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Crítica de “Always In Between” de Jess Glynne

91R2EsHEzkL._SY355_Como ya comenté en la crítica de I Cry When I Laugh, el primer álbum de estudio de Jess Glynne fue tremendamente exitoso, respaldado por 6 singles que lograron gran acogida en toda Europa (dos de ellos #1 en la lista británica) además de varias colaboraciones con otros artistas que también la llevaron a lo más alto del chart británico, lo que convirtió a Jess en la segunda artista británica femenina en tener 5 singles #1, empatada con Cheryl Cole, quien hasta entonces ostentaba el título. El primer disco de la cantante inglesa no sólo tuvo una gran respuesta comercial sino que recibió buenas críticas de los expertos musicales por sus habilidades como cantante y compositora, y le valieron numerosas nominaciones a premios incluyendo los Brit, e incluso consiguió un Grammy a mejor grabación Dance por el tema “Rather Be”. Durante los años siguientes al lanzamiento de “I Cry When I Laugh” Jess salió a la carretera a promocionar el álbum con varias giras de conciertos en las que recorrió Gran Bretaña e incluso viajó a las principales ciudades de Estados Unidos para presentar sus nuevas canciones, ya que su álbum debut logró entrar al top 30 de la lista americana, todo un logro para una artista británica novel. Debido a su gran talento, la presencia de Jess Glynne siguió siendo requerida por otros artistas, como el grupo inglés Rudimental, con quienes logró otro #1 en Reino Unido con el tema “These Days”. Además, Jess Glynne participó en la duodécima edición de X Factor UK como asesora de Cheryl Cole, quien era jueza en dicho concurso.

Durante las últimas semanas Jess Glynne ha sido noticia por varias razones, en primer lugar por ser la compositora del nuevo tema de Little Mix, llamado Woman Like Me, que precisamente es un descarte de su nuevo disco que se ha puesto a la venta el pasado 12 de octubre. Always In Between es el título del segundo álbum de Jess, el cual ha sido compuesto enteramente por ella al igual que su anterior disco, y cuenta con la producción de los ingleses Steve Mac y Starsmith, quienes ya participaron en su primer álbum, además de otros productores como Toby Gad. Este álbum está formado por un compendio de marchosos temas dance-pop reminiscencia de su primer disco y de medios tiempos pop con influencia Soul/R&B. Pero sin duda “Always In Between” destaca por el hecho de profundizar en este último tipo de canciones, lo cual la posiciona como una cantante pop/Soul más que como una artista dirigida a las pistas de baile como en su anterior álbum. El single presentación de este álbum ha sido I’ll Be There, un medio tiempo electro-pop que difiere de la mayoría de sus anteriores temas de estilo Dance y en el que su forma de cantar recuerda al estilo Folk/Country. Con I’ll Be There, Jess Glynne ha hecho historia al ser la única cantante británica en conseguir 7 singles #1 en la lista de ventas del Reino Unido. El segundo single, All I Am, fue lanzado el pasado mes de agosto, y en él Jess regresa a su zona de confort, ya que se trata de un marchoso tema dance-pop y House que nos recuerda a los hits de su primer disco. All I Am no ha podido llegar a lo más alto de la lista británica pero aun así ha logrado un buen puesto #7. Coincidiendo con el lanzamiento del álbum se ha lanzado el tercer single, Thursday, que pertenece al lado más tranquilo del álbum, y se trata de una balada pop acústica que contiene un mensaje inspirador de auto-aceptación.

Mis temas favoritos del álbum son “123”, un medio tiempo pop con influencia Soul muy interesante que debido al uso de gran cantidad de instrumentos en vivo lo convierte en uno de los temas más orgánicos y acústicos del álbum, y “No One”, un marchoso tema dance-pop que trata el tema del desamor y recuerda a su anterior álbum. Otros temas destacados son el medio tiempo electro-pop “Never Let Me Go” o la emotiva balada influenciada por el Soul “Broken”. Tras escuchar este álbum, queda claro que Jess Glynne ha evolucionado hacia un estilo similar al de Adele o Joss Stone, ya que el sonido Soul se hace protagonista en muchas de las canciones aunque podemos seguir encontrando algunos bailables temas dance-pop como en su álbum debut. Como era de esperar, debido al gran apoyo que tiene la cantante inglesa desde sus inicios, Always In Between ha debutado en lo más alto de la lista británica de álbumes, consiguiendo así su segundo #1 en Reino Unido. Aunque en el resto del mundo este disco no ha ocupado posiciones tan altas, sí ha logrado el top 20 en Australia e Irlanda durante su primera semana a la venta. En resumen, Always In Between marca una clara evolución en la música de Jess Glynne, deshaciéndose en parte de su lado House para adoptar un sonido más Soul que encaja a la perfección con su voz. Puntuación: 7/10.  Always In Between – Amazon

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Crítica de “I Cry When I Laugh” de Jess Glynne

