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Throwback Review: “Like a Prayer” de Madonna

madonna-like-a-prayer-vinilo-180-grs-nuevo-y-cerrado-D_NQ_NP_667734-MLA25767044303_072017-FEl pasado 21 de marzo de cumplieron 30 años del lanzamiento de Like a Prayer, uno de los discos más importantes de la historia del pop e icónicos dentro de la carrera musical de Madonna. Like a Prayer es el cuarto álbum de estudio de la Reina del Pop, publicado tras el tremendo éxito que cosechó True Blue, el cual fue #1 en más de 20 países, superó los 25 millones de copias en todo el mundo y se convirtió en el álbum de Madonna más vendido (sólo superado años después por The Immaculate Collection, su primer disco de grandes éxitos). Aunque Like a Prayer es el sucesor natural de True Blue como álbum de estudio, lo cierto es que entre ambos discos Madonna publicó Who’s That Girl, la banda sonora de la película del mismo nombre protagonizada por la propia cantante, y You Can Dance, un disco de remixes. Like a Prayer ha sido uno de los discos más polémicos de la cantante, por el uso de temática religiosa en la canción y videoclip que da título al álbum, lo cual provocó un shock en la Iglesia Católica y numerosos colectivos conservadores de todo el mundo reaccionaron de manera negativa hacia el álbum. Además la controversia que rodeó a Like a Prayer hizo que Pepsi rompiera su contrato publicitario con Madonna. Pese a estas polémicas, lo cierto es que Like a Prayer es uno de sus discos más autobiográficos, en el que Madonna relata su complicada relación con un padre autoritario, la pérdida de su madre cuando era una niña, o episodios violentos en su matrimonio con Sean Penn y su posterior divorcio. Madonna compuso todos los temas del álbum junto a Patrick Leonard (responsable de los hits Live To Tell o La Isla Bonita) y Stephen Bray, quien trabajó anteriormente con la Ciccone en los álbumes Like a Virgin y True Blue.

El single presentación del álbum fue Like a Prayer, un tema pop-rock con influencia de la música Gospel que destacaba por el uso prominente de guitarra eléctrica, órgano y los coros Gospel. Madonna utilizó metáforas religiosas y alusiones a su pasado católico en sus letras, mezclándolas con temas de amor y relaciones, lo cual fue visto como un sacrilegio para la moral conservadora de los años 80. El videoclip de Like a Prayer, ambientado en una iglesia católica, resultó muy polémico y añadió mayor popularidad al tema si cabe, debido al uso de una temática religiosa, incluyendo la aparición de un Cristo negro o cruces ardiendo. Este single fue aclamado por la crítica y resultó un tremendo éxito comercial, ocupando el #1 en las listas de venta de todo el mundo (salvo algunas excepciones como Francia o Alemania, donde fue #2), y pasando a formar parte de los singles más exitosos de todos los tiempos. En Estados Unidos se convirtió en el séptimo #1 de Madonna en la lista Billboard y fue certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares. Tras el éxito de Like a Prayer, en mayo de 1989, Madonna lanzó Express Yourself como segundo single del álbum. Este marchoso tema dance-pop se convirtió en un himno de empoderamiento femenino en el que Madonna se desprende de su imagen frívola y superficial iniciada con el tema “Material Girl” para declarar que no necesita anillos de diamantes para ser feliz. Su poderoso mensaje feminista de elegir al hombre que de verdad te conviene y no al que te llena de regalos fue fuente de inspiración a una generación entera de artistas como Spice Girls o Lady Gaga. Cabe destacar que el videoclip de Express Yourself es el tercero más caro de la historia de la música (costó más de 5 millones de dólares en 1989).

Para suavizar la imagen de Madonna de cara al público y evitar de nuevo la polémica, se decidió lanzar como tercer single un tema más comercial y menos controvertido. Cherish era un alegre tema pop con influencia doo-wop que recordaba a algunas canciones pertenecientes a True Blue y trataba el tema del amor y las relaciones con alusiones a Romeo y Julieta. Cherish fue un éxito alrededor del mundo, logrando el #1 en Canadá, el #2 en Estados Unidos y el #3 Reino Unido. Como cuarto single Madonna eligió una de las canciones más personales y autobiográficas del álbum: Oh Father, en la que trata la complicada relación con su padre, que era un hombre dictador y autoritario. Esta dramática balada recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales pero no tuvo un gran impacto comercial ya que rompió su racha de singles top 5 en la lista americana iniciada con Like a Virgin y tuvo que conformarse con ser top 20. Like a Prayer es un disco muy ecléctico y más experimental que los álbumes precedentes de Madonna, y para dar muestra de la variedad musical presente en el disco, lanzó como siguientes singles Dear Jessie, un extraño tema de estilo pop psicodélico en el que Madonna conecta con su niña interior, y Keep It Together, de estilo funk y uno de los temas más up-tempo y marchosos del álbum. Keep It Together es una de las dos canciones producidas por Stephen Bray del álbum, trata de la relación de Madonna con familia y pese a ser lanzado como sexto single y apenas contar con promoción ni videoclip su respuesta comercial fue bastante positiva, logrando el top 10 en Estados Unidos y Canadá. Entre las canciones que no fueron singles pero merecen la pena ser mencionadas se encuentran “Pray for Spanish Eyes”, una bonita balada con inspiración latina, el marchoso “Till Death Do Us Apart”, donde Madonna habla sobre el final de su matrimonio con Sean Penn y su turbulenta relación, o “Promise To Try”, una profunda balada que relata cómo se sintió la cantante tras la muerte de su madre.

A pesar de no resultar tan exitoso como Like a Virgin o True Blue (los cuales superaron los 20 y 25 millones de copias respectivamente), Like a Prayer también gozó de una gran acogida en todo el mundo, debutó en el #1 de las principales listas de venta, como Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Alemania o España, y acabo vendiendo 15 millones de copias. En tierras americanas fue certificado 4 veces platino por ventas superiores a los 4 millones de ejemplares y en Gran Bretaña vendió más de un millón de copias, aunque resultan cifras claramente inferiores a las de True Blue, el mayor éxito de Madonna. Aunque Like a Prayer no se encuentra entre mis discos favoritos de Madonna (pienso que True Blue es un trabajo más cohesivo y sólido), es innegable el tremendo impacto que tuvo este álbum en la historia del pop y en la discografía inicial de Madonna, ya que supuso un punto de inflexión en su carrera y marcaba el primer disco de la Ambición Rubia en la treintena, mostrando una mayor madurez personal y musical, además de experimentar con nuevos sonidos y estilos.

