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Crítica de “Familia” de Sophie Ellis-Bextor

sophie-ellis-bextorDurante sus 4 primeros álbumes de estudio en solitario, la cantante Sophie Ellis-Bextor destacó por sus marchosas y bailables canciones de estilo Dance y Electro-pop con gran influencia del sonido Disco de los años 70 y 80. Sin embargo, para su quinto disco Wanderlust, la cantante inglesa dio un brusco giro musical y abandonó el sonido Dance comercial al que siempre le habíamos asociado para adoptar un estilo indie-pop y folk, con canciones más pausadas, íntimas e introspectivas que recordaban a sus inicios en el mundo de la música con su banda The Audience. Wanderlust marcó la transición de Sophie de princesa del pop británico a cantautora indie alternativa. Dicho álbum fue #4 en la lista de ventas británica, obtuvo unas ventas considerables, recuperó parte de sus fans perdidos y recibió críticas muy favorables por parte de los expertos musicales que alababan la originalidad y madurez de este trabajo y el drástico cambio musical hacia el sonido folk/indie alternativo. En el año 2016, Sophie Ellis-Bextor regresó con su sexto álbum de estudio, titulado Familia, el cual seguía la estela musical de Wanderlust y volvía a centrarse en un estilo más folk/indie con un mayor uso de instrumentos en vivo y un sonido más orgánico, aunque con un toque más marchoso, optimista y alegre que en su anterior álbum, ya que la misma Sophie declaró: “mi nuevo álbum Familia es la hermana más extrovertida y divertida de Wanderlust, y en este álbum se aleja de la fría Europa del Este hacia la soleada y cálida Latinoamérica”. Tanto el artwork del disco como los videoclips promocionales están inspirados en la cultura tradicional mexicana, que ha influido de gran manera en Sophie durante la grabación de este trabajo, no musicalmente pero sí en el concepto, contenido y letras del álbum, el cual está influenciado por la imaginería tradicional de Mexico. Familia fue aclamado por la crítica, que lo consideró el mejor trabajo de la cantante sin embargo tuvo un moderado impacto comercial, entró a un discreto puesto #12 en la lista de ventas de Reino Unido y los singles no gozaron del respaldo de sus seguidores, pese a ser temas excepcionales y una exquisita muestra del contenido del álbum.

De los 4 singles que fueron extraídos del álbum ninguno de ellos gozó del éxito que se merecían ya que son autenticas joyas musicales. El single anticipo de Familia fue el marchoso Come With Us, uno de los pocos temas up-tempo del álbum y que contiene cierta influencia del sonido dance-pop para recordarnos que Sophie ha sido la reina de las pistas de baile, pero quizás no representa la esencia del disco, el cual está compuesto por medios tiempos y baladas de carácter más sobrio. El colorido y alegre videoclip de este single fue grabado en Mexico y toda su estética está influenciada por la cultura tradicional de dicho país. El segundo single de Familia fue la clásica balada pop Crystallise, que se acerca más al concepto del álbum que el primer single. Como tercer single se extrajo el alegre y optimista Wild Forever, que es el otro tema up-tempo de Familia, con gran influencia electro-pop pero cuenta con un mayor uso de instrumentos en vivo y un sonido más orgánico sin molestos sintetizadores. Este maravilloso tema, uno de mis favoritos de Familia, nos recuerda a los tiempos discotequeros de Sophie, pero alejado de la frialdad de los temas Dance y con un toque más cálido y veraniego. El último single extraído del álbum fue Death of Love, un magnífico medio tiempo pop que cuenta con una producción electro-pop pero encaja perfectamente con el espíritu de Familia. Entre los temas destacados del álbum se encuentran la preciosa balada “Unrequited” que habla sobre el amor no correspondido, “My Puppet Heart” o “Hush Little Voices”, dedicado a sus hijos. En resumen, Familia comparte muchos puntos en común con Wanderlust ya que sigue la evolución musical hacia el indie-pop/folk, se centra en su faceta como cantautora y es un álbum íntimo y personal, pero resulta algo más alegre y marchoso que éste último e incorpora ciertas pinceladas del pasado electro-pop de Sophie, lo cual es un gran acierto. En mi opinión estamos estamos ante uno de los mejores discos de Sophie Ellis-Bextor. Puntuación: 8/10. Familia – Amazon

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Throwback Review: “Make a Scene” de Sophie Ellis-Bextor

R-2940527-1312646427.jpegEn 2001, la cantante británica Sophie Ellis-Bextor publicó “Read My Lips”, su primer álbum de estudio, que incluía los éxitos Murder On The Dancefloor, el cual fue #2 en la lista británica de singles, y Get Over You, que también tuvo una gran respuesta por parte del público europeo. El álbum fue #2 en las listas de Reino Unido y vendió más de 2 millones de copias en todo el mundo. El estilo musical de Read My Lips, con fuerte sonido electro-pop y dance-pop, destacaba por su divergencia con respecto a la música indie alternativa que hacía junto a su grupo The Audience. Su segundo trabajo discográfico, “Shoot From The Hip” no fue capaz de repetir el éxito de su álbum debut y tuvo un desempeño muy discreto en las listas de venta, ya que apenas fue top 20 en Reino Unido. En 2007, Sophie publicó “Trip The Fantastic Light”, su tercer álbum de estudio, el cual entró en el top 10 de la lista británica y contó con el éxito “Catch You”, que tuvo una gran respuesta por parte del público. Durante los años 2009 y 2010, la cantante inglesa realizó diversas colaboraciones con importantes Dj’s, como el dúo británico Freemasons en Heartbreak (Make Me a Dancer), un magnífico tema Disco, House y Dance-pop que recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales por la maravillosa ejecución vocal de Sophie y su elegante producción. Este single gozó de una gran promoción por parte de la artista londinense y tuvo un buen rendimiento comercial en la lista de ventas de Reino Unido, donde ocupó el puesto #13. Unos meses más tarde, la cantante siguió colaborando con Dj’s como el francés Junior Caldera en el tema Disco/House Can’t Fight The Feeling. El siguiente single, anticipo de su nuevo trabajo musical y ya sin colaboraciones con otros artistas fue Bittersweet, un pegadizo tema dance-pop y Disco que recordaba a su hit “Heartbreak”, y no es casual el parecido ya que estaba producido por el dúo inglés Freemasons, responsables también de aquel tema. Bittersweet tuvo un rendimiento comercial moderado y fue #25 en la lista británica. Tras este single, Sophie realizó otra colaboración, en este caso con el Dj holandés Armin van Buuren en Not Giving Up On Love, un elegante y melódico tema Dance/Trance que recibió buenas impresiones de los críticos. 

