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The Best of R&B: “Part III” de 112

part_iii112 son un cuarteto masculino de R&B surgido en los años 90 que lograron un gran éxito con sus dos primeros álbumes, los cuales alcanzaron el top 10 en el componente R&B/Hip-Hop de la lista americana Billboard y fueron certificados doble platino en Estados Unidos. Tras participar en varios concursos de búsqueda de talentos, 112 actuaron ante el rapero y productor musical Sean Combs (anteriormente conocido como Puff Daddy y hoy en día Diddy), el cual fichó al prometedor grupo en su discográfica Bad Boy Records. El nombre del grupo proviene de un famoso club de la ciudad de Atlanta, de la cual son originarios los 4 componentes del grupo: Daron, Q, Mike y Slim. En el año 2001, el cuarteto publicó su tercer álbum de estudio, titulado simplemente Part III, el cual continuaba con el habitual sonido R&B de 112, pero resultaba más up-tempo y bailable que los anteriores álbumes y contaba con un mayor componente electrónico. El álbum fue producido ejecutivamente por Puff Daddy y destaca por el hecho de que el componente Daron Jones asumió un mayor papel en la composición y producción del álbum, aunque también participaron grandes nombres de la industria musical como Mario Winans o R. Kelly. El single presentación del álbum fue It’s Over Now, un magnífico tema R&B up-tempo compuesto por los componentes Q y Daron y producido por éste último, y que alcanzó el #6 en lista americana, la mejor posición de 112 en Estados Unidos hasta el momento. Sin duda It’s Over Now es uno de los temas más destacados del álbum, representa a la perfección el estilo R&B característico de principios de la década del 2000 y pasará a la historia de la música como una de las mejores canciones dentro del género R&B. Aunque este tema obtuvo una gran respuesta comercial y resultó uno de los singles más importantes del año 2001 en tierras americanas, el tema más popular del álbum fue el segundo single lanzado. Peaches & Cream era un marchoso tema electro-R&B que mostraba la evolución musical del grupo hacia un sonido más bailable y electrónico. Producido por Puff Daddy y Mario Winans, este single se convirtió en el mayor hit de toda la carrera de 112, ya que superó el éxito de It’s Over Now en la lista americana, donde alcanzó el #4 en Billboard. En el resto del mundo también tuvo un buen desempeño comercial y fue top 40 en la lista de ventas de Australia y Reino Unido. Este tema obtuvo una nominación a los premios Grammy del 2002 a mejor actuación R&B vocal de un dúo/grupo. Como tercer y último single del álbum se lanzó Dance With Me, otro de los temas up-tempo y más bailables que podemos encontrar en Part III. Este single de estilo R&B con influencia dance-pop fue compuesto y producido por el componente del grupo Daron Jones, y resultó un éxito moderado en Estados Unidos, donde ocupó el top 40 en la lista americana, aunque a nivel internacional todavía resultó más exitoso y fue #2 en Australia.

Aunque los singles lanzados mostraban el lado más up-tempo del álbum y su nueva dirección dirección musical, el resto de Part III estaba compuesto principalmente por medios tiempos R&B y varias baladas Soul similares a las de sus anteriores discos. Entre los temas más destacados de Part III se encuentran “Don’t Hate Me”, un interesante medio tiempo R&B que cuenta con la colaboración del rapero Twista (el único artista invitado del álbum), el marchoso tema electro-R&B “All I Want Is You”, o la balada Soul “Do What You Gotta Do”, cuyo responsable era el legendario R. Kelly. Gracias a tres singles muy populares durante el año 2001, Part III consiguió ser certificado platino por ventas superiores al millón de copias en tierras americanas, y aunque no logró superar las ventas de los dos anteriores discos (los cuales alcanzaron los 2 millones), sí ocupó la mejor posición de un álbum de 112 en Estados Unidos, concretamente el puesto #2 en lista americana y el #1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard.

En definitiva, 112 resumen a la perfección el espíritu R&B de los años 90 y principios del 2000, cuando este género pasaba por su mejor momento y las canciones R&B sonaban sin cesar en las radios y ocupaban posiciones muy altas en la lista de ventas de Estados Unidos y también en el resto del mundo. 112 podríamos considerarlos como el equivalente R&B de famosas boy-bands americanas surgidas en los años 90 como Backstreet Boys o N’Sync, y destacaron por su perfecta harmonía vocal, su estilo urbano y su talento como bailarines realizando coreografías. En Estados Unidos, 112 lograron un gran éxito con sus tres primeros álbumes y aunque en el resto del mundo su nivel de popularidad no fue tan alto, sí consiguieron varios singles de éxito en Europa, principalmente en Reino Unido, y en Australia. Por todo lo cual, “Part III” de 112 merece formar parte del repaso a lo mejor del género R&B. Part III – Amazon

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Crítica de “DNA” de Backstreet Boys

600x600bfNadie puede negar la importancia de Backstreet Boys en el mundo de la música ya que son una de las pocas boy-bands surgidas en los años 90 que siguen en activo en la actualidad, y aunque durante la última década su popularidad se ha visto mermada de manera notoria y su éxito actual no es ni la sombra de lo que fue a finales de los 90 y principios del 2000, no podemos dejar de alabar su presencia en el panorama musical actual. Desde el año 2017, el quinteto de Orlando se encuentra inmerso en su residencia de conciertos “Larger Than Life” en el hotel y casino Planet Hollywood de Las Vegas, casualmente en el mismo escenario donde Britney Spears (otra de las estrellas del pop adolescente que surgió junto a BSB a finales de los 90) dio durante 4 años su espectáculo “Piece of Me”. Tras dos años de residencia, el grupo terminará en el mes de abril su contrato en Las Vegas para iniciar en mayo la gira promocional de su nuevo trabajo. Precisamente, Backstreet Boys son protagonistas este mes de enero por su regreso al mundo de la música con su noveno álbum de estudio, DNA, el primero que publican desde “In a World Like This”, que destacó por el hecho de contar con los 5 componentes originales del grupo, tras la marcha de Kevin Richardson durante unos años. Tal y como han declarado los miembros de BSB, cada uno de ellos ha contribuido al álbum con su propio estilo y sus influencias particulares, para dar forma a un trabajo consistente pero que contiene el ADN de todos los miembros. DNA llama la atención por ser el primer disco del grupo en el que ningún componente ha participado en la composición de los temas que lo conforman desde el álbum debut de BSB, que vio la luz en el año 1996. Entre los compositores que han asumido dicha tarea se encuentran Stuart Crichton, que es el principal responsable de la producción de DNA, o Ian Kirkpatrick.

El single anticipo del álbum fue Don’t Go Breaking My Heart, un marchoso tema electro-pop y dance-pop que captura la esencia de la música de BSB pero adaptado a nuestros días. Aunque no ha obtenido un gran éxito en la lista americana de singles como solían conseguir hace años sus temas, Don’t Go Breaking My Heart ha obtenido un moderado desempeño comercial, ya que ha ocupado el top 70 de la lista Billboard, la mejor posición de un single de BSB en años, lo cual es digno de admirar para un grupo nacido en la década de los 90. Sin duda un gran single de regreso, y que ha logrado conseguir una nominación a los premios Grammy a mejor actuación Pop de un dúo/grupo. A finales del año pasado fue lanzado otro single, Chances, que empieza como una bonita balada pop-rock para convertirse en un bailable tema dance-pop. Como en la mayoría de las canciones de BSB, las voces principales son de Brian, Nick y AJ, sin embargo en este tema Howie y Kevin también tienen un pequeña participación. Ya en 2019, previo a la publicación de DNA se ha lanzado otro sencillo promocional llamado No Place, un emotivo medio tiempo con influencia Country en el que BSB declaran que allá donde estén sus parejas y sus seres queridos, ahí estará su hogar. El videoclip de este tema es muy tierno y muestra a los 5 componentes del grupo en escenas cotidianas junto a sus esposas e hijos. La elección de los singles ha sido muy acertada ya que son las mejores canciones del álbum, aunque también merece la pena rescatar el medio tiempo synth-pop “Nobody Else” o la bonita balada “The Way I Was”. DNA destaca por ser menos up-tempo que los álbumes precedentes del grupo, y está compuesto principalmente por temas mid-tempo de estilo electro-pop y pop-rock.

