Crítica del álbum ‘Melanie C’

Melanie CMelanie C ha demostrado ser la componente de Spice Girls más comprometida con el mundo de la música y la única que a lo largo de los años se ha labrado una sólida y exitosa carrera en solitario. Prueba de ello son los 7 álbumes de estudio que ha publicado desde 1999, haciendo de ella la Spice con más discos en el mercado y la única que en la actualidad sigue demostrando su pasión por cantar y crear nuevas canciones. Tras la triunfal pero breve gira de Spice Girls del año pasado con la que recorrieron Reino Unido, Melanie Chisholm retomó su carrera como solista y viajó por todo el mundo participando en las celebraciones del ‘Orgullo Gay’ de varios países junto al grupo Sink The Pink, con quienes precisamente participó en el single ‘High Heels’, un marchoso y bailable tema dance-pop con el que animó a todos los asistentes de su ‘Pride World Tour’ y lanzó al mundo un mensaje de amor universal y a uno mismo. Ya en 2020, Melanie nos presentó el single adelanto de su siguiente trabajo discográfico, Who I Am, que se trataba de un fantástico tema electro-pop y dance-pop producido por Richard ‘Biff’ Stannard que mostraba a la perfección su talento vocal y como compositora y resultaba un himno sobre la auto-aceptación (recordemos que Mel sufrió depresión y desorden alimenticio tras los primeros años de fama junto a Spice Girls). Who I Am estuvo acompañado de un original videoclip ambientado en un museo donde Melanie se paseaba observando cuadros y esculturas de ella en sus diferentes etapas musicales, incluyendo sus icónicos looks de ‘Northern Star’ o como Sporty Spice. Durante la pandemia la cantante inglesa ha seguido muy activa en el panorama musical y en mayo lanzó su nueva propuesta, Blame It On Me, un marchoso tema dance-pop y electro-pop con influencia Disco en el que relata una relación tóxica y el duro camino hasta lograr empoderarse y defenderse a sí misma, y a finales de julio llegó In and Out of Love, que en propias palabras de la cantante “es el tema pop up-tempo que todos estamos esperando en estos tiempos tan difíciles que vivimos” y resultaba otra apuesta muy acertada por parte de Mel C. Una de las señas de identidad de esta nueva era ha sido su enorme implicación en el aspecto visual de los singles y más teniendo en cuenta la complicada situación que estamos viviendo en la que hay que practicar la distancia social y el hecho de ser una artista independiente, pero Mel nos ha ofrecido una serie de videoclips muy interesantes con mínimos medios. En el videoclip de ‘In and Out of Love’ Melanie luce varios looks y muestra el espléndido físico que tiene con 46 años mientras realiza coreografías junto a los bailarines de la gira ‘Spice World’ del año pasado.

En septiembre llegó Fearless, que supuso un importante cambio de dirección musical con respecto a sus anteriores singles de carácter bailable ya que se trata de un tema mid-tempo pop/R&B envuelto por una atmósfera urbana y alternativa y que cuenta con la colaboración de la rapera y compositora inglesa Nadia Rose. Fearless supone la primera colaboración de Melanie con una rapera desde el single del año 2000 ‘Never Be The Same Again’ junto a Lisa ‘Left Eye’ Lopes, el cual es uno de los mejores temas de toda su trayectoria en solitario y uno de sus mayores hits. Un par de días antes de la publicación del álbum y para evitar que el ‘hype’ por él se desvanezca, Melanie ha lanzado un nuevo sencillo promocional, Overload, con el que regresa al pop bailable de sus primeros singles aunque en este caso incorpora un llamativo sonido Disco/funk que le proporciona un toque retro que se ha puesto muy de moda durante este año. Sin duda Overload es uno de los temas más pegadizos y originales del álbum y que sigue la gran racha de magníficos singles lanzados de este proyecto, con permiso de Fearless, el más flojo de todos ellos y su único ‘tropiezo’.

El octavo álbum de estudio de la cantante inglesa tiene por título Melanie C, ya que todas las experiencias vividas durante estos últimos años le han servido para saber quién es como persona y artista. El álbum está formado por 10 canciones de estilo electro-pop y dance-pop compuestas por la propia Melanie que hablan sobre empoderamiento y aceptación de uno mismo. ‘Melanie C’ ha sido lanzado en numerosos formatos incluyendo CD, vinilo, cassette (todos ellos fabricados con material ecológico biodegradable) además de la descarga digital y dentro de la edición deluxe física, que cuenta con 16 canciones, podemos encontrar 3 temas inéditos y remixes de varios de los singles. Entre lo más destacado del álbum se encuentra ‘Good Enough’, un enérgico y bailable tema dance-pop similar a los primeros sencillos extraídos del disco o el marchoso tema electro-pop ‘Here I Am’, cargado de letras muy personales sobre superar las adversidades y que resulta un himno de auto-superación. Aunque la mayor parte del disco son canciones de carácter up-tempo también encontramos otras más tranquilas como la oscura balada ‘Nowhere To Run’ compuesta junto a su habitual colaborador Richard ‘Biff’ Stannard e inspirada en el sonido de la joven Billie Eilish o ‘End of Everything’, otra balada synth-pop muy clásica en la que observamos que el talento vocal de Melanie todavía sigue presente.

En las diferentes entrevistas promocionales que ha realizado recientemente, Melanie ha recalcado que siempre será Sporty Spice (y más desde la última gira de reunión con Spice Girls, que supuso un momento mágico para ella) pero también quiere demostrar que es una artista en solitario plenamente consolidada y con personalidad propia al margen del grupo. Desde el blog MiSTeR MuSiC siempre he apoyado las carreras en solitario de las componentes de Spice Girls y sobretodo la de Melanie C, la más talentosa de todas ellas pero cuya carrera ha estado muy infravalorada por el público en general pese haber lanzado una serie de singles y álbumes más que dignos. En resumen, ‘Melanie C’ es otro ejemplo del excelente momento que está viviendo el pop durante este año ya que este álbum está formado por un conjunto muy sólido de temas bailables pero cargados de mensajes positivos sobre la depresión, el amor propio y la defensa de los derechos de la comunidad LGTB. ‘Melanie C’ no sólo es uno de los álbumes pop más importantes de este otoño, sino que se posiciona como uno de los mejores trabajos de su amplia discografía, sólo superado por su icónico debut ‘Northern Star’. Temas imprescindibles: Who I Am, Overload, In and Out of Love, Blame It On Me, Here I Am y End of Everything. Puntuación: 8/10.