Tras numerosos retrasos en su publicación, en 2011 vio la luz el cuarto trabajo discográfico de Sophie Ellis-Bextor, titulado Make a Scene y el primero lanzado de manera independiente bajo su propio sello discográfico. Todos los singles anteriormente lanzados por la elegante y sofisticada cantante de ojos azules fueron incluidos en este trabajo discográfico. Después de sus tres primeros álbumes, Sophie tenía pensado publicar un disco de grandes éxitos con Heartbreak como single presentación, pero las sesiones de grabación fueron tan fructíferas que finalmente decidió publicar un nuevo disco de estudio. Make a Scene es un disco up-tempo compuesto por temas de estilo dance-pop, electro-pop y Disco producidos por grandes Dj’s y artistas de la industria musical europea como Calvin Harris, Greg Kurstin, Freemasons o Richard X. “Make a Scene” es un álbum bailable, marchoso y enérgico, pero no vacío de contenido como otros discos de género Dance ya que tiene unas letras profundas y muestra el gran talento vocal y como compositora de Sophie, ya que todos los temas están compuestos por ella. Para presentar el disco, fueron lanzados un par de singles: Off & On y Starlight, que se trataban de dos interesantes temas electro-pop y dance-pop, pero ninguno de ellos consiguió atraer la atención del público lo que perjudicó el rendimiento comercial del disco, el cual fracasó en las lista de venta, aunque este desempeño tan mediocre se debió a que fue publicado de manera muy limitada en muy pocos países y sin apenas promoción en el momento del lanzamiento. Su perfecta pronunciación y dicción británica y su elegancia natural son las señas de identidad de esta carismática cantante, poco conocida por el público masivo pero que ha gozado de gran éxito en su Reino Unido natal y otros países europeos. En resumen, podríamos considerar “Make a Scene” como una recopilación de los singles que lanzó Sophie durante los años anteriores a su publicación más que un disco centrado y cohesivo, pero nada más lejos de la realidad, ya que es un trabajo discográfico de gran calidad y lleno de buenos temas, por ello es uno de mis discos favoritos de Dance lanzados durante esta década. Puntuación: 8/10.

Crítica de “Expectations” de Bebe Rexha

Expectations-Bebe-RexhaEl 2017 fue un año clave dentro de la carrera profesional de Bebe Rexha, quien pasó de ser una cantante poco conocida por el público internacional a convertirse en una de las figuras más prometedoras del panorama pop. Hasta entonces la cantante de ascendencia albanesa había participado en varios temas que fueron hits en las listas de venta de todo el mundo como “Me, Myself & I” del rapero G-Eazy o “Hey Mama” de David Guetta (en los cuales no sólo puso la voz sino que participó como compositora) y había lanzado un par de singles que pasaron bastante inadvertidos, pero todavía no era un cantante conocida a nivel global. Sin embargo durante el año pasado lanzó dos EP que consiguieron atraer la atención de un público más amplio y siguió colaborando con varios artistas que quisieron contar con esta talentosa cantante y compositora. La primera entrega de All Your Fault se puso a la venta en el mes de febrero y contó con el single I Got You, el cual tuvo un desempeño moderadamente exitoso en las listas de venta, obteniendo su primera entrada en el top 50 en Estados Unidos con un tema propio. Este pegadizo tema electro-pop con ritmos tropicales resultaba altamente adictivo, lo que unido al éxito que logró su sensual videoclip en YouTube (Bebe Rexha no ha dudado en explotar su imponente físico) la cantante empezó a ganarse un hueco importante en el panorama musical internacional. All Your Fault Part 1 estaba formado por 6 temas de estilo pop, electro-pop y R&B con un importante sonido urbano y contaba las colaboraciones de los raperos G-Eazy y Ty Dolla Sign. Unos meses más tarde, concretamente en agosto, se puso a la venta la segunda entrega de All Your Fault, con el tema The Way I Are (Dance With Somebody) como single presentación. Este marchoso tema dance-pop y R&B samplea el éxito de Whitney Houston “I Wanna Dance With Somebody” y cuenta con la colaboración del rapero Lil Wayne, sin embargo no consiguió el éxito esperado y tuvo un rendimiento mediocre en las listas de venta. Un segundo single fue lanzado de “All Your Fault Part 2”, llamado Meant To Be, un tema que nunca nos hubiéramos imaginado que lanzaría Bebe Rexha, ya que se trataba de un medio tiempo Country-pop (un estilo musical que a priori no encaja con el sonido de la cantante) que contaba con la participación del famoso dúo Country Florida Georgia Line. Contra todo pronóstico, este single fue un auténtico éxito en la lista americana (en parte gracias a la colaboración del famoso dúo de Country) y logró el #2 en Billboard, la mejor posición de Bebe de toda su carrera musical, superando a “Me, Myself & I”, y se convirtió en uno de los singles más exitosos del 2017 y de lo que llevamos de 2018, ya que todavía se encuentra en los primeros puestos de la lista de Estados Unidos. Alrededor del mundo Meant To Be ha sido el single que ha permitido a Bebe Rexha triunfar definitivamente, ya que ha ocupado el top 10 en las listas de venta de Australia, Suecia o Canadá, además de lograr el #11 en Reino Unido.