En resumen, aunque DNA no pasará a a historia por ser el mejor trabajo del grupo, sí es un buen álbum pop, cohesivo y consistente, con el que demuestran su madurez musical (todos sus componentes rondan los 40 años) pero se mantienen vigentes en una industria que es muy diferente de cuando aparecieron. Backstreet Boys son unos auténticos supervivientes dentro del mundo de la música, ya que con una trayectoria de más de 20 años a sus espaldas, todavía se mantienen en activo y publicando álbumes regularmente, y pueden presumir de haber cosechado no sólo un gran éxito comercial, sino de tener una carrera muy sólida y coherente. Sin duda, BSB fueron una parte importante del fenómeno fan que se vivió a finales de los 90, cuando la industria musical pasaba por sus mejores momentos, y el quinteto americano fue uno de protagonistas indiscutibles de la época dorada del Pop de finales de los 90 y principios del 2000. DNA – Amazon
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Crítica de “Girl Code” de City Girls

city-girls-girl-codeComo ya comenté en la reseña sobre Period de City Girls, la entrada en prisión de una de las dos componentes, JT, llegó cuando el dúo atravesaba su mejor momento profesional, ya que la popularidad de las chicas estaba subiendo como la espuma y su mixtape apenas llevaba a la venta unos meses. Con Period, City Girls pasaron de ser un dúo conocido en el circuito de Hip-Hop de Miami, a empezar a ser conocidas en todo Estados Unidos, ya que tanto las reproducciones de sus temas en las plataformas musicales como las visitas de sus videoclip en YouTube estaban consiguiendo unas cifras muy positivas, que auguraban un buen futuro para estas dos jóvenes raperas. El encarcelamiento de JT no causó un abrupto cese en la promoción de la mixtape y sus nuevas canciones, ya que en un movimiento muy astuto por parte de su discográfica, City Girls grabaron numerosos videoclips para continuar con la promoción de Period pese a que una de las dos componentes no estaría presente. JT y Yung Miami no sólo rodaron los videoclips de Period, sino que también entraron en el estudio de grabación para dar forma a nuevos temas. En el mes de noviembre, apenas 6 meses después del lanzamiento de Period, City Girls publicaron su siguiente trabajo, titulado Girl Code, que se puede considerar como su primer álbum de estudio. El desempeño de Girl Code fue moderado en la lista americana de álbumes, sin embargo su entrada al #63 puede considerarse un dato muy positivo para un dúo relativamente desconocido para el gran público.

Gran parte del buen recibimiento obtenido por Girl Code ha sido gracias al tema Twerk, que fue lanzado como single en forma de remix con la colaboración de Cardi B, cuya presencia ha dado un gran impulso a la popularidad del tema ya que todo lo que toca la rapera neoyorquina se convierte en oro. Twerk es un marchoso y bailable tema Hip-Hop con gran influencia Bounce que se caracteriza por su sonido más up-tempo y resulta un auténtico himno para el twerking, ese baile y movimiento del culo que tan famoso se ha puesto los últimos años en el género Hip-Hop y en el reggaeton. El remix de Twerk junto a Cardi B ha conseguido entrar en la lista americana de singles, la primera entrada para City Girls, y gracias al éxito del sensual videoclip y la presencia de Cardi en el tema, seguro que subirá en la lista Billboard en las próximas semanas. Merece la pena mencionar que el videoclip ya acumula millones de visitas debido al enorme despliegue de culos moviéndose al ritmo de la canción, además de lo llamativo que resulta ver a Yung Miami y Cardi desnudas y con todo su cuerpo pintado imitando la piel de una cebra y un león, bailando y haciendo twerking en las playas de Miami.

Debido a que apenas han pasado unos meses de su primera mixtape, no se observa evolución en la música de City Girls, por lo que las comparaciones de Girl Code con Period son obvias y ambos trabajos resultan muy similares tanto en temática como en estilo musical. El tema del sexo y el dinero sigue estando presente en este álbum, pero las letras referentes al poder de las mujeres y su control sobre los hombres destacan por encima de todo. Yung Miami y JT demuestran su lealtad y hermandad pese a las adversidades y la separación que están viviendo, y ya en la intro del álbum, llamada “#Free JT”, hacen toda una declaración de intenciones y demuestran su apoyo y el deseo que JT salga lo más pronto de la cárcel. Entre los temas más destacados se encuentran Season, el sencillo promocional que nos presentaron City Girls antes del lanzamiento del álbum y que se trata de un marchoso y pegadizo tema Hip Hop con cierta influencia latina que cuenta con la colaboración del rapero Lil Baby, “Broke Boy”, en el que las chicas advierten que no les interesan los hombres sin dinero ni trabajo, “On The Low”, un medio tiempo Southern Hip-Hop que nos recuerda que la rapera Trina ha sido una gran inspiración para ellas, o “Panties and Bra”, uno de los pocos temas del álbum en donde City Girls dejan a un lado el recurrente tema del sexo y relatan una cita romántica. 

En resumen, Girl Code tiene un mensaje claro y es que el dinero es poder, el placer no es negociable y ser una mujer fuerte es clave para la supervivencia. Mientras que Period resultaba un trabajo más improvisado y espontáneo debido a su naturaleza de mixtape, y contenía un buen conjunto de canciones (sobretodo los singles) a pesar de contener muchos temas de relleno, en este trabajo City Girls reducen al mínimo el relleno y nos ofrecen un buen puñado de canciones encuadradas en el Southern Hip-Hop, además mejoran sus habilidades como raperas y compositoras. Lo que no cambia es la actitud de las chicas, que siguen siendo directas, honestas y sin filtro, lo que les hace muy auténticas, aunque el mensaje que transmitan no sea demasiado profundo. Sin duda, el futuro de City Girls es muy prometedor, aún cuando el dúo ahora tiene que sobrevivir con sólo una de las componentes, Young Miami, la cual se ha ganado al público por su carisma y simpatía. Puntuación: 7’5/10.

The Best of R&B: “The Emancipation of Mimi” de Mariah Carey

r-1828367-1265645407.jpegTras una serie de álbumes elogiados por la crítica y de ventas millonarias durante la década de los 90 que la encumbraron como una de las cantantes más importantes del mundo de la música, los primeros años de la década del 2000 supusieron el momento más bajo de toda la trayectoria profesional de Mariah Carey, ya que tras el fracaso de Glitter (tanto la película como el álbum que lo acompañó) y el moderado recibimiento de su siguiente disco, Charmbracelet, hicieron que la popularidad de Mariah descendiera de manera notoria y muchos dieron su carrera por acabada, sin embargo en el 2005 la cantante neoyorquina resurgió cual ave fénix y nos ofreció no sólo uno de sus mejores álbumes de la década sino de toda su carrera. Me estoy refiriendo por supuesto a The Emancipation of Mimi, un trabajo que obtuvo críticas muy positivas de los expertos musicales, atrajo a los seguidores que la abandonaron durante su etapa más, obtuvo unas ventas sorprendentes y ayudó a Mariah Carey a retomar nuevamente su estatus de gran diva de la música. El título del álbum alude al sobrenombre con el que conocen a Mariah sus seres queridos, pero que quiso revelar a sus seguidores y público en general, ya que es un trabajo autobiográfico en el que la cantante ofrece su lado más íntimo y nos relata lo que ha vivido durante los anteriores años. The Emancipation of Mimi debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes, obteniendo su quinto disco #1 y el primero desde Butterfly, con más de 400 mil copias en su primera semana a la venta (las mayores cifras de su carrera hasta el momento) y acabó siendo certificado 6 veces platino por ventas superiores a los 6 millones de ejemplares en Estados Unidos y más de 10 en todo el mundo, convirtiéndolo en su mayor éxito de la década, tras las bajas ventas de Glitter y Charmbracelet, y superando las de otros importantes trabajos como Rainbow y Butterfly.