Jess_Glynne_-_I_Cry_When_I_LaughJess Glynne se dio a conocer en 2014 gracias a su participación en el tema “Rather Be” de la banda electrónica británica Clean Bandit. Este tema al que Jess puso la voz fue un auténtico éxito en las pistas de baile de todo el mundo, logró el #1 en la lista de ventas de Reino Unido y Alemania, e incluso logró alcanzar el top 10 en Estados Unidos. Tras esta exitosa colaboración, la presencia de esta joven cantante fue requerida nuevamente por otro Dj, por lo que antes de su debut en solitario en el mundo de la música, Jess Glynne ya contaba con dos temas #1, algo de lo que muy pocos artistas noveles pueden presumir. Su primer tema fue Right Here, un marchoso tema dance-pop con influencia House y Garage que también tuvo buena acogida en toda Europa, sobretodo en su nativa Inglaterra, donde fue #6. Para terminar un 2014 lleno de éxitos, Jess lanzó otro single llamado Real Love, que contaba con la colaboración de Clean Bandit, con quienes triunfó meses atrás con el tema “Rather Be”. Real Love comenzaba como una balada con piano para convertirse después en un bailable tema electro-pop influenciado por el House británico, y obtuvo nuevamente un buen recibimiento en Reino Unido, donde ocupó el #2 en las listas de venta. Además de sus marchosos temas dance-pop, el carácter sencillo y humilde de Jess Glynne y su potente voz han sido las señas de identidad de esta artista desde el principio de su carrera, lo que le ha permitido conectar con el público joven europeo y hacerse un importante hueco en el mundo del Pop. Ya en 2015, Jess siguió lanzando marchosos singles de estilo dance-pop y House, como Hold My Hand, el cual se convirtió nuevamente en #1 en UK, el primero de la cantante en solitario, o Don’t Be So Hard On Yourself, con el que siguió su racha de hits, ya que también consiguió llegar a lo más alto de la lista de singles de Reino Unido, su quinto #1, puesto que otra de sus colaboraciones, en este caso con el rapero inglés Tinie Tempah en el tema “No Letting Go” también alcanzó el #1. “Don’t Be So Hard On Yourself” fue aclamado por la crítica como una de las mejores canciones del álbum, algo que yo comparto ya que en este tema Jess muestra su increíble talento vocal y como compositora, con un poderoso mensaje sobre tomar riesgos en la vida y levantarse tras haberse caído, lo que lo convierte en un himno a la perseverancia y auto-aceptación.

Tras 4 hit singles y numerosas colaboraciones de éxito, las expectativas estaban muy altas con el primer disco de Jess Glynne, el cual se puso a la venta en agosto del 2015. I Cry When I Laugh debutó en lo más alto de la lista de ventas británica y acabó vendiendo más de un millón de ejemplares en Reino Unido, todo un éxito en nuestros días, y también tuvo un desempeño positivo en el resto del mundo. Aunque se dio a conocer con temas House/Dance, la cantante londinense declaró que sus artistas favoritos y fuente de inspiración pertenecen al mundo del R&B como Adele, Amy Winehouse, Destiny’s Child, Mary J Blige o Mariah Carey, además de Lauryn Hill, cuyo álbum “The Miseducation of Lauryn Hill” le inspiró a convertirse en compositora y cantante. Debido a estas influencias, aunque dentro del álbum domine el sonido dance-pop, podemos apreciar cierto toque Soul, lo que unido a su poderosa voz hace que “I Cry When I Laugh” no sea el típico álbum Dance vacío de contenido y superficial, sino todo lo contrario ya que Jess Glyne también destaca por sus habilidades como compositora. Como quinto single Jess lanzó Take Me Home, el primer tema en forma de balada que nos ofrecía la cantante pelirroja, y recibió muy buenas críticas debido a la emotividad que trasmite su potente voz y a las profundas letras sobre el poder del amor. Take Me Home rompió su racha de chart-toppers pero aún así fue #6 en UK, aunque se comportó de una manera moderada en las listas de venta del resto del mundo. Como colofón a un disco lleno de éxitos, se eligió como último single el tema Ain’t Got Far To Go, el cual se desmarcaba de sus anteriores temas dance-pop para mostrarnos un lado diferente de su música, ya que este tema era más sosegado e influenciado por el Soul. En resumen, no estamos ante un disco dance-pop genérico, puesto que en “I Cry When I Laugh” podemos encontrar marchosos temas Dance/House para disfrutar en las pistas de baile, pero acompañados de profundas letras y una gran voz Soul. Jess Glynne llegó para quedarse. Puntuación: 7’5/10. I Cry When I Laugh – Amazon

