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Crítica de “So Good” de Zara Larsson

displaySuecia siempre se ha caracterizado por ser la cuna de una gran cantidad de cantantes y grupos musicales que han logrado una importante repercusión en el mundo de la música, por ello sería injusto considerar a ABBA y Roxette como los únicos músicos notables que ha exportado este país escandinavo. En los últimos años, los talent-shows de Suecia han sido la cantera de un gran número de jóvenes cantantes muy talentosos que han conseguido una carrera musical estable dentro y fuera de su país de origen, como Agnes o más recientemente Zara Larsson, quien es precisamente la protagonista de este post. Con sólo 10 años, la cantante originaria de Solna (una ciudad cerca de Estocolmo) fue la ganadora de un conocido concurso de búsqueda de talentos de la TV sueca y años más tarde consiguió ser fichada por una discográfica y logró su sueño de grabar un disco. Su álbum debut fue publicado en 2014 y aunque llegó al #1 en la lista de ventas de Suecia y consiguió cierta popularidad en otros países nórdicos como Dinamarca o Noruega, no fue lanzado en el resto de Europa. No fue hasta 2015 cuando Zara Larsson consiguió una repercusión internacional gracias al single Lush Life, el cual primero triunfó en los países nórdicos, consiguiendo el #1 en su país de origen y el top 5 en Dinamarca, Noruega o Finlandia, y meses más tarde en toda Europa y el resto del mundo, convirtiéndose en un hit en mercados tan importantes como Reino Unido, Alemania o Australia. Este marchoso tema electro-pop y Tropical House fue uno de los pioneros en incorporar este sonido caribeño que tan de moda se ha puesto últimamente y todos los cantantes se han apresurado en adoptar. Lush Life también fue lanzado como single en Estados Unidos pero tuvo una acogida muy mediocre y en un principio no logró penetrar en la lista americana ya que dicho mercado es bastante reticente a este tipo de cantantes pop, aunque meses después, tras el éxito del single en todo el mundo, Lush Life fue re-lanzado y consiguió entrar en la parte baja de la lista americana.

Never Forget You, un tema electro-pop compuesto por la propia Zara Larsson junto a MNEK, fue el segundo single, ocupó el #1 en Suecia y fue top 5 en las listas británica y australiana. Además llegó al top 20 en Estados Unidos, logrando la primera entrada de Zara en la lista americana (ya que Lush Life originalmente no lo consiguió) y convirtiéndose en el single más exitoso de una cantante sueca en dicho país y uno de los pocos singles que han conseguido éxito en Estados Unidos tras Robyn y Agnes. El tercer single fue Ain’t My Fault, un marchoso tema dance-pop que cuenta con influencia del sonido Bounce y en el que Zara hace uso del rap-sing tan habitual hoy en día. Este single fue nuevamente #1 en su país natal pero tuvo un desempeño moderado en el resto del mundo. I Would Like, un bailable tema dance-pop y Tropical House producido por The Monsters & Strangerz fue lanzado como tercer single, y es una de mis canciones favoritas del álbum. Gracias a su actuación en el concurso X Factor UK, el single ocupó el top 10 en Reino Unido e Irlanda. Ya en 2017, Zara Larsson siguió lanzando singles y So Good fue el quinto sencillo elegido, se trataba de un alegre medio tiempo pop/R&B que contaba con la colaboración del rapero Ty Dolla Sign. Tras el single So Good, en el mes de marzo se puso a la venta el álbum del mismo título, que incluía todos los singles anteriormente lanzados y es el primer disco de Zara Larsson publicado de manera internacional. So Good es un disco pop y electro-pop con gran influencia del sonido Tropical House compuesto en su mayoría por temas up-tempo y resulta muy similar al estilo del álbum debut de Dua Lipa, siendo ambos dos de los discos de una artista femenina pop más exitosos de los últimos años. So Good debutó en lo más alto de la lista de ventas de Suecia y también se situó dentro de las 10 primeras posiciones en Reino Unido, Dinamarca, Noruega, Irlanda y Australia. Aunque en Estados Unidos entró en una discreta posición dentro del top 30, consiguió ser certificado oro por medio millón de copias distribuidas, incluyendo ventas y streaming. Zara Larsson es una artista a la que no presté excesivamente atención al principio pero tras escuchar su disco So Good puedo decir que es un buen trabajo que cuenta con temas alegres y bailables encuadrados dentro del pop actual con gran influencia del sonido de moda, el Tropical House. Zara Larsson es una talentosa cantante que también ha hecho sus pinitos como compositora, y gracias a sus marchosas canciones y su gran atractivo le auguro un futuro muy prometedor en el mundo de la música. Puntuación: 7’5/10. So Good – Amazon

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Crítica de “Dirty Computer” de Janelle Monáe

15193209489599En el año 2014, Janelle Monáe publicó su segundo álbum de estudio, The Electric Lady, que se trataba de un complejo y original proyecto en el que la artista de Atlanta continuaba con el argumento iniciado en su EP Metropolis y su primer álbum de estudio The ArchAndroid, y se trataba de un mundo futurista protagonizado por el androide mesiánico Cindi Mayweather (el alter-ego de Janelle), el cual libera a los ciudadanos de Metropolis de una sociedad secreta que ha prohibido la libertad y el amor. En el aspecto musical se trataba de un disco que mezclaba temas up-tempo Funk/R&B y baladas Soul, aunque podíamos encuadrarlo dentro del sonido Soul psicodélico, al que también pertenecen otros cantantes como Miguel y Frank Ocean. The Electric Lady resultaba un proyecto muy original, innovador y arriesgado, y recibió grandes elogios de la crítica, convirtiéndose en uno de los discos más aclamados por los expertos musicales durante esta década. Durante los últimos años, Janelle Monáe se ha centrado en su faceta de actriz y ha participado en dos películas que han logrado gran repercusión y éxito, Hidden Figures y Moonlight, en donde su participación como atriz ha sido alabada por los críticos de cine.