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Crítica de “Dancing Shadows” de Mario

1200x1200bbEl cantante americano de R&B Mario publicó en 2009 su último disco de estudio, el cual entró en el top 10 de la lista de álbumes de Estados Unidos, recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales y contó con el single Break Up, que se convirtió en uno de los temas más exitosos de toda su carrera musical. En octubre del año pasado, tras casi una década sin publicar disco, vio la luz Dancing Shadows, su quinto álbum de estudio. Durante este gran lapso de tiempo, Mario ha seguido creando nuevas canciones, pero dos de los álbumes que grabó fueron desechados. En 2013, Mario lanzó el single “Somebody Else” junto a Nicki Minaj, pero pese a lo prometedora que resultaba esta colaboración, el tema tuvo un mínimo impacto entre el público y no logró entrar en la lista americana. Dancing Shadows fue publicado de manera independiente bajo su propio sello discográfico, y debido a la escasa promoción no logró debutar dentro de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer disco de Mario que no consigue entrar en la lista Billboard y su primer fracaso comercial. El single presentación del álbum fue la balada R&B Drowning, en la que Mario muestra su lado más romántico y sensual, narrando una relación complicada que se desvanece. En este tema el cantante nos deleita con su maravillosa voz y su particular falsetto, que resulta my similar al de Usher. El segundo single fue el tema que da título al álbum, Dancing Shadows, que se trataba de un tema down-tempo influenciado por el R&B alternativo. A pesar de la gran calidad de los singles lanzados, estos no consiguieron entrar en la lista americana. Para intentar levantar las bajas ventas del álbum y mantener activo Dancing Shadows, el cantante de Baltimore ha lanzado este mismo mes el tercer single, Care For You, una balada R&B/Soul acompañada de un bonito videoclip. La mayoría de temas presentes en Dancing Shadows son baladas y medios tiempos, y aunque el estilo R&B domina el álbum, hay influencia del R&B alternativo, el Soul y el Hip-Hop.

Aunque hoy en día Mario Barrett no tiene la fama y popularidad que poseía en sus inicios, y tras su tercer disco de estudio inició una espiral descendiente en su éxito comercial, está bien recordar que durante la pasada década fue uno de los cantantes más prometedores e importantes dentro del R&B/pop americano, siendo considerado el nuevo Usher. El año 2004 cambió la vida de Mario, ya que lanzó Let Me Love You como single presentación de su segundo álbum de estudio Turning Point. Este pegadizo tema R&B compuesto por un entonces desconocido Ne-Yo y producido por Scott Storch obtuvo un tremendo éxito en todo el mundo, consiguiendo el #1 en la lista americana (además de en Alemania y Nueva Zelanda) y ocupando el top 5 en importantes mercados musicales como Reino Unido o Australia. Este tema fue certificado doble platino al vender más de dos millones de copias en Estados Unidos, resultó uno de los más populares de aquel año e hizo que Turning Point consiguiera unas ventas superiores al millón de copias en tierras americanas pese a debutar en la posición #13. Aunque su siguiente álbum, Go, contó con varios singles moderadamente exitosos, este trabajo no logró cubrir las expectativas y obtuvo unas ventas muy bajas con respecto a sus anteriores álbumes.

En definitiva, Dancing Shadows es un buen álbum R&B que muestra la madurez musical y evolución como compositor de Mario, pero después de una pausa tan prolongada, no hay temas especialmente innovadores, llamativos o que enganchen al oyente. Dancing Shadows es el ejemplo perfecto de la poca viabilidad comercial que tiene el género R&B para el público masivo en nuestros días, pero aún así merece la pena dar una oportunidad a este álbum para volver a escuchar la bonita voz de Mario. Puntuación: 6/10.

 

The Best of Pop: “Believe” de Cher

cher_-_believeEn 1998 se publicó uno de los mejores álbumes de la historia del pop y que supuso uno de los regresos más importantes e inesperados de todos los tiempos en el mundo de la música. Me estoy refiriendo a la legendaria cantante Cher, que resurgió de sus cenizas para ofrecernos Believe, para muchos el mejor álbum de toda su carrera y con el que logró aumentar su base de fans con millones de nuevos seguidores gracias a las magníficas canciones presentes en este trabajo. Believe es el álbum de estudio nº22 de Cher y tomó el relevo a It’s a Man’s World, publicado en 1995 y que fue recibido de manera muy tibia en tierras americanas, aunque en Europa obtuvo una mejor acogida. Believe destacó desde un primer momento por la divergencia en cuanto a sonido con respecto al catálogo musical anterior de Cher, ya que se distanciaba de su habitual estilo pop-rock para adentrarse en el territorio Dance y ofrecer un sonido más moderno, bailable y comercial. La veterana artista se unió al compositor y productor musical Mark Taylor para dar forma a un álbum muy breve (sólo contenía 10 canciones) pero donde no sobraba ninguna ya que era un trabajo muy sólido y consistente. Aunque Mark Taylor se encargó junto a Paul Barry de la mayoría de los temas del álbum, incluyendo los 4 singles, también participaron en este proyecto la gran compositora Diane Warren o Todd Terry, quien produjo 3 canciones. Believe recibió críticas principalmente positivas de los expertos musicales por su moderno y arriesgado sonido, pero también surgieron voces que lo tachaban de ser un álbum anodino y carente de personalidad. Gracias al single de idéntico título del que más tarde hablaré, el álbum obtuvo una excelente acogida en todo el mundo, disparando la popularidad de Cher tras unos años comercialmente infructuosos y elevándola de nuevo al olimpo de las divas del Pop. Believe fue #4 en Estados Unidos, la mejor posición de Cher en la lista Billboard, fue certificado 4 veces platino y vendió más de 3’5 millones de copias en tierras americanas, convirtiéndose en el álbum más exitoso de toda su carrera. El álbum fue #1 en Canadá, Alemania (donde Believe fue tremendamente exitoso y vendió más de un millón de copias) y varios países europeos. En total, el álbum superó los 10 millones de ejemplares en todo el mundo y fue uno de los discos más vendidos de 1998 y 1999. Believe recibió tres nominaciones a los premios Grammy a mejor álbum Pop, mejor grabación del año y mejor grabación Dance, ganando en esta última categoría.

