10. Princess of Power de Marina.
Una gran parte de los seguidores de Marina Diamandis, anteriormente conocida como Marina and the Diamonds, han estado reclamando desde hace muchos años la vuelta de la artista al estilo presente en el álbum «Electra Heart», considerado por muchos como su obra maestra y mejor trabajo hasta la fecha. La cantante galesa mostró su lado más divertido, irreverente y desenfadado durante la promoción de este trabajo y al finalizar dicha etapa enterró al personaje Electra Heart y se entregó a otros proyectos que se centraban en su lado más serio, introspectivo y maduro. Pese a que «Electra Heart» supone una parte importante en sus giras de conciertos y Marina siempre interpreta sus temas más populares, nunca ha acabado de reconciliarse con ese personaje y ha preferido dejarlo como parte de su pasado. El sexto álbum de estudio de Marina tiene por título Princess of Power y está formado por 13 canciones, principalmente temas up-tempo de estilo electropop y synth-pop, compuestos por la cantante galesa junto a CJ Baran, quien se ha encargado de la entera producción. «Princess of Power» es un álbum conceptual en el que Marina reivindica el amor como un superpoder que nos empodera y celebra el liderazgo de la mujer en nuestra generación. La cantante de ascendencia griega ha declarado que para la creación de este álbum se inspiró escuchando música alegre y eufórica de bandas de los años 70 como ABBA o divas del pop contemporáneas de la talla de Madonna o Kylie Minogue. «Princess of Power» es el primer álbum de Marina publicado de manera independiente tras abandonar Atlantic Records y toma el relevo del notable «Ancient Dreams in a Modern Land», publicado hace 4 años. Como suele ser habitual, la elección de los singles por parte de Marina ha sido excepcional, ya que nos ha presentado su nuevo álbum con tres temas potentes, llamativos y originales. El primer single fue Butterfly, que se trata de un tema de pop alternativo con elementos dance-pop y synth-pop cuyas letras representan el crecimiento personal y renacimiento espiritual de un individuo a través de la metáfora del ciclo de vida de las mariposas. En ‘Butterfly’, la cantante de ascendencia griega realiza sus habituales piruetas vocales y alterna el tono grave y agudo de su voz. Sin duda ‘Butterfly’ supone uno de sus ‘lead singles’ más solventes por la gran ejecución vocal de Marina y su componente lírico. Como segundo single se lanzó Cupid’s Girl, un enérgico tema electropop y synth-pop que recuerda al estilo presente en «Electra Heart» y en cuyas letras Marina pide a su amante que no le tenga miedo al amor y se entregue a la pasión. El tercer single lanzado fue Cuntissimo, un tema inspirado en las mujeres fuertes, valientes y seguras de sí mismas que disfrutan la vida al máximo y cuyas letras se centran en la búsqueda del placer, que según la cantante ha sido negado a lo largo de la historia a las mujeres debido al poder del patriarcado. Este tema supone un himno de empoderamiento femenino y celebración del poder de las mujeres. ‘Cuntissimo’ comienza con un sonido clásico y melodía de violines para convertirse más adelante en un enérgico tema up-tempo electropop con uso prominente de sintetizadores. Marina destaca en su papel como compositora en temas como ‘Princess of Power’, en el que reflexiona sobre cómo ha sobrevivido a los altibajos de la vida y ha conseguido superar el dolor causado por personas cercanas y relata su transformación hacia una princesa poderosa. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘I < 3 You’, un marchoso tema synth-pop con influencia Disco en cuyas letras la cantante afirma que le gustaría volver a la edad de oro de los 70 o ‘Everybody Knows I’m Sad’, en el que Marina se enfrenta a su sentimiento de soledad y se regodea en su propia tristeza y desesperanza. «Princess of Power» debutó en el #7 de la lista británica de álbumes y supuso su quinto trabajo top 10 en Reino Unido. Mientras que los anteriores álbumes de Marina resultaban irregulares (contaban con magníficos singles pero contenían excesivo relleno) y tropezaban en la misma piedra (un exceso de baladas insípidas y monótonas), en «Princess of Power» el número de temas lentos se reduce notoriamente y resulta el trabajo más bailable y marchoso de la cantante desde «Electra Heart». En definitiva, este álbum recupera el espíritu atrevido, desenfadado y divertido de «Electra Heart», además comparte sus letras sobre empoderamiento femenino y nos devuelve a la Marina que nos enamoró a principios de su carrera. Sin duda, «Princess of Power» se posiciona como uno de los trabajos más notables de la carrera de Marina y resulta uno de los mejores álbumes pop publicados durante los últimos años. Puntuación: 8/10.
9. Dirt Femme de Tove Lo.
En 2022 vio la luz el quinto álbum de estudio de Tove Lo, Dirt Femme, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del synth-pop, electropop y dance-pop. Todos los temas fueron compuestos por la propia Tove y en ellos celebra su feminidad y la mujer que es tras muchos años en los que no se sentía cómoda con su lado femenino. En la portada del álbum Tove Lo luce un tatuaje en forma de vagina en el muslo y una cola robótica de escorpión (una referencia a escorpio, su signo del zodiaco) porque se aproxima a su visión de la feminidad en el álbum y le gusta «el hecho de que la hembra de escorpión se come al macho después del apareamiento» porque siempre le han dicho que tiene una personalidad fuerte y «consume a los hombres», aunque actualmente se encuentra felizmente casada. La cantante nacida en Helsingborg es conocida como «la chica más triste de Suecia» por su habitual temática de desengaños amorosos y su estilo oscuro, y en este álbum trata temas como las relaciones amorosas, las rupturas sentimentales, la sexualidad y por primera vez se siente cómoda para hablar de sus desórdenes alimenticios. El single presentación del álbum fue How Long, que se trata de un tema mid-tempo de estilo electropop que formó parte de la segunda temporada de la serie de drama adolescente ‘Euphoria’ y cuyas letras hacen referencia a un triángulo amoroso. Luego llegó No One Dies from Love, que se trata de un fantástico tema electropop y synth-pop en el que la cantante relata cómo se ha deteriorado su relación hasta romperse y se pregunta qué ha pasado y de quién ha sido la culpa, pero al final se da cuenta que «nadie muere de amor». ‘No One Dies from Love’ es sin duda uno de los mejores singles lanzados por Tove y guarda muchas similitudes con el estilo presente en «Body Talk» de su compatriota sueca Robyn. Pese a que la mayor parte del álbum está formado por temas up-tempo también hay cabida para canciones más lentas en las que Tove Lo muestra su lado más vulnerable, como la dramática balada synth-pop True Romance, cuyo título está inspirado en la película del mismo nombre y que relata una historia de amor turbulenta y destructiva. Los siguientes sencillos promocionales del álbum fueron 2 Die 4, un pegadizo tema dance-pop y electropop que samplea la melodía instrumental de la canción ‘Popcorn’ o Grapefruit, en el que trata el tema del ‘body positive’ o el odio que sentía hacia su cuerpo y habla por primera vez del trastorno alimenticio que sufrió hace años y que a punto estuvo de hacerle perder la voz, la bulimia. Dentro del álbum destacan canciones como ‘Suburbia’, que se trata de un marchoso tema dance-pop y electropop en el que la cantante sueca declara que no quiere hijos ni formar una familia tradicional y destaca por la referencia que hace a las mujeres de Stepford (una novela que habla de esposas perfectas) o ‘Call on Me’, un tema dance-pop y electropop producido por SG Lewis que supone el momento más up-tempo del álbum. El tema de la sexualidad es otro de los tratados en el álbum y está presente en ‘Pineapple Slice’, en el que Tove le describe a su amante lo que tiene que hacer en la cama para satisfacerla. En resumen, «Dirt Femme» es un sólido álbum de electropop y dance-pop en el que Tove Lo derrocha talento y originalidad como compositora y artista. Puntuación: 8/10.
