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Throwback Review: “Disco Defenders” de Alcazar

R-9182808-1476221703-3618.jpegTras un hiato de 2 años en el que los componentes de Alcazar se tomaron un descanso y se dedicaron a otras actividades (Tess se convirtió en jugadora profesional de poker y Andreas participó en varios musicales), en 2008 regresaron como trío con nueva componente. We Keep On Rockin’ fue el single adelanto de su tercer álbum de estudio, llamado Disco Defenders. Este es quizás el mejor título que podrían haber elegido para su nuevo trabajo, ya que la música de Alcazar siempre ha estado dirigida a las pistas de baile gracias a sus marchosas canciones dance-pop, supieron rescatar el sonido Disco de los años 80 y 90 para darle un toque moderno y son los mayores representantes del nuevo sonido Disco durante el nuevo milenio. We Keep On Rockin’ se trataba de un marchoso tema dance-pop compuesto y producido por el responsable de su gran éxito “Crying At The Discoteque” y obtuvo una buena recepción comercial en Suecia, donde ocupó el #4 en la lista de ventas. Como segundo single se lanzó Inhibitions, otro marchoso tema Eurodance que nuevamente tuvo un buen desempeño comercial, convirtiéndose en el séptimo single top 10 de Alcazar en la lista de ventas de Suecia. A pesar de que los dos primeros sencillos del álbum fueron populares, el siguiente single fue el más famoso gracias a la participación de Alcazar en el Melodifestivalen del año 2009. Stay the Night poseía ese estilo festivalero típico de Alcazar y gracias a su sonido Disco y Eurodance resultó un gran éxito en Suecia, donde fue #2, además de obtener un buen puesto en el festival previo a Eurovisión. Sin duda Stay The Night es uno de los mejores temas del álbum (mi favorito personalmente) y de toda la carrera de Alcazar. Disco Defenders era un álbum doble compuesto por un CD con nuevas canciones y un segundo CD a modo de Greatest Hits con todos los temas más famosos del grupo, por lo que este trabajo resultaba de lo más interesante. Disco Defenders se puso a la venta en marzo del 2009 tras el éxito de Stay the Night y debutó en el #6 de la lista de álbumes de Suecia aunque más tarde ocupó el #4. Como último single del álbum se lanzó Burning, otro tema up-tempo muy bailable y marchoso pero debido a una menor promoción por parte del grupo no gozó de una buena respuesta comercial como los sencillos anteriores.

Alcazar hizo su debut en el mundo de la música en el año 1999 con el tema “Shine On”, el cual tuvo un impacto comercial muy moderado en las listas de venta, al igual que el segundo single “Ritmo del Amor”, sin embargo la entrada en el nuevo siglo y milenio fue muy positivo para el grupo, ya que gracias a su tercer single Crying At The Discoteque (el primer lanzado de manera internacional) Alcazar despuntó en todo el mundo, convirtiéndose en una de las canciones más famosas del año 2001. Este pegadizo y bailable tema dance-pop con influencia de la música Disco de los 80 y 90 fue un gran éxito en Europa (consiguió el top 10 en Alemania, Italia e Irlanda y el top 20 en España y Reino Unido) e incluso tuvo cierta rotación en las radios americanas, convirtiéndose en uno de los singles de un grupo sueco más exitosos a nivel mundial. Estos tres singles fueron incluidos en el álbum debut de Alcazar, llamado Casino, el cual vio la luz en Suecia en el año 2000 y fue lanzado a nivel mundial en 2002 tras el éxito de Crying At The Discoteque. Alcazar lanzó Sexual Guarantee como cuarto single (segundo internacional) y era uno de los temas inéditos en la re-edición de Casino. Sexual Guarantee seguía el toque retro de su predecesor y nuevamente se trataba de un marchoso tema dance-pop y Disco, demostrando que la música de Alcazar estaba dirigida a las pistas de baile. El tercer single internacional fue otra de las canciones inéditas de la nueva edición de Casino, Don’t You Want Me, que era una versión del famoso tema de The Human League y de nuevo hizo su aparición en el componente Dance/Club de la lista americana Billboard.

alcazar-this_is_the_world_we_live_in_s_1En 2003, una vez que Alcazar se había transformado en cuarteto y participado en el Melodifestivalen con el tema Not a Sinner, Not a Saint, publicaron su segundo disco de estudio, llamado Alcazarized y que contaba con las voces principales de los dos componentes masculinos del grupo. Debido al éxito de “Not a Sinner, Not a Saint”, el cual fue #1 en la lista de ventas de Suecia, fue incluido en el disco, aunque el primer single oficial fue Ménage à Trois, un polémico tema que contenía varias frases en francés. Aunque este tema resultaba original y pegadizo y contaba con un videoclip muy sexy ambientado en un hotel, no obtuvo una respuesta comercial muy positiva y apenas ocupó el top 20. Alcazarized debutó en el #2 de la lista de ventas de Suecia y fue re-editado en 2004 con varios temas inéditos como This Is The World We Live In, que se convirtió en el siguiente single del álbum. Se trataba de un marchoso tema Disco/dance-pop que alcanzó el #3 en la lista sueca (una de las mejores posiciones de Alcazar) y resultó el tema más exitoso del grupo en el resto de Europa desde Crying At The Discoteque. Como último single del álbum se lanzó otro de los temas inéditos, Physical, aunque resultó un fracaso en las listas de venta. A finales de 2004 Alcazar publicó un disco recopilatorio de grandes éxitos llamado Dancefloor Deluxe que contaba además con varios temas nuevos entre los que se encontraban Here I Am o Start The Fire, con el que Alcazar anotó otro top 10 en la lista de singles de Suecia.

Originalmente Alcazar estaba formado por Andreas, el cantante principal, y dos chicas que hacían los coros y las segundas voces: la pelirroja Annika y la rubia Tess, sin embargo durante su trayectoria musical Alcazar ha sufrido varios cambios de integrantes. A finales de 2002, tras la promoción de Casino, el trío pasó a ser cuarteto ya que se incorporó a la formación Magnus (el novio por entonces de Andreas), con el que grabaron su segundo álbum de estudio y una compilación de sus grandes éxitos. En 2005, Alcazar se separaron temporalmente y tanto Magnus como Annika abandonaron el grupo de manera definitiva. Cuando se reunieron en 2007, Andreas y Tess invitaron a una cantante amiga suya, Lina, a unirse a ellos durante una actuación y debido a la gran química en el escenario pasó a ser componente definitiva de Alcazar. Como trío, Alcazar publicó en 2009 su último disco de estudio.

