Crítica de “Wicked Lips” de Iggy Azalea

Wicked LipsEl 2019 ha sido un año bastante agridulce para Iggy Azalea. En el mes de julio publicó su esperado segundo álbum In My Defense y aunque la rapera australiana ha tenido una presencia máxima en los medios de comunicación y las redes sociales, lo cierto es que se ha hablado más de las polémicas en las que se ha visto envuelta que de sus nuevas canciones. Desde sus inicios en el mundo de la música Iggy Azalea no lo ha tenido nada fácil ya que el Hip-Hop es un coto muy cerrado y dominado principalmente por hombres y aunque en los últimos tiempos las mujeres han avanzado a pasos agigantados dentro de este género para ocupar el puesto que les corresponde, Iggy no ha tenido tanta suerte. Nicki Minaj y Cardi B se han convertido en las reinas del Hip Hop femenino durante los últimos años y han aparecido artistas muy prometedoras como City Girls, Megan Thee Stallion o Kash Doll que han recibido gran atención y apoyo del colectivo afroamericano. Sin embargo cuando una jovencísima Iggy Azalea abandonó Australia para labrarse un futuro en Estados Unidos no contó con demasiados apoyos, fue criticada por su apariencia y muchos le atacaron diciendo que una mujer blanca y rubia no podía ser una rapera creíble y fue acusada de apropiación cultural. Aunque Iggy tuvo gran éxito con varios de los singles de su primer álbum The New Classic, nunca fue aceptada mayoritariamente por el público afroamericano, de ahí que la mayoría de sus colaboradoras fueran artistas pop como Charli XCX, Rita Ora o Britney Spears. Durante los últimos meses Iggy ha estado inmersa en una rivalidad (o “beef” como se suele decir en el mundo del Hip Hop) con el veterano rapero T.I., que fue su mentor, uno de los mayores apoyos durante sus primeros años en el mundo de la música y con el que colaboró en varias ocasiones (“Change Your Life” de su álbum debut y “No Mediocre” de T.I.). Lejos quedan esos días de amistad ya que ahora se cruzan reproches e insultos a través de sus redes sociales, entre ellos la acusación de que cuando Iggy empezó a tener más éxito se centró en el público “blanco” y dio de lado a los “negros” que la ayudaron en sus inicios. Todas estas polémicas han hecho que Iggy Azalea pierda cierta credibilidad como rapera y su imagen haya estado un tanto devaluada. Su segundo álbum In My Defense fue un auténtico fracaso comercial pese a contar con singles tan potentes e interesantes como Sally Walker y Started, los cuales no lograron buenas posiciones en las listas de venta aunque sus videoclips consiguieron gran popularidad haciendo de Iggy una de las artistas contemporáneas más destacadas por el aspecto visual de su música.

En cuanto se supieron los primeros resultados en las listas de ventas de In My Defense e Iggy Azalea pudo constatar el flop de su álbum, acto seguido manifestó su descontento y frustración en las redes sociales y empezó a grabar nuevas canciones para una posible re-edición del álbum, pero más tarde cambio de opinión y decidió lanzar un EP independiente llamado Wicked Lips. Aunque estaba planeado para mediados de noviembre, el lanzamiento del EP se ha pospuesto en varias ocasiones y finalmente ha visto la luz el 2 de diciembre. Wicked Lips está formado por 4 temas, dos de ellos producidos por J. White que perfectamente pasarían por descartes de In My Defense ya que comparten el estilo de dicho álbum y otros dos por Carl Falk, quien se encarga de los temas más pop y orientados a un público más amplio. Mientras que In My Defense era un álbum Hip Hop de estilo duro y agresivo, en Wicked Lips nos encontramos con dos temas radio-friendly e influenciados por el sonido pop, en un intento por centrarse en el público que verdaderamente le apoya. Prueba de ello es que cuando la mayoría de raperos suelen colaborar con importantes artistas afroamericanos de la talla de Drake, Lil Wayne o Chris Brown, Iggy ha optado por la joven y desconocida cantante británica Alice Chater o la Drag Queen brasileña Pabllo Vittar.

