Archivo de la categoría: Review

Crítica de “I Cry When I Laugh” de Jess Glynne

Jess_Glynne_-_I_Cry_When_I_LaughJess Glynne se dio a conocer en 2014 gracias a su participación en el tema “Rather Be” de la banda electrónica británica Clean Bandit. Este tema al que Jess puso la voz fue un auténtico éxito en las pistas de baile de todo el mundo, logró el #1 en la lista de ventas de Reino Unido y Alemania, e incluso logró alcanzar el top 10 en Estados Unidos. Tras esta exitosa colaboración, la presencia de esta joven cantante fue requerida nuevamente por otro Dj, por lo que antes de su debut en solitario en el mundo de la música, Jess Glynne ya contaba con dos temas #1, algo de lo que muy pocos artistas noveles pueden presumir. Su primer tema fue Right Here, un marchoso tema dance-pop con influencia House y Garage que también tuvo buena acogida en toda Europa, sobretodo en su nativa Inglaterra, donde fue #6. Para terminar un 2014 lleno de éxitos, Jess lanzó otro single llamado Real Love, que contaba con la colaboración de Clean Bandit, con quienes triunfó meses atrás con el tema “Rather Be”. Real Love comenzaba como una balada con piano para convertirse después en un bailable tema electro-pop influenciado por el House británico, y obtuvo nuevamente un buen recibimiento en Reino Unido, donde ocupó el #2 en las listas de venta. Además de sus marchosos temas dance-pop, el carácter sencillo y humilde de Jess Glynne y su potente voz han sido las señas de identidad de esta artista desde el principio de su carrera, lo que le ha permitido conectar con el público joven europeo y hacerse un importante hueco en el mundo del Pop. Ya en 2015, Jess siguió lanzando marchosos singles de estilo dance-pop y House, como Hold My Hand, el cual se convirtió nuevamente en #1 en UK, el primero de la cantante en solitario, o Don’t Be So Hard On Yourself, con el que siguió su racha de hits, ya que también consiguió llegar a lo más alto de la lista de singles de Reino Unido, su quinto #1, puesto que otra de sus colaboraciones, en este caso con el rapero inglés Tinie Tempah en el tema “No Letting Go” también alcanzó el #1. “Don’t Be So Hard On Yourself” fue aclamado por la crítica como una de las mejores canciones del álbum, algo que yo comparto ya que en este tema Jess muestra su increíble talento vocal y como compositora, con un poderoso mensaje sobre tomar riesgos en la vida y levantarse tras haberse caído, lo que lo convierte en un himno a la perseverancia y auto-aceptación.

Tras 4 hit singles y numerosas colaboraciones de éxito, las expectativas estaban muy altas con el primer disco de Jess Glynne, el cual se puso a la venta en agosto del 2015. I Cry When I Laugh debutó en lo más alto de la lista de ventas británica y acabó vendiendo más de un millón de ejemplares en Reino Unido, todo un éxito en nuestros días, y también tuvo un desempeño positivo en el resto del mundo. Aunque se dio a conocer con temas House/Dance, la cantante londinense declaró que sus artistas favoritos y fuente de inspiración pertenecen al mundo del R&B como Adele, Amy Winehouse, Destiny’s Child, Mary J Blige o Mariah Carey, además de Lauryn Hill, cuyo álbum “The Miseducation of Lauryn Hill” le inspiró a convertirse en compositora y cantante. Debido a estas influencias, aunque dentro del álbum domine el sonido dance-pop, podemos apreciar cierto toque Soul, lo que unido a su poderosa voz hace que “I Cry When I Laugh” no sea el típico álbum Dance vacío de contenido y superficial, sino todo lo contrario ya que Jess Glyne también destaca por sus habilidades como compositora. Como quinto single Jess lanzó Take Me Home, el primer tema en forma de balada que nos ofrecía la cantante pelirroja, y recibió muy buenas críticas debido a la emotividad que trasmite su potente voz y a las profundas letras sobre el poder del amor. Take Me Home rompió su racha de chart-toppers pero aún así fue #6 en UK, aunque se comportó de una manera moderada en las listas de venta del resto del mundo. Como colofón a un disco lleno de éxitos, se eligió como último single el tema Ain’t Got Far To Go, el cual se desmarcaba de sus anteriores temas dance-pop para mostrarnos un lado diferente de su música, ya que este tema era más sosegado e influenciado por el Soul. En resumen, no estamos ante un disco dance-pop genérico, puesto que en “I Cry When I Laugh” podemos encontrar marchosos temas Dance/House para disfrutar en las pistas de baile, pero acompañados de profundas letras y una gran voz Soul. Jess Glynne llegó para quedarse. Puntuación: 7’5/10. I Cry When I Laugh – Amazon

Anuncios

Crítica de “A” de Usher

usher-a-1539316987Desde que Beyoncé publicara por sorpresa su álbum homónimo y nuevamente lo hiciera con su siguiente disco Lemonade, muchos artistas le han seguido los pasos y han decidido lanzar sus álbumes sin previo aviso, con todos los riesgos que ello conlleva, ya que una intensa promoción previa a la publicación de un disco mediante el lanzamiento de uno o varios singles y las consabidas actuaciones y entrevistas en la TV para promocionar tu nueva música son imprescindibles para llamar la atención del público y era la estrategia habitual de cualquier artista hasta el momento. Sólo unos pocos afortunados como Beyoncé, una auténtica estrella mundial, se pueden permitir el lujo de lanzar discos sin previo aviso y aún así conseguir vender millones de copias en las primeras horas, gracias en parte al streaming y la música digital (en la época de los CD’s físicos sería imposible llevar a cabo una estrategia de este tipo). Recientemente, otro artista de talla mundial como Eminem ha hecho “un Beyoncé” y ha decidido publicar su último álbum por sorpresa, y no le ha ido nada mal, nuevamente por el gran apoyo del público que tiene el rapero y los millones de seguidores que posee en todo el mundo. Y esta misma semana, tras publicar en su cuenta de Instagram varias imágenes con audio (que juntas formaban la portada de un disco), el cantante Usher ha lanzado por sorpresa su nuevo trabajo discográfico, el noveno de su larga trayectoria musical. El titulo del álbum es simplemente A que hace referencia a la ciudad de Atlanta, donde el cantante vivió desde pequeño, ya que aunque nació en Austin, Texas, su familia se mudó a la capital de Georgia cuando Usher era sólo un niño. Este proyecto es en realidad un álbum colaborativo entre Usher y el productor musical Zaytoven, también originario de Atlanta, y no es la primera vez que trabajan juntos ya que Zaytoven produjo el tema “Papers” perteneciente al sexto álbum de estudio de Usher, llamado “Raymond v. Raymond”.