Suecia siempre ha tenido una gran tradición musical y se ha tomado muy en serio su participación en el certamen de Eurovisión (el cual ha ganado en seis ocasiones), y prueba de ello es que el festival previo a Eurovisión donde se decide el candidato que representará al país nórdico, el Melodifestivalen, es un evento muy seguido por los suecos. Alcazar también han tenido un gran interés en Eurovisión ya que se han presentado nada más y nada menos que en 5 ocasiones, y aunque siempre han obtenido buenas posiciones en el festival previo, siempre se han quedado a las puertas de Eurovisión y no han podido representar a Suecia. Sus marchosas y bailables canciones de estilo Disco/dance-pop han encajado perfectamente con el tipo de música que suele triunfar en este festival y sus peculiares coreografías y original puesta en escena han hecho de Alcazar el epítome de grupo que participa en Eurovisión. Su primer intento fue en el año 2003 con el tema Not a Sinner, Not a Saint, el cual quedó en tercera posición del Melodifestivalen de aquel año pero se convirtió en el single más exitoso de todos los que participaron, obteniendo el primer single #1 del grupo Alcazar en Suecia. Este tema causó gran polémica (sobretodo en nuestro país) debido a su enorme parecido con la melodía del tema de Mónica Naranjo “No Voy a Llorar/I Ain’t Gonna Cry”, especialmente al principio de la canción. En 2005, Alcazar volvieron a intentarlo con Alcastar y aunque tampoco consiguieron su sueño de representar a su país, nuevamente quedaron en el tercer puesto del festival previo, y el single fue otro éxito para el grupo ya que lograron su segundo #1 en la lista de singles sueca. Alcazar no se rindieron y volvieron a presentarse al Melodifestivalen en los años 2009 y 2010 con los temas Stay the Night, el cual ya contaba con Lina como integrante del grupo tras la marcha de Annika, y que consiguió el #2 en Suecia, y Headlines, quizás el tema menos memorable de todos los que ha llevado el grupo al Melodifestivalen pero que consiguió llegar al #10 en la lista de singles sueca. El último intento de Alcazar por representar a Suecia en Eurovisión fue en 2014 con Blame It On The Disco, una de sus mejores apuestas y que nuevamente acabó en tercera posición y consiguió el #10 en la lista de singles de su país. Teniendo en cuenta que Alcazar se separaron el pasado 2018, podemos decir que no han conseguido su sueño de ir a Eurovisión (Andreas sí lo hizo como parte de otro grupo) aunque pueden estar orgullosos de haberlo intentado en numerosas ocasiones y haber obtenido siempre muy buenas posiciones. Aunque Alcazar están lejos del gran impacto que consiguieron sus compatriotas ABBA, también se han convertido en uno de los grupos suecos más importantes en el mundo de la música. La influencia de ABBA en la música y estilo de Alcazar es evidente e incluso comparten muchas similitudes con el famoso cuarteto, sobretodo en la época del 2002-2005 cuando el grupo estaba formado por 4 componentes, dos masculinos y dos femeninos.

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Step Back In Time: The Definitive Collection

Kylie_Step_Back_In_Time_Deluxe_RGB_HI-RES_2048xUna de las cantantes pop que puede presumir de tener una carrera más extensa y plagada de éxitos es sin duda la australiana Kylie Minogue, cuya trayectoria musical comenzó a finales de los años 80 y desde entonces, con ciertos altibajos, ha obtenido una gran acogida comercial en Europa y Australia y no ha cesado de llenar las pistas de baile gracias a sus marchosos temas dance-pop y Disco, aunque durante estos 30 años de carrera ha probado con diferentes estilos musicales como el electro-pop, Country o R&B. Dada su larga trayectoria musical, Kylie Minogue posee numerosos discos de Greatest Hits, como por ejemplo “Ultimate Kylie”, que se puso a la venta en 2004 e incluyó el tema inédito “I Believe In You”, el cual se convirtió en un gran éxito en las listas de venta, o “The Best of Kylie Minogue”, publicado en 2012 para celebrar los 25 años de la diva australiana en el mundo de la música. A finales del pasado mes de junio se puso a la venta un enésimo álbum recopilatorio que reúne sus grandes éxitos, llamado Step Back In Time: The Definitive Collection, aunque lo de “definitivo” es un término muy relativo, teniendo en cuenta que la discográfica de la veterana cantante es muy dada a rentabilizar el amplio catálogo musical de Kylie y lanzar numerosos álbumes de grandes éxitos. “Step Back In Time: The Definitive Collection” toma el título de un single de Kylie del mismo nombre lanzado en el año 1993, que formaba parte de su tercer álbum de estudio y fue uno de los singles más exitosos de sus primeros años. Además del largo título, en la portada del disco se puede leer “pop precision since 1987”, que resume a la perfección su carrera musical, ya que ha sido una de las más exitosas y dignas de admirar dentro del mundo del Pop. Dado el extenso catálogo musical de Kylie, Step Back In Time está formado por dos discos (de una manera muy similar a Ultimate Kylie), uno de ellos incluye los temas más icónicos de sus seis primeros álbumes como The Loco-Motion, I Should Be So Lucky, Better The Devil You Know o precisamente Step Back In Time, y el segundo de ellos contiene sus singles más exitosos de los últimos tiempos, como Can’t Get You Out of My Head, Spinning Around, Slow, On a Night Like This, All The Lovers, hasta su más reciente álbum de estudio Golden, representado por el hit Dancing y el segundo single, Stop Me From Falling, pese a que no tuvo un gran impacto comercial.

En este último CD se incluye un tema inédito titulado New York City, que se trata de un descarte de su anterior trabajo Golden, aunque en este caso transformado en un tema Disco/Funk en lugar del sonido Country que poseía dicho álbum. A diferencia de “I Believe In You”, que fue el tema inédito de Ultimate Kylie pero pasó a convertirse en un single imprescindible de la reciente discografía de Kylie, en este caso New York City no creo que forme parte del próximo álbum de lo mejor de la cantante, ya que no aporta nada nuevo a su carrera ni es una canción memorable. Llama la atención que no aparezca ningún tema de “Kiss Me Once”, su penúltimo lanzamiento, ya que aunque no fue un disco especialmente exitoso sí incluyó el más que digno “Into The Blue”, que podía haber sustituido perfectamente en el track listing al segundo single de Golden o a los anodinos “2 Hearts” o “Timebomb” (un single lanzado en 2012 como conmemoración de su 25 aniversario en el mundo de la música pero que no apareció en ningún álbum de estudio). Step Back In Time: The Definitive Collection ha sido lanzado en CD (versión normal y deluxe), vinilo y descarga digital, y hasta la fecha es el disco recopilatorio más completo de Kylie Minogue, sin duda una de las cantantes imprescindibles en la historia del pop y personalmente una de mis favoritas.