El single anticipo de Wicked Lips fue Lola, un pegadizo y marchoso tema Hip Hop con cierta influencia latina que cuenta con la participación del Alice Chater, la cual acapara la atención por interpretar el llamativo y divertido estribillo de la canción. Lola está producido por Carl Falk (productor pop que le ha dado su toque más radio-friendly) junto a J. White, quien ha tratado de repetir la fórmula del hit “I Like It” de Cardi B. Recordemos que no es la primera vez que dicho productor intenta copiar a la rapera de ascendencia latina ya que tanto Sally Walker como varias pistas de In My Defense producidas por J White se basaban en la melodía de “Money” de Cardi B. El otro tema más accesible de Wicked Lips es “The Girls”, un alegato femenino en el que colabora el Drag Queen y cantante brasileño Pabllo Vittar, conocido por su apoyo a la comunidad gay y trans-género en Brasil. Aunque el estribillo es pegadizo y seguramente se convertirá en uno de los temas más populares del EP en las plataformas musicales, la estridente voz de Pablo Vittar no me acaba de convencer ni encaja con el rap de Iggy Azalea. Más interesantes me parecen “Not Important” y “Personal Problem”, que están encuadrados dentro de un Hip Hop más tradicional y parecen descartes de In My Defense por su parecido a los temas que formaban parte del mismo. En definitiva, Wicked Lips supone una continuación del estilo de su último disco pero incorpora varios temas que resultan más divertidos, pegadizos y accesibles al público masivo. En mi opinión creo que hubiera más acertado lanzar una re-edición de In My Defense con estas nuevas 4 canciones para remontar las bajas ventas del álbum de cara a la campaña navideña, sin embargo por sus diferencias con dicho álbum la rapera australiana ha decidido lanzar un EP por separado. Una lástima que se vaya a convertir en otro flop para Iggy Azalea porque Wicked Lips es una buena adición a su catálogo musical, pero visto el escaso impacto comercial del magnífico tema “Lola” no creo que el resto del proyecto obtenga mucho más apoyo del público. Puntuación: 7/10.

La esperada reunión de Pussycat Dolls

Pussycat DollsEste 2019 que pronto va a terminar será recordado como un año de nostalgia para los seguidores del fenómeno fan que vivió sus mejores momentos durante los primeros años de la década del 2000 ya que se han producido los esperados regresos de legendarios grupos que triunfaron años atrás. A principios de año, uno de los mayores exponentes del fenómeno fan de hace dos décadas, Backstreet Boys, regresaron al panorama musical con su nuevo álbum DNA tras más de 5 años de sequía musical. En el mes de abril, tras años de rumores Spice Girls volvieron a juntarse para llevar a cabo su segunda gira de reunión, con la que recorrieron Reino Unido y congregaron a 700 mil leales fans, haciendo de “Spice World 2019 Tour” una de las giras más exitosas y recaudadoras del año en Reino Unido. El pasado mes de noviembre otra de las boy-bands más queridas en Europa, Westlife, también regresaron con gira de aniversario por sus 20 años de carrera musical y publicaron nuevo álbum para deleite de sus numerosos seguidores. Y esta misma semana se ha producido sin duda el regreso más sorprendente del año y digo sorprendente por la manera en que acabaron hace años las componentes del grupo en cuestión y que nadie apostaría por verlas juntas de nuevo. Me estoy refiriendo a Pussycat Dolls, una de las girl-bands americanas más exitosas de la década pasada. Durante toda la trayectoria de Pussycat Dolls quedó claro que Nicole Scherzinger no sólo era la líder y fuerza creativa del grupo (participó en la composición de varios temas y acaparaba el micrófono casi el 100% del tiempo) sino también la única que podía hablar en las entrevistas promocionales, ya que tras la separación del grupo una de las componentes afirmó que no les permitían abrir la boca y sólo Nicole podía hacerlo. El sobre-énfasis en Nicole llegó a su punto máximo durante la promoción de Doll Domination, donde empezaron a hacerse visibles las tensiones entre ellas, por lo que a principios del 2010 las componentes relegadas a meras bailarinas y figurantes decidieron abandonar el grupo.

