Crítica de “Hurts 2B Human” de Pink

pink-hurts-2b-human-thatgrapejuice-600x600Teniendo en cuenta la maratoniana gira en la que se encuentra inmersa Pink, con la que ha recorrido de manera extensa Estados Unidos y Australia para promocionar su anterior álbum Beautiful Trauma, su regreso al panorama musical con nuevo trabajo discográfico ha llegado antes de lo que todos podríamos pensar. Hurts 2B Human es el título del octavo álbum de estudio de Pink, que se puso a la venta el pasado día 26 de abril, apenas año y medio después del lanzamiento de Beautiful Trauma, el cual recibió críticas muy variadas por parte de los expertos musicales pero obtuvo una gran respuesta comercial, alcanzando el #1 en las listas de venta de Estados Unidos, Reino Unido o Australia entre otros. Musicalmente hablando, Hurts 2B Human resulta muy similar a su anterior álbum, en el que abandonó su habitual estilo pop-rock para centrarse de lleno en el pop, con varias canciones encuadradas dentro del dance-pop y el electro-pop, sin embargo en lo que respecta a las letras, este nuevo álbum resulta más optimista que Beautiful Trauma. El single presentación del álbum ha sido Walk Me Home, un tema pop de estilo muy similar a los que encontrábamos en su anterior disco y que contiene el característico estribillo de Pink con coro creciente. Este tema ha sido compuesto por Pink junto a Nate Ruess (con quien ya colaboró en el single Just Give Me a Reason) y destaca por su mensaje inspirador y su naturaleza de himno, pero a diferencia de otros primeros singles de Pink no engancha tanto ni resulta original, y eso se ha notado en la reacción por parte del público, ya que Walk Me Home ha ocupado posiciones muy discretas en las listas de venta de todo el mundo, obteniendo su mejor puesto en Reino Unido, donde ha sido #8, y en Australia, donde ha ocupado el #12, una posición muy baja teniendo en cuenta la excepcional acogida que tiene la cantante en dicho país.

Para este trabajo, Pink ha contado con varios de sus habituales colaboradores, como Max Martin y Shellback, quienes han contribuido con “(Hey You) Miss You Sometime”, un enérgico tema electro-pop en el que la voz de la cantante aparece sintetizada, Greg Kurstin, que ha producido “Courage”, un bonito medio tiempo pop que resulta uno de los momentos más emotivos, o Billy Mann en la balada casi acústica que cierra el álbum, “The Last Song of Your Life”. Sin embargo Alecia Moore (el verdadero nombre de Pink) ha decidido trabajar por primera vez con otros productores como por ejemplo Ryan Tedder, que ha contribuido con “Can We Pretend”, un tema dance-pop que resulta uno de los más alegres y optimistas del disco, o el desconocido Odegard, quien ha sido el responsable de “Hustle”, un marchoso tema pop de estribillo pegadizo e influencia folk (mi canción favorita del álbum y que será el siguiente single). Uno de los pocos temas que conserva el característico estilo pop-rock de Pink es “We Could Have It All”, producido por Greg Kurstin y uno de los más up-tempo del álbum. Hurts 2B Human cuenta con varios artistas invitados, como la promesa del R&B Khalid, quien colabora en el tema que da título al disco y se trata de una emotiva balada mid-tempo con influencia Soul/R&B, o el cantante de Country Chris Stapleton que participa en la balada “Love Me Anyway”, la cual destaca por ser la primera canción producida totalmente por la propia Pink.

Como gran seguidor de Pink que me considero desde sus inicios en el mundo de la música, cada vez que la cantante lanza nuevo álbum es motivo de alegría y en esta ocasión no ha sido menos ya que Hurts 2B Human cuenta con varias canciones muy interesantes, sin embargo no ofrecen nada nuevo ni original al panorama musical y resultan muy similares a las presentes en Beautiful Trauma. Aunque Hurts 2B Human no sea el mejor álbum de su trayectoria, sí es una buena adición al amplio catálogo musical de Pink, y lo cierto es que me ha gustado más que Beautiful Trauma en su primera escucha. Aunque la Pink de pelo rosa que cantaba R&B siempre será mi favorita, lo cierto es que el estilo que mejor se adapta a ella es el pop-rock más marchoso que la ha acompañado durante muchos años y numerosos discos, sin embargo en esta última etapa la hemos visto caminar por una senda más pop que a muchos no les ha acabado de convencer, pero es obvio que la cantante de 39 años y madre de dos hijos ha madurado y dejado atrás su lado más rebelde e inconformista. Canciones imprescindibles: Hustle, Courage, Hurts 2B Human, Can We Pretend y Walk Me Home. Puntuación: 7’5/10.

