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Crítica de “Madame X” de Madonna

4bc501f378850a5c3ef459c8baa19256.jpgLa era Rebel Heart no comenzó de la mejor manera posible, ya que el decimotercer álbum de estudio de Madonna fue filtrado en internet varios meses antes de su lanzamiento, por lo que la discográfica de la veterana cantante, en una rápida maniobra puso a la venta el álbum en iTunes de manera anticipada y quienes lo reservaban podían descargarse inmediatamente las 6 primeras canciones del disco. Por otra parte, el primer single del álbum, “Living For Love”, no obtuvo el éxito esperado y se convirtió en el primer “single anticipo” de Madonna que no entraba en la lista americana Billboard, a lo que hay que sumar que en una de las presentaciones en directo de este tema, Madonna tuvo un problema con el vestuario y cayó varias escaleras abajo, aunque pese a este contratiempo supo continuar con la actuación de manera muy digna. Muchos tomaron esta caída como el presagio de lo que iba suceder con el álbum, ya que la era Rebel Heart había comenzado de una manera muy torcida. Sin embargo pese al traspiés inicial, Rebel Heart recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales, ya que resultaba superior a sus últimos lanzamientos. Por su parte, Madame X, el nuevo álbum de la reina del Pop, ha generado gran expectación entre el público por el misterioso personaje que ha creado Madonna para este proyecto, sin embargo el single anticipo del disco, Medellín, ha despertado reacciones muy variadas por parte de los fans y los críticos musicales, y ha obtenido unas posiciones muy discretas en las listas de venta. Además la actuación de la cantante en el festival de Eurovisión resultó muy polémica por mostrar las banderas de Palestina e Israel (aún cuando estaba prohibida cualquier manifestación política durante el certamen), aunque lo más comentado de la noche fue la mediocre ejecución vocal de Madonna durante el tema Like a Prayer, que fue objeto de grandes críticas por desafinar en varias ocasiones, algo muy criticado teniendo en cuenta que la cantante cobró más de un millón de euros por actuar en Eurovisión (aunque su actuación fue sufragada por un millonario israelí). Por todo ello, podemos considerar que la era Madame X tampoco ha empezado de la mejor forma posible, aunque esto puede cambiar cuando el público escuche las canciones del disco y descubra el ambicioso proyecto que Madonna ha estado preparando durante un largo tiempo. 

Antes del lanzamiento de Madame X hemos podido escuchar varios temas del álbum, como Medellín, un extraño tema electro-pop con gran influencia latina en el que colabora el artista colombiano Maluma, y pese a haber atraído la atención del público por la curiosa mezcla de ambos artistas no ha tenido un gran impacto comercial. Otros de los sencillos promocionales de Madame X han sido I Rise, una balada en la que Madonna pone voz a las personas marginadas y desfavorecidas y resulta todo un himno gracias a su mensaje inspirador, Crave, una insulsa balada mid-tempo con melodía de guitarra e influenciada por el sonido Trap en la que participa el artista Swae Lee, o Future, que se trata de un medio tiempo de sonido reggae en el que participa el rapero Quavo y fue presentado en directo por primera vez en el festival de Eurovisión. Aunque en mi opinión es el mejor tema y el que más me ha gustado de todos los que nos ha adelantado Madonna debido a su mensaje y su influencia reggae, lo cierto es que la anodina aparición de Quavo no aporta nada al tema y es totalmente prescindible, y otro de los puntos negativos es el prominente uso del Auto-Tune en la voz de ambos artistas.

Madame X es un disco introspectivo y personal, pero también cargado de mensajes sociales y políticos, donde las letras de las canciones toman más fuerza que la voz de Madonna, y destaca por el hecho de contar con Mirwais como productor principal (quien fue responsable de su exitoso Music o el polémico American Life), aunque también han participado otros importantes nombres como Diplo, Billboard o Mike Dean. Musicalmente hablando Madame X es un disco muy ecléctico y diverso, ya que el largo período que vivió Madonna en Portugal le sirvió para conocer la cultura del país, su influencia en África, y su conexión con España y el resto de Europa. El conocimiento de la cultura portuguesa y su acercamiento a músicos y artistas de aquel país inspiraron a la veterana cantante a incorporar a su nuevo trabajo la música latina, los ritmos tribales africanos e incluso el fado, fusionándolos con su habitual sonido pop y electro-pop. Madame X está formado en su mayoría por baladas y medios tiempos, que conectan mejor con el mensaje inspirador y reivindicativo que pretende difundir Madonna, como por ejemplo “Dark Ballet”, una oscura balada que contiene un fragmento de la pieza clásica El Cascanueces y es uno de los mejores temas de Mirwais del álbum, o “Killers Who Are Partying”, quizás el tema con mayor inspiración de la cultura portuguesa, que comienza como una balada con melodía de fado para luego transformarse en un medio tiempo electro-pop, y destaca por su gran carga política y social. Aunque dentro del álbum dominan los temas down-tempo también podemos encontrar varias canciones con más ritmo, como “Bitch I’m Loca”, un marchoso tema latin-pop con influencia reggaeton en el que colabora nuevamente Maluma y donde Madonna se atreve a cantar en español, o “Faz Gostoso”, otro de los temas influenciados por la música latina y quizás el más marchoso y bailable, en el que Madonna canta el estribillo en portugués y cuenta con la participación de la joven cantante brasileña Anitta. Sin duda son las dos canciones más pegadizas del álbum y que resultarán las más accesibles al público en general. Otros de los temas más llamativos del álbum y que merecen la pena comentar son “God Control”, que comienza como una balada pero acaba convirtiéndose en un tema Disco, o “I Don’t Search I Find”, el más up-tempo de Madame X, de naturaleza experimental y que recuerda a la era Erotica por su sonido dance y electrónico. 

