Throwback Review: ‘Try This’ y ‘I’m Not Dead’ de Pink

Try ThisTras el gran éxito logrado con Missundaztood, el cual vendió más de 12 millones de copias en todo el mundo y contó con 4 populares singles, la cantante americana Pink se convirtió una de las figuras más importantes del pop en la década del 2000. En 2003 Pink participó nuevamente en la banda sonora de una película, concretamente en ‘Charlie’s Angels: Full Throttle’ con ‘Feel Good Time’, un tema dance-pop con un toque psicodélico producido por William Orbit que tuvo un desempeño moderado en las listas de venta. Dos años después del lanzamiento de Missundaztood, Pink regresó con su tercer álbum de estudio, Try This, en el que profundizó en el sonido pop/rock iniciado en su anterior álbum y para ello trabajó con Tim Amstrong (perteneciente al grupo de rock Rancid) además de Linda Perry, quien contribuyó en varios temas de Missundaztood incluyendo el primer single. Aunque Try This es eminentemente un álbum pop/rock podemos encontrar influencias punk-rock, Dance y R&B en varias de las canciones. Con una promoción inferior a la de su anterior trabajo, Try This se convirtió en el álbum menos vendido de la cantante americana hasta el momento y en la actualidad permanece como uno de sus trabajos menos exitosos. Try This debutó en el top 10 de la lista americana de álbumes y vendió un millón de copias en Estados Unidos (una cifra notoriamente inferior a la de Missundaztood, que superó los 5 millones) y en el resto del mundo alcanzó el top 5 en Reino Unido y Alemania y el top 10 en Australia. El single presentación del álbum fue Trouble, un enérgico tema pop/rock con influencia punk-rock producido por Tim Amstrong cuyas letras hacen referencia al espíritu rebelde e indómito de la cantante. Trouble estuvo acompañado de un original videoclip ambientado en un pueblo del Oeste americano dominado por rufianes al que llega Pink para devolver el orden y la legalidad. Trouble gozó de un gran éxito en Australia, Reino Unido, Alemania o Canadá, donde alcanzó el top 10, sin embargo en Estados Unidos tuvo un escaso impacto (apenas ocupó el top 70) y se convirtió el single menos exitoso de Pink hasta el momento. Trouble ganó un premio Grammy a mejor actuación femenina de rock, el segundo Grammy que recibiría la cantante americana en su carrera tras su participación en el hit ‘Lady Marmalade’.

El segundo single lanzado fue God Is a DJ, un bailable tema pop/rock y dance-pop con un gran aire ‘ochentero’ producido por Billy Mann que destaca por sus originales letras “Si Dios es un DJ, la vida es una pista de baile, el amor es el ritmo y tu eres la música” en las que Pink anima a vivir la vida al máximo. God Is a DJ recibió críticas positivas por sus positivas letras aunque tuvo un desempeño comercial muy mediocre, marcando mínimos en la carrera de Pink. Como tercer y último single se lanzó Last To Know, un potente tema rock que suponía la inmersión definitiva de la cantante en dicho género. Debido a que Pink estaba embarcada en una extensa gira por Europa y América, este single apenas contó con promoción y fracasó en las listas de venta. Pese a que Try This es uno de mis álbumes menos favoritos de Pink, no resulta un trabajo de baja calidad en absoluto ya que contiene varios temas interesantes como ‘Humble Neighborhoods’ y ‘Try Too Hard’, dos enérgicas canciones rock de carácter up-tempo, ‘Oh My God’, un tema electroclash de letras muy explícitas que cuenta con la colaboración de la cantante Peaches o ‘Catch Me While I’m Sleeping’, una balada producida por Linda Perry reminiscencia del sonido R&B de sus orígenes. Puntuación: 7/10.

I'm Not DeadTry This fue el último trabajo de Pink dentro de la discográfica Arista, con la que tuvo grandes diferencias durante la grabación y promoción de dicho disco lo que provocó su salida después de tres álbumes dentro de ella. Tras la gira de ‘Try This’ Pink se tomó un periodo de descanso en el que la cantante se inspiró de nuevos nuevos estilos y sonidos para su próximo disco. En abril de 2006 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Pink, I’m Not Dead, cuyo título hacía referencia a que la cantante no había ‘desaparecido’ del panorama musical tras el fracaso de su anterior álbum. I’m Not Dead sigue la estela pop/rock de sus dos anteriores álbumes pero resulta más accesible a todos los públicos que Try This, el cual contenía un sonido más oscuro. Pink compuso todas las canciones presentes en el álbum y trabajó con importantes nombres de la industria musical como Billy Mann (que ya contribuyó en su anterior disco), Butch Walker, Max Martin y Dr. Luke. El single presentación del álbum fue Stupid Girls, un marchoso tema pop/R&B producido por Billy Mann que destacaba por sus letras en contra de la imagen sexualizada que se les impone a las mujeres en la sociedad y el mundo del espectáculo y resultaba un himno empoderamiento femenino en el que Pink animaba a las niñas y mujeres a potenciar su inteligencia y no su cuerpo. Stupid Girls recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus letras contra el sexismo y el carácter marchoso y bailable de la canción y fue nominado a mejor actuación vocal femenina en los premios Grammy. Stupid Girls llevó de nuevo a Pink a la parte alta de las listas de venta tras el fracaso de sus últimos singles y ocupó el top 5 en Reino Unido, Australia o Canadá y el #13 en Estados Unidos. Stupid Girls contó con un divertido e irónico videoclip en el que Pink se metía en el papel de varias chicas superficiales (algunas de ellas famosas como Lindsay Lohan, Jessica Simpson o Paris Hilton) contra las que se revela en la letra de la canción. Como segundo single se lanzó Who Knew, un tema pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke (quienes juntos han creado grandes hits dentro del mundo del pop) en el que Pink muestra su lado más emotivo y vulnerable hablando de un buen amigo al que perdió por el abuso de drogas. Who Knew recibió opiniones positivas de los críticos musicales por la emotividad de la cantante y la producción del tema y obtuvo un rendimiento muy positivo en las listas de venta ya que ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. En su lanzamiento original en Estados Unidos, Who Knew no tuvo demasiado apoyo por parte del público pero tras el éxito del siguiente single volvió a ser re-lanzado en tierras americanas y alcanzó el top 10 y fue certificado platino.

El tercer single elegido fue U + Ur Hand, otra de las producciones de Max Martin y Dr. Luke para el álbum y que se trataba de un enérgico tema pop/rock en el que Pink habla de cómo rechaza a los hombres en el club y destaca por sus explicitas letras sobre la masturbación. ‘U + Ur Hand’ alcanzó el top 10 en la lista americana, acabó siendo certificado platino (su primer single en alcanzar el millón de copias) y fue el responsable de la revitalización de la carrera de Pink en Estados Unidos y el aumento de ventas de I’m Not Dead. En el resto del mundo también tuvo un desempeño muy positivo y ocupó el top 10 en los principales mercados. En Europa y Australia se lanzó como cuarto single Nobody Knows, que se trataba de una balada a piano producida por Billy Mann que destaca por sus personales letras sobre la depresión que sufrió Pink años atrás. Pese a ser una de las mejores baladas lanzadas por la cantante hasta la fecha, apenas contó con promoción y tuvo un impacto comercial limitado. El siguiente single extraído fue Dear Mr. President, una balada acústica pop/rock y folk que resultó bastante polémica por sus directas letras en contra del entonces presidente de Estados Unidos George Bush, a quien critica sus desacertadas decisiones sobre la guerra de Irak o su oposición al matrimonio gay. Aunque no contó con videoclip ni apenas promoción fue capaz de ocupar el top 5 en Australia y Alemania. Como último single se lanzó Leave Me Alone (I’m Lonely), un marchoso tema pop/rock y dance-pop producido por Butch Walker en el que Pink demanda a su amante más tiempo libre.