El single presentación del álbum fue el single del mismo título, el cual pasará a la historia de la música como la canción con la que Cher protagonizó uno de los regresos espectaculares y se convirtió en la reina de las pistas de baile. Believe se trataba de un marchoso y bailable tema dance-pop que destacó por el uso del Auto-Tune en la voz de Cher, y tan famoso resultó este fenómeno de corrección de la voz que fue denominado desde ese momento el “efecto Cher”. La letra de Believe trataba el tema del auto-empoderamiento y salir adelante tras el fin de una relación dolorosa. Considerado por muchos como una obra maestra, Believe sentó un precedente en el mundo de la música ya que la influencia Dance fue incorporada desde ese momento a muchos temas pop, creando un subgénero muy popular (el dance-pop) que adoptarían numerosos artistas posteriormente. En un año extraordinario para el pop (ya que se lanzaron hits de la talla de …Baby One More Time de Britney Spears o Genie in a Bottle de Christina Aguilera) Believe consiguió un éxito sin precedentes en las listas de venta de todo el mundo. Fue #1 en prácticamente todos los países donde fue lanzado, logró vender más de 10 millones de ejemplares (cuando sólo existían CD singles en formato físico) y ha pasado a la historia de la música como una de las canciones más exitosas de todos los tiempos. Believe destacó por su excelente rendimiento comercial en Reino Unido, donde fue #1 durante 7 semanas y vendió más de 2 millones de ejemplares, o en Estados Unidos, donde lideró la lista de ventas durante 4 semanas, fue certificado platino y convirtió a Cher en la artista más veterana en conseguir un #1 en la lista americana.

Suele ocurrir que tras un single que logra un éxito tan desmesurado, el siguiente sencillo se queda a la sombra de éste y la respuesta comercial y el interés por parte del público disminuye en gran medida, sin embargo en esta ocasión Cher tenía guardado un as bajo la manga y nos ofreció uno de los temas más potentes del álbum como segundo single. Me refiero a Strong Enough, un magnífico tema dance-pop con gran influencia Disco que recibió grandes criticas por parte de los expertos musicales por la excelente ejecución vocal de Cher y su poderoso mensaje sobre reponerse de las adversidades convirtiéndose en un himno sobre el auto-empoderamiento. La respuesta comercial obviamente no logró igualar la de Believe, pero aún así resultó uno de los singles más importantes de 1999. Strong Enough fue un gran éxito en Europa y logró el top 5 en las listas de ventas de Reino Unido, Francia, Alemania y España, sin embargo en el resto del mundo su recibimiento fue más moderado, ocupando el top 20 en Canadá y Australia, y en Estados Unidos apenas fue top 60, sin embargo en el componente Dance de Billboard fue #1 al igual que su predecesor. Los siguientes sencillos del álbum no lograron tanta repercusión como los dos primeros. Como tercer single internacional se eligió All or Nothing, otro tema dance-pop/House producido de carácter bailable como los que abundaban en el álbum. Este sencillo contó con escasa promoción por parte de Cher, la cual estaba inmersa en el “Do You Believe? Tour” y por ello obtuvo un recibimiento moderado en las listas de venta, consiguiendo una de sus mejores posiciones en Reino Unido, donde fue #12, además de convertirse en el tercer single #1 del álbum en el componente Dance de la lista Billboard. Como cuarto y último single del disco se extrajo uno de sus temas más llamativos y originales, Dov’è L’amore, el único medio tiempo que podemos encontrar en Believe, el cual estaba muy influenciado por el sonido Latin-pop, destacaba por su gran uso de la guitarra española y donde Cher cantaba varias frases en italiano. Los remixes Dance de este tema resultaron muy populares, destacando el de Emilio Estefan Jr, el cual fue utilizado como single promocional en el disco recopilatorio que Cher publicó a finales de 1999 tras el éxito del álbum Believe.

Dentro de los 10 temas que componen Believe, y aparte de los 4 excelentes singles lanzados, merece la pena destacar “Runaway”, uno de los temas House/Dance más potentes y dirigidos a las pistas de baile, “The Power”, una de las dos versiones que podemos encontrar dentro del álbum, o el pegadizo y noventero tema House “Taxi Taxi”. En definitiva, Believe es uno de los álbumes más importantes dentro de la historia de la música, no sólo por el extraordinario éxito comercial que cosechó sino por su enorme impacto cultural, ya que influyó a una generación entera de personas, destacando su importancia sobre el colectivo Gay, para el que Cher se convirtió en una de sus divas indiscutibles. Además, gracias a Believe, Cher protagonizó uno de los regresos más destacados de todos los tiempos. Este álbum marcó un punto de inflexión en la trayectoria musical de Cher (al igual que Ray of Light para Madonna), ya que recuperó la popularidad perdida años atrás, afianzó su título de “Goddess of Pop” y supuso el inicio de una nueva etapa en la carrera de Cher, puesto que sus siguientes álbumes, sobretodo Living Proof, continuaron por la senda del sonido Dance iniciado con Believe. En mi opinión, los últimos años de la década de los 90 y principios del 2000 fueron los mejores años para la música, ya que durante este año se lanzaron varios de mis temas favoritos, entre ellos Believe y Strong Enough de Cher, dos joyas pop que nunca pasarán de moda.

Crítica de “While We Wait” de Kehlani

kehlani-while-we-wait-reivew-1551908135-640x628El título del nuevo trabajo discográfico de Kehlani refleja a la perfección el propósito e intención del mismo, ya que con su tercera mixtape nos pretende ofrecer un aperitivo musical antes de que vea la luz su segundo disco de estudio, aunque también es una clara referencia al hecho de que está embarazada de su primera hija. En enero de 2017, Kehlani publicó su álbum debut tras dos mixtapes que recibieron buenas críticas de los expertos musicales. Sweet Sexy Savage era un álbum muy personal que relataba todas las experiencias y emociones por las que había pasado la cantante, y musicalmente estaba encuadrado dentro del R&B, con influencias Hip-Hop y del R&B alternativo. Dos años después, Kehlani ha regresado al panorama musical con su tercera mixtape, titulada While We Wait y que está formada por 9 temas que siguen la estela musical de su anterior álbum. While We Wait ha debutado en el #9 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el segundo trabajo de la cantante californiana en ocupar el top 10, tras “Sweet Sexy Savage”, el cual logró el #3 a principios del 2017 y acabó siendo certificado oro en Estados Unidos por ventas superiores al medio millón de copias. El single presentación de esta mixtape ha sido Night Like This, un magnífico medio tiempo R&B producido por Sir Nolan y que cuenta con la participación del rapero Ty Dolla Sign, cuya presencia está siendo muy solicitada últimamente. Aunque ha obtenido un desempeño moderado en la lista americana de singles (apenas ha ocupado el top 70), Night Like This es uno de los mejores temas R&B que he escuchado estos últimos meses. La promoción de este trabajo ha sido muy escasa debido al avanzado estado de embarazo de Kehlani, sin embargo ha grabado los videoclips promocionales de Night Like This y otros dos temas, Nunya y Butterfly. Entre las canciones más destacadas de While We Wait se encuentran “Morning Glory”, en la que Kehlani además de demostrar que es una gran vocalista también puede ofrecernos su faceta como rapera, “Nunya”, un pegadizo tema producido por Hit-Boy, con la colaboración del rapero Dom Kennedy y en el que declara que su vida no es asunto de nadie, “Love Language”, el tema más marchoso dentro de una mixtape en la que dominan los medios tiempos, o “Butterfly”, una balada de R&B alternativo que nos muestra el lado más vulnerable de la cantante. 