Mientras que muchos seguidores de la cantante esperaban un disco del tipo Confessions, con canciones bailables y marchosas, Madonna nos ha ofrecido por contra un álbum experimental, íntimo, con gran conciencia social y política, y que no está dirigido a las listas de baile ni resulta comercial, ya que en este punto de su carrera Madonna prefiere hablar de los temas que le preocupan como la libertad, el feminismo y la igualdad. Esto hace que en la primera escucha cueste digerir varias de las canciones presentes, debido a su ritmo lento y su carácter introspectivo. Por esta razón, las letras de las canciones son el punto fuerte de Madame X, por encima de la voz de Madonna, que no destaca especialmente y hace uso de un registro bastante limitado. Probablemente Madame X sea uno de los álbumes de Madonna con menos viabilidad comercial, pero gracias a la enorme y leal base de fans que tiene la Reina del Pop, ha conseguido en su primer día a la venta ocupar el #1 en iTunes en más de 50 países, lo cual es todo un éxito para una artista que lleva casi 4 décadas en el mundo de la música.

El álbum ha recibido opiniones muy variadas por parte de los fans y los expertos musicales, ya que algunos consideran Madame X el mejor disco de Madonna de esta década, mientras otros han sido muy críticos con el álbum y denominan Medellín como el peor single que ha lanzado la cantante en toda su trayectoria. En mi opinión, Madame X cuenta con varias canciones muy interesantes pero en la primera escucha cuesta asimilarlo porque en general no resulta muy accesible ni es tan comercial como sus trabajos anteriores, sin embargo cuando le das otra oportunidad va ganando puntos y permite entender mejor las diferentes facetas del personaje Madame X. Otro de los puntos negativos es que la voz de Madonna aparece muy sintetizada a lo largo del álbum y hay un claro abuso del Auto-Tune, haciendo que Madonna brille en esta ocasión por su faceta como compositora y no como vocalista. Madame X recupera en cierto modo el toque intimista y experimental que tenía American Life, pero sobretodo es el reflejo de la madurez de una artista que ya lo ha conseguido todo en el mundo de la música y sólo pretende enviar su mensaje sobre temas que considera fundamentales como la discriminación, el feminismo, la libertad y la igualdad entre las personas. Puntuación: 7’5/10.

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Crítica de “Cuz I Love You” de Lizzo

lizzo_cuz-i-love-youAunque la cantante Lizzo ha publicado anteriormente dos álbumes de estudio, su tercer disco supone el primero en una gran discográfica, lo que sin duda le ha proporcionado un aumento considerable en su popularidad gracias a una mayor promoción. Cuz I Love You es el título del nuevo álbum de estudio de Lizzo, que vio la luz el pasado mes de abril y está formado por 11 temas (14 en la edición deluxe) que van del R&B/Soul al Hip-Hop pasando por el Funk, lo que lo convierte en un álbum urbano muy ecléctico. Todos los temas del álbum están compuestos por Lizzo y producidos por Oak, X Ambassadors o Ricky Reed (conocido por su trabajo junto a Jason Derulo o Meghan Trainor). Antes de ser conocida, Lizzo formó parte de varios grupos de Hip-Hop/R&B en su nativa Minneapolis, e hizo su debut en solitario en 2013 con el álbum Lizzobangers. Lizzo, cuyo verdadero nombre es Melissa Jefferson, luce sin complejos sus curvas en la portada de su nuevo álbum, ya que la cantante ha afirmado en varias ocasiones que está feliz, segura de sí misma y no le importan sus kilos de más. Cuz I Love You debutó en el #6 de la lista americana y vendió 40 mil copias durante su primera semana, convirtiéndose en el trabajo más exitoso de Lizzo y el primero que entra en la lista Billboard. El single presentación del álbum fue Juice, un marchoso tema Funk/Disco que contiene sonido retro y muestra la variedad musical del álbum y su versatilidad como artista ya que Lizzo rapea y canta. Este pegadizo y bailable tema producido por Ricky Reed ha recibido opiniones muy positivas por parte de los expertos musicales por su temática sobre aceptarse a uno mismo y aunque no ha entrado en la lista americana de singles, sí ha obtenido un buen rendimiento en el componente R&B de Billboard, donde ha sido top 10.

Uno de sencillos promocionales del álbum fue Tempo, un tema que combina sonido electrónico con Hip-Hop, en el que Lizzo muestra su faceta de rapera y cuenta con la participación de Missy Elliott, cuyo rap recuerda mucho al que proporcionó a Janet Jackson en “Burn It Up!”. Tempo, en el que la cantante reivindica su cuerpo y arremete contra las chicas delgadas, es sin duda otro de los puntos fuertes de “Cuz I Love You” y resulta muy curioso que colabore con la legendaria artista Missy Elliott, ya que ambas comparten muchos puntos en común, no sólo porque las dos se llamen Melissa, sino que ambas son raperas y cantantes, saltaron a la fama como “gorditas” y son muy talentosas. En la edición deluxe del álbum se incluye otro sencillo promocional, “Boys”, un marchoso tema Funk con influencia Hip-Hop en el que Lizzo muestra su faceta como rapera, y “Truth Hurts”, un medio tiempo R&B que fue lanzado como single en 2017 pero gracias a su incursión en una conocida serie de TV ha aumentado enormemente su popularidad (está entre los temas más escuchados en Spotify), por lo que fue añadido “in extremis” al tracklisting de Cuz I Love You. En el álbum, Lizzo trata temas como la auto-aceptación y la confianza en uno mismo o su relación con los hombres, y entre las canciones más destacadas se encuentran “Cuz I Love You”, una desgarradora balada Soul/Jazz en la que Lizzo habla de la soledad y la depresión que ha sufrido, “Soulmate”, un marchoso tema electro-pop/R&B en el que declara que ella misma es su alma gemela y nuevamente afronta su soledad, “Like a Girl”, un himno feminista en el que nombra a importantes mujeres del R&B como Lauryn Hill, Chaka Kahn o TLC e incluye la hilarante frase “estoy sola en casa como Macaulay Culkin”, o “Jerome”, un medio tiempo R&B/Soul de sonido retro en el que la curvilínea artista despacha a gusto contra su ex.

