Crítica de ‘Revelación’ de Selena Gomez

RevelaciónDurante los últimos años se ha producido un gran auge de la música latina, especialmente el reggaeton, que se ha convertido en uno de los géneros más escuchados en la actualidad gracias al gran apoyo que obtiene por parte del público joven, que es quien más música consume hoy en día. Muchos artistas se han apresurado a adoptar este género en un intento por mantenerse vigentes en el panorama musical actual, mientras que otros han decidido “explorar sus raíces latinas” en este preciso momento, como es el caso de nuestra protagonista, Selena Gomez, quien ha lanzado recientemente un EP en español, llamado Revelación, que supone su primer trabajo discográfico desde ‘Rare’, el cual vio la luz en enero del año pasado con modestos resultados comerciales. Revelación está formado por 7 canciones encuadradas dentro del Latin-pop y el reggaeton con cierta influencia R&B en las que la cantante americana se ha rodeado de un gran número de compositores y productores que le han ayudado a encontrar su sonido deseado y cuenta con la presencia de dos artistas invitados tan populares dentro del reggaeton como lo son Rauw Alejandro y Myke Towers, con el claro objetivo de atraer la atención de la legión de fans que arrastran estos omnipresentes artistas. La mayoría de los temas que forman parte de Revelación tienen una duración inferior a los tres minutos, ya que hoy en día domina la inmediatez en el consumo de música y la inclusión en las playlists de moda es básico para obtener altas cifras de streaming. El lanzamiento de Revelación se ha visto eclipsado por unas declaraciones de Selena en las que afirma que ha pensado en retirarse del mundo de la música porque considera que no se le toma en serio como cantante ni ha recibido el apoyo que merece, además de haber sufrido muchas críticas en las redes sociales por parte de sus detractores.

El single presentación del EP, De Una Vez, llegó el pasado mes de enero y se trata de un tema mid-tempo pop con influencia reggaeton y del R&B alternativo en el que la cantante texana relata sus sentimientos tras el fin de una dolorosa relación y supone el momento más emotivo y vulnerable de Revelación. ‘De Una Vez’ es uno de los pocos temas del EP que huye de las letras clichés presentes en el reggaeton y explora temas como el crecimiento personal, el amor propio y el autoestima. El segundo single, Baila Conmigo, es un tema reggaeton que cuenta con la colaboración del rapero puertorriqueño Rauw Alejandro y habla del encuentro entre ambos en una discoteca y cómo se van conociendo aunque ella apenas habla español. Baila Conmigo ha obtenido un desempeño comercial superior al anterior single: ha alcanzado los 100 millones de reproducciones en Spotify, ha ocupado el top 10 en la lista de España e incluso ha logrado entrar en la parte baja de la lista americana. Previo a la publicación del EP se ha lanzado como tercer single Selfish Love, un bailable tema Tropical House y dance-pop producido por DJ Snake que supone la segunda colaboración entre ambos artistas tras el hit ‘Taki Taki’. ‘Selfish Love’ es el tema más up-tempo del EP y el más original ya que incluye influencias del sonido Afrobeat y abandona por un momento el reggaeton presente en el resto de canciones. Entre los temas que forman parte de Revelación destacan ‘Buscando Amor’, un marchoso tema reggaeton en el que Selena reivindica su soltería mientras lo pasa bien de marcha con sus amigas y que supondría un digno himno de empoderamiento femenino si no fuera porque entre sus créditos de composición aparecen hasta 8 hombres, ‘Dámelo To’, un típico tema reggaeton que cuenta con la colaboración de Myke Towers o ‘Adiós’ en el que la cantante de ascendencia mexicana relata los celos por parte de su ex-pareja aunque hayan decidido terminar la relación. En resumen, este trabajo de Selena Gomez no supone ninguna “revelación” ya que no aporta nada nuevo al panorama musical y está formado por una serie de canciones genéricas, anodinas y formulaicas que suenan como si ya las hubiéramos escuchado anteriormente cien veces y cuentan con unas letras poco personales que podría cantarlas cualquier artista. Selena siempre se ha caracterizado su limitado rango vocal, además demuestra poca fluidez en español y canta en piloto automático sin creerse lo que cuenta. Puntuación: 5/10.

Throwback Review: ‘Faithfully’ de Faith Evans

FaithfullyTras ser corista y componer para otros artistas, Faith Evans fue fichada por la discográfica de Puff Daddy (hoy P. Diddy) e hizo su debut en el mundo de la música en 1995 con el álbum ‘Faith’, que fue aclamado por la crítica por su talento como vocalista y su estilo musical que combinaba R&B y Hip Hop-Soul, muy influenciado por artistas como Mary J Blige. El primer disco de Faith Evans fue certificado platino en Estados Unidos por ventas superiores al millón de copias y contó con dos singles que ocuparon el top 30 en la lista americana (top 5 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard). Además de su prometedora carrera como cantante de R&B, Faith Evans alcanzó gran popularidad por su matrimonio con el legendario rapero Christopher Wallace, más conocido como ‘The Notorious B.I.G.’, que fue asesinado en 1997 y agravó la rivalidad entre las escenas West Coast y East Coast dentro del Hip Hop americano por su supuesta relación con Tupac Shakur. Puff Daddy y Faith Evans lanzaron en 1997 el single ‘I’ll Be Missing You’ como homenaje a Biggie y se convirtió en uno de los temas más exitosos del año: alcanzó el #1 en Estados Unidos, Australia, Alemania o Reino Unido y consiguió un premio Grammy a mejor actuación de Rap. En 1998 llegó ‘Keep The Faith’, el segundo álbum de la cantante de Florida, el cual fue nuevamente certificado platino en Estados Unidos y contó con dos exitosos singles que ocuparon el top 10 en la lista americana. En 2001 vio la luz su tercer álbum de estudio, Faithfully, que continuaba su costumbre de titular sus trabajos a partir de su nombre de pila y estaba compuesto por 18 temas encuadrados dentro del R&B con influencias Soul, Funk y Hip Hop. Faith Evans participó activamente en la composición del disco y contó con la producción de su habitual colaborador Puff Daddy además de otros importantes nombres como Mario Winans, Havoc o The Neptunes. Dentro del álbum encontramos principalmente medios tiempos R&B, potentes temas de estilo Hip Hop-Soul, temas up-tempo influenciados por el sonido funk y varias baladas. Faithfully debutó en un discreto #14 de la lista americana (#2 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard) y acabó siendo certificado oro por ventas superiores a los 800 mil ejemplares en Estados Unidos. Faithfully destaca por ser el último álbum de la cantante dentro del sello discográfico de Puff Daddy, Bad Boy Records, el cual abandonó por las diferencias creativas entre ambos y la escasa promoción por parte de la discográfica.