Tras la gran acogida de este single, la cantante neoyorquina de padres albaneses decidió grabar temas para su primer álbum de estudio que se pondría a la venta a mediados de 2018. Y así ha sido, ya que la pasada semana vio la luz el disco debut de Bebe Rexha, un disco en el que estaban puestas grandes expectativas debido al considerable aumento de popularidad conseguido por la rubia cantante durante los últimos meses, y precisamente así ha titulado el álbum: Expectations. El estilo del álbum sigue la estela musical de las dos entregas de All Your Fault, ya que podemos encuadrarlo dentro del pop, electro-pop y R&B, y llama la atención que la mayoría de las canciones son de carácter muy íntimo e introspectivo, abundando los medios tiempos. Tanto Meant To Be como I Got You (los singles más exitosos de cada uno de los EP) han sido incluidos en el disco, el cual está formado por 14 canciones compuestas por la propia Bebe Rexha con la producción de Jason Evigan, The Stereotypes, Hit-Boy o The Monsters and The Strangerz. Expectations es un disco compuesto por canciones autobiográficas donde la cantante desnuda sus sentimientos y emociones y se muestra tal como es: un ser imperfecto, con defectos y que sufre por amor, como cualquiera de nosotros. Tras escuchar detenidamente las canciones del álbum, podríamos pensar que Bebe Rexha nos quiere dar una imagen de anti-heroína en vez de la de una diva perfecta, como muchas otras cantantes quieren ofrecernos. El single presentación del álbum ha sido I’m a Mess, un magnífico medio tiempo electro-pop/R&B que precisamente resume la esencia del disco, ya que en este tema Bebe habla de sus inseguridades e imperfecciones (“soy un desastre en el amor, una perdedora, una hater y no confío en nadie”) en un estribillo que samplea “Bitch” de Meredith Brooks. Definitivamente I’m a Mess es una auténtica joya, mi tema favorito del álbum y uno de los mejores singles que se han lanzado durante este 2018.

Dentro de Expectations destacan “Ferrari”, la canción que abre el disco y que se trata de un sombrío tema en el que Bebe se compara con ese tipo de coches deportivos diciendo que ha vivido la vida muy rápido, o “Knees”, un tema de desamor en el que Bebe implora de rodillas a su pareja para que le deje marchar si se ha acabado el amor. Entre los temas con mayor sonido urbano e influencia R&B se encuentran “2 Souls On Fire”, donde colabora Quavo y ha sido uno de los sencillos promocionales previos al lanzamiento del álbum, o “Steady”, en el que participa el cantante Tory Lanez. Uno de mis temas favoritos es “Self Control”, el tema más up-tempo del disco y que cuenta con influencia Tropical House, y en el que Bebe nos relata su falta de fuerza de voluntad y auto-control, pero no en el tema de las adicciones y el alcohol, sino en el amor. En resumen, Expectations es un disco de pop oscuro e intimista, que refleja la madurez que parece haber alcanzado Bebe Rexha en su vida tras haber tropezado en el amor y haber buscado su verdadera identidad. Aunque no es el disco up-tempo dirigido a las pistas de baile que algunos podrían esperar, no se hace aburrido a pesar de la abundancia de medios tiempos y baladas introspectivas que hay. Sin duda Expectations es uno de los mejores álbumes lanzados hasta la fecha en este 2018 y que propulsará definitivamente la carrera musical de esta talentosa cantante y compositora. Puntuación: 8/10. Expectations – Amazon

Yo quiero Dinero

jennifer-lopez-cardi-b-dineroDurante los últimos meses Jennifer Lopez ha estado muy activa musicalmente hablando, ya que ha lanzado varios singles en español, además de realizar varias colaboraciones con otros artistas. Como comenté en el anterior post de J.Lo, no sabemos todavía si va a publicar un álbum en español, en inglés o con canciones en ambos idiomas, ya que además de los singles que ha lanzado en nuestro idioma, también ha ofrecido nuevos temas en inglés, como “Us”. Apenas un mes después del lanzamiento del controvertido single “El Anillo” que ha captado la atención del público por su original estribillo y su espectacular videoclip, J.Lo ha lanzado un nuevo single: el esperado tema Dinero, del que la cantante ya adelantó unos segundos en una actuación a primeros de año. Dinero es una canción en inglés aunque cuenta con muchas palabras y frases en español, lo que la convierte en una canción bilingüe. Este tema cuenta con la colaboración de la rapera de moda, Cardi B, originaria del Bronx al igual que J.Lo, está producido por DJ Khaled, quien además actúa como hype-man (un término utilizado dentro del mundo del Hip-Hop que identifica al rapero que intercala exclamaciones o frases dentro del tema) y entre los muchos compositores del tema se encuentra el cantante Mohombi. Dinero es un tema que fusiona Latin-pop con una base Trap y melodía de bachata, y según DJ Khaled y Jennifer Lopez, es un “money-making anthem” (es decir un himno sobre la importancia del dinero y cómo hacer fortuna en el negocio de la música), un tema muy recurrente dentro del género Hip-Hop. Merece la pena rescatar algunas de las frases de este tema, como el pegadizo estribillo “yo quiero, yo quiero dinero… I just want the green, want the money, want the cashflow”, resumiendo la esencia de la canción, o “Soy la princesa de San Juan Puerto Rico”, haciendo referencia a la ascendencia puertorriqueña de J.Lo. El rap de Cardi B también es una de las partes más interesantes, e impagables son las frases “Merengue to the money, Bachata to the bank” o “Two bad bitches that came from the Bronx: Cardi from the pole and Jenny from the block”, donde explica el origen de ambas artistas, procedentes del neoyorquino barrio del Bronx, y hace referencia al pasado como stripper de Cardi y al famoso tema de J.Lo. Sin duda, Dinero es uno de los temas más interesantes y originales de la temporada y tiene muchas posibilidades de convertirse en un hit en los próximos meses.