Desde su salto a la fama, la vida personal de Kehlani ha sido objeto de polémica ya que la joven cantante se declara pansexual (no se define como bisexual ni heterosexual ni lesbiana) y recientemente ha comentado que ha sufrido depresión prenatal y le está resultando muy duro el embarazo. En definitiva, While We Wait es un trabajo muy cohesivo y consistente, y aunque no se aprecia demasiada evolución con respecto a su anterior álbum, podemos considerarlo uno de los mejores trabajos dentro del género R&B de lo que llevamos de año, ya que destaca por las habilidades de Kehlani como compositora, su talento como vocalista y su influencia del R&B de los años 90. A pesar de ser catalogado como mixtape y contener apenas 9 temas, gracias a su gran calidad perfectamente podríamos considerarlo como un álbum convencional, y más teniendo en cuenta que la tendencia actual en el mundo de la música es lanzar álbumes con apenas 10 temas, por lo que como anticipo de su próximo disco de estudio de Kehlani, While We Wait cumple a la perfección. Puntuación: 7/10.

Crítica de “The Love Train” de Meghan Trainor

screen-0Durante el año 2018, la cantante americana Meghan Trainor participó como jurado en las dos primeras ediciones del concurso musical de búsqueda de talentos “The Four” junto a Sean “Diddy” Combs y DJ Khaled, sin embargo pasó gran parte de su tiempo componiendo y grabando canciones para su tercer álbum de estudio. En el mes de marzo, Meghan Trainor lanzó “No Excuses”, el single anticipo de su nuevo trabajo discográfico, llamado Treat Myself. Este tema, pese a resultar muy bailable y pegadizo y destacar por su mensaje de auto-empoderamiento y contra el sexismo, obtuvo una recepción muy moderada por parte del público y apenas ocupó el top 50 en la lista americana, muy lejos del éxito que obtuvieron sus anteriores temas. Tras este single, la cantante siguió presentándonos temas pertenecientes a Treat Myself como “Let You Be Right” o “Can’t Dance”, sin embargo ninguno de ellos obtuvo una buena respuesta comercial y ni siquiera lograron entrar en la lista Billboard, lo que provocó que el lanzamiento del álbum, originalmente planeado para el mes de agosto, fuera cancelado. Ignorando el pobre desempeño comercial de los singles, Meghan Trainor declaró que se sentía muy creativa y no paraba de componer y grabar nuevas canciones, de ahí que la publicación de Treat Myself haya sido pospuesta.

El 22 de diciembre (el día de su cumpleaños) la cantante de Massachusetts se casó con el actor Daryl Sabara, con quien se había comprometido exactamente un año atrás. Este hecho llevó a Meghan a crear nuevas canciones inspiradas en el amor y su reciente matrimonio, y el día 8 de febrero lanzó un EP compuesto por 6 canciones llamado The Love Train como anticipo de su nuevo álbum y también como aperitivo del día de San Valentín, debido a la naturaleza romántica de este trabajo. The Love Train ha sido compuesto por una Meghan muy enamorada y que está atravesando uno de sus mejores momentos personales, y producido enteramente por Andrew Wells. El single presentación del EP ha sido All The Ways, un marchoso tema pop que comienza con melodía de guitarra y fue desvelado meses atrás como sencillo promocional de su fallido álbum Treat Myself. El estilo de All The Ways sigue los pasos de No Excuses, que a su vez se distanciaba del sonido urbano de su anterior disco Thank You para acercarse más a su debut Title. Esta canción habla del momento en que Meghan preguntó a su por entonces prometido cuánto le quería, a lo que Daryl le respondió “te quiero de todas las maneras posibles”, de ahí el título de la canción. Entre las canciones que destacan del EP se encuentran “Marry Me”, una bonita balada con ukelele (uno de los instrumentos que toca Meghan) que hace referencia al día en que Daryl se le declaró, “I’m Down”, uno de los temas más up-tempo y repleto de frases románticas del tipo “si estás listo para ello, soy toda tuya”, “After Love”, la gran balada romántica del álbum, en la que Meghan ruega a su marido que se quede con ella para siempre, o “Good Mornin'”, que cuenta con la participación de su padre tocando el órgano. En definitiva este álbum no es apto para aquellos que hayan pasado por un desengaño amoroso recientemente o no quieran saber nada del amor en estos momentos, ya que pueden acabar hartos de la felicidad y el romanticismo que derrocha Meghan Trainor en The Love Train. En resumen, mientras seguimos esperando con paciencia Treat Myself, podemos desquitarnos en parte con las canciones presentes en The Love Train, sin embargo no encontraremos hits de la talla de “No” o “Me Too” ni ningún tema novedoso u original. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de “Thank U, Next” de Ariana Grande