Centrándonos en la actualidad, esta misma semana durante una entrevista en la radio, Pussycat Dolls confirmaron su regreso como grupo y anunciaron nueva gira en abril de 2020 por Reino Unido. Además uno de los compañeros de Nicole en X Factor Celebrity confirmó que las Dolls actuarían este sábado en la final del talent-show. Lo más destacado del regreso de Pussycat Dolls ha sido que Carmit Bachar, quien abandonó el grupo tras la promoción del primer álbum ha vuelto a unirse a sus compañeras y por el contrario Melody Thornton no formará parte de la reunión debido a sus compromisos en solitario. Aunque quienes conocemos la historia de Pussycat Dolls podemos entender la decisión de Melody de no formar parte de este regreso ya que fue la única de las componentes que puso voz al malestar en el grupo y expresó su frustración ante el exceso de protagonismo de Nicole. La nueva formación de Pussycat Dolls (Nicole, Carmit, Jessica, Ashley y Kimberly) ha perdido a una de las mejores voces del grupo, Melody, quien junto a Carmit eran las únicas que tenían partes solistas en algunas canciones y contaban con cierta importancia por detrás de Nicole en los directos del grupo. En la final de X Factor Celebrity las Dolls hicieron un medley con algunos de sus mayores hits como Buttons, When I Grow Up o Don’t Cha y desvelaron un nuevo tema, React, que seguramente se lanzará como single de cara a la promoción de su próxima gira. Sin duda fue una gran actuación donde demostraron que siguen siendo unas grandes bailarinas pero Nicole volvió a dar la nota por su excesivo protagonismo.

Este “momento revival” vivido durante el 2019 no sólo ha sido un regalo a los fans por su leal apoyo a lo largo de los años, sino que el aspecto monetario ha influido sin duda en la decisión de reunirse puesto que algunos de los componentes de estos grupos no han conseguido despegar en sus carreras en solitario y han acabado participando en reality shows, que son la antesala del fracaso. En el caso de Pussycat Dolls es más que evidente ya que aunque declaren estar muy felices por reunirse de nuevo y salir de gira, lo cierto es que a excepción de Nicole ninguna de ellas ha logrado despuntar en solitario e incluso la propia Nicole ha dedicado más tiempo a su trabajo como jueza en numerosos talent-shows que a lanzar nueva música. Sean cuales sean los verdaderos motivos, como fan de Pussycat Dolls que me considero, ha sido un gran motivo de alegría la reunión del grupo.

One I’ve Been Missing, la apuesta navideña de Little Mix

Little MixCon la llegada del periodo navideño muchos cantantes deciden lanzar sus trabajos discográficos e intentan rentabilizar esta entrañable época ya que durante el mes de diciembre las ventas de discos se disparan. Además a raíz del tremendo éxito que obtiene Mariah Carey cada año gracias a sus populares villancicos y sus show navideños, numerosos artistas han probado suerte lanzando sus propias canciones navideñas, como es el caso de Little Mix, las protagonistas de este post. El año pasado, el cuarteto femenino publicó su quinto álbum de estudio, LM5, que pese a haber tenido un desempeño comercial positivo en Reino Unido observó una severa caída de ventas con respecto a su anterior disco, en parte por estar respaldado sólo por un single de éxito, Woman Like Me, ya que el siguiente sencillo fracasó en la lista de ventas británica. Este hecho unido a una estrategia comercial desafortunada y la ruptura de Little Mix con su discográfica de siempre, hicieron de la era LM5 una de las menos exitosas y memorables de la carrera de Little Mix. Tras un abrupto cese en la promoción del LM5, el grupo femenino lanzó en el mes de mayo un nuevo single no perteneciente al álbum, Bounce Back, el cual entró por los pelos en el top 10 de Reino Unido pero no logró captar excesiva atención por parte del público. Con una popularidad a la baja, Little Mix se embarcaron el pasado mes de septiembre en una gira por Europa y Reino Unido para promocionar el fallido LM5 que les ha mantenido ocupadas hasta el 22 de noviembre, que ha sido precisamente la fecha de lanzamiento de su nuevo single navideño. One I’ve Been Missing es el título del tema con el que Little Mix pretenden lograr el esperado #1 navideño en Reino Unido, el cual desde siempre ha resultado muy cotizado y valorado por los artistas británicos. Leigh-Anne (una de las componentes del grupo) ha participado en la composición de esta bonita balada mid-tempo que nos transporta al Soul de los años 70 y destaca por las perfectas harmonías entre las 4 chicas de Little Mix. “One I’ve Been Missing” recuerda a las clásicas baladas del grupo y es una buena manera de terminar un año un tanto descafeinado para el grupo e intentar obtener su pedazo de tarta del jugoso periodo navideño.

