, que resulta muy pegadizo, está producido por StarGate y cuenta con la colaboración de la cantante pop Bebe Rexha y la rapera Stefflon Don, quien le da un toque exótico al tema por su acento reggae. Push Back es una de las canciones más llamativas del álbum por su naturaleza bailable, su temática sexual y sus ritmos tropicales (que ya empiezan a saturar las radios), sin embargo este single no conseguido incrementar la atención del público por el álbum y ha fracasado en las listas de venta.

Entre mis temas favoritos se encuentran “Without U”, un medio tiempo R&B cuyos responsables son el dúo noruego StarGate y que recuerda a los clásicos temas del cantante, o la balada mid-tempo “Apology”, posiblemente la mejor canción del disco y en la que Ne-Yo se lamenta por cómo ha tratado a las mujeres de su vida y pide disculpas, una temática muy parecida a la de la canción que da título al disco. También destaca el medio tiempo “Nights Like These”, que tiene un aroma latino gracias a su sensual producción que incluye melodía de guitarra y a la colaboración con el cantante Romeo Santos, quien canta en español. Good Man sólo se ha puesto a la venta en Estados Unidos, y ha pasado sin pena ni gloria en la lista Billboard, ocupando el top 40 cuando todos los álbumes de Ne-Yo han sido top 10, incluyendo dos discos #1, algo que podemos apreciar como un notorio declive en su éxito comercial. Como resumen, Ne-Yo tiene muy complicado superar la gran calidad de sus tres primeros álbumes, ya que desde entonces sus trabajos han bajado el nivel y no contienen perlas del tipo So Sick o Because of You. En concreto Good Man lo encuentro el álbum menos memorable dentro de la discografía de Ne-Yo junto con Non-Fiction, ya que resulta aburrido y no cuenta con temas espectaculares o que llamen la atención, sin embargo hay que destacar las grandes habilidades vocales y como compositor del artista de Arkansas, la madurez adquirida que se refleja en este trabajo y la producción del álbum. Puntuación: 6/10. Good Man – Amazon

The Best of Hip-Hop: “Doctor’s Advocate” de The Game

811jEajRvkL._SY355_The Documentary, el álbum debut de The Game, fue publicado en 2005 bajo el sello discográfico de Dr. Dre, el cual no sólo le fichó en su poderosa discográfica sino que fue su mentor, el productor ejecutivo de su disco e imprimió su estilo West Coast Hip Hop en las canciones que produjo para el rapero de Compton. The Documentary debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, acabó vendiendo más de 4 millones de copias en Estados Unidos y se convirtió en el soplo de aire fresco que necesitaba el género, además de ser el responsable de devolver al West Coast Hip Hop a una posición dominante que no tenía desde la década de los 90. El primer álbum de rapero californiano recibió buenas críticas de los expertos musicales, los cuales alabaron la magistral producción de Dr. Dre y el resto de colaboradores que participaron en este proyecto, y el hecho de revitalizar el sonido West Coast Hip-Hop, sin embargo criticaron las habilidades de Game como rapero y compositor. Tras las tensiones con 50 Cent (el cual le introdujo en su grupo G-Unit) debido al hecho de que Game no quiso formar parte de las rivalidades de 50 muchos compañeros de profesión, el rapero de Compton abandonó G-Unit y la discográfica de Dr. Dre, por lo que dejó de contar con el apoyo del legendario productor musical debido a su estrecha relación con 50 Cent. Tras el éxito de The Documentary y sus singles “How We Do” y “Hate It Or Love It” (los cuales ocuparon el top 5 en la lista Billboard), The Game empezó a trabajar en su segundo álbum de estudio, llamado Doctor’s Advocate y que se puso a la venta a finales de 2006. Pese a no contar con Dr. Dre y con Eminem en su nuevo disco, The Game volvió a contar con varios productores que participaron en The Documentary como Scott Storch, Kanye West o Just Blaze, además de Will.I.Am o J.R. Rotem, quienes trabajaron con Game por primera vez pero imprimieron el sonido West Coast Hip Hop que tanto deseaba incorporar el rapero de Compton en este álbum. Y así fue, ya que Doctor’s Advocate pertenecía a este sub-género musical nacido en la Baja California e incluso sonaba con mayor intensidad pese a no contar con Dr. Dre, quien fue el precursor de este sonido en los años 90. Sin embargo las referencias a su antiguo mentor y sus peleas con 50 Cent fueron constantes en este álbum, lo cual fue comentado de manera negativa en las críticas de los expertos musicales.