Crítica de “Dancing Queen” de Cher

Cher-Dancing-Queen-Album-Cover-2018-billboard-embed-1Una de las divas más importantes del mundo del Pop, la incombustible Cher, ha regresado este año con su vigésimo sexto álbum de estudio, titulado Dancing Queen, que se trata de un disco formado por versiones de clásicos temas del mítico grupo ABBA. El último álbum de Cher fue Closer To The Truth, publicado en el año 2013 y que recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales por su ecléctico sonido (ya que contenía los clásicos temas dance-pop de Cher además de baladas con influencia Country y Rock) y sobretodo por su impresionante voz que sigue siendo admirable escuchar después de tantos años. La idea de hacer un disco de versiones de temas de ABBA surgió tras la aparición de Cher en la película “Mamma Mia! Here We Go Again”, donde además de actuar, la veterana cantante interpretaba los temas “Fernando” y “Super Trouper” del legendario grupo sueco. Los componentes de ABBA suelen ser reacios a que versionen sus canciones pero no han podido negarse a que una de las mejores voces de todos los tiempos haya tomado algunos de sus clásicos temas para dar forma a su nuevo trabajo discográfico. El single presentación del álbum ha sido Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight), que gracias a su magnífica versión nos ha hecho olvidar que los famosos primeros acordes de la canción fueron utilizados en el hit Hung Up de Madonna. Gimme! mantiene el espíritu Disco de este clásico de ABBA pero añade el toque dance-pop típico de Cher y su famoso efecto vocoder, haciéndolo más actual. Pese al gran potencial que podría tener este single en las listas de venta, Cher apenas ha promocionado dicho single ni ha grabado videoclip del tema. El segundo single ha sido SOS, y en esta ocasión Cher ha dado una mayor promoción al tema, interpretándolo en directo en el programa de Ellen DeGeneres, y grabando un videoclip (aunque Cher no aparece, y en su lugar lo hacen un grupo de mujeres con un look muy años 70, dando un mensaje de empoderamiento femenino y unidad entre las mujeres). Como último single antes de la publicación del disco, Cher ha lanzado su versión de One of Us, perteneciente originalmente al famoso disco The Visitors de ABBA, y que se trata de la única balada del álbum.

Cher ha respetado la esencia de las canciones de ABBA, y aunque ha añadido su particular estilo, su potente voz y un toque más moderno y electrónico, no ha cambiado el espíritu del famoso grupo sueco. Es una alegría ver que mis dos canciones favoritas de ABBA, The Winner Takes It All y Dancing Queen, están presentes en este álbum, además de otros clásicos como Mamma Mia o Waterloo, dos de los temas más icónicos y recordados del grupo. Como contrapunto a estos temas bailables y up-tempo están las baladas Chiquitita y Fernando, pertenecientes al lado más tranquilo y emotivo de este trabajo. El único punto en contra es que el álbum sólo contiene 10 temas, y teniendo en cuenta el amplio catálogo musical de ABBA, Cher podría haber elegido unos cuantos temas más para añadir a este magnífico trabajo. Sin duda, Dancing Queen es uno de mejores álbumes del año, con el que Cher rescata la música de uno de los grupos más importantes de todos los tiempos, haciendo que el legado de ABBA siga presente en nuestros días y gracias a él, los jóvenes que no pudieron disfrutar de la música del grupo, descubran sus canciones a través de una de las mayores divas del mundo de la música. Puntuación: 9/10. Dancing Queen – Amazon

Level Up, el regreso de Ciara

ciara-level-up.jpgEn el año 2015, la cantante americana Ciara publicó su sexto disco de estudio, llamado Jackie en homenaje a su madre y en el que celebraba su femineidad. Este álbum vino después de haber sido madre por primera vez y tras su separación de Future, con el que estaba prometida pero debido a las infidelidades del rapero decidió terminar la relación. Jackie recibió críticas mayoritariamente positivas y algunos lo vieron como uno de los mejores álbumes de su carrera, sin embargo las ventas no acompañaron y resultó un fracaso comercial. Jackie supuso un traspiés con respecto al avance que había conseguido su anterior álbum “Ciara”, ya que cuando su carrera estaba en caída libre, este trabajo discográfico supuso un punto de inflexión en su carrera debido a su moderado éxito y al single “Body Party” con el que logró su mejor posición en años en la lista americana de sencillos. La atractiva cantante fue madre por segunda vez el año pasado fruto de su matrimonio con el jugador de rugby Russell Wilson, con el que parece haber encontrado el amor finalmente. En este 2018, una Ciara totalmente recuperada de su segunda maternidad ha regresado al panorama musical con su nuevo single, Level Up, un enérgico híbrido electro-pop, dance-pop y R&B “made in Ciara”, ya que la cantante suele lanzar o bien emotivas baladas R&B o potentes temas up-tempo como single presentación de sus álbumes. Level Up es un auténtico club-banger pero detrás de su marchoso y trepidante ritmo se esconde una canción con trasfondo, ya que es un himno feminista y habla del empoderamiento de las mujeres (“Be your own boss, love yourself, get up & dance, level up”) aunque escuchando detenidamente las letras también podemos observar que Ciara lanza dardos envenenados a su ex-prometido Future. Aunque es un tema pegadizo, muy bailable y perfecto para los clubs, este tema ha recibido alguna crítica por su similitud con los temas up-tempo que suele lanzar Ciara, como Gimmie Dat o Got Me Good. El videoclip de Level Up es sencillo de contenido porque no tiene ningún argumento, pero resulta adictivo y espectacular porque muestra lo que mejor sabe hacer Ciara: realizar complejas coreografías luciendo su cuerpo tonificado, ya que la cantante de Atlanta es una talentosa bailarina. ¿Porqué Ciara no es la super estrella de la música que son Rihanna o Beyoncé, si cualidades no le faltan? Muchos aseguran que la música de Ciara hace años que no cambia ni evoluciona, y tras sus inicios muy influenciados por el sonido Crunk y el Hip-Hop, la cantante se ha polarizado en dos tipos de temas: baladas R&B y marchosos temas Dance/electro-pop como excusa para lucirse como bailarina y mostrar su magnifico físico, y aunque tiene cualidades suficientes como para haber sido una auténtica estrella pop/R&B, tras sus tres primeros álbumes su éxito comercial inició una espiral decreciente y su popularidad disminuyó en gran medida. Sin embargo, sus verdaderos fans entre los que yo me incluyo siempre hemos apoyado a esta gran artista. 