8. Perimenopop de Sophie Ellis-Bextor.
Sophie Ellis-Bextor vivió su momento de apogeo a principios de la década del 2000 con su álbum debut, «Read My Lips», el cual contenía el single ‘Murder on the Dancefloor’, que triunfó en las listas de venta de medio mundo gracias a sus pegadizas letras y su inconfundible sonido Disco. A raíz de su aparición en una secuencia de la película «Saltburn», ‘Murder on the Dancefloor’ volvió a ganar popularidad entre el público y a principios de 2024 regresó a las listas de venta de todo el mundo: alcanzó nuevamente el #2 en Reino Unido y debutó por primera vez en la lista americana. Este inesperado éxito viral de ‘Murder on the Dancefloor’ inspiró a la cantante inglesa a regresar a la música Disco, que tantas alegrías le ha proporcionado a lo largo de su carrera. El octavo álbum de estudio de Sophie Ellis-Bextor, Perimenopop, supone una celebración de su etapa vital actual, ya que ha descubierto exactamente quién es y abraza la alegría y el empoderamiento que ello conlleva. El título del álbum es una combinación de la palabra perimenopausia (que se refiere a la etapa de transición previa a la menopausia) y pop, reivindicando que este género no es solo cosa de artistas jóvenes. Este trabajo está formado por 12 temas encuadrados dentro del sonido Disco y el dance-pop con ciertos elementos electropop, synth-pop y funk. La artista londinense participó en la composición de todos los temas presentes y ha contado con la producción de Jon Shave, Richard Stannard, Duke Blackwell, Kid Harpoon, Karma Kid o su marido Richard Jones entre otros. Una gran cantidad de singles fueron lanzados previamente para promocionar el álbum. El single presentación del álbum fue Freedom of the Night, que se trata de un marchoso tema Disco y dance-pop producido por Richard Stannard y Duck Blackwell en cuyas letras Sophie se abandona al baile y a la euforia de la noche. Este tema guarda numerosas similitudes con su hit ‘Murder on the Dancefloor’ y suponía un magnífico anticipo del álbum. Como segundo single se lanzó Relentless Love, un tema Disco con rica instrumentación de guitarras y violines que se inspira en el sonido Disco clásico de los años 70 y tiene como referentes a Diana Ross, Donna Summer o ABBA. En ‘Relentless Love’, Sophie se entrega a la pasión en un amor implacable. El tercer single lanzado fue Vertigo, un tema de ritmo trepidante que se aleja del sonido Disco convencional de los anteriores singles y profundiza en el electropop. ‘Vertigo’ es la típica expresión del amor incontrolable y Sophie se siente en una nube o torbellino de emociones ya que siente la adrenalina y el vértigo del amor. La veterana artista siguió desgranando su nuevo trabajo y lanzó Taste, que se trata de un animado tema Disco/funk compuesto junto a MNEK cuyas letras hablan de la química existente con tu pareja y lo que te atrae de la otra persona. Tras estos 4 estupendos singles llegaron otros dos que seguían la senda bailable y el espíritu Disco pero resultaban menos certeros, como Dolce Vita, un tema de sonido fresco y veraniego que habla de las vacaciones como vía de escape o Stay on Me, que coincidió con la publicación del álbum y cuenta con Selena Gomez como compositora. La mitad del contenido de «Perimenopop» estaba a disposición del público en las plataformas musicales en el momento de su lanzamiento, lo que redujo notoriamente el factor sorpresa del álbum. Merece la pena reseñar temas como ‘Glamorous’, que describe el glamuroso momento en que Sophie conoció a un hombre que le cambió la vida o ‘Diamond in the Dark’, un tema Disco/funk muy setentero cuyas letras hablan de encontrar al hombre que le robó el corazón y al que considera como un diamante en la oscuridad. «Perimenopop» es precisamente el álbum que todos esperábamos de Sophie Ellis-Bextor tras el revival Disco que se vivió en el 2020 en el mundo de la música, sin embargo publicó a su vez «Hana», para cerrar su trilogía de álbumes dedicada a sus viajes por el mundo, iniciada con «Wanderlust» y «Familia», los cuales profundizaban en el pop alternativo. «Perimenopop» recupera el sonido Disco de «Read My Lips» y el estilo bailable y enérgico de «Make a Scene», uno de los mejores trabajos de su trayectoria y quizás el más infravalorado por parte del público y la crítica. En resumen, «Perimenopop» es un álbum cohesivo y sólido formado por un conjunto de canciones divertidas, bailables y entretenidas que muestran la elegancia natural de Sophie y su magnífica ejecución vocal. Puntuación: 8/10.
7. Tension de Kylie Minogue.
En una industria cada vez más afectada por el edadismo y que relega a un segundo plano a los artistas veteranos (sobretodo las mujeres) en favor de los cantantes de moda apoyados por el público joven, una de las mayores sorpresas del año 2023 la protagonizó Kylie Minogue, que está en la cincuentena y acumula una exitosa carrera profesional de más de 4 décadas. La diva australiana lanzó el single presentación de su nuevo álbum sin saber que se convertiría en uno de los temas más populares y exitosos del año, pese a su tímida respuesta inicial. Por supuesto me refiero a Padam Padam, un tema electropop, synth-pop y dance-pop de menos de 3 minutos de duración y producido por Lostboy que se sumerge en una atmósfera fría e hipnótica mientras Kylie afirma que la persona que acaba de conocer en el club terminará obsesionado con ella y no podrá quitársela de la cabeza, aderezado con unos pegadizos ‘Padam Padam’ que representan las palpitaciones que su amante sentirá en el corazón. ‘Padam Padam’ debutó en un discreto puesto #26 de la lista británica de singles y fue ascendiendo hasta alcanzar el #8, el primer top 10 de Kylie en Reino Unido en más de una década. En el resto del mundo también debutó tímidamente hasta ocupar el top 10 en Irlanda o el top 20 en su nativa Australia e incluso alcanzó el top 10 en el componente Dance/electrónico de la lista americana Billboard. Sin duda ‘Padam Padam’ se ha convertido en el ‘lead single’ de Kylie más solvente y sólido de los últimos tiempos y su apuesta más competitiva en años. Unas semanas antes de la publicación del álbum llegó el segundo single, Tension, que se trata de un tema electropop y dance-pop con influencia House compuesto por la propia Kylie junto a la afamada letrista Kamille y producido por Richard Stannard y Duck Blackwell. ‘Tension’, en el que Kylie pide a su amante «que rompa la tensión y le toque justo ahí», es un tema pegadizo y bailable, pero no resultaba tan inmediato y adictivo como el anterior single. Tension es el decimosexto álbum de estudio de Kylie Minogue y está formado por 11 temas (14 en su edición deluxe) de carácter up-tempo encuadrados dentro del dance-pop, synth-pop y electropop con influencias Disco, House y de la música de baile de los años 80. La veterana cantante participó en la composición de la mayoría de los temas presentes y ha contado con la producción de su habitual colaborador Richard ‘Biff’ Stannard, además de Duck Blackwell, Jon Green, Cutfather o Lostboy entre otros. Las letras presentes en el álbum no se alejan demasiado del habitual estilo de Kylie y hablan sobre amor, sexo, empoderamiento o desamor. Tras la publicación del álbum, fue lanzado como single Hold On to Now, que se trata de un pegadizo tema synth-pop que recuerda al estilo de Robyn y habla sobre aferrarse al momento presente y tener fe en el amor sin importar lo que digan los demás. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Things We Do for Love’, un tema synth-pop y dance-pop de sonido muy ochentero que supone un himno al amor incondicional o ‘Story’, que nos permite descubrir una faceta más personal de Kylie y habla de las adversidades a las que se ha enfrentado a lo largo de su vida. Kylie ha demostrado que pese a ser una artista veterana de más de 50 años (un handicap importante dentro de la música pop actual) continúa manteniéndose vigente en el panorama musical y es capaz de seguir triunfando en las listas de venta con singles como ‘Padam Padam’, con el que vivió una segunda juventud y le permitió acceder a un público más joven. A lo largo de su extensa carrera musical, Kylie no se ha caracterizado por ser una artista especialmente innovadora o que haya marcado tendencias, sin embargo ha conseguido tener una de las carreras más estables, consistentes y envidiadas dentro del mundo del pop gracias a su leal base de fans, su simpatía y personalidad cercana pero sobretodo por su impecable colección de éxitos. «Tension» abandonaba el clásico sonido discotequero presente en «Disco» y se adentra en un pop electrónico y bailable, pero igualmente se trata de un álbum muy sólido y lleno de hits potenciales. Sin duda «Tension» se posiciona como uno de los trabajos más destacados dentro de la discográfica reciente de la cantante. Puntuación: 8/10.