El primer single del álbum fue It’s Okay (One Blood), un agresivo tema Gangsta Rap que afianzaba su sonido West Coast Hip Hop, contaba con una melodía con influencia del Medio Oriente y lanzaba dardos envenenados a 50 Cent y otros raperos. Este single tuvo un rendimiento muy moderado en la lista americana, situándose en la parte baja de Billboard. El segundo single, Let’s Ride, fue producido por Scott Storch, quien pese a haber trabajado estrechamente con Dr. Dre en el pasado, no tuvo reparos en seguir colaborando con The Game, y no sólo eso sino que creó un tema muy influenciado por el sonido G-Funk, del cual Dr. Dre fue el padre musical y su mayor artífice. Aunque no fue un gran éxito en las listas de ventas, Let’s Ride logró el top 50 en la lista de ventas de Estados Unidos, pero tuvo que lidiar con unas críticas negativas, que consideran este tema una imitación del estilo de 50 Cent y una versión reciclada del sonido West Coast que Dr. Dre hizo popular. Muy polémico resultó Wouldn’t Get Far, el tercer single del álbum, en el que Game criticaba e insultaba a famosas modelos, actrices y chicas de videoclip. Este tema, producido y con la colaboración de Kanye West, fue el último single lanzado del álbum y consiguió una respuesta comercial muy moderada. Aunque los 3 singles lanzados tuvieron un comportamiento mediocre en las listas de venta y fueron incapaces de repetir el éxito de sus singles precedentes, el álbum fue otro éxito para Game ya que Doctor’s Advocate se convirtió en su segundo #1 en Estados Unidos, aunque las ventas fueron notoriamente inferiores a las de The Documentary. Doctor’s Advocate recibió críticas principalmente positivas ya que se observó una mejora en las habilidades de The Game rimando y componiendo con respecto a su primer disco, y pese a la ausencia de Dr. Dre en el proyecto, Doctor’s Advocate suena como un álbum de alto presupuesto gracias a los grandes colaboradores que participan. En mi opinión, Doctor’s Advocate es un álbum sólido y contiene algunas canciones muy interesantes, sin embargo no logra superar el gran nivel de su álbum debut, ya que intenta repetir la fórmula del primero copiando los famosos “beats” de Dr. Dre a pesar de no contar con él en la producción. Puntuación: 7’5/10. Doctor’s Advocate – Amazon