I’m Not Dead se caracterizó por su gran longevidad en las listas de venta debido al gran número de singles lanzados, debutó en el #6 de la lista americana (la posición más alta de Pink hasta la fecha) y gracias a la consistencia y éxito de los tres primeros singles acabó vendiendo más de dos millones de copias en Estados Unidos. A nivel internacional el éxito del álbum fue muy notorio, sobretodo en Australia y Alemania, donde alcanzó el #1 y en Reino Unido, donde fue #3 y superó los 6 millones en todo el mundo, unas cifras muy superiores a las alcanzadas por Try This. Aunque casi la mitad de los temas del álbum fueron lanzados como singles, todavía quedaban canciones interesantes dentro de I’m Not Dead como ‘Cuz I Can’, un potente tema pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke en el que Pink demuestra que es una mujer fuerte e independiente y no sigue las reglas de los demás o el tema que da título al disco, ‘I’m Not Dead’, que supone una declaración de intereses por parte de Pink. Tras el relativo fracaso que supuso su anterior álbum, Pink regresó con un álbum muy sólido de pop/rock comercial que marcaba el sendero por el que continuaría en sus sucesivos trabajos. Sin duda uno de los mejores trabajos de su amplia discografía. Temas imprescindibles: Stupid Girls, Who Knew, I’m Not Dead, Cuz I Can, U + Ur Hand y Leave Me Alone (I’m Lonely). Puntuación: 8/10.

Throwback Review: ‘Can’t Take Me Home’ y ‘M!ssundaztood’ de Pink

PinkDurante los últimos años de los 90 y principios de la década del 2000 el R&B vivió su época dorada gracias a artistas y grupos como TLC, Brandy, Monica o Destiny’s Child, quienes irrumpieron en el panorama musical con gran éxito y exportaron el R&B fuera de Estados Unidos, que hasta entonces había sido su mercado principal. Una de las cantantes que debutaron durante el año 2000 (al que considero uno de los mejores dentro de la historia de la música) fue Alecia Moore, más conocida como Pink por su llamativo color de pelo rosa, quien publicó su álbum debut titulado Can’t Take Me Home. Este álbum está formado por medios tiempos, baladas y temas up-tempo de estilo R&B/pop bajo la producción de algunos de los mejores nombres del género R&B como Babyface, She’kspere, Soulshock & Karlin o Tricky Stewart y aunque Pink no tuvo demasiado control creativo en este álbum compuso 7 de los 13 temas presentes. El single presentación fue There You Go, un marchoso tema R&B/pop up-tempo producido por She’kspere que contenía el sonido R&B típico de principios del 2000 y cuya melodía resultaba similar a ‘Bills Bills Bills’ de Destiny’s Child o ‘No Scrubs’ de TLC, ambos también compuestos por Kandi y producidos por el propio She’kspere. En este pegadizo tema (uno de mis favoritos dentro del R&B) Pink se encuentra en una relación tóxica que no tiene futuro y opta por dejar a su pareja pese a que éste le ruega que le perdone y continúen la relación. Con su single debut, Pink cosechó gran éxito y alcanzó el #2 en Australia y el top 10 en Estados Unidos, Canadá o Reino Unido. El segundo single lanzado fue Most Girls, un medio tiempo R&B producido por Babyface cuyas letras hacían referencia a que Pink es una mujer independiente y autosuficiente que no necesita a un hombre que la mantenga por lo que resultaba un himno de empoderamiento femenino. Most Girls fue considerado como el tema más sobresaliente del álbum y resultó un hit para Pink en las listas de venta: fue #1 en Australia (uno de sus mercados estrella) y top 5 en Estados Unidos, Canadá y Reino Unido. Como tercer y último se extrajo You Make Me Sick, un tema R&B producido por Babyface en el que Pink relataba la deteriorada relación con su pareja, al que le reprocha su comportamiento y declara “estar harta de él”. You Make Me Sick recibió menor promoción que los anteriores singles y tuvo un desempeño comercial inferior: ocupó el top 40 en Estados Unidos y Australia pero en Reino Unido se convirtió en el tercer top 10 consecutivo de Pink. Dentro del álbum encontramos joyas del R&B como ‘Split Personality’, en el que Pink declara que tiene doble personalidad, ‘Can’t Take Me Home’, un marchoso tema dance-pop que resultaba el más up-tempo del disco, la balada R&B/Soul ‘Let Me Let You Know’, en cuyos créditos encontramos a Robin Thicke como compositor o ‘Love Is Such a Crazy Thing’, un original tema de amor que destaca por su larga introducción instrumental en la que se van añadiendo progresivamente nuevos instrumentos. 

Can’t Take Me Home debutó en un discreto #26 de la lista americana pero el buen desempeño de los singles consiguió que el álbum vendiera más de dos millones de copias en Estados Unidos y fuera certificado doble platino. A nivel internacional el desempeño del álbum fue moderado, alcanzó su mejor posición en Australia donde fue #10 y acabó vendiendo más de 4 millones en todo el mundo. El álbum debut de Pink recibió críticas mixtas por parte de los expertos musicales, quienes consideraron que no resultaba original ni llamativo aunque alabaron las habilidades vocales de Pink. Pese a que Can’t Take Me Home es posiblemente el álbum más desconocido de su discografía por parte del público ya que Pink triunfó de manera masiva a partir de su siguiente álbum, personalmente lo considero mi favorito de la cantante americana, el único encuadrado dentro del R&B de su trayectoria y el que me permitió conocer a una de mis cantantes favoritas. Temas imprescindibles: There You Go, Most Girls, You Make Me Sick, Split Personality y Love Is Such a Crazy Thing. Puntuación: 8/10.

MissundaztoodEn abril de 2001 Pink participó junto con Christina Aguilera, Lil’ Kim y Mya en la banda sonora de la película ‘Moulin Rouge’ con el tema Lady Marmalade, que se trataba de una versión de la famosa canción de Patty Labelle pero con un toque R&B/Hip-Hop moderno y producido por Missy Elliott y Rockwilder. Esta nueva versión resultó tremendamente popular aquel año, superó el éxito de la versión original y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Australia, Reino Unido y más de 10 países en todo el mundo. Con una popularidad al alza, Pink publicó a finales del 2001 su segundo álbum de estudio, titulado Missundaztood (que podríamos traducirlo como incomprendida) y en el que dejaba a un lado su antiguo look con el pelo rosa y mostraba una nueva imagen más rebelde. Missundaztood destacó por su gran divergencia con respecto al estilo musical de ‘Can’t Take Me Home’ y profundizaba en un sonido pop/rock más maduro con ciertos elementos del dance-pop y R&B. Pink compuso la mayoría de los temas del álbum y para lograr su sonido deseado trabajó principalmente con Linda Perry (componente del grupo 4 Non Blondes) y Dallas Austin con producción adicional de Scott Storch y Damon Elliott. Missundaztood debutó en el #8 de la lista americana y gracias al buen desempeño de los singles lanzados alcanzó el #6, gozó de una gran longevidad en las listas de venta y acabó siendo certificado 5 veces platino por ventas superiores a los cinco millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el segundo álbum de una artista femenina más vendido del 2002. A nivel internacional también logró un buen desempeño comercial: fue top 5 en Reino Unido o Alemania y top 20 en Australia y Francia, superando los 12 millones de copias en todo el mundo.