En definitiva, Cuz I Love You es álbum muy ecléctico en el que Lizzo muestra su variedad musical y su versatilidad como cantante y rapera, y aunque sea el tercer álbum de la artista nacida en Detroit, podría parecer su debut, ya que cuenta con una falta de dirección habitual en los primeros álbumes, pero también resulta muy interesante y original. Además, este trabajo ha permitido al gran público conocer a una cantante peculiar y polémica pero muy talentosa que seguro que seguirá dando que hablar en el futuro dentro del género R&B/Hip-Hop. Puntuación: 7/10.

Crítica de “Love + Fear” de Marina

marina-2Como ya comenté en la crítica de “Love”, la cantante Marina tenía previsto publicar su cuarto álbum de estudio Love + Fear el 26 de abril, pero decidió liberar la primera parte del mismo a principios de dicho mes, tras el lanzamiento de varios singles que lograron una acogida muy tibia por parte del público. Y en la fecha originalmente establecida, la cantante galesa ha publicado el disco completo, para que podamos valorar el proyecto en su totalidad. “Love + Fear” es un disco doble con dos partes diferenciadas, y tras escuchar Love, que no ha acabado de enganchar a sus seguidores ni al público en general, ahora le toca el turno a Fear, que sin el acompañamiento de ningún sencillo promocional promete ser uno de los fracasos más sonados del año. Aunque “Love” contenía varias canciones interesantes, en conjunto resultaba poco arriesgado y original, sin embargo una vez que escuchas Fear, el álbum completo gana puntos y nos ofrece una visión más completa de este nuevo proyecto de la cantante de origen griego. Musicalmente, Fear sigue el patrón de Love y está compuesto principalmente por medios tiempos y baladas de estilo electro-pop, aunque podemos encontrar algún tema up-tempo de sonido dance-pop e influencia Tropical House, sin embargo en lo que respecta las letras de las canciones, mientras que Love se centraba en el amor y las relaciones, en Fear la cantante habla de los miedos e inseguridades por los que pasó durante su depresión, y cómo la fama y la popularidad tuvieron un efecto negativo sobre ella. 

Tras escuchar Fear, puedo decir que me ha gustado más que la primera parte del álbum (olvidándome que “Baby” forma parte de Love, teniendo en cuenta que no es una canción original de Marina) y dentro de las 8 canciones mis favoritas son “Karma”, un pegadizo tema que contiene influencia Latin-pop y sonidos tropicales y que resulta uno de los más pegadizos y accesibles del álbum, y “No More Suckers”, un medio tiempo electro-pop que supone un auténtico himno contra los haters. También destacan “Emotional Machine”, el más up-tempo del álbum y el único tema dance-pop de Fear, y “Soft To Be Strong”, la mejor balada del disco y en la que la cantante muestra su vulnerabilidad como persona. Aunque dentro de “Love + Fear” podemos encontrar buenas canciones y hay que destacar las habilidades de Marina como compositora y su personal voz, es un álbum difícil de digerir en la primera escucha y resulta poco comercial y accesible, convirtiendo a Marina en una artista de carácter indie. La cantante de 33 años, quien nos conquistó cuando era Marina and the Diamonds y adoptaba alter-egos tan divertidos y originales como Electra Heart, ahora se muestra tal y como es, sin personajes ni artificios, pero parece que la estrategia no ha terminado de gustar al público, por lo que quizás es hora de que vuelva a recuperar los diamantes y nos ofrezca trabajos tan sobresalientes como el mencionado Electra Heart, su mejor disco hasta la fecha. Aún con todo, Love + Fear es un trabajo más que digno que merece la pena darle una oportunidad. Puntuación: 7/10.

Throwback Review: “Taking Chances” y “D’Elles” de Céline Dion

81PqLXwTNqL._SL1500_En noviembre de 2007 Céline Dion publicó su décimo álbum en inglés, Taking Chances, el cual tuvo una respuesta comercial muy positiva, ya que fue #1 en su nativa Canadá, alcanzó el top 5 en los principales mercados internacionales como Estados Unidos, Francia, Reino Unido o Alemania, y acabó vendiendo más de 3 millones de copias a nivel mundial. Taking Chances está formado por un compendio de las clásicas baladas de Céline además de temas up-tempo con gran influencia pop-rock y dance-pop. Mientras que sus anteriores álbumes en inglés A New Day Has Come y One Heart estaban influenciados por el dance-pop y el R&B, y resultaban sus trabajos discográficos más comerciales, Taking Chances profundiza en el sonido pop-rock (con ciertas pinceladas R&B) y destaca por contar con un gran número de versiones. Una amplia variedad de compositores y productores estuvieron implicados en este álbum, entre ellos Linda Perry, John Shanks, Kara DioGuardi, Ben Moody (componente del grupo Evanescence), Ne-Yo o Tricky Stewart. El single presentación fue el tema que daba título al álbum, Taking Chances, que se trataba de una poderosa balada mid-tempo de estilo pop-rock originalmente grabada por Kara DioGuardi y producida por John Shanks, pero que finalmente acabó formando parte del disco de Céline Dion. Taking Chances fue top 10 en Canadá, Francia e Italia, aunque obtuvo un rendimiento más moderado en Reino Unido y Estados Unidos. Como segundo single se lanzó la balada Alone, versión del tema del mismo nombre del grupo de rock Heart y que Céline hizo suya convirtiéndola en una de las mejores baladas del álbum. Uno de los temas más interesantes y que se distancia del sonido pop-rock que domina el disco es Eyes On Me, que fue elegido como segundo single en ciertos países como Reino Unido. Este marchoso tema con influencia R&B y sonido del Medio Oeste producido por Kristian Lundin era uno de los más llamativos y pegadizos del disco pero no tuvo un gran impacto en la listas de venta porque careció de promoción.