The Best of Hip-Hop: “The Documentary” de The Game

Game-the-documentary.jpgThe Documentary es el debut oficial de The Game en el mundo de la música, aunque previamente el rapero de California lanzó un mixtape que llamó la atención de varios productores de Hip-Hop entre ellos el legendario Dr. Dre, que viendo su potencial se apresuró a ficharle en su discográfica y empezó a grabar canciones para su álbum debut. Jayceon Taylor, apodado The Game por ser un gran seguidor de la película del mismo nombre, nació en Compton, al sur de Los Ángeles, proveniente de una familia disfuncional de orígenes muy humildes, y desde una temprana edad se asoció a bandas callejeras (o Gangs, como se llaman en la jerga local), se movió dentro del circuito de la droga e incluso se vio envuelto en un tiroteo donde fue herido de bala. The Game tuvo unos orígenes muy similares a los de 50 Cent (con quien el futuro le uniría casualmente), ambos son la representación perfecta de “street credibility” y contaban con los ingredientes idóneos para convertirse en un artista de Rap de manual. Y así fue, ya que mientras se recuperaba del tiroteo que sufrió, The Game decidió grabar junto a su hermano un mixtape, el cual pasó por las manos de varios productores hasta que finalmente Dr. Dre le dio la oportunidad que cambiaría la vida al rapero de Compton. Una vez que The Game fue fichado por la discográfica de Dr. Dre, también fue incluido en el grupo G-Unit liderado por 50 Cent para darle una mayor popularidad a Game y hacer promoción previa al lanzamiento de su disco debut, como su aparición en varios videoclips de 50 Cent, es decir una estrategia de marketing perfectamente ejecutada que logró poner a Game en el mapa sin haber ni siquiera lanzado su álbum. Tras dos largos años de grabación para tener todo controlado hasta el mínimo detalle, The Game publicó en enero del 2005 su álbum debut The Documentary, que contaba con un asombroso elenco de productores como Dr. Dre, Scott Storch, Timbaland, Danja, Cool & Dre, Kanye West o Just Blaze, además de la colaboración de un gran número de artistas (como todo álbum de rap que se precie) de la talla de Eminem, Busta Rhymes, Nate Dogg, Mary J Blige, Faith Evans y 50 Cent obviamente, el cual participa en 3 temas. Inspirándose en el clásico sonido West Coast Hip-Hop y gracias a la magistral producción de Dr. Dre y el resto de los colaboradores implicados, The Game presentó uno de los álbumes debut más sólidos dentro del género y revitalizó la escena West Coast Hip-Hop, la cual no estaba la primera fila de la música desde los años 90. The Documentary contiene 18 temas compuestos en su mayoría por canciones up-tempo de estilo West Coast Hip-Hop y Gangsta Rap, además de varios temas más “suaves” con influencia R&B acompañados por la voz de una cantante como en “Don’t Need Your Love” junto a Faith Evans.

El single presentación del álbum fue Westside Story, un tema en el que The Game celebraba sus orígenes de la costa Oeste y hacía tributo a su ídolo Tupac, bajo la producción de Scott Storch y Dr. Dre y que contaba con la colaboración de 50 Cent. Este single tuvo un impacto muy moderado en la lista americana, por lo que el rapero de Compton se apresuró en lanzar el segundo single, How We Do, con el que logró un gran éxito en las listas de venta, incluyendo el #4 en Estados Unidos o el top 10 en Reino Unido, Irlanda y Alemania. Este tema nuevamente contaba con la participación de 50 Cent y la producción de Dr. Dre, quien imprimió el sonido West Coast Hip-Hop que tanto deseaba incluir The Game en su álbum debut. El tercer single, Hate It Or Love It, fue lanzado coincidiendo con la publicación del álbum y contaba nuevamente con la presencia de 50 Cent, quien acabó participando en los tres primeros singles del álbum. Este tema Gangsta Rap, uno de los más marchosos y up-tempo del álbum, contenía influencias R&B/Funk y recibió grandes críticas de los expertos musicales, además de lograr un gran impacto en las listas de venta, ya que logró la mejor posición de Game en Estados Unidos, donde ocupó el #2 en la lista Billboard. 50 Cent, quien compuso el tema y canta el estribillo y un verso, incluyó una versión remix de “Hate It Or Love It” en su segundo álbum The Massacre junto al resto de miembros de G-Unit. Este tema, producido por Cool & Dre con producción adicional de Dr. Dre, fue el tema más memorable del álbum (y de toda la carrera de Game) y recibió dos nominaciones a los premios Grammy, a mejor canción Rap y mejor colaboración Rap de un dúo/grupo. Los siguientes singles de The Documentary fueron Dreams, la única contribución de Kanye West en el álbum y el primer single de Game en solitario, y Put You On The Game, bajo la producción de Timbaland, quien aportó su habitual sonido en una producción muy del estilo West Coast como la mayoría del álbum.