El single presentación del álbum fue You Gets No Love, un potente tema R&B y Hip Hop-Soul compuesto por la propia Faith Evans y que cuenta con la participación como artistas invitados de Puff Daddy y su protegido el rapero Loon. ‘You Gets No Love’ recibió comparaciones con el estilo Hip Hop-Soul de Mary J Blige, mostraba una imagen más urbana y ‘Ghetto’ por parte de la cantante y obtuvo un desempeño positivo en la lista americana, donde fue top 40. El segundo single fue I Love You, un medio tiempo R&B/Soul producido por Puff Daddy y Mario Winans que devolvía a Faith a su estilo habitual y con el que consiguió un buen desempeño en la lista americana, donde ocupó el #14. Como dato curioso, este tema fue compuesto por Jennifer Lopez y originalmente pensado para formar parte de su segundo álbum J.Lo (en el que también trabajó Puff Daddy, quien era pareja de Jennifer por entonces) pero finalmente acabó en manos de Faith, quien lo incluyó en Faithfully y fue lanzado como segundo single. El tercer single fue Burnin’ Up, un tema R&B up-tempo con gran influencia Funk producido por The Neptunes (quienes imprimieron su habitual estilo) que cuenta con la participación del rapero Loon y en el que Faith Evans declara su amor a su pareja y siente que están destinados el uno para el otro. Sin embargo, para su lanzamiento como single en vez de la versión del álbum se eligió una nueva versión junto a Missy Elliott. Este marchoso tema fue considerado como uno de los mejores del álbum sin embargo su desempeño fue muy moderado y apenas ocupó el top 60 en la lista americana. Como cuarto y último single de Faithfully llegó Alone In This World, un medio tiempo R&B que samplea la melodía del famoso tema ‘Who Shot Ya?’ del desaparecido Biggie y contaba con la producción de Puff Daddy y Mario Winans. Pese a ser uno de los temas más interesantes del álbum apenas contó con promoción y resultó un fracaso comercial.

Entre los temas más destacados de Faithfully se encuentran ‘Back To Love’, un bailable tema Dance/Funk que supone el momento más up-tempo del álbum, el medio tiempo R&B ‘Do Your Time’ en el que observamos su característico tono de angustia y rabia contra los hombres de su pasado o las baladas ‘Brand New Man’ y ‘Where We Stand’, donde podemos apreciar las enormes habilidades vocales de Faith. También se incluye en el álbum la colaboración de Faith Evans con el cantante Carl Thomas en ‘Can’t Believe’, originalmente incluido en un recopilatorio de la discográfica Bad Boy Records. En resumen, aunque excesivamente largo, Faithfully es un álbum de R&B muy sólido que toma influencias del sonido Hip Hop-Soul de Mary J Blige y resulta uno de los mejores trabajos de Faith Evans dentro de su discografía junto con ‘The First Lady’, su cuarto álbum de estudio. Puntuación: 7’5/10.

Throwback Review: ‘Scorpion’ de Eve

ScorpionDurante los últimos años el Hip Hop femenino ha vivido uno de sus mejores momentos gracias a la aparición de varias raperas muy prometedoras que han alcanzado el éxito en Estados Unidos y en menor medida en el resto del mundo, como por ejemplo Megan Thee Stallion, City Girls, Doja Cat o Cardi B, las cuales han conseguido gran popularidad tras una serie de exitosos singles y colaboraciones con numerosos artistas. Pero todas estas jóvenes raperas no habrían triunfado sin la presencia de leyendas del Hip Hop femenino como Missy Elliott, Lil’ Kim, Eve o Trina, quienes les allanaron el camino en un género musical muy machista dominado por hombres pero en el que destacaron por ser mujeres fuertes, independientes, orgullosas de su sexualidad y sin pelos en la lengua dispuestas a demostrar su valía y talento. Precisamente la protagonista de este post es Eve, que hizo su debut en el mundo de la música en el año 1999 con el álbum ‘Let There Be Eve… Ruff Ryders’ First Lady’, el cual debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en la tercera rapera en alcanzar la posición de honor en la lista de ventas de Estados Unidos tras Lauryn Hill y Foxy Brown. El álbum debut de Eve Jefferson fue certificado doble platino en tierras americanas por ventas superiores a los dos millones de copias y contó con los hit singles ‘Gotta Man’ y ‘Love Is Blind’ junto a Faith Evans. Coincidiendo con el vigésimo aniversario de su segundo álbum de estudio haré una crítica en retrospectiva de este icónico trabajo que impulsó la carrera de Eve a nivel internacional. En marzo de 2001 y con grandes expectativas debido al éxito de su primer disco vio la luz Scorpion, el segundo trabajo discográfico de la rapera de Philadelphia. Scorpion contiene 16 temas encuadrados dentro del Hip Hop y compuestos en su totalidad por Eve bajo la producción de Swizz Beatz (el responsable de su anterior disco) además del legendario Dr. Dre y cuenta con la participación de un gran número de artistas invitados como Styles P, DMX, Trina, Da Brat o Gwen Stefani. Scorpion debutó en el #4 en la lista americana de álbumes (fue #1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard, al igual que su primer disco) y acabó siendo certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares en Estados Unidos. En el resto del mundo Scorpion tuvo un desempeño comercial más moderado y ocupó el top 40 en las listas de venta de Reino Unido, Francia, Alemania y Canadá.

El single presentación de Scorpion fue Who’s That Girl?, un marchoso tema Hip-Hop up-tempo que destacaba por su uso prominente de trompeta y su pegadiza melodía de inspiración latina y recordaba a la canción de idéntico título de Madonna. Who’s That Girl? recibió buenas críticas de los expertos musicales por las habilidades como rapera de Eve y su pegadizo estribillo y gozó de un desempeño comercial muy positivo en Europa, donde alcanzó el top 10 en Reino Unido, aunque en Estados Unidos obtuvo un impacto menor y apenas ocupó el top 50. El segundo single del álbum fue Let Me Blow Ya Mind, un tema Hip-Hop/R&B producido por Dr. Dre junto a Scott Storch que cuenta con la participación de la cantante Gwen Stefani. ‘Let Me Blow Ya Mind’ habla sobre las habilidades sociales de la joven rapera y su popularidad entre la gente y fue aclamado por la crítica por el indiscutible talento de Eve para hacer rimas, su naturaleza más accesible al gran público gracias a la participación de Gwen Stefani y el magistral trabajo de Dr. Dre, que aportaba su característica producción. ‘Let Me Blow Ya Mind’ resultó uno de los grandes éxitos de aquel año y alcanzó el #2 en la lista americana (su mejor posición hasta la fecha) y ocupó el top 5 en Australia, Reino Unido o Alemania, convirtiéndose en el mayor hit de la carrera de Eve. Además del gran éxito comercial, este tema ganó un premio Grammy a mejor canción con parte rapeada y cantada, categoría que surgió en 2002 por primera vez, siendo Eve y Gwen Stefani las primeras ganadoras. En el divertido videoclip de ‘Let Me Blow Ya Mind’, Eve y Gwen irrumpían junto a sus amigos en una elegante fiesta que tenía lugar en un lujoso hotel y se hacían los reyes de la fiesta hasta que eran detenidas por la policía pero salvadas gracias a la ayuda de Dr. Dre. El videoclip de este tema resultó muy popular aquel año y recibió varios premios, entre ellos mejor video femenino en los MTV Video Music Awards.