The Emancipation of Mimi está producido en su mayoría por Jermaine Dupri, habitual colaborador de Mariah Carey y responsable de éxitos como Always Be My Baby, aunque también participaron otros importantes nombres de la industria musical como Kanye West, Bryan-Michael Cox, Darkchild, James Wright o The Neptunes, para dar forma a un trabajo que profundizaba en el R&B con influencia Hip-Hop y que resultaba más actual, moderno y up-tempo que los anteriores álbumes de la cantante, aunque seguían apareciendo sus características baladas, las cuales contaban con un sonido retro e inspiración del Soul de los años 70 y el género Gospel. Jermaine Dupri, responsable de Confessions de Usher y  Emancipation de Mariah Carey, vivió una de sus mejores etapas profesionales ya que fue pieza clave en el éxito de ambos trabajos, los cuales resultaron los álbumes más vendidos y exitosos de 2004 y 2005 respectivamente en Estados Unidos, además de contribuir redefinir el sonido R&B y elevarlo nuevamente a la primera fila de la música durante aquellos años. 

71meogmqm2l._sl1400_Sin duda, gran parte del éxito logrado por The Emancipation of Mimi se debió a la acertada elección de los singles, los cuales devolvieron a Mariah a las primeras posiciones de las listas de ventas tras años de ausencia. Lanzado en enero de 2005, It’s Like That fue el single presentación del álbum y resultó el perfecto anticipo de un disco más up-tempo y alegre que sus trabajos predecesores, ya que se trataba de un marchoso tema R&B/urban-pop influenciado por el Hip-Hop en el que Mariah mostraba su lado más festivo y divertido, celebraba su emancipación y auguraba un año plagado de éxitos. Producido por Jermaine Dupri, It’s Like That era un original tema con melodía de piano y chasquidos de dedo que contaba con la participación de Fatman Scoop como hype-man. Este single resultó un éxito moderado en Estados Unidos, donde ocupó el puesto #15 en la lista Billboard, una de las posiciones más altas de Mariah en los últimos años, pero presagiaba lo que estaba por venir. Como single previo a la publicación del álbum se lanzó We Belong Together, que se convertiría en una canción clave dentro de la carrera de Mariah, ya que gracias a ella no sólo obtuvo un tremendo éxito comercial sino que recobró de nuevo la credibilidad como artista que poseía a principios de su carrera y le llevó a uno de los momentos más altos de su trayectoria profesional. We Belong Together es una balada mid-tempo R&B de sonido retro, inspirada en el sonido Soul de los años 70 y que contiene la interpolación de un tema de Bobby Womack y referencias al artista Babyface. Compuesto por Mariah junto a Jermaine Dupri, quien además se encarga de la producción, este tema fue aclamado por la crítica por las habilidades de Mariah como compositora y cantante, ya que su ejecución vocal en el tema es una de las mejores de su carrera. En esta balada de desamor, Mariah se lamenta por la marcha de su amante, narra cómo le echa de menos mientras escucha canciones románticas en la radio y termina expresando su frustración y desesperación en el punto álgido de la canción, cuando la voz de Mariah alcanza sus notas más altas. Con We Belong Together, Mariah rompió varios récords al lograr su decimosexto single #1 en la lista americana de singles, posición donde se mantuvo durante 14 semanas no consecutivas, un hito muy difícil de conseguir y que pocos artistas han logrado anteriormente (sólo superado por la propia Mariah con su hit One Sweet Day que fue #1 durante 16 semanas, y Despacito). A nivel internacional We Belong Together no alcanzó las cotas de éxito y popularidad que consiguió en Estados Unidos (donde vendió más de 1’7 millones de copias), sin embargo también fue uno de los singles del año, ya que con él Mariah obtuvo algunas de sus mejores posiciones en las listas de venta de toda su carrera, como el #1 en Australia, #2 en Reino Unido o el #3 en España. 

mariah_carey_-_shake_it_offTanto el álbum como varios de sus singles recibieron numerosos elogios, incluyendo 8 nominaciones a los premios Grammy de 2006, de las cuales ganó en tres categorías: mejor canción R&B y mejor actuación vocal femenina de R&B por We Belong Together, y mejor álbum de R&B contemporáneo del año, aunque merece la pena destacar las nominaciones a canción del año, mejor grabación del año y álbum del año. Tras el éxito sin precedentes de We Belong Together y con su popularidad restablecida, la legendaria cantante lanzó como tercer single Shake It Off, un medio tiempo R&B y otra de las contribuciones de Jermaine Dupri al álbum. Cuando este single fue lanzado, We Belong Together todavía seguía muy fuerte en Billboard y se mantenía en el #1, lo que provocó que Shake It Off ocupara el #2 durante varias semanas y fuera incapaz de robarle el #1 al single precedente. Al situarse la cantante en las dos primeras posiciones de la lista americana, Mariah consiguió un récord ya que ninguna cantante femenina hasta entonces había ocupado el #1 y #2 en la lista de ventas. Mientras que Shake It Off fue elegido como tercer single en Estados Unidos, para el mercado internacional se optó por Get Your Number, aunque en Reino Unido se lanzó como single de doble cara-A junto a Shake It Off. Este marchoso tema R&B/dance-pop contaba con la colaboración de Jermaine Dupri no sólo como productor sino como artista invitado, era uno de los más up-tempo y bailables del álbum y encajó mejor con los gustos europeos, convirtiéndose en un éxito moderado en Reino Unido, donde fue top 10. A finales de año, el álbum fue re-editado con varios temas nuevos entre los cuales se encontraba Don’t Forget About Us, que fue lanzado como quinto single del disco. Esta balada R&B con influencia Hip Hop-Soul resultaba muy similar a We Belong Together tanto en composición como en su estilo en general, y aunque no resultaba tan impactante u original como aquel tema, no le fue difícil alcanzar nuevamente la posición de honor en la lista americana. Al lograr su decimoséptimo single #1 en Billboard, Mariah Carey se convirtió en la artista con más temas #1 en la lista de ventas de Estados Unidos empatada con Elvis Presley. Don’t Forget About Us recibió opiniones principalmente positivas, aunque algunos expertos musicales se mostraron más críticos citando la falta de originalidad del tema, ya que repetía la fórmula de We Belong Together en un intento por replicar el éxito de este tema. Aún así este tema logró otras dos nominaciones a los premios Grammy del año 2007, a mejor canción R&B del año y mejor actuación vocal femenina de R&B, aunque esta vez Mariah no consiguió llevarse ninguno de los premios. Como sencillo promocional en Estados Unidos se lanzó Fly Like a Bird, una balada Gospel/Soul de sonido retro que destacaba por su temática religiosa y mensaje inspirador, y recibió elogios de la crítica por la poderosa ejecución vocal por parte de Mariah durante el climax del tema. Debido al gran recibimiento que obtuvo su actuación en los premios Grammy, esta canción logró una digna posición en la lista americana.