Flying of My Own, el regreso de Céline Dion

celine-dion-flying-on-my-ownEl pasado 8 de junio, la cantante canadiense Céline Dion dio el último concierto dentro de su segunda residencia en Las Vegas, Céline, tras 8 años de continuado éxito en la ciudad del pecado, en los que ha ofrecido 375 shows y recaudado 275 millones de dólares. “Céline” comenzó en marzo de 2011, tras su maratoniana gira mundial Taking Chances, y gracias a ella ha demostrado ser la artista más rentable de Las Vegas, ya que Céline Dion ocupa los dos primeros puestos en el listado de las residencias más exitosas y recaudadoras de todos los tiempos. Recordemos que con su primer show “A New Day”, que tuvo lugar entre 2003 y 2007, Céline Dion recaudó 385 millones de dólares y ofreció 714 shows, convirtiéndose en la residencia más extensa y prolífica de la historia de Las Vegas, además sirvió para cimentar el camino a otros cantantes y grupos que han seguido sus pasos y han decidido establecerse en la ciudad para ofrecer sus espectáculos. Y precisamente en su penúltimo concierto en Las Vegas, Céline Dion decidió cerrar con un broche de oro y presentó un tema inédito, Flying of My Own, que formará parte de su próximo álbum en inglés. La cantante de Quebec ha lanzado este single en las plataformas musicales en su versión en directo, aunque más adelante desvelará la versión de estudio de dicho tema. A diferencia de sus últimos álbumes, donde Céline Dion ha ofrecido su lado más tranquilo mediante baladas y medios tiempos, con “Flying on My Own” nos ha sorprendido con un potente tema dance-pop dirigido a las pistas de baile, y que nos recuerda a los temas más up-tempo procedentes de sus álbumes One Heart y A New Day Has Come. Este tema formará parte de su vigésimo álbum en inglés, Courage, que verá la luz en noviembre de este año. En el mes de septiembre, la artista de 51 años se embarcará en el Courage World Tour, con el que recorrerá de manera extensa Estados Unidos y Canadá y presentará canciones de su próximo disco en inglés. El Courage World Tour será su primera gira mundial desde Taking Chances (10 años atrás) aunque durante estos años ha dado varios conciertos en Europa para promocionar sus álbumes en francés. 

Throwback Review: “9 Lives” de Kat DeLuna

81lMXOv7hXL._SS500_Kat DeLuna es una cantante americana de ascendencia dominicana que inició su carrera musical en solitario en 2007 tras formar parte de un grupo cuando era una adolescente. Kat DeLuna guarda muchas similitudes con Jennifer Lopez, ya que ambas crecieron en el neoyorquino barrio del Bronx, tienen ascendencia latina y se han influenciado del sonido urbano que se respira en el Bronx y de la música latina proveniente de sus raíces hispanas. El álbum debut de Kat DeLuna se titula 9 Lives, fue compuesto en su totalidad por la propia cantante y producido por RedOne, quien por entonces era un desconocido para el gran público pero años más tarde triunfaría en todo el mundo gracias a su trabajo para Lady Gaga o J.Lo. “9 Lives” es un disco muy ecléctico que está formado principalmente por temas up-tempo de estilo dance-pop y R&B, con gran influencia Latin-pop, Dancehall y Hip-Hop. El single anticipo de 9 Lives fue Whine Up (la pronunciación caribeña de la palabra ‘Wind Up’ que significa movimiento de caderas en la pista de baile), que se trataba de un marchoso tema Dancehall en el que colaboraba el artista jamaicano Elephant Man. Whine Up alcanzó el top 30 en la lista americana de singles, obtuvo el premio a mejor tema Latin/Dance en los Billboard Music Latin Awards, y se convirtió en el mayor éxito de su carrera. En el resto del mundo también tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 20 en Canadá, Australia y Francia. El siguiente single fue Run The Show, un bailable y enérgico tema que combinaba R&B/Hip-Hop con sonido reggeaton, contaba con la colaboración del rapero Busta Rhymes y resultaba muy marchoso y pegadizo, convirtiéndose en uno de los temas más destacados del álbum y emblemático dentro de la carrera de Kat DeLuna. A pesar de que tuvo un buen desempeño en el componente Dance y Latin de la lista Billboard, no consiguió entrar en el Hot 100, aunque resultó un gran éxito en varios países europeos como Francia o Bélgica. En un principio estaba previsto que se lanzara Am I Dreaming como segundo single, pero fue cancelado su lanzamiento en favor de Run The Show, sin embargo el tema fue lanzado como parte de la re-edición del álbum en forma de remix junto al cantante senegalés Akon. Mientras que los anteriores singles eran up-tempo, Am I Dreaming se trataba de un romántico tema mid-tempo que mezclaba R&B y Latin-pop, concretamente melodía de bachata. Como último single se lanzó In The End, otro bailable tema dance-pop y electro-pop (esta vez sin un componente latino tan acusado) que resultaba muy similar a las producciones que usaría años más tarde RedOne para Lady Gaga y Jennifer Lopez.

Mientras que los singles lanzados de 9 Lives eran en su mayoría enérgicos temas up-tempo con gran influencia latina, en el resto del álbum podemos encontrar canciones más tranquilas donde dominaba el sonido R&B/pop como la romántica balada “Love Me, Leave Me” o “You Are Only Mine”, que recuerda al estilo de Toni Braxton y cuenta con inspiración latina, o los magníficos medios tiempos “Love Confusion” y “Feel What I Feel”, donde podemos apreciar que Kat es una buena vocalista. En los inicios de su carrera musical, Kat DeLuna tenía un prometedor futuro y un gran potencial, puesto que era una cantante, compositora y bailarina talentosa que podría haber triunfado como lo hizo J.Lo, sin embargo 9 Lives tuvo una recepción muy tibia por parte del público, ya que debutó en el top 60 de la lista americana y apenas vendió 10 mil copias en su primera semana. Su segundo álbum Inside Out vio la luz en 2010, aunque fue publicado de manera limitada en varios países europeos y tuvo un impacto comercial muy reducido. Contó con varios singles destacados como Unstoppable, junto al rapero Lil Wayne, o el polémico Party O’Clock, producido por RedOne, quien tras el relativo fracaso del tema, lo transformó en “On The Floor”, el exitoso single que devolvió a J.Lo al #1 en todo el planeta tras un periodo comercial infructuoso. Siendo más que obvias las similitudes de On The Floor con Party O’Clock, Kat DeLuna se quejó en varias entrevistas de cómo los artistas consagrados roban las ideas y la visión artística a los cantantes emergentes. Tras este segundo álbum, la cantante latina desapareció del panorama musical y apenas hemos sabido nada de ella, pero merece la pena rescatar del olvido a “9 Lives”, el cual lo considero un álbum más de digno. 