Aunque está catalogado como álbum, “A” es más bien un EP ya que está formado únicamente por 8 canciones, muy por debajo del estándar habitual de un álbum hoy en día. Este álbum está encuadrado dentro del R&B con gran influencia del sonido Trap y está compuesto en su mayoría por medios tiempos y temas down-tempo, como es habitual dentro de este subgénero del Hip-Hop, precisamente originario de Atlanta y otras ciudades del sur de Estados Unidos, donde surgió a finales de los 90 y principios del 2000 dentro del Southern Hip-Hop. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran “Stay At Home”, un tema Trap/R&B que abre el disco y cuenta con una de las dos únicas colaboraciones, en concreto del rapero Future (también nacido en Atlanta). El otro artista invitado en el álbum es el menos conocido rapero Gunna en el tema “Gift Shop”, en el que Usher utiliza una técnica sing-rap muy habitual dentro del Trap. Mi canción favorita del álbum es “ATA”, en la que Usher canta a su ciudad de origen y cuenta con un pegadizo estribillo. Otros temas que merecen ser comentados son “You Decide”, un medio tiempo R&B que contiene una cierta influencia reggae, “She Ain’t Tell Ya”, que se centra en un R&B más clásico, o la balada Soul “Say What U Want”, en la que Usher se transforma en un auténtico crooner y abandona el Trap. En resumen, aunque “A” sea un álbum muy breve y a priori no esté a la altura de sus anteriores discos, eso no quiere decir que sea un trabajo de baja calidad, ya que contiene canciones muy interesantes, una gran producción gracias a Zaytoven, y sobretodo la magnífica voz de Usher que siempre es un placer escuchar. Puntuación: 7/10.

Crítica de “R.O.S.E.” de Jessie J

jessie-j-rose-realisationsLa cantante británica Jessie J irrumpió en el mundo de la música en el año 2011 con su álbum debut Who You Are, que contaba con grandes temas como Do It Like a Dude, Price Tag o Domino, los cuales tuvieron gran éxito en el mercado europeo e incluso lograron una buena acogida en Estados Unidos, lo que convirtió a la joven cantante y compositora inglesa en una de las artistas más importantes de aquel año y con un futuro muy prometedor. Su potente y distintiva voz, su peculiar imagen y sentido del humor, sus pegadizas letras y su original sonido R&B/urban-pop parecían ingredientes más que suficientes para hacer de Jessie J la nueva estrella del pop, sin embargo tras este deslumbrante debut, su siguiente disco se desvió de su estilo R&B inicial y unido a una poco acertada estrategia promocional provocaron que el globo del éxito de Jessie J fuera deshinchándose poco a poco. Con su tercer álbum, Sweet Talker, recuperó la popularidad perdida gracias al single Bang Bang, que resultó un auténtico éxito en todo el mundo y fue una de las canciones más escuchadas durante el año 2015, pero al contar con la colaboración de las famosísimas Ariana Grande y Nicki Minaj en dicho tema hizo que la presencia de la artista inglesa se diluyera y el mérito y éxito de la canción se lo llevaran ellas en vez de la desdichada Jessie. Seamos claros, Jessie J no tiene el carisma necesario para triunfar ni el público le ha tenido nunca demasiada simpatía, por lo que pese a su prometedor inicio en la música, no ha terminado de despuntar en el mundo del pop y se ha quedado en un segundo plano, a lo que hay que sumar que las decisiones poco acertadas de su discográfica en cuanto a promoción y elección de singles, y sus numerosos cambios de estilo no le han ayudado en absoluto a labrarse una carrera sólida.

Después de unos años de ausencia en los que la cantante había caído en el olvido, todos nos sorprendimos al enterarnos que Jessie J se había presentado a un concurso musical de la televisión de China (todavía no dejo de preguntarme qué narices hacía Jessie en dicho programa siendo una cantante completamente consagrada en el mundo de la música a nivel internacional). Obviamente Jessie J ganó “Singers 2018” por goleada debido la gran experiencia que tiene la cantante en el escenario, pero sobretodo por la elección de las canciones, que eran románticas baladas de Whitney Houston o Celine Dion que se ajustaban perfectamente al amplio rango vocal de Jessie, e incluso temas propios como Domino. Gracias a sus gorgoritos y una actitud de diva en el escenario se ganó los aplausos de la audiencia china que alucinaba con la espectacular voz y las tablas de la cantante inglesa. Su paso por dicho concurso le ha ido estupendamente a Jessie ya que le ha abierto las puertas a un potencial público de millones de personas y gracias a ello pudo recorrer las principales ciudades de China en una gira promocionando su música.

Antes de entrar en “Singers 2018”, la cantante londinense presentó un nuevo tema tras varios años de silencio llamado Real Deal, que se alejaba del sonido dance-pop de sus últimos singles y profundizaba en un R&B que se adaptaba a la perfección a la cantante debido a su estilo urbano y voz Soul. Jessie J declaró que Real Deal no se trataba del primer single de su nuevo álbum sino una muestra del sonido que iba a tener su próximo trabajo. Este tema R&B contaba con elementos de la Old-School e influencia Hip-Hop y en él, Jessie declaraba que se sentía esperanzada con su nueva relación amorosa y que ésta podía ser “algo serio de verdad”. En mayo de este año, tras su victoria en el programa chino, Jessie J publicó su cuarto álbum de estudio, titulado R.O.S.E. y que estaba dividido en 4 EP’s, una estrategia promocional muy parecida a la que utilizó la cantante sueca Robyn en su álbum Body Talk, con la diferencia de que Jessie lanzó cada EP durante 4 días consecutivos y de manera exclusivamente digital. El título R.O.S.E. corresponde al acrónimo de las palabras Realisations, Obsessions, Sex y Empowerment, que corresponden a todos los sentimientos y experiencias vividas por la cantante durante los últimos años, los cuales han sido una montaña rusa de emociones tanto en lo personal como en lo profesional. Jessie J ha compuesto todos los temas que forman parte de este trabajo junto a DJ Camper, quien se encarga además de la entera producción del disco y le ha dado un fuerte aroma R&B a esta nueva entrega musical de la cantante.