High Road, el regreso de Kesha

KeshaTras el drama ocurrido entre Kesha y su ex-productor Dr. Luke, en 2017 regresó con su tercer álbum de estudio, Rainbow, en el que abandonaba su habitual sonido electro-pop, sus marchosas canciones sobre salir de marcha y pasarlo bien y su excéntrica imagen de party-girl. En Rainbow, Kesha no sólo evolucionó hacia sonidos tan diferentes como el Country, el rock o el folk, sino que mostró su madurez al relatar la montaña rusa en que se convirtió su vida los últimos años, ya que sufrió un desorden alimenticio, pasó por un centro de rehabilitación y atravesó duros problemas personales y profesionales debido a su ardua batalla contra Dr. Luke, al que no sólo culpó de impedirle lanzar nueva música sino que le acusó de abusos sexuales y maltrato psicológico. Pese a resultar muy diferente al estilo de Animal y Warrior, sus dos primeros álbumes, Rainbow recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales y debutó en el #1 de la lista americana. Aunque el público y muchos personajes públicos se solidarizaron con Kesha y se posicionaron a su favor, lo cierto es que por el camino perdió a millones de seguidores que preferían a la Kesha desenfadada y “petarda” en vez de la artista sobria y madura de Rainbow. Con una mayor credibilidad como artista pero una popularidad a la baja, la cantante californiana ha regresado este año con nueva música y ha anunciado que en enero de 2020 verá la luz su cuarto álbum de estudio, High Road. En octubre Kesha lanzó el single anticipo de su nuevo proyecto, Raising Hell, y desde la primera escucha pudimos notar que Kesha había regresado a su lado más marchoso y alegre, pero no al extremo de su hit “Tik Tok”, sino que mezclaba el estilo bailable de su álbum debut con un toque más orgánico e instrumental característico de Rainbow. Raising Hell es un tema dance-pop con influencias Gospel y Country que cuenta con la colaboración del peculiar artista Big Freedia y está acompañado de un original videoclip en el que Kesha se convierte en una telepredicadora y vuelve a mostrar su lado divertido y excéntrico de siempre. Si la cantante pretendía recuperar a los fans de sus inicios y mantener a los nuevos, lo cierto es que no ha conseguido ninguno de sus objetivos ya que Raising Hell no ha entrado en las principales listas de venta y se ha convertido en uno de los mayores flops del año. Tras este comienzo tan desafortunado de la era High Road, Kesha ha lanzado un nuevo single, My Own Dance, que se trata de un divertido tema electro-pop compuesto junto a Justin Tranter y producido por John Hill. En “My Own Dance” la cantante parece haber vuelto a su imagen de chica fiestera pero confiesa que ya no es la marioneta de nadie ni cometerá los mismos errores del pasado, toda una declaración de intenciones por parte de Kesha y un dardo envenenado hacia Dr. Luke.