6. That’s Showbiz Baby! de Jade.
Tras la separación temporal de Little Mix todas las componentes del grupo han hecho sus pinitos en solitario con más o menos suerte. Jade Thirlwall fue la última componente en lanzarse en solitario pero la primera en publicar su álbum debut y es precisamente la que más éxito ha logrado en solitario. El álbum debut de Jade tiene por título That’s Showbiz Baby! y está formado por 14 temas que cuentan con la producción de importantes nombres de la industria musical como Mike Sabath, Oscar Görres, Cirkut o Lostboy, responsables de algunos de los mayores éxitos pop recientes. «That’s Showbiz Baby!» se trata de un álbum ecléctico, de sonido arriesgado y experimental que se aleja del pop comercial de Little Mix y se centra en el electropop, synth-pop y dance-pop, aunque también aparecen elementos Disco, funk o R&B. A diferencia de las canciones que hacía junto a Little Mix (de naturaleza más genérica y con las que la mayoría de sus fans podían identificarse), este álbum contiene letras personales y autobiográficas en las que Jade habla de relaciones pasadas o la sexualidad femenina, pero sobretodo profundiza en sus experiencias dentro del ‘show business’. En el momento de la publicación del álbum se habían lanzado 4 singles oficiales y 3 sencillos promocionales (casi la mitad del contenido del álbum ya ha sido desvelado), lo que disminuyó en parte el factor sorpresa. El single presentación fue Angel of My Dreams, que se trata de un tema de carácter experimental, con varios cambios de ritmo y que comienza como una grandiosa balada pop para convertirse en un caótico tema up-tempo que combina electropop, synth-pop y dance-pop. Las letras de ‘Angel of My Dreams’ hablan de las experiencias de Jade en la industria musical (con la que mantiene una especie de relación tóxica), con referencias a las desavenencias de Little Mix con Simon Cowell, creador de X Factor UK y propietario de Syco Music, la discográfica del grupo durante sus inicios. Este single tuvo un gran desempeño comercial en Reino Unido y ocupó el top 10 en la lista británica. ‘Angel of My Dreams’ es un tema innovador, arriesgado y distinto a lo que se escucha actualmente en el panorama pop y destaca por la gran ejecución y versatilidad vocal de Jade. Como agradecimiento a sus fans por el masivo apoyo a ‘Angel of My Dreams’, la cantante inglesa lanzó el sencillo promocional ‘Midnight Cowboy’, que se trata de un tema de carácter electrónico y experimental, que destaca por su martilleante percusión y en el que Jade canta y rapea sobre su tener control de su propia sexualidad. Tras ‘Midnight Cowboy’ llegó el segundo single oficial, Fantasy, que se trata de un marchoso tema Disco/funk cuyas letras hablan de positivismo sexual, feminidad y de realizar sus fantasías sexuales, convirtiéndose en un auténtico himno de empoderamiento femenino. ‘Fantasy’ se inspira en el sonido Disco de los años 70 de artistas de la talla de Donna Summer o Diana Ross y resultaba otro acierto por parte de Jade debido a su ritmo bailable y su versatilidad vocal. Más tarde llegó un nuevo sencillo promocional, It Girl, que se trata de un magnífico tema electropop producido por Lostboy y Cirkut en cuyas letras Jade habla de su paso por X Factor, la búsqueda de su independencia y vuelve a lanzar dardos contra Simon Cowell. Como tercer single se lanzó FUFN (Fuck You for Now), un tema electropop de sonido más convencional producido por Lostboy y compuesto por Jade junto a la cantante Raye. El concepto de ‘FUFN’ está inspirado en un sueño que tuvo Jade en el que su novio le engañaba y sus letras hacen referencia a una gran discusión con su pareja que no acaba en ruptura sino en un momento de desahogar su ira hacia su novio. El cuarto single lanzado (y sexto avance del álbum) fue Plastic Box, un pegadizo tema synth-pop y electropop que contiene unas letras muy personales en las que explora la inseguridad irracional y los celos hacia las relaciones pasadas de tu pareja. Coincidiendo con la salida del álbum se lanzó Unconditional, un tema up-tempo electropop y dance-pop cuyas letras hablan del amor incondicional de su madre, que pese a las enfermedades que ha sufrido a lo largo de su vida, siempre la apoyó en su camino hacia el estrellato. Podemos observar el eclecticismo presente en «That’s Showbiz Baby!» en temas como ‘Glitch’, un medio tiempo R&B alternativo en el que Jade explora sus inseguridades o ‘Before You Break My Heart’, un tema Disco de sonido retro que contiene una interpolación de ‘Stop! In the Name of Love’ de las Supremes. Meses más tarde se publicó una reedición del álbum, That’s Showbiz Baby! The Encore, que incluía nuevos temas, entre ellos Church, un tema up-tempo de estilo electropop y dance-pop producido por Jason Evigan cuyas letras hacen referencia a encontrar consuelo y libertad a través del baile y la música (considerados como su santuario personal) además de hablar de su crecimiento personal y auto-empoderamiento ante los desafíos de la vida. «That’s Showbiz Baby!» es un álbum entretenido y disfrutable, compuesto por un sólido conjunto de canciones que ponen de manifiesto la versatilidad y el excepcional talento vocal de Jade, además de sus solventes habilidades como compositora. Uno de los pocos puntos en contra del álbum es que, tras una magnífica selección de singles, el resto de los temas presentes no resultan tan impactantes y todavía se hace más evidente debido a la cuestionable secuencia del álbum, en la que todos los sencillos están colocados en las 7 primeras posiciones. Sin duda «That’s Showbiz Baby!» es uno de los álbumes pop más destacados de esta década. Puntuación: 8/10.
