Double Round Review: ‘Animal’ y ‘Cannibal’ de Ke$ha

AnimalTras iniciarse en el mundo de la música haciendo coros y componiendo para otros artistas, una jovencita llamada Kesha Sebert despuntó en la escena musical gracias a su participación en el single ‘Right Round’ del rapero FloRida, el cual alcanzó el #1 en los principales mercados musicales como Reino Unido, Australia o Estados Unidos y supuso el espaldarazo definitivo para iniciar su carrera como cantante. Ke$ha estuvo trabajando en su debut durante años y publicó su primer álbum, Animal, el 1 de enero de 2010, inaugurando la década de la mejor manera posible. La cantante nacida en Los Angeles se rodeó de importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke (el cual le fichó en su discográfica, se convirtió en su mano derecha y fue el responsable de la mayor parte de las canciones del disco) además de Max Martin, Greg Kurstin, Ammo o Benny Blanco para dar forma a un álbum encuadrado dentro del sonido electro-pop y dance-pop con gran uso de sintetizadores. El single presentación de Animal fue TiK ToK, un tema electro-pop sumamente adictivo producido por Dr. Luke en el que Ke$ha destacaba por su técnica sing-rap y el uso desmedido de Auto-Tune, que se convertirían en la seña de identidad de la cantante durante los primeros años de su carrera. Tik Tok sorprendió al público por sus pegadizas letras sobre pasarlo bien, vivir la vida y no dejar que nadie te pisotee mientras que relataba un sueño en el que se despertaba siendo un importante rapero rodeado de bellas mujeres y creyéndose una estrella de la música. Tik Tok tuvo un enorme impacto comercial: lideró las listas de venta en más de 20 países de todo el mundo y se convirtió en uno de los temas con mayores ventas digitales de la historia de la música, superando los 10 millones de copias. Tras la tremenda acogida de TiK ToK, Ke$ha demostró que su éxito no era flor de un día y lanzó varios singles que ocuparon nuevamente los primeros puestos en las listas de venta como Your Love Is My Drug, un pegadizo tema dance-pop en el que la cantante hablaba de la ruptura con su ex-pareja y la relación de dependencia que sentía hacia él o Take It Off, un potente tema electro-pop y dance-pop que resultaba uno de los momentos más up-tempo y bailables del disco. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran el divertido ‘Party at a Rich Dude’s House’ en el que Ke$ha contaba su experiencia cuando fue a una fiesta en la casa de Paris Hilton y acabó vomitando en su armario, ‘Dancing With Tears In My Eyes’, que destaca por su uso de instrumentos en vivo como la guitarra dentro de un disco dominado por los sintetizadores o ‘Hungover’, uno de los temas co-producidos por Max Martin en el que la cantante muestra su lado más emotivo y vulnerable y resultaba uno de los momentos más ‘calmados’ del álbum. Desde un primer momento Ke$ha destacó por su excéntrica personalidad, su imagen ‘descuidada’ de ‘party girl’ y sus polémicos comentarios pero sin duda cautivó al público joven gracias a unas canciones divertidas, desenfadadas y dirigidas a las pistas de baile, además fue una de las abanderadas del sonido electro-pop que tan de moda estuvo a principios de la década pasada. Animal se puede escuchar en su totalidad sin apenas saltar ningún tema y resulta uno de los debuts más sólidos de un artista novel de las últimas décadas. Puntuación Animal: 8/10.