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Throwback Review: “Read My Lips” de Sophie Ellis-Bextor

Sophie_Ellis-Bextor_-_Read_My_LipsTras pertenecer al grupo indie Theaudience a finales de los años 90, la cantante británica Sophie Ellis-Bextor hizo su debut en solitario en el año 2000 colaborando con el DJ Spiller en el tema “Groovejet”, el cual resultó un éxito en Reino Unido, donde alcanzó el #1 en la lista de ventas, además de en Australia e Irlanda. Tras la participación de la cantante inglesa en este tema, decidió comenzar la grabación de su primer álbum de estudio en solitario, llamado Read My Lips, el cual vio la luz en agosto de 2001. Para su álbum debut, Sophie Ellis-Bextor abandonó el estilo indie y rock presente en sus inicios en el mundo de la música para adoptar un sonido más comercial y bailable, en concreto una mezcla de electro-pop y dance-pop con influencias del sonido Disco de los 80, conformando un disco enfocado a las pistas de baile. El single presentación del álbum fue la versión del tema de Cher Take Me Home, al cual Sophie cambió ciertas partes de la composición dándole un toque más sexual que no acabó de convencer a la veterana cantante, la cual no quedó nada satisfecha con los cambios en su canción. Pese a dicha controversia, este marchoso tema dance-pop y Disco gozó de buena acogida en Reino Unido, donde alcanzó el #2. Pero sin duda fue el segundo single el que acaparó más atención por parte del público debido a sus peculiares letras y su pegadizo ritmo. Me estoy refiriendo a Murder on the Dancefloor, un marchoso tema dance-pop con influencia Disco que recibió buenas críticas de los expertos musicales y tuvo una gran respuesta comercial, convirtiéndose en el single más exitoso del álbum y unos de los temas más carismáticos de toda la carrera de la cantante. Murder on the Dancefloor fue #2 en la lista de singles de Reino Unido y ocupó el top 5 en los principales mercados musicales como Canadá, Australia, Francia o Italia. Como tercer single en Reino Unido se lanzó Get Over You junto a Move This Mountain como single de doble cara A, mientras que a nivel internacional se lanzó únicamente el primero de ellos. Move This Mountain pertenecía originalmente al álbum, sin embargo Get Over You era un nuevo tema que fue añadido a la re-edición de Read My Lips. Get Over You es un pegadizo tema electro-pop y dance-pop que se convirtió en otro éxito para Sophie en la lista británica de singles, alcanzando el #3, y también gozó de buena acogida en Australia o España, donde ocupó el top 10.

En contraste al resto de marchosos singles lanzados, el otro tema perteneciente al single de doble cara A lanzado en Reino Unido era Move This Mountain, una balada electrónica y el momento más sosegado del álbum. Como cuarto y último single se extrajo Music Gets the Best of Me, la otra canción inédita perteneciente a la re-edición de Read My Lips. Este tema dance-pop con influencia House era uno de los más up-tempo del álbum, sin embargo debido a su carácter poco original obtuvo una respuesta comercial más moderada, alcanzando únicamente el #14 en Reino Unido. Mientras que los singles lanzados tenían un sonido dance-pop/Disco y carácter up-tempo, del resto del álbum dominaban los temas electro-pop como “Lover”, “Sparkle” o “By Chance” aunque también podíamos encontrar marchosos temas dance-pop como “The Universe Is You”. Read My Lips debutó en el #2 de la lista británica de álbumes y acabó siendo certificado doble platino por ventas superiores a las 800 mil copias, y también cosechó cierto éxito en Australia o Alemania, donde fue top 10. Gracias a este álbum descubrimos a una de las cantantes británicas más elegantes, con mayor personalidad y sentido del humor, además de una gran vocalista y un ejemplo en la perfecta pronunciación del acento británico. Sin duda Read My Lips fue uno de los mejores álbumes de dance-pop y electro-pop de la primera década del 2000.

Madame X, el esperado regreso de Madonna

madamex“Madame X es una agente secreta que viaja alrededor del mundo, cambia de identidad, lucha por la libertad y trae la luz a lugares oscuros. Ella es una instructora de cha cha cha, una profesora, una jefe de estado, una ama de casa, una amazona, una prisionera, una estudiante, una maestra, una monja, una cantante de cabaret, una santa, una prostituta”. Estas son las palabras que ha publicado Madonna durante las últimas semanas en sus redes sociales, además de varias imágenes con las que confirma el lanzamiento de su nuevo trabajo discográfico, titulado Madame X y que se pondrá a la venta el próximo 14 de junio. El decimocuarto disco de estudio de Madonna se trata de un álbum conceptual grabado durante estos últimos años mientras ha estado viviendo en Portugal, y contará con la producción de Mirwais Ahmazdaï, con quien ya trabajó de manera extensa en los discos Music y American Life, y por última vez en un tema de Confessions on a Dancefloor. Madonna ha estado últimamente muy activa en las redes sociales y nos ha desvelado varios detalles de Madame X, entre ellos que estará formado por 13 temas en su edición estándar y 15 en la deluxe, cada uno con una portada diferente, y contará con varios artistas invitados: Maluma (quien participa en dos temas del álbum), el rapero Quavo, la cantante brasileña Anitta y el artista de Hip-Hop Swae Lee.