ariana-grande-thank-u-next-album-coverEn ausencia de grandes competidoras dentro del panorama musical actual, Ariana Grande está jugando muy bien sus cartas y exprimiendo al máximo su carrera musical, ya que está reviviendo aquellos tiempos en los que Rihanna lanzaba un álbum cada año. Tan sólo 7 meses después de publicar Sweetener, su cuarto álbum de estudio, la cantante de Florida nos ha presentado su nuevo trabajo discográfico, Thank U, Next, de idéntico título que el single presentación. Aunque lleva varios años siendo una de las figuras femeninas más destacadas del pop/R&B actual, Ariana Grande está viviendo durante estos últimos meses su mejor momento profesional, ya que tras el tremendo éxito del single Thank U, Next (uno de los temas clave de su trayectoria), acaba de lanzar nuevo sencillo que ya ha hecho historia y se convertirá en otro de los más memorables dentro de su carrera profesional. Me estoy refiriendo a 7 Rings, el segundo single del álbum y que también ha debutado en lo más alto de la lista americana de singles, convirtiendo a Ariana en la segunda artista femenina en lograr que dos temas de un mismo álbum debuten en lo más alto de la lista Billboard (tras Mariah Carey en 1994), aunque cabe destacar que Britney Spears ya consiguió que dos de sus singles fueran #1 directo en Estados Unidos, aunque pertenecían a diferentes discos. No es casualidad que Ariana Grande esté repitiendo las hazañas que lograron estas dos grandes leyendas de la música, puesto que la joven cantante creció escuchando a Mariah Carey, una de sus cantantes favoritas y de la que se ha influenciado en gran medida (sobretodo en su primer trabajo), y también podemos observar un gran paralelismo con la carrera de la Princesa del Pop, en la que también se ha inspirado. Con 4 álbumes #1 a sus espaldas, 10 temas top 10 y dos singles #1 consecutivos, podemos afirmar que Ariana está ocupando en la actualidad el lugar que tuvo Mariah en los 90 y Britney en la década del 2000, es decir, una de las reinas indiscutibles del género Pop. 

Ariana Grande empezó en octubre a trabajar en su quinto álbum de estudio, apenas unos meses después del lanzamiento del Sweetener y cuando el tercer single, Breathin, acababa de ser lanzado. Algunas voces afirmaron que Ariana no estaba del todo satisfecha con el resultado final de su anterior álbum, por ello comenzó con tal celeridad la composición y grabación de su nuevo trabajo. Max Martin e Ilya, responsables de los tres exitosos singles de Sweetener y de varios hits a lo largo de su carrera, han vuelto a trabajar con Ariana para este trabajo, además de Pop Wansel o Tommy Brown, quien ha producido tanto “Thank U, Next” como “7 Rings”. La cantante y compositora Victoria Monét (y una de las mejores amigas de Ariana) ha participado en la composición de 6 de los temas del álbum. Afortunadamente Pharrell Williams no se ha involucrado en este proyecto, ya que como comenté en la crítica de Sweetener, el único fallo que observaba en dicho álbum era la enorme presencia del líder de The Neptunes en la producción del disco. Muchas expectativas estaban puestas en este álbum teniendo en cuenta el éxito obtenido y la gran calidad de los dos singles adelanto: Thank U, Next se trataba de un marchoso tema pop/R&B de auto-empoderamiento en el que Ariana comentaba porqué sus anteriores relaciones amorosas han resultado fallidas e incluso daba los nombres de sus ex-parejas, mientras que 7 Rings es un medio tiempo R&B muy influenciado por el sonido Trap en el que la cantante canta y rapea acerca de todo lo que el dinero puede conseguir, y destaca por samplear el famoso tema “My Favorite Things” de la película Sonrisas y Lágrimas. Si pensábamos que Ariana había tocado la cima del éxito con “Thank U, Next” al lograr las mayores cifras de streaming de una artista femenina en una sola semana y conseguir el #1 en más de 10 países, en menos de un mes 7 Rings va camino de superar estas cifras, ya que la cantante ha batido su propio récord en descargas digitales y streaming, ha obtenido el #1 en Estados Unidos, Reino Unido, Canadá y Australia entre otros, y su videoclip ya ha superado los 150 millones de visitas en YouTube. Siguiendo con la gran celeridad que ha caracterizado esta nueva era de Ariana, el mismo día del lanzamiento del disco se ha lanzado el tercer single (apenas un mes después de 7 Rings), que destaca por su largo y curioso título Break Up With Your Girlfriend, I’m Bored. Se trata de un tema R&B con influencia Trap producido por Max Martin e Ilya y que samplea la canción “It Make Me Ill” de N’Sync, cuyos responsables son Kevin Briggs (She’kspere) y Kandi, de ahí que aparezcan en los créditos del tema. Si era complicado superar la gran calidad de los anteriores singles, lo cierto es que es uno de los mejores del álbum (concretamente mi favorita) y promete repetir el éxito de ambos. El videoclip de “Break Up With Your Girlfriend” muestra un triángulo amoroso entre Ariana y una pareja dentro de un club, para más tarde encontrarse en una fiesta que tiene lugar en una lujosa mansión en las colinas de Hollywood. Este videoclip ya ha superado los 50 millones de reproducciones en YouTube en apenas unos días. Resulta curioso que los tres sencillos lanzados hayan sido relegados al final del disco cuando son las tres mejores canciones.

Pese a su escaso lapso de tiempo con respecto a su anterior trabajo, se puede observar una gran evolución musical en la música de Ariana, ya que “Thank U, Next” resulta muy diferente de Sweetener, y mientras que este último estaba encuadrado principalmente dentro del pop y el dance-pop (aunque con varios temas R&B), el nuevo profundiza en el sonido urbano y está prácticamente compuesto por medios tiempos de un R&B muy escorado al Trap. Entre las canciones que más me han llamado la atención se encuentran “Bad Idea”, uno de los temas más up-tempo del álbum y que destaca por el uso prominente de la guitarra eléctrica, el medio tiempo R&B “Bloodline” que contiene una melodía de trompeta muy original, o la balada “Ghostin”, una de las más personales del álbum y en la que habla de su relación con Pete Davidson, con quien rompió su compromiso el pasado mes de octubre. Todos ellos han sido producidos por Max Martin e Ilya. “Thank U, Next” también incluye la bonita balada R&B “Imagine”, en la que Ariana imagina cómo sería su pareja ideal (y podemos intuir que habla de su ex-novio Mac Miller) y que fue lanzada como sencillo promocional durante el mes de diciembre.