5. The Rise and Fall of a Midwest Princess de Chappell Roan.
La cantante americana Chappell Roan abandonó su hogar conservador y cristiano en Missouri para perseguir sus sueños de triunfar en el mundo de la música. Chappell empezó a componer cuando era tan solo una adolescente y tras subir versiones de canciones famosas en YouTube atrajo la atención de varias discográficas. Atlantic fichó a la joven cantante pero más tarde fue despedida y continuó como artista independiente grabando canciones que formarían parte de su primer álbum. Una vez que la cantante se estableció en Los Angeles se sintió libre por primera vez para vivir abiertamente como mujer ‘queer’ (en el pasado Chappell salió con hombres, pero actualmente se identifica como lesbiana). En 2023 vio la luz el álbum debut de Chappell Roan, titulado The Rise and Fall of a Midwest Princess, el cual está formado por 14 temas encuadrados dentro del pop, synth-pop y electropop, aunque resulta un trabajo muy ecléctico que incorpora elementos pop/rock, dance-pop, folk, Disco o Country. Chappell Roan compuso todos los temas presentes en el álbum bajo la producción de Dan Nigro, conocido por su trabajo para Olivia Rodrigo. Este álbum destaca por su componente ‘camp’ (un gusto por la estética exagerada y kitsch asociado a la cultura gay) y su influencia del arte presente en la comunidad LGTB como los espectáculos de drag queens. Las letras del álbum están inspiradas en las experiencias de Chappell Roan al dejar su Missouri natal para buscarse un futuro como cantante en Los Angeles y durante su viaje emocional de auto-descubrimiento describe episodios de relaciones sentimentales, desamor o la búsqueda de su identidad sexual. En el momento de su publicación «The Rise and Fall of a Midwest Princess» tuvo un escaso impacto comercial pero tras el éxito logrado por ‘Good Luck, Babe!’ durante el 2024, el álbum vivió un gran resurgimiento y alcanzó el #1 en la lista de ventas de Reino Unido y el top 5 en Estados Unidos o Australia. Además, varios de los singles del álbum entraron en la lista americana meses después de haber sido lanzados y sus cifras de streaming aumentaron de manera exponencial. Numerosos singles fueron lanzados durante los años previos a la publicación del álbum pero ninguno de ellos alcanzó notoriedad en su momento. Para dar con el primer single tenemos que retroceder hasta el año 2020, cuando fue lanzado Pink Pony Club, que se trata de un tema synth-pop y pop/rock de carácter mid-tempo que cuenta la historia de una joven chica sureña que adora la cultura LGTB y se muda a Los Angeles para trabajar como bailarina en un bar gay de Santa Monica. Otro de los singles más lejanos en el tiempo es Naked in Manhattan, un marchoso tema synth-pop y dance-pop con influencias Disco cuyas letras hacen referencia al momento en que Chappell pudo sentirse libre y vivir su sexualidad de manera natural una vez que llegó a Nueva York. Luego llegó Femininomenon (que combina las palabras en inglés ‘femenino’ y ‘fenómeno’), un tema electropop y dance-pop que recuerda al estilo divertido de las primeras canciones de Kesha y en el que la cantante se pregunta si es mejor acostarse con un hombre que con una mujer. Uno de los singles más destacados fue Red Wine Supernova, un tema synth-pop y electropop que refleja los sentimientos que está empezando a tener por una chica a la que conoció en un bar y destaca por la gran ejecución vocal por parte de Chappell. El último single lanzado fue Hot to Go!, un marchoso tema de estilo synth-pop, electropop y dance-pop que describe los deseos de una mujer de tener sexo con otra mujer. Este tema recibió grandes críticas por su naturaleza desenfadada y su valiente mensaje, que da visibilidad a la comunidad LGTB. Aunque la mayor parte de las canciones del álbum son de carácter up-tempo, también hay momentos más relajados como Casual, una balada dream pop cuyas letras hacen referencia a la falta de compromiso por parte de una persona que ha conocido. En resumen, «Midwest Princess» es uno de los álbumes debut más sólidos de los últimos años dentro del mundo el pop y está formado por un compendio muy equilibrado de marchosos temas up-tempo de carácter divertido y desenfadado (que recuerdan al estilo de los primeros álbumes de Marina and the Diamonds, Lady Gaga o Kesha) y baladas de corte alternativo que muestran el lado más personal e íntimo de la cantante. Chappell Roan no solo posee grandes habilidades como vocalista y compositora sino que es una artista original con una imagen llamativa y diferente a lo que encontramos hoy en día en el panorama musical. Puntuación: 8/10.
4. Mayhem de Lady Gaga.
Durante los últimos años, Lady Gaga se ha debatido entre seguir mostrando su lado más extravagante para complacer a sus leales ‘little monsters’ con el pop electrónico que ha sido su seña de identidad desde sus comienzos y desarrollar su lado más maduro y serio con álbumes de jazz o Country enfocados a un público más adulto y diverso. En 2024 Lady Gaga mostró su perfil más sobrio en su dueto junto a Bruno Mars, ‘Die with a Smile’, que resultó un auténtico éxito en las listas de venta de todo el mundo y supera los tres mil millones de reproducciones en Spotify. En 2025 vio la luz el sexto álbum en solitario de Lady Gaga, Mayhem (que significa caos o desorden), el cual está formado por 14 temas compuestos por la propia Stefani Germanotta y producidos por Cirkut y Andrew Watt, con producción adicional de Gesaffelstein. Este álbum fue concebido una vez que la cantante neoyorquina se enfrentó al miedo de volver al pop de sus comienzos y que sus fans iniciales adoraban. Según Lady Gaga, «Mayhem» es un trabajo ecléctico y caótico que amalgama diferentes géneros, estilos y emociones, todo guiado por su profundo amor a la música. El estilo predominante en el álbum es el synth-pop ochentero reminiscencia de «The Fame», aunque también encontramos elementos electropop, glam rock, dance-pop, funk, Disco y pop industrial. El single presentación del álbum fue Disease, un tema mid-tempo electropop y synth-pop de sonido oscuro y con una producción abrasiva e industrial que recuerda al estilo de algunas canciones presentes en el álbum «Born This Way». Este tema destaca por sus letras en las que la cantante ofrece el antídoto a las enfermedades y males de su amante, con una temática oscura reminiscencia de la era «The Fame Monster» y temas como ‘Bad Romance’. El segundo single lanzado fue Abracadabra, un enérgico tema dance-pop y electropop cuyas letras hacen referencia a la lucha interna de elegir entre entre la oscuridad y la luz, además de enfrentarse a los miedos y dudas internas. Este tema cuenta con una dramática ejecución vocal por parte de Lady Gaga y unos ganchos (‘abracadabra amor uh na na, abracadabra morta uh gaga’) inspirados en temas como ‘Bad Romance’. Por su estilo y sonido, ‘Abracadabra’ podría tratarse de un tema perdido entre las eras «The Fame Monster» y «Born This Way». Este tema recibió elogios de la crítica por su carácter bailable y su pegadizo estribillo y ha sido muy bien recibido por parte de sus fieles seguidores. ‘Abracadabra’ superó el desempeño comercial del anterior single y alcanzó el top 5 en Reino Unido o Alemania y el top 15 en Estados Unidos, Canadá o Australia. El álbum se puede escuchar prácticamente del tirón sin apenas saltar ninguna canción y encontramos varios temas con gran potencial como ‘Garden of Eden’, un tema electropop que incluye referencias al pasaje bíblico del mismo nombre en el que Gaga representa la serpiente que ofreció la manzana a Eva, ‘Shadow of a Man’, que habla de su tortuoso camino hasta convertirse en la estrella del pop que es hoy y cómo tuvo que estar a la sombra de otros antes de triunfar o ‘Vanish into You’, un tema Disco y glam rock en el que Gaga celebra el descubrimiento del amor y desea fusionarse con su amante en una entidad conjunta. «Mayhem» resultó un notable éxito comercial y alcanzó el #1 en las listas de ventas de más de 20 países de todo el mundo. «Mayhem» resulta sólido y cohesivo pese a la mezcla de estilos presentes y supone un evidente paso adelante con respecto a «Chromatica», el cual era un trabajo interesante y más que digno pero demasiado genérico y formulaico. Es un verdadero placer presenciar a Lady Gaga volviendo a sus raíces y haciendo lo que mejor se le da: crear temas divertidos y bailables con estribillos pegadizos e inmediatos. Lady Gaga nos regaló una magnífica era con «Mayhem», llena de icónicos videoclips y actuaciones, una espectacular gira de conciertos y sobretodo una vuelta al pop oscuro que tanto estaban demandando sus fieles seguidores. En mi opinión nos encontramos ante el mejor álbum de la discografía de Lady Gaga después de «The Fame» y «The Fame Monster», sin duda sus obras maestras. Puntuación: 8/10.