El single presentación del álbum es un dueto con el artista colombiano Maluma llamado Medellín, que es la cuidad donde nació el famoso cantante de reggaeton. El tema en cuestión resulta bastante extraño en la primera escucha ya que las partes cantadas por Madonna son de estilo electro-pop con un sonido ambiental y la voz de la cantante muy sintetizada, mientras que cuando interviene Maluma el tema aumenta de ritmo e incorpora sonido latino, percusión tribal e influencia de reggaeton. En Medellín, Madonna nos cuenta que tras tomar una pastilla cae en un sueño que le transporta a cuando tenía 17 años, antes de alcanzar la fama, pero al despertar se encuentra en Medellín, donde Maluma le canta en español e intenta seducirla con su encanto y todas las bondades de este paraíso latino. En este tema, la Reina del Pop repite en varias ocasiones “1, 2, cha cha cha”, por lo que suponemos que está adoptando la personalidad de instructora de cha cha cha dentro de todas las identidades que posee la enigmática Madame X. Las opiniones del público hacia Medellín han sido muy diversas, y mientras algunos observan una gran química entre ambos artistas y una nueva re-invención musical por parte de Madonna, otros afirman que el tema no acaba de enganchar, está muy por debajo de los estándares de calidad de la veterana cantante y se ha subido al carro de lo latino demasiado tarde. Tendremos que esperar a junio para poder escuchar más canciones de Madame X y hacernos una idea más global de este ambicioso proyecto.

Crítica de “Love” de Marina

MARINA_LOVEMarina Diamandis, conocida artísticamente como Marina and the Diamonds, está de vuelta en el panorama musical tras varios años sin lanzar nuevas canciones. Después de la promoción de su tercer álbum de estudio, Froot, publicado en 2015, la cantante galesa decidió tomarse un tiempo de descanso para encontrarse a sí misma y desconectar del estresante ritmo de trabajo, aunque realizó varias colaboraciones esporádicas con otros artistas. Marina tenía pensado publicar a finales de abril su cuarto álbum de estudio, Love + Fear, el cual está compuesto por 16 canciones divididas en dos partes diferenciadas, pero tras desvelar varios singles de la primera parte del disco, ha decidido lanzar “Love” antes de lo previsto, concretamente el pasado día 8 de abril. Para este nuevo proyecto, la artista de origen griego se ha desprendido de la coletilla “and the Diamonds” que la ha acompañado durante toda su trayectoria y ahora su nombre artístico es simplemente Marina, dando a entender que ha dejado atrás los artificios de épocas pasadas y ahora muestra su verdadera identidad como persona y artista. Además para esta nueva era musical, Marina ha mostrado una imagen más natural y visiblemente más delgada. A finales del año pasado, Marina colaboró con Clean Bandit en Baby, un marchoso tema de inspiración latina que suponía la segunda colaboración de la cantante con el grupo inglés. Este pegadizo tema latin-pop, que contaba con la colaboración del artista puertorriqueño Luis Fonsi, también será incluido en Love, la primera parte del nuevo trabajo de Marina, aunque resulta más up-tempo, comercial y bailable que el resto de los temas presentes en el álbum.

El single presentación de este proyecto fue Handmade Heaven, una balada introspectiva de estilo synth-pop que recordaba a la Madonna de “Ray of Light”. Debido a su naturaleza poco comercial (a diferencia de sus primeros singles, que suelen ser marchosos y bailables) la respuesta del público ha sido muy tibia y apenas ha tenido repercusión en las listas de venta. El siguiente sencillo fue Superstar, un medio tiempo electro-pop en el que Marina alterna su voz grave con la aguda, y pese a tener algo más de ritmo que el primer single tampoco acaba de enganchar. Tras el moderado recibimiento de los dos primeros sencillos, Marina optó por un tema más alegre y pegadizo, Orange Trees, el cual estaba influenciado por el sonido Tropical House y resultaba más up-tempo y comercial. Sin duda, Orange Trees sí es el tema de regreso que todos esperábamos de Marina por lo que hubiera sido la mejor opción como single presentación del álbum. Love es un álbum que nos ofrece un mensaje positivo sobre amar a los demás y a nosotros mismos, y dentro de él destacan “Enjoy Your Life”, un marchoso tema electro-pop en el que Marina nos anima a centrarnos en todo lo positivo que nos ofrece la vida, “True”, el tema más pegadizo y up-tempo del álbum y quizás el que más nos recuerda a la Marina bailable del pasado, o la balada electro-pop “End of the Earth”. La reacción del público hacia “Love” ha sido muy moderada aún teniendo el cuenta el gran lapso de tiempo que ha pasado desde que Marina publicó su último álbum, y muchos seguidores se han mostrado decepcionados con el regreso de la cantante galesa, ya que las canciones presentes en la primera parte del álbum no están a la altura de sus anteriores trabajos Electra Heart o Froot, y eso teniendo en cuenta que “Love” parece ser la parte más comercial y animada de este proyecto, por lo que habrá que esperar al 26 de abril para conocer el estilo de “Fear” y poder valorar el proyecto en su totalidad. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de “My Happy Place” de Emma Bunton