Las tensiones entre The Game y 50 Cent surgieron poco después del lanzamiento de The Documentary ya que 50 sintió que Game era desleal debido la decisión de éste de querer trabajar con artistas con los que G-Unit tenía algún tipo de enfrentamiento y por no participar en las rivalidades en las que se veía involucrado 50 Cent. Estas tensiones y otras que son más bien de patio de colegio (como no darle suficiente crédito a 50 Cent por las 6 canciones que compuso para su álbum, o quitarle protagonismo en uno de sus videoclips) hicieron que Game abandonara el grupo G-Unit y la discográfica a la que pertenecía, por lo que The Documentary fue el único álbum del rapero bajo la batuta de Dr. Dre y 50 Cent. The Documentary debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con unas impresionantes 580 mil copias vendidas en su primera semana, una cifra de ventas altísima que hoy en día sería impensable lograr sólo con las ventas de CD físicos como en aquellos años y sin la inmensa ayuda que supone el streaming. En Estados Unidos, el álbum vendió más de 4 millones de ejemplares, y alrededor del mundo también se comportó de manera muy positiva, se situó en el top 10 de los principales mercados musicales, y acabó vendiendo más de 5 millones de copias, convirtiéndose en uno de los álbumes de Hip Hop más exitosos de la década, por detrás de Eminem y 50 Cent. El éxito de The Documentary fue visto como un signo de resurgimiento de la escena West Coast Hip-Hop tras años de decadencia, y The Game como el responsable de poner el sonido Hip Hop de la costa Oeste en el mainstream, ya que durante años había sido eclipsado por los raperos de la costa Este, el Dirty South y del Medio Oeste. Sin duda The Documentary es uno de los mejores álbumes de Hip Hop de la década pasada, pero el gran éxito que consiguió el álbum y los elogios que recibió se centraron en la magistral producción de Dr. Dre, el elenco de colaboradores, el hecho de revitalizar el sonido West Coast y la presencia masiva de 50 Cent, quien por entonces era el rapero estrella, más que el talento de Game para rimar y como liricista (cualidades que se verían mejoradas en su segundo trabajo, Doctor’s Advocate). Puntuación: 8/10. The Documentary – Amazon

Made For Now

1534492793_e7290267f5e5c876d084207489c4fd05En octubre de 2015, el icono de la música Janet Jackson publicó su undécimo álbum, Unbreakable, el cual se convirtió en su séptimo disco #1 en la lista de ventas americana y recibió buenas críticas de los expertos musicales por su constante innovación dentro del pop/R&B. Para promocionar este álbum, la hermana menor de Michael Jackson se embarcó en el Unbreakable Tour que iba a recorrer de manera extensa Estados Unidos, Canadá y Europa, pero a finales de año, tras haber completado la parte americana de la gira, Janet tuvo que posponer las siguientes fechas de los conciertos debido a problemas de salud y más tarde al enterarse de que estaba embarazada de su por entonces multimillonario marido, decidió cancelar el resto del tour, agradeciendo a sus fans la paciencia, apoyo y comprensión por las inconveniencias que suponía la cancelación de la gira, aunque como compensación nos ofreció una sorpresa, el videoclip de uno de los temas de Unbrekable, llamado Dammn Baby. Una vez que Janet Jackson fue madre de su primer hijo a principios de 2017, pudo retomar su tour pero dándole un nuevo enfoque y llamándolo State of The World Tour, título que provenía de una canción de su legendario álbum Rhythm Nation. Para esta renovada gira, Janet añadió canciones antiguas de su discografía que trataban sobre tomar conciencia social en temas como el racismo, la xenofobia, la supremacía blanca, la homofobia o la violencia doméstica, que ya trató en profundidad en los álbumes The Velvet Rope, Janet o Rhythm Nation, que se han convertido en clásicos del mundo de la música. En verano de 2018, recién terminada su gira de conciertos, Janet Jackson nos ha sorprendido con el lanzamiento de un nuevo single, que será el anticipo de su nuevo trabajo discográfico. Dicho single es Made For Now, desvelado por la cantante en sus redes sociales y que a priori nos causó algo de terror al ver que figuraba como artista colaborador el cantante de reggeaton Daddy Yankee. Sin embargo, una vez escuchado el tema, puedo afirmar que es una de las mejores canciones que ha lanzado Janet en los últimos años, ya que mezcla su habitual sonido dance-pop y R&B con una acertada inclusión de sonidos tropicales, africanos y latinos, que hacen de este tema uno de los más bailables, pegadizos y marchosos lanzados durante este año. Con Made For Now, Janet ha aprovechado el auge del sonido latino y los ritmos tropicales que han inundado los últimos meses el mundo de la música e incorpora un verso en español de Daddy Yankee, pero no resulta una canción extraña dentro de la discografía de la cantante. Este tema está producido por Harmony Samuels junto con sus habituales colaboradores Jimmy Jam & Terry Lewis, habla de vivir el momento, pasarlo bien y no dejar las cosas para mañana, y resulta sumamente alegre, inspirador y motivador. El espectacular videoclip de Made For Now fue grabado en el neoyorquino barrio de Brooklyn y resume perfectamente la esencia de la canción por su gran colorido, su influencia latina y los ritmos Afrobeat, sus coreografías y la inclusión social de la que habla la canción. Tanto el tema como el videoclip han sido sin duda un gran acierto para Miss Janet Jackson y una de las grandes sorpresas de este 2018, convirtiéndose en el regreso del año en el mundo de la música.