Emancipation destacó por su gran longevidad en la lista de ventas americana y muestra de ello son la gran variedad de singles que fueron extraídos. Como último single del álbum se extrajo Say Something, un marchoso tema R&B/Hip-Hop que contaba con la colaboración del rapero Snoop Dogg y era una de las dos contribuciones de The Neptunes al disco. Este single no resultó tan popular o exitoso pero teniendo en cuenta que era el sexto sencillo extraído en Estados Unidos, obtuvo un desempeño muy digno en la lista americana. Entre los temas más destacados del álbum, aparte de la gran calidad de todos los singles, encontramos “Stay The Night”, la única contribución de Kanye West al disco y que cuenta con un sonido R&B/Soul retro, “One and Only”, un marchoso tema Hip-Hop/R&B en el que participa el rapero Twista, junto a su secuela, “So Lonely”, producida por Darkchild, perteneciente a la re-edición del álbum y que nuevamente era una colaboración entre Twista y Mariah. Uno de mis temas favoritos pertenece también a la re-edición y se trata de “Makin’ It Last All Night”, un medio tiempo R&B/Hip-Hop muy sexy que contaba con el sonido clásico de las producciones de Jermaine Dupri. Aunque el álbum destaca por su sonido más up-tempo y contemporáneo con respecto a los trabajos precedentes de Mariah, en la segunda parte del disco dominan las baladas, entre las que destacan “Circles”, de estilo R&B/pop y que destaca por el amplio rango vocal de Mimi, “Mine Again”, con sonido Soul/Gospel y de corte retro, o la balada mid-tempo “Your Girl”.

mariah_carey-fly_like_a_bird_(cd_single)-frontalEn resumen, The Emancipation of Mimi llegó en un momento en el que Mariah Carey atravesaba una de las etapas más complicadas de su carrera, ya que su popularidad había descendido dramáticamente y muchos consideraban escasa la viabilidad comercial de su música. Sin embargo el excelente desempeño del álbum en las listas de venta, las magníficas críticas recibidas y el éxito que cosecharon los singles lanzados, sobretodo We Belong Together, hizo que la cantante protagonizara uno de los regresos más importantes de todos los tiempos y recobrase el estatus de súper estrella de la música que tenía en los años 90. Además de poner de manifiesto el enorme talento de Mariah como cantante y compositora, este álbum ayudó a redefinir el sonido R&B. En definitiva, Emancipation es uno de los mejores álbumes dentro del amplio catálogo musical de Mariah Carey y uno de los imprescindibles dentro del género R&B de la década del 2000. The Emancipation of Mimi – Amazon

The Best of Pop: “…Baby One More Time” de Britney Spears

baby_one_more_time_albumEl pasado 12 de enero se cumplieron 20 años del lanzamiento de uno de los álbumes más icónicos e importantes dentro de la historia de la música, me refiero por supuesto a …Baby One More Time de Britney Spears. Tal y como comentó la Princesa del Pop en sus redes sociales, ni ella misma puede creer que hayan pasado ya dos décadas desde que vio la luz su álbum debut, y agradeció a sus millones de seguidores el apoyo incondicional que ha recibido de ellos durante toda su trayectoria profesional. Aunque podría parecer que el 20 aniversario de la publicación de su disco más famoso ha sido motivo de celebración para Britney, lo cierto es que la cantante no está pasando por su mejor momento personal, ya que su padre está gravemente enfermo y ha decidido cancelar todos sus compromisos profesionales, incluyendo “Domination”, su próxima residencia de shows en Las Vegas, la cual tenía prevista comenzar el mes de febrero. Recordemos que Jamie Spears fue el mayor apoyo de Britney tras la famosa crisis que sufrió en el año 2007, cuando le fue retirada la custodia de sus hijos y se le declaró incapaz de manejar su fortuna y cuidar de sus dos pequeños. Tras ese duro revés, Jamie se convirtió en el tutor legal de Britney, tomando por ella todas las decisiones personales, profesionales y económicas, y lo más importante ayudándola a salir de esa oscura etapa, ya que gracias su incondicional apoyo, resurgiría más tarde como un ave fénix con Womanizer y su disco Circus. Desde el blog MiSTeR MuSiC me gustaría mandar todo mi cariño y apoyo a Britney Spears y deseo que su padre se recupere lo más pronto posible, y como homenaje a una de mis artistas favoritas voy a hacer la reseña de …Baby One More Time, uno de mis discos preferidos de todos los tiempos (en concreto fue uno de los primeros CD’s que compré).

Tras participar en el Club Disney americano junto a otros jóvenes cantantes y actores que más tarde se convertirían en estrellas del cine y la música como Justin Timberlake, Ryan Gosling o Christina Aguilera, Britney Spears formó parte brevemente de un grupo femenino llamado Innosense e hizo audiciones para varias discográficas interpretando canciones de Whitney Houston o Toni Braxton, las cuales rechazaron a la joven cantante argumentando que lo que buscaban en esos momentos eran grupos del tipo Backstreet Boys o Spice Girls y no artistas solistas, sin embargo los ejecutivos de Jive quedaron asombrados con la audición de Britney interpretando “I Have Nothing” de Whitney y decidieron hacerle un contrato y ficharla en su discográfica. Britney, con tan sólo 16 años, viajó a Suecia para trabajar con Max Martin, Rami y Denniz Pop en los famosos estudios de grabación Cheiron de Estocolmo, donde ya grabaron anteriormente estrellas del pop como la sueca Robyn o las boy-bands Five y Backstreet Boys. Bajo las astutas manos de Max Martin, la inocente Britney Jean grabó varias de las canciones de su disco debut, incluyendo un tema que fue rechazado por el grupo americano TLC y el cual cambiaría su vida. Estoy hablando obviamente de …Baby One More Time, el single debut de Britney Spears, el cual irrumpió las radios en octubre de 1998 y se convirtió en uno de los mayores éxitos de toda la historia de la música. Este tema, originalmente llamado “Hit Me One More Time” fue ofrecido a varios grupos (como por ejemplo Five) antes de caer en manos de Britney y sus letras y título tuvieron que ser modificados en parte para adaptarlo a la perspectiva de una adolescente. Este single alcanzó el #1 en las listas de venta de más de 20 países (incluyendo los mercados musicales más importantes como Estados Unidos, Canadá, Alemania, Australia, Reino Unido, Francia o España), vendió 10 millones de copias en todo el mundo y la catapultó a lo más alto del panorama pop. No sólo la canción tuvo un tremendo impacto entre la juventud, sino que su videoclip causó sensación en internet, mostrando a una Britney ataviada como una colegiala sexy que hacía diversas coreografías en el colegio donde se grabó la legendaria película Grease, demostrando que además era una gran bailarina. 