Crítica de “So Good” de Zara Larsson

displaySuecia siempre se ha caracterizado por ser la cuna de una gran cantidad de cantantes y grupos musicales que han logrado una importante repercusión en el mundo de la música, por ello sería injusto considerar a ABBA y Roxette como los únicos músicos notables que ha exportado este país escandinavo. En los últimos años, los talent-shows de Suecia han sido la cantera de un gran número de jóvenes cantantes muy talentosos que han conseguido una carrera musical estable dentro y fuera de su país de origen, como Agnes o más recientemente Zara Larsson, quien es precisamente la protagonista de este post. Con sólo 10 años, la cantante originaria de Solna (una ciudad cerca de Estocolmo) fue la ganadora de un conocido concurso de búsqueda de talentos de la TV sueca y años más tarde consiguió ser fichada por una discográfica y logró su sueño de grabar un disco. Su álbum debut fue publicado en 2014 y aunque llegó al #1 en la lista de ventas de Suecia y consiguió cierta popularidad en otros países nórdicos como Dinamarca o Noruega, no fue lanzado en el resto de Europa. No fue hasta 2015 cuando Zara Larsson consiguió una repercusión internacional gracias al single Lush Life, el cual primero triunfó en los países nórdicos, consiguiendo el #1 en su país de origen y el top 5 en Dinamarca, Noruega o Finlandia, y meses más tarde en toda Europa y el resto del mundo, convirtiéndose en un hit en mercados tan importantes como Reino Unido, Alemania o Australia. Este marchoso tema electro-pop y Tropical House fue uno de los pioneros en incorporar este sonido caribeño que tan de moda se ha puesto últimamente y todos los cantantes se han apresurado en adoptar. Lush Life también fue lanzado como single en Estados Unidos pero tuvo una acogida muy mediocre y en un principio no logró penetrar en la lista americana ya que dicho mercado es bastante reticente a este tipo de cantantes pop, aunque meses después, tras el éxito del single en todo el mundo, Lush Life fue re-lanzado y consiguió entrar en la parte baja de la lista americana.

Never Forget You, un tema electro-pop compuesto por la propia Zara Larsson junto a MNEK, fue el segundo single, ocupó el #1 en Suecia y fue top 5 en las listas británica y australiana. Además llegó al top 20 en Estados Unidos, logrando la primera entrada de Zara en la lista americana (ya que Lush Life originalmente no lo consiguió) y convirtiéndose en el single más exitoso de una cantante sueca en dicho país y uno de los pocos singles que han conseguido éxito en Estados Unidos tras Robyn y Agnes. El tercer single fue Ain’t My Fault, un marchoso tema dance-pop que cuenta con influencia del sonido Bounce y en el que Zara hace uso del rap-sing tan habitual hoy en día. Este single fue nuevamente #1 en su país natal pero tuvo un desempeño moderado en el resto del mundo. I Would Like, un bailable tema dance-pop y Tropical House producido por The Monsters & Strangerz fue lanzado como tercer single, y es una de mis canciones favoritas del álbum. Gracias a su actuación en el concurso X Factor UK, el single ocupó el top 10 en Reino Unido e Irlanda. Ya en 2017, Zara Larsson siguió lanzando singles y So Good fue el quinto sencillo elegido, se trataba de un alegre medio tiempo pop/R&B que contaba con la colaboración del rapero Ty Dolla Sign. Tras el single So Good, en el mes de marzo se puso a la venta el álbum del mismo título, que incluía todos los singles anteriormente lanzados y es el primer disco de Zara Larsson publicado de manera internacional. So Good es un disco pop y electro-pop con gran influencia del sonido Tropical House compuesto en su mayoría por temas up-tempo y resulta muy similar al estilo del álbum debut de Dua Lipa, siendo ambos dos de los discos de una artista femenina pop más exitosos de los últimos años. So Good debutó en lo más alto de la lista de ventas de Suecia y también se situó dentro de las 10 primeras posiciones en Reino Unido, Dinamarca, Noruega, Irlanda y Australia. Aunque en Estados Unidos entró en una discreta posición dentro del top 30, consiguió ser certificado oro por medio millón de copias distribuidas, incluyendo ventas y streaming. Zara Larsson es una artista a la que no presté excesivamente atención al principio pero tras escuchar su disco So Good puedo decir que es un buen trabajo que cuenta con temas alegres y bailables encuadrados dentro del pop actual con gran influencia del sonido de moda, el Tropical House. Zara Larsson es una talentosa cantante que también ha hecho sus pinitos como compositora, y gracias a sus marchosas canciones y su gran atractivo le auguro un futuro muy prometedor en el mundo de la música. Puntuación: 7’5/10. So Good – Amazon

Crítica de “Dirty Computer” de Janelle Monáe

15193209489599En el año 2014, Janelle Monáe publicó su segundo álbum de estudio, The Electric Lady, que se trataba de un complejo y original proyecto en el que la artista de Atlanta continuaba con el argumento iniciado en su EP Metropolis y su primer álbum de estudio The ArchAndroid, y se trataba de un mundo futurista protagonizado por el androide mesiánico Cindi Mayweather (el alter-ego de Janelle), el cual libera a los ciudadanos de Metropolis de una sociedad secreta que ha prohibido la libertad y el amor. En el aspecto musical se trataba de un disco que mezclaba temas up-tempo Funk/R&B y baladas Soul, aunque podíamos encuadrarlo dentro del sonido Soul psicodélico, al que también pertenecen otros cantantes como Miguel y Frank Ocean. The Electric Lady resultaba un proyecto muy original, innovador y arriesgado, y recibió grandes elogios de la crítica, convirtiéndose en uno de los discos más aclamados por los expertos musicales durante esta década. Durante los últimos años, Janelle Monáe se ha centrado en su faceta de actriz y ha participado en dos películas que han logrado gran repercusión y éxito, Hidden Figures y Moonlight, en donde su participación como atriz ha sido alabada por los críticos de cine.