3. Future Nostalgia de Dua Lipa.
Teniendo en cuenta el gran éxito que cosechó el primer álbum de Dua Lipa, muchas expectativas estaban puestas en su segundo trabajo, Future Nostalgia, que vio la luz en marzo de 2020, concretamente la semana en la que empezaba el confinamiento por la pandemia del coronavirus en Europa. El álbum debut de título homónimo de la cantante de ascendencia albanesa se puso a la venta en 2017 en Reino Unido y otros países europeos aunque no fue hasta un año después cuando Dua Lipa despuntó a nivel internacional gracias a ‘New Rules’, el sexto sencillo del álbum pero que se convirtió en el primer #1 de la cantante en su país y resultó un ‘auténtico grower’ en el resto del mundo e incluso el top 10 en la lista americana de singles. Tras la excepcional acogida comercial de ‘New Rules’ llegaron más singles de éxito como ‘IDGAF’ e importantes colaboraciones con otros artistas como es el caso de Calvin Harris en otro ‘monster hit’ como lo fue ‘One Kiss’. La principal diferencia de «Future Nostalgia» con respecto a su anterior trabajo es que abandona el EDM (electronic dance music) y el Tropical House para adentrarse en un sonido Disco, dance-pop y synth-pop de corte retro y que se inspira en la música de baile de los años 80 y 90. El objetivo de Dua Lipa con su segundo álbum fue crear música atemporal y vanguardista en vez de regirse por las modas imperantes, algo que sí hizo en su anterior disco. La cantante inglesa compuso todos los temas presentes en el álbum bajo la producción de The Monsters and The Strangerz, Ian Kirkpatrick, Jason Evigan, Jeff Bhasker o Stuart Price, el responsable del aclamado «Confessions on a Dance Floor» de Madonna. El single presentación del álbum fue Don’t Start Now, que se trataba de un bailable tema dance-pop y synth-pop con influencia Disco que marcaba una transición perfecta entre el habitual estilo de Dua Lipa y el sonido ‘retro’ en el que profundizaba el álbum. En este tema, la joven cantante intenta explicarle a su ex-pareja que debe pasar página puesto que su relación ha terminado. La compositora Emily Warren y el productor Ian Kirkpatrick (artífices del hit ‘New Rules’) se encuentran nuevamente en los créditos de ‘Don’t Start Now’. Este single resulto un auténtico éxito comercial y ocupó el top 5 en las listas de venta de Reino Unido, Australia, Canadá o Estados Unidos gracias a un altísimo nivel de streaming. Tras ‘Don’t Start Now’ Dua Lipa lanzó un sencillo promocional, ‘Future Nostalgia’, que se trata de un tema synth-pop muy ochentero con influencias funk y Disco en el que Dua Lipa utiliza la técnica sing-rap en varias partes de la canción. Como segundo single oficial del álbum se lanzó Physical, otro marchoso tema dance-pop y synth-pop con influencia Disco que contiene una interpolación de la famosa canción del mismo nombre de Olivia Newton-John. Coincidiendo con el lanzamiento del álbum llegó el tercer single, Break My Heart, que se trata de un bailable tema dance-pop y Disco producido por Andrew Watt y The Monsters and The Strangerz en el que la joven cantante duda en seguir adelante con una relación que no funciona o dejar que le rompan el corazón. Uno de los singles más populares del álbum fue Levitating, un coqueto tema de sonido retro con influencia Disco/funk cuyas letras describen la sensación de levitar cuando te enamoras y utiliza referencias al espacio exterior. ‘Levitating’ mostró una gran longevidad en las listas de venta y se convirtió en uno de los singles más exitosos del álbum. También fueron lanzados como singles ‘Hallucinate’, un marchoso tema de estilo House/Dance cuyas letras hablan de cómo el amor nos vuelve locos como si de una alucinación se tratase y ‘Love Again’, un marchoso tema dance-pop que samplea la melodía de ‘My Woman’ de Al Bowlly y contiene letras sobre rupturas sentimentales y crecimiento personal. «Future Nostalgia» está formado por conjunto un álbum breve pero muy sólido de canciones dirigidas a las pistas de baile en las que la cantante inglesa pretende sonar atemporal y actual pero sin atarse a las modas musicales pasajeras. Prácticamente no sobra ningún tema en el álbum ya que todos ellos son de carácter up-tempo, marchosos y de naturaleza bailable. Dua Lipa se ha convertido en una de las mayores representantes del pop durante los últimos años y ha logrado asentar su popularidad gracias a una sucesión de magníficos singles. Sin duda «Future Nostalgia» es uno de los álbumes pop más interesantes de la década del 2020 y que destaca por rescatar el sonido Disco/Dance de los años 80 y 90 (de ahí el carácter nostálgico) pero con un toque moderno y actual. Puntuación: 8/10.