Sin duda, “Thank U, Next” supone un avance cualitativo con respecto a Sweetener, ya que se deshace de los aburridos y desfasados temas de Pharrell Williams para aumentar la presencia de Max Martin, que encaja a la perfección con el estilo de Ariana Grande, y da paso a otros productores como Tommy Brown, quien a raíz del éxito de “7 Rings” y “Thank U, Next”, seguro que su presencia va a ser solicitada por numerosos artistas. Este álbum es el más personal de la trayectoria de Ariana Grande, ya que fue concebido tras la muerte de su ex-pareja Mac Miller y su ruptura con Pete Davidson, dos hechos que marcaron a la cantante y le llevaron a componer y grabar nuevas canciones. Aunque podemos apreciar una gran madurez en este trabajo y una evolución musical, Ariana no hace un despliegue vocal tan deslumbrante como en anteriores ocasiones. En definitiva, “Thank, U Next” supera ampliamente a Sweetener y se pone a la altura de My Everything, el mejor álbum de Ariana en mi opinión. El único punto en contra es quizás la portada del disco, que no es precisamente muy agraciada y vuelve a mostrar a Ariana boca abajo, al igual que en el artwork de Sweetener. Puntuación: 8/10.

The Best of Pop: “Gourmandises” de Alizée

alizee_gourmandises-singleTras participar en un concurso de búsqueda de talentos con tan sólo 15 años, Alizée fue descubierta por la veterana cantante francesa Mylène Farmer, quien se convirtió en su mentora y le dio una oportunidad para debutar en el mundo de la música. En el año 2000, la joven cantante publicó su primer álbum de estudio, Gourmandises (golosinas en francés), el cual fue compuesto y producido por Myléne Farmer junto a su habitual colaborador Laurent Boutonnat, quien se encargó de la música y del aspecto visual de la carrera de Alizée. Originaria de la isla de Córcega, la adolescente irrumpió en el mundo de la música con el tema Moi… Lolita, que pronto se convertió en un éxito en toda Europa. Durante sus primeros años en el mundo de la música, las apariciones y la imagen de Alizée estuvieron perfectamente calculadas por parte de su mentora Mylène Farmer, y la cantante mostró una imagen de adolescente modosita y recatada pero con un toque coqueto y sexy que representaba a la perfección la idea de “Lolita” que aborda la canción. “Moi… Lolita” era un marchoso tema encuadrado en el estilo french-pop y dance-pop con gran componente electrónico y que destacaba por su prominente uso de violines. Este single fue #1 en Italia y España, y aunque no consiguió llegar a lo más alto en su Francia natal, se mantuvo en el #2 durante numerosas semanas y en el top 5 durante varios meses. Este single fue certificado oro en Francia por ventas superiores al millón de copias y entró en la lista de las 40 canciones más exitosas de todos los tiempos en dicho país. Tras este impresionante debut, Alizée lanzó como segundo single L’Alizé, haciendo un juego de palabras entre el nombre de la cantante y los vientos alisios. Es notorio mencionar que cuando “L’Alize” consiguió el #1 en Francia (casi 5 meses después del lanzamiento de su single debut) “Moi… Lolita” todavía se encontraba en el #3 de la lista francesa, lo que da a entender el nivel de éxito que logró dicho single. Como último single del álbum fue lanzado el magnífico tema Gourmandises, que se trataba de un potente tema dance-pop y electro-pop con gran influencia de la música electrónica de los años 80 y 90, pero en esta ocasión no tuvo impacto en las listas de venta a diferencia de sus singles predecesores.

Arropado por un single debut tan exitoso, Gourmandises consiguió llegar al #1 en la lista de álbumes de Francia y fue certificado doble platino, y aunque en el resto de Europa no tuvo un desempeño tan positivo (teniendo en cuenta que se trataba de un álbum en francés, que no suele ser muy popular fuera de los mercados francófonos) ocupó el top 40 en España, Alemania e Italia. Gourmandises fue aclamado por la crítica debido a la producción del disco y al excelente trabajo de Mylène Farmer y Laurent Boutonnat, y aunque Alizée no era una vocalista excepcional (ya que tiene un registro muy limitado), sus pegadizas canciones y su simpatía y carisma hicieron de ella una de las artistas francesas más importantes de la década pasada. Tras el gran recibimiento que obtuvo Gourmandises, la inocente pero pícara Alizée publicó Mes Courants Électriques, que también resultó un éxito notable, fue #2 en Francia y contó con el hit “J’en ai marre!”. Después de un periodo comercial infructuoso, en 2013 Alizée participó en el famoso concurso de baile “Danse Avec Les Stars”, el cual devolvió la popularidad a la cantante gracias a su victoria en el programa. En la actualidad, Alizée tiene 34 años, está casada por segunda vez con el bailarín con el que participó en el programa de baile y es madre de una niña fruto de su primer matrimonio. Durante su trayectoria musical, la cantante ha publicado 5 álbumes de estudio, el último de ellos Blonde, que vio la luz en 2014 tras su paso por “Danse Avec Les Stars”.

En definitiva, aunque fuera de Francia casi nadie recuerde a Alizée hoy en día, fue una de las cantantes más populares en los primeros años de la década del 2000 gracias al hit “Moi… Lolita”, el cual se ha convertido sin duda en un clásico de la música que no envejece y sigue sonando actual y moderno. Aunque “Moi… Lolita” fue el tema más destacado del álbum (y una de mis canciones favoritas de aquellos años), Gourmandises esconde un puñado de canciones muy interesantes, por ello merece la pena rescatar este álbum del olvido.