91JbBgJAoTL._SS500_El 24 de mayo dará comienzo la segunda gira de reunión de Spice Girls, y aunque no contará con la presencia de Victoria Beckham ni será tan extensa como lo fue The Return of the Spice Girls Tour (que contó con casi 50 conciertos y recorrió las principales ciudades de Estados Unidos, Canadá y Europa) sí permitirá a los fans británicos disfrutar de posiblemente la última gira que lleve a cabo el legendario grupo de los 90. Mientras tanto, sin anuncio de música nueva por parte de las chicas picantes y para hacer más corta la espera hasta que empiece el Spice World Tour 2019, ha sido una de sus componentes, Emma Bunton, la que ha decidido retomar su carrera en solitario y ha protagonizado uno de los regresos pop más importantes del año. Durante estos últimos años, la que fuera conocida como Baby Spice se ha centrado en su trabajo como presentadora en la radio inglesa con el show Breakfast Heart, el cual ha tenido que abandonar debido a sus compromisos con Spice Girls y la promoción de su nuevo álbum en solitario. Tras más de una década en silencio, Emma ha regresado al mundo de la música con su cuarto álbum de estudio, titulado My Happy Place, el cual toma el relevo a Life in Mono, que vio la luz en diciembre de 2006 y contó con una escasa promoción debido al embarazo de la cantante. Emma empezó a trabajar en este proyecto de manera secreta y el año pasado confirmó en su programa de radio que estaba grabando canciones que formarían parte de su nuevo disco, aunque no adelantó apenas detalles. El pasado mes de febrero llegó el single presentación del álbum, Baby Please Don’t Stop, que se trataba de un tema pop muy coqueto que recuperaba el estilo retro iniciado por Emma en el álbum Free Me y era una de las 2 canciones originales del disco. Este tema resulta todo un acierto ya que es marchoso y pegadizo y cuenta con la bonita y dulce voz de Emma. Quien reservaba My Happy Place de manera anticipada, recibía al instante otro de los temas del álbum, Too Many Teardrops, que es precisamente la otra canción original y gracias a su toque retro podría encajar perfectamente dentro del álbum Free Me o en una superproducción de James Bond. Sin duda Too Many Teardrops hubiera sido una gran elección como primer single ya que es la mejor canción del disco. Los dos temas originales del álbum han sido compuestos por la propia Emma, y debido a la gran calidad de ambos se echan de menos más canciones inéditas en My Happy Place.

My Happy Place está formado por 10 temas, de los que 8 son versiones de algunas de las canciones favoritas de Emma Bunton, con el particular sonido Motown y retro presente en los dos anteriores álbumes de la cantante británica. El disco cuenta con varios artistas invitados, de entre los que destaca Jade Jones, pareja sentimental de Emma y padre de sus dos hijos, quien colabora en “You’re All I Need to Get By”, quizás una de las canciones más emotivas y bonitas dentro de My Happy Place y en la que se observa la gran química existente entre ambos artistas. Otro de los artistas invitados es Will Young, quien participa en la balada “I Only Have To Be With You” originalmente cantada por Dusty Springfield. Entre los temas más destacados se encuentran “I Wish I Could Have Loved You More”, que cuenta con un gran componente retro e influencias Motown y Soul, “Don’t Call Me Baby”, el más up-tempo del álbum y que contiene inspiración latina y uso de guitarra española, o el famoso tema compuesto por Bee Gees “Emotion”. Una de las canciones más esperadas por los fans de Spice Girls es la versión del clásico “2 Become 1” interpretada por Emma junto a Robbie Williams y que cuenta con un sonido más acústico y mayor uso de guitarra. Definitivamente ha sido toda una sorpresa y un gran detalle por parte de Emma incluir esta versión del tema de Spice Girls dentro de su nuevo álbum, ya que nos devuelve la nostalgia de los años 90. Además la presencia de Robbie Williams en esta versión ha sido de lo más acertada ya que también formó parte de uno de los grupos británicos más emblemáticos de dicha década.

Con la publicación de My Happy Place, Emma Bunton se convierte en la segunda Spice Girl con más discos en solitario tras Melanie C (quien ha publicado 7 álbumes y ha tenido la carrera más sólida y consistente), superando los tres discos de Geri Halliwell, quien al principio de su carrera como solista tuvo gran éxito pero tras el fracaso de su tercer álbum abandonó su faceta como cantante. Sin duda, el lanzamiento de My Happy Place ha sido motivo de alegría para todos los fans de Emma Bunton entre los que yo me encuentro, ya que es un placer volver a escuchar una de las mejores voces dentro de Spice Girls, y esperemos que en un futuro continúe con su faceta en solitario ya que Emma ha sabido dirigir su carrera de manera correcta encontrando en el sonido retro su estilo propio e inspirándose en el Motown con influencias del R&B y Soul de los años 60, lo cual que encaja muy bien con su voz y resulta un soplo de aire fresco dentro del actual panorama pop. En definitiva, My Happy Place es un buen álbum aunque como punto en contra está la brevedad del mismo teniendo en cuenta la larga espera, y la escasez de temas originales. Puntuación: 8/10. 