Throwback Review: “Make a Scene” de Sophie Ellis-Bextor

R-2940527-1312646427.jpegEn 2001, la cantante británica Sophie Ellis-Bextor publicó “Read My Lips”, su primer álbum de estudio, que incluía los éxitos Murder On The Dancefloor, el cual fue #2 en la lista británica de singles, y Get Over You, que también tuvo una gran respuesta por parte del público europeo. El álbum fue #2 en las listas de Reino Unido y vendió más de 2 millones de copias en todo el mundo. El estilo musical de Read My Lips, con fuerte sonido electro-pop y dance-pop, destacaba por su divergencia con respecto a la música indie alternativa que hacía junto a su grupo The Audience. Su segundo trabajo discográfico, “Shoot From The Hip” no fue capaz de repetir el éxito de su álbum debut y tuvo un desempeño muy discreto en las listas de venta, ya que apenas fue top 20 en Reino Unido. En 2007, Sophie publicó “Trip The Fantastic Light”, su tercer álbum de estudio, el cual entró en el top 10 de la lista británica y contó con el éxito “Catch You”, que tuvo una gran respuesta por parte del público. Durante los años 2009 y 2010, la cantante inglesa realizó diversas colaboraciones con importantes Dj’s, como el dúo británico Freemasons en Heartbreak (Make Me a Dancer), un magnífico tema Disco, House y Dance-pop que recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales por la maravillosa ejecución vocal de Sophie y su elegante producción. Este single gozó de una gran promoción por parte de la artista londinense y tuvo un buen rendimiento comercial en la lista de ventas de Reino Unido, donde ocupó el puesto #13. Unos meses más tarde, la cantante siguió colaborando con Dj’s como el francés Junior Caldera en el tema Disco/House Can’t Fight The Feeling. El siguiente single, anticipo de su nuevo trabajo musical y ya sin colaboraciones con otros artistas fue Bittersweet, un pegadizo tema dance-pop y Disco que recordaba a su hit “Heartbreak”, y no es casual el parecido ya que estaba producido por el dúo inglés Freemasons, responsables también de aquel tema. Bittersweet tuvo un rendimiento comercial moderado y fue #25 en la lista británica. Tras este single, Sophie realizó otra colaboración, en este caso con el Dj holandés Armin van Buuren en Not Giving Up On Love, un elegante y melódico tema Dance/Trance que recibió buenas impresiones de los críticos. 

Tras numerosos retrasos en su publicación, en 2011 vio la luz el cuarto trabajo discográfico de Sophie Ellis-Bextor, titulado Make a Scene y el primero lanzado de manera independiente bajo su propio sello discográfico. Todos los singles anteriormente lanzados por la elegante y sofisticada cantante de ojos azules fueron incluidos en este trabajo discográfico. Después de sus tres primeros álbumes, Sophie tenía pensado publicar un disco de grandes éxitos con Heartbreak como single presentación, pero las sesiones de grabación fueron tan fructíferas que finalmente decidió publicar un nuevo disco de estudio. Make a Scene es un disco up-tempo compuesto por temas de estilo dance-pop, electro-pop y Disco producidos por grandes Dj’s y artistas de la industria musical europea como Calvin Harris, Greg Kurstin, Freemasons o Richard X. “Make a Scene” es un álbum bailable, marchoso y enérgico, pero no vacío de contenido como otros discos de género Dance ya que tiene unas letras profundas y muestra el gran talento vocal y como compositora de Sophie, ya que todos los temas están compuestos por ella. Para presentar el disco, fueron lanzados un par de singles: Off & On y Starlight, que se trataban de dos interesantes temas electro-pop y dance-pop, pero ninguno de ellos consiguió atraer la atención del público lo que perjudicó el rendimiento comercial del disco, el cual fracasó en las lista de venta, aunque este desempeño tan mediocre se debió a que fue publicado de manera muy limitada en muy pocos países y sin apenas promoción en el momento del lanzamiento. Su perfecta pronunciación y dicción británica y su elegancia natural son las señas de identidad de esta carismática cantante, poco conocida por el público masivo pero que ha gozado de gran éxito en su Reino Unido natal y otros países europeos. En resumen, podríamos considerar “Make a Scene” como una recopilación de los singles que lanzó Sophie durante los años anteriores a su publicación más que un disco centrado y cohesivo, pero nada más lejos de la realidad, ya que es un trabajo discográfico de gran calidad y lleno de buenos temas, por ello es uno de mis discos favoritos de Dance lanzados durante esta década. Puntuación: 8/10.