El single presentación del álbum fue Get The Party Started, un pegadizo tema dance-pop que habla sobre salir de fiesta y pasarlo bien y está compuesto y producido por Linda Perry en su primer tema como compositora para otros artistas. ‘Get The Party Started’ resultó un gran éxito en las listas de venta, alcanzó el #1 en Australia, Irlanda o España y el top 5 en Reino Unido, Alemania, Francia o Estados Unidos, donde se convirtió en su tema más exitoso hasta la fecha. Como segundo single se lanzó Don’t Let Me Get Me, un marchoso tema pop/rock con uso prominente de guitarra eléctrica en el que Pink habla de su falta de autoestima cuando era adolescente y sus problemas para encajar en la escuela. Sin embargo más interesante y revelador resulta el contenido del segundo verso en el que confiesa que “L.A. (Reid, el presidente de su discográfica) me dijo que sería una pop-star y lo que tenía que hacer es cambiar todo lo que soy” o “estoy harta de ser comparada con la ‘maldita’ Britney Spears, ella es muy guapa pero yo no soy ella”, confirmando que durante su primer álbum no se sintió cómoda ni pudo expresar sus verdaderas aspiraciones musicales. Don’t Let Me Get Me marcó la primera incursión de Pink en el sonido pop/rock que adoptaría Pink desde entonces y fue muy bien acogida entre el público ya que consiguió nuevamente el top 10 en los principales mercados musicales. El tercer single del álbum fue Just Like a Pill, un enérgico tema pop/rock producido por Dallas Austin en el que la cantante de Pennsylvania habla de una relación tóxica y el abuso de sustancias y compara a su pareja con una pastilla que en vez de curarle le hace más daño todavía. Just Like a Pill recibió grandes criticas de los expertos musicales por sus personales letras y la ejecución vocal de Pink como ‘rock star’ y continuó la racha de éxito de los singles anteriores: alcanzó el #1 en Reino Unido y el top 10 en Estados Unidos. Como último single se lanzó Family Portrait, un medio tiempo R&B producido por Scott Storch que destacaba por sus letras autobiográficas sobre su complicada infancia, las peleas que tenían sus padres delante de ella y su posterior divorcio. Este tema recibió grandes elogios por parte de los expertos musicales por sus personales letras y la potente voz de Pink y a nivel comercial resultó un éxito moderado y alcanzó el top 10 en Alemania, #11 en Reino Unido y Australia y top 20 en Estados Unidos. Personalmente, Family Portrait es mi tema favorito del álbum y la canción que más se asemeja al estilo de ‘Can’t Take Me Home’ por su sonido R&B.

Dentro de Missundaztood encontramos temas interesantes como ’18 Wheeler’, un potente tema pop/rock producido por Dallas Austin, ‘Eventually’, una balada de desamor con cierto aroma R&B que resulta el momento más vulnerable y emotivo del álbum o ‘My Vietnam’, una balada influenciada por el sonido folk que habla de las complicadas experiencias personales durante su adolescencia, comparándolas con la guerra de Vietnam. En resumen, Missundaztood supuso el impulso definitivo de Pink para triunfar en todo el mundo gracias a una acertada selección de singles y un conjunto de canciones muy sólido que mostraban el impresionante torrente vocal de la cantante americana y su talento como compositora. Temas imprescindibles: Don’t Let Me Get Me, Family Portrait, Just Like a Pill, Get The Party Started y 18 Wheeler. Puntuación: 7’5/10.

Up, el nuevo single de Cardi B

Cardi B UpEn agosto del año pasado, mientras la pandemia del coronavirus asolaba al mundo entero, Cardi B lanzó WAP junto a la prometedora rapera Megan Thee Stallion como primer single de su esperado segundo álbum de estudio. Desde un primer momento WAP sorprendió al público por su martilleante sample de ‘Whores In This House’ y sus letras altamente explícitas en defensa de la libertad sexual de las mujeres y fue considerado como un himno del positivismo sexual, temática que su compañera Megan Thee Stallion ha seguido profundizando en su álbum debut. Pese a recibir principalmente críticas positivas por sus letras sobre empoderamiento femenino también surgieron voces que criticaron su vulgaridad y falta de originalidad. WAP resultó un auténtico éxito comercial: alcanzó el #1 en la lista americana (convirtiéndose en el cuarto single de Cardi B que lidera la lista Billboard) y se mantuvo en lo más alto durante 4 semanas no consecutivas, además también llegó al #1 en otros importantes mercados como Australia, Canadá o Reino Unido y acabó el 2020 como uno de los singles más exitosos y #1 en los rankings de las mejores canciones del año. Su colorido videoclip en el que Megan y Cardi lucían numerosos looks imposibles y mostraban cada rincón de su anatomía recibió gran atención por parte del público y ha superado los 300 millones de reproducciones en YouTube en tan sólo 5 meses. Tras varias colaboraciones con otros artistas la carismática rapera neoyorquina ha regresado con un nuevo single que formará parte de su próximo álbum de estudio, el sucesor del exitoso Invasion of Privacy. Se trata de Up, otro marchoso tema Hip Hop influenciado por el sonido Trap que sigue la estela musical de WAP y apenas dura dos minutos y medio, muy en la línea de lo que se estila en la actualidad por su consumo inmediato y la inclusión en diversas playlist de las plataformas musicales. El mismo día en que Up ha sido lanzado como single se ha desvelado su videoclip, que cuenta con un alto presupuesto, resulta similar a WAP y en el que nuevamente Cardi B luce excéntricos estilismos dejando muy poco a la imaginación. Up resulta pegadizo pero no llega al nivel de WAP ni aporta nada nuevo al panorama actual del Hip Hop, por lo que veremos qué le depara en las listas de venta tras el enorme éxito de éste último.