Crítica de “Songs For You” de Tinashe

tinashe-songs-for-youDesde sus inicios en el mundo de la música, Tinashe fue considerada una prometedora figura del R&B alternativo gracias a sus primeras mixtapes, las cuales fueron aclamadas por la crítica por sus habilidades como compositora y cantante y su vanguardista estilo e incluso fue comparada con la gran Aaliyah. Su primer álbum de estudio, Aquarius, llegó en 2014 y aunque permanecía dentro de su habitual sonido R&B alternativo, tenía una dirección R&B/pop más comercial que fue nuevamente muy bien recibida por los expertos musicales y tuvo un moderado resultado comercial. Nightride iba a ser su segundo disco, sin embargo debido a las diferencias creativas de la joven cantante con su discográfica sólo fue lanzado de manera digital y no contó con apenas promoción, por lo que Joyride fue considerado su segundo álbum oficial. Aunque Joyride marcaba una evolución en la música de la cantante y contaba con temas muy interesantes, resultó un fracaso comercial y ninguno de los singles contó con apoyo por parte del público. A principios de año Tinashe rompió con su discográfica RCA debido a diferencias creativas (aunque la escasez de promoción de sus últimos trabajos también la motivaron a dejar dicha discográfica) y anunció que su nuevo álbum vería la luz este mismo año. Y así ha sido, ya que esta misma semana se ha publicado Songs For You, su tercer álbum de estudio y el primero lanzado de manera independiente bajo su propio sello. Songs For You está compuesto por 15 temas encuadrados dentro del R&B con influencias electro-pop y del R&B alternativo, todos ellos compuestos por la propia Tinashe y con la producción de Hitmaka entre otros. El single anticipo ha sido Die a Little Bit, un tema de sonido “underground” que mezcla electro-pop, dance-pop y R&B, cuenta con la colaboración de la rapera británica Ms Banks y habla de pasarlo bien en la pistas de baile, olvidar los problemas y beber mientras “mueres un poco”. Die a Little Bit nos recuerda al sonido que tenían sus primeras mixtapes y no nos extraña ya que al abandonar su discográfica y asumir de nuevo el control creativo de su carrera ha podido regresar a sus orígenes más indie y alternativos y mostrar sus verdaderas aspiraciones musicales. Tras esta arriesgada apuesta por parte de Tinashe, ha vuelto a su zona de confort con Touch & Go, un medio tiempo R&B alternativo con la participación del rapero 6lack que cuenta con una interesante instrumentación de violines al final de la canción. 

Entre los temas más destacados de Songs For You se encuentran “Feelings”, un bonito medio tiempo R&B que abre el álbum, “Life’s Too Short”, otro tema mid-tempo R&B de sonido electrónico, “Perfect Crime”, un marchoso tema que recuerda a la Janet Jackson de los 90, “Link Up”, uno de los temas más Hip Hop del álbum, “So Much Better”, que cuenta con la participación de G-Eazy o “Remember When”, una balada muy personal de estilo pop con melodía de guitarra. En definitiva, muchas expectativas estaban puestas en Tinashe debido a sus prometedores inicios, pero han pasado los años y aunque se ha hecho un hueco dentro del género R&B no ha logrado despuntar pese a su indudable talento, en parte por los conflictos con su discográfica y la escasez de promoción de sus trabajos, pero también porque ésta no ha sabido cómo presentar al público a Tinashe, si como una cantante de R&B alternativo o como una pop-star, de ahí que su carrera haya ido dando bandazos y no haya conseguido el éxito que merece. Centrándonos en Songs For You, estamos ante uno de los álbumes más sólidos dentro del R&B lanzados este año, ya que cuando Tinashe asume el control creativo de su música (y se deshace de las limitaciones que te impone una multinacional) es capaz de ofrecernos su trabajo más vulnerable y personal. Lástima que este tipo de música no llegue al público masivo ya que Tinashe es una de las mejores cantantes y compositoras de su generación. Puntuación: 7/10.