Jessie-J-ROSE-EP-Production-4-Bright-Red-600x600Del primer EP, Realisations, en el que la cantante habla de las inseguridades que ha sufrido como artista durante estos años, destaca el tema Think About That, que precisamente fue el primer single oficial lanzado del álbum. En esta balada R&B de producción dispersa Jessie acusa duramente a alguien que ha jugado con ella y le ha impedido cumplir sus objetivos profesionales (su realización personal, como hace mención este EP). El segundo EP, Obsessions, trata de todo lo que preocupa a la cantante y le obsesiona, como las complicadas relaciones amorosas o su deseo por ser madre, y en él podemos encontrar el sencillo promocional Real Deal del que ya he hablado y otro de los singles, Not My Ex, que habla de una relación tóxica y obsesiva con su ex-pareja que no le permite avanzar en el amor. De la tercera entrega, Sex, me quedo con “Play”, el tema más marchoso del álbum, con un estilo pop que nos recuerda a la antigua Jessie (y la más gritona) y que en cierta manera desentona del resto del álbum, y con Queen, un interesante medio tiempo R&B que habla del empoderamiento femenino y en el que declara “amo mi cuerpo, amo mi piel, soy una diosa, soy una reina”. Teniendo en cuenta que el cuarto EP se titula Empowerment y habla precisamente del poder de las mujeres, este último tema  (tercer single oficial de R.O.S.E.) también podría encajar a la perfección aquí. Una de las canciones más llamativas pertenecientes al EP Empowerment es “Glory”, quizás el tema más distintivo del álbum gracias a su influencia Funk y su ritmo más up-tempo. Quien espere un álbum lleno de bailables temas dance-pop como Bang Bang o Burnin’ Up está ante el disco equivocado, sin embargo quien quiera descubrir a la auténtica Jessie J, que se abre en canal, nos muestra sus emociones y cuenta todo lo que le ha ocurrido estos últimos años, encontrará en R.O.S.E. un trabajo tremendamente personal y autobiográfico aunque muy diferente a los anteriores ya que está compuesto principalmente por desgarradoras baladas R&B muy emotivas. Sin duda R.O.S.E. es el trabajo más centrado, coherente y consistente de toda la trayectoria de Jessie J. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de “Dancing Queen” de Cher

Cher-Dancing-Queen-Album-Cover-2018-billboard-embed-1Una de las divas más importantes del mundo del Pop, la incombustible Cher, ha regresado este año con su vigésimo sexto álbum de estudio, titulado Dancing Queen, que se trata de un disco formado por versiones de clásicos temas del mítico grupo ABBA. El último álbum de Cher fue Closer To The Truth, publicado en el año 2013 y que recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales por su ecléctico sonido (ya que contenía los clásicos temas dance-pop de Cher además de baladas con influencia Country y Rock) y sobretodo por su impresionante voz que sigue siendo admirable escuchar después de tantos años. La idea de hacer un disco de versiones de temas de ABBA surgió tras la aparición de Cher en la película “Mamma Mia! Here We Go Again”, donde además de actuar, la veterana cantante interpretaba los temas “Fernando” y “Super Trouper” del legendario grupo sueco. Los componentes de ABBA suelen ser reacios a que versionen sus canciones pero no han podido negarse a que una de las mejores voces de todos los tiempos haya tomado algunos de sus clásicos temas para dar forma a su nuevo trabajo discográfico. El single presentación del álbum ha sido Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight), que gracias a su magnífica versión nos ha hecho olvidar que los famosos primeros acordes de la canción fueron utilizados en el hit Hung Up de Madonna. Gimme! mantiene el espíritu Disco de este clásico de ABBA pero añade el toque dance-pop típico de Cher y su famoso efecto vocoder, haciéndolo más actual. Pese al gran potencial que podría tener este single en las listas de venta, Cher apenas ha promocionado dicho single ni ha grabado videoclip del tema. El segundo single ha sido SOS, y en esta ocasión Cher ha dado una mayor promoción al tema, interpretándolo en directo en el programa de Ellen DeGeneres, y grabando un videoclip (aunque Cher no aparece, y en su lugar lo hacen un grupo de mujeres con un look muy años 70, dando un mensaje de empoderamiento femenino y unidad entre las mujeres). Como último single antes de la publicación del disco, Cher ha lanzado su versión de One of Us, perteneciente originalmente al famoso disco The Visitors de ABBA, y que se trata de la única balada del álbum.

Cher ha respetado la esencia de las canciones de ABBA, y aunque ha añadido su particular estilo, su potente voz y un toque más moderno y electrónico, no ha cambiado el espíritu del famoso grupo sueco. Es una alegría ver que mis dos canciones favoritas de ABBA, The Winner Takes It All y Dancing Queen, están presentes en este álbum, además de otros clásicos como Mamma Mia o Waterloo, dos de los temas más icónicos y recordados del grupo. Como contrapunto a estos temas bailables y up-tempo están las baladas Chiquitita y Fernando, pertenecientes al lado más tranquilo y emotivo de este trabajo. El único punto en contra es que el álbum sólo contiene 10 temas, y teniendo en cuenta el amplio catálogo musical de ABBA, Cher podría haber elegido unos cuantos temas más para añadir a este magnífico trabajo. Sin duda, Dancing Queen es uno de mejores álbumes del año, con el que Cher rescata la música de uno de los grupos más importantes de todos los tiempos, haciendo que el legado de ABBA siga presente en nuestros días y gracias a él, los jóvenes que no pudieron disfrutar de la música del grupo, descubran sus canciones a través de una de las mayores divas del mundo de la música. Puntuación: 9/10. Dancing Queen – Amazon