CannibalGracias al gran éxito de TiK ToK, Animal debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes y destacó por su alto porcentaje de ventas digitales, que superaron ampliamente las copias físicas, lo que denotaba cómo el mundo de la música estaba cambiando hacia la era digital. Animal terminó el 2010 con más de un millón de ejemplares en Estados Unidos y en el resto del mundo también tuvo una buena acogida comercial: fue #1 en Canadá y alcanzó el top 10 en Reino Unido, Australia o Alemania con unas ventas totales a nivel mundial de 9 millones de copias, en su mayoría de formato digital. Gracias a la buena acogida de los 4 singles lanzados, todos los cuales ocuparon el top 10 en la lista americana, Animal siguió obteniendo buenas ventas durante el 2010 y a finales de año fue re-editado con un segundo disco compuesto por nuevas canciones inéditas, llamado Cannibal, el cual se puso a la venta como EP independiente en tierras americanas y como parte de la re-edición bajo el nombre ‘Animal + Cannibal’ en el resto del mundo. Cannibal estaba formado por 9 temas con la producción de sus habituales colaboradores Dr. Luke, Benny Blanco, Ammo y Max Martin en los que la cantante continuaba con el sonido electro-pop, su peculiar técnica de rapear-cantar y su abuso del Auto-Tune. El single presentación de Cannibal fue We R Who We R, un pegadizo tema electro-pop de sonido futurista en el que Ke$ha reivindicaba su excéntrica personalidad y resultaba un himno de auto-aceptación y empoderamiento. Este tema producido por Dr. Luke recibió buenas opiniones de los expertos por su carácter desenfadado y bailable aunque también le llovieron críticas por resultar muy similar a sus anteriores singles. ‘We R Who We R’ tuvo un gran impacto comercial en Estados Unidos y se convirtió en el segundo #1 de Ke$ha como solista tras TiK ToK y en el resto del mundo también tuvo una gran acogida y lideró las listas de venta en Australia y Reino Unido. Como segundo single llegó Blow, un marchoso tema electro-pop y dance-pop bajo la producción de Dr. Luke y Max Martin que continuaba con su habitual temática de pasarlo bien en la pista de baile. Dentro del nuevo EP destacaban ‘Cannibal’, un original y pegadizo tema en el que la cantante admite «sus instintos asesinos y de caníbal» con los hombres que conoce o ‘Sleazy’, un tema mid-tempo electro-pop con influencia Hip Hop co-producido por Bangladesh que fue lanzado como sencillo promocional y tuvo un buen desempeño comercial en la lista americana. En resumen, de la misma manera que ‘The Fame Monster’ elevó el álbum debut de Lady Gaga a otro nivel, ‘Cannibal’ fue un todo acierto por parte de Ke$ha ya que aumentó la gran calidad de ‘Animal’ con nuevos temas muy interesantes. Quizás las letras de sus canciones fueran banales y poco profundas y su voz estaba tan distorsionada por los excesivos trucos de producción que apenas podíamos escuchar la voz real de la cantante californiana, sin embargo Ke$ha consiguió crear un álbum divertido, alegre y que representaba a la perfección el sonido electro-pop que triunfaba durante aquellos años y del cual Lady Gaga y Ke$ha fueron las máximas representantes. Puntuación Animal + Cannibal: 8’5/10.

Crítica de “High Road” de Kesha

High RoadDespués de dos álbumes encuadrados dentro del dance-pop y electro-pop (del cual fue una de sus mayores representantes) en los que ofreció al mundo una imagen extravagante y alocada de party-girl, la cantante Kesha mostró su lado más serio y vulnerable con su tercer disco de estudio ya que todas las experiencias personales y profesionales vividas tras la batalla legal contra con su ex-productor y artífice de sus mayores hits Dr. Luke (al que acusó de abusos psicológicos y sexuales) hicieron madurar a la polémica cantante. Para su nueva etapa musical, Kesha manifestó que quería regresar al pop comercial y divertido de sus inicios tras los duros momentos vividos en el pasado. High Road es el título de cuarto álbum de estudio de la californiana, que se ha puesto a la venta el pasado 31 de enero, un día de extrema competencia en el que han visto la luz otros importantes lanzamientos como el nuevo álbum de Meghan Trainor. Con una popularidad a la baja y una escasa viabilidad comercial de su música en el panorama actual, Kesha pretende recuperar el apoyo del público con un conjunto de canciones marchosas y bailables que recuerdan a sus primeros hits pero sin el abuso del Auto-Tune de sus inicios ni el desgastado sonido electro-pop de hace una década y con un mayor uso de instrumentos en vivo, menos sintetizadores y con la madurez que ha ganado durante estos últimos años. Es decir, High Road combina el carácter desenfadado, alocado y marchoso de su primer álbum pero con la experiencia y madurez de Rainbow y su sonido más orgánico. High Road está formado principalmente por temas pop up-tempo con influencia electro-pop, Country y pop/rock además de varias baladas y está producido por Wrabel, quien se ha encargado de la mayoría de las canciones presentes, con producción adicional de John Hill, Jeff Bhasker o Stuart Crichton.