The Best of Pop: ‘Music’ de Madonna

MusicHace unos días se ha cumplido el vigésimo aniversario del lanzamiento de uno de los álbumes más icónicos de la historia del pop. Me estoy refiriendo a Music, el octavo disco de estudio de Madonna, con el que la Ambición Rubia inauguró la década de la mejor manera posible y se ha convertido en uno de los álbumes más importantes dentro de su amplio catálogo musical. Music es el sucesor de Ray of Light, que vio la luz en 1998, recibió grandes opiniones por parte de los críticos musicales por su enésima re-invención tanto de imagen como de sonido y por su naturaleza experimental y sus letras de carácter introspectivo. Ray of Light debutó en el #2 de la lista americana de álbumes por detrás de la BSO de la película Titanic y acabó siendo certificado cuádruple platino por ventas superiores a los 4 millones de copias en Estados Unidos, a lo que hay que sumar el #1 en más de 10 países del mundo incluyendo Australia, Reino Unido, Alemania o España, con unas cifras de 16 millones de copias a nivel global. Durante esta era Madonna adoptó una imagen mística, serena y menos sexual ya que la cantante neoyorquina abrazó la Kabbalah y contó con varios singles imprescindibles dentro de su carrera musical como la balada electrónica ‘Frozen’ o el marchoso ‘Ray of Light’, ambos top 5 en la lista americana de singles. Tras el éxito de Ray of Light, el cual recibió 4 premios Grammy incluyendo mejor álbum pop del año, Madonna quiso salir de gira para promocionar el álbum sin embargo su discográfica la animó para entrar en el estudio de grabación y dar forma a su nuevo disco, por lo que el ‘Drowned World Tour’ de 2001 sirvió como respaldo tanto para Music como Ray of Light. En el año 2000 Madonna retomó su faceta como actriz con la comedia ‘The Next Best Thing’ y participó en la banda sonora de la película con el tema ‘American Pie’, versión del clásico de Don McLean, el cual llegó al #1 en la lista de ventas de Reino Unido, Canadá, Australia y más de 10 países. El álbum ‘Music’ llegó en septiembre del año 2000, dos años y medio después de Ray of Light y está formado por 10 temas encuadrados dentro del electro-pop y dance-pop con influencia Folk y Country y aunque seguía la estela musical de su disco predecesor, Madonna cambió drásticamente su imagen mística influenciada por la Kabbalah por otra más desenfadada de ‘cow-girl’ con estética Country. En cuanto a la producción del álbum, Madonna contó con la ayuda de William Orbit, responsable de la mayor parte de Ray of Light, aunque su presencia se redujo en favor del productor francés Mirwais Ahmadzaï, el cual se encargó de la mayoría de los temas.

Respaldado por el éxito del single de idéntico título, Music debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes con más de 400 mil unidades en su primera semana, convirtiéndose en el cuarto álbum #1 de Madonna en Estados Unidos y el primero desde ‘Like a Prayer’ de 1989. Music fue certificado triple platino y superó los 3 millones de ejemplares en Estados Unidos y en el resto del mundo también tuvo una excepcional acogida y lideró las listas de venta en más de 20 países y superó los 11 millones de copias. Gracias al buen momento profesional que vivió durante las eras Ray of Light y Music, Madonna recobró su estatus de Reina del Pop tras años de declive comercial durante los años 90, cuando su imagen estuvo empañada por diversas polémicas y una imagen abiertamente sexual.

El single presentación de álbum fue Music, un marchoso tema electro-pop y dance-pop con influencia funk/Disco compuesto y producido por Madonna y Mirwais en el que la cantante mandaba un positivo mensaje de unión de las personas a través de la música. Desde un momento llamó la atención la letra de la canción que comenzaba con “Hey Mr. Dj, ponme mi canción que quiero bailar con mi amor y cuando la música empieza no quiero parar”. Music recibió críticas muy positivas por parte de los expertos musicales por su pegadizo estribillo, su naturaleza desenfadada, bailable y optimista en contraposición al carácter introspectivo de las canciones pertenecientes a Ray of Light. Gracias a sus sencillas pero efectivas letras y su adictivo ritmo, Music resultó un tremendo éxito en las listas de venta: ocupó el #1 en Estados Unidos (su último single #1 hasta la fecha) durante 4 semanas y fue certificado platino por ventas de más de un millón de copias de CD’s físicos. En el resto del mundo el desempeño comercial también fue espectacular y alcanzó el #1 en más de 20 países, convirtiéndose en uno de los singles más populares y exitosos del año 2000. Tras el éxito de Music, a finales de año llegó el segundo single, Don’t Tell Me, que se trataba de un tema electro-pop con instrumentación Country y un tono melancólico en la voz de Madonna que encajaba a la perfección con la imagen ‘cow-girl’ que nos presentó la cantante en esta era y en cuyas letras pedía a su amante que no le controlara. Aunque no resultó tan exitoso como Music, Don’t Tell Me tuvo buena acogida comercial y fue #1 en Canadá, #4 en la lista americana y ocupó el top 10 en Australia, España e Italia. Ya en 2001 se lanzó el tercer single, What It Feels Like For a Girl, que en su versión original se trataba de un tema mid-tempo synth-pop producido por Guy Sigsworth (su única aportación en Music) cuyas letras hablan del rol de la mujer en la sociedad y los dobles estándares que existen hacia las mujeres. Este tema fue aclamado por la crítica por sus letras sobre el empoderamiento femenino y considerado como uno de los más sobresalientes del álbum. El videoclip de What It Feels Like For a Girl fue lanzado en una versión totalmente diferente que incorporaba un sonido Trance/House y recibió opiniones negativas por su agresivo y violento contenido. Este single fue el menos exitoso de los tres lanzados oficialmente de Music aunque fue #1 en España y top 10 en Australia y Reino Unido.

Entre los temas up-tempo más destacados del álbum se encuentran ‘Runaway Lover’, un enérgico tema Trance/House producido por William Orbit que habla de las relaciones fugaces con hombres que no merecen la pena, o ‘Amazing’, un marchoso y pegadizo tema dance-pop y electro-pop que guardaba similitudes con su single ‘Beautiful Stranger’ y se trataba de otra de las aportaciones de William Orbit al álbum y mi tema favorito de Music. Por otra parte encontramos ‘Gone’ y ‘I Deserve It’, dos baladas electrónicas con uso de guitarra, de carácter acústico e influencia Folk, un estilo que Madonna profundizaría en su siguiente álbum American Life, y también merece la pena reseñar ‘Paradise (Not For Me)’, un original tema electrónico down-tempo de atmósfera ambiental y enigmática, reminiscencia de Frozen y otras canciones pertenecientes a Ray of Light, en el que Madonna empieza susurrando para incorporar luego un verso en francés. En resumen, Music es uno de los álbumes pop más importantes de la década del 2000 no sólo por su notable éxito comercial sino porque Madonna incorporó el sonido electrónico al pop comercial e influyó a una generación entera de jóvenes artistas que decidieron adoptar el estilo presente en el álbum. Music fue uno de los primeros álbumes que escuché de Madonna (concretamente su primer CD que compré) por lo que le tengo un cariño especial, además de ser uno de mis favoritos de su repertorio. Varias publicaciones prestigiosas como Rolling Stone lo han incluido en su listado de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Puntuación: 9/10.