Throwback Review: “Jackie” de Ciara

ciara-jackie-coverLa cantante americana Ciara recuperó parte de su popularidad y éxito perdidos con su quinto álbum de estudio, titulado de manera homónima, ya que aunque no logró unas ventas espectaculares, sí supuso un importante avance en comparación con Basic Instinct, y contó con el single “Body Party”, que alcanzó su mejor posición en la lista americana tras varios años de ausencia en la parte alta de la lista Billboard. Tras “Ciara”, la cantante de Atlanta fue madre de un niño, fruto de su relación con Future, sin embargo poco después la pareja rompió tras descubrir Ciara las infidelidades del rapero. Mientras se centraba en cuidar a su hijo, Ciara comenzó a grabar su nuevo álbum, inspirado en su ruptura con Future y en su faceta como madre. En mayo de 2015, la cantante publicó su sexto disco de estudio, titulado Jackie en honor a su madre. Tras su maternidad, Ciara recuperó el escultural físico que tenía antes de su embarazo y realizó una intensa promoción del álbum, apareciendo en numerosos programas de televisión americanos y demostrando una gran voz en directo mientras interpretaba el primer single. I Bet es una emotiva balada R&B que trataba su relación con Future, estaba compuesta por la propia Ciara y producida por Harmony Samuels. Aunque en un principio “I Bet” podría parecer que no era la mejor opción como single presentación del álbum por ser una balada de carácter íntimo y autobiográfico, el resultado comercial fue bastante positivo, ya que ocupó el top 50 en la lista americana y el top 20 en el componente R&B de dicha lista, logrando la mejor posición de Ciara en Billboard desde “Body Party”. Tras la promoción de I Bet, Ciara anunció que se embarcaría en una gira por Estados Unidos, la primera de la cantante en muchos años y que recorrió las principales ciudades americanas.

Tras la buena acogida de “I Bet” Ciara lanzó como segundo single Dance Like We’re Making Love, un magnífico tema pop/R&B mid-tempo que recibió muy buenas críticas por parte de los expertos musicales por su ejecución vocal (muy similar a la de Janet Jackson) y la elegante producción de Dr. Luke. La elección de los singles fue todo un acierto ya que eran dos de los mejores temas del álbum y mostraban una faceta más centrada en las habilidades vocales de Ciara que en su talento como bailarina cuando lanza singles más marchosos. Jackie está compuesto principalmente por temas up-tempo de estilo dance-pop y electro-pop, y resulta uno de los trabajos más bailables de la cantante, aunque también podemos encontrar sus habituales baladas R&B. Ciara participó en la composición de varias de las canciones que forman parte de Jackie y contó con la producción de importantes nombres como Polow da Don y Dr. Luke (quienes ya trabajaron con la cantante en el disco Fantasy Ride), además de otros como Harmony Samuels o The Underdogs. Pese a que Ciara declaró en los estadios iniciales del disco que iba a trabajar con el productor Mike WiLL Made It, responsable de varios temas de su anterior álbum, finalmente no se incluyó ningun tema de Mike WiLL en Jackie.

Dentro de los temas up-tempo que forman parte de Jackie destacan la colaboración de Missy Elliott y Pitbull en “That’s How I’m Feelin”, uno de los más bailables y pegadizos del álbum, o “Give Me Love”, que se trata de un potente tema dance-pop y House dirigido a las pistas de baile, y que destaca por el uso del tono más grave y profundo de la voz de Ciara. Cabe destacar que en el track listing de Jackie se incluye “One Woman Army”, canción que originalmente se iba a incluir en su anterior trabajo y le daba título al álbum antes de que decidiera a cambiarlo simplemente por “Ciara”. Jackie debutó en un modesto #17 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en la segunda peor posición de Ciara en Billboard tras “Basic Instinct” y acabó vendiendo apenas 65 mil copias en Estados Unidos, la cifra más baja de ventas de un álbum de la cantante en toda su trayectoria musical. Aunque la elección de los singles fue acertada y podemos encontrar canciones interesantes en Jackie, gran parte álbum no acaba de enganchar y resulta menos sólido y consistente que su anterior disco. Puntuación: 6’5/10.

Throwback Review: “Read My Lips” de Sophie Ellis-Bextor

Sophie_Ellis-Bextor_-_Read_My_LipsTras pertenecer al grupo indie Theaudience a finales de los años 90, la cantante británica Sophie Ellis-Bextor hizo su debut en solitario en el año 2000 colaborando con el DJ Spiller en el tema “Groovejet”, el cual resultó un éxito en Reino Unido, donde alcanzó el #1 en la lista de ventas, además de en Australia e Irlanda. Tras la participación de la cantante inglesa en este tema, decidió comenzar la grabación de su primer álbum de estudio en solitario, llamado Read My Lips, el cual vio la luz en agosto de 2001. Para su álbum debut, Sophie Ellis-Bextor abandonó el estilo indie y rock presente en sus inicios en el mundo de la música para adoptar un sonido más comercial y bailable, en concreto una mezcla de electro-pop y dance-pop con influencias del sonido Disco de los 80, conformando un disco enfocado a las pistas de baile. El single presentación del álbum fue la versión del tema de Cher Take Me Home, al cual Sophie cambió ciertas partes de la composición dándole un toque más sexual que no acabó de convencer a la veterana cantante, la cual no quedó nada satisfecha con los cambios en su canción. Pese a dicha controversia, este marchoso tema dance-pop y Disco gozó de buena acogida en Reino Unido, donde alcanzó el #2. Pero sin duda fue el segundo single el que acaparó más atención por parte del público debido a sus peculiares letras y su pegadizo ritmo. Me estoy refiriendo a Murder on the Dancefloor, un marchoso tema dance-pop con influencia Disco que recibió buenas críticas de los expertos musicales y tuvo una gran respuesta comercial, convirtiéndose en el single más exitoso del álbum y unos de los temas más carismáticos de toda la carrera de la cantante. Murder on the Dancefloor fue #2 en la lista de singles de Reino Unido y ocupó el top 5 en los principales mercados musicales como Canadá, Australia, Francia o Italia. Como tercer single en Reino Unido se lanzó Get Over You junto a Move This Mountain como single de doble cara A, mientras que a nivel internacional se lanzó únicamente el primero de ellos. Move This Mountain pertenecía originalmente al álbum, sin embargo Get Over You era un nuevo tema que fue añadido a la re-edición de Read My Lips. Get Over You es un pegadizo tema electro-pop y dance-pop que se convirtió en otro éxito para Sophie en la lista británica de singles, alcanzando el #3, y también gozó de buena acogida en Australia o España, donde ocupó el top 10.