Crítica de “Golden” de Kylie Minogue

kylie-minogue-golden-coverKylie Minogue es una artista plenamente consagrada en el panorama musical, y aunque durante su larga trayectoria profesional ha experimentado con diferentes géneros musicales que han podido ajustarse más o menos con su estilo, siempre la hemos relacionado con el pop y el dance, géneros con los que ha triunfado durante décadas. Sin embargo, para su nuevo álbum de estudio, el decimocuarto dentro de su trayectoria profesional, nos ha sorprendido con el Country, un género que a priori no nos imaginábamos que podría adoptar la diva australiana. Desde el primer momento que escuché Dancing, el single anticipo de su nuevo trabajo discográfico, me llamó la atención su cambio de estilo musical, aunque no se alejaba totalmente del sonido habitual de Kylie ya que se trataba de un marchoso tema dance-pop y electro-pop con influencia Country-pop. Quizás podría tratarse de un tema más de Kylie si no fuera por el uso de guitarra Country al principio de la canción, por lo que Dancing ha sido el tema perfecto para marcar la transición entre el habitual sonido de la diminuta cantante y el nuevo estilo musical que nos presenta en su nuevo disco. A pesar de que Dancing es un tema muy interesante, marchoso, pegadizo y bailable, y ha recibido buenas críticas por parte de los expertos musicales y el público, no ha logrado un buen desempeño en las listas de venta y ha pasado desapercibido en Reino Unido o su nativa Australia. El nuevo álbum de estudio de Kylie, Golden, se puso a la venta el 6 de abril y seguro que será uno de los discos más importantes del 2018 en Europa y Australia, los dos mercados musicales más importantes de la cantante de Melbourne. Otra de las sorpresas que nos depara Golden aparte de la evolución musical de Kylie hacia el sonido Country es su mayor implicación en el proceso de composición y grabación, ya que la cantante de 49 años ha asumido un mayor papel creativo y ha compuesto todas las canciones que forman parte del álbum. Durante los primeros estadios de creación de Golden, Kylie empezó a trabajar con Richard Stannard, habitual colaborador de la cantante australiana, aunque más tarde viajó a Nashville, la cuna del Country, para adentrarse en el espíritu de este género y trabajar con Sky Adams entre otros.

El segundo single de Golden, lanzado unas semanas antes del lanzamiento del álbum, fue Stop Me From Falling, un tema bailable y alegre pero que guarda demasiadas similitudes con Dancing, ya que empieza con melodía de guitarra Country para transformarse en un tema dance-pop, lo que resulta repetitivo y no aporta nada nuevo con respecto a dicho single. Pese a su enorme parecido con Dancing es uno de los temas imprescindibles del disco por su carácter pegadizo y marchoso. Como tercer sencillo promocional, previo a la publicación de Golden, se ha elegido Raining Glitter, un tema Disco y dance-pop con ligera influencia Country-pop, lo que le convierte en el single lanzado hasta ahora más cercano al habitual estilo de Kylie, quizá para recordar que la verdadera esencia de la cantante sigue estando presente en este disco. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran “Golden”, el tema que da título al álbum, “One Last Kiss” o “A Lifetime To Repair”, que siguen el patrón de los anteriores singles de añadir un ligero toque de guitarra a un tema que por su temática podrían pertenecer a los anteriores discos de Kylie. Aunque la mayoría de las canciones que componen Golden son up-tempo y marchosas, también tienen cabida un par de baladas, algo esencial cuando se pretende adoptar el estilo Country. Dentro de los temas más tranquilos se encuentran “Music’s Too Sad Without You” junto al cantante de folk Jack Savoretti.

En resumen, Golden definitivamente no es el mejor álbum de Kylie Minogue ni será recordado en un futuro como su disco más memorable, sin embargo es una interesante adición a su amplio catálogo musical y nos muestra un lado diferente de la cantante, sin abandonar totalmente su característico sonido dance-pop. Sin embargo es uno de sus trabajos más personales y auténticos hasta la fecha, en el que Kylie se ha involucrado en mayor medida y ha participado en la composición de temas acerca de las relaciones fallidas del pasado o el auto-empoderamiento. Quizás pueda criticarse el hecho de haber adoptado el género Country en un momento en que varios cantantes del mainstream han intentado “subirse al carro” de este estilo musical porque otorga credibilidad y seriedad como artista, ya que este género siempre ha sido visto como serio, tradicional y maduro. Sin embargo la aproximación que ha hecho Kylie a este sonido ha sido muy leve, ya que simplemente ha añadido un ligero sonido Country-pop a su habitual estilo musical, puesto que las letras de las canciones están muy lejos de la temática tradicional sureña ni tiene ese toque triste y melancólico de las verdaderas canciones Country. Puntuación: 7’5/10. Golden – Amazon