The Best of R&B: “Part III” de 112

part_iii112 son un cuarteto masculino de R&B surgido en los años 90 que lograron un gran éxito con sus dos primeros álbumes, los cuales alcanzaron el top 10 en el componente R&B/Hip-Hop de la lista americana Billboard y fueron certificados doble platino en Estados Unidos. Tras participar en varios concursos de búsqueda de talentos, 112 actuaron ante el rapero y productor musical Sean Combs (anteriormente conocido como Puff Daddy y hoy en día Diddy), el cual fichó al prometedor grupo en su discográfica Bad Boy Records. El nombre del grupo proviene de un famoso club de la ciudad de Atlanta, de la cual son originarios los 4 componentes del grupo: Daron, Q, Mike y Slim. En el año 2001, el cuarteto publicó su tercer álbum de estudio, titulado simplemente Part III, el cual continuaba con el habitual sonido R&B de 112, pero resultaba más up-tempo y bailable que los anteriores álbumes y contaba con un mayor componente electrónico. El álbum fue producido ejecutivamente por Puff Daddy y destaca por el hecho de que el componente Daron Jones asumió un mayor papel en la composición y producción del álbum, aunque también participaron grandes nombres de la industria musical como Mario Winans o R. Kelly. El single presentación del álbum fue It’s Over Now, un magnífico tema R&B up-tempo compuesto por los componentes Q y Daron y producido por éste último, y que alcanzó el #6 en lista americana, la mejor posición de 112 en Estados Unidos hasta el momento. Sin duda It’s Over Now es uno de los temas más destacados del álbum, representa a la perfección el estilo R&B característico de principios de la década del 2000 y pasará a la historia de la música como una de las mejores canciones dentro del género R&B. Aunque este tema obtuvo una gran respuesta comercial y resultó uno de los singles más importantes del año 2001 en tierras americanas, el tema más popular del álbum fue el segundo single lanzado. Peaches & Cream era un marchoso tema electro-R&B que mostraba la evolución musical del grupo hacia un sonido más bailable y electrónico. Producido por Puff Daddy y Mario Winans, este single se convirtió en el mayor hit de toda la carrera de 112, ya que superó el éxito de It’s Over Now en la lista americana, donde alcanzó el #4 en Billboard. En el resto del mundo también tuvo un buen desempeño comercial y fue top 40 en la lista de ventas de Australia y Reino Unido. Este tema obtuvo una nominación a los premios Grammy del 2002 a mejor actuación R&B vocal de un dúo/grupo. Como tercer y último single del álbum se lanzó Dance With Me, otro de los temas up-tempo y más bailables que podemos encontrar en Part III. Este single de estilo R&B con influencia dance-pop fue compuesto y producido por el componente del grupo Daron Jones, y resultó un éxito moderado en Estados Unidos, donde ocupó el top 40 en la lista americana, aunque a nivel internacional todavía resultó más exitoso y fue #2 en Australia.

Aunque los singles lanzados mostraban el lado más up-tempo del álbum y su nueva dirección dirección musical, el resto de Part III estaba compuesto principalmente por medios tiempos R&B y varias baladas Soul similares a las de sus anteriores discos. Entre los temas más destacados de Part III se encuentran “Don’t Hate Me”, un interesante medio tiempo R&B que cuenta con la colaboración del rapero Twista (el único artista invitado del álbum), el marchoso tema electro-R&B “All I Want Is You”, o la balada Soul “Do What You Gotta Do”, cuyo responsable era el legendario R. Kelly. Gracias a tres singles muy populares durante el año 2001, Part III consiguió ser certificado platino por ventas superiores al millón de copias en tierras americanas, y aunque no logró superar las ventas de los dos anteriores discos (los cuales alcanzaron los 2 millones), sí ocupó la mejor posición de un álbum de 112 en Estados Unidos, concretamente el puesto #2 en lista americana y el #1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard.

En definitiva, 112 resumen a la perfección el espíritu R&B de los años 90 y principios del 2000, cuando este género pasaba por su mejor momento y las canciones R&B sonaban sin cesar en las radios y ocupaban posiciones muy altas en la lista de ventas de Estados Unidos y también en el resto del mundo. 112 podríamos considerarlos como el equivalente R&B de famosas boy-bands americanas surgidas en los años 90 como Backstreet Boys o N’Sync, y destacaron por su perfecta harmonía vocal, su estilo urbano y su talento como bailarines realizando coreografías. En Estados Unidos, 112 lograron un gran éxito con sus tres primeros álbumes y aunque en el resto del mundo su nivel de popularidad no fue tan alto, sí consiguieron varios singles de éxito en Europa, principalmente en Reino Unido, y en Australia. Por todo lo cual, “Part III” de 112 merece formar parte del repaso a lo mejor del género R&B. 

Crítica de “DNA” de Backstreet Boys

600x600bfNadie puede negar la importancia de Backstreet Boys en el mundo de la música ya que son una de las pocas boy-bands surgidas en los años 90 que siguen en activo en la actualidad, y aunque durante la última década su popularidad se ha visto mermada de manera notoria y su éxito actual no es ni la sombra de lo que fue a finales de los 90 y principios del 2000, no podemos dejar de alabar su presencia en el panorama musical actual. Desde el año 2017, el quinteto de Orlando se encuentra inmerso en su residencia de conciertos “Larger Than Life” en el hotel y casino Planet Hollywood de Las Vegas, casualmente en el mismo escenario donde Britney Spears (otra de las estrellas del pop adolescente que surgió junto a BSB a finales de los 90) dio durante 4 años su espectáculo “Piece of Me”. Tras dos años de residencia, el grupo terminará en el mes de abril su contrato en Las Vegas para iniciar en mayo la gira promocional de su nuevo trabajo. Precisamente, Backstreet Boys son protagonistas este mes de enero por su regreso al mundo de la música con su noveno álbum de estudio, DNA, el primero que publican desde “In a World Like This”, que destacó por el hecho de contar con los 5 componentes originales del grupo, tras la marcha de Kevin Richardson durante unos años. Tal y como han declarado los miembros de BSB, cada uno de ellos ha contribuido al álbum con su propio estilo y sus influencias particulares, para dar forma a un trabajo consistente pero que contiene el ADN de todos los miembros. DNA llama la atención por ser el primer disco del grupo en el que ningún componente ha participado en la composición de los temas que lo conforman desde el álbum debut de BSB, que vio la luz en el año 1996. Entre los compositores que han asumido dicha tarea se encuentran Stuart Crichton, que es el principal responsable de la producción de DNA, o Ian Kirkpatrick.

El single anticipo del álbum fue Don’t Go Breaking My Heart, un marchoso tema electro-pop y dance-pop que captura la esencia de la música de BSB pero adaptado a nuestros días. Aunque no ha obtenido un gran éxito en la lista americana de singles como solían conseguir hace años sus temas, Don’t Go Breaking My Heart ha obtenido un moderado desempeño comercial, ya que ha ocupado el top 70 de la lista Billboard, la mejor posición de un single de BSB en años, lo cual es digno de admirar para un grupo nacido en la década de los 90. Sin duda un gran single de regreso, y que ha logrado conseguir una nominación a los premios Grammy a mejor actuación Pop de un dúo/grupo. A finales del año pasado fue lanzado otro single, Chances, que empieza como una bonita balada pop-rock para convertirse en un bailable tema dance-pop. Como en la mayoría de las canciones de BSB, las voces principales son de Brian, Nick y AJ, sin embargo en este tema Howie y Kevin también tienen un pequeña participación. Ya en 2019, previo a la publicación de DNA se ha lanzado otro sencillo promocional llamado No Place, un emotivo medio tiempo con influencia Country en el que BSB declaran que allá donde estén sus parejas y sus seres queridos, ahí estará su hogar. El videoclip de este tema es muy tierno y muestra a los 5 componentes del grupo en escenas cotidianas junto a sus esposas e hijos. La elección de los singles ha sido muy acertada ya que son las mejores canciones del álbum, aunque también merece la pena rescatar el medio tiempo synth-pop “Nobody Else” o la bonita balada “The Way I Was”. DNA destaca por ser menos up-tempo que los álbumes precedentes del grupo, y está compuesto principalmente por temas mid-tempo de estilo electro-pop y pop-rock.