Tras un tiempo en el que ha estado parcialmente apartada de la música (aunque ha contribuido con canciones a las películas en las que ha participado), Janelle ha regresado en este 2018 con su tercer disco de estudio, llamado Dirty Computer y que se puso a la venta el pasado mes de abril. A pesar de que también se trata de un álbum conceptual, se aleja de la trilogía protagonizada por Cindi Mayweather ambientada en Metropolis, y es un disco que habla del empoderamiento femenino y la aceptación de uno mismo, y trata temas como el amor, el sexo y la manera en qué es vista por la sociedad. Tal y como ha comentado la propia Janelle Monáe, es su disco más personal y en el que se ha acercado más a su auténtico ser a través de las 14 canciones que lo componen. Al igual que su anterior trabajo discográfico, Dirty Computer es un álbum muy ecléctico que cuenta con una amplia y agradable mezcla de R&B, Funk, Hip Hop y Soul, pero en este caso ofrece un sonido más comercial y accesible a un mayor público, y contiene un toque Funk/Soul menos acusado que en The Electric Lady. Dirty Computer debutó en el #6 de la lista americana de álbumes y nuevamente ha recibido grandes críticas de los expertos musicales al igual que sus anteriores discos. El single presentación del disco fue Make Me Feel, un tema Funk/Soul que recuerda a la música de su mentor y admirado Prince, y como segundo single se lanzó Django Jane, un tema Hip-Hop en el que la cantante nacida en Kansas explora su lado como rapera, y muestra su gran versatilidad y amplitud vocal. El tercer single ha sido Pynk, uno de los temas más destacados de Dirty Computer y en el que Janelle habla del empoderamiento de las mujeres, la aceptación de su propia sexualidad, con metáforas acerca de la vagina como la artífice de la creación y la humanidad, algo que también muestra en el colorido videoclip del tema. En resumen, Dirty Computer es uno de los álbumes más originales e interesantes de este 2018, haciendo de Janelle Monáe una de las artistas más versátiles, vanguardistas y menos convencionales del panorama R&B/Soul actual. Puntuación: 8/10. Dirty Computer – Amazon

Crítica de “Joyride” de Tinashe

joyrideTras el lanzamiento de varios mixtapes que la convirtieron en una de las cantantes más prometedoras de la escena independiente americana, la cantante Tinashe hizo su debut oficial en el mundo de la música en el año 2014 con su primer álbum de estudio, Aquarius, el cual recibió grandes críticas de los expertos musicales por su moderno sonido, que podíamos encuadrarlo dentro de la nueva corriente del R&B alternativo, y que gracias a cantantes como The Weeknd, Frank Ocean o la propia Tinashe comenzó a hacerse un gran hueco dentro del género R&B y empezó a ser más conocido fuera de Estados Unidos. La cantante de ascendencia de Zimbabwe por parte de padre e inglesa/danesa por parte de madre trabajó con importantes productores de la industria musical para su álbum debut como StarGate, Mike Will Made It, Dj Mustard, Detail o Boi-1Da entre otros, quienes le aportaron un toque R&B/pop a su habitual sonido R&B alternativo. Los tres singles extraídos del álbum, 2 On, Pretend y All Hands On Deck, recibieron buenas opiniones por parte del público y de la crítica especializada por su gran voz, sus letras y su estilo en general, y fue comparada con la princesa del R&B Aaliyah, fallecida tristemente en el año 2001, con la que comparte muchas características, como su imagen, su voz y su habilidad para el baile y las coreografías. Aunque Aquarius tuvo un impacto comercial moderado en la lista de ventas americana, donde ocupó el puesto #17, en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard obtuvo un mejor rendimiento, alcanzando el top 5. En 2015, tras finalizar la promoción de Aquarius, la artista revelación del R&B lanzó el single Player como adelanto de su nuevo trabajo discográfico. Se trataba de un marchoso tema R&B/synth-pop que contaba con la colaboración de Chris Brown y sorprendió al público por su mayor toque pop y un sonido más comercial. Sin embargo, el lanzamiento de su nuevo disco se retrasó en numerosas ocasiones y Tinashe decidió apartar este proyecto en favor de otro álbum en el que empezó a trabajar, llamado Nightride. Este álbum fue lanzado exclusivamente en formato digital, recibió escasa promoción y muchos lo consideraron como uno de los mixtapes que ha lanzado la cantante en los inicios de su carrera. Company, un medio tiempo R&B alternativo producido por The Dream, fue el único single de este trabajo discográfico.

Tras Nightride, el cual tuvo un impacto mínimo en la lista de ventas americana, Tinashe volvió al estudio de grabación para continuar con el proyecto que abandonó pero pasaría a convertirse en su tercer álbum de estudio. Joyride es el título del disco en el que lleva trabajando desde hace años pero finalmente ha sido publicado este mes de abril. Todos los temas presentes en Joyride han sido compuestos por la propia Tinashe y entre los productores implicados se encuentran StarGate, Hit-Boy o Soundz, quienes han dado forma un trabajo muy interesante encuadrado en el sonido habitual de la cantante californiana, el R&B alternativo, con influencia electro-pop, Trap y Hip-Hop. El single anticipo del álbum, No Drama, fue lanzado el pasado mes de enero y se trataba de un tema electro-R&B con influencia Trap/Hip-Hop producido por StraGate y que contaba con la colaboración del rapero Offset, perteneciente al grupo Migos. Este tema, en el que la joven cantante habla de hacer frente a la adversidad y demostrar tu valía, ha estado acompañado de un oscuro y enigmático videoclip en el que Tinashe sorprende con un vestuario extravagante y realiza una coreografía en la que demuestra que es una bailarina muy talentosa. Como segundo single se lanzó Faded Love, un tema R&B alternativo producido por StarGate y en el que participa el rapero Future, quien ya trabajó con Tinashe en su primer álbum. El tercer single extraído del álbum ha sido Me So Bad, un marchoso tema Tropical House con influencia R&B/Hip-Hop que cuenta con la colaboración de los raperos Ty Dolla $ign y French Montana. Me So Bad, con su sonido caribeño y su pegadizo ritmo, resulta uno de los temas más bailables y up-tempo de Joyride. El resto del álbum está compuesto por medios tiempos y temas downtempo, los más habituales dentro del R&B alternativo, de los que destacan “Joyride”, el tema que da título al disco y uno de mis favoritos, “He Don’t Want It”, que cuenta con un sonido enigmático y con su voz en high-pitch, o el medio tiempo “Stuck With Me”, en el colabora el grupo de synth-pop Little Dragon. En resumen, Joyride es un buen álbum de R&B que muestra el gran talento de Tinashe como cantante y compositora, quien se ha convertido en una de las figuras más destacadas del género R&B contemporáneo. Puntuación: 7/10. Joyride – Amazon