Tras un tiempo en el que ha estado parcialmente apartada de la música (aunque ha contribuido con canciones a las películas en las que ha participado), Janelle ha regresado en este 2018 con su tercer disco de estudio, llamado Dirty Computer y que se puso a la venta el pasado mes de abril. A pesar de que también se trata de un álbum conceptual, se aleja de la trilogía protagonizada por Cindi Mayweather ambientada en Metropolis, y es un disco que habla del empoderamiento femenino y la aceptación de uno mismo, y trata temas como el amor, el sexo y la manera en qué es vista por la sociedad. Tal y como ha comentado la propia Janelle Monáe, es su disco más personal y en el que se ha acercado más a su auténtico ser a través de las 14 canciones que lo componen. Al igual que su anterior trabajo discográfico, Dirty Computer es un álbum muy ecléctico que cuenta con una amplia y agradable mezcla de R&B, Funk, Hip Hop y Soul, pero en este caso ofrece un sonido más comercial y accesible a un mayor público, y contiene un toque Funk/Soul menos acusado que en The Electric Lady. Dirty Computer debutó en el #6 de la lista americana de álbumes y nuevamente ha recibido grandes críticas de los expertos musicales al igual que sus anteriores discos. El single presentación del disco fue Make Me Feel, un tema Funk/Soul que recuerda a la música de su mentor y admirado Prince, y como segundo single se lanzó Django Jane, un tema Hip-Hop en el que la cantante nacida en Kansas explora su lado como rapera, y muestra su gran versatilidad y amplitud vocal. El tercer single ha sido Pynk, uno de los temas más destacados de Dirty Computer y en el que Janelle habla del empoderamiento de las mujeres, la aceptación de su propia sexualidad, con metáforas acerca de la vagina como la artífice de la creación y la humanidad, algo que también muestra en el colorido videoclip del tema. En resumen, Dirty Computer es uno de los álbumes más originales e interesantes de este 2018, haciendo de Janelle Monáe una de las artistas más versátiles, vanguardistas y menos convencionales del panorama R&B/Soul actual. Puntuación: 8/10. Dirty Computer – Amazon

Crítica de “Golden” de Kylie Minogue

kylie-minogue-golden-coverKylie Minogue es una artista plenamente consagrada en el panorama musical, y aunque durante su larga trayectoria profesional ha experimentado con diferentes géneros musicales que han podido ajustarse más o menos con su estilo, siempre la hemos relacionado con el pop y el dance, géneros con los que ha triunfado durante décadas. Sin embargo, para su nuevo álbum de estudio, el decimocuarto dentro de su trayectoria profesional, nos ha sorprendido con el Country, un género que a priori no nos imaginábamos que podría adoptar la diva australiana. Desde el primer momento que escuché Dancing, el single anticipo de su nuevo trabajo discográfico, me llamó la atención su cambio de estilo musical, aunque no se alejaba totalmente del sonido habitual de Kylie ya que se trataba de un marchoso tema dance-pop y electro-pop con influencia Country-pop. Quizás podría tratarse de un tema más de Kylie si no fuera por el uso de guitarra Country al principio de la canción, por lo que Dancing ha sido el tema perfecto para marcar la transición entre el habitual sonido de la diminuta cantante y el nuevo estilo musical que nos presenta en su nuevo disco. A pesar de que Dancing es un tema muy interesante, marchoso, pegadizo y bailable, y ha recibido buenas críticas por parte de los expertos musicales y el público, no ha logrado un buen desempeño en las listas de venta y ha pasado desapercibido en Reino Unido o su nativa Australia. El nuevo álbum de estudio de Kylie, Golden, se puso a la venta el 6 de abril y seguro que será uno de los discos más importantes del 2018 en Europa y Australia, los dos mercados musicales más importantes de la cantante de Melbourne. Otra de las sorpresas que nos depara Golden aparte de la evolución musical de Kylie hacia el sonido Country es su mayor implicación en el proceso de composición y grabación, ya que la cantante de 49 años ha asumido un mayor papel creativo y ha compuesto todas las canciones que forman parte del álbum. Durante los primeros estadios de creación de Golden, Kylie empezó a trabajar con Richard Stannard, habitual colaborador de la cantante australiana, aunque más tarde viajó a Nashville, la cuna del Country, para adentrarse en el espíritu de este género y trabajar con Sky Adams entre otros.

El segundo single de Golden, lanzado unas semanas antes del lanzamiento del álbum, fue Stop Me From Falling, un tema bailable y alegre pero que guarda demasiadas similitudes con Dancing, ya que empieza con melodía de guitarra Country para transformarse en un tema dance-pop, lo que resulta repetitivo y no aporta nada nuevo con respecto a dicho single. Pese a su enorme parecido con Dancing es uno de los temas imprescindibles del disco por su carácter pegadizo y marchoso. Como tercer sencillo promocional, previo a la publicación de Golden, se ha elegido Raining Glitter, un tema Disco y dance-pop con ligera influencia Country-pop, lo que le convierte en el single lanzado hasta ahora más cercano al habitual estilo de Kylie, quizá para recordar que la verdadera esencia de la cantante sigue estando presente en este disco. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran “Golden”, el tema que da título al álbum, “One Last Kiss” o “A Lifetime To Repair”, que siguen el patrón de los anteriores singles de añadir un ligero toque de guitarra a un tema que por su temática podrían pertenecer a los anteriores discos de Kylie. Aunque la mayoría de las canciones que componen Golden son up-tempo y marchosas, también tienen cabida un par de baladas, algo esencial cuando se pretende adoptar el estilo Country. Dentro de los temas más tranquilos se encuentran “Music’s Too Sad Without You” junto al cantante de folk Jack Savoretti.