Crítica de “Cry Pretty” de Carrie Underwood

carrie-underwood-cry-prettyNadie puede negar que los concursos musicales de búsqueda de talentos han sido la cantera de una gran cantidad de artistas que se han convertido más tarde en super estrellas del mundo de la música. En Estados Unidos, American Idol ha sido uno de los favoritos del público y durante sus 16 temporadas ha visto nacer a importantes cantantes, empezando por Kelly Clarkson, la ganadora de la primera edición, su alumna más aventajada y quizás la que ha alcanzado las cotas más altas de éxito no sólo en Estados Unidos sino en todo el mundo, aunque también han destacado Fantasia Barrino, Jordin Sparks, Jennifer Hudson o la ganadora de la cuarta temporada y protagonista de este post, Carrie Underwood. En 2005, una jovencita de Oklahoma se presentó a las audiciones de American Idol y gracias a su espectacular voz conquistó a los espectadores y a los jueces de la competición, y resultó la ganadora de la cuarta edición del popular concurso. El tema que cantó Carrie Underwood en la final de American Idol y le valió su triunfo, Inside of Heaven, le llevó a lo más alto de la lista americana de singles y fue el inicio de una carrera plagada de éxitos dentro del género Country. Su primer álbum de estudio, titulado Some Hearts, fue #2 en Estados Unidos y vendió más de 8 millones de copias en tierras americanas, convirtiéndose en el disco debut más vendido dentro del género Country (superando las ventas del primer álbum de Shania Twain) y en el álbum más exitoso de un concursante de American Idol (batiendo a “Breakaway” de Kelly Clarkson), además de ser el disco más vendido durante el año 2006 en Estados Unidos. Some Hearts no sólo obtuvo una respuesta comercial que superó ampliamente las expectativas puestas en él, sino que recibió buenas críticas de los expertos musicales y los puristas del Country por la extraordinaria voz de la cantante y por revitalizar dicho género, y ello se reflejó en la gran cantidad de premios que recibió tanto Carrie como su álbum debut, ya que ganó tres premios Grammy incluyendo artista revelación, 5 premios Billboard (entre ellos álbum Country de la década) y un Academy of Country Music Award, que es uno de los premios más prestigiosos dentro de dicho género.

Tras un álbum debut tan exitoso y lleno de elogios, podríamos pensar que su sucesor no estaría a la altura, sin embargo no fue así ya que Carnival Ride, publicado en 2007, repitió la buena acogida en la lista de ventas americana, donde consiguió el primer #1 de Carrie Underwood en Estados Unidos, fue certificado 4 veces platino por ventas superiores a los 4 millones de copias y contó con 4 singles #1 en el componente Country de la lista Billboard. En Canadá este álbum también llegó a lo más alto de su lista de ventas e hizo su primera incursión en Reino Unido y Australia. Carnival Ride incluía “Before He Cheats”, el single más exitoso de toda su carrera hasta la fecha, que logró el top 10 en Billboard, destacó por su extraordinaria longevidad en las listas de venta y recibió numerosos galardones, entre ellos 2 premios Grammy y un Academy of Country Music Award. A pesar del lógico descenso de ventas con sus siguientes álbumes que ha sufrido Carrie Underwood (y el resto de cantantes) durante la década pasada debido a la piratería y el fin de la era de los CD’s físicos, tanto Play On como Blown Away (su tercer y cuarto trabajo discográfico) fueron bien recibidos por la critica y el público, lograron nuevamente #1 en Estados Unidos y fueron certificados tres y dos veces platino respectivamente, haciendo de Carrie Underwood una de las artistas de Country más importantes de la década del 2000, en ausencia de grandes competidoras como Shania Twain que se alejó del mundo de la música en 2004. Tras el exitoso Blown Away Tour, Carrie publicó un álbum de “Greatest Hits” que contaba con todos sus singles además de nuevas canciones. En 2015 la atractiva cantante fue madre de un niño fruto de su relación con el jugador canadiense de hockey sobre hielo Mike Fisher, y a finales de ese año lanzó su quinto disco de estudio Storyteller, que fue #2 en la lista americana de álbumes.

Tras un tiempo de descanso, Carrie Underwood lanzó a principios del 2018 un single para promocionar la Super Bowl llamado The Champion, que se trataba de un marchoso tema urban-pop que se alejaba de su habitual estilo Country. Este tema, producido por Jim Jonsin y que contaba con la colaboración del rapero Ludacris, hablaba de sobreponerse a las adversidades y sorprendió a todos por su sonido diferente. Dos años después de su último disco, la cantante de 35 años ha regresado al panorama musical con su sexto álbum de estudio, Cry Pretty, el cual ha debutado esta misma semana en el #1 de la lista americana de álbumes, haciendo de Carrie la primera cantante femenina de Country que consigue cuatro discos #1 en Estados Unidos. Además, al vender más de 260 mil copias en su primera semana, ha logrado las cifras más altas de un álbum Country desde 2015 y las mayores ventas de una artista femenina en este 2018, superando al impresionante debut de Cardi B y a Sweetener de Ariana Grande. Aparte del gran debut en Estados Unidos, Cry Pretty también ha tenido una buena acogida alrededor del mundo y ha sido #1 en Canadá (el tercero de Carrie en dicho mercado), #4 en Australia o top 20 en Reino Unido. La mayoría de las canciones presentes en Cry Pretty han sido compuestas por Carrie y destaca por el hecho de que la cantante también ha co-producido todas las canciones del álbum (con la excepción del bonus track The Champion) y aunque el estilo predominante del álbum es el Country, como novedad incorpora una ligera influencia R&B. El single presentación fue la canción que da título al álbum, Cry Pretty, que se trataba de una desgarradora balada Country-Rock que recibió grandes elogios de la crítica por la poderosa voz de la cantante y tuvo una buena acogida en la lista de ventas americana, donde fue top 50 en Billboard y top 5 en el componente Hot Country Songs. El segundo single ha sido Love Wins, una emotiva balada mid-tempo Country-pop de carácter inspiracional que habla sobre el poder del amor. El álbum está compuesto en su mayoría por baladas de estilo Country-pop y Country-Rock (entre las que destacan The Bullet o Ghosts On The Stereo). Uno de mis temas favoritos es el medio tiempo “Drinking Alone”, que en ausencia de temas up-tempo es el más marchoso del álbum y destaca por tener un cierto componente R&B.