Crítica de “Golden” de Kylie Minogue

kylie-minogue-golden-coverKylie Minogue es una artista plenamente consagrada en el panorama musical, y aunque durante su larga trayectoria profesional ha experimentado con diferentes géneros musicales que han podido ajustarse más o menos con su estilo, siempre la hemos relacionado con el pop y el dance, géneros con los que ha triunfado durante décadas. Sin embargo, para su nuevo álbum de estudio, el decimocuarto dentro de su trayectoria profesional, nos ha sorprendido con el Country, un género que a priori no nos imaginábamos que podría adoptar la diva australiana. Desde el primer momento que escuché Dancing, el single anticipo de su nuevo trabajo discográfico, me llamó la atención su cambio de estilo musical, aunque no se alejaba totalmente del sonido habitual de Kylie ya que se trataba de un marchoso tema dance-pop y electro-pop con influencia Country-pop. Quizás podría tratarse de un tema más de Kylie si no fuera por el uso de guitarra Country al principio de la canción, por lo que Dancing ha sido el tema perfecto para marcar la transición entre el habitual sonido de la diminuta cantante y el nuevo estilo musical que nos presenta en su nuevo disco. A pesar de que Dancing es un tema muy interesante, marchoso, pegadizo y bailable, y ha recibido buenas críticas por parte de los expertos musicales y el público, no ha logrado un buen desempeño en las listas de venta y ha pasado desapercibido en Reino Unido o su nativa Australia. El nuevo álbum de estudio de Kylie, Golden, se puso a la venta el 6 de abril y seguro que será uno de los discos más importantes del 2018 en Europa y Australia, los dos mercados musicales más importantes de la cantante de Melbourne. Otra de las sorpresas que nos depara Golden aparte de la evolución musical de Kylie hacia el sonido Country es su mayor implicación en el proceso de composición y grabación, ya que la cantante de 49 años ha asumido un mayor papel creativo y ha compuesto todas las canciones que forman parte del álbum. Durante los primeros estadios de creación de Golden, Kylie empezó a trabajar con Richard Stannard, habitual colaborador de la cantante australiana, aunque más tarde viajó a Nashville, la cuna del Country, para adentrarse en el espíritu de este género y trabajar con Sky Adams entre otros.

El segundo single de Golden, lanzado unas semanas antes del lanzamiento del álbum, fue Stop Me From Falling, un tema bailable y alegre pero que guarda demasiadas similitudes con Dancing, ya que empieza con melodía de guitarra Country para transformarse en un tema dance-pop, lo que resulta repetitivo y no aporta nada nuevo con respecto a dicho single. Pese a su enorme parecido con Dancing es uno de los temas imprescindibles del disco por su carácter pegadizo y marchoso. Como tercer sencillo promocional, previo a la publicación de Golden, se ha elegido Raining Glitter, un tema Disco y dance-pop con ligera influencia Country-pop, lo que le convierte en el single lanzado hasta ahora más cercano al habitual estilo de Kylie, quizá para recordar que la verdadera esencia de la cantante sigue estando presente en este disco. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran “Golden”, el tema que da título al álbum, “One Last Kiss” o “A Lifetime To Repair”, que siguen el patrón de los anteriores singles de añadir un ligero toque de guitarra a un tema que por su temática podrían pertenecer a los anteriores discos de Kylie. Aunque la mayoría de las canciones que componen Golden son up-tempo y marchosas, también tienen cabida un par de baladas, algo esencial cuando se pretende adoptar el estilo Country. Dentro de los temas más tranquilos se encuentran “Music’s Too Sad Without You” junto al cantante de folk Jack Savoretti.

En resumen, Golden definitivamente no es el mejor álbum de Kylie Minogue ni será recordado en un futuro como su disco más memorable, sin embargo es una interesante adición a su amplio catálogo musical y nos muestra un lado diferente de la cantante, sin abandonar totalmente su característico sonido dance-pop. Sin embargo es uno de sus trabajos más personales y auténticos hasta la fecha, en el que Kylie se ha involucrado en mayor medida y ha participado en la composición de temas acerca de las relaciones fallidas del pasado o el auto-empoderamiento. Quizás pueda criticarse el hecho de haber adoptado el género Country en un momento en que varios cantantes del mainstream han intentado “subirse al carro” de este estilo musical porque otorga credibilidad y seriedad como artista, ya que este género siempre ha sido visto como serio, tradicional y maduro. Sin embargo la aproximación que ha hecho Kylie a este sonido ha sido muy leve, ya que simplemente ha añadido un ligero sonido Country-pop a su habitual estilo musical, puesto que las letras de las canciones están muy lejos de la temática tradicional sureña ni tiene ese toque triste y melancólico de las verdaderas canciones Country. Puntuación: 7’5/10. Golden – Amazon

Crítica de “Invasion of Privacy” de Cardi B

cardi-b-invasion-of-privacyDurante los últimos meses, la artista de moda dentro del género Hip Hop ha sido sin lugar a dudas la joven neoyorquina Belcalis Almanzar, más conocida por su nombre artístico Cardi B, quien para escapar de la pobreza y la violencia machista por parte de su ex-pareja decidió ganarse la vida como stripper, para más tarde convertirse en un personaje muy popular en las redes sociales y participar en el reality-show de moda dentro del colectivo afroamericano de Estados Unidos, Love & Hip-Hop. Cardi B se ha ganado al público por su espontaneidad, su humildad y su carismática personalidad, aunque también por sus controvertidos comentarios, su polémica conducta en dicho reality y su actitud sin pelos en la lengua. Desde sus inicios en el mundo de la música, Cardi B ha sido comparada hasta la saciedad con Nicki Minaj ya que comparten muchos puntos en común como su imagen provocativa o su alocada personalidad, y pertenecen a la nueva generación de artistas de Hip Hop femenino, aunque sin duda han crecido escuchando a legendarias raperas Lil Kim y Trina, de las que se han inspirado en gran medida aunque añadiendo un toque extravagante de otras cantantes como Lady Gaga, lo que ha hecho que tengan un mayor atractivo para el público en general. Durante los últimos años, en ausencia de figuras relevantes dentro del Rap femenino, y con Eve, Lil Kim o Missy Elliott fuera de escena, Nicki Minaj ha ganado posiciones y se ha convertido en la reina de las colaboraciones y una de las artistas más respetadas e importantes dentro del Hip Hop femenino, por ello la aparición de Cardi B ha puesto en peligro la hegemonía de la rapera de Trinidad y Tobago. Debido a la competencia directa entre ambas artistas, desde un principio se ha rumoreado que estaban enfrentadas, aunque no ha sido confirmado ni desmentido por parte de ninguna de ellas.

El pasado 6 de abril, en medio de una gran expectación por parte de sus numerosos seguidores, Cardi B publicó de manera digital su primer álbum de estudio, titulado Invasion of Privacy, que refleja lo que ha sido su vida estos últimos meses, ya que los medios de comunicación y el público en general han estado pendientes cada minuto de su vida profesional y privada, ya que su relación, compromiso de boda con el rapero Offset y su rumoreado embarazo no han hecho sino atraer más la atención hacia la rapera del Bronx. Para hacer más corta la espera, unos días antes de la publicación de Invasion of Privacy se estrenó el videoclip del segundo single del álbum, Bartier Cardi, cuyos constantes retrasos le han pasado factura a la promoción de dicho single. Bartier Cardi es uno de los temas más destacados del álbum pero la ausencia de videoclip durante tantos meses ha hecho que su desempeño comercial no haya resultado tan espectacular como se esperaba, sin embargo ha logrado un moderado éxito, ocupando el #14 en la lista americana de singles y top 10 en el componente Hip Hop de la lista Billboard.