En resumen, Golden definitivamente no es el mejor álbum de Kylie Minogue ni será recordado en un futuro como su disco más memorable, sin embargo es una interesante adición a su amplio catálogo musical y nos muestra un lado diferente de la cantante, sin abandonar totalmente su característico sonido dance-pop. Sin embargo es uno de sus trabajos más personales y auténticos hasta la fecha, en el que Kylie se ha involucrado en mayor medida y ha participado en la composición de temas acerca de las relaciones fallidas del pasado o el auto-empoderamiento. Quizás pueda criticarse el hecho de haber adoptado el género Country en un momento en que varios cantantes del mainstream han intentado “subirse al carro” de este estilo musical porque otorga credibilidad y seriedad como artista, ya que este género siempre ha sido visto como serio, tradicional y maduro. Sin embargo la aproximación que ha hecho Kylie a este sonido ha sido muy leve, ya que simplemente ha añadido un ligero sonido Country-pop a su habitual estilo musical, puesto que las letras de las canciones están muy lejos de la temática tradicional sureña ni tiene ese toque triste y melancólico de las verdaderas canciones Country. Puntuación: 7’5/10. Golden – Amazon

The Best of R&B: “Survivor” de Destiny’s Child

unnamedUno de los grupos femeninos más importantes de la historia de la música, y concretamente dentro del género R&B, son sin lugar a dudas Destiny’s Child, quienes comenzaron como cuarteto en su álbum debut de título homónimo con las componentes Beyoncé Knowles, Kelly Rowland, LeToya Robertson y LaTavia Luckett bajo el mando de Matthew Knowles (padre de Beyoncé y tutor legal de Kelly) pero durante su trayectoria han sufrido numerosos cambios en sus integrantes, creando una gran confusión entre el público pero también aumentando considerablemente su popularidad. Tras el moderado éxito del primer disco de Destiny’s Child en Estados Unidos, el grupo publicó en 1999 su segundo álbum, titulado The Writing’s On The Wall, el cual disparó la fama del grupo gracias a una acertada selección de singles que triunfaron en la lista de venta americana y aumentaron su presencia internacional. Bills Bills Bills y Say My Name, primer y tercer single del álbum respectivamente, fueron #1 en Estados Unidos y también ocuparon buenas posiciones en las listas de venta alrededor del mundo. Ambos temas los considero una auténtica joya del R&B de finales de los 90 y principios de la década pasada e imprescindibles dentro de la historia de la música negra. En este álbum participaron algunos de los mejores productores del momento como Darkchild, Missy Elliott o She’kspere, recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales y gozó de gran éxito en tierras americanas, ya que fue un ejemplo de longevidad en la lista de venta de Estados Unidos, donde vendió más de 6 millones de ejemplares y fue certificado 8 veces platino por más de 8 millones de copias distribuidas. Además del gran éxito comercial que consiguió, este álbum destacó sin duda por la controversia que causaron los cambios de componentes del grupo durante su promoción. LaTavia y LeToya intentaron demandar al manager del grupo y padre de Beyoncé por su desproporcionado porcentaje de beneficios y por el excesivo protagonismo de Beyoncé y Kelly, quienes acaparaban el micrófono y eran las voces principales en todas las canciones de Destiny’s Child, relegando a LeToya y LaTavia a meras coristas. Pero lo más sorprendente ocurrió cuando vio la luz el videoclip promocional de Say My Name y ninguna de las dos integrantes aparecían, siendo sustituidas por dos nuevas componentes: Michelle Williams y Farrah Franklin, aunque ésta última fue vista y no vista, ya que sólo formó parte de Destiny’s Child durante 5 meses y únicamente participó en los videoclips de Say My Name y Jumpin Jumpin, abandonando el grupo por no soportar el estrés y su escasa participación en las decisiones del grupo. Tras la marcha de Farrah, Destiny’s Child pasó a ser un trío y se convirtió en la formación más estable y recordada del famoso grupo.

En el año 2000, Destiny’s Child participaron en la banda sonora de la película “Los Angeles de Charlie” con el tema Independent Women, que fue el trampolín definitivo para afianzar la fama del grupo en todo el mundo, ya que este single no sólo resultó un tremendo éxito a nivel internacional sino que el tema superó la popularidad de la propia película. Este tema co-producido por la propia Beyoncé junto a Cory Rooney y cuyo título completo es Independent Women Part I (puesto que dos versiones de la canción fueron grabadas), alcanzó el #1 en la lista de ventas americana durante 11 semanas consecutivas, convirtiéndose en el tercer #1 del grupo en Estados Unidos y uno de los mayores hits del año. Este single no sólo triunfó en tierras americanas sino que fue un éxito a nivel mundial, ya que consiguió el primer #1 del grupo en Reino Unido y ocupó el top 10 en Australia, Canadá o España. Durante los meses siguientes, las tres componentes del grupo grabaron el que sería su tercer disco de estudio, Survivor, que se puso a la venta en mayo del 2001. Este álbum fue compuesto en su totalidad por Beyoncé (a diferencia de The Writing’s on the Wall en el que participaron Kelly, LeToya y LaTavia en la composición de varias de las canciones) y está co-producido por Beyoncé junto a Rob Fusari y Anthony Dent principalmente. Aunque podemos encuadrarlo dentro del sonido R&B contemporáneo, Survivor tiene un mayor componente pop que su álbum predecesor y es más accesible para el público en general, ya que tiene más temas up-tempo, aunque predominan los medios tiempos y cuenta con varias baladas. Survivor debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos con más de 650 mil copias, convirtiéndose en el primer álbum #1 del grupo y logró la cifra de ventas más alta de un grupo femenino en la historia de la música americana. A nivel internacional, Survivor fue #1 en más de 10 países incluidos Reino Unido, Canadá o Alemania. Gracias a la magnífica acogida de los singles lanzados, Survivor vendió 3’7 millones de copias en Estados Unidos (donde fue certificado 4 veces platino) y más de 12 millones en todo el mundo, logrando el récord de ser el disco de un grupo femenino más vendido de la década del 2000.