Crítica de ‘ALICIA’ de Alicia Keys

AliciaEl pasado viernes se puso a la venta el séptimo álbum de estudio de la cantante Alicia Keys, titulado simplemente Alicia, después de haber sido retrasado su lanzamiento en numerosas ocasiones desde el mes de marzo cuando originalmente iba a ser publicado. Para dar con el último álbum de Alicia Keys tenemos que remontarnos a finales de 2016 cuando vio la luz Here, su álbum más desconocido por el gran público pero que recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su composición y su naturaleza ‘cruda y real’ relatando los problemas actuales que vive la población afroamericana. Here debutó en el #2 de la lista americana de álbumes y se convirtió en su séptimo disco #1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard aunque las ventas fueron muy bajas, marcando mínimos en la trayectoria musical de la artista neoyorquina y no contó con ningún single de éxito. Alicia Keys lleva meses presentándonos singles de su nuevo proyecto y el primero de ellos llegó en septiembre del año pasado. Me refiero a Show Me Love, una balada R&B con uso prominente de guitarra eléctrica que cuenta con la participación del cantante de R&B/Soul alternativo Miguel. Este tema recibió opiniones positivas de los críticos por la química entre ambos artistas y por sus sensuales letras y aunque tuvo un rendimiento muy moderado en las listas de venta consiguió alcanzar el #1 en el componente Adult R&B Songs de Billboard y fue certificado oro por ventas superiores al medio millón de copias en Estados Unidos. Un par de meses más tarde, Alicia desveló un sencillo promocional que nada tenía que ver con el anterior. Time Machine era un marchoso tema funk/Disco de sonido retro en el que Alicia destacaba por sus piruetas vocales y su amplio registro y se convertía en uno de los temas up-tempo más bailables que ha lanzado la cantante en su trayectoria musical. Este tema fue bien recibido por los expertos por su nueva dirección musical y sus letras sobre celebrar la libertad y encontrarse a uno mismo. A principios de 2020 llegó el segundo single oficial, Underdog, que se trataba de un bonito y alegre tema pop/Soul con melodía de guitarra compuesto junto a Ed Sheeran que destaca por los coros tribales y sonidos caribeños al final de la canción y lanza un mensaje muy positivo de apoyo a las personas poco valoradas de la sociedad. Aunque no ha resultado un éxito rotundo e inmediato, Underdog ha ocupado el top 70 en la lista americana, la mejor posición de Alicia en casi una década gracias a un consistente nivel de streaming (supera los 80 millones de reproducciones en Spotify). Tras este modesto hit Alicia Keys presentó dos sencillos promocionales: ‘Good Job’, una balada a piano dedicada a todos los trabajadores esenciales que estuvieron en primera línea durante la pandemia del coronavirus y ‘Perfect Way To Die’, otra clásica balada a piano que recuerda el estilo de Alicia durante sus primeros años y sirve de homenaje a los ciudadanos afroamericanos fallecidos recientemente. El pasado mes de agosto llegó el tercer single, So Done, una insípida balada R&B junto al cantante Khalid que habla sobre vivir libremente en la que cambia su clásico sonido de piano por el de la guitarra. Coincidiendo con la llegada del álbum, Alicia Keys ha lanzado su cuarto single oficial, Love Looks Better, que se trata de un marchoso tema pop/R&B con influencia Soul producido por Ryan Tedder que en mi opinión resulta la mejor propuesta que nos ha ofrecido la artista neoyorquina durante este año tras ‘Underdog’ y podría atraer la atención del público hacia el disco. Todos estos singles tan diversos forman parte de ‘Alicia’, que a priori podría parecer un ‘cajón desastre’ más que un disco centrado.

El álbum está formado por 15 temas (de los que conocemos 7 con anterioridad a su lanzamiento) encuadrados dentro del R&B, Soul y pop, compuestos por la propia Alicia Keys bajo la producción de Ryan Tedder, Tricky Stewart, The Dream, Rob Knox o su marido Swizz Beatz. Dentro del álbum predominan las baladas y medios tiempos de carácter minimalista y destaca por el hecho de abandonar el uso del piano (seña de identidad de Alicia desde sus inicios) en muchas de las canciones en favor de otros sonidos, como la guitarra o instrumentos caribeños que otorgan una atmósfera ambiental y enigmática. La cantante nacida en el barrio neoyorquino de Hell’s Kitchen (Manhattan) ha declarado que ‘Alicia’ es su álbum más personal hasta la fecha y explora las diferentes emociones y sentimientos del ser humano como el amor, la ira o la rabia, además de narrar su visión socio-política del mundo que le rodea. Entre los temas más destacados de ‘Alicia’ se encuentran ‘Wasted Energy’, un medio tiempo de influencia reggae que habla de un amor no correspondido, ‘3 Hours Drive’, una balada de estilo R&B alternativo y melodía dispersa que cuenta con la colaboración del artista Sampha, o el up-tempo ‘Authors of Forever’, en el que Alicia celebra la existencia de “soñadores” en nuestra sociedad que luchan por el cambio y destaca no sólo por su mensaje inspirador sino por su moderna instrumentación caribeña. 

Alicia Keys fue una de las figuras más importantes del R&B durante la década del 2000 gracias a tres álbumes multi-platino en Estados Unidos que fueron alabados por la crítica por sus magníficas cualidades vocales y su talento como pianista y compositora, sin embargo en la siguiente década inició una espiral decreciente en su éxito comercial y una disminución de popularidad. Tras su quinto disco ‘Girl on Fire’ la cantante de 39 años viene arrastrando una pérdida de seguidores muy notoria debido a sus largos periodos de ausencia en el panorama musical, su falta de hits y el progresivo cambio tanto en su música como en su imagen, que ahora muestra un toque más alternativo e ‘indie’. Su nuevo trabajo ‘Alicia’ supone un avance cualitativo con respecto al reivindicativo pero aburrido ‘Here’ pero la cantante sigue tropezando en la misma piedra, ya que el relleno sigue siendo considerable y no hay temas especialmente originales o llamativos, con la excepción de algunos singles interesantes como ‘Time Machine’, ‘Underdog’ o ‘Love Looks Better’. Lejos quedan ya álbumes espléndidos como ‘Songs in A Minor’, ‘The Diary of Alicia Keys’ o ‘As I Am’, en los que mandaba un mensaje muy positivo sobre empoderamiento, la fuerza y el auto-estima de las mujeres y además contenían estribillos pegadizos con naturaleza de himno. Los puntos fuertes de ‘Alicia’ son sus personales letras y carácter introspectivo y su portentosa voz. Puntuación: 7/10.

Crítica de ‘Heaven & Hell’ de Ava Max

Heaven & HellPese a que el 2020 va a ser un año para olvidar debido a la pandemia provocada por el coronavirus y la crisis que ha provocado en la economía, lo cierto es que en el plano musical y especialmente dentro del pop, nos ha regalado unas cuantas alegrías debido al lanzamiento de importantes álbumes que han ayudado a salvar el año, como por ejemplo ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa o ‘Chromatica’ de Lady Gaga, los cuales valoré de manera positiva desde el blog MiSTeR MuSiC y se han convertido en dos de los discos más exitosos y escuchados durante este extraño año. Precisamente estos álbumes, además de otros de menor impacto comercial pero de gran calidad como ‘What’s Your Pleasure’ de Jessie Ware, han supuesto un importante resurgimiento del pop, que durante los últimos años había perdido peso entre los más jóvenes en favor de otros géneros más populares actualmente como el reggaeton o el Trap. Otra de las artistas que sin duda han ayudado a revitalizar el sonido puramente pop ha sido Ava Max, una joven cantante americana de ascendencia albanesa que lleva varios años lanzando singles muy potentes y ha recuperado la esencia del género que fue tan popular a principios de la década del 2000 antes de que se viera influenciado demasiado por los sonidos electrónicos y perdiera su verdadera esencia. Aunque su álbum debut, titulado Heaven & Hell, ha visto la luz este mes de septiembre tenemos que remontarnos dos años atrás para dar con el single presentación de este proyecto. Me refiero por supuesto a Sweet but Psycho, su tema más conocido por el gran público y que después de dos años sigue siendo su canción más escuchada en las plataformas musicales, con casi un billón de reproducciones en Spotify y más de 600 millones de visualizaciones de su videoclip en YouTube. ‘Sweet but Psycho’ es un pegadizo tema combina pop, dance-pop y electro-pop, compuesto por la propia Amanda Ava Koci (el verdadero nombre de Ava Max) junto a Cirkut, la pareja sentimental de la cantante y que se convertiría en el productor responsable de todos sus siguientes singles. Este tema cuenta con un efectivo y adictivo estribillo cuyas letras hacen referencia no a que la cantante sea una psicópata, sino una mujer fuerte e independiente, pero en los temas del amor tiene dos lados muy diferenciados, uno más dulce y otro más loco que le hace decir a su pareja todo lo que siente. Sweet but Psycho no se convirtió en un hit inmediato sino que poco a poco fue ascendiendo en las listas de venta hasta lograr el #1 en más de 20 países, incluyendo Reino Unido, donde lideró la lista de ventas durante 4 semanas, además de ocupar el top 10 en Estados Unidos, un mercado que siempre se ha caracterizado por ser muy poco receptivo a las canciones eminentemente pop. Desde un principio, gran parte del público y los expertos musicales compararon a Ava Max con Lady Gaga, no sólo por el tema ‘Sweet but Psycho’ y su gancho ‘I’m-ma-ma-ma out of my mind’, que recordaba a los utilizados en ‘Poker Face’ y ‘Bad Romance’, sino por su extravagante imagen y estrafalarios atuendos, reminiscencia de la Lady Gaga de ‘The Fame’, aunque Ava Max siempre ha reivindicado su propio estilo y su característica melena asimétrica, que se ha convertido en su ‘logo’ profesional y seña de identidad.