Be_Careful_(Official_Single_Cover)_by_Cardi_BAdemás del videoclip de Bartier Cardi, la rapera de 25 años nos tenía guardadas más sorpresas antes de la publicación del álbum, como el lanzamiento del tercer single, titulado Be Careful. Este tema producido por Boi-1da y Frank Dukes se aleja del sonido Trap que tenían los anteriores singles y en este caso se trata de un tema Hip-Hop/R&B con un sonido más tradicional, que samplea “Ex-Factor” de Lauryn Hill y en el que Cardi además de rapear se atreve a cantar durante el estribillo. Este tema resulta menos agresivo que sus anteriores singles, pierde el toque Gangsta que tenía hasta ahora la música de Cardi, y en él trata la infidelidad de sus anteriores novios, ya que ha dejado claro que no habla de Offset, su actual pareja y padre de su primer hijo. Invasion of Privacy está formado por temas Hip Hop con gran influencia del sonido Trap, y producido entre otros por Frank Dukes, Dj Mustard, Boi-1da o Murda Beatz. Como todo álbum de Hip Hop que se precie, Invasion of Privacy cuenta con numerosas colaboraciones entre las que destaca la del grupo Migos, al que pertenece su novio Offset y con quienes ya colaboró Cardi en el exitoso tema MotorSport. El tema en cuestión es Drip, que también explora el sonido Trap, comparte similitudes con MotorSport y es uno de los candidatos más firmes a ser nuevo single del álbum. Chance The Rapper participa en “Best Life”, YG en el tema Gangsta Rap “She Bad”, y la cantante revelación del R&B alternativo SZA canta en el original tema “I Do”, que cierra el álbum y en el que el rap de Cardi recuerda al estilo de Trina. En mi opinión, los temas más destacados del álbum y que tienen más posibilidades de convertirse en futuros singles son “Thru Your Phone”, un tema Hip Hop/R&B downtempo con un sonido menos duro y que sorprende por el estribillo cantado por la propia Cardi, y “Get Up 10”, el tema que abre el disco, que comienza como una balada Hip Hop con melodía de piano para coger fuerza más adelante. El tema I Like It, que contiene melodía de Salsa, samplea el clásico “I Like It Like That” y celebra los orígenes latinos de Cardi es uno de los temas más llamativos del álbum, sin embargo las rimas en español de J Balvin y Bad Bunny no aportan nada al tema y abaratan la imagen y reputación de Cardi B.

El álbum incluye por supuesto su single debut Bodak Yellow, gracias al cual Cardi B despuntó en la lista de ventas americana y disparó la popularidad de la artista de ascendencia dominicana. Este single se mantuvo en lo más alto de Billboard durante tres semanas y logró varios récords: por un lado convertirse en la primera rapera en solitario que consigue #1 en la lista de ventas de Estados Unidos en 20 años, y por otro, ser la tercera artista en la historia de la música que logra tener tres singles dentro del top 10 de Billboard, ya que mientras Bodak Yellow triunfaba, dos temas donde colaboraba Cardi (No Limit de G-Eazy y Motorsport de Migos) también se encontraban dentro de las 10 primeras posiciones de la lista americana. Bodak Yellow ha demostrado que más allá de ser la canción del verano de 2017 en Estados Unidos se ha convertido en un auténtico himno dentro del Hip-Hop y una auténtica declaración de intereses por parte de la rapera neoyorquina, donde habla de sus orígenes como stripper y cómo tras sus humildes inicios ha conseguido una vida llena de dinero y lujo.

En resumen, Invasion of Privacy demuestra que el éxito de Cardi B no ha sido flor de un día, y tras Bodak Yellow ha seguido lanzando singles potentes que han convertido a la rapera del Bronx en la artista de Hip Hop del momento y una amenaza real a la hegemonía de Nicki Minaj. Invasion of Privacy es uno de los álbumes de Hip Hop más sólidos de los últimos tiempos, ya que se trata de un trabajo muy coherente y cohesivo, repleto de buenos temas que no tienen nada que envidiar a los mejores álbumes de Missy Elliott o Trina, y quizás es el mejor debut de una artista femenina de Rap, superando los primeros trabajos de Iggy Azalea y Nicki Minaj. Sus polémicas letras acerca de sexo, dinero y lujo, su estilo Gangsta Rap y su gran técnica para rimar, unido a su carismática y alocada personalidad, y su influencia en las redes sociales han hecho de Cardi B uno de los personajes más populares de los últimos tiempos, sin perder su credibilidad como artista. Un problema al que puede enfrentarse el álbum es que el reciente embarazo de Cardi B, desvelado hace unos días, pase factura a la promoción del disco, el cual tiene un gran potencial y podría ser uno de los álbumes más fructíferos de este 2018, sin embargo la discográfica Atlantic ya se ha anticipado a este hecho y Cardi ha grabado recientemente tres videoclips de los próximos singles del álbum, por lo que Invasion of Privacy contará con una promoción futura y podrá ser exprimido al máximo. Invasion of Privacy está previsto que debute en el #1 de la lista americana convirtiéndose en uno de los pocos discos de una artista de Rap femenino que llega a lo más alto en Estados Unidos. Puntuación 8’5/10.

Crítica de “My Dear Melancholy” de The Weeknd

B9430F13-06CC-4A21-9831-C876F61EC4B0-600x600A finales del año 2016, el cantante The Weeknd publicó su tercer disco de estudio, Starboy, el cual recibió grandes críticas de los expertos musicales por su evolución musical, debutó en el #1 de la lista americana de álbumes (su segundo trabajo que llega a lo más alto en Estados Unidos) y contó con exitosos singles como Starboy, el cual llegó al #1 en los principales mercados musicales, I Feel It Coming o Party Monster. A nivel internacional, el álbum Starboy logró una gran acogida comercial, ya que ha vendido más de tres millones y medio en todo el mundo y ha sido uno de los discos más exitosos de los años 2016 y 2017. En sus dos primeros álbumes y los mixtapes que lanzó previamente, el cantante canadiense exploraba el R&B alternativo y estaban formados por canciones de sonido oscuro y melodías dispersas, sin embargo gracias al éxito internacional del single Can’t Feel My Face (que contaba con un sonido más accesible a todo el publico gracias a su estilo electro-pop y Disco) en Starboy decidió decantarse por este sonido más comercial, y aunque podemos considerarlo un álbum R&B, contaba con influencias pop y electro-pop, y permitió a The Weeknd abrirse a un mayor público y convertirse en uno de los cantantes más populares dentro de este género. Starboy era un gran álbum en el sentido más estricto de la palabra, ya que estaba formado por 18 temas, de los que no sobraba casi ninguno, y también se caracterizó por su longevidad en las listas de venta debido a la gran cantidad de singles extraídos, los cuales dominaron las radios y los charts de todo el mundo.