The Best of Hip Hop: ‘The Massacre’ de 50 Cent

The MassacreEl rapero Curtis Jackson, más conocido como 50 Cent, hizo su debut oficial en el año 2003 con Get Rich or Die Tryin’, un álbum encuadrado dentro del Gangsta Rap y el East Coast Hip Hop que resultó un gran éxito y catapultó al rapero neoyorquino al olimpo del Hip Hop durante la década del 2000. Tras el mixtape ‘Guess Who’s Back?’, que tuvo un gran recibimiento dentro del circuito rap americano y su participación en la banda sonora de película 8 Millas de Eminem con el tema ‘Wanksta’, muchas expectativas estaban puestas en el primer álbum de 50 Cent pero todas ellas fueron sobrepasadas, ya que el álbum obtuvo un excepcional rendimiento comercial y críticas positivas por parte de los expertos musicales. Get Rich or Die Tryin’ debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con más de 870 mil copias en su primera semana, acabó siendo certificado nueve veces platino por ventas cercanas a los 9 millones y se convirtió en el álbum más vendido de Estados Unidos en el año 2003. Gran parte de la tremenda acogida que obtuvo el álbum se debió a la magistral producción de Dr. Dre, las habilidades como rapero y liricista de 50 Cent pero sobretodo gracias al enorme éxito del primer single, In Da Club, que ocupó el #1 de la lista americana durante 9 semanas consecutivas, además de liderar las listas de venta en Australia, Alemania, Canadá o Reino Unido. También destacaron los singles ’21 Questions’ junto a Nate Dogg que también lideró la lista americana, el altamente explícito ‘P.I.M.P.’ lanzado en forma de remix junto a Snoop Dogg o ‘If I Can’t’, una de las producciones de Dr. Dre. El segundo álbum de estudio de 50 Cent tenía previsto ser publicado el día de San Valentín de 2005 bajo el título de ‘St. Valentine’s Day Massacre’ pero su lanzamiento fue pospuesto un mes más tarde, con el título reducido a The Massacre, el cual se trataba de un ambicioso proyecto por parte de Fifty con el objetivo de asentar su fama, popularidad y estatus dentro del Hip Hop. The Massacre es un álbum muy largo, con más de 20 temas de naturaleza muy explícita sobre sexo, drogas y violencia, encuadrados dentro del Gangsta Rap y el East Coast Hip Hop y producido ejecutivamente por el propio 50 Cent junto a su mentor Dr. Dre con la ayuda de los mejores productores del momento dentro del género como Scott Storch, Sha Money XL, Hi-Tek o J.R. Rotem. El sucesor de Get Rich or Die Tryin’ no cuenta con un gran número de artistas invitados a diferencia de la mayoría de discos de Hip Hop, pero aparecen importantes nombres como Eminem, Jamie Foxx, su compañero de G-Unit Tony Yayo y la cantante Olivia, recientemente fichada por la discográfica de 50 Cent y que participa en dos temas.

The Massacre debutó en el #1 de la lista americana de álbumes y vendió más de un millón de copias en su primera semana a la venta, convirtiéndose en la sexta cifra de ventas más alta de la historia de la música hasta la fecha en Estados Unidos. El álbum fue certificado 6 veces platino por más de 6 millones de copias vendidas en tierras americanas y acabó el 2005 como el segundo álbum más vendido por detrás de ‘The Emancipation of Mimi’ de Mariah Carey. A nivel internacional también tuvo un gran impacto comercial, alcanzó el #1 en Reino Unido, Canadá o Alemania y ocupó el top 5 en Australia o Francia, con ventas superiores a los 10 millones en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los álbumes más exitosos del año.

El single presentación del álbum fue Disco Inferno, un tema Hip Hop up-tempo lanzado únicamente en Estados Unidos, donde ocupó el #3 en la lista de ventas, pero tuvo escasa promoción, ni siquiera contó con videoclip y por ello tuvo un rendimiento inferior al esperado. Disco Inferno fue nominado en los premios Grammy del año 2006 a mejor actuación de Rap, pero perdió frente a Kanye West. Como segundo single se lanzó Candy Shop, un tema mid-tempo encuadrado dentro del Dirty Rap con la participación de la cantante Olivia y bajo la magistral producción de Scott Storch, quien imprimió al tema su habitual melodía hipnótica de inspiración de la música del Medio Oriente. Candy Shop contaba con unas letras de alto voltaje sexual y recibió opiniones opiniones muy diversas de los críticos musicales: algunos alabaron el ritmo pegadizo del tema y su magnífico estribillo, mientras que otros criticaron la imagen hipersexual que Fifty se esforzaba en mostrar. Candy Shop supone una continuación del tema ‘Magic Stick’ de Lil Kim en el que participa 50 Cent, el cual iba a formar parte de su disco debut pero finalmente acabó en el álbum ‘La Bella Mafia’ de la rapera. Candy Shop logró un auténtico éxito en las listas de venta: se convirtió en el tercer single #1 del rapero de Queens en Estados Unidos, donde permaneció durante 9 semanas consecutivas y fue certificado platino y en el resto del mundo también tuvo un gran desempeño comercial y ocupó el top 5 en Reino Unido y Australia. El tercer single elegido fue Just a Lil Bit, otro tema Hip Hop mid-tempo con melodía inspirada en la música del Medio Oriente producido nuevamente por Scott Storch. Este single obtuvo buen desempeño comercial y ocupó el #3 en Estados Unidos y top 20 en Reino Unido, Australia y Alemania. El cuarto y último single del álbum fue Outta Control, un potente y enérgico tema Hip Hop que contaba con la habitual producción de Dr. Dre y fue lanzado en forma de remix junto al grupo Mobb Deep. Outta Control supuso el cuarto single top 10 del álbum en la lista americana.

The Massacre incluye como bonus track el tema Hate It or Love It del rapero The Game, también integrante del grupo G-Unit, donde participa 50 Cent, pero en este caso se trataba de un nuevo remix en el que también colaboran Young Buck, Tony Yayo y Lloyd Banks, los otros miembros de G-Unit. Hate It or Love It, que estaba producido por Cool & Dre junto a Dr. Dre (también mentor de The Game) y destacaba por su original sonido influenciado por el Soul/R&B, resultó un éxito en la lista americana, donde fue #2 y su lanzamiento se solapó con la promoción de The Massacre, concretamente entre los singles Disco Inferno y Candy Shop. Entre los temas más interesantes del segundo álbum del rapero neoyorquino se encuentran ‘Gunz Come Out’, en el que Curtis amenaza con sacar las armas contra sus adversarios si es necesario y es uno de los temas producidos por Dr. Dre, ‘So Amazing’, que por el contrario es uno de los temas más ‘suaves’ y accesibles a todos los públicos gracias al estribillo cantado por Olivia y su temática sobre amor, el marchoso ‘Get In My Car’ en el que Curtis canta en el estribillo, una de las señas de identidad de este álbum o ‘Position of Power’, en el que relata el poder y respeto que ha conseguido. 50 Cent siempre se ha caracterizado por su imagen ‘gangsta’ y ha protagonizado numerosas peleas y polémicas con otros artistas. Dentro del álbum encontramos una muestra de ello en el tema ‘Piggy Bank’, que sin ser lanzado como single resultó muy popular por sus letras, que continuaban su ‘beef’ (rivalidad en el argot del Hip Hop) contra el rapero Ja Rule, rival de Fifty desde hace tiempo, pero también dispara sin piedad contra Jadakiss y Fat Joe, quienes colaboraron con Ja Rule en el tema ‘New York’, además de Lil Kim, con quien acabó muy mal tras su colaboración en el single ‘Magic Stick’.