En contraste al resto de marchosos singles lanzados, el otro tema perteneciente al single de doble cara A lanzado en Reino Unido era Move This Mountain, una balada electrónica y el momento más sosegado del álbum. Como cuarto y último single se extrajo Music Gets the Best of Me, la otra canción inédita perteneciente a la re-edición de Read My Lips. Este tema dance-pop con influencia House era uno de los más up-tempo del álbum, sin embargo debido a su carácter poco original obtuvo una respuesta comercial más moderada, alcanzando únicamente el #14 en Reino Unido. Mientras que los singles lanzados tenían un sonido dance-pop/Disco y carácter up-tempo, del resto del álbum dominaban los temas electro-pop como “Lover”, “Sparkle” o “By Chance” aunque también podíamos encontrar marchosos temas dance-pop como “The Universe Is You”. Read My Lips debutó en el #2 de la lista británica de álbumes y acabó siendo certificado doble platino por ventas superiores a las 800 mil copias, y también cosechó cierto éxito en Australia o Alemania, donde fue top 10. Gracias a este álbum descubrimos a una de las cantantes británicas más elegantes, con mayor personalidad y sentido del humor, además de una gran vocalista y un ejemplo en la perfecta pronunciación del acento británico. Sin duda Read My Lips fue uno de los mejores álbumes de dance-pop y electro-pop de la primera década del 2000.

Throwback Review: “Like a Prayer” de Madonna

madonna-like-a-prayer-vinilo-180-grs-nuevo-y-cerrado-D_NQ_NP_667734-MLA25767044303_072017-FEl pasado 21 de marzo de cumplieron 30 años del lanzamiento de Like a Prayer, uno de los discos más importantes de la historia del pop e icónicos dentro de la carrera musical de Madonna. Like a Prayer es el cuarto álbum de estudio de la Reina del Pop, publicado tras el tremendo éxito que cosechó True Blue, el cual fue #1 en más de 20 países, superó los 25 millones de copias en todo el mundo y se convirtió en el álbum de Madonna más vendido (sólo superado años después por The Immaculate Collection, su primer disco de grandes éxitos). Aunque Like a Prayer es el sucesor natural de True Blue como álbum de estudio, lo cierto es que entre ambos discos Madonna publicó Who’s That Girl, la banda sonora de la película del mismo nombre protagonizada por la propia cantante, y You Can Dance, un disco de remixes. Like a Prayer ha sido uno de los discos más polémicos de la cantante, por el uso de temática religiosa en la canción y videoclip que da título al álbum, lo cual provocó un shock en la Iglesia Católica y numerosos colectivos conservadores de todo el mundo reaccionaron de manera negativa hacia el álbum. Además la controversia que rodeó a Like a Prayer hizo que Pepsi rompiera su contrato publicitario con Madonna. Pese a estas polémicas, lo cierto es que Like a Prayer es uno de sus discos más autobiográficos, en el que Madonna relata su complicada relación con un padre autoritario, la pérdida de su madre cuando era una niña, o episodios violentos en su matrimonio con Sean Penn y su posterior divorcio. Madonna compuso todos los temas del álbum junto a Patrick Leonard (responsable de los hits Live To Tell o La Isla Bonita) y Stephen Bray, quien trabajó anteriormente con la Ciccone en los álbumes Like a Virgin y True Blue.

El single presentación del álbum fue Like a Prayer, un tema pop-rock con influencia de la música Gospel que destacaba por el uso prominente de guitarra eléctrica, órgano y los coros Gospel. Madonna utilizó metáforas religiosas y alusiones a su pasado católico en sus letras, mezclándolas con temas de amor y relaciones, lo cual fue visto como un sacrilegio para la moral conservadora de los años 80. El videoclip de Like a Prayer, ambientado en una iglesia católica, resultó muy polémico y añadió mayor popularidad al tema si cabe, debido al uso de una temática religiosa, incluyendo la aparición de un Cristo negro o cruces ardiendo. Este single fue aclamado por la crítica y resultó un tremendo éxito comercial, ocupando el #1 en las listas de venta de todo el mundo (salvo algunas excepciones como Francia o Alemania, donde fue #2), y pasando a formar parte de los singles más exitosos de todos los tiempos. En Estados Unidos se convirtió en el séptimo #1 de Madonna en la lista Billboard y fue certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares. Tras el éxito de Like a Prayer, en mayo de 1989, Madonna lanzó Express Yourself como segundo single del álbum. Este marchoso tema dance-pop se convirtió en un himno de empoderamiento femenino en el que Madonna se desprende de su imagen frívola y superficial iniciada con el tema “Material Girl” para declarar que no necesita anillos de diamantes para ser feliz. Su poderoso mensaje feminista de elegir al hombre que de verdad te conviene y no al que te llena de regalos fue fuente de inspiración a una generación entera de artistas como Spice Girls o Lady Gaga. Cabe destacar que el videoclip de Express Yourself es el tercero más caro de la historia de la música (costó más de 5 millones de dólares en 1989).

Para suavizar la imagen de Madonna de cara al público y evitar de nuevo la polémica, se decidió lanzar como tercer single un tema más comercial y menos controvertido. Cherish era un alegre tema pop con influencia doo-wop que recordaba a algunas canciones pertenecientes a True Blue y trataba el tema del amor y las relaciones con alusiones a Romeo y Julieta. Cherish fue un éxito alrededor del mundo, logrando el #1 en Canadá, el #2 en Estados Unidos y el #3 Reino Unido. Como cuarto single Madonna eligió una de las canciones más personales y autobiográficas del álbum: Oh Father, en la que trata la complicada relación con su padre, que era un hombre dictador y autoritario. Esta dramática balada recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales pero no tuvo un gran impacto comercial ya que rompió su racha de singles top 5 en la lista americana iniciada con Like a Virgin y tuvo que conformarse con ser top 20. Like a Prayer es un disco muy ecléctico y más experimental que los álbumes precedentes de Madonna, y para dar muestra de la variedad musical presente en el disco, lanzó como siguientes singles Dear Jessie, un extraño tema de estilo pop psicodélico en el que Madonna conecta con su niña interior, y Keep It Together, de estilo funk y uno de los temas más up-tempo y marchosos del álbum. Keep It Together es una de las dos canciones producidas por Stephen Bray del álbum, trata de la relación de Madonna con familia y pese a ser lanzado como sexto single y apenas contar con promoción ni videoclip su respuesta comercial fue bastante positiva, logrando el top 10 en Estados Unidos y Canadá. Entre las canciones que no fueron singles pero merecen la pena ser mencionadas se encuentran “Pray for Spanish Eyes”, una bonita balada con inspiración latina, el marchoso “Till Death Do Us Apart”, donde Madonna habla sobre el final de su matrimonio con Sean Penn y su turbulenta relación, o “Promise To Try”, una profunda balada que relata cómo se sintió la cantante tras la muerte de su madre.