Crítica de “Spectrum” de Westlife

westlife-album-SpectrumEste 2019 se está convirtiendo en el año de los grandes regresos ya que varios cantantes y grupos que habían estado alejados del panorama musical durante años han decidido lanzar sus nuevos álbumes y poner fin a su sequía musical. Uno de los grupos que han regresado ha sido Westlife, la icónica boy-band que triunfó en la década del 2000 en Europa y que cumple en 2019 sus 20 años en el mundo de la música, aunque durante los últimos años se tomaron un respiro como grupo y se centraron en sus carreras en solitario y otras actividades. Durante los últimos meses Westlife han recorrido Gran Bretaña con una extensa gira que celebra sus 20 años como grupo y en la que repasan sus grandes éxitos, que son muchos debido a la larga trayectoria de la icónica boy-band. Además de Reino Unido e Irlanda, The Twenty Tour también ha recorrido Asia, ya que en China, Indonesia o Filipinas tienen millones de seguidores y son uno de sus principales mercados musicales. Westlife debutaron en 1999 (un año en el que el fenómeno fan vivía su momento álgido) con su álbum de título homónimo, con el que consiguieron 5 singles #1 en Reino Unido y desde entonces publicaron 9 álbumes de estudio más, de los que 8 de ellos fueron #1 en su nativa Irlanda y 6 en Reino Unido, lo que denota el alto grado de éxito que obtuvieron en tierras británicas. Durante su extensa trayectoria Westlife han conseguido 13 singles #1 en Reino Unido y vendido más de 50 millones de discos y singles en todo el mundo, principalmente en Europa, por lo que podríamos considerarlos el equivalente de Backstreet Boys en Estados Unidos. Sin embargo, como he comentado en varias ocasiones, muchos de los cantantes y grupos de la “antigua escuela” que surgieron durante la época de los CD’s físicos no han sabido adaptarse a la era digital y en materia de streaming no han logrado tan buenos resultados, por lo que sus ventas se han reducido considerablemente. Westlife han sido un claro ejemplo, ya que con sus 6 primeros álbumes consiguieron gran éxito pero a finales de la década pasada iniciaron un espiral decreciente en su popularidad y su viabilidad comercial se redujo de manera dramática, acentuada por el fin de la era de las grandes “boy bands”, cuyos únicos representantes a ambos lados del Atlántico son Backstreet Boys y Westlife.

En 2012, tras la moderada acogida de sus últimos álbumes y cuando el globo de su éxito se estaba deshinchando, el cuarteto se separó de manera temporal y no regresaron hasta el año pasado, cuando se reunieron para grabar nuevas canciones y preparar su vigésimo aniversario como grupo. Este mes de noviembre, 20 años después de su disco debut “Westlife”, ha visto la luz el décimo álbum de estudio del grupo, titulado Spectrum, pero con una estrategia promocional muy diferente a la de sus inicios (y con diferentes resultados) ya que los tiempos han cambiado y deben adaptarse a las nuevas reglas de la industria musical. Desde principios del año Westlife ha ido lanzado numerosos singles con antelación a la publicación del álbum, una de las señas de identidad en la era del streaming. El single presentación del disco fue Hello My Love y aunque podríamos pensar que el regreso de Westlife sería a través de una de sus clásicas baladas románticas (que han sido su seña de identidad) se trata de un alegre y marchoso tema dance-pop compuesto por Ed Sheeran y Steve Mac y producido por éste último, quien ha sido responsable de la mayoría de los hits del grupo. A pesar de la larga ausencia de Shane, Mark, Kian y Nicky en el mundo de la música, Hello My Love no pareció despertar mucho interés por parte del público, sin embargo fue #2 en su nativa Irlanda y obtuvo un moderado puesto #13 en Reino Unido (aunque fue #1 en ventas físicas, lo que denota que sus leales fans siguen apoyándolos de manera masiva). Tras este modesto regreso Westlife nos ofrecieron lo que todos los seguidores estábamos esperando: una balada romántica de corte tradicional, Better Man, en la que podemos apreciar que aunque hayan pasado muchos años, siguen teniendo unas magníficas voces y una gran harmonía juntos. Pese a ser una de las mejores baladas pop del año, Better Man ha tenido un impacto comercial muy tibio y apenas ocupó el #8 en la lista irlandesa y #26 en Reino Unido (#1 en ventas de CD singles físicos). En verano Westlife siguieron desgranando temas de Spectrum y eligieron como tercer single Dynamite, un bailable tema dance-pop y electro-pop producido por Steve Mac del que fueron lanzados posteriormente varios remixes para incrementar las bajas ventas iniciales del single. Dynamite ha sido el tema que menor impacto comercial ha tenido de los 3 lanzados hasta el momento y se convirtió en el único single de Westlife que no entra en la lista británica. Como cuarto single previo al lanzamiento del álbum se lanzó My Blood, una bonita balada mid-tempo de estilo synth-pop en la que regresan a su zona de confort y nos hablan de su papel como padres y cómo sus familias les han enseñado a ser mejores personas y padres (recordemos que en la actualidad los componentes de Westlife rondan los 40 años y todos ellos tienen hijos). Sin duda una de las canciones más emotivas y sinceras de Spectrum. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado otro sencillo promocional, Without You, que se trataba de una canción de amor que comenzaba de manera sosegada con melodía de guitarra para transformarse en un marchoso tema pop up-tempo.