Mientras que algunas cantantes originalmente encuadradas dentro del género Country han explorado otros sonidos para abrirse a un mayor público y aumentar su popularidad (como es el caso de Taylor Swift), Carrie Underwood siempre se ha mantenido fiel al Country y no ha comprometido su integridad artística. Además si comparamos a Carrie con Taylor, la primera cuenta con una carrera más sólida, coherente y consistente en Estados Unidos, ha recibido grandes elogios de sus álbumes por parte de la tradicional comunidad Country y ha obtenido numerosos premios prestigiosos, mientras que la segunda, aunque ha triunfado en el resto del mundo, se ha vendido al sonido comercial, ha dado bandazos durante su carrera profesional, ha comprometido su integridad como artista y se ha involucrado en varias polémicas que han hecho que pierda credibilidad. Por todo ello podríamos denominar a Carrie Underwood como la reina del Country actual y la heredera de Shania Twain, ya que sigue ofreciendo buenos trabajos como Cry Pretty tras más de 10 años de carrera. Puntuación: 7’5/10. Cry Pretty – Amazon

Crítica de “Electric Café” de En Vogue

en-vogue-vibe-cover-1518795330-640x640En Vogue fue uno de los grupos femeninos de R&B más importantes de los años 90, y como la mayoría de los grupos formados por mujeres ha sufrido numerosos cambios de componentes durante su larga trayectoria musical, pero definitivamente ellas se llaman la palma y podríamos considerarlas como las pioneras en realizar múltiples cambios en su formación, algo que más tarde han repetido otros grupos femeninos como Destiny’s Child, Sugababes o Atomic Kitten. En Vogue debutaron como cuarteto en 1990 con Terry, Maxine, Dawn y Cindy como integrantes, aunque durante el transcurso de los años el grupo se ha tomado varios respiros y han aparcado sus compromisos profesionales, a lo que hay que añadir que varias de las componentes han abandonado el grupo temporalmente para ser madres o dedicarse a su vida personal, como es el caso de Dawn y Maxine. Durante los periodos de tiempo en los que dichas componentes han dejado el grupo, ha sido la cantante Rhona Bennet (una de mis cantantes favoritas de R&B, conocida por su álbum homónimo) la que se unido a Terry y Cindy para seguir con los compromisos profesionales de En Vogue. El último disco de estudio del trío fue Soul Flower, publicado en el año 2004, y tras la promoción de este álbum, En Vogue volvieron a separarse temporalmente y no hemos sabido nada de ellas desde entonces a excepción de alguna aparición esporádica.

En abril de 2018, después de más de una década en silencio, En Vogue han regresado al panorama musical con la misma formación que en su último disco (Cindy, Terry y Rhona) para presentarnos su nuevo trabajo discográfico, Electric Café, el séptimo de su larga trayectoria profesional y lanzado de manera independiente. La mayoría de las canciones del disco han sido compuestas por las tres componentes de En Vogue bajo la producción de Foster & McElroy, quienes ya trabajaron en Soul Flower, aunque también han participado otros productores como Raphael Saadiq y Dem Jointz. Electric Café está compuesto por 11 temas en su edición estándar y destaca por el hecho que es más up-tempo que los álbumes anteriores del grupo, cuenta con cierta influencia retro gracias al sonido Funk/Disco que incorpora, aunque sigue conteniendo los clásicos medios tiempos R&B/Soul típicos del grupo. El single presentación del álbum fue Rocket, un medio tiempo R&B compuesto por el famoso cantante Ne-Yo que logró el top 10 en el componente Adult R&B Songs de la lista americana. Cuando ya creíamos que la promoción del álbum había cesado debido a su moderado desempeño en la lista de ventas, el pasado mes de agosto se lanzó un segundo single, Reach 4 Me, en un intento por reactivar la popularidad a del álbum y darle un empujón a las escasas ventas. Este marchoso tema R&B con influencia Disco/Funk está producido por Dem Jointz y es uno de los más up-tempo y pegadizos del álbum. Entre los temas up-tempo más destacados de Electric Café se encuentran “Déjà Vu”, también influenciado por el sonido Funk/Disco, “Have a Seat”, que cuenta con la colaboración del rapero Snoop Dogg y fue lanzado como sencillo promocional previo al lanzamiento del álbum o “Love The Way”, el tema dance-pop más bailable del disco. Otros temas interesantes del álbum son el medio tiempo Soul “I’m Good” o la balada mid-tempo R&B “So Serious” que nos recuerda a la tradicional música de En Vogue.

Durante la larga ausencia de En Vogue en el mundo de la música las reglas del negocio han cambiado radicalmente, y al igual que les ha ocurrido a otros grupos y artistas veteranos procedentes de la era de los CD/singles físicos que han estado retirados por un tiempo, a En Vogue les ha resultado difícil encajar en el mundo del streaming y las redes sociales (que en la actualidad son las estrategias de promoción y publicidad más importantes) y pese a que cuentan con una base leal de seguidores, no pueden competir con jóvenes artistas nacidos en la era digital y que están completamente integrados en la nueva forma de consumir música. Además estos grupos/artistas veteranos sufren otro tipo de hándicap y es que suelen ser relegados al Adult Contemporary y su música no es pinchada en las principales radio-fórmulas sino en las destinadas a artistas “adultos” con la consiguiente desventaja que supone para ellos acceder al mainstream y al público masivo. Aún así, la veteranía es un grado y En Vogue pueden presumir de ser unas supervivientes del R&B de los 90 y uno de los pocos grupos nacidos durante dicha década que han publicado su séptimo trabajo discográfico. Como resumen, ha merecido la pena la larga espera de casi 15 años ya que Electric Café es un trabajo más que digno que nos trae de vuelta el elegante R&B característico de En Vogue pero con un toque diferente que combina el sonido retro y electrónico que lo hace muy atractivo. Puntuación: 7/10. Electric Café – Amazon