Crítica de “Sweetener” de Ariana Grande

2DB0F9D8-529F-4655-90C1-FB85E50D71B6.jpegUna semana después de que Nicki Minaj haya publicado su nuevo álbum de estudio, su amiga Ariana Grande le ha seguido los pasos y también ha lanzado su cuarto trabajo discográfico, titulado Sweetener. El nuevo álbum de Ariana está producido principalmente por Pharrell Williams, quien trabaja por primera vez con la joven cantante, aunque también contiene producción adicional por parte de Max Martin y su habitual colaborador Ilya, los cuales fueron responsables de muchos temas de Dangerous Woman, su anterior álbum. En mi opinión, la decisión de dejar en manos de Pharrell Williams la mayor parte de la producción de Sweetener ha sido un error ya que su peculiar estilo musical no encaja con la música de Ariana, a lo que hay que añadir que el típico sonido con sintetizadores de The Neptunes ya está desfasado y obsoleto, puesto que Pharrell lleva muchos años ofreciendo a los artistas para los que trabaja el mismo tipo de canciones. Sweetener está compuesto principalmente por medios tiempos y baladas de estilo pop/R&B además de varios temas up-tempo dance-pop, y cabe destacar que Ariana ha participado en la composición de 10 de los 15 temas presentes. El single anticipo del disco ha sido No Tears Left To Cry, un tema producido por Max Martin e Ilya que comienza en forma de balada con la celestial voz de Ariana y se transforma en un marchoso tema dance-pop con influencia Funk y Disco. Este single se ha convertido en uno de los hits del 2018, ya que ha logrado el #3 en la lista de ventas americana, el debut más alto de Ariana en Estados Unidos después de su hit “Problem”, además de lograr el #1 en Australia y el top 5 en Reino Unido, Alemania, Francia o Canadá. Tras el éxito del primer single, Ariana ha lanzado God Is a Woman como segundo single del álbum, el cual se trata de un medio tiempo pop/R&B con una base rítmica influenciada por el sonido Hip-Hop/Trap. Este tema, también bajo la firma de Ilya y Max Martin, es uno de los más destacados del disco y habla del empoderamiento femenino. Sweetener está previsto que debute en lo más alto de la lista americana con 120 mil copias vendidas en su primera semana (además de los millones de reproducciones en las plataformas de streaming), lo cual supondría el tercer álbum #1 en Estados Unidos para la cantante de 25 años, ya que todos sus discos han llegado a lo más alto con la excepción de Dangerous Woman, que debutó en el #2.