Pese al gran potencial del álbum sólo dos singles fueron lanzados, sin embargo dentro de Scorpion podemos encontrar temas interesantes como el marchoso ‘Got What You Need’, que cuenta con la participación de Swizz Beatz y su compañero de discográfica Drag-On, ‘You Had Me, You Lost Me’, uno de los temas más personales del álbum en el que Eve deja las cosas claras a su pareja y habla sobre una relación fallida, ‘Gangsta Bitches’ que cuenta con la colaboración de otras importantes raperas como Da Brat y Trina y resulta un auténtico himno de empoderamiento femenino o ‘Life Is So Hard’, en el que Eve agradece a Dios todo lo que le ha dado en la vida y cuenta con un gran toque R&B/Gospel gracias a la presencia de la cantante Teena Marie. A través de sus redes sociales Eve ha querido celebrar el 20º aniversario de su álbum más icónico lanzando una nueva edición de Scorpion en las plataformas musicales que incluye nuevos remixes de los dos singles. En definitiva, aunque han pasado dos décadas de su lanzamiento, Scorpion permanece como un álbum muy sólido dentro del Hip Hop, sigue sonando vigente ya que no ha envejecido nada mal y resulta muy superior a la mayoría de discos de este género publicados en la actualidad. Tras el fracaso de su cuarto y último álbum ‘Lip Lock’, que vio la luz en 2013, Eve ha aparcado su carrera musical, apenas ha lanzado música nueva desde entonces y se ha centrado en el mundo del cine y la televisión, donde actualmente triunfa como co-presentadora en el talk show americano ‘The Talk’. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de ‘Poster Girl’ de Zara Larsson

Poster GirlCon tan sólo 16 años, Zara Larsson publicó su primer álbum de estudio, el cual fue lanzado de manera limitada en su nativa Suecia y otros países escandinavos y antes de haber cumplido los 20 años ya había había visto la luz su segundo disco, el primero lanzado a nivel internacional. El álbum con el que conocimos a la joven cantante sueca, So Good, se trataba de un álbum pop y dance-pop muy influenciado por el sonido de moda durante aquellos años, el Tropical House, además de cierta influencia R&B e incluía varios éxitos como ‘Lush Life’, ‘Never Forget You’ o ‘I Would Like’, que alcanzaron posiciones muy altas en las listas de venta. So Good fue #1 en Suecia, alcanzó el top 10 en importantes mercados como Reino Unido o Australia y cabe descartar que ocupó el top 30 en la lista americana, tan reacia a productos pop de origen sueco. Cuatro años después del lanzamiento de So Good, Zara Larsson ha regresado al panorama musical con su tercer álbum de estudio, titulado Poster Girl, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del dance-pop, electro-pop y R&B con cierta influencia Disco compuestos en su mayoría por la propia Zara bajo la producción de Mattman & Robin, Steve Mac, The Monsters & The Strangerz, Ian Kirpatrick o Mike Sabath entre otros. Poster Girl es un trabajo dirigido a las pistas de baile, compuesto en su mayoría por temas up-tempo, aunque también encontramos varios temas mid-tempo y destaca por la ausencia de baladas. Al igual que ocurrió con So Good, una gran cantidad de singles se han lanzado con anterioridad a la publicación de Poster Girl y para dar con el primer single tenemos que remontarnos a octubre del 2018 cuando vio la luz Ruin My Life, un tema mid-tempo pop/R&B compuesto por la propia Zara y producido por The Monsters & The Strangerz, el dúo americano responsable de su hit ‘I Would Like’, en el que la cantante muestra su lado más vulnerable relatando una relación tóxica. Ruin My Life recibió buenas críticas por su evolución musical y a nivel comercial alcanzó el #2 en Suecia, el top 10 en Reino Unido e incluso consiguió entrar en la parte baja de la lista americana. Tras más de dos años de ser lanzado, Ruin My Life se ha posicionado como uno de los singles más exitosos de Zara Larsson y supera los 400 millones de reproducciones en Spotify. En 2019 la atractiva cantante lanzó como singles Don’t Worry Bout Me, un marchoso tema dance-pop y electro-pop con influencia Tropical House compuesto por Zara junto a la prometedora cantante sueca Tove Lo y All The Time, un alegre y pegadizo tema synth-pop con influencias Disco. Pese a ser dos de los mejores singles lanzados por la joven cantante y haber obtenido buenas cifras de streaming en las plataformas musicales, Don’t Worry Bout Me y All The Time no han sido incluidos en la versión final de Poster Girl y únicamente aparecen en la edición japonesa del álbum.

En verano del año pasado se lanzó Love Me Land, que posteriormente ha sido catalogado como el verdadero single presentación del álbum y se trata de un original tema electro-pop y dance-pop que destaca por su melodía enigmática y el uso de violines y está compuesto por la propia Zara junto a los afamados compositores Julia Michaels y Justin Tranter. Love Me Land ha tenido un impacto mínimo a nivel mundial pero ha ocupado nuevamente el top 10 en la lista de Suecia. Tras él llegó Wow, un tema electro-pop de carácter mid-tempo producido por Marshmello que debido a su inclusión en la banda sonora de la película ‘Work It’ ha obtenido una mayor repercusión que el anterior single pese a su escasa promoción y la ausencia de videoclip y ha superado los 70 millones de reproducciones en Spotify. Ya en 2021 se ha lanzado Talk About Love, que cambia el estilo de los anteriores singles y se adentra en el sonido pop/R&B que ha explorado en temas como Ruin My Life. Talk About Love cuenta con la participación del rapero y cantante americano Young Thug (el único artista invitado del álbum) y habla sobre el momento que viven dos personas que se están conociendo y empiezan a tener sentimientos el uno por el otro.