Aunque en los últimos meses surgieron rumores de que The Weeknd estaba trabajando en su siguiente álbum, el pasado 30 de marzo lanzó por sorpresa My Dear Melancholy, que no se trataba de un álbum completo, sino de un “Extended Play”, el primero que publica el cantante de Toronto. Este EP está formado por 6 canciones, todas ellas compuestas por The Weeknd junto a Frank Dukes, productor musical asociado a artistas de Hip-Hop y R&B como Drake, Rihanna o Kanye West entre otros, pero más conocido por ser el responsable del último disco de Camila Cabello, aunque también han participado otros famosos productores como Mike Will Made It o Skrillex. En este trabajo, The Weeknd regresa a sus raíces musicales y explora el sonido de su primer álbum Kiss Land o sus anteriores mixtapes, ya que las 6 canciones presentes en este EP son downtempo, de naturaleza oscura, con melodía dispersa y encuadradas dentro del R&B alternativo. Aunque la promoción de este disco ha sido escasa debido a la naturaleza sorpresiva de este lanzamiento, The Weeknd ha grabado los videoclips promocionales (de manera vertical y lanzados vía Spotify) de dos temas de EP: Try Me y Call Out My Name. Mi tema favorito de “My Dear Melancholy” es precisamente Call Out My Name, una sombría balada downtempo que habla de un romance acabado y tiene todas las posibilidades de ser el single oficial del EP, ya que es el tema más destacado y recuerda a grandes temas del cantante como The Hills o Acquainted. En resumen, este trabajo podemos considerarlo como un aperitivo del siguiente álbum de estudio de Abel Tesfaye, pero destaca por su vuelta al enigmático y misterioso sonido R&B alternativo con el que le conocimos y que mejor se adapta a la fantástica voz de The Weeknd. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de “Sex & Cigarettes” de Toni Braxton

toni-braxton-sex-cigarettes-1-thatgrapejuice-600x595Sex & Cigarettes es el título del octavo álbum de estudio de la artista de R&B/Soul Toni Braxton, el siguiente que publica tras “Love, Marriage & Divorce”, el disco que publicó junto al cantante y productor musical Babyface, y el primero en solitario desde “Pulse”, que fue lanzado en 2010. Durante los años 90, Toni Braxton fue una de las cantantes más exitosas dentro del género R&B gracias a sus dos primeros álbumes, Toni Braxton y Secrets, los cuales recibieron grandes críticas de los expertos musicales por sus románticas baladas y su inconfundible voz grave, y vendieron más de 5 millones de copias en Estados Unidos, convirtiendo a Toni en una de las artistas de música negra más importantes de los 90. The Heat, su tercer álbum, en el que incorporó un sonido más moderno y up-tempo, también tuvo buena acogida entre el público, sin embargo tras él, la mayor de las hermanas Braxton inició una espiral decreciente en su éxito comercial, ya que sus posteriores álbumes resultaron un fracaso de ventas, a lo que se unieron además graves problemas de salud, numerosos cambios de casa discográfica y bancarrota económica, haciendo pasar a Toni Braxton por sus momentos más bajos de popularidad y éxito.

Su nuevo trabajo discográfico, Sex & Cigarettes, está compuesto únicamente por 8 temas, muy por debajo de los estándares actuales dentro de la música ya que podríamos considerarlo un EP, algo que resulta decepcionante si tenemos en cuenta los años que ha estado alejada del panorama musical, sin embargo todos los temas presentes tienen una gran calidad y merece la pena por escuchar una vez más su profunda y sensual voz. Este álbum esta compuesto por baladas y medios tiempos de estilo R&B/Soul, y varios de los temas han sido compuesto por la propia Toni Braxton. El single presentación del álbum fue el tema Deadwood, una balada R&B que pese a ser muy interesante no ha logrado buena acogida entre el público. El segundo single previo a la publicación del álbum ha sido Long As I Live, un medio tiempo R&B y el mejor tema que ha lanzado Toni desde hace años. Este single ha estado acompañado de un fantástico videoclip en el que Toni muestra su espectacular físico a los 50 años y hace una coreografía acompañada de alguna de sus hermanas. No hay duda que el fenómeno del “ageism” está presente en la industria musical y ha afectado seriamente a las ventas y popularidad de muchos artistas veteranos, ya que han sido desplazados en las radios en favor de los cantantes más jóvenes y actuales, sin embargo la experiencia es un grado y Toni es una artista plenamente consagrada en el mundo de la música y el entretenimiento (debido a su reality show que protagoniza junto a sus hermanas) y pese a que ya no es la super estrella que era en los años 90 y ha pasado por severos problemas que han mermado su popularidad, sigue manteniendo su asombrosa voz y una elegancia que pocos cantantes actuales poseen. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran la dramática balada “Sex & Cigarettes”, en la que habla sobre la infidelidad de su hombre, el medio tiempo “Sorry” o el tema “Coping”, que comienza como una balada pero se transforma en un tema más marchoso. En resumen, Sex & Cigarettes es un buen álbum, muy esperado por los seguidores de la cantante que llevábamos muchos años sin material nuevo de la diva del R&B/Soul, y aunque los 8 temas presentes en el álbum son muy interesantes, resultan un tanto escasos tras la larga espera. Puntuación: 7’5/10. Sex & Cigarettes – Amazon

The Best of R&B: “Survivor” de Destiny’s Child

unnamedUno de los grupos femeninos más importantes de la historia de la música, y concretamente dentro del género R&B, son sin lugar a dudas Destiny’s Child, quienes comenzaron como cuarteto en su álbum debut de título homónimo con las componentes Beyoncé Knowles, Kelly Rowland, LeToya Robertson y LaTavia Luckett bajo el mando de Matthew Knowles (padre de Beyoncé y tutor legal de Kelly) pero durante su trayectoria han sufrido numerosos cambios en sus integrantes, creando una gran confusión entre el público pero también aumentando considerablemente su popularidad. Tras el moderado éxito del primer disco de Destiny’s Child en Estados Unidos, el grupo publicó en 1999 su segundo álbum, titulado The Writing’s On The Wall, el cual disparó la fama del grupo gracias a una acertada selección de singles que triunfaron en la lista de venta americana y aumentaron su presencia internacional. Bills Bills Bills y Say My Name, primer y tercer single del álbum respectivamente, fueron #1 en Estados Unidos y también ocuparon buenas posiciones en las listas de venta alrededor del mundo. Ambos temas los considero una auténtica joya del R&B de finales de los 90 y principios de la década pasada e imprescindibles dentro de la historia de la música negra. En este álbum participaron algunos de los mejores productores del momento como Darkchild, Missy Elliott o She’kspere, recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales y gozó de gran éxito en tierras americanas, ya que fue un ejemplo de longevidad en la lista de venta de Estados Unidos, donde vendió más de 6 millones de ejemplares y fue certificado 8 veces platino por más de 8 millones de copias distribuidas. Además del gran éxito comercial que consiguió, este álbum destacó sin duda por la controversia que causaron los cambios de componentes del grupo durante su promoción. LaTavia y LeToya intentaron demandar al manager del grupo y padre de Beyoncé por su desproporcionado porcentaje de beneficios y por el excesivo protagonismo de Beyoncé y Kelly, quienes acaparaban el micrófono y eran las voces principales en todas las canciones de Destiny’s Child, relegando a LeToya y LaTavia a meras coristas. Pero lo más sorprendente ocurrió cuando vio la luz el videoclip promocional de Say My Name y ninguna de las dos integrantes aparecían, siendo sustituidas por dos nuevas componentes: Michelle Williams y Farrah Franklin, aunque ésta última fue vista y no vista, ya que sólo formó parte de Destiny’s Child durante 5 meses y únicamente participó en los videoclips de Say My Name y Jumpin Jumpin, abandonando el grupo por no soportar el estrés y su escasa participación en las decisiones del grupo. Tras la marcha de Farrah, Destiny’s Child pasó a ser un trío y se convirtió en la formación más estable y recordada del famoso grupo.