Taking Chances recibió criticas muy variadas por parte de los expertos musicales, los cuales sintieron que el álbum no era muy original y carecía de personalidad, por lo que algunos declararon que Céline Dion en realidad no había arriesgado demasiado, aludiendo al título del disco. Aunque no resulta tan llamativo, sólido y completo como “A New Day Has Come” (mi disco favorito de Céline en inglés), Taking Chances también es un buen álbum aunque quizás demasiado largo, monótono y con bastantes canciones de relleno, aunque la elección de los singles fue muy acertada. Entre las canciones más destacadas se encuentran “Fade Away”, el tema más up-tempo del disco, de estilo pop-rock y dance-pop, o “This Time”, un dramático medio tiempo muy influenciado por el estilo de Evanescence ya que Ben Moody era el responsable de dicho tema.

dellesUn año más tarde del lanzamiento de Taking Chances y mientras se encontraba de gira, Céline Dion publicó D’Elles, su decimotercer álbum en francés, el cual fue grabado antes que Taking Chances, aunque fuera publicado más tarde. Durante su larga trayectoria musical, Céline Dion ha ido alternando discos en francés e inglés, pero lo que mucha gente desconoce es que la carrera musical en francés de Céline comenzó en 1981, casi 10 años antes de que debutara con su primer disco en inglés. Antes de que Céline Dion se lanzara a nivel internacional, ya era una cantante muy respetada e importante en el mercado francófono, especialmente en Francia y Quebec (la región francófona más importante de Canadá). D’Elles, que en francés significa “de ellas” o “sobre ellas” es un disco conceptual sobre la mujer en todos sus ámbitos y podemos considerarlo la continuación de “D’Eux” (“de ellos”), publicado en 1995, pero con la perspectiva femenina. D’Elles era el primer álbum en francés de Céline en 4 años, fue alabado por la crítica que lo consideró uno de sus proyectos musicales más ambiciosos, y resultó un éxito de ventas, ya que fue #1 en Francia, donde fue certificado platino al vender más de 300 mil copias, y en Canadá. El single presentación del disco fue la dramática balada Et S’Il n’en Restait Qu’une (Je Serais Celle-Là), cuya traducción es “Si sólo quedara una mujer, esa sería yo”. Este tema recibió grandes elogios de la crítica ya que cuando Céline canta en francés transmite más emoción y sentimiento en sus canciones, y tuvo una gran acogida en el mercado francófono, alcanzando el #1 en Francia y #2 en Quebec. Tras este magnífico tema (una de las mejores canciones de Céline en francés) se lanzó como segundo single otra de las grandes baladas del álbum, Immensité, la cual también tuvo un buen rendimiento en Francia y Canadá. Como tercer single se lanzó la emotiva balada “On S’est Aimé à Cause”. Entre los temas más interesantes de D’Elles se encuentran “À Cause”, que destacaba por ser una de las canciones más up-tempo dentro un álbum en el que dominaban las baladas y los medios tiempos, y “Le Temps Qui Compte”, otro marchoso tema pop-rock. Ambos temas fueron contendientes a ser single pero finalmente su lanzamiento no se materializó. 

Para promocionar Taking Chances y D’Elles, Céline Dion se embarcó en una extensa gira por todo el mundo (principalmente en Norteamérica y Europa) después de haber pasado los últimos 5 años en su exitosa residencia “A New Day…” en Las Vegas. “Taking Chances World Tour” fue la primera gira mundial de Céline en 10 años y por ello llevó a cabo un espectacular show que fue aclamado por la crítica por la magnífica selección de temas elegidos y la grandiosa voz de Céline en directo, y se convirtió en una de las giras más exitosas y recaudadoras de la década pasada. Con el “Taking Chances World Tour”, la cantante de Quebec promocionó de manera conjunta tanto Taking Chances como D’Elles, aunque el set-list difería ligeramente cuando la cantante se encontraba en Quebec o Francia, donde incorporaba más temas en francés. Gracias a la gran acogida por parte del público, fue lanzado un DVD grabado durante una de las paradas de esta maratoniana gira y entre los temas más destacados se encuentran su clásico “All By Myself” en el que la cantante canadiense nos deleita con su espectacular voz, la original puesta en escena de “Eyes On Me”, el medley de sus grandes éxitos que incluía “Because You Love Me” o “To Love You More”, su tributo a Queen cantando una preciosa rendición de “The Show Must Go On” o el apoteósico final con su tema más famoso “My Heart Will Go On”.

Crítica de “Désobéissance” de Mylène Farmer

9E801606-C9D7-4E33-A457-651A968CBA28De padres franceses, la cantante y compositora Mylène Farmer nació en Quebec, Canadá, aunque a una edad temprana su familia se trasladó a los suburbios de París. Tras probar suerte como actriz, una joven Mylène conoció a Laurent Boutonnat, un estudiante de cine quien se convertiría años más tarde en su habitual colaborador musical y la fuerza creativa detrás de los vídeos musicales de Mylène. Desde sus inicios en el mundo de la música, la cantante destacó por las polémicas letras de sus canciones y sus explícitos videoclips, como por ejemplo su single debut, “Maman a tort” (mi madre está equivocada), el cual hablaba de una relación lésbica y en cuyo videoclip se mostró por primera vez un desnudo femenino frontal. Entre sus temas más famosos se encuentran “Libertine” o “Desenchantée”, que años más tarde serían versionados por la cantante belga Kate Ryan. Dentro de su larga trayectoria musical, Mylène Farmer ha vendido más de 30 millones de discos en Francia y ostenta el título de ser la artista con más #1 en la lista de singles francesa (18 en total), convirtiéndose en la cantante femenina más importante y exitosa de dicho país. Por todo ello podríamos considerar a Mylène Farmer como la “Madonna francesa”, ya que con cada disco consigue reinventarse y ofrecer un estilo e imagen diferentes, además de haber atraído la atención del público por las polémicas y atrevidas letras de sus canciones. En septiembre del año pasado, la cantante de 57 años publicó su undécimo álbum de estudio, Désobéissance (desobediencia en francés), cuyo título demuestra que aunque pasen los años Mylène sigue teniendo un espíritu rebelde e inconformista. Este álbum está formado principalmente por temas up-tempo de estilo electro-pop y dance-pop, con gran influencia de la música electrónica de los años 80 y 90, y destaca por el hecho de que, al igual que su anterior disco Interstellaires, no cuenta con la participación de su habitual colaborador Laurent Boutonnat.