Previamente al lanzamiento del álbum se ha lanzado un nuevo sencillo promocional, ‘Look What You’ve Done’, que se trata de un marchoso tema dance-pop con influencia Disco y uso prominente de violines producido por Steve Mac que recuerda a su colaboración con Clean Bandit en ‘Symphony’ y podría formar parte del álbum de Ava Max por su estilo y pegadizas letras. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Need Someone’, un tema dance-pop con un toque retro Disco/funk y melodía de piano, ‘FFF’ (acrónimo de ‘Falling For a Friend’), un marchoso tema dance-pop con influencias del synth-pop de los años 80, ‘Poster Girl’, el tema que da título al álbum y tiene un toque retro Disco que encajaría a la perfección en el último álbum de Dua Lipa o ‘Stick With You’, en cuyos créditos se encuentra el mismísimo Max Martin y se trata de un medio tiempo pop/R&B con melodía de guitarra acústica que supone uno de los momentos más calmados del disco.

Como he comentado en numerosas ocasiones, a ‘So Good’ le ocurría lo mismo que al debut de Dua Lipa o el último disco de Rita Ora (y a tantas otras cantantes británicas recientemente) y es que son álbumes repletos de hits pero resultan más bien una playlist de éxitos que un disco centrado debido a la inclusión de tantos singles lanzados con anterioridad además de colaboraciones con otros artistas, sin embargo Poster Girl pese a padecer más o menos de lo mismo, resulta más cohesivo y consistente que el anterior álbum de Zara Larsson. Aunque no llega al nivel del disco debut de Ava Max, este nuevo trabajo de la cantante sueca también está destinado a ser escuchado en su totalidad sin apenas saltar ninguna canción ya que esta formado por buenos temas pop, con melodías accesibles y letras sencillas pero que resultan pegadizos y bailables. Sin duda Poster Girl es uno de los mejores discos pop lanzados en este 2021 hasta la fecha, aunque hubiera ganado puntos si incluyera los singles descartados Don’t Worry Bout Me y All The Time. Temas imprescindibles: Look What You’ve Done, Wow, Need Someone, Love Me Land y FFF. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de ‘K’ de Kelly Rowland

Kelly RowlandKelly Rowland ha comenzado el 2021 de la mejor manera posible ya que el pasado mes de enero fue madre de su segundo hijo Noah, ha celebrado recientemente sus 40 años y hoy mismo ha lanzado un EP que recoge varios de los singles que ha lanzado durante los últimos meses. Este EP tiene por título K, está formado por 6 canciones compuestas por la propia Kelly y ha sido lanzado de manera independiente bajo su sello discográfico. ‘K’ destaca por sus letras sobre empoderamiento femenino y resulta una celebración de sus ‘raíces negras’. El pasado mes de octubre Kelly Rowland lanzó Crazy, un tema up-tempo de estilo Dance/Disco producido por Ricky Reed que contenía un sample de un clásico tema de Soul y en el que la cantante habla del fuerte sentimiento que siente por su amante, al que le declara un amor casi obsesivo. Este tema resultaba muy interesante por su incursión en el sonido Disco que tan de moda se puso durante el año pasado y se convertía en uno de los mejores singles de Kelly de los últimos años. En noviembre, la ex-componente de Destiny’s Child lanzó un single como parte de una campaña promocional de la NFL (la Liga Nacional de Fútbol americana) llamado Hitman, muy diferente al anterior y que se trataba de un tema R&B con influencias tribales que sampleaba un famoso tema de estilo Afrobeat del instrumentista africano Fela Kuti. Coincidiendo con su 40 cumpleaños el pasado día 12 de febrero Kelly Rowland lanzó como single Black Magic, otro de los temas del EP y en el que rinde homenaje a sus orígenes afroamericanos y continúa el mensaje positivo del movimiento ‘Black Lives Matter’ que muchos de sus compañeros de profesión han abrazado anteriormente como su amiga Beyoncé. Black Magic es un tema R&B up-tempo similar a Hitman que también se influencia de la percusión y los ritmos tribales. El mismo día del lanzamiento de ‘K’ la cantante nacida en Atlanta ha desvelado el videoclip de otro de los temas del EP llamado ‘Flowers’ en el que Kelly aparece con un elegante vestido rojo que muestra el avanzado estado de gestación en el que se encontraba durante su grabación. Flowers baja el ritmo de los anteriores singles y se trata de una balada R&B con melodía de sintetizadores en la que Kelly recuerda la importancia de sus seres queridos. Los otros dos temas inéditos son ‘Speed of Love’, una balada mid-tempo R&B con melodía de guitarra española y cierto toque latino y ‘Better’, otra balada de amor que cierra el EP. En resumen, aunque su último álbum de estudio, ‘Talk a Good Game’, data del año 2013, lo cierto es que Kelly Rowland no ha dejado de lanzar música de manera más o menos regular desde entonces y ‘K’ resulta una grata sorpresa, ya que refleja el buen momento personal que vive Kelly, como madre y artista empoderada y orgullosa de sus orígenes. El único punto en contra es la exclusión en el EP del tema ‘Coffee’, lanzado como single en abril del año pasado y que resultaba un tema alegre y pegadizo que hubiera encajado perfectamente en ‘K’. Puntuación: 7/10.