Crítica de “Liberation” de Christina Aguilera

51+Wx-EJgRL-1._SS500El pasado mes de junio se puso a la venta Liberation, el sexto álbum en inglés (el octavo si tenemos en cuenta su disco navideño y su trabajo en español) de la cantante americana Christina Aguilera tras un largo periodo de silencio musical, ya que su último trabajo Lotus fue publicado en 2012. Tanto Bionic como Lotus supusieron un fracaso comercial impropio de una artista de la talla de Christina, ya que tras el éxito masivo de sus tres primeros álbumes, ambos trabajos se encuentran entre los mayores flops de esta década. El desempeño comercial tan negativo de Lotus, el gran lapso de tiempo entre álbum y álbum, unido al hecho de que Christina no se prodiga demasiado dando conciertos (su última gran gira fue el Back To Basics Tour en 2006) ha hecho que su popularidad haya descendido en los últimos años y su presencia en radios y listas de venta haya pasado a ser muy reducida y limitada prácticamente a sus primeros éxitos, por lo que Christina Aguilera ha pasado a vivir de las rentas. Sin duda su declive se ha visto acrecentado por la aparición de nuevas competidoras como Ariana Grande o Demi Lovato que han llegado pisando muy fuerte y se han convertido en las actuales “princesas del Pop”.

Centrándonos en el aspecto musical, Liberation es un álbum que profundiza en el sonido R&B con gran influencia Hip-Hop y Soul, ya que Christina ha declarado que son sus estilos musicales favoritos y con los que se siente más cómoda debido a su rango vocal. Liberation es un trabajo mucho más cohesivo y consistente que Lotus, que resultaba un álbum muy ecléctico al mezclar numerosos estilos musicales como Pop, Dance, Rock o Country sin seguir una dirección concreta. Su apuesta por la música negra es evidente en la elección del primer single del álbum, Accelerate, que se trataba de un enérgico tema Hip-Hop/R&B producido por Kanye West y que contaba con la colaboración de los raperos 2 Chainz y Ty Dolla Sign. Debido a su carácter experimental, Accelerate resultaba una arriesgada apuesta como primer single, lo que unido a una escasa promoción y a su desastroso videoclip, supuso un fracaso en las listas de venta de todo el mundo, y ni siquiera logró entrar en la lista americana, aunque consiguió el #1 en el componente Dance/Club de Billboard. Siguiendo el habitual patrón de Christina Aguilera en la elección de los singles, tras un tema up-tempo como primer sencillo llega una balada como segundo single, en este caso Fall In Line, que cuenta con la participación de la joven cantante Demi Lovato. Esta desgarradora balada es uno de los temas más destacados del álbum debido a las impresionantes habilidades vocales de ambas cantantes y resulta un auténtico himno feminista que promueve la igualdad de derechos para las mujeres. Esta temática ya fue tratada anteriormente por Xtina en su single “Can’t Hold Us Down”, en el que también hablaba del empoderamiento femenino. Liberation supone un importante paso adelante con respecto a Lotus ya que se trata de un álbum más sólido, centrado y maduro, y en el que sin duda su punto fuerte es la potente voz de Christina, que todavía resulta admirable de escuchar sobretodo en las baladas. Precisamente mi canción favorita del álbum es “Maria” (el segundo nombre de Christina), una emotiva balada R&B con influencia Soul en la que la cantante evoca a su infancia cuando cantaba en su habitación soñando que era Julie Andrews. Otros de los temas más destacados del álbum son “Right Moves”, un medio tiempo con gran influencia reggae, la emotiva balada “Twice”, que fue el primer sencillo promocional previo al lanzamiento del álbum, o “Like I Do”, un tema Hip-Hop/R&B up-tempo que cuenta con la participación del rapero GoldLink.

Teniendo en cuenta la poca simpatía que me despierta Christina Aguilera podría hacer leña del árbol caído y ensañarme con el desempeño comercial de su último álbum (fue #6 en Estados Unidos con unas ventas muy bajas), sin embargo en esta ocasión no lo haré y por el contrario voy a alabar su larga carrera profesional y su importancia en el mundo de la música, ya que Xtina junto con Britney Spears son dos de las pocas supervivientes de la época dorada del pop que se produjo a finales de los 90 y principios de la década del 2000, y concretamente las únicas integrantes de ese reducido grupo conocido como “princesas del Pop” que hoy siguen activas en el panorama musical después de tantos años. Es innegable la aportación de Christina al pop contemporáneo, y aunque haya experimentado un declive severo en su éxito comercial, siempre nos quedarán grandes obras maestras como Stripped y Back To Basics, sus dos mejores álbumes con los que triunfó en todo el mundo y dejó una importante huella en la historia de la música. Puntuación: 6/10. Liberation – Amazon

Throwback Review: “Danity Kane”

final_cover_hr_dk-700x700.jpgTras la separación definitiva de Destiny’s Child y con TLC fuera de juego temporalmente, la escena de las girl-bands en Estados Unidos estaba prácticamente desierta hasta 2005 cuando aparecieron Pussycat Dolls, pero pronto llegarían Danity Kane, un quinteto femenino que surgió en la tercera temporada del reality de MTV “Making The Band”, donde anteriormente se creó el grupo masculino O-Town. El rapero y productor musical Diddy fue el encargado de decidir qué componentes formaban parte del grupo final, que en dicha temporada el objetivo era crear un súper grupo de chicas que recuperara el espíritu de Destiny’s Child o Spice Girls. Diddy fichó a Danity Kane en su discográfica Bad Boy Records y actuó como productor ejecutivo del primer álbum de estudio de las chicas, para quienes tenía elaborado un ambicioso proyecto ya que estaban puestas grandes expectativas en el grupo recién creado. Un gran elenco formado por algunos de los mejores productores musicales como Scott Storch, Darkchild, Timbaland, Danja, Mario Winans o Bryan-Michael Cox participaron en el disco debut del grupo, titulado de manera homónima. Tras varios meses en el estudio de grabación, en agosto del 2006 se puso a la venta el álbum Danity Kane, que estaba formado principalmente por temas up-tempo R&B/pop con gran influencia de la música Hip-Hop ya que el objetivo de Diddy era conseguir un sonido urban-pop más similar al de Destiny’s Child que al de las girl-bands convencionales.