En resumen, mientras que en Get Rich or Die Tryin’ los puntos fuertes eran las rimas de 50 Cent y sus habilidades como liricista y rapero, en este álbum sus versos no brillan tanto ya que el foco de atención se ha puesto en unos estribillos pegadizos y melodías inmediatas que lo hace más accesible a todos públicos, sin embargo el Curtis Jackson más ‘gangsta’ que habla de sexo, dinero, poder y se muestra impasible ante sus enemigos sigue presente. Sin llegar al excelente nivel de su primer álbum, The Massacre es un trabajo muy sólido y permanece como uno de los mejores discos de Hip Hop de la década del 2000. Puntuación: 7’5/10.

My Head & My Heart, el regreso de Ava Max

My Head & My HeartDespués de una larga sucesión de exitosos singles como Sweet but Psycho, So I Am, Torn, Kings & Queens o Who’s Laughing Now, la cantante americana Ava Max publicó su álbum debut en septiembre del año pasado. Heaven & Hell estaba formado por marchosos temas up-tempo de estilo dance-pop y electro-pop compuestos por la propia Ava bajo la entera producción de Cirkut, quien le dio un toque del ‘pop dosmilero’ que triunfó hace unos años y recibió comparaciones con el estilo de la primera Lady Gaga. Precisamente en el repaso que hice desde el blog MiSTeR MuSiC a los mejores discos del año pasado, coloqué a ‘Heaven & Hell’ en la primera posición ya que lo considero un álbum muy sólido que contiene una sucesión ininterrumpida de hits. Aunque en el momento de su publicación el álbum ya estaba suficientemente exprimido por parte de la cantante de ascendencia albanesa ya que hasta 8 singles fueron lanzados con anterioridad, todavía quedaban temas interesantes dentro del disco como ‘Take You To Hell’, ‘Belladonna’ o ‘Born To The Night’ con potencial para ser single, sin embargo Ava Max ha decidido ofrecernos un tema inédito como siguiente sencillo. Se trata de My Head & My Heart, un potente tema Dance/electro-pop producido por su habitual colaborador Cirkut junto al DJ Jonas Blue que destaca por samplear el icónico tema ‘Around The World’ del grupo alemán ATC que triunfó en el año 2000 gracias a su pegadizo ritmo y su adictivo estribillo “la la la la la”. Ava Max siempre ha demostrado un gran interés por la música pop de la década del 2000 y su álbum estaba inspirado en varios artistas pop de esta época, por ello no nos sorprende que utilice el sample de este tema tan conocido por todos. My Head & My Heart ha tenido un impacto moderado en las listas de venta pero teniendo en cuenta que varios de los singles de Ava Max se han convertido en ‘sleeper hits’ y han triunfado tiempo después, como por ejemplo ‘Kings & Queens’, que alcanzó el top 20 en Estados Unidos tres meses después de su lanzamiento, no nos extrañaría que subiera en las listas de ventas cuando se desvele el videoclip promocional. My Head & My Heart ha sido incluido en la edición digital del álbum como primer tema, que sin duda aumentará el nivel de streaming, sin embargo es una decisión un tanto desacertada ya que rompe el concepto de “cielo e infierno” que tiene Heaven & Hell, el cual está dividido en dos partes diferenciadas con ‘Torn’ como tema central y representación del purgatorio.

Throwback Review: ‘Christina Milian’

Christina Milian albumComo ya he comentado en anteriores ocasiones, la mayoría de mis álbumes favoritos fueron lanzados durante los últimos años de los 90 y primeros del 2000, cuando la industria musical vivía uno de sus mejores momentos gracias a la aparición de un buen número de artistas y grupos de fama mundial respaldados por una gran base de fans como Backstreet Boys, N’Sync, Destiny’s Child, Christina Aguilera o Britney Spears, la mayoría de ellos encuadrados dentro de un pop comercial muy accesible e inmediato pero influenciados por el sonido de moda, el R&B, que vivió su época dorada durante aquellos años y cuya fusión de ambos podríamos definir como urban-pop, que se convirtió en un estilo muy popular en los años cercanos al cambio de milenio. Otra de las cantantes que surgieron en aquella época fue Christina Milian, una ‘pop star’ popular durante los primeros años de la década del 2000 que contaba con un gran potencial y talento suficiente como para competir con otras ‘princesas del pop’, pero lamentablemente su carrera musical acabó demasiado pronto. Coincidiendo con el vigésimo aniversario del lanzamiento del primer álbum de Christina Milian haré una crítica en retrospectiva de este trabajo. Una joven Christina Milian hizo su primera aparición musical en el año 2000 con el single ‘Between Me and You’ del rapero Ja Rule, que resultó un hit en la lista americana y también tuvo moderado desempeño en mercados internacionales y gracias al cual consiguió un contrato discográfico con Def Jam y empezó a grabar su primer disco. En octubre de 2001 se puso a la venta el álbum debut de Christina Milian, titulado de manera homónima y compuesto por un compendio de marchosos temas dance-pop, baladas de estilo pop/R&B y medios tiempos R&B influenciados por el sonido Hip-Hop con colaboraciones de raperos. El álbum sólo se lanzó en Europa ya que tras los recientes atentados del 11 de septiembre su publicación en Estados Unidos fue retrasada y finalmente nunca fue lanzado en tierras americanas, aunque en 2020 fue añadido a las plataformas de música en streaming. La cantante de New Jersey compuso la mayoría de los temas presentes en el álbum basándose en experiencias personales propias y entre los productores implicados en este proyecto se encuentran Bloodshy & Avant, Irv Gotti, Jermaine Dupri, Evan Rogers, Carl Sturken y StarGate, quienes dieron forma a un álbum que navegaba entre el pop y un R&B muy accesible a todos los públicos, estilo que dominó durante los primeros años de la década del 2000.

El single presentación del álbum, AM To PM, llegó en verano de 2001 y se trataba de un enérgico tema dance-pop influenciado por el sonido R&B con pegadizas letras acerca de salir de marcha y pasarlo bien, compuesto por la propia Christina Milian bajo la producción del dúo sueco Bloodshy & Avant, quienes eran relativamente poco conocidos por entonces aunque alcanzarían el éxito años más tarde con ‘Toxic’ de Britney. Aunque el álbum recibió opiniones diversas, AM To PM fue considerado uno de los temas más sobresalientes y resultó un éxito moderado a nivel mundial: en Estados Unidos y Australia ocupó el top 30 pero en Reino Unido tuvo un desempeño muy superior y alcanzó el #3 en la lista de ventas. Ya en 2002 se lanzó el segundo y último single, When You Look At Me, que era otra de las producciones de Bloodshy & Avant para el álbum y nuevamente se trataba de un bailable tema up-tempo pop/R&B cuyas letras hacían referencia a que no debes juzgar a una persona por la primera impresión. ‘When You Look At Me’ superó el desempeño comercial del anterior single y fue top 10 en Australia y top 20 en Francia y Alemania, aunque no logró entrar en la lista americana. En Reino Unido resultó otro hit para Christina Milian y volvió a ocupar el #3. Aunque los dos singles lanzados fueron moderadamente exitosos en Europa y Australia, las ventas del álbum fueron muy bajas (hay que tener en cuenta que nunca fue publicado de manera oficial en tierras americanas) y alcanzó su mejor posición Reino Unido, donde fue certificado oro.