Tras el éxito masivo de Sweet and Psycho, en 2019 llegó So Am I, otro pegadizo tema pop con elementos electro-pop en el que Ava hablaba de sentirse marginada e incomprendida en la sociedad y no encajar con los que le rodean, lo que resultaba un himno de auto-aceptación y de superar las propias inseguridades. Aunque resultaba tan pegadizo como ‘Sweet but Psycho’, este tema recibió algunas críticas negativas al presentarse Ava Max como una marginada cuando en realidad es una mujer blanca, atractiva y privilegiada. ‘So Am I’ no logró igualar el espectacular resultado del single precedente, sin embargo alcanzó el top 20 en Alemania, Irlanda o Reino Unido, mientras que en el resto de mercados el desempeño comercial fue moderado. Cuando la popularidad de Ava Max estaba en su punto álgido y hubiera sido el mejor momento de publicar álbum aprovechando el tirón de los dos singles anteriores, la cantante de Milwaukee (Wisconsin) decidió seguir presentando nuevos temas, pero el globo del éxito fue deshinchándose poco a poco y el ‘hype’ por la artista empezó a desvanecerse. Meses más tarde Ava Max presentó dos nuevos temas, entre los que destacaba el medio tiempo oscuro ‘Freaking Me Out’, del que incluso grabó un videoclip, pero ambos resultaron un fracaso comercial y fueron catalogados posteriormente como sencillos promocionales. En pleno verano, la rubia cantante regresó con su tercer single oficial, Torn, con el que regresaba a su zona de confort y nos presentaba un marchoso y bailable tema dance-pop con influencias Disco en el que se debatía entre el amor y el odio dentro de una relación turbulenta. Torn vino acompañado de un magnífico videoclip de alto presupuesto en el que Ava se transformaba en una heroína de cómic enfrentándose a su infiel pareja. Pese a su gran calidad, Torn resultó un fracaso en las listas de venta y fue incapaz de alcanzar los resultados de ‘So Am I’. A finales del año pasado, Ava lanzó en las plataformas musicales Salt, un tema que ya había desvelado hace meses e interpretado en vivo en varias actuaciones y que sus seguidores habían recibido de manera muy positiva. Salt se trataba de un marchoso tema dance-pop con influencia Disco que contaba con una magistral producción muy ‘ochentera’ y un uso prominente de violines. Salt ha sido añadido de manera muy astuta en todos sus últimos lanzamientos, incrementando sus datos de streaming de manera notoria hasta alcanzar más de 180 millones de reproducciones, convirtiéndose no sólo en un “fan favorite” sino en uno de sus singles más populares en Spotify. Pese a no haber contado con excesiva promoción por parte de Ava (es su único single que no cuenta con videoclip) gracias a su incursión como cara-B en singles como Torn, Salt ha ocupado el top 40 en las listas de venta de Alemania o Francia. 

En el mes de marzo, antes de que el mundo se viera sumido en la pandemia del coronavirus, Ava Max nos presentó un nuevo single, Kings & Queens, que se trataba de un épico tema electro-pop y dance-pop producido por su habitual colaborador Cirkut junto al famoso productor RedOne, artífice de los mayores éxitos de Lady Gaga, con quien Ava Max precisamente ha sido comparada en infinidad de ocasiones. Este tema resulta un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que la cantante “hace una llamada a los reyes para cuidar de sus reinas”, destaca por el prominente uso de guitarra eléctrica a final de la canción y recuerda a las producciones de RedOne de hace una década, especialmente para Lady Gaga. Kings & Queens ha tenido un mayor impacto comercial que sus últimos singles y ha ocupado el top 20 en sus mercados estrella, Reino Unido y Alemania y como dato positivo ha logrado cierta acogida en el difícil mercado americano, logrando la segunda entrada de Ava en el Hot 100 tras Sweet but Psycho. Sin duda ‘Kings & Queens’ ha resultado una de las apuestas más sólidas y acertadas por parte de la cantante de ascendencia albanesa ya que ha superado el resultado comercial de sus últimos singles y se ha posicionado como su segundo single de mayor éxito tras ‘Sweet but Psycho’. A finales de julio la cantante de melena asimétrica lanzó Who’s Laughing Now como el sexto single de su álbum debut, al que por fin daba título y fecha de salida definitiva. Who’s Laughing Now destaca por su particular sonido de silbido y sus carcajadas durante el estribillo, nos recuerda al pop de fabricación sueca que triunfó durante los años dorados del pop de finales de los 90 de grupos como Ace of Base y en cuyas letras Ava hace frente a quienes la criticaron y no la apoyaron en sus inicios y ahora es ella “la que ríe la última”. Podríamos considerar este tema como una continuación de ‘Sweet but Psycho’ ya que Ava nuevamente “saca las uñas” y su lado más vengativo tras haber sido menospreciada. Mientras que ‘Kings & Queens’ era el mayor representante del lado ‘Heaven’ del disco, ‘Who’s Laughing Now’ lo es del lado ‘Hell’ tal y como Ava Max nos ha hecho saber a través de los videoclips de ambos singles. Dos semanas antes de que viera la luz el álbum se lanzó como single OMG What’s Happening, que se trataba de un marchoso tema dance-pop con influencia Disco en el que Ava Max realiza varias piruetas vocales que recuerdan a Marina and the Diamonds y en cuyas letras reprocha a su pareja todo el daño que le ha hecho. 