Destiny's Child - Survivor (FanMade Album Cover) Made by JonathanLGardnerEl single presentación del álbum fue Survivor, un marchoso tema R&B/pop que resultaba altamente adictivo debido a su pegadiza melodía de violines y las maravillosas voces de Beyoncé, Kelly y Michelle. La idea de hacer un tema acerca de ser superviviente y superar las adversidades y la negatividad de ciertas personas vino de un chiste que hicieron en una radio estadounidense bromeando sobre cuál sería la siguiente componente de Destiny’s Child en abandonar el grupo, y esto sirvió de inspiración a Beyoncé para componer Survivor. Este tema resultó otro éxito para el trío originario de Houston, ocupando el #2 en Estados Unidos durante 7 semanas y siendo bloqueado de ascender a la posición de honor por el hit “All For You” de Janet Jackson, que ocupó el #1. En el resto del mundo también tuvo un gran rendimiento en las listas de venta, logrando el #1 en Reino Unido e Irlanda y el top 10 en Canadá, Australia y Alemania. Survivor estuvo acompañado de un espectacular videoclip ambientado en una isla desierta del Pacífico, donde Destiny’s Child aparecen en la playa tras naufragar, para más tarde explorar la isla y realizar una coreografía, compartiendo similitudes con el reality-show del mismo nombre. Survivor ganó numerosos premios, incluyendo mejor single R&B de un dúo/grupo en los Soul Train Awards y a mejor vídeo R&B en los MTV Video Music Awards. Tras el éxito de Survivor, Destiny’s Child lanzaron uno de los temas más bailables y marchosos del álbum: Bootylicious, que se trataba de un tema R&B/dance-pop up-tempo que hablaba de mover las posaderas de manera sexy y sentirse cómodo con tu propio cuerpo, y aunque creó cierta controversia por sus letras sexuales, más tarde fue considerado uno de los temas precursores del empoderamiento femenino y de lucir “un culo grande” sin ningún complejo, algo que se pondría de moda años después gracias a varias artistas y celebrities como Jennifer Lopez, Kim Kardashian o la propia Beyoncé. El término Bootylicious, formado por las palabras booty y delicious, logró tanta repercusión en Estados Unidos que fue incorporado al diccionario inglés Oxford y empezó a ser muy utilizado entre los jóvenes americanos, sobretodo entre el colectivo afroamericano y latino. Bootylicious fue un gran éxito en la lista de ventas americana, donde se convirtió en el cuarto single #1 para el trío y también fue un gran hit alrededor del mundo, logrando el #2 en Reino Unido y el top 5 en Irlanda, Australia y Canadá. El tercer single elegido fue Emotion, una versión del tema compuesto por Bee Gees. Esta balada R&B/Soul mostraba el lado más emotivo y sensible de Destiny’s Child, recibió buenas impresiones de los críticos musicales aunque resultó sensiblemente menos exitoso que los anteriores singles en las listas de venta, pero aún así fue top 10 en Estados Unidos y Reino Unido. Como último single se extrajo Nasty Girl, uno de los temas con mayor componente R&B del álbum, en el que Destiny’s Child critican a las chicas sin clase, horteras y chabacanas que nos rodean o nos podemos encontrar habitualmente en nuestro barrio o en la discoteca. Tuvo un impacto comercial mínimo ya que fue lanzado como single de manera muy limitada, aunque personalmente es uno de mis temas favoritos del álbum.

Aunque Beyoncé sigue siendo la voz principal en la mayoría de las canciones, la presencia de Kelly y Michelle incrementó de manera notoria en este álbum, siendo más equitativo el reparto de “solos” en las canciones, ya que se criticó el excesivo protagonismo de Beyoncé en los anteriores álbumes. Survivor está compuesto por 16 temas de los cuales apenas ninguno sobra, y entre los más destacados se encuentran “Fancy” y “Dance With Me”, dos medios tiempos de estilo R&B, o los marchosos temas dance-pop “Sexy Daddy” y “Happy Face”, los más bailables del álbum y que encajaban más con los gustos europeos. El álbum posee baladas muy interesantes como “Dangerously In Love”, una emotiva balada R&B cantada en su totalidad por Beyoncé y que fue la inspiración para su álbum debut en solitario, al que tituló de la misma manera que dicha canción. Aunque The Writing’s on the Wall es mi disco favorito de Destiny’s Child y es considerado un auténtico referente en la música R&B de la década pasada, Survivor también lo encuentro uno de los mejores álbumes de este género, ya que mantiene el espíritu R&B típico del grupo, pero añade un toque dance-pop que lo hizo más accesible y comercial, y permitió al trío triunfar definitivamente en todo el mundo. En resumidas cuentas, Survivor es un gran álbum y un digno sucesor del extraordinario The Writing’s on the Wall, compuesto por una magnífica selección de singles y un conjunto de canciones muy interesantes acompañadas de las maravillosas voces de Kelly, Beyoncé y Michelle, las cuales individualmente destacan, pero en conjunto harmonizan a la perfección. Sin duda uno de mis discos imprescindibles que me emociona cada vez que lo escucho. Puntuación: 9/10. Survivor – Amazon