El álbum debut de Christina Milian recibió críticas mixtas por parte de los expertos musicales: algunos alabaron la agradable y dulce voz de la joven cantante americana y el carácter marchoso y bailable de las canciones, mientras que otros sintieron que las letras carecían de personalidad y originalidad. Desde sus inicios Christina Milian fue comparada a otras jóvenes ‘pop stars’ que triunfaban durante la época como Britney Spears o Christina Aguilera aunque contaba con un toque urbano más pronunciado, inspirado en cantantes como Janet Jackson o Aaliyah. Christina Milian no defrauda cuando muestra su lado más bailable y animado a través de temas dance-pop, como ‘Got To Have You’, que destaca por el uso de violines, ‘You Make Me Laugh’ o ‘Your Last Call’, que por el contrario tiene un toque más electrónico, todos ellos producidos por Bloodshy & Avant, quienes fueron responsables de los temas más up-tempo del disco. Dentro del lado R&B/Hip-Hop del álbum encontramos temas interesantes como ‘Get Away’, que cuenta con la participación de Ja Rule y ‘Spending Time’ en el que colabora la rapera Charli Baltimore, ambos bajo la producción de Irv Gotti, quien ya había sido el responsable de ‘Between Me and You’ de Ja Rule. También hay varias baladas que muestran el lado más emotivo de Christina y sacan a relucir su talento vocal, como ‘Thank You’ y ‘Until I Get Over You’, producidas por Evan Rogers y Carl Sturken o ‘It Hurts When…’, una balada de desamor en cuyos créditos se encuentra el cantante Montell Jordan. En la edición deluxe del álbum, que está disponible desde el año pasado en las plataformas musicales, destaca el tema up-tempo ‘You Snooze, You Lose’, la aportación del dúo StarGate al álbum.

En resumen, el talento de Christina Milian era indiscutible: tiene buena voz, es atractiva y una gran bailarina, pero si acabó fracasando fue a causa de la confusa estrategia comercial de su discográfica, que no supo cómo posicionarla en el mercado y venderla al público, si como una cantante R&B o como una ‘princesa del pop’ como Britney y Xtina, lo que unido a errores como que el álbum no fuera publicado en Estados Unidos y la escasa promoción que recibió su música, le restó una importante cuota de mercado y sentenció su carrera. Aún así, estamos ante un álbum más que digno lleno de canciones pop/R&B de letras sencillas, pero enormemente pegadizas y efectivas. Temas imprescindibles: Got To Have You, You Make Me Laugh, When You Look At Me, AM To PM y Your Last Call. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: ‘Living Proof’ de Cher

Living ProofCuando muchos la daban por acabada y su popularidad había descendido de manera notoria, Cher resurgió como el ave fénix en 1998 con Believe, un álbum en el que la llamada ‘Goddess of Pop’ se re-inventó nuevamente adoptando un moderno sonido Dance/House y una imagen más juvenil y actual. Believe contó con el single de igual título que resultó uno de los temas más exitosos de aquel año y permanece como la canción más icónica de su extenso catálogo musical gracias a su extraordinario desempeño comercial. Believe ocupó el #1 en más de 20 países de todo el mundo, superó los 10 millones de copias, convirtiéndose en una de las canciones más vendidas de todos los tiempos y obtuvo varios récords mundiales. Tanto Believe como el segundo single, Strong Enough, se han convertido en dos de las canciones más representativas de su carrera, son perfectamente reconocibles por un amplio espectro de la población y han pasado a formar parte de la historia de la música. Tras el tremendo éxito del álbum, Cher llevó a cabo una maratoniana gira por todo el mundo y su discográfica lanzó varios álbumes de grandes éxitos para capitalizar el éxito de Believe y el gran momento de popularidad que vivía la cantante californiana. En el año 2000 Cher publicó de manera muy limitada y exclusivamente a través de internet el álbum ‘Not.com.mercial’, el cual había sido grabado años atrás pero fue rechazado por su discográfica al considerarlo de naturaleza oscura, poco comercial y de estilo ‘anti-Cher’. Este trabajo fue lanzado tras Believe pero resultaba totalmente diferente, profundizaba en el sonido folk y pop/rock y permanece como uno de los trabajos más desconocidos para sus seguidores. En noviembre de 2001 Cher regresó con su vigésimo cuarto álbum de estudio, titulado Living Proof, el cual seguía la estela musical de Believe y en palabras de la veterana artista era “como su hermano pequeño” ya que continuaba con el sonido dance-pop iniciado en Believe con influencias Disco, House y electro-pop. Mark Taylor, el responsable de Believe, volvió a participar en este proyecto aunque se suman otros importantes productores como StarGate y Rick Nowels o la afamada compositora Diane Warren y cabe destacar que Cher participó en la composición de dos temas. Teniendo en cuenta que este año se cumple el vigésimo aniversario del lanzamiento de Living Proof realizaré una crítica en retrospectiva de este magnífico álbum.

El single presentación de Living Proof fue The Music’s No Good Without You, un marchoso tema dance-pop y Disco compuesto por la veterana cantante, producido por su habitual colaborador Mark Taylor y cantado por Cher en tono melancólico mientras se lamenta de la marcha de su amante. Este tema recibió opiniones muy diversas de los expertos musicales: por una parte alabaron la gran producción y su inspiración en el sonido Disco aunque se criticó el gran parecido con los temas presentes en el álbum Believe y el excesivo uso de Auto-Tune en la voz de Cher. Pese a no cosechar el mismo éxito que Believe, ‘The Music’s No Good Without You’ tuvo un desempeño positivo en Europa y ocupó el top 10 en Reino Unido, España e Italia, expandiendo el reinado de Cher durante cinco décadas consecutivas. En tierras americanas, como primer single se lanzó a su vez Song For The Lonely, un bailable tema dance-pop con uso prominente de guitarra compuesto inicialmente como una canción de amor pero cuyo mensaje tomó un nueva dirección tras los atentados del 11 de septiembre, ocurridos apenas un par de meses antes del lanzamiento del álbum. Como lead single en Estados Unidos, ‘Song For The Lonely’ no consiguió alcanzar el extraordinario rendimiento comercial de Believe y apenas pisó el Hot 100 de la lista americana aunque llegó al #1 en el componente Dance Club Songs de Billboard. Como siguiente single internacional se lanzó Alive Again, un enérgico tema Dance/House que recuerda a temas de su anterior álbum como ‘All or Nothing’. Las diferencias de Cher con su discográfica paralizaron la promoción del álbum tras los primeros singles y como consecuencia Alive Again apenas recibió promoción aparte de su videoclip y por ello cosechó un desempeño muy negativo en las listas de venta. Alive Again no fue incorporado el ‘set list’ de la gira promocional que acompañó al álbum y cabe destacar que es uno de los pocos singles de Cher que nunca ha sido interpretado en directo. Como segundo single en Estados Unidos se lanzó A Different Kind of Love Song, un marchoso tema dance-pop de eufórico estribillo cuyas letras resultan inspiradoras por su mensaje de hermanamiento y unidad ante las adversidades. Pese a su gran potencial y ser una de las mejores canciones del disco, ‘A Different Kind of Love Song’ continuó el mediocre rendimiento de los singles y no consiguió entrar en la lista americana aunque se convirtió en el segundo #1 de Cher en el componente Dance Club Songs. Como último single en tierras americanas se lanzó de manera muy limitada When The Money’s Gone, que se trataba de una versión del tema de idéntico título de Bruce Roberts pero adaptado al estilo Dance/House del álbum. Este tema consiguió el tercer #1 consecutivo del álbum para Cher en el componente Dance Club Songs. When The Money’s Gone fue lanzado como doble single de cara A junto a ‘Love One Another’, que no se trataba de un tema original sino de otra versión, pero en este caso de una cantante holandesa poco conocida. Pese a ser el sencillo menos popular lanzado del álbum, ‘Love One Another’ recibió una nominación en los premios Grammy a mejor grabación Dance del año.