Ava MaxHeaven & Hell es un álbum eminentemente pop con gran influencia electro-pop y dance-pop compuesto por 15 temas que nos transportan al pop de hace más de una década mediante melodías sencillas y letras que no destacan especialmente por su originalidad pero cuentan con estribillos que resultan de lo más efectivo. Los temas presentes en Heaven & Hell están divididos en dos partes diferenciadas, precisamente las que hace referencia su título, en un planteamiento muy similar al que utilizó Geri Halliwell con su disco debut ‘Schizophonic’ separando su lado ángel y demonio. En el lado ‘Heaven’ podemos encontrar canciones enérgicas de naturaleza inspiradora que sirven como himnos y en ‘Hell’ canciones de temática más oscura y melancólica, con el tema central ‘Torn’ representando el purgatorio (en sus letras dice “estoy dividida entre el cielo y el infierno”). Todos los temas han sido co-escritos por la propia Ava Max bajo la producción de Cirkut y entre la extensa nómina de compositores y co-productores figuran importantes nombres como Charlie Puth, RedOne, Bonnie McKee o Shellback. Aunque casi la mitad del contenido de ‘Heaven & Hell’ ya ha sido desvelada antes de su lanzamiento, todavía quedan sorpresas en el disco como ‘Tattoo’, un tema electro-pop compuesto junto a Charlie Puth que podría encajar en el debut de Lady Gaga, ‘Call Me Tonight’, que contiene un cierto toque R&B gracias a un riff de guitarra similar al de ‘No Scrubs’ de TLC, o ‘Naked’, un bailable tema dance-pop en el que la cantante desnuda sus sentimientos a su pareja y se muestra tal como es y cuyo videoclip ha sido desvelado el mismo día que llegaba el álbum. Dentro de la segunda parte destacan ‘Take You To Hell’, que comienza con una melodía oscura y enigmática para convertirse en un tema pop muy “dosmilero” cuya producción recuerda a las de Oops! de Britney, ‘Rumors’, influenciado por el synth-pop de los años 80 y en el que Ava declara que aunque oiga ciertos rumores sobre su amante sigue enganchada a él, o ‘Belladonna’, un original tema electro-pop en el que Ava se compara con dicha planta venenosa y confiesa a su amante que puede ser peligrosa y contagiosa como ella.

Desde que Ava Max irrumpió en el año 2018, muchos han criticado tanto el estilo musical como el sonido de Ava Max por resultar anticuado y ser una copia de la Lady Gaga del 2009, sin embargo desde el blog MiSTeR MuSiC siempre la he apoyado por haber lanzado una serie de magníficos singles que muchas de sus competidoras envidiarían poseer y además es una de las pocas representantes del ‘pop en sentido estricto’ en la actualidad. Sin ser la mejor cantante del panorama actual (aunque se defiende perfectamente en directo como ha demostrado en sus actuaciones) ni una fantástica compositora, ya que sus letras contienen muchos clichés ya utilizados anteriormente, Ava Max ha sido capaz de crear uno de los mejores álbumes pop del año. Quizás algunos de los temas inéditos no están a la altura de los ya conocidos y no resultan tan contundentes e inmediatos, pero en su conjunto es un álbum muy sólido, cohesionado y disfrutable debido a la ausencia de baladas. Puntuación: 9/10.

Bad Habits, el regreso de Usher

Bad HabitsDurante mucho tiempo se ha rumoreado que Usher quería dar continuidad al álbum más exitoso y relevante de su carrera profesional, Confessions, el cual vio la luz en 2004, vendió más de 10 millones de copias sólo en Estados Unidos, produjo 4 singles #1 en la lista americana y se convirtió en uno de los álbumes más importantes de la historia del R&B y responsable del buen momento que vivió el género durante aquellos años. El año pasado, el rompecorazones de Atlanta publicó en sus redes sociales varias imágenes en el estudio de grabación junto a Jermaine Dupri (principal artífice de aquel disco) en las que se podía leer ‘Confessions 2’ e incluso desveló el posible ‘track list’ del álbum, aunque borroso. A finales del 2019 pudimos escuchar una de las canciones pertenecientes a esas sesiones de grabación, ya que Usher lanzó Don’t Waste My Time, que se trataba de un marchoso tema pop/R&B producido por sus habituales colaboradores, Jermaine Dupri y Brian-Michael Cox, que contaba con la colaboración de la cantante británica Ella Mai y recuperaba el sonido y la esencia de Confessions. Pese a resultar uno de los mejores temas de Usher de los últimos años, no recibió un apoyo excesivo por parte del público aunque consiguió alcanzar el #1 en el componente Adult R&B Songs de Billboard. Ya en 2020, Usher siguió intentando captar la atención de sus fieles seguidores con otro tema, SexBeat, en el que se reunía de nuevo con Lil Jon y el rapero Ludacris en un intento por recuperar el espíritu de su gran hit ‘Yeah!’, sin embargo el impacto comercial fue nulo, poniendo en riesgo el futuro de esa probable secuela del legendario álbum ‘Confessions’. El pasado mes de junio Usher lanzó la emotiva balada ‘I Cry’ como homenaje a la muerte de varios ciudadanos negros por brutalidad policial en Estados Unidos y como parte del movimiento Black Lives Matter y hace apenas unos días nos ha sorprendido anunciando su residencia en Las Vegas en The Colosseum del hotel Caesars Palace para el año 2021. Coincidiendo con este anuncio, el cantante de 41 años ha presentado su nuevo single, Bad Habits, que pretende dar algo de ‘hype’ para su próxima residencia en la ciudad del pecado. ‘Bad Habits’ es un pegadizo tema R&B en el que Usher reflexiona sobre su historial amoroso, lleno de relaciones fugaces que le impiden encontrar el verdadero amor. Todavía no sabemos si el proyecto ‘Confessions 2’ sigue adelante pero lo que es seguro es que ‘Bad Habits’ formará parte de su noveno álbum de estudio, sin fecha definitiva de publicación. En mi opinión, lo más acertado sería abandonar la idea de una secuela de dicho álbum, ya que el escaso impacto que están obteniendo los supuestos singles de ese proyecto puede empañar el legado del gran álbum ‘Confessions’, que supuso el momento más álgido de la carrera de Usher.

Crítica de ‘Queen of da Souf’ de Mulatto

Queen of da SoufAlyssa Michelle Stephens, conocida artísticamente como Mulatto, saltó a la fama por ser la ganadora de la primera edición del talent show de la TV americana ‘The Rap Game’ en 2016. Tras rechazar el contrato en la discográfica de Jermaine Dupri (presentador de The Rap Game) al ganar el concurso por no ser lo suficientemente suculento, Mulatto se convirtió en artista independiente y lanzó varias mixtapes y EP’s, entre ellas Miss Mulatto, Big Latto y Hit The Latto, las cuales ayudaron a la joven rapera a abrirse camino dentro del circuito Hip Hop americano. El pasado mes de agosto, la rapera originaria de Atlanta publicó Queen of da Souf, su disco debut y el primero dentro de su nueva discográfica RCA, el cual está formado por 13 canciones encuadradas dentro del Hip Hop (concretamente el subgénero Southern Hip Hop) con influencia Trap compuestas por la propia Mulatto bajo la producción de Bankroll Got It, Murda Beatz, J White Did It, Hitmaka entre otros y cuenta con la colaboración de importantes artistas de Hip Hop como City Girls, 21 Savage, Gucci Mane, Saweetie o Trina. El single presentación del álbum fue Bitch from da Souf, cuya versión original pertenecía a su mixtape ‘Big Latto’ pero que fue incluida más tarde en el álbum en forma de remix junto a las raperas Saweetie y Trina, las cuales aportan puntos extra a la canción. ‘Bitch from da Souf’ resulta muy adictiva gracias a su pegadizo estribillo, en el que Mulatto se presenta como ‘la perra más real y rica del sur’ pero su verso palidece al lado de una rapera legendaria como Trina. ‘Bitch from da Souf’ ha supuesto la primera entrada de Mulatto en la lista americana de singles, todo un logro para la joven rapera. El segundo single fue Muwop, un marchoso tema Hip Hop producido por J White que samplea ‘Freaky Gurl’ de Gucci Mane y cuenta precisamente con la participación del rapero. Dentro de ‘Queen of da Souf’ hay canciones interesantes como ‘Youngest and Richest’, el tema que abre el disco, sirve de carta de presentación de Mulatto y cuenta con una melodía clásica de violines que empasta a la perfección con la base Trap, ‘In and Out’, que cuenta con un pegadizo estribillo de estilo Bounce y en el que participan City Girls, o ‘No Hook’, un tema de menos de 2 minutos pero donde Mulatto realiza el mejor verso del álbum y se muestra vulnerable relatando sus miedos y algunas relaciones tormentosas. Por el contrario la segunda parte es más floja e incluye temas como ‘My Body’, más down-tempo y con influencia R&B en el que Mulatto hace un intento de cantar nada acertado. En resumen, Mulatto no es la mejor rapera del panorama actual del Hip Hop ya que sus rimas no son tan sólidas como las de Megan The Stallion, Cardi B o Nicki Minaj ni posee el carisma de éstas últimas, pero teniendo en cuenta que apenas tiene 21 años, hay gran margen de mejora en sus habilidades como rapera y compositora. Definitivamente Mulatto no es la ‘reina del sur’, título que sigue ostentando Trina, pero nos ha ofrecido un más que digno álbum debut con varias canciones disfrutables y de calidad. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de ‘Ungodly Hour’ de Chloe x Halle