Entre los temas más destacados de Sweetener se encuentran “Blazed”, uno de los más up-tempo y marchosos del álbum, que sigue el patrón típico del trillado sonido The Neptunes, sin embargo es uno de los pocos que me convencen dentro de los producidos por Pharrell, o “Borderline”, un pegadizo tema dance-pop con influencia Funk que cuenta con la presencia de la gran Missy Elliott, sin embargo el habitual valor añadido y el “buen rollo” que la rapera aporta a las canciones donde participa no está presente en este tema, ya que el rap de Missy en Bordeline suena robótico y aburrido (algo muy poco habitual en ella), dando a entender que la única razón de la presencia de la legendaria rapera en Borderline es el cheque que habrá recibido por colaborar con Ariana, con quien no muestra ninguna conexión. Encontramos una reminiscencia de los anteriores trabajos de Ariana en los temas “Everytime” y “Goodnight n Go”, dos baladas mid-tempo de estilo R&B que nos recuerdan que la Ariana romántica y vulnerable del pasado sigue presente en este álbum. Mi canción favorita del disco es “Breathin”, un marchoso tema pop guarda ciertas similitudes con su hit “Into You” (pero sin el toque electrónico y dance de este último) y no es casualidad que sea uno de los mejores temas ya que pertenece a la parte del álbum bajo la producción de Ilya, cuyo sonido ha sido influenciado por su mentor Max Martin. Sin duda el tema más decepcionante ha sido la esperada colaboración con Nicki Minaj en “The Light Is Coming”, lanzado como sencillo promocional previo a la publicación de Sweetener y que se trata de un tema eléctronico con influencia Hip-Hop que nada tiene que ver con el estilo musical de Ariana ni aporta nada a su catálogo musical.

Durante los últimos años, Ariana Grande se ha convertido en una gran estrella de la música además de una auténtica celebridad ya que posee una enorme legión de fans en todo el mundo (basta mencionar que su cuenta de Instagram supera los 125 millones de seguidores) que asegura que todos sus lanzamientos musicales sean un éxito, sin embargo hay que reconocer que Sweetener no está a la altura de sus álbumes precedentes, y aunque es meritorio el hecho de que Ariana haya querido explorar nuevos estilos musicales en este trabajo y arriesgarse con un sonido diferente del clásico R&B de sus comienzos o del dance-pop comercial de sus últimos dos discos, el resultado es que Sweetener, pese a contener algunos temas muy interesantes y mostrar una mayor madurez por parte de la cantante de Florida, en términos generales resulta monótono, predecible y poco original debido a la gran presencia de Pharrell Williams en el proyecto, quien lleva imprimiendo su particular sello musical de una manera idéntica desde hace años. No obstante, hay que destacar que los temas producidos por Max Martin e Ilya y la excepcional voz de la cantante son los puntos fuertes del álbum, lo que hacen que merezca la pena escuchar Sweetener y que el resultado final del álbum no sea negativo en absoluto. Puntuación: 7/10. Sweetener – Amazon

Crítica de “Queen” de Nicki Minaj

Queen es el título del cuarto álbum de estudio de Nicki Minaj, el cual se ha puesto a la venta el pasado 10 de agosto, en un mes lleno de novedades musicales, ya que su amiga y habitual colaboradora Ariana Grande también publicará su nuevo trabajo discográfico dentro de una semana, y su competidora Iggy Azalea lanzó su EP a principios de mes, lo cual indica que este verano está siendo bastante movido en cuanto a lanzamientos musicales. Hace unos días Nicki comentó que el lanzamiento de su nuevo trabajo podría verse complicado debido a un sample no autorizado en uno de los temas que componen el álbum, sin embargo este pequeño inconveniente ha podido ser subsanado y no se ha visto alterado el timing de publicación de Queen. Aunque este hecho no ha cambiado la fecha de publicación del álbum, lo cierto es que Queen tenía que haber sido puesto a la venta el pasado mes de junio pero la rapera de Trinidad decidió retrasar su lanzamiento para seguir grabando nuevos temas, aunque las malas lenguas comentaron que el éxito masivo de Cardi B iba a eclipsar el lanzamiento de Queen por lo que Nicki se lo pensó mejor y decidió retrasar su nuevo álbum para evitar que entrara en competencia con el exitoso Invasion of Privacy. Aunque la supuesta enemistad entre Nicki y Cardi no ha sido confirmada ni desmentida por parte de ambas raperas y se trata más de una rivalidad entre sus bases de fans que una enemistad real, lo cierto es que Nicki ha visto como la popularidad de Cardi ha crecido como la espuma los últimos meses y se ha convertido en la rapera femenina de moda, dejando a Nicki en un segundo plano (aunque sigue siendo la reina de las colaboraciones), sin embargo hay espacio para ambas dentro del mundo del Hip Hop femenino. Dejando a un lado a Cardi B y centrándonos en el aspecto musical, Queen está formado por 19 temas que cuentan con las apariciones estelares de Eminem, The Weeknd, Ariana Grande, Future, Lil Wayne y Foxy Brown. Nicki Minaj ha decidido mantener su credibilidad como artista de Hip Hop y seguir la estela musical de The Pinkprint, su anterior disco, alejándose de su coqueteo con el dance-pop del álbum “Pink Friday: Roman Reloaded”. Aunque comparte similitudes con The Pinkprint, Queen no incide tanto en baladas Hip Hop como este último y está compuesto en su mayoría por temas Hip Hop up-tempo con influencia R&B, Trap y sonidos tropicales y caribeños.