Medicine

jennifer-lopez-french-montana-medicine-new-singleComo ya he comentado en varias ocasiones, la estrategia promocional de Jennifer Lopez durante estos últimos años ha sido un tanto confusa ya que la cantante neoyorquina ha lanzado varios singles en español influenciados por el sonido reggaeton, los cuales originalmente iban a formar parte de su segundo álbum en nuestro idioma, pero también nos ha ofrecido singles en inglés sin quedar claro si su nuevo trabajo discográfico va a ser en inglés, en español o un compendio de temas en ambos idiomas. Durante los últimos tiempos, especialmente desde el auge del streaming, la importancia de los discos ha disminuido en favor de los singles, ya que desde la era digital el público consume más singles independientes por lo que la clásica táctica de lanzar un single como presentación de un disco ha quedado obsoleta, y Jennifer ha abandonado dicha estrategia que utilizaba durante los inicios de su carrera musical para adoptar la actual táctica de lanzar numerosos singles con anticipación al lanzamiento de un disco. Hace casi un año Jennifer Lopez lanzó Dinero, un prometedor single en el que estaban puestas muchas expectativas debido a la participación de Cardi B, sus llamativas letras y su original fusión de ritmos latinos con Hip-Hop y Trap, sin embargo este tema obtuvo un impacto comercial muy moderado y ocupó posiciones bastante bajas en las listas de venta. En un intento por recuperar su credibilidad en el mercado anglosajón tras una temporada centrada en el mercado latino, Jennifer Lopez ha regresado con un tema en inglés que nos trae de vuelta la versión más urbana de la cantante. Medicine es el título de su nuevo single, que se trata de un marchoso tema urban-pop con uso prominente de trompetas y que nos recuerda a temas anteriores de la cantante como Do It Well o Get Right, donde la dominaba la percusión. En este tema J.Lo declara que ella es la medicina que necesita su amante y le va a dar una pequeña muestra de lo que él se está perdiendo. Medicine está producido por el dúo noruego StarGate y cuenta con la colaboración del rapero French Montana, con el que Jennifer ya ha trabajado anteriormente en dos temas, I Luh Ya Papi y el remix de Same Girl, ambos pertenecientes a su anterior álbum de estudio A.K.A. Medicine ha contado con un videoclip ambientado en un circo en el que domina el color blanco y cuenta con una espectacular producción a la altura de los mejores videoclips de la cantante de origen puertorriqueño. Sin duda Medicine es la canción que los seguidores “Old School” de Jennifer Lopez estábamos esperando ya que es un tema muy pegadizo y urbano que nos trae de vuelta a la Jennifer de Rebirth o Brave (musicalmente hablando) y con el que la diva pretende recuperar el espacio que ha perdido dentro del género pop/R&B durante estos últimos años.

The Best of R&B: “Ashanti”

Ashanti_-_AshantiDurante este mes de abril se han cumplido 17 años del lanzamiento de uno de los discos más exitosos e importantes dentro del R&B contemporáneo. Me estoy refiriendo al álbum debut de la cantante americana Ashanti, que vio la luz el 2 de abril de 2002, cuando el género R&B vivía uno de sus mejores momentos de popularidad antes de iniciar un periodo de escasa viabilidad comercial. Aunque en la actualidad la cantante neoyorquina no goza de tanta fama y éxito como en sus inicios en el mundo de la música y sus últimos álbumes han tenido unas ventas bastante bajas, hay que resaltar la importancia que tuvo Ashanti durante la década del 2000, ya que se convirtió en la tercera cantante femenina de R&B más exitosa de dicha década por detrás de Beyoncé y Alicia Keys, lo cual es un dato digno de apuntar. Tras ser fichada por la discográfica Murder Inc, Ashanti obtuvo gran popularidad en 2002 al participar en dos temas de Hip-Hop que consiguieron gran éxito en las listas de venta americanas: “Always on Time” de Ja Rule y “What’s Luv?” de Fat Joe. Precisamente el rapero Ja Rule fue una pieza clave en los inicios musicales de Ashanti, ya que ésta convirtió en su protegida y colaboraron juntos en numerosas ocasiones posteriores. El single presentación del álbum fue Foolish, un magnífico tema R&B producido por Irv Gotti y 7 Aurelius que se mantuvo durante 10 semanas en lo más alto de la lista americana de singles. Aunque en el resto del mundo Foolish no alcanzó las mismas cotas de éxito que en Estados Unidos, también ocupó el top 10 en Reino Unido, Canadá o Australia. Cabe destacar que mientras “Foolish” ocupaba el #1 en la lista americana, “What’s Luv?” se encontraba en el #2, haciendo de Ashanti la primera cantante femenina en tener dos singles simultáneamente en las dos primeras posiciones del Hot 100 de Billboard. Pero este no fue el único récord que cosechó Ashanti ya que también hizo historia al tener 3 singles (Foolish y sus colaboraciones junto a Ja Rule y Fat Joe) dentro del top 10 de la lista americana.