A pesar de no resultar tan exitoso como Like a Virgin o True Blue (los cuales superaron los 20 y 25 millones de copias respectivamente), Like a Prayer también gozó de una gran acogida en todo el mundo, debutó en el #1 de las principales listas de venta, como Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Alemania o España, y acabo vendiendo 15 millones de copias. En tierras americanas fue certificado 4 veces platino por ventas superiores a los 4 millones de ejemplares y en Gran Bretaña vendió más de un millón de copias, aunque resultan cifras claramente inferiores a las de True Blue, el mayor éxito de Madonna. Aunque Like a Prayer no se encuentra entre mis discos favoritos de Madonna (pienso que True Blue es un trabajo más cohesivo y sólido), es innegable el tremendo impacto que tuvo este álbum en la historia del pop y en la discografía inicial de Madonna, ya que supuso un punto de inflexión en su carrera y marcaba el primer disco de la Ambición Rubia en la treintena, mostrando una mayor madurez personal y musical, además de experimentar con nuevos sonidos y estilos.

The Best of Pop: “Believe” de Cher

cher_-_believeEn 1998 se publicó uno de los mejores álbumes de la historia del pop y que supuso uno de los regresos más importantes e inesperados de todos los tiempos en el mundo de la música. Me estoy refiriendo a la legendaria cantante Cher, que resurgió de sus cenizas para ofrecernos Believe, para muchos el mejor álbum de toda su carrera y con el que logró aumentar su base de fans con millones de nuevos seguidores gracias a las magníficas canciones presentes en este trabajo. Believe es el álbum de estudio nº22 de Cher y tomó el relevo a It’s a Man’s World, publicado en 1995 y que fue recibido de manera muy tibia en tierras americanas, aunque en Europa obtuvo una mejor acogida. Believe destacó desde un primer momento por la divergencia en cuanto a sonido con respecto al catálogo musical anterior de Cher, ya que se distanciaba de su habitual estilo pop-rock para adentrarse en el territorio Dance y ofrecer un sonido más moderno, bailable y comercial. La veterana artista se unió al compositor y productor musical Mark Taylor para dar forma a un álbum muy breve (sólo contenía 10 canciones) pero donde no sobraba ninguna ya que era un trabajo muy sólido y consistente. Aunque Mark Taylor se encargó junto a Paul Barry de la mayoría de los temas del álbum, incluyendo los 4 singles, también participaron en este proyecto la gran compositora Diane Warren o Todd Terry, quien produjo 3 canciones. Believe recibió críticas principalmente positivas de los expertos musicales por su moderno y arriesgado sonido, pero también surgieron voces que lo tachaban de ser un álbum anodino y carente de personalidad. Gracias al single de idéntico título del que más tarde hablaré, el álbum obtuvo una excelente acogida en todo el mundo, disparando la popularidad de Cher tras unos años comercialmente infructuosos y elevándola de nuevo al olimpo de las divas del Pop. Believe fue #4 en Estados Unidos, la mejor posición de Cher en la lista Billboard, fue certificado 4 veces platino y vendió más de 3’5 millones de copias en tierras americanas, convirtiéndose en el álbum más exitoso de toda su carrera. El álbum fue #1 en Canadá, Alemania (donde Believe fue tremendamente exitoso y vendió más de un millón de copias) y varios países europeos. En total, el álbum superó los 10 millones de ejemplares en todo el mundo y fue uno de los discos más vendidos de 1998 y 1999. Believe recibió tres nominaciones a los premios Grammy a mejor álbum Pop, mejor grabación del año y mejor grabación Dance, ganando en esta última categoría.

El single presentación del álbum fue el single del mismo título, el cual pasará a la historia de la música como la canción con la que Cher protagonizó uno de los regresos espectaculares y se convirtió en la reina de las pistas de baile. Believe se trataba de un marchoso y bailable tema dance-pop que destacó por el uso del Auto-Tune en la voz de Cher, y tan famoso resultó este fenómeno de corrección de la voz que fue denominado desde ese momento el “efecto Cher”. La letra de Believe trataba el tema del auto-empoderamiento y salir adelante tras el fin de una relación dolorosa. Considerado por muchos como una obra maestra, Believe sentó un precedente en el mundo de la música ya que la influencia Dance fue incorporada desde ese momento a muchos temas pop, creando un subgénero muy popular (el dance-pop) que adoptarían numerosos artistas posteriormente. En un año extraordinario para el pop (ya que se lanzaron hits de la talla de …Baby One More Time de Britney Spears o Genie in a Bottle de Christina Aguilera) Believe consiguió un éxito sin precedentes en las listas de venta de todo el mundo. Fue #1 en prácticamente todos los países donde fue lanzado, logró vender más de 10 millones de ejemplares (cuando sólo existían CD singles en formato físico) y ha pasado a la historia de la música como una de las canciones más exitosas de todos los tiempos. Believe destacó por su excelente rendimiento comercial en Reino Unido, donde fue #1 durante 7 semanas y vendió más de 2 millones de ejemplares, o en Estados Unidos, donde lideró la lista de ventas durante 4 semanas, fue certificado platino y convirtió a Cher en la artista más veterana en conseguir un #1 en la lista americana.

Suele ocurrir que tras un single que logra un éxito tan desmesurado, el siguiente sencillo se queda a la sombra de éste y la respuesta comercial y el interés por parte del público disminuye en gran medida, sin embargo en esta ocasión Cher tenía guardado un as bajo la manga y nos ofreció uno de los temas más potentes del álbum como segundo single. Me refiero a Strong Enough, un magnífico tema dance-pop con gran influencia Disco que recibió grandes criticas por parte de los expertos musicales por la excelente ejecución vocal de Cher y su poderoso mensaje sobre reponerse de las adversidades convirtiéndose en un himno sobre el auto-empoderamiento. La respuesta comercial obviamente no logró igualar la de Believe, pero aún así resultó uno de los singles más importantes de 1999. Strong Enough fue un gran éxito en Europa y logró el top 5 en las listas de ventas de Reino Unido, Francia, Alemania y España, sin embargo en el resto del mundo su recibimiento fue más moderado, ocupando el top 20 en Canadá y Australia, y en Estados Unidos apenas fue top 60, sin embargo en el componente Dance de Billboard fue #1 al igual que su predecesor. Los siguientes sencillos del álbum no lograron tanta repercusión como los dos primeros. Como tercer single internacional se eligió All or Nothing, otro tema dance-pop/House producido de carácter bailable como los que abundaban en el álbum. Este sencillo contó con escasa promoción por parte de Cher, la cual estaba inmersa en el “Do You Believe? Tour” y por ello obtuvo un recibimiento moderado en las listas de venta, consiguiendo una de sus mejores posiciones en Reino Unido, donde fue #12, además de convertirse en el tercer single #1 del álbum en el componente Dance de la lista Billboard. Como cuarto y último single del disco se extrajo uno de sus temas más llamativos y originales, Dov’è L’amore, el único medio tiempo que podemos encontrar en Believe, el cual estaba muy influenciado por el sonido Latin-pop, destacaba por su gran uso de la guitarra española y donde Cher cantaba varias frases en italiano. Los remixes Dance de este tema resultaron muy populares, destacando el de Emilio Estefan Jr, el cual fue utilizado como single promocional en el disco recopilatorio que Cher publicó a finales de 1999 tras el éxito del álbum Believe.