En el año 2000, Destiny’s Child participaron en la banda sonora de la película “Los Angeles de Charlie” con el tema Independent Women, que fue el trampolín definitivo para afianzar la fama del grupo en todo el mundo, ya que este single no sólo resultó un tremendo éxito a nivel internacional sino que el tema superó la popularidad de la propia película. Este tema co-producido por la propia Beyoncé junto a Cory Rooney y cuyo título completo es Independent Women Part I (puesto que dos versiones de la canción fueron grabadas), alcanzó el #1 en la lista de ventas americana durante 11 semanas consecutivas, convirtiéndose en el tercer #1 del grupo en Estados Unidos y uno de los mayores hits del año. Este single no sólo triunfó en tierras americanas sino que fue un éxito a nivel mundial, ya que consiguió el primer #1 del grupo en Reino Unido y ocupó el top 10 en Australia, Canadá o España. Durante los meses siguientes, las tres componentes del grupo grabaron el que sería su tercer disco de estudio, Survivor, que se puso a la venta en mayo del 2001. Este álbum fue compuesto en su totalidad por Beyoncé (a diferencia de The Writing’s on the Wall en el que participaron Kelly, LeToya y LaTavia en la composición de varias de las canciones) y está co-producido por Beyoncé junto a Rob Fusari y Anthony Dent principalmente. Aunque podemos encuadrarlo dentro del sonido R&B contemporáneo, Survivor tiene un mayor componente pop que su álbum predecesor y es más accesible para el público en general, ya que tiene más temas up-tempo, aunque predominan los medios tiempos y cuenta con varias baladas. Survivor debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos con más de 650 mil copias, convirtiéndose en el primer álbum #1 del grupo y logró la cifra de ventas más alta de un grupo femenino en la historia de la música americana. A nivel internacional, Survivor fue #1 en más de 10 países incluidos Reino Unido, Canadá o Alemania. Gracias a la magnífica acogida de los singles lanzados, Survivor vendió 3’7 millones de copias en Estados Unidos (donde fue certificado 4 veces platino) y más de 12 millones en todo el mundo, logrando el récord de ser el disco de un grupo femenino más vendido de la década del 2000.

Destiny's Child - Survivor (FanMade Album Cover) Made by JonathanLGardnerEl single presentación del álbum fue Survivor, un marchoso tema R&B/pop que resultaba altamente adictivo debido a su pegadiza melodía de violines y las maravillosas voces de Beyoncé, Kelly y Michelle. La idea de hacer un tema acerca de ser superviviente y superar las adversidades y la negatividad de ciertas personas vino de un chiste que hicieron en una radio estadounidense bromeando sobre cuál sería la siguiente componente de Destiny’s Child en abandonar el grupo, y esto sirvió de inspiración a Beyoncé para componer Survivor. Este tema resultó otro éxito para el trío originario de Houston, ocupando el #2 en Estados Unidos durante 7 semanas y siendo bloqueado de ascender a la posición de honor por el hit “All For You” de Janet Jackson, que ocupó el #1. En el resto del mundo también tuvo un gran rendimiento en las listas de venta, logrando el #1 en Reino Unido e Irlanda y el top 10 en Canadá, Australia y Alemania. Survivor estuvo acompañado de un espectacular videoclip ambientado en una isla desierta del Pacífico, donde Destiny’s Child aparecen en la playa tras naufragar, para más tarde explorar la isla y realizar una coreografía, compartiendo similitudes con el reality-show del mismo nombre. Survivor ganó numerosos premios, incluyendo mejor single R&B de un dúo/grupo en los Soul Train Awards y a mejor vídeo R&B en los MTV Video Music Awards. Tras el éxito de Survivor, Destiny’s Child lanzaron uno de los temas más bailables y marchosos del álbum: Bootylicious, que se trataba de un tema R&B/dance-pop up-tempo que hablaba de mover las posaderas de manera sexy y sentirse cómodo con tu propio cuerpo, y aunque creó cierta controversia por sus letras sexuales, más tarde fue considerado uno de los temas precursores del empoderamiento femenino y de lucir “un culo grande” sin ningún complejo, algo que se pondría de moda años después gracias a varias artistas y celebrities como Jennifer Lopez, Kim Kardashian o la propia Beyoncé. El término Bootylicious, formado por las palabras booty y delicious, logró tanta repercusión en Estados Unidos que fue incorporado al diccionario inglés Oxford y empezó a ser muy utilizado entre los jóvenes americanos, sobretodo entre el colectivo afroamericano y latino. Bootylicious fue un gran éxito en la lista de ventas americana, donde se convirtió en el cuarto single #1 para el trío y también fue un gran hit alrededor del mundo, logrando el #2 en Reino Unido y el top 5 en Irlanda, Australia y Canadá. El tercer single elegido fue Emotion, una versión del tema compuesto por Bee Gees. Esta balada R&B/Soul mostraba el lado más emotivo y sensible de Destiny’s Child, recibió buenas impresiones de los críticos musicales aunque resultó sensiblemente menos exitoso que los anteriores singles en las listas de venta, pero aún así fue top 10 en Estados Unidos y Reino Unido. Como último single se extrajo Nasty Girl, uno de los temas con mayor componente R&B del álbum, en el que Destiny’s Child critican a las chicas sin clase, horteras y chabacanas que nos rodean o nos podemos encontrar habitualmente en nuestro barrio o en la discoteca. Tuvo un impacto comercial mínimo ya que fue lanzado como single de manera muy limitada, aunque personalmente es uno de mis temas favoritos del álbum.