Crítica de ‘Bang’ de Rita Ora

BangLa cantante Rita Ora publicó en noviembre de 2018 su esperado segundo álbum de estudio, Phoenix, después de nada más y nada menos que 8 años de diferencia con respecto a su disco debut debido a problemas con su discográfica que le impidieron lanzar nueva música. Phoenix era un moderno disco de estilo electro-pop y dance-pop que se distanciaba del sonido urbano de su anterior álbum y contó con los singles ‘Let You Love Me’ y ‘Anywhere’, los cuales gozaron de gran éxito y ocuparon el top 5 en la lista británica. Tras varias colaboraciones con otros artistas, en marzo de 2020, antes de que la pandemia del coronavirus llegara a nuestras vidas, la cantante de ascendencia albanesa regresó con el single ‘How To Be Lonely’, un tema pop mid-tempo compuesto por el cantante y compositor escocés Lewis Capaldi que iba a formar parte de su nuevo álbum de estudio pero su mediocre desempeño comercial puso en entredicho el futuro de este proyecto. Desde entonces apenas hemos sabido nada de ella hasta este mes de febrero, cuando Rita Ora ha regresado al panorama musical con Bang, un EP formado por 4 temas encuadrados dentro del sonido Dance/House bajo la producción del DJ y productor musical de Kazajistán Imanbek y que cuenta con la participación de dos artistas invitados: el rapero americano Gunna y el artista argentino de Trap Khea. En palabras de la cantante este EP es “una mezcla de pop moderno, cultura de club de los años 80/90 y House llenapistas” y supone el trabajo más up-tempo y dirigido a las pistas de baile de toda su trayectoria. El primer tema del EP es ‘Big’, un enérgico tema Dance/House que cuenta con la producción adicional de David Guetta y la participación del rapero Gunna. Le sigue ‘Bang Bang’, que se trata de otro potente tema influenciado por el House de los años 90 y que destaca por samplear la tantas veces tarareada melodía instrumental de la famosa película ‘Superdetective en Hollywood’ protagonizada por Eddie Murphy. La tercera canción es ‘Mood’, que destaca por bajar el trepidante ritmo de los temas anteriores y adentrarse en sonidos electro-pop, Trap y Dubstep y cuenta con la participación de Khea, un cantante de Trap que añade sus versos en español a este tema, el más flojo de los 4 presentes en ‘Bang’. El último tema es ‘The One’, que recupera el sonido Dance/House de las dos primeras canciones y es posiblemente la más adictiva y pegadiza del EP gracias a sus letras en las que Rita relata cómo odia partir el corazón a alguien que ama. En resumen, ‘Bang’ no aporta nada nuevo al panorama musical ni a la carrera de Rita Ora, aunque como aperitivo de su próximo álbum de estudio resulta interesante por su incursión en el sonido Dance/House y divergencia con respecto a su estilo habitual. Puntuación: 6/10.

Crítica de ‘On Earth, and In Heaven’ de Robin Thicke

On Earth, and In HeavenTras una exitosa carrera en Estados Unidos dentro del género R&B, Robin Thicke dio el espaldarazo internacional en 2013 con su sexto álbum de estudio, Blurred Lines, el cual contó con el single del mismo título que ocupó el #1 en prácticamente todo el planeta y convirtió a Robin Thicke en uno de los cantantes más populares de aquel año. Blurred Lines se distanciaba del clásico sonido R&B/Soul del cantante californiano y apostaba por un estilo dance-pop y funk moderno y actual con el que logró abrirse a un público más amplio. Un año después del lanzamiento de Blurred Lines, el hijo del mítico actor Alan Thicke regresó al panorama musical con ‘Paula’, un álbum muy diferente al anterior con el que regresaba a su habitual sonido y estaba inspirado en la reciente separación de su mujer, la actriz Paula Patton, después de casi dos décadas juntos. El séptimo álbum de Robin Thicke no sólo resultó un fracaso comercial sino que recibió opiniones negativas por parte de los expertos musicales y del público por la exposición mediática de la vida conjunta de la pareja y su intento desesperado por recuperar a su mujer tras la infidelidad del famoso cantante. Durante los últimos años Robin Thicke ha mejorado notablemente su imagen gracias a su participación como juez en el concurso musical ‘The Masked Singer’, que se ha convertido en uno de los éxitos más recientes de la TV americana. Con una popularidad al alza, el cantante de Los Angeles ha publicado hace unos días su octavo álbum de estudio, titulado On Earth, and In Heaven, con el que intentará recuperar a los fans que perdió tras su mediática separación y los escándalos protagonizadas durante la era Blurred Lines pero también contentar a los nuevos seguidores que ganó con dicho álbum. ‘On Earth, and In Heaven’ está formado por 11 temas compuestos por el propio Thicke y encuadrados dentro del sonido R&B/Soul con influencias funk y Latin-pop bajo la producción de su habitual colaborador ProJay y con producción adicional de Pharrell Williams, quien fue responsable del hit ‘Blurred Lines’. Según las propias palabras de Robin, este álbum está dedicado “a todas las personas que se han ido y las que se quedan y le han llevado a ser la persona que es ahora”. Aunque durante los últimos meses se han lanzado varios sencillos promocionales como la balada influenciada por el Jazz/Blues ‘Forever Mine’, el single presentación ha sido Take Me Higher, un marchoso tema R&B/funk up-tempo producido por Pharrell Williams que contiene un sample de la famosa canción ‘Ladies Night’ de Kool & The Gang y en el que podemos deleitarnos con la agradable voz de crooner de Robin, que siempre es un placer escucharla. Este tema resulta todo un acierto ya que reúne lo mejor del clásico R&B/Soul de sus orígenes con un toque moderno de funk muy en la línea del hit ‘Blurred Lines’ pero sin sus vulgares letras. Lo primero que destaca y se agradece del álbum es su gran uso de instrumentos en vivo en vez de la saturación de sintetizadores presentes en el álbum ‘Blurred Lines’. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘Lucky Star’, que cuenta con una bonita melodía inspirada en la Bossanova, la balada mid-tempo Soul ‘The Things You Do To Me’ que recuerda a sus baladas más clásicas, ‘Out of My Mind’, en el que Robin habla de cómo superó la ansiedad y la depresión o ‘Lola Mia’, un tema up-tempo muy original influenciado por el Latin-pop y la Salsa cuyas letras están dedicadas a sus hijas (llamadas Lola y Mia) y el amor que siente por ellas. En definitiva, este álbum supone un evidente paso adelante con respecto al soso y anodino ‘Paula’ ya que resulta mucho más consistente y sólido, además recupera el sonido de sus orígenes pero sin dejar de reconectar tímidamente con el carácter up-tempo y marchoso de Blurred Lines. Puntuación: 7/10. 