Savior

iggy-azalea-savior-artworkEl 2014 fue uno de los mejores años para Iggy Azalea a nivel profesional ya que los singles lanzados de su primer álbum tuvieron una gran acogida en las listas de venta de todo el mundo y la situaron como una de las raperas revelación del año y una amenaza importante para Nicki Minaj, por ello tenía un futuro prometedor. Su estilo musical resultó un soplo de aire fresco dentro del mundo del Rap (sobretodo dentro del Hip-Hop femenino) ya que combinaba el Hip-Hop con melodías electrónicas más accesibles al público en general, con gran influencia del dance-pop y electro-pop, por lo que su estilo podíamos definirlo como pop-rap. The New Classic, su álbum debut, fue #3 en la lista americana, la mejor posición para una artista de Hip-Hop femenino tras Roman Reloaded de Nicki Minaj, acabó siendo certificado platino, y tanto Fancy (que fue #1 en estados Unidos) como Black Widow fueron hits en todo el mundo. Tras la buena acogida del álbum, la rapera australiana decidió re-editarlo bajo el nombre Reclassified, y siguió desgranando singles que tuvieron buena acogida en Estados Unidos. Tras cancelar la gira promocional de su primer álbum, en 2016 la rubia rapera regresó al panorama musical con Team, el single presentación de su segundo disco de estudio, titulado Digital Distortion. Team era un tema Hip-Hop down-tempo con sonido electrónico en el que Iggy cantaba y rapeaba, y pese a tener un gran potencial no obtuvo el rendimiento comercial esperado y apenas ocupó el top 50 en Estados Unidos, por ello el lanzamiento de Digital Distortion se aplazó e Iggy siguió grabando temas para el álbum. Un año después regresó con Mo Bounce, un tema Hip-Hop electrónico que fracasó en las listas de venta pero acaparó la atención su videoclip, en el que Iggy mostraba sus generosas posaderas haciendo twerking. La que fuera protegida del rapero T.I. siguió lanzando singles en un intento de reflotar su carrera, en concreto Switch, un bailable tema pop-rap con influencia latina y caribeña que contaba con la colaboración de la cantante brasileña Anitta. Cuando su carrera se encontraba pendiendo de un hilo, Iggy Azalea ha regresado en 2018 con el enésimo single presentación de su segundo álbum de estudio, cuya publicación ha sido retrasado en infinidad de ocasiones. Savior es el último intento de la rapera australiana por reactivar su carrera, pero a diferencia de lo mediocre que han resultado sus dos últimos singles, en este caso Savior es una canción que llama la atención desde el primer momento, ya que se trata de un pegadizo tema Hip-Hop/dance-pop con gran influencia del Tropical House, el sonido de moda que muchos artistas mainstream han adoptado recientemente, y cuenta con la colaboración del rapero Quavo, pero que en este caso en vez de rapear canta, lo que hace del tema muy accesible al público en general. En mi opinión es uno de los mejores temas que he escuchado recientemente y es el adecuado para relanzar la maltrecha carrera musical de Iggy Azalea. Savior no sólo es una gran canción, sino que está acompañado de un espectacular videoclip ambientado en una catedral y cargado de connotaciones religiosas, tomando gran inspiración de “Like a Prayer” de Madonna, pero con un toque moderno y actual. Tras el rendimiento moderado de los últimos singles lanzados, Iggy Azalea ha abandonado el proyecto Digital Distortion y ha comentado que su esperado segundo disco se titulará Surviving The Summer.

No Excuses

fotonoticia_20180301160122_640La cantante americana Meghan Trainor publicó su esperado segundo álbum de estudio Thank You en el año 2016, tras la excepcional acogida que tuvieron tanto su primer disco Title como todos los singles extraídos. Muchas expectativas estaban puestas en este álbum tras ser una de las artistas revelación del 2014 gracias a temas como All About That Bass o Lips Are Movin. Thank You tuvo un debut muy positivo en las listas de venta pero tras la buena acogida inicial del álbum y el single No, los siguientes singles no tuvieron tanto éxito y aunque el álbum gozó de una buena respuesta comercial, no logró repetir la tremenda longevidad de Title. Desde sus inicios en el mundo de la música, la joven cantante demostró que era una artista muy talentosa que tocaba varios instrumentos y componía sus propias canciones, pero sobretodo supuso un soplo de aire fresco en el aburrido panorama musical gracias a su estilo retro, que se inspiraba en el doo-wop, R&B y el Soul de los años 50 y 60. Durante los últimos meses la cantante de Massachusetts ha estado muy ocupada ya que ha compaginado la grabación de su nuevo álbum con su participación como jueza en el enésimo concurso musical de búsqueda de talentos de la televisión americana, “The Four: Battle For Stardom”, en el que comparte el panel de jueces junto a los raperos y productores musicales DJ Khaled y Sean Combs. Una vez finalizada la primera temporada de The Four, Meghan ha lanzado su nuevo single, un año después de su participación en la banda sonora de la tercera entrega de Los Pitufos con el tema “I’m a Lady”. El single presentación de su tercer trabajo discográfico es No Excuses, un marchoso tema que combina pop, Funk y Soul, y que no se desmarca demasiado del habitual estilo retro de la cantante presentado en su disco debut. Meghan Trainor, que ha regresado a su look de rubia, vuelve a mostrar su lado feminista con No Excuses, en el que pide respeto a su pareja y pone de manifiesto el empoderamiento de las mujeres.