Aunque Beyoncé sigue siendo la voz principal en la mayoría de las canciones, la presencia de Kelly y Michelle incrementó de manera notoria en este álbum, siendo más equitativo el reparto de “solos” en las canciones, ya que se criticó el excesivo protagonismo de Beyoncé en los anteriores álbumes. Survivor está compuesto por 16 temas de los cuales apenas ninguno sobra, y entre los más destacados se encuentran “Fancy” y “Dance With Me”, dos medios tiempos de estilo R&B, o los marchosos temas dance-pop “Sexy Daddy” y “Happy Face”, los más bailables del álbum y que encajaban más con los gustos europeos. El álbum posee baladas muy interesantes como “Dangerously In Love”, una emotiva balada R&B cantada en su totalidad por Beyoncé y que fue la inspiración para su álbum debut en solitario, al que tituló de la misma manera que dicha canción. Aunque The Writing’s on the Wall es mi disco favorito de Destiny’s Child y es considerado un auténtico referente en la música R&B de la década pasada, Survivor también lo encuentro uno de los mejores álbumes de este género, ya que mantiene el espíritu R&B típico del grupo, pero añade un toque dance-pop que lo hizo más accesible y comercial, y permitió al trío triunfar definitivamente en todo el mundo. En resumidas cuentas, Survivor es un gran álbum y un digno sucesor del extraordinario The Writing’s on the Wall, compuesto por una magnífica selección de singles y un conjunto de canciones muy interesantes acompañadas de las maravillosas voces de Kelly, Beyoncé y Michelle, las cuales individualmente destacan, pero en conjunto harmonizan a la perfección. Sin duda uno de mis discos imprescindibles que me emociona cada vez que lo escucho. Puntuación: 9/10. Survivor – Amazon

Crítica de “All Your Fault Part 1” y “All Your Fault Part 2” de Bebe Rexha

a120629f7e231a821793a21cb654ef75.1000x1000x1En el año 2015, la cantante americana Bebe Rexha lanzó su primer Extended Play (EP), titulado I Don’t Wanna Grow Up, el cual recibió opiniones principalmente positivas por parte de los expertos musicales por su moderno sonido electro-pop y dance-pop y por el balance entre temas destinados a las pistas de baile y la crudeza y emotividad en las letras de las canciones, pero pasó inadvertido en las listas de venta, aunque tímidamente empezó a ser conocida en el panorama pop americano. Este EP estaba compuesto por la cantante neoyorquina bajo la producción de The Monsters and The Strangerz, Jason Evigan y The Messengers, y contó con dos singles promociónales: “I Can’t Stop Drinking About You”, que tuvo un desempeño muy mediocre en la lista americana y “I Gonna Show You Crazy”, que tuvo un moderado recibimiento en varios países europeos. Tras este EP, la cantante de ascendencia albanesa destacó por su faceta como compositora y empezó a componer y ser requerida por otros artistas, como David Guetta, para el que compuso el hit dance “Hey Mama” en el que también puso su voz acompañada por Nicki Minaj, o el rapero G-Eazy, con el que colaboró en el single top 10 “Me, Myself & I”, que ha resultado un gran éxito en Estados Unidos durante los últimos meses. Gracias a su gran química con la reina del Hip-Hop, Bebe Rexha decidió colaborar nuevamente con Nicki Minaj para su nuevo tema, No Broken Hearts, que se esperaba que fuera el trampolín definitivo para triunfar en todo el mundo y el single presentación de su nuevo álbum. Este medio tiempo electro-pop pese a tener un gran potencial, resultar muy pegadizo, original y destacar por el particular acento de Bebe y el magistral rap de Nicki, tuvo un desempeño moderado en las listas de venta, aunque el videoclip recibió gran atención por parte del público y sobrepasó los 200 millones de reproducciones en YouTube gracias a la presencia de Nicki (que es garantía de éxito) y por los escuetos y atrevidos modelitos de Bebe Rexha, quien aparte de ser una talentosa cantante y compositora, también tiene un físico espectacular y sabe cómo explotarlo. I Don’t Wanna Grow Up – Amazon

81goA709-8L._SL1425_Poco a poco, la cantante de Brooklyn empezó a ser más conocida en el mundo de la música pese a sus tímidos comienzos y siguió siendo requerida su presencia en temas de otros artistas como “In The Name of Love” del Dj Martin Garrix, que también tuvo buena acogida en todo el mundo. Mientras colaboraba con otros artistas, Bebe Rexha empezó a trabajar en su álbum debut, pero decidió lanzar antes varios EP como anticipo de dicho trabajo. A finales de 2016, la cantante neoyorquina lanzó un nuevo single, titulado I Got You, como single presentación de All Your Fault Part 1, el primero de los EP que tenía preparada Bebe como aperitivo antes de la publicación de su primer disco de estudio, en una estrategia promocional muy similar a la utilizada por la cantante sueca Robyn con su álbum Body Talk. “I Got You” se trataba de un pegadizo tema electro-pop con influencia Dancehall que logró la mejor posición en la lista americana para Bebe en solitario, donde ocupó el top 50, además de ocupar buenas posiciones en otros países europeos. All Your Fault Part I estaba formado por 6 temas compuestos por Bebe, encuadrados en el sonido electro-pop y dance-pop con influencia R&B y Hip-Hop, producidos por StarGate y The Invisible Men entre otros, y contaba con la participación de los raperos Ty Dolla $ing en el tema “Bad Bitch” y G-Eazy en el segundo sencillo promocional del EP, llamado F.F.F. (las siglas de Fuck Fake Friends), una auténtica declaración de intenciones contra los haters, los “amigos falsos” y la gente que nos decepciona o falla en nuestra vida cotidiana. All Your Fault Part 1 – Amazon

U5du7t2z2uD1Vaft4AGry9CTKzsaRgZ_1680x8400Unos meses más tarde de la publicación de la primera entrega de All Your Fault, concretamente en el mes de agosto del año pasado, la cantante de ascendencia albana por parte de padre, desveló la segunda entrega en forma de EP, llamada All Your Fault Part 2. Este EP también cuenta con 6 temas, pero resulta más variado y ecléctico que la primera parte, y aunque podemos encuadrarlo dentro del estilo habitual de Bebe Rexha, el electro-pop, contiene influencias R&B, Hip-Hop y Country. Como single presentación del EP se lanzó The Way I Are (Dance With Somebody), un medio tiempo R&B/electro-pop que contaba con la colaboración del rapero Lil Wayne y sampleaba el famoso tema “I Wanna Dance With Somebody” de la legendaria Whitney Houston. Y ya en el 2018, cambiando radicalmente de estilo y mostrándonos una faceta diferente de Bebe, la rubia cantante nos ha ofrecido el segundo single del EP, llamado Meant To Be, un tema que se adentra en territorio Country, un estilo musical que Bebe Rexha no había tocado previamente pero que han adoptado últimamente varios artistas mainstream muy importantes. Este medio tiempo Country-pop cuenta con la participación del dúo Florida Georgia Line, pertenecientes a dicho género musical. Pese a ser muy diferente a su estilo habitual, este single ha supuesto el empujón definitivo para la cantante nacida en Nueva York, ya que ha recibido buenas críticas y ha resultado un gran éxito, ocupando el top 10 en la lista americana y convirtiéndose en su single más exitoso en solitario. Este EP cuenta con varias colaboraciones de raperos, como las de 2 Chainz y Gucci Mane en el tema “That’s It”, que cuenta con gran influencia R&B/Hip-Hop. Sin lugar a dudas, las dos entregas de “All Your Fault” me han sorprendido muy gratamente debido a las habilidades de Bebe Rexha como cantante y compositora, y le ponen el listón muy alto de cara a su primer álbum de estudio, el cual esperamos con gran expectación ya que ha sido una de las artistas revelación del año pasado. All Your Fault Part 2 – Amazon