Savior

iggy-azalea-savior-artworkEl 2014 fue uno de los mejores años para Iggy Azalea a nivel profesional ya que los singles lanzados de su primer álbum tuvieron una gran acogida en las listas de venta de todo el mundo y la situaron como una de las raperas revelación del año y una amenaza importante para Nicki Minaj, por ello tenía un futuro prometedor. Su estilo musical resultó un soplo de aire fresco dentro del mundo del Rap (sobretodo dentro del Hip-Hop femenino) ya que combinaba el Hip-Hop con melodías electrónicas más accesibles al público en general, con gran influencia del dance-pop y electro-pop, por lo que su estilo podíamos definirlo como pop-rap. The New Classic, su álbum debut, fue #3 en la lista americana, la mejor posición para una artista de Hip-Hop femenino tras Roman Reloaded de Nicki Minaj, acabó siendo certificado platino, y tanto Fancy (que fue #1 en estados Unidos) como Black Widow fueron hits en todo el mundo. Tras la buena acogida del álbum, la rapera australiana decidió re-editarlo bajo el nombre Reclassified, y siguió desgranando singles que tuvieron buena acogida en Estados Unidos. Tras cancelar la gira promocional de su primer álbum, en 2016 la rubia rapera regresó al panorama musical con Team, el single presentación de su segundo disco de estudio, titulado Digital Distortion. Team era un tema Hip-Hop down-tempo con sonido electrónico en el que Iggy cantaba y rapeaba, y pese a tener un gran potencial no obtuvo el rendimiento comercial esperado y apenas ocupó el top 50 en Estados Unidos, por ello el lanzamiento de Digital Distortion se aplazó e Iggy siguió grabando temas para el álbum. Un año después regresó con Mo Bounce, un tema Hip-Hop electrónico que fracasó en las listas de venta pero acaparó la atención su videoclip, en el que Iggy mostraba sus generosas posaderas haciendo twerking. La que fuera protegida del rapero T.I. siguió lanzando singles en un intento de reflotar su carrera, en concreto Switch, un bailable tema pop-rap con influencia latina y caribeña que contaba con la colaboración de la cantante brasileña Anitta. Cuando su carrera se encontraba pendiendo de un hilo, Iggy Azalea ha regresado en 2018 con el enésimo single presentación de su segundo álbum de estudio, cuya publicación ha sido retrasado en infinidad de ocasiones. Savior es el último intento de la rapera australiana por reactivar su carrera, pero a diferencia de lo mediocre que han resultado sus dos últimos singles, en este caso Savior es una canción que llama la atención desde el primer momento, ya que se trata de un pegadizo tema Hip-Hop/dance-pop con gran influencia del Tropical House, el sonido de moda que muchos artistas mainstream han adoptado recientemente, y cuenta con la colaboración del rapero Quavo, pero que en este caso en vez de rapear canta, lo que hace del tema muy accesible al público en general. En mi opinión es uno de los mejores temas que he escuchado recientemente y es el adecuado para relanzar la maltrecha carrera musical de Iggy Azalea. Savior no sólo es una gran canción, sino que está acompañado de un espectacular videoclip ambientado en una catedral y cargado de connotaciones religiosas, tomando gran inspiración de “Like a Prayer” de Madonna, pero con un toque moderno y actual. Tras el rendimiento moderado de los últimos singles lanzados, Iggy Azalea ha abandonado el proyecto Digital Distortion y ha comentado que su esperado segundo disco se titulará Surviving The Summer.

Crítica de “Following My Intuition” de Craig David

1200x630bbCraig David fue uno de mis cantantes favoritos desde que apareció en el mundo de la música y se convirtió en el mayor exponente del R&B británico durante la década del 2000. El cantante de Southampton, Inglaterra, hizo su debut musical de la mano de Artful Dodger con el tema “Re-Rewind”, el cual gozó de una gran acogida en la lista de ventas británica, y sirvió para allanar el camino para su single debut en solitario. Fill Me In, el sencillo presentación de su primer álbum, resultó un gran éxito en Reino Unido, donde consiguió su primer #1 en la lista británica. No sólo fue un éxito en Europa, sino que logró tener buena acogida en el complicado mercado americano, donde fue top 20. La razón del éxito de este single se debió a su sonido R&B, estilo musical que estaba en pleno auge durante los primeros años del nuevo milenio. Born To Do It fue el primer álbum de estudio de Craig David, un trabajo compuesto por el propio cantante que combinaba el R&B/pop con sonidos típicamente británicos como el Garage y 2-Step. Los dos siguientes singles, Seven Days y Walking Away, obtuvieron similar éxito en Reino Unido y Europa, e hicieron de Craig David el cantante revelación del año 2000 y el máximo exponente del sonido R&B y UK Garage. Además estos dos singles también lograron ocupar el top 50 de la lista americana, todo un logro para un cantante, convirtiéndose en los últimos singles de Craig David que consiguieron entrar en la lista Billboard. Sus dos siguientes álbumes, Slicker Than Your Average, que fue #2 en la lista británica y contó con los singles “What’s Your Flava?” y “Rise & Fall”, y The Story Goes… también fueron moderadamente exitosos en Reino Unido, Europa y Australia, pero no lograron impactar en Estados Unidos, que dejó de ser un mercado relevante para el joven cantante inglés. Tras su cuarto trabajo discográfico, Trust Me, la carrera musical de Craig David entró en declive, las ventas de sus álbumes disminuyeron dramáticamente y su popularidad descendió a nivel mundial, aunque en su Reino Unido natal siguió siendo un artista importante. En el año 2008, Craig David puso a la venta su primer disco de grandes éxitos y en 2010 publicó Signed Sealed Delivered, un álbum de versiones de temas de estilo Motown y Funk de los años 70, que resultó un fracaso de ventas.