Pese al amplio lapso de tiempo sin música nueva por parte del grupo irlandés, los 11 temas que componen Spectrum resultan un tanto escasos, sin embargo se trata de un buen trabajo que demuestra porqué son unos auténticos supervivientes del fenómeno fan de principios del milenio. Ed Sheeran y Steve Mac han sido los responsables de la mayoría de temas que componen Spectrum, aunque también han participado Ryan Tedder, la talentosa compositora inglesa Kamille y cabe destacar que Mark y Shane (los vocalistas principales de Westlife) han participado en la composición de dos temas del álbum. Aparte de los 4 singles, que son las mejores canciones de Spectrum, merece la pena destacar también “Dance”, la aportación de Ryan Tedder, que se trata de un marchoso tema dance-pop, la balada pop/R&B de desamor “One Last Time”, que es otro de los temas que Steve Mac y Ed Sheeran han creado para Westlife y una de las mejores baladas presentes en el disco, el bailable “Take Me There” que resulta similar al single Dynamite, o “L.O.V.E.” que tiene un sonido Tropical House muy actual y cuenta con la participación de Mark y Shane en la composición del tema. En definitiva, con Spectrum el legendario grupo irlandés regresa a sus orígenes pop con sus clásicas baladas aunque incorpora marchosos temas dance-pop adaptados a nuestros días y supera con creces la calidad de sus dos últimos discos de estudio. Con este álbum seguramente Westlife no conseguirán atraer nuevos seguidores, sin embargo sus fieles fans estarán encantados de volver a escuchar canciones de una de las mejores boy-bands de todos los tiempos. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de “Courage” de Céline Dion

70705808_10156396351126651_2429050670154776576_nDurante su larga trayectoria musical Céline Dion ha sido conocida por alternar discos en francés e inglés para satisfacer tanto a sus leales fans francófonos como al mercado anglosajón y por esta razón puede parecer que la cantante canadiense tarda una eternidad entre el lanzamiento de un álbum y otro. En 2016, tras la trágica muerte de su marido y su hermano en la misma semana, Céline publicó su último álbum en francés, Encore Un Soir, el cual fue muy bien recibido por el público y la crítica y obtuvo unas ventas considerables, sin embargo para remontarnos a su último disco de estudio en inglés nos tenemos que trasladar hasta 2013 cuando vio la luz Loved Me Back To Life, un álbum que profundizaba en el sonido pop/R&B, resultaba más sosegado que su anterior álbum en inglés, recibió buenas opiniones de los expertos musicales y tuvo un desempeño comercial notable, lo cual es muy destacable para una artista que lleva más de 4 décadas en el mundo de la música. Teniendo en cuenta que los escasos álbumes lanzados por Céline Dion durante esta década han resultado muy sólidos y comercialmente exitosos, muchas expectativas estaban puestas en el nuevo disco de la veterana cantante. Tras finalizar su segunda residencia de conciertos en Las Vegas, la cantante de Quebec desveló Flying On My Own, un nuevo tema perteneciente a su próximo trabajo, también confirmó sus planes de salir de gira por todo el mundo y anunció el lanzamiento de su nuevo disco en inglés, Courage, que ha visto la luz esta misma semana. El Courage World Tour comenzó en Canadá el pasado mes de septiembre y en octubre Céline nos ofreció tres sencillos promocionales (Courage, Imperfections y Lying Down) para abrir boca antes de la inminente publicación de su disco. Courage es un gran trabajo en todos los sentidos, no sólo por la gran extensión del mismo, ya que cuenta con 16 temas en su versión estándar y 20 en la deluxe, sino por su calidad, que lo sitúa a la altura de sus mejores álbumes más recientes. De los 3 temas que Céline Dion nos presentó el mes pasado, Imperfections fue elegido como single presentación. Este tema mid-tempo pop habla de la auto-crítica y en él Céline admite sus propios errores e imperfecciones. Más interesante resultaba Lying Down, que se trata de una épica balada de tintes electrónicos que habla de salir de una relación tóxica y cuenta con la mejor ejecución vocal de Céline dentro del álbum. Está compuesta por Sia y producida por David Guetta, quien pese a estar especializado en crear temas Dance/House en esta ocasión ha ofrecido a Céline una de sus mejores baladas de los últimos tiempos. El tema que da título al álbum, Courage, ha sido otro de los sencillos promocionales que han apoyado la promoción del disco y se trata de una emotiva balada a piano muy intimista en la que la voz de Céline no destaca especialmente, sin embargo más interesante resulta la letra de la canción, donde la cantante pide que no le abandone el coraje para afrontar los malos momentos y relata lo duro que resulta la pérdida de un ser querido (una clara referencia a la muerte de su marido René Angélil).