Living Proof debutó en el #9 en la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el tercer álbum top 10 en Estados Unidos tras ‘Heart of Stone’ y el icónico ‘Believe’, lo cual es un dato que puede sorprender viniendo de una artista tan longeva como Cher, pero lo cierto es que sus álbumes lanzados durante los años 60 y 70 no obtuvieron grandes posiciones en la lista americana ni altas ventas. En Estados Unidos fue certificado oro por ventas superiores al medio millón de ejemplares (unas cifras notoriamente inferiores a las de Believe) y permanece como uno de los 5 discos más exitosos dentro de la trayectoria de Cher. En el resto del mundo, Living Proof tuvo un desempeño muy moderado: fue top 20 en España y Alemania pero en otros mercados importantes como Reino Unido apenas ocupó el top 50.

Living Proof recibió opiniones diversas por parte de los críticos musicales, los cuales se mostraron ambivalentes ante la dirección tomada por Cher de imitar el estilo iniciado en Believe y por el excesivo uso de Auto-Tune, aunque también hubo quienes comentaron que en conjunto resultaba un álbum más sólido y redondo que Believe. Entre los temas que merecen ser reseñados se encuentran ‘Love Is a Lonely Place Without You’, la canción más up-tempo del disco y que continúa la temática de desamor presente en varias canciones, ‘Real Love’, producido por el famoso dúo de productores StarGate y que recupera el espíritu Disco de los 70 pero con un toque electro-pop actual o ‘Body To Body, Heart To Heart’, un original tema dance-pop con gran influencia Latin-pop que intenta recuperar el estilo latino del reciente single ‘Dov’è L’amore’ y cuyas letras pertenecen a la prestigiosa compositora Diane Warren. Pese a que la mayor parte del álbum es up-tempo, de carácter bailable y dirigido a las pistas de baile, al igual que en Believe encontramos un tema más sosegado, en este caso ‘Rain Rain’, que se trata de un medio tiempo pop con gran aroma R&B que destaca por su aire melancólico y supone un momento relajado dentro del frenético ritmo del álbum. Sin duda ‘Rain Rain’ es uno de los temas más destacados por su claro contraste con el resto de canciones del disco y su influencia del sonido R&B que triunfaba durante aquella época y le sienta muy bien a la potente voz de Cher. En resumen, aunque estuvo eclipsado por el enorme éxito de Believe y repite su fórmula en cuanto a estilo y sonido, Living Proof es un más que digno sucesor de éste último y permanece como uno de los mejores álbumes de la discografía reciente de Cher. Temas imprescindibles: The Music’s No Good Without You, Love Is a Lonely Place Without You, A Different Kind of Love Song, Song For The Lonely, Rain Rain y Real Love. Puntuación: 8/10.

Crítica de ‘Nobody Is Listening’ de Zayn

Nobody Is ListeningEnero suele ser un mes con escasas novedades discográficas ya que la mayor parte de los artistas eligen para el lanzamiento de sus álbumes los meses de noviembre y diciembre al beneficiarse de las altas ventas que se producen durante el periodo navideño, lo que supone un relativo alivio para la maltrecha situación que vive la industria musical. Aunque las grandes discográficas evitan el mes de enero para situar sus lanzamientos más importantes, encontramos una excepción en el caso de Zayn, quien ha hecho caso omiso de esta regla no escrita y ha publicado el 15 de enero su tercer álbum de estudio, titulado Nobody Is Listening. El nuevo trabajo de Zayn Malik toma el relevo de ‘Icarus Falls’, que vio la luz a finales de 2018 y resultó un rotundo fracaso comercial con respecto a su disco debut debido a su escasa promoción y la ausencia de hit singles, por ello muchas expectativas estaban puestas en él. A diferencia de ‘Icarus Falls’, que era un disco doble con casi 30 canciones, el nuevo álbum del ex-componente de One Direction resulta muy breve, con tan sólo 11 temas que rondan los tres minutos de duración, sin embargo lo que no cambia es su estilo musical, que está centrado en el estilo urbano y el sonido R&B electrónico. Nobody Is Listening es un álbum de carácter introspectivo y está centrado en medios tiempos y baladas que encajan mejor con el tono reflexivo y meditativo de las letras. El sencillo presentación del álbum, Better, llegó el pasado mes de septiembre y se trataba de un medio tiempo R&B/pop que no se aleja demasiado del sonido habitual del cantante inglés y de lo que encontramos en el actual panorama urbano. Better ha obtenido un desempeño comercial muy negativo: apenas ha ocupado el top 60 en la lista de ventas de Reino Unido y sólo cuenta con 60 millones de reproducciones en Spotify, una cifra muy inferior a la de otros lead singles como Pillowtalk, que casi tiene 900 millones en la conocida plataforma musical. Una semana antes del lanzamiento del álbum llegó el segundo single, Vibez, un tema R&B influenciado por los ritmos Hip-Hop muy en la línea del estilo de Chris Brown o el Justin Bieber más reciente y que supone el tema más rítmico y comercial de disco.

Entre las canciones más interesantes de Nobody Is Listening se encuentran ‘Calamity’, que sirve como introducción al álbum y en la que Zayn comienza rapeando mientras explica el significado del título “nadie está escuchando” y todo lo que ha vivido durante estos últimos años, ‘Outside’, una bonita balada con melodía de guitarra en cuyos créditos de composición aparece el cantante americano Khalid y que destaca por voz el falsete de Zayn o ‘When Love’s Around’, que cuenta con la colaboración de la cantante americana Syd, quien aporta su voz dulce a este número de R&B con influencia reggae. En el tema mid-tempo ‘Sweat’ se introducen sintetizadores típicos de los años 80 mientras que en la balada que cierra el disco, ‘River Road’, el joven cantante ejerce de crooner y muestra su predilección por el sonido Jazz/Blues.