Désobéissance debutó en lo más alto de la lista francesa de álbumes, convirtiéndose en el noveno trabajo de Mylène Farmer que alcanza el #1 en Francia, y desde septiembre ha vendido más de 200 mil copias, siendo certificado doble platino. El single presentación fue Rolling Stone, un marchoso tema synth-pop que se convirtió nuevamente en otro #1 para Mylène en la lista francesa de singles. El segundo sencillo fue su colaboración con la cantante y compositora americana LP en N’oublie Pas, que empezaba como una emotiva balada pero iba aumentando de ritmo hasta convertirse en un tema dance-pop. Este tema, en el que Mylène canta en francés mientras que LP lo hace en inglés, nuevamente alcanzó el #1 en Francia, extendiendo el reinado de Mylène Farmer en lo más alto de la lista francesa a 18 singles. La elección de los siguientes singles fue de lo más acertada ya que son las canciones más interesantes del álbum (y mis temas favoritos): Sentimentale, en el que la cantante muestra su fragilidad y vulnerabilidad, pero ambientado en un sonido dance-pop y electro-pop que lo hace uno de los temas más marchosos del disco, y Désobéissance, que da título a este trabajo y se trata de un pegadizo tema electro-pop en el que Mylène utiliza su habitual falsetto. Este mismo mes de ha puesto a la venta dicho single en formato físico, tanto CD como vinilo, algo que ha encantado a los fieles fans de la veterana artista, quienes coleccionan todos los lanzamientos de su extensa trayectoria. Aunque los singles extraídos y la mayor parte de los temas del álbum son de carácter up-tempo, también hay cabida a medios tiempos electro-pop, como “Des Larmes”, que será el siguiente single, y “Get Up Girl”, en el que Mylène incluye varias frases en inglés, o la oscura balada “Retenir L’eau”.

Désobéissance, pese al handicap obvio ser un álbum en francés, resulta muy accesible a todos los públicos al ser marchoso y bailable, por lo que es la opción perfecta para lanzarse a escuchar un disco en este idioma para quienes no lo hayan hecho nunca, además de dar una oportunidad a Mylène Farmer, quien pese a ser una de las artistas más vendedoras e importantes dentro del mercado francófono, no ha obtenido un mayor éxito fuera de Francia por el inconveniente del idioma. En definitiva, Désobéissance es un buen álbum que nos muestra la madurez y la constante evolución musical de una de las artistas más consolidadas de Francia, además de una magistral producción por parte de DJ francés Feder. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de “Hurts 2B Human” de Pink

pink-hurts-2b-human-thatgrapejuice-600x600Teniendo en cuenta la maratoniana gira en la que se encuentra inmersa Pink, con la que ha recorrido de manera extensa Estados Unidos y Australia para promocionar su anterior álbum Beautiful Trauma, su regreso al panorama musical con nuevo trabajo discográfico ha llegado antes de lo que todos podríamos pensar. Hurts 2B Human es el título del octavo álbum de estudio de Pink, que se puso a la venta el pasado día 26 de abril, apenas año y medio después del lanzamiento de Beautiful Trauma, el cual recibió críticas muy variadas por parte de los expertos musicales pero obtuvo una gran respuesta comercial, alcanzando el #1 en las listas de venta de Estados Unidos, Reino Unido o Australia entre otros. Musicalmente hablando, Hurts 2B Human resulta muy similar a su anterior álbum, en el que abandonó su habitual estilo pop-rock para centrarse de lleno en el pop, con varias canciones encuadradas dentro del dance-pop y el electro-pop, sin embargo en lo que respecta a las letras, este nuevo álbum resulta más optimista que Beautiful Trauma. El single presentación del álbum ha sido Walk Me Home, un tema pop de estilo muy similar a los que encontrábamos en su anterior disco y que contiene el característico estribillo de Pink con coro creciente. Este tema ha sido compuesto por Pink junto a Nate Ruess (con quien ya colaboró en el single Just Give Me a Reason) y destaca por su mensaje inspirador y su naturaleza de himno, pero a diferencia de otros primeros singles de Pink no engancha tanto ni resulta original, y eso se ha notado en la reacción por parte del público, ya que Walk Me Home ha ocupado posiciones muy discretas en las listas de venta de todo el mundo, obteniendo su mejor puesto en Reino Unido, donde ha sido #8, y en Australia, donde ha ocupado el #12, una posición muy baja teniendo en cuenta la excepcional acogida que tiene la cantante en dicho país.

Para este trabajo, Pink ha contado con varios de sus habituales colaboradores, como Max Martin y Shellback, quienes han contribuido con “(Hey You) Miss You Sometime”, un enérgico tema electro-pop en el que la voz de la cantante aparece sintetizada, Greg Kurstin, que ha producido “Courage”, un bonito medio tiempo pop que resulta uno de los momentos más emotivos, o Billy Mann en la balada casi acústica que cierra el álbum, “The Last Song of Your Life”. Sin embargo Alecia Moore (el verdadero nombre de Pink) ha decidido trabajar por primera vez con otros productores como por ejemplo Ryan Tedder, que ha contribuido con “Can We Pretend”, un tema dance-pop que resulta uno de los más alegres y optimistas del disco, o el desconocido Odegard, quien ha sido el responsable de “Hustle”, un marchoso tema pop de estribillo pegadizo e influencia folk (mi canción favorita del álbum y que será el siguiente single). Uno de los pocos temas que conserva el característico estilo pop-rock de Pink es “We Could Have It All”, producido por Greg Kurstin y uno de los más up-tempo del álbum. Hurts 2B Human cuenta con varios artistas invitados, como la promesa del R&B Khalid, quien colabora en el tema que da título al disco y se trata de una emotiva balada mid-tempo con influencia Soul/R&B, o el cantante de Country Chris Stapleton que participa en la balada “Love Me Anyway”, la cual destaca por ser la primera canción producida totalmente por la propia Pink.