El single presentación del álbum fue Show Stopper, un medio tiempo R&B inspirado en el sonido Snap (subgénero del Hip-Hop) producido por Jim Jonsin y que contaba con la participación del rapero Yung Joc, y en el que Danity Kane hablan de pasarlo bien en el club y ser unas chicas malas. Este tema tuvo buen desempeño en Estados Unidos y logró llegar al #8 en la lista Billboard, y fue lanzado de manera internacional únicamente en Alemania, donde el single logró el top 30. Como segundo single del álbum fue lanzado Ride For You, una balada mid-tempo R&B/pop producida por Bryan-Michael Cox que representaba la parte más romántica del disco y donde podíamos apreciar las buenas voces de las 5 componentes y su gran harmonía juntas. Pese a ser un tema muy interesante y de gran calidad, Ride For You no consiguió repetir el éxito del primer single debido a la falta de promoción por parte del grupo, aunque logró el top 5 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard. A pesar de que en el álbum había muchas canciones con potencial como para ser single, ningún sencillo más fue lanzado. Entre los temas más destacados se encuentran “Hold You Down”, un medio tiempo R&B que contaba con la clásica producción de Darkchild, “Want It”, un marchoso tema R&B/dance-pop producido por Timbaland y Danja y que resultaba uno de los más up-tempo y bailables del disco, o “Sleep On It”, el primer tema grabado por Danity Kane para el álbum y que contaba con la característica producción de Scott Storch influenciada por el sonido Hip-Hop.

“Danity Kane” entró en lo más alto de la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado platino en Estados Unidos al ser distribuidas un millón de copias, lo cual es un dato muy positivo para el debut de una girl-band nacida en un reality. Como conclusión, junto con el primer disco de Pussycat Dolls, el álbum “Danity Kane” es uno de los debuts más sólidos de un grupo femenino en Estados Unidos en años y resultaba muy interesante por alejarse del típico pop de las girl-bands e incorporar un moderno sonido R&B y urban-pop. Aunque la producción del álbum estaba repartida entre una gran cantidad de colaboradores, el resultado final resultaba cohesivo y no como una play-list de canciones dispares, que es lo que suele ocurrir cuando están involucrados más de 10 productores diferentes. Además, pese a que las voces de las componentes son muy diferentes, encajan a la perfección (Shannon y Aubrey tienen voces de estilo pop, mientras que D.Woods y Dawn poseen voces negras con timbre Soul, y Aundrea era la componente con rango vocal más alto y destacaba por el uso del melisma). Puntuación: 8/10. Danity Kane – Amazon

Crítica de “Sweet Sexy Savage” de Kehlani

27KEHLANI1-jumboLas colaboraciones entre artistas suelen ser muy habituales hoy en día, aunque podríamos decir que se popularizaron en la década de los 90 dentro del R&B y el Hip-Hop, que fueron los géneros pioneros en este tipo de participaciones entre cantantes. Desde entonces, este fenómeno de las colaboraciones se ha generalizado dentro de todos los estilos musicales lo cual nos ha permitido conocer a nuevos artistas. Y precisamente de esta manera descubrí a Kehlani, la cual participó en el tema “Ring” de la rapera Cardi B (que se ha convertido en el quinto single del exitoso álbum Invasion of Privacy). Kehlani Parrish dio sus primeros pasos en el mundo de la música cuando participó en el concurso musical America’s Got Talent dentro del grupo adolescente PopLyfe, el cual quedó en cuarta posición en la temporada en la que se presentaron. Tras un par de años dentro de la formación, la cantante californiana decidió dejar PopLyfe y lanzarse en solitario ya que las canciones que hacía con el grupo no reflejaban sus verdaderas aspiraciones musicales. A pesar de sus comienzos dentro del grupo PopLyfe, Kehlani está muy lejos de la imagen de “princesita del pop” que poseen muchas de las participantes de ese tipo de programas, puesto que la cantante de Oakland tiene un carácter rebelde, fuerte e independiente como consecuencia de su dura infancia, ya que su madre era adicta a las drogas y su padre fue encarcelado cuando Kehlani era sólo una niña, por ello aprendió a sobrevivir sin tener la referencia de unos padres y este hecho le convirtió en una mujer fuerte y madura. Si esto no fuera suficiente, tras dejar el grupo la cantante sobrevivió en Los Angeles sin familia, viviendo en la calle y robando en las tiendas, lo que podemos considerar una auténtica homeless. Kehlani empezó a grabar temas en solitario y gracias a la ayuda de Nick Cannon (quien era el presentador de America’s Got Talent mientras concursaron PopLyfe), la joven cantante pudo grabar su primera mixtape, que recibió buenas opiniones de los críticos musicales. Su segunda mixtape fue lanzada en 2015 y todavía logró una mayor repercusión entre el público ya que fue top 40 en la lista americana y consiguió su primera nominación a los premios Grammy.