El álbum debut de Ashanti, titulado de manera homónima, fue producido en su totalidad por Irv Gotti (fundador de Murder Inc Records), Chink Santana y 7 Aurelius, y aunque la joven cantante participó en la composición de todos los temas del disco, no tuvo un papel decisivo en la creación del álbum ya que todas las decisiones fueron tomadas por Irv Gotti en un intento por hacer de Ashanti la artista revelación del momento en el género R&B. Ashanti entró directamente al #1 de la lista americana de álbumes con unas ventas superiores al medio millón de ejemplares (uno de los debut más sorprendentes de una artista novel dentro del género R&B ), fue certificado triple platino y acabó vendiendo más de 3 millones y medio de copias en Estados Unidos. A nivel internacional “Ashanti” fue top 10 en Reino Unido, Canadá, Alemania o Australia. El álbum no sólo gozó de un gran impacto comercial sino que recibió numerosos galardones musicales, incluyendo tres nominaciones a los premios Grammy, de los que ganó uno a mejor álbum de R&B contemporáneo. Tras la impresionante acogida comercial de Foolish, la por entonces llamada “Princess of Hip-Hop and R&B” lanzó como segundo single Happy, un medio tiempo R&B que contaba con una melodía hipnótica de flauta. Este single no tuvo tanta repercusión como Foolish en las listas de venta, pero aún así logró el #8 en la lista americana de singles. Como tercer y último single se extrajo Baby, una emotiva balada R&B que no obtuvo un desempeño comercial tan positivo como los sencillos precedentes.

“Ashanti” es un disco de R&B sólido y consistente, compuesto en su mayoría por medios tiempos que tomaban influencias del Hip Hop-Soul de los años 90 e inspirado en cantantes como Mary J Blige. Aunque “Ashanti” superó ampliamente las expectativas, resultó un éxito de ventas en Estados Unidos y convirtió a la joven cantante en una de las promesas del R&B de la pasada década, no dejó de ser un proyecto perfectamente calculado por Irv Gotti para convertir a Ashanti en la “First Lady” de Murder Inc y cubrir la cuota de R&B femenino dentro de su discográfica, sin embargo la cantante fue incapaz de tomar decisiones durante sus primeros años de carrera profesional, lo que provocó que años más tarde Ashanti abandonara Murder Inc para tomar el control de su carrera y dar a conocer su verdadera esencia como cantante y compositora. Al principio de su carrera, Ashanti entró en competencia con Tweet, otra artista novel de R&B/Soul también respaldada por un gran mentor (en este caso Missy Elliott), sin embargo la protegida de Ja Rule cosechó más éxito y popularidad que Tweet, quien rápidamente desapareció de escena.

Throwback Review: “Like a Prayer” de Madonna

madonna-like-a-prayer-vinilo-180-grs-nuevo-y-cerrado-D_NQ_NP_667734-MLA25767044303_072017-FEl pasado 21 de marzo de cumplieron 30 años del lanzamiento de Like a Prayer, uno de los discos más importantes de la historia del pop e icónicos dentro de la carrera musical de Madonna. Like a Prayer es el cuarto álbum de estudio de la Reina del Pop, publicado tras el tremendo éxito que cosechó True Blue, el cual fue #1 en más de 20 países, superó los 25 millones de copias en todo el mundo y se convirtió en el álbum de Madonna más vendido (sólo superado años después por The Immaculate Collection, su primer disco de grandes éxitos). Aunque Like a Prayer es el sucesor natural de True Blue como álbum de estudio, lo cierto es que entre ambos discos Madonna publicó Who’s That Girl, la banda sonora de la película del mismo nombre protagonizada por la propia cantante, y You Can Dance, un disco de remixes. Like a Prayer ha sido uno de los discos más polémicos de la cantante, por el uso de temática religiosa en la canción y videoclip que da título al álbum, lo cual provocó un shock en la Iglesia Católica y numerosos colectivos conservadores de todo el mundo reaccionaron de manera negativa hacia el álbum. Además la controversia que rodeó a Like a Prayer hizo que Pepsi rompiera su contrato publicitario con Madonna. Pese a estas polémicas, lo cierto es que Like a Prayer es uno de sus discos más autobiográficos, en el que Madonna relata su complicada relación con un padre autoritario, la pérdida de su madre cuando era una niña, o episodios violentos en su matrimonio con Sean Penn y su posterior divorcio. Madonna compuso todos los temas del álbum junto a Patrick Leonard (responsable de los hits Live To Tell o La Isla Bonita) y Stephen Bray, quien trabajó anteriormente con la Ciccone en los álbumes Like a Virgin y True Blue.