Después de unos cuantos años en los que apenas supimos de él, Craig David regresó al panorama musical en 2015 con varias colaboraciones con artistas del circuito Garage/Dance británico, como When The Bassline Drops, el cual originalmente se pensó como single presentación de su siguiente disco de estudio y que se trataba de un marchoso tema Garage con influencia electrónica y House. Este tema debutó en el top 10 de la lista británica, convirtiéndose en el tema más exitoso de Craig David en años. Tras la gran respuesta comercial y de crítica de este tema, el cantante inglés siguió tanteando el terreno para ver la respuesta del público antes del lanzamiento de su nuevo disco y ofreciéndonos nuevos singles dirigidos a los clubs, como Nothing Like This, un potente tema House que también obtuvo buena acogida en la lista británica. Como tercer single del álbum se lanzó One More Time, otro tema Garage con el que nos dibujaba a la perfección el sonido que iba a seguir el artista para su nuevo trabajo. En septiembre de 2016, el cantante puso a la venta su esperado sexto álbum de estudio, titulado Following My Intuition, después de una larga sequía musical. Este álbum profundiza en el sonido Garage y está compuesto principalmente por temas up-tempo con influencia Dance/House además de varios medios tiempos R&B reminiscencia de sus primeros trabajos, todos ellos compuestos por el propio Craig David. Ain’t Giving Up, lanzado un mes antes de la publicación del álbum, fue catalogado por su discográfica como el “verdadero primer single” oficial de este trabajo (aunque sea el cuarto sencillo lanzado) y se trataba de un marchoso tema Garage con influencia Tropical House producido por Sigala que logró un desempeño moderado en la lista británica. Mientras que la mayoría de canciones del álbum siguen el sonido Garage, también hay espacio para temas R&B, como el quinto single extraído, Change My Love, un bonito medio tiempo que recuerda a los temas con los que Craig David triunfó en la década del 2000, y personalmente mi canción favorita del disco. Un sexto single fue lanzado del álbum, que se trataba de una sentida balada R&B, la única presente en este álbum. All We Needed fue elegido como el sencillo de Children In Need (una asociación caritativa en para recaudar dinero para los niños desfavorecidos de Reino Unido) del año 2016. No Holding Back, un enérgico tema Dance y Garage lanzado como single por el prestigioso DJ holandés Hardwell junto a Craig David a principios del 2016 también se incluye en la versión deluxe del álbum. 

Gracias a la buena acogida de los numerosos singles lanzados con anticipación a la publicación del álbum y al gran interés de sus fans por este esperado trabajo, Following My Intuition debutó en el #1 de lista de ventas de Reino Unido, logrando su segundo disco #1 (tras su debut Born To Do It) y fue certificado oro por ventas superiores a 100 mil copias, superando ampliamente las ventas de sus 3 últimos lanzamientos, lo cual se puede considerar como “su gran disco de regreso” y un gran avance en la carrera musical de Craig David tras el traspiés de sus últimos álbumes. Con Following My Intuition, el artista inglés definitivamente siguió su intuición y creó uno de sus mejores trabajos hasta la fecha, quizás diferente a sus primeros álbumes que estaban centrados en un R&B más clásico, pero resulta muy marchoso, bailable y actual, y ha supuesto sin duda un punto de inflexión en su carrera ya que ha devuelto al cantante inglés la popularidad perdida durante estos años de retiro. Puntuación: 7/10. Following My Intuition – Amazon

Crítica de “Dua Lipa”

Dua_Lipa_(album)Dentro de la música contemporánea, no hay duda de que los cantantes y grupos americanos han dominado las listas de venta de todo el mundo, por ello Estados Unidos se ha convertido en la potencia mundial dentro de la industria musical, sin embargo los artistas británicos también han tenido una presencia muy importante en el mundo de la música. Aunque han habido muchos cantantes procedentes de Reino Unido que han triunfado a nivel mundial (especialmente en Europa) como Adele, Sam Smith o Ed Sheeran en los últimos años, por lo general les ha resultado complicado penetrar en el difícil mercado americano, que siempre ha sido muy reticente al pop “made in Britain”. Durante el pasado año, una de las cantantes británicas más destacadas fue Dua Lipa, una joven artista inglesa de ascendencia albanesa, quien podríamos considerarla la artista revelación del 2017. El álbum debut de la cantante de 22 años, titulado de manera homónima, está compuesto por bailables temas dance-pop y electro-pop con una gran influencia del sonido Tropical House (que se ha puesto muy de moda durante los últimos meses), los cuales giran alrededor de las relaciones de pareja, amor, sexo y auto-empoderamiento. “Dua Lipa” fue publicado en junio de 2017, debutó en el top 5 de la lista británica, y estuvo precedido por varios singles que lograron un rendimiento moderado en Reino Unido, Europa y Australia, como Be The One, el single debut de la cantante, que se trataba de un marchoso tema electro-pop que ocupó el top 10 de la lista británica, Hotter Than Hell, un tema Tropical House que trata de una fallida relación amorosa, o Blow Your Mind, uno de los temas más pegadizos, mi favorito del álbum, y el primer single de Dua Lipa que logró entrar en la lista americana.

Sin embargo el single con el que la cantante londinense ha triunfado a nivel mundial ha sido New Rules, un pegadizo tema electro-pop y dance-pop muy influenciado por el sonido Tropical House en el que Dua Lipa nos da las reglas que tenemos que seguir para no caer en el error de volver con nuestra ex-pareja. Este tema ha sido muy bien recibido por parte de los expertos musicales por sus ingeniosas letras, la naturaleza bailable de la canción y la personal voz de la cantante. New Rules se ha convertido en el primer single #1 de Dua Lipa en las listas de ventas de Reino Unido e Irlanda y ha ocupado el top 10 en varios países europeos como Alemania o Italia. Fuera de Europa, New Rules también ha demostrado ser uno de los mayores hits del 2017, como en Estados Unidos, donde ha ocupado el #12, una gran posición para una artista inglesa. Tras el éxito de New Rules, el último single en extraerse del álbum ha sido IDGAF (las siglas de I Don’t Give a Fuck), un tema pop y Tropical House que se diferencia de los anteriores singles por no ser tan up-tempo. En resumen, Dua Lipa tiene un prometedor futuro por delante ya que es una original artista de aspecto “indie” pero que ha sabido ganarse al público con temas pegadizos y marchosos, y su álbum debut ha sido uno de los mejores lanzamientos pop del 2017. Puntuación: 7’5/10. Dua Lipa – Amazon