Ungodly HourUnas de las protagonistas del año dentro del panorama R&B han sido sin duda Chloe x Halle, un dúo formado por dos hermanas nacidas en Atlanta (Georgia) que pese a su juventud no son unas recién llegadas al mundo de la música, ya que han lanzado varias mixtapes y EP’s antes de publicar su álbum debut. En 2018 vio la luz su primer disco de estudio, titulado The Kids Are Alright, el cual pese a debutar tímidamente en la lista americana de álbumes recibió grandes críticas de los expertos musicales por su gran solidez y madurez musical a pesar de su juventud y con el que incluso recibieron dos nominaciones a los premios Grammy a mejor nuevo artista y mejor álbum urbano contemporáneo, categoría en la que competían con la mismísima Beyoncé, mentora de las hermanas Bailey y que se apresuró a ficharlas en su discográfica debido a su gran potencial. El pasado mes de junio Chloe x Halle publicaron su segundo álbum, Ungodly Hour, que está formado por 13 canciones compuestas por las dos hermanas, las cuales también han co-producido la mayoría de ellas con ayuda de importantes productores como Scott Storch, Mike Will Made It, Boi-1da o Disclosure. ‘Ungodly Hour’ debutó en un discreto puesto #16 de la lista americana de álbumes, pero supone un gran paso adelante con respecto al desempeño comercial de su anterior disco. El single presentación del álbum fue Do It, un marchoso tema R&B en cuyos créditos se encuentra la prometedora compositora y cantante Victoria Monét y cuenta con una magnífica producción por parte de Scott Storch. Este tema de pegadizo estribillo puede parecer que tiene unas letras muy básicas y poco profundas sobre arreglarse para salir de marcha con las amigas, pero según las jóvenes cantantes su objetivo era crear una canción divertida y alegre para alejarse de los problemas, sobretodo en los difíciles tiempos que estamos viviendo. Do It, gracias a una amplia promoción por parte del dúo (la red social Tik Tok ayudó a popularizar el tema) se ha convertido en el primer single de Chloe x Halle en entrar en la lista americana, aunque sea en la parte baja de la tabla. Hace unos días se ha desvelado el remix oficial de ‘Do It’, que cuenta con la participación de algunas de las raperas más prometedoras de los últimos tiempos, como Doja Cat, City Girls o Mulatto.

Coincidiendo con el lanzamiento del álbum se lanzó como segundo single Forgive Me, que se trata de un estupendo medio tiempo R&B con influencia Trap en el que podemos apreciar las magníficas voces de las hermanas y resulta un himno de auto-afirmación y empoderamiento. Uno de los temas más llamativos del álbum es precisamente la canción que le da título, ‘Ungodly Hour’, que se trata de un original tema R&B/dance-pop influenciado por el sonido Garage británico (algo que no sorprende si tenemos en cuenta que Disclosure son los productores del tema) y que resulta uno de los temas más up-tempo y marchosos del álbum. Chloe x Halle interpretaron ‘Ungodly Hour’ en los recientes premios MTV Video Music Awards y se convirtió en una de las actuaciones estrella del show debido a sus maravillosas voces en directo, sus llamativos looks y una gran puesta en escena. Otros de los temas más destacados del álbum son la gran balada ‘Wonder What She Thinks of Me’, con reminiscencias Soul y que recuerda el estilo de la cantante Janelle Monae, la divertida ‘Tipsy’, que cuenta con una producción experimental y arriesgada, o ‘Busy Boy’, un marchoso tema R&B/Trap up-tempo en el que relatan su experiencia con chicos tóxicos que no merecen la pena. En resumen, ‘Ungodly Hour’ me ha sorprendido gratamente gracias a las magníficas voces de las dos hermanas y sus perfectas harmonías y está compuesto por un sólido y cohesivo conjunto de canciones R&B elegantes y modernas que contienen cierta influencia del sonido urbano de finales de los 90, lo cual es todo un acierto. Aunque tremendamente talentosas, Chloe x Halle todavía son muy jóvenes (apenas tienen 22 y 20 años) por lo que hay margen de mejoría en el plano de la composición, sin embargo se encuentran entre las cantantes R&B más prometedoras y ofrecen toda una declaración de intenciones ya en la intro del álbum con la frase “nunca pidas permiso, pide perdón”. Puntuación: 7’5/10.