2. Diamonds & Dancefloors de Ava Max.
El álbum debut de Ava Max supuso un soplo de aire fresco en el panorama musical gracias a una sucesión de canciones pop sumamente pegadizas y efectivas que fueron recibidas por parte del público de manera desigual. Singles como ‘Sweet but Psycho’, ‘So Am I’ o ‘Kings & Queens’, que sonaron con fuerza en las radios de todo el mundo, formaron parte de Heaven & Hell, el álbum debut de la cantante americana, el cual recibió críticas muy positivas de los expertos musicales por su sólido conjunto de canciones pop que contenían estribillos tremendamente eficaces, aunque se mostraron más críticos ante las letras de las canciones y su labor como compositora. En 2023 la cantante de ascendencia albanesa lanzó el single presentación de su segundo trabajo, Maybe You’re the Problem, que se trata de un marchoso tema synth-pop y dance-pop con influencia de la música de baile de los años 80 y cuya melodía de sintetizadores recordaba a ‘Blinding Lights’ de The Weeknd o ‘As It Was’ de Harry Styles. En este pegadizo tema, Ava Max reflexiona sobre el mal comportamiento de su novio y pese haber sido advertida por ex-parejas de él, sigue dándole nuevas oportunidades, hasta que llega a la conclusión de que «el problema puede que lo tenga él». El segundo single lanzado fue Million Dollar Baby, un tema dance-pop de aire dosmilero que contiene una interpolación de ‘Can’t Fight the Moonlight’ de LeAnn Rimes durante el estribillo y habla del sentimiento de liberación y emancipación de una mujer que se sentía oprimida, convirtiéndose en un himno de empoderamiento femenino y del auto-estima. ‘Million Dollar Baby’ era un tema pegadizo y bailable pero recibió algunas críticas negativas por su naturaleza genérica y el abuso del gancho «ma ma ma ma» popularizado por Lady Gaga en ‘Bad Romance’ y que ya fue utilizado anteriormente por Ava en ‘Sweet but Psycho’. Más tarde llegó Weapons, un marchoso tema dance-pop y electropop de inspiración ochentera en el que Ava Max advierte a su amante que deje de «usar sus palabras como armas» para hacerle daño porque es invencible. Como cuarto single se lanzó Dancing’s Done, que destacaba por bajar de ritmo con respecto a los anteriores singles y se trataba de un tema electropop de sonido oscuro cuyas letras hacen referencia al momento de la noche en que acabas de bailar y se abre un mundo de posibilidades con la persona que has conocido en la discoteca. Como anticipo a la publicación del álbum se lanzó One of Us, un tema dance-pop y synth-pop de estribillo épico en el que Ava trata el tema del desamor y describe una ruptura que intenta que sea lo menos dolorosa para ambos. El segundo álbum de estudio de Ava Max, titulado Diamonds & Dancefloors, está formado por 14 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del pop, dance-pop y synth-pop, con ciertos elementos electropop, Disco y New Wave. Aunque tiene un estilo similar al de su primer álbum, en este caso se influencia del sonido synth-pop de los años 80 y 90 a diferencia de «Heaven & Hell», que se inspiraba en el pop de la década del 2000. Al igual que en su anterior trabajo, Ava Max ha participado en la composición de todas las canciones y ha contado nuevamente con la producción de Cirkut, aunque pierde cierto protagonismo en esta ocasión y se le suman otros nombres como Jonas Jeberg, Lostboy, Burns, Jason Evigan o David Stewart. La cantante grabó el álbum durante el 2021, al que se refiere como «el año más duro de su vida» debido a la ruptura con su pareja sentimental, lo que le inspiró a componer canciones que sacaron su lado más sensible y vulnerable. El concepto general del álbum es el de «llorar en la pista de baile», que se puede considerar un género en sí mismo dentro del pop debido a la cantidad de canciones que existen con esta temática e incluso el mismo título. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Diamonds & Dancefloors’, que da título a este trabajo y se trata de un tema dance-pop con influencia Disco/House cuyas letras hacen referencia a la pasión de Ava por la música y las discotecas como método de escape ante las adversidades o ‘Sleepwalker’, en el que advierte a su interés amoroso que le convertirá en un ‘sonámbulo’ rendido ante ella debido a su poder adictivo y destaca por el uso de guitarras sintetizadas en el puente de la canción, que recuerdan a las usadas anteriormente en ‘Kings & Queens’. Muchas expectativas estaban puestas en el segundo álbum de Ava Max debido al éxito conseguido por su primer trabajo, sin embargo «Diamonds & Dancefloors» es un álbum muy sólido compuesto por canciones inmediatas y dirigidas a las pistas de baile. Resultaba muy complicado superar la gran calidad de «Heaven & Hell», que es uno de los mejores álbumes pop publicados en los últimos años, pero lo cierto es que «Diamonds & Dancefloors» es un sucesor más que digno de dicho álbum ya que las canciones presentes están a la altura de sus singles más conocidos, pero en su conjunto no resulta tan original y tiende a repetir la misma fórmula utilizada en «Heaven & Hell», aunque es de alabar la capacidad de Ava para seguir creando estribillos pegadizos e inmediatos, que quizás no contienen un componente lírico muy profundo y están cargados de clichés, pero resultan tremendamente efectivos. Puntuación: 8’5/10.
1. Heaven & Hell de Ava Max.
Pese a que el 2020 fue un año extremadamente duro debido a la pandemia provocada por el coronavirus, lo cierto es que en el plano musical nos regaló grandes alegrías debido al lanzamiento de importantes álbumes que nos ayudaron a pasar los difíciles momentos. Una de las artistas que ayudó a revitalizar el sonido puramente pop durante los primeros años de la década del 2020 fue Ava Max, una joven cantante americana de ascendencia albanesa que lanzó una sucesión de singles muy potentes y recuperó verdadera esencia del género pop. El álbum debut de Ava Max tiene por título Heaven & Hell y está encuadrado dentro de un sonido eminentemente pop con elementos electropop y dance-pop. Los 15 temas que forman parte del álbum nos transportan al pop de la década del 2000 y cuentan con melodías sencillas y letras que no destacan especialmente por su originalidad pero cuentan con estribillos inmediatos y sumamente efectivos. Los temas presentes en «Heaven & Hell» están divididos en dos partes diferenciadas: en ‘Heaven’ encontramos canciones enérgicas de naturaleza inspiradora que sirven como himnos y en ‘Hell’ canciones de temática más oscura y melancólica, con el tema central ‘Torn’ representando el purgatorio. Todos los temas del álbum fueron compuestos por la propia Ava Max junto a Cirkut, su pareja sentimental en aquel momento y que se encarga de la entera producción del álbum, con ayuda adicional de RedOne o Shellback. Una gran cantidad de sencillos fueron lanzados con anterioridad a la publicación del álbum. Para dar con el primer single tenemos que remontarnos a verano del 2018. Me refiero sin duda a Sweet but Psycho, un pegadizo tema que combina pop, dance-pop y electropop que cuenta con un adictivo estribillo cuyas letras hacen referencia no a que la cantante sea una psicópata, sino una mujer fuerte e independiente, pero en los temas del amor tiene dos lados muy diferenciados, uno más dulce y otro más loco que le hace decir a su pareja todo lo que siente. ‘Sweet but Psycho’ no se convirtió en un hit inmediato sino que poco a poco fue ascendiendo en las listas de venta hasta lograr el #1 en más de 20 países, además de ocupar el top 10 en Estados Unidos. Tras el éxito masivo de ‘Sweet but Psycho’ llegó So Am I, un tema pop con elementos electropop en el que Ava hablaba de sentirse marginada e incomprendida en la sociedad y no encajar con los que le rodean, lo que resultaba un himno de auto-aceptación y de superar las propias inseguridades. ‘So Am I’ recibió algunas críticas negativas al presentarse Ava Max como una marginada cuando en realidad era una mujer blanca, atractiva y privilegiada. ‘So Am I’ no logró igualar el espectacular