baby-one-more-timeTras este éxito sin precedentes para una artista adolescente, el 12 de enero de 1999 se puso a la venta el disco debut de Britney, titulado también …Baby One More Time en intento por rentabilizar la enorme popularidad obtenida por el single de idéntico nombre. El álbum, respaldado por un single triunfal, obtuvo una extraordinaria acogida en todo el mundo: fue #1 en Estados Unidos, Canadá o Alemania, y ocupó el #2 en Reino Unido, España o Australia. En Estados Unidos debutó en lo más alto con unas discretas 121 mil copias, pero pasados los meses y gracias al apoyo de los siguientes singles promocionales, el álbum acabó siendo certificado diamante por ventas superiores a los 10 millones de copias (actualmente es 14 veces platino en USA), convirtiéndose en la artista americana más joven en obtener un disco de diamante, un hito que sólo lo habían logrado anteriormente cantantes de la talla de Alanis Morissette o Shania Twain. Alrededor del mundo …Baby One More Time ha vendido más de 25 millones de ejemplares, pasando a la lista de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. Pero el éxito de Britney no fue flor de un día, y una vez acabada la extensa promoción del primer single, en abril de 1999 lanzó el segundo sencillo del álbum, titulado Sometimes. Esta romántica balada mid-tempo fue compuesta por Jorgen Elofsson y co-producida junto a Per Magnusson, ambos miembros de Cheiron Studios. Aunque era imposible superar el tremendo éxito del single precedente, Sometimes tuvo un desempeño comercial muy positivo en todo el mundo, ocupando el #2 en Australia o el #3 en Reino Unido, sin embargo en la lista americana fue un éxito moderado y sólo alcanzó el puesto #21. Como tercer single se lanzó el marchoso y enérgico (You Drive Me) Crazy, otra de las aportaciones de Max Martin al disco y que con el tiempo se ha convertido en uno de los temas más icónicos del álbum y una de las canciones más representativas de toda su la carrera, por lo que fue una auténtica delicia que Britney la rescatara para el repertorio de su residencia Piece of Me. Este tema dance-pop contaba con un sonido muy similar al de …Baby One More Time aunque resultaba más bailable, y para su lanzamiento como single se optó por la versión “The Stop Remix”. Crazy superó las posiciones de Sometimes en las listas de venta y obtuvo el segundo top 10 para Britney en Estados Unidos, además de alcanzar el top 5 en Reino Unido, Francia y Canadá. Como cuarto single para los mercados europeos se optó por el melódico tema euro-pop Born To Make You Happy, uno de los momentos más profundos del álbum y en el que Britney alcanza sus notas más altas, mientras que para Estados Unidos, Canadá y Australia se lanzó From The Bottom of My Broken Heart, una de las grandes baladas del disco, con la que la joven cantante de Louisiana anotó otro top 20 en la lista americana. Producido por Kristian Lundin, Born To Make You Happy por su parte resultó más popular y una apuesta más acertada para el mercado internacional, y gozó de una gran acogida en Reino Unido, donde logró su segundo single #1, además de ocupar el top 5 en Alemania y Suecia.

…Baby One More Time está formado por un compendio de marchosos temas dance-pop y de clásicas baladas, convirtiéndose junto con “Oops! I Did It Again” en los dos trabajos de Britney con un mayor número de baladas dentro de su catálogo musical. Dentro de los temas más bailables encontramos “I Will Be There”, la tercera aportación de Max Martin al disco, que destacaba por el uso de guitarra eléctrica, resultó una de las canciones favoritas de los fans y hubiera sido una gran apuesta como single, o “Deep In My Heart”, otro marchoso tema muy noventero que sólo fue incluido en la versión internacional del álbum. El álbum incluye también una cuestionable versión del tema “The Beat Goes On” de Cher. En lo que a baladas se refiere, hay que mencionar que el famoso productor Eric Foster White fue el responsable de la mayoría de ellas, entre las que destacan “E-Mail My Heart”, donde sorprende la ejecución vocal de Britney, “I Will Still Love You”, un dueto junto al cantante Don Philip o la antes mencionada “From The Bottom of My Broken Heart”. Meses más tarde el álbum fue re-editado con varios temas más, como el marchoso “Autumn Goodbye”, que previamente apareció como cara-B del single …Baby One More Time, o la bonita balada “I Never Stop Loving You”.

Sin duda, …Baby One More Time se ha convertido no sólo en uno de los álbumes más exitosos de la historia de la música sino en uno de los más influyentes dentro de la década de los 90 y en general de todos los tiempos, ya que fue clave en la época dorada que vivió el género Pop a finales de los 90 y principios del 2000 y sirvió de inspiración a una generación entera de cantantes, que más tarde copiarían el estilo de Britney y su puesta en escena. Este álbum ha aparecido en numerosas listas que lo sitúan como uno de los referentes de la música pop, y consiguió múltiples premios (entre ellos Billboard y American Music Awards) aunque perdió el codiciado Grammy a mejor nuevo artista a manos de su ami-enemiga Christina Aguilera. Aunque desde su aparición en el mundo de la música las habilidades vocales de Britney Spears fueron puestas en entredicho, sus actuaciones en directo criticadas y se le acusó en numerosas ocasiones de hacer play-back, es justo reconocer que dentro del álbum …Baby One More Time podemos encontrar algunos de sus momentos más memorables vocalmente hablando de su carrera, además cabe destacar que durante la promoción de esta era, la cantante actuó en numerosas ocasiones en directo demostrando que puede defenderse perfectamente en vivo aún con los inconvenientes que tiene cantar mientras se realizan complejas coreografías. Obviamente el registro vocal de Britney es mucho más limitado y plano que el de su compañera Christina Aguilera (con la que fue comparada hasta la saciedad en los inicios de su carrera) sin embargo es justo reconocer el talento de Britney como cantante en este magnífico álbum. En definitiva, …Baby One More Time es una obra maestra del pop que sigue resultando un auténtico placer escucharlo aunque hayan pasado ya 20 años. Puntuación: 9/10. …Baby One More Time – Amazon

Throwback Review: “Thank You” de Jamelia

1200x630bbLa cantante británica Jamelia publicó en el año 2000 su primer disco de estudio, Drama, el cual tuvo un moderado recibimiento en Reino Unido aunque contó con dos singles que gozaron de relativo éxito, Call Me y Money, que contaban con el clásico sonido R&B y urban-pop característico de principios de la década pasada. Drama debutó en una discreta posición dentro del top 40 de la lista de ventas de Reino Unido aunque fue certificado oro por ventas superiores a las 100 mil copias. El disco debut de Jamelia se encuadraba dentro del género R&B, con influencias pop, Hip-Hop y Soul, y aunque posee una gran voz, la joven cantante también destacaba por rapear en varias canciones. Tras dar a luz a su primera hija, Jamelia empezó a grabar su segundo álbum de estudio, Thank You, que vio la luz en el año 2003 y contaba con un estilo similar a su anterior álbum, aunque en conjunto resultaba más up-tempo y marchoso. El single presentación del álbum fue Bout, un tema R&B con influencia Hip-Hop que sampleaba la famosa melodía de la canción principal de la película Rocky y contaba la participación de la rapera Rah Digga. Bout fue lanzado exclusivamente en Reino Unido, donde tuvo un rendimiento mediocre en las listas de venta. Como segundo single en UK y primero lanzado de manera internacional, se eligió Superstar, un tema R&B y dance-pop, que en realidad se trataba de una versión prácticamente idéntica lanzada apenas unos meses atrás por Christine Milton, una conocida cantante danesa. Gracias a sus pegadizas letras y su marchoso ritmo, Superstar se convirtió en uno de los singles más exitosos del año, consiguió su mejor posición en las listas de venta de Reino Unido, donde fue #3 y también logró gran acogida en otros países europeos como Francia o Alemania, donde fue top 5. Además gracias a dicho single, Jamelia empezó a ser conocida fuera de Europa, destacando Oceanía, donde consiguió el #1 en Australia y Nueva Zelanda. Tras el éxito inesperado de Superstar, la cantante de Birmingham publicó su segundo álbum, el cual debutó en el #4 en la lista de ventas de Reino Unido aunque en el resto del mundo tuvo un impacto muy moderado.