Monica lanza nuevo single y se reúne con Brandy

Brandy vs MonicaEl pasado mes de julio se cumplían 25 años del lanzamiento del álbum debut de la cantante Monica y apenas unas semanas después ha regresado con nuevo single, que rompe su silencio musical de más de un año. A principios del 2019 lanzó ‘Commitment’, una balada R&B muy personal que pese a su modesto desempeño inicial se convirtió en un ‘sleeper hit’ y acabó alcanzando el #1 en el componente Adult R&B Songs de la lista americana Billboard, convirtiéndose en el cuarto #1 de Monica en dicho componente y el primero en 9 años. Por entonces, Commitment era el ‘lead single’ de su noveno álbum de estudio, de título ‘Chapter 38’ (ya que la cantante cumplía 38 años dicho año) pero pasó el tiempo y este proyecto no terminó de materializarse, sin embargo durante este mismo mes Monica ha regresado con Trenches, el que será single presentación de su próximo álbum, de idéntico título y cuyo lanzamiento se prevé para este año. Trenches es un bonito tema mid-tempo R&B con influencia Hip Hop que cuenta con la colaboración del rapero Lil Baby, originario de Atlanta al igual que Monica, bajo la producción de The Neptunes, con quienes ha trabajado por primera vez la legendaria cantante. Pese a la alegría que supone el nuevo single para los seguidores de la cantante (entre los que yo me encuentro) sin duda este hecho ha sido eclipsado por la gran noticia de esta semana, que ha sido la participación de Monica y Brandy en el último capítulo de Verzuz, el webcast creado por los raperos y productores musicales Timbaland y Swizz Beatz durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y que consiste en una ‘batalla musical’ entre dos grandes figuras del mundo del Hip-Hop/R&B de todos los tiempos en la que se repasa la trayectoria de ambos artistas mediante algunas de sus canciones más famosas. Varias de las batallas más relevantes han sido las de los dos creadores de este original formato además de Nelly vs Ludacris, DMX vs Snoop Dogg o Fabolous vs Jadakiss dentro del Hip Hop, o 112 vs Jagged Egde dentro del R&B, pero sin lugar a dudas la batalla más esperada por los fans de la música negra ha sido Brandy vs Monica, que no sólo se ha convertido en el capítulo más visto de toda la historia de Verzuz, con más de un millón de espectadores siguiendo el evento en directo a través de las plataformas Instagram Live y Apple Music, sino que gracias a su gran exposición mediática la mayor parte del catálogo musical de ambas cantantes ha regresado a la lista de ventas digitales de la plataforma Apple Music en la categoría de álbumes R&B/Soul, destacando a Brandy con 5 de sus álbumes dentro del top 20 (incluyendo el #1 obtenido por su reciente álbum B7) y otros 5 álbumes de Monica dentro de las 30 primeras posiciones, además de que 18 temas de Monica y 12 de Brandy han hecho su entrada en el top 40 de la lista de canciones R&B/Soul de dicha plataforma, un gran éxito para ambas cantantes y un reconocimiento a su gran impacto dentro de la música negra contemporánea. Durante las casi dos horas de retransmisión del capítulo Brandy vs Monica, las icónicas cantantes han repasado sus impresionantes catálogos musicales, han reído y dialogado sobre su vida personal y profesional (también ha habido alguna pequeña ‘discrepancia’ que aviva el mito de su supuesta enemistad) pero sobretodo han demostrado su respeto mutuo y celebrado el impacto musical de la otra dentro del mundo de la música. La ganadora mediante votación popular ha sido Brandy, quien demostró no sólo su gran voz sino una mayor humildad y cercanía, sin embargo ambas se han mostrado simpáticas y espontáneas, teniendo en cuenta que dicho formato es en directo. Desde el blog MiSTeR MuSiC, en el que la pasión por el género R&B ha sido siempre una de mis señas de identidad, no puedo sino celebrar el importante peso de Brandy y Monica dentro del género R&B contemporáneo.

Crítica de ‘Smile’ de Katy Perry

SmileLa casualidad ha querido que la hija que estaba esperando Katy Perry haya nacido precisamente un día antes del lanzamiento de su esperado nuevo álbum. Daisy Dove Bloom es el nombre de la primera hija de la cantante californiana, fruto de su relación intermitente con el actor Orlando Bloom, con quien se le relaciona desde el año 2016. Podríamos decir que el nacimiento de la hija de Katy Perry le va a deparar muchas más alegrías que Smile, su sexto álbum de estudio, que promete ser uno de los mayores flops de la temporada teniendo en cuenta el tibio desempeño comercial de los singles lanzados como anticipo, algunos de los cuales sólo serán incluidos como ‘bonus track’ en el disco debido a su escaso apoyo por parte del público. Smile tenía previsto su lanzamiento el pasado día 14 de agosto, pero su fecha fue trasladada dos semanas más tarde por motivos de post-producción y finalmente ha sido el 28 cuando ha visto la luz el nuevo álbum de Katy Perry, en una maniobra poco acertada por parte de su sello discográfico ya que ha resultado ser un día de gran competencia con importantes trabajos discográficos a la venta. Smile está formado por 12 temas en su edición estándar (16 en la deluxe) encuadrados dentro del pop con numerosos elementos dance-pop y electro-pop, aunque resulta un álbum más orgánico y con menor componente electrónico que Witness, el anterior trabajo de Katy. La artista de 35 años ha compuesto todos los temas de Smile con la ayuda de importantes nombres de la industria musical como StarGate, The Monsters & The Strangerz, Johan Carlsson, Ian Kirkpatrick o Charlie Puth entre otros y como curiosidad cabe destacar que su habitual colaborador Max Martin no forma parte de este proyecto, después de haber trabajado de manera extensa en sus discos Teenage Dream, Prism y Witness. Según Katy Perry, su nuevo disco narra los duros episodios vividos por la cantante tras la fatídica era ‘Witness’, en la que su sobre-exposición en los medios de comunicación y sus polémicos comentarios, unidos al mediocre desempeño comercial del álbum, le pasaron factura tanto a nivel profesional como personal (incluyendo depresión e intento de suicidio) y con Smile “ha encontrado la luz al final del oscuro túnel” y recuperado la sonrisa perdida.

Para dar con el ‘supuesto’ primer single de este proyecto tenemos que remontarnos a mayo de 2019, cuando vio la luz Never Really Over, el cual se trataba de un alegre y animado tema electro-pop que contenía una interpolación de una canción de la artista noruega Dagny y estaba producido por Zedd, con quien Katy ya había colaborado anteriormente. Aunque ‘Never Really Over’ no resultó un hit de la talla de ‘California Gurls’ o ‘Roar’, sí supuso un importante avance con respecto al desempeño comercial de los singles de su anterior álbum y dio un respiro a la maltrecha situación comercial que vivía la cantante. ‘Never Really Over’ ocupó el top 10 en Australia o Canadá y alcanzó el top 20 en Reino Unido y Estados Unidos, aunque resultaba la posición más baja de un ‘lead single’ de Katy en tierras americanas, si es que podemos denominar así a este tema ya que por entonces no tenía intención de lanzar nuevo álbum. Unos meses después llegó Small Talk, un coqueto tema synth-pop producido por Johan Carlsson y Charlie Puth que resultaba un buen ‘album track’ pero no terminaba de funcionar como single y prueba de ello fue su mediocre desempeño comercial, con el que regresaba a los peores días de Witness. Durante el resto del año la cantante nacida en Santa Bárbara siguió lanzando singles para tantear el terreno y ver si contaba con suficiente apoyo por parte del público como para poder respaldar la publicación de su ‘hipotético’ nuevo álbum, como Harleys in Hawaii, un tema pop de aire veraniego con influencia reggae que no pasaba más allá de ser el track 10 de un álbum. Ya en 2020 llegó Never Worn White, una insípida balada a piano en cuyo videoclip Katy desveló que estaba embarazada de su primera hija y meses después mientras el mundo se encontraba sumido en la pandemia del coronavirus lanzó Daisies, acompañado del típico videoclip grabado en el jardín de su casa debido al confinamiento. Daisies se trataba de un tema pop con guitarras acústicas producido por The Monsters & The Strangerz que recibió mejores críticas que sus últimos temas y consiguió un desempeño moderado en las listas de venta (fue top 40 en Reino Unido, Australia y Estados Unidos, su mejor posición desde ‘Never Really Over’). Un mes antes de la llegada del álbum, una embarazadísima Katy lanzaba como enésimo single el tema que da título al disco y resultaba una de las apuestas más comerciales y apropiadas de cara a apoyar un proyecto considerado para muchos ya insalvable. Smile es un alegre y marchoso tema pop up-tempo producido por Oligee en el que la cantante agradece todos los cambios ocurridos en su vida recientemente y que le han permitido volver a sonreír, lo que lo convierte en un himno de superación personal. El avanzado estado de embarazo de Katy Perry no ha impedido la grabación de un videoclip promocional para Smile, en el que por primera vez adopta la temática circense presente en el álbum y la vemos, tanto en persona como de manera animada, disfrazada de ‘payasa’ con diferentes atuendos.