Crítica de “Double Dutchess” de Fergie

52895098_Alt01Como he comentado en varias ocasiones, este 2017 ha sido el año de varios regresos muy esperados en el mundo de la música, entre ellos el de la protagonista de este post, Fergie, que ha permanecido alejada del panorama musical como artista solista durante más de una década, aunque no desapareció totalmente ya que tras su primer álbum en solitario se reunió con su banda The Black Eyed Peas y publicaron dos discos. Double Dutchess, su esperado segundo álbum se publicó a finales de septiembre tras haber sido filtrado todo su contenido en internet semanas antes y habiéndose lanzado una gran cantidad de singles con anticipación a su publicación, por ello el interés despertado por el álbum ha sido mínimo, ya que debutó en un discreto puesto #19 en la lista americana de álbumes que dista mucho de la posición alcanzada por su primer trabajo, The Dutchess, el cual fue un gran éxito y un ejemplo de longevidad en las listas de venta ya que durante sus dos años de vida comercial vendió más de 5 millones en Estados Unidos y generó 5 exitosos singles, tres de ellos #1. En su segunda semana a la venta, Double Dutchess experimentó una caída libre en la lista americana y desapareció del top 100 de Billboard, demostrando que el regreso de Fergie ha sido más tibio de lo que todos podríamos imaginarnos después de tantos años alejada del mundo de la música. En un intento de captar la atención del público, Fergie grabó videoclips de todas las canciones del álbum dentro de un documental llamado “Double Dutchess: Seeing Double”, una táctica iniciada por Beyoncé con su disco homónimo y en Lemonade, donde también grabó videoclips de todos los temas de su álbum. Stacy Ferguson (el verdadero nombre de Fergie) ha intentado repetir la fórmula utilizada en su primer álbum, y aunque Double Dutchess también es un ecléctico álbum que mezcla Hip Hop, R&B y dance-pop, no resulta tan original e impactante como lo fue The Dutchess, pierde el toque retro y Soul que tenían algunas canciones de éste último y contiene un mayor componente electrónico haciendo de Double Dutchess una copia sub-estandar de su primer trabajo pero actualizada a nuestros días. El single presentación del álbum, L.A. Love (La La), fue lanzado hace tres años y se trataba de un marchoso tema Hip-Hop con influencia reggae, y aunque consiguió un moderado desempeño en las listas de venta, no logró el gran éxito de los sencillos de su anterior álbum. Le siguió M.I.L.F. $, un extraño tema Hip Hop y dance-pop que hablaba del empoderamiento femenino, y cuyo videoclip ganó más popularidad y éxito que la propia canción debido a su alto componente sexual y provocativo. El tercer single fue Life Goes On, un tema con influencia Tropical House que ha tenido un impacto mínimo entre el público.

Todos los temas de Double Dutchess han sido compuestos por la propia Fergie y tratan del empoderamiento de las mujeres, su fuerza interior para superar los obstáculos de la vida o los desengaños amorosos, además de temas más alegres y divertidos. Los productores implicados en este trabajo han sido Toby Gad (el responsable de su hit Big Girls Don’t Cry, que ha aumentado su presencia en este disco), Polow da Don, Dj Mustard o Will.I.Am, su compañero de The Black Eyed Peas y productor ejecutivo de The Dutchess. Entre los temas mas destacados del álbum se encuentran “Like It Ain’t Nuttin”, un pegadizo tema Hip Hop y electro-R&B que fue uno de los primeros videoclips que desveló la cantante californiana para respaldar la promoción del álbum, “A Little Work”, una profunda balada en la que Fergie se enfrenta a sus antiguas adicciones, “Just Like You”, un medio tiempo R&B en el que muestra su lado más sensible y emotivo, “Love Is Pain” una balada rockera que muestra el contrapunto desgarrador y oscuro de un álbum en su mayoría alegre y divertido, o “You Already Know” un marchoso tema Hip Hop que cuenta con la colaboración de Nicki Minaj y ha sido el último single lanzado del álbum. En conclusión, el largo lapso de tiempo que ha estado Fergie retirada del mundo de la música le ha pasado factura, ya que ha visto mermada su popularidad de manera considerable, y en ausencia de un single potente y exitoso que respalde la promoción del álbum, éste ha fracasado en las listas de venta y promete ser uno de los mayores flops del 2017, pese a ser uno de los discos más esperados del año. Sin duda resultaba muy difícil superar el gran nivel de calidad de su primer álbum y aunque Double Dutchess cuenta con temas interesantes que nos muestran las diferentes facetas vocales de Fergie y relatan las experiencias que ha vivido durante estos años (como el hecho de ser madre o la separación de su marido Josh Duhamel), carece de la originalidad de The Dutchess y no posee singles tan redondos como Fergalicious, London Bridge o Big Girls Don’t Cry. Puntuación: 6’5/10. Double Dutchess – Amazon