El tercer single lanzado fue Thank You, un medio tiempo R&B producido por Soulshock cuyas letras trataban de una relación abusiva que sufrió Jamelia en el pasado y a través de la canción le da gracias a esta persona que le hizo daño en el pasado pero también le ayudó a ser más fuerte. Este tema repitió el éxito del anterior single e incluso superó la posición de Superstar en UK, ya que logró el #2, además de ocupar el top 10 en Australia y Nueva Zelanda. Debido a la gran acogida de Superstar y Thank You por parte del público, el álbum fue re-editado en 2004 con tres temas nuevos, entre ellos See It In a Boy’s Eyes, el cual fue lanzado como siguiente single del disco. Este medio tiempo R&B contaba con una bonita melodía de piano, fue compuesto por Jamelia junto al líder de Coldplay Chris Martin y se trataba de un himno para entender a los hombres. See It In a Boy’s Eyes se convirtió en su tercer top 5 consecutivo en Reino Unido y estuvo acompañado de un original videoclip en el que Jamelia interpretaba a una soldado dentro del ejército, muy alejado de la imagen sexy que teníamos de la cantante, y que le valió un premio MOBO a mejor videoclip del año. Sin duda uno de los temas más sobresalientes de Thank You. Otro de los nuevos temas de la re-edición del álbum fue DJ, un marchoso tema R&B con influencia electro-pop y dance-pop que fue grabado originalmente por la cantante británica Samantha Mumba. DJ fue lanzado en Reino Unido como single de doble cara-A junto a la balada Stop, perteneciente a la banda sonora de la película Bridget Jones, y anotó otro top 10 para Jamelia en UK además de recibir buenas críticas por su gran ejecución vocal. La re-edición del álbum también incluía la colaboración de Jamelia con al cantante italiano Tiziano Ferro en el single “Universal Prayer”, el cual tuvo una gran acogida en Italia y España, donde fue #1.

Dentro de Thank You merece la pena destacar “Taxi”, un marchoso y pegadizo tema R&B/electro-pop, “Dirty Dirty”, donde Jamelia se adentra en el género Hip-Hop y nos muestra su faceta como rapera, o “Cutie”, un original y frívolo tema R&B de sonido retro que destaca por incluir una voz en tono agudo que repite el título durante toda la canción. Aunque Thank You representaba a la perfección la esencia del sonido R&B que tan de moda estaba durante aquella época, este álbum no se publicó en Estados Unidos, un gran error por parte de la discográfica de la cantante ya que el R&B es uno de los géneros más populares en dicho mercado y podría haber repetido la hazaña que consiguió su compatriota Craig David años atrás en tierras americanas. De los tres álbumes que conforman la breve trayectoria musical de Jamelia, Thank You es su mejor trabajo, además de ser el más exitoso a nivel comercial. Pese a que Jamelia ha sido una artista poco conocida por el público masivo es justo reconocer su mérito y talento, ya que fue una de las mayores representantes del urban-pop y R&B británico durante la pasada década y en cierta manera el equivalente femenino de Craig David. En definitiva, Jamelia posee una bonita voz (aunque resulta poco distintiva) y en este álbum nos muestra su gran talento como cantante y en menor medida como rapera. Thank You destaca sin duda por incluir Superstar, que en mi opinión es uno de los mejores temas de la década del 2000 (lo incluí en el post dedicado a las canciones que cambiaron la música en la década pasada) por su carácter alegre, divertido y lleno de buena energía. Puntuación: 7’5/10. Thank You – Amazon

Reseña de “All I Want for Christmas Is You: A Night of Joy and Festivity” de Mariah Carey

mariah-careyAunque soy seguidor de Mariah Carey desde hace muchos años, no había tenido la oportunidad de verla en directo, por lo que no quise perder la oportunidad de asistir a su reciente concierto en Madrid como parte de su show navideño All I Want for Christmas Is You: A Night of Joy and Festivity. Este show comenzó en 2014 como una residencia en el Beacon Theatre de Nueva York donde Mariah interpretaba sus temas navideños, pero a partir de 2017 decidió llevar el show a otras ciudades americanas como Las Vegas y a Europa, y durante este año se ha convertido en una mini-gira que ha recorrido importantes ciudades como París, Londres, Berlín, Bruselas o Amsterdam. Este concierto está compuesto principalmente por canciones de sus dos discos navideños, Merry Christmas, publicado en 1994, y Merry Christmas II You, que vio la luz en 2010. Durante el concierto, la diva alternó marchosos temas como Oh Santa!, Joy To The World o Christmas (Baby Please Come Home) con canciones de corte tradicional como Silent Night o Gloria (In Excelsis Deo), además de temas originales como When Christmas Comes y Christmas Is in The Air Again, pertenecientes a su segundo disco navideño. Quizás uno de los momentos más especiales de la noche fue cuando Mariah entonó el clásico O Holy Night, que exige un alto nivel vocal, sin embargo lo ejecutó de manera magistral. Tras interpretar todos sus clásicos navideños, Mariah cantó alguno de sus mayores éxitos como Emotions, Hero o We Belong Together. Antes de interpretar Hero, Mariah bromeó diciendo que grabó una versión en español de este tema de Music Box, pero en la actualidad es incapaz de recordar la letra en español, aunque puede que la próxima vez que visite España lo interprete en nuestro idioma. Entre los temas no navideños que cantó Mariah destacó The Distance, perteneciente a su último disco Caution, lanzado el pasado mes de noviembre. El show terminó con su famoso hit All I Want for Christmas Is You, el villancico moderno más exitoso de todos los tiempos y que cada Navidad vuelve a la cima de los charts en todo el mundo (este año ha logrado un nuevo peak en Estados Unidos, llegando al #7). Nada más empezar los acordes de este tema, todo el público se levantó de sus asientos y empezó a cantar con ella, demostrando que se ha convertido en uno de los éxitos más conocidos de su repertorio. Mariah Carey demostró que es la auténtica reina de las Navidades, ofreciendo un espectáculo muy divertido y festivo, y todos los asistentes pudimos comprobar que sigue siendo capaz de llegar a las notas más altas y utilizar su famoso “whistle register”. Sin duda uno de los mejores conciertos a los que he asistido.

Crítica de “Scorpion” de Drake

71Ru+nWLdYL._SX466_Es innegable la importancia del rapero canadiense Drake en el mundo de la música durante esta década, especialmente dentro del género Hip-Hop. En junio de este año, Drake publicó su quinto álbum de estudio, titulado Scorpion, con el que logró su quinto #1 consecutivo en la listas de Estados Unidos y Canadá, demostrando que su carrera ha sido muy sólida desde sus inicios e incluso ha aumentado su éxito y popularidad durante estos últimos años. En Reino Unido y Australia, el álbum también ocupó la posición de honor, logrando el segundo #1 en las listas de ventas de ambos países. Scorpion es un álbum doble compuesto por 25 temas, donde la primera parte profundiza en el Rap mientras que la segunda incide en el sonido R&B, explora otros estilos como Dancehall o Bounce, y muestra sus habilidades como cantante. Drake ha compuesto todos los temas presentes en Scorpion y entre los productores implicados se encuentran sus habituales colaboradores Boi-1da, Noah “40” Shebib o Nineteen85, además de otros como No I.D. o Murda Beatz. El single presentación de Scorpion fue God’s Plan, un un tema Hip-Hop perteneciente a la primera parte del álbum y que consiguió un tremendo éxito en Estados Unidos, donde lideró la lista de ventas durante 11 semanas consecutivas. God’s Plan trata temas como la fama, el dinero y el poder cosechados por Drake, una temática muy repetida dentro del álbum. El segundo single, Nice For What, pertenece a la 2ª parte del álbum y nuevamente logró un gran éxito en su nativa Canadá y en Estados Unidos, donde fue #1 y añadió otras 8 semanas más a Drake en la posición de honor, además destaca por el hecho de que reemplazó del #1 a su anterior single God’s Plan. Nice For What es un marchoso tema R&B y Bounce que samplea la famosa canción Ex-Factor de Lauryn Hill. El tercer single fue I’m Upset, un tema Rap en sentido estricto que anotó otro top 10 para Drake en Estados Unidos. Uno de los temas más llamativos del álbum ha sido sin duda el cuarto single, In My Feelings, un original y marchoso tema Dancehall y R&B en el que Drake muestra su faceta como cantante, habla de las mujeres que han pasado por su vida e incluso se atreve a dar sus nombres, y cuenta con la participación de las raperas City Girls (aunque no aparecen acreditadas como featuring). In My Feelings lideró la lista de ventas americana durante otras 11 semanas, ampliando el reinado de Drake en Billboard a 30 semanas durante 2018, superando a Usher en 2004. Las 25 canciones del álbum debutaron dentro del Hot 100 durante la primera semana a la venta de Scorpion debido a sus ventas digitales, incluso varias de ellas lograron el top 10 como “Emotionless”, que debutó en el #8 y destaca por samplear el famoso tema Emotions de Mariah Carey, o “Don’t Matter To Me”, un tema R&B alternativo que contiene una colaboración póstuma de Michael Jackson.