Throwback Review: ‘Try This’ y ‘I’m Not Dead’ de Pink

Try ThisTras el gran éxito logrado con Missundaztood, el cual vendió más de 12 millones de copias en todo el mundo y contó con 4 populares singles, la cantante americana Pink se convirtió una de las figuras más importantes del pop en la década del 2000. En 2003 Pink participó nuevamente en la banda sonora de una película, concretamente en ‘Charlie’s Angels: Full Throttle’ con ‘Feel Good Time’, un tema dance-pop con un toque psicodélico producido por William Orbit que tuvo un desempeño moderado en las listas de venta. Dos años después del lanzamiento de Missundaztood, Pink regresó con su tercer álbum de estudio, Try This, en el que profundizó en el sonido pop/rock iniciado en su anterior álbum y para ello trabajó con Tim Amstrong (perteneciente al grupo de rock Rancid) además de Linda Perry, quien contribuyó en varios temas de Missundaztood incluyendo el primer single. Aunque Try This es eminentemente un álbum pop/rock podemos encontrar influencias punk-rock, Dance y R&B en varias de las canciones. Con una promoción inferior a la de su anterior trabajo, Try This se convirtió en el álbum menos vendido de la cantante americana hasta el momento y en la actualidad permanece como uno de sus trabajos menos exitosos. Try This debutó en el top 10 de la lista americana de álbumes y vendió un millón de copias en Estados Unidos (una cifra notoriamente inferior a la de Missundaztood, que superó los 5 millones) y en el resto del mundo alcanzó el top 5 en Reino Unido y Alemania y el top 10 en Australia. El single presentación del álbum fue Trouble, un enérgico tema pop/rock con influencia punk-rock producido por Tim Amstrong cuyas letras hacen referencia al espíritu rebelde e indómito de la cantante. Trouble estuvo acompañado de un original videoclip ambientado en un pueblo del Oeste americano dominado por rufianes al que llega Pink para devolver el orden y la legalidad. Trouble gozó de un gran éxito en Australia, Reino Unido, Alemania o Canadá, donde alcanzó el top 10, sin embargo en Estados Unidos tuvo un escaso impacto (apenas ocupó el top 70) y se convirtió el single menos exitoso de Pink hasta el momento. Trouble ganó un premio Grammy a mejor actuación femenina de rock, el segundo Grammy que recibiría la cantante americana en su carrera tras su participación en el hit ‘Lady Marmalade’.

El segundo single lanzado fue God Is a DJ, un bailable tema pop/rock y dance-pop con un gran aire ‘ochentero’ producido por Billy Mann que destaca por sus originales letras “Si Dios es un DJ, la vida es una pista de baile, el amor es el ritmo y tu eres la música” en las que Pink anima a vivir la vida al máximo. God Is a DJ recibió críticas positivas por sus positivas letras aunque tuvo un desempeño comercial muy mediocre, marcando mínimos en la carrera de Pink. Como tercer y último single se lanzó Last To Know, un potente tema rock que suponía la inmersión definitiva de la cantante en dicho género. Debido a que Pink estaba embarcada en una extensa gira por Europa y América, este single apenas contó con promoción y fracasó en las listas de venta. Pese a que Try This es uno de mis álbumes menos favoritos de Pink, no resulta un trabajo de baja calidad en absoluto ya que contiene varios temas interesantes como ‘Humble Neighborhoods’ y ‘Try Too Hard’, dos enérgicas canciones rock de carácter up-tempo, ‘Oh My God’, un tema electroclash de letras muy explícitas que cuenta con la colaboración de la cantante Peaches o ‘Catch Me While I’m Sleeping’, una balada producida por Linda Perry reminiscencia del sonido R&B de sus orígenes. Puntuación: 7/10.

I'm Not DeadTry This fue el último trabajo de Pink dentro de la discográfica Arista, con la que tuvo grandes diferencias durante la grabación y promoción de dicho disco lo que provocó su salida después de tres álbumes dentro de ella. Tras la gira de ‘Try This’ Pink se tomó un periodo de descanso en el que la cantante se inspiró de nuevos nuevos estilos y sonidos para su próximo disco. En abril de 2006 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Pink, I’m Not Dead, cuyo título hacía referencia a que la cantante no había ‘desaparecido’ del panorama musical tras el fracaso de su anterior álbum. I’m Not Dead sigue la estela pop/rock de sus dos anteriores álbumes pero resulta más accesible a todos los públicos que Try This, el cual contenía un sonido más oscuro. Pink compuso todas las canciones presentes en el álbum y trabajó con importantes nombres de la industria musical como Billy Mann (que ya contribuyó en su anterior disco), Butch Walker, Max Martin y Dr. Luke. El single presentación del álbum fue Stupid Girls, un marchoso tema pop/R&B producido por Billy Mann que destacaba por sus letras en contra de la imagen sexualizada que se les impone a las mujeres en la sociedad y el mundo del espectáculo y resultaba un himno empoderamiento femenino en el que Pink animaba a las niñas y mujeres a potenciar su inteligencia y no su cuerpo. Stupid Girls recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus letras contra el sexismo y el carácter marchoso y bailable de la canción y fue nominado a mejor actuación vocal femenina en los premios Grammy. Stupid Girls llevó de nuevo a Pink a la parte alta de las listas de venta tras el fracaso de sus últimos singles y ocupó el top 5 en Reino Unido, Australia o Canadá y el #13 en Estados Unidos. Stupid Girls contó con un divertido e irónico videoclip en el que Pink se metía en el papel de varias chicas superficiales (algunas de ellas famosas como Lindsay Lohan, Jessica Simpson o Paris Hilton) contra las que se revela en la letra de la canción. Como segundo single se lanzó Who Knew, un tema pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke (quienes juntos han creado grandes hits dentro del mundo del pop) en el que Pink muestra su lado más emotivo y vulnerable hablando de un buen amigo al que perdió por el abuso de drogas. Who Knew recibió opiniones positivas de los críticos musicales por la emotividad de la cantante y la producción del tema y obtuvo un rendimiento muy positivo en las listas de venta ya que ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. En su lanzamiento original en Estados Unidos, Who Knew no tuvo demasiado apoyo por parte del público pero tras el éxito del siguiente single volvió a ser re-lanzado en tierras americanas y alcanzó el top 10 y fue certificado platino.

El tercer single elegido fue U + Ur Hand, otra de las producciones de Max Martin y Dr. Luke para el álbum y que se trataba de un enérgico tema pop/rock en el que Pink habla de cómo rechaza a los hombres en el club y destaca por sus explicitas letras sobre la masturbación. ‘U + Ur Hand’ alcanzó el top 10 en la lista americana, acabó siendo certificado platino (su primer single en alcanzar el millón de copias) y fue el responsable de la revitalización de la carrera de Pink en Estados Unidos y el aumento de ventas de I’m Not Dead. En el resto del mundo también tuvo un desempeño muy positivo y ocupó el top 10 en los principales mercados. En Europa y Australia se lanzó como cuarto single Nobody Knows, que se trataba de una balada a piano producida por Billy Mann que destaca por sus personales letras sobre la depresión que sufrió Pink años atrás. Pese a ser una de las mejores baladas lanzadas por la cantante hasta la fecha, apenas contó con promoción y tuvo un impacto comercial limitado. El siguiente single extraído fue Dear Mr. President, una balada acústica pop/rock y folk que resultó bastante polémica por sus directas letras en contra del entonces presidente de Estados Unidos George Bush, a quien critica sus desacertadas decisiones sobre la guerra de Irak o su oposición al matrimonio gay. Aunque no contó con videoclip ni apenas promoción fue capaz de ocupar el top 5 en Australia y Alemania. Como último single se lanzó Leave Me Alone (I’m Lonely), un marchoso tema pop/rock y dance-pop producido por Butch Walker en el que Pink demanda a su amante más tiempo libre.