Entre las canciones más destacadas de ‘Smile’ encontramos ‘Cry About It Later’, un bailable tema dance-pop en cuyos créditos aparece Oscar Holter, artífice de los últimos éxitos de The Weeknd, ‘Not The End of The World’, un adictivo tema electro-pop con influencia Trap y melodía enigmática que recuerda a su hit ‘E.T.’, ‘Teary Eyes’, uno de los temas más up-tempo del álbum que cuenta con sonido electro-pop y dance-pop reminiscencia de Witness y en el que Katy afirma seguir bailando mientras llora (una metáfora de seguir adelante a pesar de los problemas) o ‘Tucked’, en el que podemos apreciar guitarras sintetizadas y cierto toque pop/rock que nos devuelve a la era Teenage Dream. También merece la pena mencionar los momentos más calmados del álbum, como ‘Resilient’, un bonito tema mid-tempo producido por el dúo noruego StarGate, nuevamente con temática de ser fuerte y seguir adelante, o ‘What Makes a Woman’, que comienza como una balada pop casi acústica para convertirse en un tema electro-pop más rítmico y destaca por sus letras dedicadas a su hija, en las que le desea que durante su vida logre conseguir sus sueños sin límites de ningún tipo. Como se intuía debido a su mínimo impacto comercial, ‘Small Talk’ y ‘Never Worn White’ forman parte de la edición deluxe del álbum junto a varios remixes de ‘Daisies’.

En definitiva, aunque en ‘Smile’ presenciamos una vuelta de Katy Perry a sus orígenes más pop y dentro de él podemos encontrar algunos temas bastante dignos que narran el arduo proceso de la cantante hasta recuperar la sonrisa, la mayoría de ellos no tienen ese ‘hit potential’ que sí existía en discos como Teenage Dream, el cual resulta una sucesión ‘non stop’ de magníficas canciones. Si esta escasez de canciones verdaderamente arriesgadas y originales lo unimos a una desastrosa estrategia promocional, hacen de este álbum un proyecto un tanto disparatado y poco centrado. Hay varios puntos que restan credibilidad a Smile: en primer lugar está la estética circense que acompaña al disco, la cual ha sido explotada hasta la saciedad en el mundo del pop (ejemplos memorables son ‘Circus’ de Britney Spears, ‘Funhouse’ de Pink o ‘Back To Basics’ de Christina Aguilera) y por otra, Katy no ha seguido un concepto claro a lo largo de sus lanzamientos, porque la estética de payasos rompe con la imagen hippy, retro y maternal que la cantante nos presentó en los singles Never Really Over, Small Talk y Daisies respectivamente, lo que evidencia una falta de cohesión y una cierta improvisación en su proceso de creación. En resumen, más que un proyecto verdaderamente centrado, ‘Smile’ es una variada y agradable playlist que incluye todos los singles que Katy lleva lanzando durante estos últimos años, pero aún así lo considero un álbum superior a ‘Witness’, que pese a incluir ciertos temas interesantes resultó un despropósito de era. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de ‘Spell My Name’ de Toni Braxton

Spell My NameA pesar de que este 2020 está resultando ser un año extraño en todos los sentidos y la crisis provocada por la pandemia del coronavirus ha perjudicado muchos sectores de la economía mundial, incluido el de la música, este hecho no ha evitado que algunos artistas hayan sacado adelante sus proyectos con mínimos medios y publicado sus nuevos álbumes en medio del confinamiento o durante los meses posteriores para alegría de sus seguidores. Toni Braxton es una de las artistas que ha seguido adelante con sus planes de publicar nuevo álbum aún cuando muchas partes del planeta siguen afectadas por la pandemia. La legendaria cantante de R&B acaba de lanzar su décimo álbum de estudio, titulado Spell My Name, dos años y medio después del breve pero notable Sex & Cigarettes, que recibió buenas críticas de los expertos musicales aunque tuvo un moderado impacto comercial. Spell My Name es el primer álbum de Toni dentro del sello discográfico Island Records y comparte muchos puntos en común con su predecesor, entre ellos la brevedad, ya que contiene únicamente 9 temas (10 con el bonus track) y está formado principalmente por baladas encuadradas dentro del R&B/Soul clásico por el que es conocida desde los años 90 cuando comenzó su carrera profesional. Toni Braxton ha compuesto todas las canciones presentes en el álbum bajo la producción de Antonio Dixon, quien ya participó en su anterior trabajo. El single presentación del álbum, Do It, llegó el pasado mes de abril y se trataba de una emotiva balada R&B con melodía de piano y violín en la que la cantante animaba a una amiga a abandonar una relación tóxica. Un par de meses después Toni presentó el remix oficial de Do It junto a la icónica rapera Missy Elliott, quien también co-producía el tema. El remix de Do It mantenía la esencia del tema original pero resultaba más rítmico, comercial y pegadizo y contaba con un fabuloso rap de Missy, quien siempre suma puntos extra a las canciones en las que colabora. Aunque no ha conseguido entrar en la lista americana, Do It ha alcanzado el #1 en el componente Adult R&B Songs de Billboard, un dato muy positivo para la veterana cantante. En el mes de mayo Toni colgó en las plataformas musicales el remix de un tema llamado Dance pero no ha sido hasta agosto cuando le ha dado tratamiento oficial a su lanzamiento como single, aunque finalmente en su versión original. ‘Dance’ se trata de un marchoso tema R&B/dance-pop con gran influencia del sonido Disco en el que la mayor de las hermanas Braxton nos anima a bailar como remedio para superar una ruptura. A diferencia de Do It, que no contó con videoclip oficial, Dance ha estado acompañado de un sencillo pero elegante videoclip en el que podemos ver a Toni bailando una coreografía, lucir diversos modelitos y presumir de un físico envidiable a sus 52 años de edad. Coincidiendo con el lanzamiento del álbum se ha lanzado como sencillo promocional ‘Gotta Move On’, una clásica balada R&B/Soul que cuenta con la colaboración de la prometedora cantante H.E.R.

Como en la mayoría de sus álbumes, el contenido de ‘Spell My Name’ gira en torno a la angustia y melancolía producidas por los desengaños amorosos y en esta ocasión podemos adivinar a través de las letras de las canciones ciertos detalles de su tormentosa e intermitente relación con el rapero Birdman, con quien se le relaciona desde 2016. Entre las baladas más destacadas del álbum se encuentran Saturday Night, encuadrada dentro de un sonido más pop y ‘adult contemporary’ o Nothin’, que se trata de una magnífica balada mid-tempo R&B en la que podemos apreciar la maravillosa voz de contralto y el sensual tono grave de la cantante de Maryland, que sigue estando en muy buena forma. En resumen, Spell My Name podría tratarse perfectamente de un EP por su brevedad y su escaso ‘track list’ pero es lo que se lleva en los tiempos actuales, donde imperan las reglas del streaming y el consumo de música tiende a la inmediatez. Pese a que Toni Braxton no ha pasado últimamente por sus mejores momentos personales (su hermana, la también cantante Tamar sufre depresión e intentó suicidarse hace unos meses) y tanto su éxito comercial como la viabilidad de su música han disminuido de manera notoria a lo largo de los años, nos ha ofrecido otro magnífico álbum de R&B que se suma a su gran catálogo musical. Aunque pasen los años, Toni sigue siendo una de las mejores voces del R&B contemporáneo y una de las mayores representantes de la música negra tradicional que muchos seguimos escuchando. Sin duda ‘Spell My Name’ es uno de los mejores álbumes R&B del año y un signo sucesor de ‘Sex & Cigarettes’. Puntuación: 8/10.