Como anticipo de Queen, la rapera de 35 años lanzó dos singles: Chun-Li y Barbie Tingz, los cuales lograron un éxito moderado en la lista de ventas de Estados Unidos, sin embargo el primero de ellos logró gran popularidad y un mayor impacto comercial, por ello fue catalogado como single oficial de Queen, y por el contrario Barbie Tingz no ha sido incluido en la edición final del álbum. Chun-Lidebutó en el top 10 de la lista americana y ha sido promocionado por parte de Nicki en varias entregas de premios y programas de TV, y unido a su original y futurista videoclip en el que Nicki se transforma en un personaje del manga japonés, este single se ha convertido en uno de los más interesantes de la temporada. En el mes de junio Nicki Minaj lanzó un sencillo promocional llamado Rich Sex, un tema Hip-Hop/Trap que cuenta con la participación de su íntimo amigo Lil Wayne, devuelve a Nicki su “street-credibility” debido a sus letras y su estilo Gangsta Rap, y recuerda a la música de la rapera Trina. Como contrapunto a este tema de carácter duro y agresivo, Nicki lanzó su segundo single previo al lanzamiento del álbum se lanzó Bed, un medio tiempo R&B/Hip-Hop en el que colabora Ariana Grande, con quien Nicki ya ha trabajado en varias ocasiones desde que coincidieron en “Bang Bang” de Jessie J. Bed comparte similitudes con “Right By My Side” del álbum Roman Reloaded, es el tema más pop y comercial de Queen y uno de mis favoritos, ya que destacan su pegadizo estribillo y la dulce voz de Ariana. Entre los temas más destacados de Queen y que tienen potencial para convertirse en futuros singles se encuentran “Majesty”, que cuenta con el Rap de Eminem y la voz del cantante Labrinth en un estribillo memorable, y nos recuerda a Pink Friday, el álbum debut de Nicki, “Hard White”, otro agresivo tema Gangsta Rap similar a Rich Sex que viene a demostrar que más allá de pelucas coloridas y looks imposibles, Nicki es una gran artista rimando y componiendo, o “Thought I Knew You”, un tema con influencia R&B alternativo donde la presencia del artista invitado, The Weeknd, acapara el protagonismo de la canción. También me han llamado la atención “Ganja Burns”, un tema Hip Hop up-tempo muy marchoso que contiene melodía Afrobeat, o “Barbie Dreams”, en el cual Nicki se inspira en un famoso tema de The Notorious BIG y cita a sus artistas de Rap favoritos de la actualidad. En resumen, Queen es un buen sucesor de The Pinkprint y merece la pena su espera de casi 4 años, sin embargo no es la obra maestra que nos pretendía vender Nicki Minaj ya que es un trabajo muy largo donde sobran unos cuantos temas, aunque con él demuestra que sigue siendo una importante figura del Hip-Hop femenino debido a sus habilidades como compositora, rapera y cantante. Puntuación: 7’5/10. Queen – Amazon