En un año en el que el Hip-Hop ha dominado la lista de ventas americana y se ha convertido nuevamente en el género más popular en Estados Unidos, gran parte de este mérito se le puede atribuir a Drake, cuya presencia ha sido máxima en las radios y listas de ventas, gracias a su exitoso álbum multi-platino respaldado por 3 singles #1, además de otros dos singles top 10. Drake rompió varios récords con Scorpion ya que el mismo día en que se puso a la venta fue certificado platino gracias a las ventas de los tres singles que lo precedieron (God’s Plan, Nice For What y I’m Upset) y también obtuvo las mayores cifras de streaming de un álbum en sólo día en las plataformas musicales de Spotify y Apple. Por todo ello podemos considerar a Drake como el artista de Hip-Hop más importante del año. Además, el éxito de Drake ha demostrado que el verdadero Hip-Hop ha ganado la batalla a los nuevos “raperos” que han aparecido en los últimos meses, denominados como Mumble Rap (entre los que se encuentran por ejemplo el polémico Tekashi 6ix9ine), quienes aunque han aumentado su cuota de mercado durante este 2018 y han conseguido gran popularidad entre el público joven, no pueden competir con verdaderos artistas de gran talento como los veteranos Drake, Eminem, Lil Wayne, o la joven promesa Cardi B, los cuales han triunfado durante este año, han conseguido el #1 con sus últimos trabajos y se han convertido en los raperos más importantes del 2018. En resumen, Scorpion es un buen álbum de Hip-Hop y R&B, donde podemos apreciar la versatilidad de Drake como rapero y cantante, sin embargo uno de los puntos en contra es la excesiva extensión del disco, ya que escuchar sus 25 temas resulta pesado y aburrido en ciertos momentos. Además no se observa ninguna novedad o evolución con respecto a su último trabajo Views, con el que resulta muy similar, y Drake empieza a mostrar un cierto desgaste como compositor. Puntuación: 6/10. Scorpion – Amazon

Crítica de “What Is Love?” de Clean Bandit

clean-bandit_what-is-loveA finales del mes de noviembre se puso a la venta el segundo álbum del grupo británico Clean Bandit, titulado What Is Love?. Este trabajo discográfico toma el relevo de su disco debut New Eyes, el cual fue publicado en 2014 y contaba con los exitosos singles Rather Be y Real Love (ambos junto a Jess Glynne). Desde un principio, Clean Bandit destacaron por fusionar el sonido electrónico con la música clásica y por el uso de gran cantidad de instrumentos en vivo a diferencia de otros artistas pertenecientes al pop electrónico que abusan de los sintetizadores. Aunque podría parecer que 4 años entre disco y disco son un amplio lapso de tiempo, lo cierto es que el trío británico no ha parado de lanzar música y su presencia en las radios y listas de venta ha sido continua desde mediados del 2016. Tears fue el single presentación del álbum, cuenta con la voz de la cantante Louisa Johnson (poco conocida para el publico masivo aunque alcanzó la popularidad al ganar la 12ª edición de X Factor UK) y comienza como una trágica balada que relata un desengaño amoroso para convertirse en un bailable tema dance-pop con influencia 2-Step. Debido a que fue lanzado hace más de dos años, ha perdido frescura con respecto a sus últimos singles y suena algo anticuado, por ello ha sido relegado a la edición deluxe del álbum pese a haber ocupado el #5 en Reino Unido. El segundo single, Rockabye, llegó a finales del 2016 y destacaba por la participación de la cantante inglesa Anne-Marie y el rapero jamaicano Sean Paul. Este pegadizo tema dance-pop y electro-pop perdía en cierta manera el toque clásico que tenían otros singles de Clean Bandit, pero resultaba tremendamente efectivo en las pistas de baile y se convirtió en su tema más popular y exitoso a nivel mundial, ya que fue #1 en Reino Unido y más de 10 países y consiguió el segundo top 10 en Estados Unidos tras “Rather Be”. En 2017 Clean Bandit lanzaron Symphony como tercer single, y nuevamente gozó de una gran respuesta comercial en Europa, ya que logró el #1 en Reino Unido (el tercero para el trío británico) y top 5 en Australia. Este pegadizo tema fusiona el sonido dance-pop con un toque orquestal habitual de Clean Bandit, además de cierta influencia Tropical House, y contaba con la magnífica voz de la joven cantante sueca Zara Larsson. I Miss You, junto a la compositora y cantante Julia Michaels fue el cuarto single, aunque no consiguió repetir el éxito de Rockabye y Symphony, y pasó desapercibido en las radios y listas de venta de Europa. Este tema, aunque cuenta con sonido Tropical House, es reminiscencia de su primer disco y cuenta con el toque orquestal típico del grupo al principio de la canción.

Ya en 2018, Clean Bandit siguieron desgranando temas de su inminente disco y presentaron Solo, un tema dance-pop y synth-pop que contaba con la colaboración de la famosa cantante americana Demi Lovato. “Solo” se convirtió en el cuarto single #1 del grupo en Reino Unido y también llegó a lo más alto en las listas de venta de Irlanda y Alemania. El sexto y último single lanzado antes del lanzamiento de What Is Love? ha sido Baby, un marchoso tema dance-pop con gran influencia latin-pop que cuenta con la participación de la artista galesa Marina and the Diamonds y el puertorriqueño Luis Fonsi, quien canta su parte en español. Este pegadizo tema destaca por su gran inspiración latina y el uso de la guitarra española, su bailable ritmo y la presencia de Marina, que acapara el protagonismo de la canción gracias a su maravillosa y personal voz. Sin duda Baby es uno de los mejores temas de este año y mi tema favorito de entre todos los singles lanzados de What Is Love?, aunque la presencia de Luis Fonsi es totalmente prescindible ya que no aporta nada porque su parte es muy breve y anodina.

Where Is Love? es básicamente un álbum de dance-pop con toques electro-pop, Tropical House y urban-pop aunque conserva el sonido orquestal y orgánico debido a la gran cantidad de instrumentos utilizados en las melodías. Tal y como reza el título, el álbum gira en torno al amor, tema que se repite en todas las canciones, aunque el amor en diferentes facetas: amor romántico, amor de hermanos o amor de madre. Mas allá de los numerosos singles lanzados, dentro del álbum se pueden rescatar “Mama”, un pegadizo tema dance-pop con influencia Tropical House que cuenta con la dulce voz de Ellie Goulding, “We Were Just Kids”, una bonita canción pop con la presencia del gran Craig David, o “Should’ve Known Better”, donde Anne-Marie hace su segundo acto de presencia en el disco. De la edición deluxe destacan el interesante medio tiempo synth-pop “24 Hours” y “Playboy Style”, otro tema mid-tempo pero esta vez con influencia R&B y que cuenta con las colaboraciones de Charlie XCX y la joven promesa del Hip Hop Bhad Bhabie.