A principios del 2017, Kehlani publicó su primer álbum de estudio, Sweet Sexy Savage (cuyo título estaba inspirado en el disco CrazySexyCool del grupo TLC) compuesto en su totalidad por la propia cantante y bajo la producción del dúo Pop & Oak. Este álbum pertenece al género R&B, con algunos temas encuadrados dentro del R&B alternativo y otros con influencia Hip-Hop y pop. La respuesta comercial de Sweet Sexy Savage fue muy positiva ya que debutó en el #3 de la lista de ventas de Estados Unidos y Canadá, y logró entrar en otros importantes mercados europeos como Reino Unido, Irlanda o Francia, donde el álbum tuvo un rendimiento moderado pero resulta un logro muy notorio para una artista novel de R&B. El single adelanto del álbum, lanzado a mediados del 2016, fue Crzy, un marchoso tema R&B con base Trap que resulta toda una declaración de intenciones por parte de Kehlani en la que habla sobre los dobles estándares que tienen las mujeres, y que supuso la primera entrada de la cantante en la lista americana de singles. Como segundo single se lanzó Distraction, un medio tiempo R&B alternativo muy interesante en el que Kehlani declara que no le importa si su amante tiene dinero, ya que es sólo una distracción. Este single recibió la segunda nominación de Kehlani en los premios Grammy, en este caso a mejor actuación R&B. Otros de los temas más destacados del disco son el marchoso “Keep On”, que fue el último sencillo promocional extraído del álbum y uno de los temas más up-tempo, “Piece of Mind”, en el que habla sobre su intento de suicidio, “Undercover”, en la que destaca su melodía con guitarra, o la balada “Personal” que contiene un sample de “Come Over” de Aaliyah, la cual es una de sus mayores inspiraciones musicales. Sweet Sexy Savage recibió opiniones generalmente favorables de los críticos musicales, los cuales alabaron el carácter personal del álbum y la sinceridad de Kehlani relatando los avatares sobre su vida, aunque observaron que muchos temas eran similares y repetitivos. Kehlani declaró que Pink y Gwen Stefani fueron las principales inspiraciones de Sweet Sexy Savage, sin embargo escuchando el álbum podemos observar similitudes con la música de Tinashe y Aaliyah, ya que la primera de ellas tiene muchos puntos en común con Kehlani y ambas son dos de los mayores exponentes del R&B actual. Sin duda, el primer álbum de Kehlani es uno de los debuts más sólidos dentro del R&B de los últimos años y Kehlani una de las artistas revelación del género, con una fuerte personalidad y sin pelos en la lengua. Puntuación: 7’5/10. SweetSexySavage – Amazon

Crítica de “Good Man” de Ne-Yo

ne-yo-good-man-coverA principios del mes de junio se puso a la venta el séptimo álbum de estudio de Ne-Yo, titulado Good Man y que recoge el testigo de Non-Fiction, que vio la luz en 2015, tuvo un impacto moderado alrededor del mundo, no consiguió que ninguno de sus singles despuntara en las principales listas de venta y se convirtió en el trabajo discográfico menos vendido dentro de su catálogo musical. Good Man ha sido compuesto en su totalidad por el propio Ne-Yo bajo la producción de StarGate (habituales colaboradores del cantante desde sus inicios), DJ Camper, Dr. Luke o Cirkut, podemos encuadrarlo dentro de su habitual estilo R&B/pop al igual que sus anteriores trabajos y destaca por el hecho de que no incluye los típicos temas dance-pop que se ha acostumbrado a lanzar Ne-Yo para atraer la atención del público joven y que suelen tener gran éxito en Europa. Este álbum está compuesto principalmente por medios tiempos y baladas R&B, además de algún tema up-tempo con influencia Dancehall. El single anticipo del álbum para el mercado americano fue Good Man, una balada Soul que da título al álbum y en la que Ne-Yo promete ser un “hombre mejor” y tratar bien a las mujeres con las que se relaciona. Este single pasó totalmente inadvertido dentro de la lista americana. Desde hace un tiempo los seguidores de Ne-Yo y el público en general han favorecido los temas dance-pop más up-tempo del cantante en detrimento de los clásicos temas mid-tempo R&B que lanzaba a principio de su carrera y que han tenido una repercusión menor en las listas de venta. Por ello, Ne-Yo se ha apresurado en lanzar rápidamente el siguiente single, un tema mucho más marchoso y comercial con el que captar la atención del público internacional. En este caso no se trata de un potente tema dance-pop dirigido a las pistas de baile como suele lanzar Ne-Yo sino uno de estilo Dancehall, el cual se ha vuelto muy popular recientemente debido al auge del Tropical House y los sonidos caribeños que inundan las radio-fórmulas hoy en día. El tema en cuestión es Push Back, que resulta muy pegadizo, está producido por StarGate y cuenta con la colaboración de la cantante pop Bebe Rexha y la rapera Stefflon Don, quien le da un toque exótico al tema por su acento reggae. Push Back es una de las canciones más llamativas del álbum por su naturaleza bailable, su temática sexual y sus ritmos tropicales (que ya empiezan a saturar las radios), sin embargo este single no conseguido incrementar la atención del público por el álbum y ha fracasado en las listas de venta.

Entre mis temas favoritos se encuentran “Without U”, un medio tiempo R&B cuyos responsables son el dúo noruego StarGate y que recuerda a los clásicos temas del cantante, o la balada mid-tempo “Apology”, posiblemente la mejor canción del disco y en la que Ne-Yo se lamenta por cómo ha tratado a las mujeres de su vida y pide disculpas, una temática muy parecida a la de la canción que da título al disco. También destaca el medio tiempo “Nights Like These”, que tiene un aroma latino gracias a su sensual producción que incluye melodía de guitarra y a la colaboración con el cantante Romeo Santos, quien canta en español. Good Man sólo se ha puesto a la venta en Estados Unidos, y ha pasado sin pena ni gloria en la lista Billboard, ocupando el top 40 cuando todos los álbumes de Ne-Yo han sido top 10, incluyendo dos discos #1, algo que podemos apreciar como un notorio declive en su éxito comercial. Como resumen, Ne-Yo tiene muy complicado superar la gran calidad de sus tres primeros álbumes, ya que desde entonces sus trabajos han bajado el nivel y no contienen perlas del tipo So Sick o Because of You. En concreto Good Man lo encuentro el álbum menos memorable dentro de la discografía de Ne-Yo junto con Non-Fiction, ya que resulta aburrido y no cuenta con temas espectaculares o que llamen la atención, sin embargo hay que destacar las grandes habilidades vocales y como compositor del artista de Arkansas, la madurez adquirida que se refleja en este trabajo y la producción del álbum. Puntuación: 6/10. Good Man – Amazon