El primer tema que conocimos del álbum, Flying On My Own, es un potente tema de estilo EDM dirigido a las pistas de baile y quizás desentona dentro del álbum ya que es mucho más up-tempo que el resto de los temas de Courage, pero resulta muy interesante y nos devuelve a la Céline bailable y marchosa que hace muchos años que no veíamos. Es un hecho conocido y admitido por la propia Céline Dion que ella no compone sus propias canciones por lo que siempre se rodea de un gran equipo de compositores y productores como en este caso Jörgen Elofsson, Eg White, Greg Kurstin, Sia Furler, StarGate o The Stereotypes entre otros. Courage está compuesto en su mayoría por medios tiempos y baladas de estilo pop encuadrados dentro del formato adult contemporary y con influencia R&B, Country y Soul. Aunque es imposible hacer review de todos los temas de un álbum tan extenso como Courage intentaré destacar las canciones más llamativas e interesantes del decimosegundo álbum en inglés de la cantante canadiense. “Change My Mind” es una de mis canciones favoritas de Courage y se trata de un medio tiempo de sonido muy minimalista y con cierto aroma Country y soft-rock en el que podemos observar que las extraordinarias habilidades vocales de la cantante siguen estando presentes. La trágica pérdida de René es uno de los temas recurrentes del álbum y la emotiva balada producida por StarGate “For The Lover That I Lost” resulta un gran homenaje a su marido, manager y mentor. “Nobody’s Watching” es un medio tiempo producido por Jörgen Elofsson con influencias Country en el que Céline declara que le gusta bailar como si nadie la estuviera mirando, pero en realidad es un himno a la auto-aceptación. Uno de los temas más rítmicos dentro del carácter sosegado del álbum es “Baby”, un medio tiempo synth-pop/R&B compuesto por Sia, que ha participado en la composición de varios temas de Courage y cuenta con la producción de Greg Kurstin. También resulta muy interesante la balada mid-tempo producida por The Stereotypes “How Did You Get Here” gracias a su original melodía retro con un gran uso de instrumentos e inspirada en el sonido Blues. En el medio tiempo pop/R&B “Lovers Never Die” Céline trata el tema del desamor y relata cómo tu amante te dice adiós pese a que “los amantes nunca mueren”.

Courage no resulta un álbum tan marchoso y llamativo como lo eran A New Day Has Come o One Heart, donde encontrábamos a una Céline más bailable y adaptada a los gustos del público masivo, sin embargo en este trabajo la cantante canadiense a través de sus canciones nos muestra su lado más sereno y maduro ya que se encuentra en una etapa vital muy diferente tras haber perdido al gran (y único) amor de su vida. En definitiva, Courage es un álbum atemporal que no se sube al carro de las modas musicales imperantes en la actualidad y se suma al excelente catálogo musical de la veterana cantante. Aunque en su conjunto no existen temas que resulten especialmente llamativos u originales, ninguno desentona o resulta prescindible y las letras acerca la superación personal, la perseverancia y la auto-aceptación pasan al primer plano junto con la excelente voz de Céline, que permanece inalterada a pesar del transcurso de los años. Dentro de Courage hay baladas espectaculares como “Lying Down” que pasarán a formar parte del asombroso legado musical de Céline Dion. Puntuación: 8/10.