Clean Bandit se han unido a la reciente moda entre los artistas británicos de lanzar multitud de singles de manera anticipada a la publicación del disco (desde mediados del 2016 han lanzado un total de 6 sencillos) lo que hace que la mayor parte del contenido ya esté desvelada y el álbum no genere excesivo interés o factor sorpresa. Aunque What Is Love? es un buen álbum pop que reúne muchos de los temas que han sonado sin cesar en las radios durante estos dos últimos años, no resulta un álbum centrado o cohesivo, sino que parece más bien un “grandes éxitos” del grupo o una playlist de lo mejor del 2018. Esta técnica que están adoptando recientemente numerosos artistas británicos difiere de la estrategia tradicional que se llevaba a cabo antes de la era digital (cuando sólo se lanzaba uno o dos singles antes de que el álbum viera la luz), pero debido al drástico cambio que ha sufrido la industria musical debido al streaming y el auge de plataformas como Spotify, la importancia de los álbumes ha disminuido en favor de los singles, estrategia que han utilizado artistas como Rita Ora, Dua Lipa o Jess Glynne, y no les ha ido nada mal.

Aunque los tres componentes del grupo (los hermanos Patterson y Grace Chatto) son los compositores y productores de todos los temas que componen el álbum, tocan varios instrumentos (piano, guitarra y violín entre otros) y hacen los coros en las canciones, lo cual les convierte en unos músicos muy talentosos, lo cierto es que su presencia queda desplazada y su personalidad diluida debido a las grandes colaboraciones de artistas de la talla de Rita Ora, Craig David, Zara Larsson, Demi Lovato, Marina and the Diamonds, Charlie XCX, Ellie Goulding o Anne-Marie, quienes les roban el protagonismo. Aunque este abuso de colaboradores no es nada nuevo en la música, ya que siguen los pasos de David Guetta o Calvin Harris. En definitiva, este álbum cuenta con excelentes singles que han resultado muy exitosos en las listas de venta y han sonado sin cesar estos últimos años, pero en cuanto profundizas en el álbum te das cuenta que el resto de temas (con algunas excepciones) no enganchan tanto y resultan menos originales y llamativos, lo que demuestra que la elección de los sencillos ha sido óptima. Aun así Where Is Love? supera ampliamente a su predecesor y es un álbum de dance-pop muy interesante. Puntuación: 7/10. What Is Love? – Amazon

Throwback Review: “Closer to the Truth” de Cher

20242616_1SZTras su álbum Living Proof, la leyenda del mundo de la música Cher se embarcó en una extensa gira (en su momento catalogada como su gira de despedida) que resultó un gran éxito de ventas y tuvo que ser extendida debido a la gran demanda de público. “Living Proof – The Farewell Tour” se prolongó durante casi 3 años, convirtiéndose en una de las giras más largas de toda la historia de la música, y una de las que más recaudaron por una artista femenina. Tras esta extensa gira, Cher se retiró durante unos años de la música y regresó en 2008 anunciando una residencia en Las Vegas. En 2010 Cher retomó su faceta de actriz participando en la película Burlesque junto a Christina Aguilera, y grabó varias de las canciones que formaron parte de la banda sonora, entre ellas la balada “You Haven’t Seen the Last of Me”, la cual recibió elogios de la crítica y cuyo remix llegó al #1 en el componente Dance de Billboard. En los estadios iniciales del álbum Cher viajó a Nashville en un intento por grabar un álbum inspirado en el sonido Country y Rock, sin embargo el éxito de su tema perteneciente a Burlesque animó a la veterana cantante a regresar a su famoso estilo dance-pop. En 2013 la llamada “Goddess of Pop” puso fin a su sequía musical y publicó su disco de estudio nº25, titulado Closer to the Truth, el cual tomó el relevo a Living Proof que se puso a la venta en 2001. “Closer to the Truth” fue definido por Cher como un álbum muy ecléctico, y aunque es cierto que varios estilos musicales están presentes en este trabajo, ya que podemos observar influencias Country y pop-rock en las baladas en el disco, el sonido que domina es el característico dance-pop de la veterana cantante. Para este álbum, Cher trabajó con su habitual colaborador Mark Taylor (responsable de su éxito Believe) aunque probó con productores muy diversos como Billy Mann o Timbaland y contó con la participación de la cantante Pink en la composición de dos canciones. “Closer to the Truth” debutó en el #3 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en la mejor posición de Cher en Billboard (empatado en la actualidad con su reciente disco Dancing Queen) y también obtuvo un gran desempeño comercial en Canadá y Reino Unido, donde fue #4.

El álbum está formado en su primera mitad por temas up-tempo de estilo dance-pop mientras que en la segunda destacan las baladas que se centran más en el contenido lírico y emocional. El single adelanto del álbum fue Woman’s Worth, un potente tema House/Dance producido por el DJ Paul Oakenfold que resultaba un auténtico himno de empoderamiento femenino por sus letras acerca del poder y el valor de las mujeres. Aunque tuvo una tibia respuesta comercial, con este tema Cher demostraba que sigue siendo la reina de las pistas de baile, ya que consiguió el #1 en el componente Dance/electrónico de la lista americana. Para mostrar la variedad musical presente en el disco, la eterna diva lanzó como segundo single I Hope You Find It, una bonita balada Country-pop originalmente grabada por Miley Cyrus que recibió grandes elogios de la crítica por mostrar un lado diferente de su música y por su magnífica ejecución vocal. Este single fue extensamente promocionado por la cantante alrededor el mundo y obtuvo una acogida especial en Reino Unido, donde consiguió el top 25 en la lista de ventas. Como tercer single en Estados Unidos se lanzó Take It Like a Man, otro de los enérgicos temas House/Dance que abundan la primera parte del álbum, mientras que para Reino Unido se eligió I Walk Alone, un marchoso tema dance-pop pero en este caso contaba con cierta influencia Country, lo que le convierte en uno de los temas más originales del disco. Este tema es uno de los dos que compuso Pink para Closer to the Truth. Entre las canciones más destacadas se encuentran una de las grandes baladas del álbum, “Lie To Me”, compuesta por Pink y producida por su habitual colaborador Billy Mann y en la que Cher nuevamente explora el territorio Country, o el marchoso tema dance-pop producido por Timbaland “I Don’t Have to Sleep to Dream”, reminiscencia del disco Believe y en el que Cher se convierte en la diva Disco que todos adoramos. El álbum cuenta con tres versiones: la antes mencionada I Hope You Find It, la balada pop-rock “Sirens” y “Dressed to Kill”, uno de los temas Dance más potentes del disco, que destaca por el uso del famoso Auto-Tune (también llamado Cher-effect) y resulta muy pegadizo y bailable. Precisamente este tema fue el que inspiró el título de la gira que acompañó la promoción del álbum, “Dressed to Kill Tour”, con la que Cher recorrió todo Estados Unidos. El disco también incluye la balada perteneciente a Burlesque “You Haven’t Seen the Last of Me”, escrita por la famosa compositora Diane Warren.

Con este álbum Cher confirma que sigue plenamente activa en el panorama musical tras más de 50 años de carrera, algo de lo que muy pocos artistas pueden presumir. Es innegable que Cher ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos sin perder su esencia y permanece como una de las divas indiscutibles de las pistas de baile y la reina del colectivo Gay. En definitiva, Closer to the Truth es uno de los mejores álbumes de Cher de estas últimas décadas, y aunque sigue los pasos de Believe y Living Proof al continuar por la senda del dance-pop, como novedad incluye influencias Country y un mayor número de baladas en las que podemos apreciar la extraordinaria voz de Cher. Mis temas favoritos: Dressed to Kill, Take It Like a Man y I Hope You Find It. Puntuación: 8/10. Closer To The Truth – Amazon