Como gran seguidor de Pink que me considero desde sus inicios en el mundo de la música, cada vez que la cantante lanza nuevo álbum es motivo de alegría y en esta ocasión no ha sido menos ya que Hurts 2B Human cuenta con varias canciones muy interesantes, sin embargo no ofrecen nada nuevo ni original al panorama musical y resultan muy similares a las presentes en Beautiful Trauma. Aunque Hurts 2B Human no sea el mejor álbum de su trayectoria, sí es una buena adición al amplio catálogo musical de Pink, y lo cierto es que me ha gustado más que Beautiful Trauma en su primera escucha. Aunque la Pink de pelo rosa que cantaba R&B siempre será mi favorita, lo cierto es que el estilo que mejor se adapta a ella es el pop-rock más marchoso que la ha acompañado durante muchos años y numerosos discos, sin embargo en esta última etapa la hemos visto caminar por una senda más pop que a muchos no les ha acabado de convencer, pero es obvio que la cantante de 39 años y madre de dos hijos ha madurado y dejado atrás su lado más rebelde e inconformista. Canciones imprescindibles: Hustle, Courage, Hurts 2B Human, Can We Pretend y Walk Me Home. Puntuación: 7’5/10.

Throwback Review: “Read My Lips” de Sophie Ellis-Bextor

Sophie_Ellis-Bextor_-_Read_My_LipsTras pertenecer al grupo indie Theaudience a finales de los años 90, la cantante británica Sophie Ellis-Bextor hizo su debut en solitario en el año 2000 colaborando con el DJ Spiller en el tema “Groovejet”, el cual resultó un éxito en Reino Unido, donde alcanzó el #1 en la lista de ventas, además de en Australia e Irlanda. Tras la participación de la cantante inglesa en este tema, decidió comenzar la grabación de su primer álbum de estudio en solitario, llamado Read My Lips, el cual vio la luz en agosto de 2001. Para su álbum debut, Sophie Ellis-Bextor abandonó el estilo indie y rock presente en sus inicios en el mundo de la música para adoptar un sonido más comercial y bailable, en concreto una mezcla de electro-pop y dance-pop con influencias del sonido Disco de los 80, conformando un disco enfocado a las pistas de baile. El single presentación del álbum fue la versión del tema de Cher Take Me Home, al cual Sophie cambió ciertas partes de la composición dándole un toque más sexual que no acabó de convencer a la veterana cantante, la cual no quedó nada satisfecha con los cambios en su canción. Pese a dicha controversia, este marchoso tema dance-pop y Disco gozó de buena acogida en Reino Unido, donde alcanzó el #2. Pero sin duda fue el segundo single el que acaparó más atención por parte del público debido a sus peculiares letras y su pegadizo ritmo. Me estoy refiriendo a Murder on the Dancefloor, un marchoso tema dance-pop con influencia Disco que recibió buenas críticas de los expertos musicales y tuvo una gran respuesta comercial, convirtiéndose en el single más exitoso del álbum y unos de los temas más carismáticos de toda la carrera de la cantante. Murder on the Dancefloor fue #2 en la lista de singles de Reino Unido y ocupó el top 5 en los principales mercados musicales como Canadá, Australia, Francia o Italia. Como tercer single en Reino Unido se lanzó Get Over You junto a Move This Mountain como single de doble cara A, mientras que a nivel internacional se lanzó únicamente el primero de ellos. Move This Mountain pertenecía originalmente al álbum, sin embargo Get Over You era un nuevo tema que fue añadido a la re-edición de Read My Lips. Get Over You es un pegadizo tema electro-pop y dance-pop que se convirtió en otro éxito para Sophie en la lista británica de singles, alcanzando el #3, y también gozó de buena acogida en Australia o España, donde ocupó el top 10.

En contraste al resto de marchosos singles lanzados, el otro tema perteneciente al single de doble cara A lanzado en Reino Unido era Move This Mountain, una balada electrónica y el momento más sosegado del álbum. Como cuarto y último single se extrajo Music Gets the Best of Me, la otra canción inédita perteneciente a la re-edición de Read My Lips. Este tema dance-pop con influencia House era uno de los más up-tempo del álbum, sin embargo debido a su carácter poco original obtuvo una respuesta comercial más moderada, alcanzando únicamente el #14 en Reino Unido. Mientras que los singles lanzados tenían un sonido dance-pop/Disco y carácter up-tempo, del resto del álbum dominaban los temas electro-pop como “Lover”, “Sparkle” o “By Chance” aunque también podíamos encontrar marchosos temas dance-pop como “The Universe Is You”. Read My Lips debutó en el #2 de la lista británica de álbumes y acabó siendo certificado doble platino por ventas superiores a las 800 mil copias, y también cosechó cierto éxito en Australia o Alemania, donde fue top 10. Gracias a este álbum descubrimos a una de las cantantes británicas más elegantes, con mayor personalidad y sentido del humor, además de una gran vocalista y un ejemplo en la perfecta pronunciación del acento británico. Sin duda Read My Lips fue uno de los mejores álbumes de dance-pop y electro-pop de la primera década del 2000.

Crítica de “Love” de Marina

MARINA_LOVEMarina Diamandis, conocida artísticamente como Marina and the Diamonds, está de vuelta en el panorama musical tras varios años sin lanzar nuevas canciones. Después de la promoción de su tercer álbum de estudio, Froot, publicado en 2015, la cantante galesa decidió tomarse un tiempo de descanso para encontrarse a sí misma y desconectar del estresante ritmo de trabajo, aunque realizó varias colaboraciones esporádicas con otros artistas. Marina tenía pensado publicar a finales de abril su cuarto álbum de estudio, Love + Fear, el cual está compuesto por 16 canciones divididas en dos partes diferenciadas, pero tras desvelar varios singles de la primera parte del disco, ha decidido lanzar “Love” antes de lo previsto, concretamente el pasado día 8 de abril. Para este nuevo proyecto, la artista de origen griego se ha desprendido de la coletilla “and the Diamonds” que la ha acompañado durante toda su trayectoria y ahora su nombre artístico es simplemente Marina, dando a entender que ha dejado atrás los artificios de épocas pasadas y ahora muestra su verdadera identidad como persona y artista. Además para esta nueva era musical, Marina ha mostrado una imagen más natural y visiblemente más delgada. A finales del año pasado, Marina colaboró con Clean Bandit en Baby, un marchoso tema de inspiración latina que suponía la segunda colaboración de la cantante con el grupo inglés. Este pegadizo tema latin-pop, que contaba con la colaboración del artista puertorriqueño Luis Fonsi, también será incluido en Love, la primera parte del nuevo trabajo de Marina, aunque resulta más up-tempo, comercial y bailable que el resto de los temas presentes en el álbum.