Dentro de los 10 temas que componen Believe, y aparte de los 4 excelentes singles lanzados, merece la pena destacar “Runaway”, uno de los temas House/Dance más potentes y dirigidos a las pistas de baile, “The Power”, una de las dos versiones que podemos encontrar dentro del álbum, o el pegadizo y noventero tema House “Taxi Taxi”. En definitiva, Believe es uno de los álbumes más importantes dentro de la historia de la música, no sólo por el extraordinario éxito comercial que cosechó sino por su enorme impacto cultural, ya que influyó a una generación entera de personas, destacando su importancia sobre el colectivo Gay, para el que Cher se convirtió en una de sus divas indiscutibles. Además, gracias a Believe, Cher protagonizó uno de los regresos más destacados de todos los tiempos. Este álbum marcó un punto de inflexión en la trayectoria musical de Cher (al igual que Ray of Light para Madonna), ya que recuperó la popularidad perdida años atrás, afianzó su título de “Goddess of Pop” y supuso el inicio de una nueva etapa en la carrera de Cher, puesto que sus siguientes álbumes, sobretodo Living Proof, continuaron por la senda del sonido Dance iniciado con Believe. En mi opinión, los últimos años de la década de los 90 y principios del 2000 fueron los mejores años para la música, ya que durante este año se lanzaron varios de mis temas favoritos, entre ellos Believe y Strong Enough de Cher, dos joyas pop que nunca pasarán de moda.

The Best of Pop: “Gourmandises” de Alizée

alizee_gourmandises-singleTras participar en un concurso de búsqueda de talentos con tan sólo 15 años, Alizée fue descubierta por la veterana cantante francesa Mylène Farmer, quien se convirtió en su mentora y le dio una oportunidad para debutar en el mundo de la música. En el año 2000, la joven cantante publicó su primer álbum de estudio, Gourmandises (golosinas en francés), el cual fue compuesto y producido por Myléne Farmer junto a su habitual colaborador Laurent Boutonnat, quien se encargó de la música y del aspecto visual de la carrera de Alizée. Originaria de la isla de Córcega, la adolescente irrumpió en el mundo de la música con el tema Moi… Lolita, que pronto se convertió en un éxito en toda Europa. Durante sus primeros años en el mundo de la música, las apariciones y la imagen de Alizée estuvieron perfectamente calculadas por parte de su mentora Mylène Farmer, y la cantante mostró una imagen de adolescente modosita y recatada pero con un toque coqueto y sexy que representaba a la perfección la idea de “Lolita” que aborda la canción. “Moi… Lolita” era un marchoso tema encuadrado en el estilo french-pop y dance-pop con gran componente electrónico y que destacaba por su prominente uso de violines. Este single fue #1 en Italia y España, y aunque no consiguió llegar a lo más alto en su Francia natal, se mantuvo en el #2 durante numerosas semanas y en el top 5 durante varios meses. Este single fue certificado oro en Francia por ventas superiores al millón de copias y entró en la lista de las 40 canciones más exitosas de todos los tiempos en dicho país. Tras este impresionante debut, Alizée lanzó como segundo single L’Alizé, haciendo un juego de palabras entre el nombre de la cantante y los vientos alisios. Es notorio mencionar que cuando “L’Alize” consiguió el #1 en Francia (casi 5 meses después del lanzamiento de su single debut) “Moi… Lolita” todavía se encontraba en el #3 de la lista francesa, lo que da a entender el nivel de éxito que logró dicho single. Como último single del álbum fue lanzado el magnífico tema Gourmandises, que se trataba de un potente tema dance-pop y electro-pop con gran influencia de la música electrónica de los años 80 y 90, pero en esta ocasión no tuvo impacto en las listas de venta a diferencia de sus singles predecesores.

Arropado por un single debut tan exitoso, Gourmandises consiguió llegar al #1 en la lista de álbumes de Francia y fue certificado doble platino, y aunque en el resto de Europa no tuvo un desempeño tan positivo (teniendo en cuenta que se trataba de un álbum en francés, que no suele ser muy popular fuera de los mercados francófonos) ocupó el top 40 en España, Alemania e Italia. Gourmandises fue aclamado por la crítica debido a la producción del disco y al excelente trabajo de Mylène Farmer y Laurent Boutonnat, y aunque Alizée no era una vocalista excepcional (ya que tiene un registro muy limitado), sus pegadizas canciones y su simpatía y carisma hicieron de ella una de las artistas francesas más importantes de la década pasada. Tras el gran recibimiento que obtuvo Gourmandises, la inocente pero pícara Alizée publicó Mes Courants Électriques, que también resultó un éxito notable, fue #2 en Francia y contó con el hit “J’en ai marre!”. Después de un periodo comercial infructuoso, en 2013 Alizée participó en el famoso concurso de baile “Danse Avec Les Stars”, el cual devolvió la popularidad a la cantante gracias a su victoria en el programa. En la actualidad, Alizée tiene 34 años, está casada por segunda vez con el bailarín con el que participó en el programa de baile y es madre de una niña fruto de su primer matrimonio. Durante su trayectoria musical, la cantante ha publicado 5 álbumes de estudio, el último de ellos Blonde, que vio la luz en 2014 tras su paso por “Danse Avec Les Stars”.

En definitiva, aunque fuera de Francia casi nadie recuerde a Alizée hoy en día, fue una de las cantantes más populares en los primeros años de la década del 2000 gracias al hit “Moi… Lolita”, el cual se ha convertido sin duda en un clásico de la música que no envejece y sigue sonando actual y moderno. Aunque “Moi… Lolita” fue el tema más destacado del álbum (y una de mis canciones favoritas de aquellos años), Gourmandises esconde un puñado de canciones muy interesantes, por ello merece la pena rescatar este álbum del olvido.