El single presentación del álbum fue Like a Prayer, un tema pop-rock con influencia de la música Gospel que destacaba por el uso prominente de guitarra eléctrica, órgano y los coros Gospel. Madonna utilizó metáforas religiosas y alusiones a su pasado católico en sus letras, mezclándolas con temas de amor y relaciones, lo cual fue visto como un sacrilegio para la moral conservadora de los años 80. El videoclip de Like a Prayer, ambientado en una iglesia católica, resultó muy polémico y añadió mayor popularidad al tema si cabe, debido al uso de una temática religiosa, incluyendo la aparición de un Cristo negro o cruces ardiendo. Este single fue aclamado por la crítica y resultó un tremendo éxito comercial, ocupando el #1 en las listas de venta de todo el mundo (salvo algunas excepciones como Francia o Alemania, donde fue #2), y pasando a formar parte de los singles más exitosos de todos los tiempos. En Estados Unidos se convirtió en el séptimo #1 de Madonna en la lista Billboard y fue certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares. Tras el éxito de Like a Prayer, en mayo de 1989, Madonna lanzó Express Yourself como segundo single del álbum. Este marchoso tema dance-pop se convirtió en un himno de empoderamiento femenino en el que Madonna se desprende de su imagen frívola y superficial iniciada con el tema “Material Girl” para declarar que no necesita anillos de diamantes para ser feliz. Su poderoso mensaje feminista de elegir al hombre que de verdad te conviene y no al que te llena de regalos fue fuente de inspiración a una generación entera de artistas como Spice Girls o Lady Gaga. Cabe destacar que el videoclip de Express Yourself es el tercero más caro de la historia de la música (costó más de 5 millones de dólares en 1989).

Para suavizar la imagen de Madonna de cara al público y evitar de nuevo la polémica, se decidió lanzar como tercer single un tema más comercial y menos controvertido. Cherish era un alegre tema pop con influencia doo-wop que recordaba a algunas canciones pertenecientes a True Blue y trataba el tema del amor y las relaciones con alusiones a Romeo y Julieta. Cherish fue un éxito alrededor del mundo, logrando el #1 en Canadá, el #2 en Estados Unidos y el #3 Reino Unido. Como cuarto single Madonna eligió una de las canciones más personales y autobiográficas del álbum: Oh Father, en la que trata la complicada relación con su padre, que era un hombre dictador y autoritario. Esta dramática balada recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales pero no tuvo un gran impacto comercial ya que rompió su racha de singles top 5 en la lista americana iniciada con Like a Virgin y tuvo que conformarse con ser top 20. Like a Prayer es un disco muy ecléctico y más experimental que los álbumes precedentes de Madonna, y para dar muestra de la variedad musical presente en el disco, lanzó como siguientes singles Dear Jessie, un extraño tema de estilo pop psicodélico en el que Madonna conecta con su niña interior, y Keep It Together, de estilo funk y uno de los temas más up-tempo y marchosos del álbum. Keep It Together es una de las dos canciones producidas por Stephen Bray del álbum, trata de la relación de Madonna con familia y pese a ser lanzado como sexto single y apenas contar con promoción ni videoclip su respuesta comercial fue bastante positiva, logrando el top 10 en Estados Unidos y Canadá. Entre las canciones que no fueron singles pero merecen la pena ser mencionadas se encuentran “Pray for Spanish Eyes”, una bonita balada con inspiración latina, el marchoso “Till Death Do Us Apart”, donde Madonna habla sobre el final de su matrimonio con Sean Penn y su turbulenta relación, o “Promise To Try”, una profunda balada que relata cómo se sintió la cantante tras la muerte de su madre.

A pesar de no resultar tan exitoso como Like a Virgin o True Blue (los cuales superaron los 20 y 25 millones de copias respectivamente), Like a Prayer también gozó de una gran acogida en todo el mundo, debutó en el #1 de las principales listas de venta, como Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Alemania o España, y acabo vendiendo 15 millones de copias. En tierras americanas fue certificado 4 veces platino por ventas superiores a los 4 millones de ejemplares y en Gran Bretaña vendió más de un millón de copias, aunque resultan cifras claramente inferiores a las de True Blue, el mayor éxito de Madonna. Aunque Like a Prayer no se encuentra entre mis discos favoritos de Madonna (pienso que True Blue es un trabajo más cohesivo y sólido), es innegable el tremendo impacto que tuvo este álbum en la historia del pop y en la discografía inicial de Madonna, ya que supuso un punto de inflexión en su carrera y marcaba el primer disco de la Ambición Rubia en la treintena, mostrando una mayor madurez personal y musical, además de experimentar con nuevos sonidos y estilos.

Crítica de “Dancing Shadows” de Mario

1200x1200bbEl cantante americano de R&B Mario publicó en 2009 su último disco de estudio, el cual entró en el top 10 de la lista de álbumes de Estados Unidos, recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales y contó con el single Break Up, que se convirtió en uno de los temas más exitosos de toda su carrera musical. En octubre del año pasado, tras casi una década sin publicar disco, vio la luz Dancing Shadows, su quinto álbum de estudio. Durante este gran lapso de tiempo, Mario ha seguido creando nuevas canciones, pero dos de los álbumes que grabó fueron desechados. En 2013, Mario lanzó el single “Somebody Else” junto a Nicki Minaj, pero pese a lo prometedora que resultaba esta colaboración, el tema tuvo un mínimo impacto entre el público y no logró entrar en la lista americana. Dancing Shadows fue publicado de manera independiente bajo su propio sello discográfico, y debido a la escasa promoción no logró debutar dentro de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer disco de Mario que no consigue entrar en la lista Billboard y su primer fracaso comercial. El single presentación del álbum fue la balada R&B Drowning, en la que Mario muestra su lado más romántico y sensual, narrando una relación complicada que se desvanece. En este tema el cantante nos deleita con su maravillosa voz y su particular falsetto, que resulta my similar al de Usher. El segundo single fue el tema que da título al álbum, Dancing Shadows, que se trataba de un tema down-tempo influenciado por el R&B alternativo. A pesar de la gran calidad de los singles lanzados, estos no consiguieron entrar en la lista americana. Para intentar levantar las bajas ventas del álbum y mantener activo Dancing Shadows, el cantante de Baltimore ha lanzado este mismo mes el tercer single, Care For You, una balada R&B/Soul acompañada de un bonito videoclip. La mayoría de temas presentes en Dancing Shadows son baladas y medios tiempos, y aunque el estilo R&B domina el álbum, hay influencia del R&B alternativo, el Soul y el Hip-Hop.