Crítica de “Starboy” de The Weeknd

starboy1En el año 2015 el cantante americano Abel Tesfaye, conocido artísticamente como The Weeknd publicó su segundo álbum de estudio, “Beauty Behind The Madness”, el cual estaba encuadrado dentro del género R&B alternativo, aunque también contenía algunos temas que resultaban más accesibles a un público no acostumbrado a este tipo de música. Gracias al gran éxito del single “Can’t Feel My Face” logró captar la atención de un público más amplio, ya que se trataba de un marchoso tema dance-pop/Funk producido por Max Martin que supuso un cambio radical de dirección musical con respecto a su estilo habitual, pero que permitió al cantante canadiense ser conocido en todo el mundo, ya que hasta entonces su particular estilo R&B alternativo había tenido buena acogida en Estados Unidos pero el público masivo no conocía sus canciones. Tanto “The Hills” como “Can’t Feel My Face”, segundo y tercer single del álbum respectivamente, consiguieron el #1 en la lista americana de singles. Por su parte, el álbum también logró llegar a lo más alto de la lista de Estados Unidos, vendió más de 3 millones de copias, recibió grandes elogios por parte de los críticos musicales por su enigmático sonido y la magnífica voz de The Weeknd, y ganó un premio Grammy al mejor álbum de estilo urbano del año.

Apenas un año después de la publicación de su segundo álbum, The Weeknd publicó su tercer trabajo discográfico, titulado Starboy, que debutó en lo más alto de las listas de ventas de Estados Unidos, Australia y Canadá, convirtiéndose en el segundo #1 consecutivo del cantante en dichos terriotrios, además de ocupar el top 10 en Reino Unido y Alemania. Aunque Starboy no abandona el sonido R&B presente en los anteriores trabajos de The Weeknd, este álbum pierde el toque alternativo que tenía su música para adoptar un mayor componente electrónico que lo hace más accesible y up-tempo. Este álbum está compuesto por 18 temas compuestos por el propio The Weeknd y producidos en su mayoría por Doc McKinney, con producción adicional de Daft Punk, Cirkut, y Max Martin, quien fue el responsable de su hit Can’t Feel My Face. El single presentación fue la canción que daba título al álbum, Starboy, un tema R&B up-tempo con un gran componente electrónico producido por el dúo francés Daft Punk, quienes trabajan por primera vez con The Weeknd. Starboy es un tema marchoso, bailable, pero con el velo misterioso y enigmático presente en todos los temas del cantante, destaca por su temática sexual y por la magnífica voz del cantante, y con él The Weeknd demostró que su objetivo era decantarse por un sonido más accesible y comercial, al estilo de Can’t Feel My Face, con el que logró una gran respuesta por parte del público. Starboy tuvo un gran impacto en las listas de venta de todo el mundo, convirtiéndose en el tercer #1 del cantante en la lista americana y canadiense, además del #2 en Reino Unido y Australia. Para acompañar la promoción previa a la publicación del álbum, el cantante también lanzó el sencillo promocional False Alarm, un enérgico tema dance-punk que se desmarca del habitual estilo musical del cantante y destacó por su polémico videoclip, que contenía escenas de acción y resultaba altamente violento, además de mostrar el cambio de look recién adoptado por el cantante. El segundo single fue I Feel It Coming, un marchoso tema Disco, electro-pop y R&B que también contaba con la inconfundible producción de Daft Punk, quienes nos transportaban a una atmósfera electrónica y ambiental de las discotecas de los años 80. Este single recibió elogios de los críticos musicales y gozó de una buena respuesta comercial, ya que ocupó el top 10 en los principales mercados musicales.

Tras la buena acogida de los primeros singles, el cantante de Toronto siguió desgranando más canciones del álbum, como Party Monster, un tema mid-tempo que se mantenía fiel al sonido R&B alternativo y oscuro de sus anteriores trabajos y contenía influencias Trap, o Reminder, un bonito medio tiempo R&B (uno de mis temas favoritos del álbum) que estaba acompañado por su espectacular videoclip que recibió varias nominaciones a los MTV Video Music Awards. Aparte de los singles lanzados, que son los mejores temas del álbum, también destacan Rockin’, un marchoso tema electro-pop producido por Max Martin y que fue el último single extraído de manera internacional, “Secrets”, un pegadizo tema electro-pop con influencia Disco, el más up-tempo del álbum y que contiene inspiración de la música New Wave de los años 80, “Six Feet Under”, un tema down-tempo R&B alternativo reminiscencia de su anterior trabajo que cuenta con la colaboración del rapero Future, o la balada oscura “Die For You”, una de las canciones más personales y emotivas del álbum en la que habla de una relación amorosa fallida.

Starboy nos muestra una gran evolución musical por parte de The Weeknd, ya que explora un sonido más electrónico gracias a la producción de Daft Punk entre otros, aunque no abandona el típico sonido R&B con el que le conocimos, pero dejando a un lado el toque alternativo. Este álbum recibió en general buenas críticas por parte de los expertos musicales (a los que yo me uno), destacando la excepcional voz de The Weeknd y su talento como compositor y productor, aunque se mostraron algo reticentes con la nueva dirección musical del cantante, quien años atrás fue uno de los mayores representantes del sonido R&B alternativo que tan de moda se puso dentro de la música negra americana y muchos artistas mainstream intentaron copiar. Los pocos puntos en contra que podemos encontrar del álbum son su larga extensión, ya que quizás con 3 o 4 temas menos resultaría más redondo y perfecto, y que conforme avanza el álbum va perdiendo algo de fuerza. En resumen, Starboy es un buen álbum R&B moderno, en el que The Weeknd trata los temas de las relaciones amorosas, el sexo o de cómo afronta la fama y ser un personaje popular, y resulta uno de los mejores del año pasado (aunque fuera lanzado a finales de 2016) procedente de uno de los artistas más talentosos del panorama urbano. Puntuación: 8/10. Starboy – Amazon