En resumen, aunque DNA no pasará a a historia por ser el mejor trabajo del grupo, sí es un buen álbum pop, cohesivo y consistente, con el que demuestran su madurez musical (todos sus componentes rondan los 40 años) pero se mantienen vigentes en una industria que es muy diferente de cuando aparecieron. Backstreet Boys son unos auténticos supervivientes dentro del mundo de la música, ya que con una trayectoria de más de 20 años a sus espaldas, todavía se mantienen en activo y publicando álbumes regularmente, y pueden presumir de haber cosechado no sólo un gran éxito comercial, sino de tener una carrera muy sólida y coherente. Sin duda, BSB fueron una parte importante del fenómeno fan que se vivió a finales de los 90, cuando la industria musical pasaba por sus mejores momentos, y el quinteto americano fue uno de protagonistas indiscutibles de la época dorada del Pop de finales de los 90 y principios del 2000. Puntuación: 7/10.

Crítica de “Girl Code” de City Girls

city-girls-girl-codeComo ya comenté en la reseña sobre Period de City Girls, la entrada en prisión de una de las dos componentes, JT, llegó cuando el dúo atravesaba su mejor momento profesional, ya que la popularidad de las chicas estaba subiendo como la espuma y su mixtape apenas llevaba a la venta unos meses. Con Period, City Girls pasaron de ser un dúo conocido en el circuito de Hip-Hop de Miami, a empezar a ser conocidas en todo Estados Unidos, ya que tanto las reproducciones de sus temas en las plataformas musicales como las visitas de sus videoclip en YouTube estaban consiguiendo unas cifras muy positivas, que auguraban un buen futuro para estas dos jóvenes raperas. El encarcelamiento de JT no causó un abrupto cese en la promoción de la mixtape y sus nuevas canciones, ya que en un movimiento muy astuto por parte de su discográfica, City Girls grabaron numerosos videoclips para continuar con la promoción de Period pese a que una de las dos componentes no estaría presente. JT y Yung Miami no sólo rodaron los videoclips de Period, sino que también entraron en el estudio de grabación para dar forma a nuevos temas. En el mes de noviembre, apenas 6 meses después del lanzamiento de Period, City Girls publicaron su siguiente trabajo, titulado Girl Code, que se puede considerar como su primer álbum de estudio. El desempeño de Girl Code fue moderado en la lista americana de álbumes, sin embargo su entrada al #63 puede considerarse un dato muy positivo para un dúo relativamente desconocido para el gran público.

Gran parte del buen recibimiento obtenido por Girl Code ha sido gracias al tema Twerk, que fue lanzado como single en forma de remix con la colaboración de Cardi B, cuya presencia ha dado un gran impulso a la popularidad del tema ya que todo lo que toca la rapera neoyorquina se convierte en oro. Twerk es un marchoso y bailable tema Hip-Hop con gran influencia Bounce que se caracteriza por su sonido más up-tempo y resulta un auténtico himno para el twerking, ese baile y movimiento del culo que tan famoso se ha puesto los últimos años en el género Hip-Hop y en el reggaeton. El remix de Twerk junto a Cardi B ha conseguido entrar en la lista americana de singles, la primera entrada para City Girls, y gracias al éxito del sensual videoclip y la presencia de Cardi en el tema, seguro que subirá en la lista Billboard en las próximas semanas. Merece la pena mencionar que el videoclip ya acumula millones de visitas debido al enorme despliegue de culos moviéndose al ritmo de la canción, además de lo llamativo que resulta ver a Yung Miami y Cardi desnudas y con todo su cuerpo pintado imitando la piel de una cebra y un león, bailando y haciendo twerking en las playas de Miami.

Debido a que apenas han pasado unos meses de su primera mixtape, no se observa evolución en la música de City Girls, por lo que las comparaciones de Girl Code con Period son obvias y ambos trabajos resultan muy similares tanto en temática como en estilo musical. El tema del sexo y el dinero sigue estando presente en este álbum, pero las letras referentes al poder de las mujeres y su control sobre los hombres destacan por encima de todo. Yung Miami y JT demuestran su lealtad y hermandad pese a las adversidades y la separación que están viviendo, y ya en la intro del álbum, llamada “#Free JT”, hacen toda una declaración de intenciones y demuestran su apoyo y el deseo que JT salga lo más pronto de la cárcel. Entre los temas más destacados se encuentran Season, el sencillo promocional que nos presentaron City Girls antes del lanzamiento del álbum y que se trata de un marchoso y pegadizo tema Hip Hop con cierta influencia latina que cuenta con la colaboración del rapero Lil Baby, “Broke Boy”, en el que las chicas advierten que no les interesan los hombres sin dinero ni trabajo, “On The Low”, un medio tiempo Southern Hip-Hop que nos recuerda que la rapera Trina ha sido una gran inspiración para ellas, o “Panties and Bra”, uno de los pocos temas del álbum en donde City Girls dejan a un lado el recurrente tema del sexo y relatan una cita romántica. 

En resumen, Girl Code tiene un mensaje claro y es que el dinero es poder, el placer no es negociable y ser una mujer fuerte es clave para la supervivencia. Mientras que Period resultaba un trabajo más improvisado y espontáneo debido a su naturaleza de mixtape, y contenía un buen conjunto de canciones (sobretodo los singles) a pesar de contener muchos temas de relleno, en este trabajo City Girls reducen al mínimo el relleno y nos ofrecen un buen puñado de canciones encuadradas en el Southern Hip-Hop, en las que mejoran sus habilidades como raperas y compositoras. Lo que no cambia es la actitud de las chicas, que siguen siendo directas, honestas y sin filtro, lo que les hace muy auténticas, aunque el mensaje que transmitan no sea demasiado profundo. Sin duda, el futuro de City Girls es muy prometedor, aún cuando el dúo ahora tiene que sobrevivir con sólo una de las componentes, Yung Miami, la cual se ha ganado al público por su carisma y simpatía. Puntuación: 7’5/10.