resultado del single precedente, sin embargo alcanzó el top 20 en Alemania o Reino Unido. La cantante de Wisconsin decidió seguir presentando nuevo temas, pero el globo del éxito fue deshinchándose poco a poco y el ‘hype’ por la artista empezó a desvanecerse. Luego llegaron otros sencillos como Torn, un marchoso tema dance-pop con influencias Disco en cuyas letras Ava se debatía entre el amor y el odio dentro de una relación turbulenta y Salt, un pegadizo tema dance-pop con influencia Disco que contaba con una magistral producción muy ochentera y un uso prominente de violines. El siguiente single lanzado fue Kings & Queens, un épico tema dance-pop y power pop producido por Cirkut junto a RedOne (artífice de los mayores éxitos de Lady Gaga) que resultaba un auténtico himno de empoderamiento femenino y en el que la cantante «hace una llamada a los reyes para cuidar de sus reinas». ‘Kings & Queens’ tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 20 en Reino Unido, Alemania y Estados Unidos. Sin duda ‘Kings & Queens’ resultó una de las apuestas más sólidas y acertadas por parte de la cantante de ascendencia albanesa y se posicionó como su segundo single de mayor éxito por detrás de ‘Sweet but Psycho’. Más tarde llegó Who’s Laughing Now como el sexto single de su álbum debut, al que por fin daba título y fecha de salida definitiva. Who’s Laughing Now destaca por su particular sonido de silbido y sus carcajadas durante el estribillo, nos recuerda al pop de fabricación sueca que triunfó durante los años dorados del pop de finales de los 90 de grupos como Ace of Base y en cuyas letras Ava hace frente a quienes la criticaron y no la apoyaron en sus inicios y ahora es ella «la que ríe la última». Podríamos considerar este tema como una continuación de ‘Sweet but Psycho’ ya que Ava nuevamente saca las uñas y su lado más vengativo tras haber sido menospreciada. Unas semanas antes de que viera la luz el álbum se lanzó como single OMG What’s Happening, que se trataba de un marchoso tema dance-pop con influencia Disco/funk en el que Ava realiza varias piruetas vocales que recuerdan a Marina y en cuyas letras reprocha a su pareja todo el daño que le ha hecho. Aunque casi la mitad del contenido de «Heaven & Hell» fue desvelada antes de su lanzamiento, todavía quedaban sorpresas como ‘Tattoo’, un tema electropop compuesto junto a Charlie Puth que podría encajar en el debut de Lady Gaga, ‘Call Me Tonight’, que contiene un cierto toque R&B gracias a un riff de guitarra similar al de ‘No Scrubs’ de TLC, ‘Naked’, un bailable tema dance-pop en el que la cantante desnuda sus sentimientos a su pareja y se muestra tal como es o ‘Belladonna’, un original tema electropop en el que Ava se compara con dicha planta venenosa y confiesa a su amante que puede ser peligrosa y contagiosa como ella. Desde que Ava Max irrumpió en el panorama musical, muchos criticaron su estilo musical por resultar anticuado y ser una copia de la Lady Gaga del 2009, sin embargo el blog Mister Music apoyó a Ava desde sus comienzos por haber lanzado una serie de magníficos singles que muchas de sus competidoras envidiarían poseer y además es una de las pocas representantes del ‘pop en sentido estricto’ en la actualidad. Sin ser la mejor cantante del panorama actual (aunque se defiende a la perfección en directo) ni una fantástica compositora, ya que sus letras contienen muchos clichés ya utilizados anteriormente, Ava Max fue capaz de crear uno de los mejores álbumes pop del año 2020. «Heaven & Hell» es un álbum muy sólido, cohesionado y disfrutable y sin relleno, de ahí que el blog Mister Music lo considere el mejor álbum pop de la década del 2020 hasta la fecha. Puntuación: 9/10.
El pasado mes de abril, durante el show de Sabrina Carpenter en el festival de Coachella, Madonna irrumpió por sorpresa en el escenario para interpretar dos de sus mayores éxitos como ‘Vogue’ y ‘Like a Prayer’, además de presentar por primera vez en directo una nueva canción junto a la joven sensación del pop. Esta aparición estelar de Madonna ocurría exactamente 20 años después de su debut en el famoso festival californiano y para la ocasión, lució la misma chaqueta morada de Gucci que usó en aquella icónica actuación. Unos días después se lanzó la esperada colaboración entre Madonna y Sabrina Carpenter, que resultó ser el single presentación del nuevo álbum de la reina del pop. Me estoy refiriendo a Bring Your Love, que se trata de un enérgico tema House y dance-pop compuesto por Madonna junto a Stuart Price y que samplea el clásico de los años 80 ‘Good Life’ de Inner City. Las letras de ‘Bring Your Love’ se centran en el rechazo a las críticas ajenas y el escrutinio público, además de abordar la autenticidad, la fuerza de las mujeres y la superación de las relaciones tóxicas, lo que lo convierte en un himno de resiliencia y empoderamiento. Madonna lleva enfrentando críticas por parte de los medios de comunicación desde el comienzo de su carrera (incluso antes de que naciera Sabrina) y la joven cantante también ha tenido que hacer frente a los haters desde su ascenso a la fama, por lo que Madonna actúa en esta canción como mentora de Sabrina y se produce un diálogo intergeneracional. Ambas artistas declaran que su entrega a la música no se debe al dinero, las posiciones en listas de venta o la aprobación de los demás, sino que se trata estrictamente por pasión y dedicación a sus seguidores. ‘Bring Your Love’ es una invitación a sus haters, detractores y público en general para que se acerquen a ellas con el corazón abierto, ya que la negatividad por parte de los demás ya no tiene poder para destruirlas o detenerlas. 
Durante los últimos años, Melanie C ha dedicado gran parte de su tiempo a su faceta como DJ y ha participado en numerosos festivales veraniegos y sesiones en famosos clubs. En dichas sesiones Mel repasa tanto sus temas en solitario como algunas de las canciones más famosas de Spice Girls, ya que su leal base de fans la sigue desde sus tiempos dentro del famoso grupo femenino. En el año 2020 la cantante inglesa publicó su último trabajo discográfico, titulado de manera homónima, el cual estaba formado por un sólido conjunto de canciones bailables pero cargadas de mensajes positivos sobre la superación de adversidades, el amor propio o la auto-aceptación, además de la defensa de los derechos de la comunidad LGTB. «Melanie C» suponía uno de los mejores trabajos de su amplia discografía, solo superado por su icónico debut «Northern Star». Este mes de mayo ha visto la luz el noveno álbum de estudio en solitario de Melanie Chisholm, titulado Sweat, el cual sigue la estela musical de su anterior trabajo pero está todavía más enfocado a las pistas de baile y profundiza en la música electrónica. Melanie ha compuesto las 13 canciones presentes en el álbum, las cuales incorporan elementos dance-pop, electropop, House o Disco y se inspiran en la música que suele pinchar en los clubs con sus sesiones como DJ. El single presentación del álbum fue la canción titular, Sweat, que fue creada por Melanie como un himno para sudar en el gimnasio y trata sobre la liberación emocional a través del baile. ‘Sweat’ es un enérgico tema dance-pop con influencias de la música EDM y que contiene cierto toque Disco/funk debido a la interpolación del himno ochentero del fitness ‘Work That Body’ de Diana Ross (lo que refuerza la conexión entre el entrenamiento físico y el baile). ‘Sweat’ representa la fusión de todas las facetas de Melanie: su lado más atlético y deportista como Sporty Spice, su estatus como icono del pop y su reciente trabajo como DJ en la escena club y underground. Como segundo single se lanzó What Could Possibly Go Wrong?, que se trata de un tema synth-pop y electropop producido por Klas Ahlund (mano derecha de Robyn) cuyas letras exploran la emoción e incertidumbre de correr riesgos y resulta un himno optimista sobre la confianza en uno mismo y vivir el momento, en lugar de temer el futuro o centrarse en los remordimientos. 