Crítica de “What Is Love?” de Clean Bandit

clean-bandit_what-is-loveA finales del mes de noviembre se puso a la venta el segundo álbum del grupo británico Clean Bandit, titulado What Is Love?. Este trabajo discográfico toma el relevo de su disco debut New Eyes, el cual fue publicado en 2014 y contaba con los exitosos singles Rather Be y Real Love (ambos junto a Jess Glynne). Desde un principio, Clean Bandit destacaron por fusionar el sonido electrónico con la música clásica y por el uso de gran cantidad de instrumentos en vivo a diferencia de otros artistas pertenecientes al pop electrónico que abusan de los sintetizadores. Aunque podría parecer que 4 años entre disco y disco son un amplio lapso de tiempo, lo cierto es que el trío británico no ha parado de lanzar música y su presencia en las radios y listas de venta ha sido continua desde mediados del 2016. Tears fue el single presentación del álbum, cuenta con la voz de la cantante Louisa Johnson (poco conocida para el publico masivo aunque alcanzó la popularidad al ganar la 12ª edición de X Factor UK) y comienza como una trágica balada que relata un desengaño amoroso para convertirse en un bailable tema dance-pop con influencia 2-Step. Debido a que fue lanzado hace más de dos años, ha perdido frescura con respecto a sus últimos singles y suena algo anticuado, por ello ha sido relegado a la edición deluxe del álbum pese a haber ocupado el #5 en Reino Unido. El segundo single, Rockabye, llegó a finales del 2016 y destacaba por la participación de la cantante inglesa Anne-Marie y el rapero jamaicano Sean Paul. Este pegadizo tema dance-pop y electro-pop perdía en cierta manera el toque clásico que tenían otros singles de Clean Bandit, pero resultaba tremendamente efectivo en las pistas de baile y se convirtió en su tema más popular y exitoso a nivel mundial, ya que fue #1 en Reino Unido y más de 10 países y consiguió el segundo top 10 en Estados Unidos tras “Rather Be”. En 2017 Clean Bandit lanzaron Symphony como tercer single, y nuevamente gozó de una gran respuesta comercial en Europa, ya que logró el #1 en Reino Unido (el tercero para el trío británico) y top 5 en Australia. Este pegadizo tema fusiona el sonido dance-pop con un toque orquestal habitual de Clean Bandit, además de cierta influencia Tropical House, y contaba con la magnífica voz de la joven cantante sueca Zara Larsson. I Miss You, junto a la compositora y cantante Julia Michaels fue el cuarto single, aunque no consiguió repetir el éxito de Rockabye y Symphony, y pasó desapercibido en las radios y listas de venta de Europa. Este tema, aunque cuenta con sonido Tropical House, es reminiscencia de su primer disco y cuenta con el toque orquestal típico del grupo al principio de la canción.

Ya en 2018, Clean Bandit siguieron desgranando temas de su inminente disco y presentaron Solo, un tema dance-pop y synth-pop que contaba con la colaboración de la famosa cantante americana Demi Lovato. “Solo” se convirtió en el cuarto single #1 del grupo en Reino Unido y también llegó a lo más alto en las listas de venta de Irlanda y Alemania. El sexto y último single lanzado antes del lanzamiento de What Is Love? ha sido Baby, un marchoso tema dance-pop con gran influencia latin-pop que cuenta con la participación de la artista galesa Marina and the Diamonds y el puertorriqueño Luis Fonsi, quien canta su parte en español. Este pegadizo tema destaca por su gran inspiración latina y el uso de la guitarra española, su bailable ritmo y la presencia de Marina, que acapara el protagonismo de la canción gracias a su maravillosa y personal voz. Sin duda Baby es uno de los mejores temas de este año y mi tema favorito de entre todos los singles lanzados de What Is Love?, aunque la presencia de Luis Fonsi es totalmente prescindible ya que no aporta nada porque su parte es muy breve y anodina.

Where Is Love? es básicamente un álbum de dance-pop con toques electro-pop, Tropical House y urban-pop aunque conserva el sonido orquestal y orgánico debido a la gran cantidad de instrumentos utilizados en las melodías. Tal y como reza el título, el álbum gira en torno al amor, tema que se repite en todas las canciones, aunque el amor en diferentes facetas: amor romántico, amor de hermanos o amor de madre. Mas allá de los numerosos singles lanzados, dentro del álbum se pueden rescatar “Mama”, un pegadizo tema dance-pop con influencia Tropical House que cuenta con la dulce voz de Ellie Goulding, “We Were Just Kids”, una bonita canción pop con la presencia del gran Craig David, o “Should’ve Known Better”, donde Anne-Marie hace su segundo acto de presencia en el disco. De la edición deluxe destacan el interesante medio tiempo synth-pop “24 Hours” y “Playboy Style”, otro tema mid-tempo pero esta vez con influencia R&B y que cuenta con las colaboraciones de Charlie XCX y la joven promesa del Hip Hop Bhad Bhabie.

Clean Bandit se han unido a la reciente moda entre los artistas británicos de lanzar multitud de singles de manera anticipada a la publicación del disco (desde mediados del 2016 han lanzado un total de 6 sencillos) lo que hace que la mayor parte del contenido ya esté desvelada y el álbum no genere excesivo interés o factor sorpresa. Aunque What Is Love? es un buen álbum pop que reúne muchos de los temas que han sonado sin cesar en las radios durante estos dos últimos años, no resulta un álbum centrado o cohesivo, sino que parece más bien un “grandes éxitos” del grupo o una playlist de lo mejor del 2018. Esta técnica que están adoptando recientemente numerosos artistas británicos difiere de la estrategia tradicional que se llevaba a cabo antes de la era digital (cuando sólo se lanzaba uno o dos singles antes de que el álbum viera la luz), pero debido al drástico cambio que ha sufrido la industria musical debido al streaming y el auge de plataformas como Spotify, la importancia de los álbumes ha disminuido en favor de los singles, estrategia que han utilizado artistas como Rita Ora, Dua Lipa o Jess Glynne, y no les ha ido nada mal.

Aunque los tres componentes del grupo (los hermanos Patterson y Grace Chatto) son los compositores y productores de todos los temas que componen el álbum, tocan varios instrumentos (piano, guitarra y violín entre otros) y hacen los coros en las canciones, lo cual les convierte en unos músicos muy talentosos, lo cierto es que su presencia queda desplazada y su personalidad diluida debido a las grandes colaboraciones de artistas de la talla de Rita Ora, Craig David, Zara Larsson, Demi Lovato, Marina and the Diamonds, Charlie XCX, Ellie Goulding o Anne-Marie, quienes les roban el protagonismo. Aunque este abuso de colaboradores no es nada nuevo en la música, ya que siguen los pasos de David Guetta o Calvin Harris. En definitiva, este álbum cuenta con excelentes singles que han resultado muy exitosos en las listas de venta y han sonado sin cesar estos últimos años, pero en cuanto profundizas en el álbum te das cuenta que el resto de temas (con algunas excepciones) no enganchan tanto y resultan menos originales y llamativos, lo que demuestra que la elección de los sencillos ha sido óptima. Aun así Where Is Love? supera ampliamente a su predecesor y es un álbum de dance-pop muy interesante. Puntuación: 7/10.