El single presentación de este proyecto fue Handmade Heaven, una balada introspectiva de estilo synth-pop que recordaba a la Madonna de “Ray of Light”. Debido a su naturaleza poco comercial (a diferencia de sus primeros singles, que suelen ser marchosos y bailables) la respuesta del público ha sido muy tibia y apenas ha tenido repercusión en las listas de venta. El siguiente sencillo fue Superstar, un medio tiempo electro-pop en el que Marina alterna su voz grave con la aguda, y pese a tener algo más de ritmo que el primer single tampoco acaba de enganchar. Tras el moderado recibimiento de los dos primeros sencillos, Marina optó por un tema más alegre y pegadizo, Orange Trees, el cual estaba influenciado por el sonido Tropical House y resultaba más up-tempo y comercial. Sin duda, Orange Trees sí es el tema de regreso que todos esperábamos de Marina por lo que hubiera sido la mejor opción como single presentación del álbum. Love es un álbum que nos ofrece un mensaje positivo sobre amar a los demás y a nosotros mismos, y dentro de él destacan “Enjoy Your Life”, un marchoso tema electro-pop en el que Marina nos anima a centrarnos en todo lo positivo que nos ofrece la vida, “True”, el tema más pegadizo y up-tempo del álbum y quizás el que más nos recuerda a la Marina bailable del pasado, o la balada electro-pop “End of the Earth”. La reacción del público hacia “Love” ha sido muy moderada aún teniendo el cuenta el gran lapso de tiempo que ha pasado desde que Marina publicó su último álbum, y muchos seguidores se han mostrado decepcionados con el regreso de la cantante galesa, ya que las canciones presentes en la primera parte del álbum no están a la altura de sus anteriores trabajos Electra Heart o Froot, y eso teniendo en cuenta que “Love” parece ser la parte más comercial y animada de este proyecto, por lo que habrá que esperar al 26 de abril para conocer el estilo de “Fear” y poder valorar el proyecto en su totalidad. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de “My Happy Place” de Emma Bunton

91JbBgJAoTL._SS500_El 24 de mayo dará comienzo la segunda gira de reunión de Spice Girls, y aunque no contará con la presencia de Victoria Beckham ni será tan extensa como lo fue The Return of the Spice Girls Tour (que contó con casi 50 conciertos y recorrió las principales ciudades de Estados Unidos, Canadá y Europa) sí permitirá a los fans británicos disfrutar de posiblemente la última gira que lleve a cabo el legendario grupo de los 90. Mientras tanto, sin anuncio de música nueva por parte de las chicas picantes y para hacer más corta la espera hasta que empiece el Spice World Tour 2019, ha sido una de sus componentes, Emma Bunton, la que ha decidido retomar su carrera en solitario y ha protagonizado uno de los regresos pop más importantes del año. Durante estos últimos años, la que fuera conocida como Baby Spice se ha centrado en su trabajo como presentadora en la radio inglesa con el show Breakfast Heart, el cual ha tenido que abandonar debido a sus compromisos con Spice Girls y la promoción de su nuevo álbum en solitario. Tras más de una década en silencio, Emma ha regresado al mundo de la música con su cuarto álbum de estudio, titulado My Happy Place, el cual toma el relevo a Life in Mono, que vio la luz en diciembre de 2006 y contó con una escasa promoción debido al embarazo de la cantante. Emma empezó a trabajar en este proyecto de manera secreta y el año pasado confirmó en su programa de radio que estaba grabando canciones que formarían parte de su nuevo disco, aunque no adelantó apenas detalles. El pasado mes de febrero llegó el single presentación del álbum, Baby Please Don’t Stop, que se trataba de un tema pop muy coqueto que recuperaba el estilo retro iniciado por Emma en el álbum Free Me y era una de las 2 canciones originales del disco. Este tema resulta todo un acierto ya que es marchoso y pegadizo y cuenta con la bonita y dulce voz de Emma. Quien reservaba My Happy Place de manera anticipada, recibía al instante otro de los temas del álbum, Too Many Teardrops, que es precisamente la otra canción original y gracias a su toque retro podría encajar perfectamente dentro del álbum Free Me o en una superproducción de James Bond. Sin duda Too Many Teardrops hubiera sido una gran elección como primer single ya que es la mejor canción del disco. Los dos temas originales del álbum han sido compuestos por la propia Emma, y debido a la gran calidad de ambos se echan de menos más canciones inéditas en My Happy Place.

My Happy Place está formado por 10 temas, de los que 8 son versiones de algunas de las canciones favoritas de Emma Bunton, con el particular sonido Motown y retro presente en los dos anteriores álbumes de la cantante británica. El disco cuenta con varios artistas invitados, de entre los que destaca Jade Jones, pareja sentimental de Emma y padre de sus dos hijos, quien colabora en “You’re All I Need to Get By”, quizás una de las canciones más emotivas y bonitas dentro de My Happy Place y en la que se observa la gran química existente entre ambos artistas. Otro de los artistas invitados es Will Young, quien participa en la balada “I Only Have To Be With You” originalmente cantada por Dusty Springfield. Entre los temas más destacados se encuentran “I Wish I Could Have Loved You More”, que cuenta con un gran componente retro e influencias Motown y Soul, “Don’t Call Me Baby”, el más up-tempo del álbum y que contiene inspiración latina y uso de guitarra española, o el famoso tema compuesto por Bee Gees “Emotion”. Una de las canciones más esperadas por los fans de Spice Girls es la versión del clásico “2 Become 1” interpretada por Emma junto a Robbie Williams y que cuenta con un sonido más acústico y mayor uso de guitarra. Definitivamente ha sido toda una sorpresa y un gran detalle por parte de Emma incluir esta versión del tema de Spice Girls dentro de su nuevo álbum, ya que nos devuelve la nostalgia de los años 90. Además la presencia de Robbie Williams en esta versión ha sido de lo más acertada ya que también formó parte de uno de los grupos británicos más emblemáticos de dicha década.