I’m Not Dead se caracterizó por su gran longevidad en las listas de venta debido al gran número de singles lanzados, debutó en el #6 de la lista americana (la posición más alta de Pink hasta la fecha) y gracias a la consistencia y éxito de los tres primeros singles acabó vendiendo más de dos millones de copias en Estados Unidos. A nivel internacional el éxito del álbum fue muy notorio, sobretodo en Australia y Alemania, donde alcanzó el #1 y en Reino Unido, donde fue #3 y superó los 6 millones en todo el mundo, unas cifras muy superiores a las alcanzadas por Try This. Aunque casi la mitad de los temas del álbum fueron lanzados como singles, todavía quedaban canciones interesantes dentro de I’m Not Dead como ‘Cuz I Can’, un potente tema pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke en el que Pink demuestra que es una mujer fuerte e independiente y no sigue las reglas de los demás o el tema que da título al disco, ‘I’m Not Dead’, que supone una declaración de intereses por parte de Pink. Tras el relativo fracaso que supuso su anterior álbum, Pink regresó con un álbum muy sólido de pop/rock comercial que marcaba el sendero por el que continuaría en sus sucesivos trabajos. Sin duda uno de los mejores trabajos de su amplia discografía. Temas imprescindibles: Stupid Girls, Who Knew, I’m Not Dead, Cuz I Can, U + Ur Hand y Leave Me Alone (I’m Lonely). Puntuación: 8/10.

Throwback Review: ‘Can’t Take Me Home’ y ‘M!ssundaztood’ de Pink

PinkDurante los últimos años de los 90 y principios de la década del 2000 el R&B vivió su época dorada gracias a artistas y grupos como TLC, Brandy, Monica o Destiny’s Child, quienes irrumpieron en el panorama musical con gran éxito y exportaron el R&B fuera de Estados Unidos, que hasta entonces había sido su mercado principal. Una de las cantantes que debutaron durante el año 2000 (al que considero uno de los mejores dentro de la historia de la música) fue Alecia Moore, más conocida como Pink por su llamativo color de pelo rosa, quien publicó su álbum debut titulado Can’t Take Me Home. Este álbum está formado por medios tiempos, baladas y temas up-tempo de estilo R&B/pop bajo la producción de algunos de los mejores nombres del género R&B como Babyface, She’kspere, Soulshock & Karlin o Tricky Stewart y aunque Pink no tuvo demasiado control creativo en este álbum compuso 7 de los 13 temas presentes. El single presentación fue There You Go, un marchoso tema R&B/pop up-tempo producido por She’kspere que contenía el sonido R&B típico de principios del 2000 y cuya melodía resultaba similar a ‘Bills Bills Bills’ de Destiny’s Child o ‘No Scrubs’ de TLC, ambos también compuestos por Kandi y producidos por el propio She’kspere. En este pegadizo tema (uno de mis favoritos dentro del R&B) Pink se encuentra en una relación tóxica que no tiene futuro y opta por dejar a su pareja pese a que éste le ruega que le perdone y continúen la relación. Con su single debut, Pink cosechó gran éxito y alcanzó el #2 en Australia y el top 10 en Estados Unidos, Canadá o Reino Unido. El segundo single lanzado fue Most Girls, un medio tiempo R&B producido por Babyface cuyas letras hacían referencia a que Pink es una mujer independiente y autosuficiente que no necesita a un hombre que la mantenga por lo que resultaba un himno de empoderamiento femenino. Most Girls fue considerado como el tema más sobresaliente del álbum y resultó un hit para Pink en las listas de venta: fue #1 en Australia (uno de sus mercados estrella) y top 5 en Estados Unidos, Canadá y Reino Unido. Como tercer y último se extrajo You Make Me Sick, un tema R&B producido por Babyface en el que Pink relataba la deteriorada relación con su pareja, al que le reprocha su comportamiento y declara “estar harta de él”. You Make Me Sick recibió menor promoción que los anteriores singles y tuvo un desempeño comercial inferior: ocupó el top 40 en Estados Unidos y Australia pero en Reino Unido se convirtió en el tercer top 10 consecutivo de Pink. Dentro del álbum encontramos joyas del R&B como ‘Split Personality’, en el que Pink declara que tiene doble personalidad, ‘Can’t Take Me Home’, un marchoso tema dance-pop que resultaba el más up-tempo del disco, la balada R&B/Soul ‘Let Me Let You Know’, en cuyos créditos encontramos a Robin Thicke como compositor o ‘Love Is Such a Crazy Thing’, un original tema de amor que destaca por su larga introducción instrumental en la que se van añadiendo progresivamente nuevos instrumentos. 

Can’t Take Me Home debutó en un discreto #26 de la lista americana pero el buen desempeño de los singles consiguió que el álbum vendiera más de dos millones de copias en Estados Unidos y fuera certificado doble platino. A nivel internacional el desempeño del álbum fue moderado, alcanzó su mejor posición en Australia donde fue #10 y acabó vendiendo más de 4 millones en todo el mundo. El álbum debut de Pink recibió críticas mixtas por parte de los expertos musicales, quienes consideraron que no resultaba original ni llamativo aunque alabaron las habilidades vocales de Pink. Pese a que Can’t Take Me Home es posiblemente el álbum más desconocido de su discografía por parte del público ya que Pink triunfó de manera masiva a partir de su siguiente álbum, personalmente lo considero mi favorito de la cantante americana, el único encuadrado dentro del R&B de su trayectoria y el que me permitió conocer a una de mis cantantes favoritas. Temas imprescindibles: There You Go, Most Girls, You Make Me Sick, Split Personality y Love Is Such a Crazy Thing. Puntuación: 8/10.