El grupo femenino alemán No Angels anunció su separación temporal en 2003 tras la promoción de su tercer álbum y la publicación de un disco de grandes éxitos. Tras centrarse en sus carreras en solitario, Lucy, de manera secreta, contactó con sus compañeras en 2006 con el objetivo de reunir al grupo. Sandy, Nadja y Jessica aceptaron la propuesta una vez que terminaron sus compromisos profesionales en solitario, pero Vanessa, por el contrario, declinó unirse de nuevo a No Angels y se centró en su carrera como solista. Un año más tarde vio la luz el cuarto álbum de estudio de No Angels, titulado Destiny, el cual está formado por un compendio de baladas y temas pop up-tempo que incorporan elementos pop/rock, dance-pop, R&B o electropop. Este álbum contiene varias versiones de canciones de artistas europeos poco conocidos para el público en general, como la sueca Agnes (quien despuntaría en 2008). «Destiny» es el segundo álbum de No Angels como cuarteto, pero en una formación diferente a la de su anterior álbum «Pure», en el que participó Vanessa pero no Jessica debido a su embarazo. La formación consistente en Sandy, Lucy, Nadja y Jessica se convertiría en la definitiva hasta la actualidad. «Destiny» debutó en el #4 de la lista alemana de álbumes (lo que suponía el primer álbum de No Angels que no alcanzaba la posición de honor en su país natal) y obtuvo unas ventas notoriamente inferiores a las de sus anteriores trabajos. El single presentación del álbum fue Goodbye to Yesterday, una balada mid-tempo con influencias pop/rock cuyas letras hablan de una relación que ha terminado y no hay posibilidad de retomarla puesto que la protagonista ya ha pasado página. ‘Goodbye to Yesterday’ tuvo un buen recibimiento por parte del público y alcanzó el top 5 en la lista germana de singles. Como segundo single llegó Maybe, un tema mid-tempo pop/rock cuyas letras exploran la incertidumbre dentro de una relación y capturan el sentimiento de encontrarse en un dilema personal. Pese a ser un tema pegadizo y una gran elección como single, ‘Maybe’ tuvo un mediocre desempeño comercial y apenas alcanzó el top 40 en la lista alemana de singles. El tercer lanzamiento fue un single de doble cara A formado por ‘Amaze Me’ y Teardrops, que se trataba de una versión del clásico del dúo Womack & Womack, pero incorporaba un moderno sonido electropop y dance-pop. Por su parte Amaze Me es una emotiva balada pop compuesta por Steve Mac en cuyas letras la protagonista relata que se siente feliz de que su relación haya durado en los buenos y malos momentos a lo largo de los años. Este single de doble cara A tuvo moderado impacto comercial y ocupó el top 25 en la lista alemana. 
Pure de No Angels.
Fifth Harmony de Fifth Harmony.
Unappreciated de Cherish.
Ladies Night de Atomic Kitten.
Welcome to the Dollhouse de Danity Kane.
Destiny’s Child de Destiny’s Child.
Change de Sugababes.
Get Weird de Little Mix.
En 2011 la cantante Robyn publicó su quinto álbum de estudio, Body Talk, que se trataba de un proyecto sumamente original y ambicioso formado por tres EP’s que culminaban en el álbum completo. Este trabajo estaba compuesto por un conjunto muy sólido de canciones bailables (como ‘Dancing on My Own’, ‘Indestructible’ o ‘Call Your Girlfriend’) que representaban a la perfección el sonido electropop que triunfó durante la década del 2010 y destacaba por sus vulnerables letras y su honesto componente lírico. «Body Talk» brilla por su ausencia de relleno, la magistral producción de Klas Ahlund y el gran talento de Robyn como compositora y vocalista. El blog Mister Music le dio una altísima puntuación a «Body Talk» y ocupa la tercera posición del repaso a los mejores álbumes pop de la década del 2010. Siguiendo su costumbre de tomarse un amplio lapso de tiempo entre álbumes, en 2018 la cantante nacida en Estocolmo regresó con Honey, su álbum más personal hasta la fecha, y publicado tras una mala época en la que sufrió importantes pérdidas y duros momentos. Este trabajo seguía la senda electropop de «Body Talk» pero destacaba por su tono melancólico y triste, su atmósfera hipnótica y su estilo íntimo e introspectivo. «Honey» fue bien recibido por los expertos musicales pero no logró el éxito de «Body Talk» y pasó bastante desapercibido por parte del público. A finales del pasado mes de marzo ha visto la luz el séptimo álbum de estudio de Robyn, Sexistential, cuyo título proviene de una broma de la cantante con sus amigos y es una combinación de las palabras sexo y existencial, es decir que la existencia de uno está vinculada a la sensualidad. «Sexistential» es un álbum muy breve formado por 9 canciones de carácter up-tempo y encuadradas dentro del estilo synth-pop y electropop que recuperan el sonido presente en «Body Talk». Las letras de las canciones presentes abordan la nueva faceta de Robyn como madre soltera tras someterse a un proceso de fecundación in vitro y siguen explorando temas como la sensualidad, el deseo sexual, la independencia o la confianza en una misma. La cantante sueca ha compuesto todas las canciones presentes y se ha rodeado de su mano derecha, Klas Ahlund, además otros productores de la talla de Joseph Mount (perteneciente a la banda Metronomy), Oscar Holter o Max Martin.
Sin haber alcanzado el éxito y reconocimiento internacional de compatriotas como Zara Larsson o Robyn, Agnes se ha labrado una de las trayectorias más consistentes, sólidas y coherentes dentro del pop europeo contemporáneo. En el año 2021 vio la luz el quinto trabajo discográfico de la cantante sueca, Magic Still Exists, en el que abandonaba la imagen dulce y cándida de ‘pop star’ que la había acompañado hasta la fecha para adoptar un estilo vanguardista, transgresor y excéntrico, acompañado de un sonido bailable de corte alternativo y cargado de mensajes reivindicativos y con mayor consciencia social. Este mes de enero se ha publicado el sexto álbum de estudio de Agnes Carlsson, Beautiful Madness, cuyo título hace referencia a la mezcla de fuerzas opuestas: vulnerabilidad y fuerza, amor y ego, caos y belleza. En palabras de la cantante «es precisamente en las contradicciones, en la locura y en lo inacabado donde la vida se siente viva». En este álbum Agnes celebra que la vida no es perfecta sino caótica y los momentos desordenados pueden ser igual de intensos y valiosos que los perfectos. «Beautiful Madness» está formado por 13 temas (incluyendo numerosos interludios) de carácter up-tempo y dirigidos a pista de baile que incorporan elementos dance-pop, Disco, House o synth-pop. Con este álbum la cantante nacida en Vänesborg decidió invertir su proceso habitual de composición y en vez de comenzar por la melodía, dejó que la letra guiara el desarrollo musical, por ello este trabajo resulta más auténtico y personal, ya que cada canción surge de una emoción real, no solo de un gancho pegadizo. 
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