Aunque hoy en día Mario Barrett no tiene la fama y popularidad que poseía en sus inicios, y tras su tercer disco de estudio inició una espiral descendiente en su éxito comercial, está bien recordar que durante la pasada década fue uno de los cantantes más prometedores e importantes dentro del R&B/pop americano, siendo considerado el nuevo Usher. El año 2004 cambió la vida de Mario, ya que lanzó Let Me Love You como single presentación de su segundo álbum de estudio Turning Point. Este pegadizo tema R&B compuesto por un entonces desconocido Ne-Yo y producido por Scott Storch obtuvo un tremendo éxito en todo el mundo, consiguiendo el #1 en la lista americana (además de en Alemania y Nueva Zelanda) y ocupando el top 5 en importantes mercados musicales como Reino Unido o Australia. Este tema fue certificado doble platino al vender más de dos millones de copias en Estados Unidos, resultó uno de los más populares de aquel año e hizo que Turning Point consiguiera unas ventas superiores al millón de copias en tierras americanas pese a debutar en la posición #13. Aunque su siguiente álbum, Go, contó con varios singles moderadamente exitosos, este trabajo no logró cubrir las expectativas y obtuvo unas ventas muy bajas con respecto a sus anteriores álbumes.

En definitiva, Dancing Shadows es un buen álbum R&B que muestra la madurez musical y evolución como compositor de Mario, pero después de una pausa tan prolongada, no hay temas especialmente innovadores, llamativos o que enganchen al oyente. Dancing Shadows es el ejemplo perfecto de la poca viabilidad comercial que tiene el género R&B para el público masivo en nuestros días, pero aún así merece la pena dar una oportunidad a este álbum para volver a escuchar la bonita voz de Mario. Puntuación: 6/10.

 

Sally Walker, el regreso de Iggy Azalea

iggy-azalea-sally-walker-thatgrapejuiceEn agosto del año pasado, la rapera Iggy Azalea publicó el EP Survive The Summer en un intento por mantenerse presente en el panorama musical tras varios singles fallidos y un segundo álbum que nunca llegaba. Antes de este EP, la rapera australiana lanzó Savior, originalmente pensado como el single anticipo de su nuevo disco de estudio. Este pegadizo tema mezclaba dance-pop y Hip-Hop y contaba con todos los ingredientes para ser un éxito, sin embargo la promoción de este single fue escasa y la recepción por parte del público resultó muy tibia, por ello Iggy cambió de estrategia y empezó a trabajar en el EP Survive The Summer. Tras varios adelantos en sus redes sociales, esta semana Iggy Azalea nos ha presentado su nuevo single, bajo el título de Sally Walker. Sally Walker es un tema Hip-Hop que en su estribillo samplea la canción infantil “Little Sally Walker” y ha sido producido por J. White, responsable de los hits “Bodak Yellow” y “I Like It” de Cardi B, y que también ha contribuido en otro de sus últimos singles, “Money”, con el que comparte muchas similitudes y toma prestada su melodía de piano. Sally Walker será el single presentación de su segundo álbum de estudio, titulado In My Defense y que se pondrá a la venta en primavera de este año, todavía sin fecha definitiva de publicación. Pese a que Sally Walker es el primer lanzamiento de manera independiente por parte de Iggy Azalea (tras dejar la discográfica Island), su videoclip no se ha visto afectado por el presupuesto y resulta uno de los más divertidos y llamativos que ha grabado la rapera. En el videoclip de Sally Wallker vemos como la protagonista de la canción muere atropellada por un coche en una calle de Los Angeles e Iggy asiste a su funeral, que termina en una fiesta en la que se anticipan unos segundos de un nuevo tema de la rapera. Aunque el videoclip de Sally Walker añade puntos a la canción, las comparaciones con el videoclip de “Be Careful” de Cardi B también son evidentes, ya que ambos están ambientados en un funeral. En definitiva, Sally Walker es un buen tema Hip-Hop que supera la calidad de la mayoría de los singles recientemente lanzados por Iggy Azalea (a excepción de Savior) y también resulta superior a los temas presentes en su anterior EP, sin embargo si quiere recuperar el espacio que ocupó años atrás dentro del Hip-Hop femenino (hoy en día liderado por Cardi B y Nicki Minaj), debería ofrecernos temas más originales y arriesgados, ya que las similitudes con Money son más que evidentes, por lo que este esperado regreso de Iggy podría convertirse en el enésimo fracaso de la rubia artista.