MissundaztoodEn abril de 2001 Pink participó junto con Christina Aguilera, Lil’ Kim y Mya en la banda sonora de la película ‘Moulin Rouge’ con el tema Lady Marmalade, que se trataba de una versión de la famosa canción de Patty Labelle pero con un toque R&B/Hip-Hop moderno y producido por Missy Elliott y Rockwilder. Esta nueva versión resultó tremendamente popular aquel año, superó el éxito de la versión original y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Australia, Reino Unido y más de 10 países en todo el mundo. Con una popularidad al alza, Pink publicó a finales del 2001 su segundo álbum de estudio, titulado Missundaztood (que podríamos traducirlo como incomprendida) y en el que dejaba a un lado su antiguo look con el pelo rosa y mostraba una nueva imagen más rebelde. Missundaztood destacó por su gran divergencia con respecto al estilo musical de ‘Can’t Take Me Home’ y profundizaba en un sonido pop/rock más maduro con ciertos elementos del dance-pop y R&B. Pink compuso la mayoría de los temas del álbum y para lograr su sonido deseado trabajó principalmente con Linda Perry (componente del grupo 4 Non Blondes) y Dallas Austin con producción adicional de Scott Storch y Damon Elliott. Missundaztood debutó en el #8 de la lista americana y gracias al buen desempeño de los singles lanzados alcanzó el #6, gozó de una gran longevidad en las listas de venta y acabó siendo certificado 5 veces platino por ventas superiores a los cinco millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el segundo álbum de una artista femenina más vendido del 2002. A nivel internacional también logró un buen desempeño comercial: fue top 5 en Reino Unido o Alemania y top 20 en Australia y Francia, superando los 12 millones de copias en todo el mundo.

El single presentación del álbum fue Get The Party Started, un pegadizo tema dance-pop que habla sobre salir de fiesta y pasarlo bien y está compuesto y producido por Linda Perry en su primer tema como compositora para otros artistas. ‘Get The Party Started’ resultó un gran éxito en las listas de venta, alcanzó el #1 en Australia, Irlanda o España y el top 5 en Reino Unido, Alemania, Francia o Estados Unidos, donde se convirtió en su tema más exitoso hasta la fecha. Como segundo single se lanzó Don’t Let Me Get Me, un marchoso tema pop/rock con uso prominente de guitarra eléctrica en el que Pink habla de su falta de autoestima cuando era adolescente y sus problemas para encajar en la escuela. Sin embargo más interesante y revelador resulta el contenido del segundo verso en el que confiesa que “L.A. (Reid, el presidente de su discográfica) me dijo que sería una pop-star y lo que tenía que hacer es cambiar todo lo que soy” o “estoy harta de ser comparada con la ‘maldita’ Britney Spears, ella es muy guapa pero yo no soy ella”, confirmando que durante su primer álbum no se sintió cómoda ni pudo expresar sus verdaderas aspiraciones musicales. Don’t Let Me Get Me marcó la primera incursión de Pink en el sonido pop/rock que adoptaría Pink desde entonces y fue muy bien acogida entre el público ya que consiguió nuevamente el top 10 en los principales mercados musicales. El tercer single del álbum fue Just Like a Pill, un enérgico tema pop/rock producido por Dallas Austin en el que la cantante de Pennsylvania habla de una relación tóxica y el abuso de sustancias y compara a su pareja con una pastilla que en vez de curarle le hace más daño todavía. Just Like a Pill recibió grandes criticas de los expertos musicales por sus personales letras y la ejecución vocal de Pink como ‘rock star’ y continuó la racha de éxito de los singles anteriores: alcanzó el #1 en Reino Unido y el top 10 en Estados Unidos. Como último single se lanzó Family Portrait, un medio tiempo R&B producido por Scott Storch que destacaba por sus letras autobiográficas sobre su complicada infancia, las peleas que tenían sus padres delante de ella y su posterior divorcio. Este tema recibió grandes elogios por parte de los expertos musicales por sus personales letras y la potente voz de Pink y a nivel comercial resultó un éxito moderado y alcanzó el top 10 en Alemania, #11 en Reino Unido y Australia y top 20 en Estados Unidos. Personalmente, Family Portrait es mi tema favorito del álbum y la canción que más se asemeja al estilo de ‘Can’t Take Me Home’ por su sonido R&B.

Dentro de Missundaztood encontramos temas interesantes como ’18 Wheeler’, un potente tema pop/rock producido por Dallas Austin, ‘Eventually’, una balada de desamor con cierto aroma R&B que resulta el momento más vulnerable y emotivo del álbum o ‘My Vietnam’, una balada influenciada por el sonido folk que habla de las complicadas experiencias personales durante su adolescencia, comparándolas con la guerra de Vietnam. En resumen, Missundaztood supuso el impulso definitivo de Pink para triunfar en todo el mundo gracias a una acertada selección de singles y un conjunto de canciones muy sólido que mostraban el impresionante torrente vocal de la cantante americana y su talento como compositora. Temas imprescindibles: Don’t Let Me Get Me, Family Portrait, Just Like a Pill, Get The Party Started y 18 Wheeler. Puntuación: 7’5/10.

Up, el nuevo single de Cardi B

Cardi B UpEn agosto del año pasado, mientras la pandemia del coronavirus asolaba al mundo entero, Cardi B lanzó WAP junto a la prometedora rapera Megan Thee Stallion como primer single de su esperado segundo álbum de estudio. Desde un primer momento WAP sorprendió al público por su martilleante sample de ‘Whores In This House’ y sus letras altamente explícitas en defensa de la libertad sexual de las mujeres y fue considerado como un himno del positivismo sexual, temática que su compañera Megan Thee Stallion ha seguido profundizando en su álbum debut. Pese a recibir principalmente críticas positivas por sus letras sobre empoderamiento femenino también surgieron voces que criticaron su vulgaridad y falta de originalidad. WAP resultó un auténtico éxito comercial: alcanzó el #1 en la lista americana (convirtiéndose en el cuarto single de Cardi B que lidera la lista Billboard) y se mantuvo en lo más alto durante 4 semanas no consecutivas, además también llegó al #1 en otros importantes mercados como Australia, Canadá o Reino Unido y acabó el 2020 como uno de los singles más exitosos y #1 en los rankings de las mejores canciones del año. Su colorido videoclip en el que Megan y Cardi lucían numerosos looks imposibles y mostraban cada rincón de su anatomía recibió gran atención por parte del público y ha superado los 300 millones de reproducciones en YouTube en tan sólo 5 meses. Tras varias colaboraciones con otros artistas la carismática rapera neoyorquina ha regresado con un nuevo single que formará parte de su próximo álbum de estudio, el sucesor del exitoso Invasion of Privacy. Se trata de Up, otro marchoso tema Hip Hop influenciado por el sonido Trap que sigue la estela musical de WAP y apenas dura dos minutos y medio, muy en la línea de lo que se estila en la actualidad por su consumo inmediato y la inclusión en diversas playlist de las plataformas musicales. El mismo día en que Up ha sido lanzado como single se ha desvelado su videoclip, que cuenta con un alto presupuesto, resulta similar a WAP y en el que nuevamente Cardi B luce excéntricos estilismos dejando muy poco a la imaginación. Up resulta pegadizo pero no llega al nivel de WAP ni aporta nada nuevo al panorama actual del Hip Hop, por lo que veremos qué le depara en las listas de venta tras el enorme éxito de éste último.