En sus carreras en solitario, los ex-componentes de One Direction han gozado de una respuesta por parte del público de lo más variada: mientras que Harry Styles ha triunfado en todo el mundo con su reciente álbum gracias a hit singles tan contundentes como ‘Adore You’ o ‘Watermelon Sugar’, Louis Tomlinson y Niall Horan han tenido un desempeño comercial más moderado pero siguen obteniendo buenos datos en Reino Unido y Liam Payne, quien a priori podríamos pensar que triunfaría en Estados Unidos gracias a su estilo urbano y su gran carisma, ha fracasado con su primer disco, cuya vida comercial ha sido mínima. Zayn Malik, por su parte, tras abandonar la famosa ‘boy band’, gozó de una gran acogida con su primer álbum a ambos lados del Atlántico, sin embargo su segundo trabajo resultó un rotundo fracaso comercial, agravado por los problemas de ansiedad y pánico escénico que sufrió el cantante de origen pakistaní. Con su tercer disco de estudio Zayn no aspira a repetir los resultados de ‘Mind of Mine’ ya que su popularidad se ha reducido notoriamente durante los últimos años y el mercado musical sigue muy débil como consecuencia de la pandemia, además al haber situado su nuevo álbum en unas fechas tan poco agradecidas de cara a las ventas como es el mes de enero no es probable que alcance un gran éxito. Pese a todo, no nos encontramos ante un producto de baja calidad, ya que ‘Nobody Is Listening’ cuenta con varias canciones interesantes que ponen de manifiesto una mayor madurez en las letras, pero su carácter personal, íntimo e introspectivo lo hacen poco accesible al gran público. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de ‘Heaux Tales’ de Jazmine Sullivan

Heaux TalesUno de los primeros álbumes que ha visto la luz durante este recién inaugurado año 2021 ha sido Heaux Tales, el primer EP de la cantante Jazmine Sullivan pero que supone su cuarto trabajo discográfico en total. Heaux Tales, cuyo título podríamos traducirlo como “historias de una persona que se ha acostado con mucha gente”, recoge el testigo de ‘Reality Show’, el tercer álbum de estudio de Jazmine, el cual fue publicado exactamente hace 6 años y recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales por su talento como compositora y vocalista y fue nominado a varios premios Grammy, entre ellos mejor álbum R&B del año. Heaux Tales es un álbum conceptual formado por 14 temas (con varios interludios narrados por la propia Jazmine y usados como hilo conductor) que hablan sobre las relaciones entre los hombres y las mujeres desde una perspectiva feminista y se tocan temas tan diversos como la inseguridad, el sexo, el empoderamiento femenino o el sentimiento de pérdida. La cantante americana compuso ‘Heaux Tales’ para dar voz a todas las mujeres, las cuales merecen respeto tanto si son importantes empresarias como strippers, ya que cada mujer elige cómo quiere presentarse a sí misma ante el mundo, por tanto este trabajo habla sobre unidad, vulnerabilidad y confianza en uno mismo. Este EP fue grabado en su ciudad natal, Philadelphia, está compuesto en su totalidad por la propia Jazmine bajo la producción de Key Wane, Dave Watson o Cardiak entre otros y cuenta con la participación de tres artistas invitados: Ari Lennox, Anderson Paak y H.E.R. El single presentación del EP, Lost One, llegó en agosto del año pasado y se trataba de una melancólica balada R&B/Soul de sonido minimalista casi acústico en el que Jazmine muestra su vulnerabilidad al relatar la dolorosa ruptura con su ex-pareja. En noviembre fue lanzado como segundo single Pick Up Your Feelings, una balada mid-tempo R&B/Soul con el sello inconfundible de Jazmine Sullivan en el que la cantante de 33 años ofrece otra perspectiva diferente de su ruptura y se muestra como una mujer empoderada y sin remordimientos que pasa página de su anterior relación y le recuerda a su ex que “no se olvide de recoger sus sentimientos” ya que no tiene espacio en casa.

Coincidiendo con el lanzamiento del EP ha llegado el tercer single, Girl Like Me, una balada casi acústica con uso prominente de guitarra que cuenta con la participación de otra de las figuras más importantes del R&B contemporáneo, H.E.R. y en el que la autora de ‘Bust Your Windows’ intenta buscar un nuevo amor en una conocida aplicación de citas tras su desconsolada ruptura. Heaux Tales está compuesto principalmente por baladas y medios tiempos de sonido R&B/Soul como ‘The Other Side’ o ‘On It’ junto a Ari Lennox, aunque dentro de un álbum tan sosegado podemos encontrar un par de temas más rítmicos como ‘Put It Down’, producido por Key Wane, quien se encargó de varias canciones de su anterior álbum o ‘Pricetags’, que habla sobre el alto nivel de vida que lleva Jazmine y cómo su amante le compra numerosos regalos para tenerla contenta, mientras que Anderson Paak, el artista invitado, responde desde la perspectiva masculina diciendo que se ha arruinado comprándole regalos de lujo. En resumen, la larga espera desde su anterior disco ha merecido la pena ya que Jazmine Sullivan ha regresado con un trabajo sólido, cohesivo y de carácter introspectivo en el que relata sus experiencias amorosas desde el punto de vista de las mujeres. Si te gustó B7 de Brandy o clásicos de la talla de ‘The Miseducation of Lauryn Hill’, eres amante del R&B más tradicional y te sientes identificado con las letras llenas de angustia y rabia contra los hombres típicas de Keyshia Cole o K. Michelle, sin duda éste es tu álbum. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de ‘My Gift’ de Carrie Underwood

My GiftTras una larga y exitosa carrera dentro del género Country, la cantante Carrie Underwood ha lanzado este año su primer álbum navideño y séptimo en total de su trayectoria musical. My Gift está formado por 11 canciones, 3 de ellas originales y el resto versiones de clásicos navideños, bajo la producción de Greg Wells y se centra en el aspecto espiritual y religioso de estas entrañables fiestas. My Gift toma el relevo a ‘Cry Pretty’, un moderno álbum de Country que resultaba más accesible al público pop y supuso su cuarto trabajo #1 en Estados Unidos, fue certificado platino en tierras americanas y contó con los singles ‘Love Wins’, ‘Cry Pretty’ y ‘Drinking Alone’. My Gift ha debutado en el #5 de la lista americana, convirtiéndose en el séptimo top 5 en Estados Unidos para Carrie Underwood, quien ha visto cómo todos sus anteriores álbumes ocupaban el top 2, denotando la gran popularidad y éxito que tiene la artista de Oklahoma. El single presentación de My Gift ha sido Hallelujah, una bonita balada a piano con influencia Country-pop que cuenta con la colaboración del cantante John Legend, quien se encarga de la composición del tema junto a Toby Gad. Sin duda Hallelujah es uno de los temas más destacados del álbum ya que une a dos de las mejores voces americanas de la actualidad. Dentro de My Gift podemos encontrar versiones de clásicos navideños como ‘Silent Night’, ‘Little Drummer Boy’, que cuenta con la participación de su hijo Isaiah, ‘Have Yourself a Merry Little Christmas’ o ‘O Holy Night’, en una versión pop orquestal muy similar a la que realizó Céline Dion en su álbum navideño. De los temas inéditos merece la pena reseñar ‘Let There Be Peace’, compuesto por la propia Carrie y que mezcla su habitual sonido Country con el Gospel y lanza un mensaje de optimismo y paz en estos difíciles tiempos que vivimos. En resumen, My Gift es un álbum agradable de escuchar gracias a la magnifica voz de Carrie Underwood y la acertada selección de temas incluidos, sin embargo no resulta tan animado y festivo como otros discos de este tipo al estar compuesto casi exclusivamente por baladas y centrarse en el significado religioso del periodo navideño. Aún sin llegar al gran nivel de ‘Merry Christmas’ de Mariah Carey o ‘These Are Special Times’ de Céline Dion, My Gift es una digna adición al impecable catálogo musical de la cantante americana. Puntuación: 7/10.