Con la publicación de My Happy Place, Emma Bunton se convierte en la segunda Spice Girl con más discos en solitario tras Melanie C (quien ha publicado 7 álbumes y ha tenido la carrera más sólida y consistente), superando los tres discos de Geri Halliwell, quien al principio de su carrera como solista tuvo gran éxito pero tras el fracaso de su tercer álbum abandonó su faceta como cantante. Sin duda, el lanzamiento de My Happy Place ha sido motivo de alegría para todos los fans de Emma Bunton entre los que yo me encuentro, ya que es un placer volver a escuchar una de las mejores voces dentro de Spice Girls, y esperemos que en un futuro continúe con su faceta en solitario ya que Emma ha sabido dirigir su carrera de manera correcta encontrando en el sonido retro su estilo propio e inspirándose en el Motown con influencias del R&B y Soul de los años 60, lo cual que encaja muy bien con su voz y resulta un soplo de aire fresco dentro del actual panorama pop. En definitiva, My Happy Place es un buen álbum aunque como punto en contra está la brevedad del mismo teniendo en cuenta la larga espera, y la escasez de temas originales. Puntuación: 8/10. 

The Best of R&B: “Ashanti”

Ashanti_-_AshantiDurante este mes de abril se han cumplido 17 años del lanzamiento de uno de los discos más exitosos e importantes dentro del R&B contemporáneo. Me estoy refiriendo al álbum debut de la cantante americana Ashanti, que vio la luz el 2 de abril de 2002, cuando el género R&B vivía uno de sus mejores momentos de popularidad antes de iniciar un periodo de escasa viabilidad comercial. Aunque en la actualidad la cantante neoyorquina no goza de tanta fama y éxito como en sus inicios en el mundo de la música y sus últimos álbumes han tenido unas ventas bastante bajas, hay que resaltar la importancia que tuvo Ashanti durante la década del 2000, ya que se convirtió en la tercera cantante femenina de R&B más exitosa de dicha década por detrás de Beyoncé y Alicia Keys, lo cual es un dato digno de apuntar. Tras ser fichada por la discográfica Murder Inc, Ashanti obtuvo gran popularidad en 2002 al participar en dos temas de Hip-Hop que consiguieron gran éxito en las listas de venta americanas: “Always on Time” de Ja Rule y “What’s Luv?” de Fat Joe. Precisamente el rapero Ja Rule fue una pieza clave en los inicios musicales de Ashanti, ya que ésta convirtió en su protegida y colaboraron juntos en numerosas ocasiones posteriores. El single presentación del álbum fue Foolish, un magnífico tema R&B producido por Irv Gotti y 7 Aurelius que se mantuvo durante 10 semanas en lo más alto de la lista americana de singles. Aunque en el resto del mundo Foolish no alcanzó las mismas cotas de éxito que en Estados Unidos, también ocupó el top 10 en Reino Unido, Canadá o Australia. Cabe destacar que mientras “Foolish” ocupaba el #1 en la lista americana, “What’s Luv?” se encontraba en el #2, haciendo de Ashanti la primera cantante femenina en tener dos singles simultáneamente en las dos primeras posiciones del Hot 100 de Billboard. Pero este no fue el único récord que cosechó Ashanti ya que también hizo historia al tener 3 singles (Foolish y sus colaboraciones junto a Ja Rule y Fat Joe) dentro del top 10 de la lista americana.

El álbum debut de Ashanti, titulado de manera homónima, fue producido en su totalidad por Irv Gotti (fundador de Murder Inc Records), Chink Santana y 7 Aurelius, y aunque la joven cantante participó en la composición de todos los temas del disco, no tuvo un papel decisivo en la creación del álbum ya que todas las decisiones fueron tomadas por Irv Gotti en un intento por hacer de Ashanti la artista revelación del momento en el género R&B. Ashanti entró directamente al #1 de la lista americana de álbumes con unas ventas superiores al medio millón de ejemplares (uno de los debut más sorprendentes de una artista novel dentro del género R&B ), fue certificado triple platino y acabó vendiendo más de 3 millones y medio de copias en Estados Unidos. A nivel internacional “Ashanti” fue top 10 en Reino Unido, Canadá, Alemania o Australia. El álbum no sólo gozó de un gran impacto comercial sino que recibió numerosos galardones musicales, incluyendo tres nominaciones a los premios Grammy, de los que ganó uno a mejor álbum de R&B contemporáneo. Tras la impresionante acogida comercial de Foolish, la por entonces llamada “Princess of Hip-Hop and R&B” lanzó como segundo single Happy, un medio tiempo R&B que contaba con una melodía hipnótica de flauta. Este single no tuvo tanta repercusión como Foolish en las listas de venta, pero aún así logró el #8 en la lista americana de singles. Como tercer y último single se extrajo Baby, una emotiva balada R&B que no obtuvo un desempeño comercial tan positivo como los sencillos precedentes.

“Ashanti” es un disco de R&B sólido y consistente, compuesto en su mayoría por medios tiempos que tomaban influencias del Hip Hop-Soul de los años 90 e inspirado en cantantes como Mary J Blige. Aunque “Ashanti” superó ampliamente las expectativas, resultó un éxito de ventas en Estados Unidos y convirtió a la joven cantante en una de las promesas del R&B de la pasada década, no dejó de ser un proyecto perfectamente calculado por Irv Gotti para convertir a Ashanti en la “First Lady” de Murder Inc y cubrir la cuota de R&B femenino dentro de su discográfica, sin embargo la cantante fue incapaz de tomar decisiones durante sus primeros años de carrera profesional, lo que provocó que años más tarde Ashanti abandonara Murder Inc para tomar el control de su carrera y dar a conocer su verdadera esencia como cantante y compositora. Al principio de su carrera, Ashanti entró en competencia con Tweet, otra artista novel de R&B/Soul también respaldada por un gran mentor (en este caso Missy Elliott), sin embargo la protegida de Ja Rule cosechó más éxito y popularidad que Tweet, quien rápidamente desapareció de escena.