El single presentación del álbum fue Raising Hell, un marchoso tema dance-pop con influencia pop/rock y Gospel que cuenta con la participación del peculiar artista Big Freedia y en el que Kesha utiliza metáforas religiosas para relatar su vuelta al cielo tras pasar por el infierno (una clara alusión a su batalla legal contra Dr. Luke). Pese a su potencial, Raising Hell no logró llamar la atención del público ni entró en el Hot 100 de Billboard. Como segundo single se lanzó My Own Dance, un pegadizo tema pop que recuperaba el habitual estilo sing-rap de Kesha y nos recordaba a sus orígenes divertidos y alocados pero con menos componente electrónico. Visto el escaso impacto comercial de dichos temas Kesha se apresuró a ofrecer al público un single muy diferente, Resentment, el cual marcaba una divergencia con sus predecesores y se trataba de una emotiva balada Country-pop que recuerda el estilo de su anterior álbum Rainbow. Esta balada cuenta con la participación de Brian Wilson (el veterano cantante de The Beach Boys) y Wrabel, quien además se encarga de la producción del tema, y en él Kesha habla de una relación tóxica y cuenta que el resentimiento es una emoción mucho más poderosa y destructiva que el odio o la rabia.

Entre los temas más interesantes se encuentran la canción que abre el álbum, «Tonight», que comienza como una balada a piano para transformarse en el típico tema electro-pop de Kesha de hace años y «High Road», un tema pop muy animado que recupera su famoso rap-sing pero muestra su versatilidad como cantante. También destaca «Honey», un tema mid-tempo pop/R&B que no encaja demasiado con el resto del álbum pero resulta muy interesante por su sonido diferente e inesperado y podría estar firmado por una cantante negra de finales de los 90. Entre las canciones más ‘peculiares’ de High Road que nos muestran el lado excéntrico y más ‘freak’ de Kesha se encuentran «Birthday Suit», que contiene la melodía de un videojuego tipo Gameboy, la extraña «Potato Song (Cuz I Want To)» o «Kinky».

En los inicios de su carrera Kesha fue una de las cantantes más importantes dentro del pop internacional: consiguió el #1 con Animal, su primer álbum y batió récords gracias al single «TiK ToK», el cual ocupó posiciones muy altas en los charts de todo el mundo y entró en la lista de los singles digitales más vendidos de la historia de la música. La re-edición de Animal incluía un nuevo EP llamado Cannibal con el que nuevamente triunfó gracias a temas como «We R Who We R», que se convirtió en su segundo single #1 en Estados Unidos. Su segundo álbum de estudio, Warrior, seguía encuadrado dentro del sonido electro-pop aunque contenía ciertas influencias rock y observó un importante bajón de ventas. Rainbow, su tercer álbum, supuso un punto de inflexión en la carrera de Kesha ya que dejó atrás sus marchosas canciones de estilo electro-pop y su abuso del Auto-Tune para mostrar adoptar un sonido pop/Country/folk más orgánico y una imagen seria y madura. Aunque recibió grandes críticas por su cambio de dirección artística y su evolución musical, Rainbow tuvo un recibimiento muy tibio por parte del público (pese a ser #1 en tierras americanas) poniendo al descubierto que el globo del éxito de Kesha se estaba deshinchando a marchas forzadas.

Teniendo en cuenta que Animal es uno de mis álbumes pop favoritos (el cual muestra a la perfección la esencia del sonido electro-pop de principios de la década pasada y está lleno de temas divertidos y bailables sin pretensiones) la evolución hacia un sonido más serio y maduro de Rainbow no me convenció en exceso, sin embargo cuando Kesha prometió una vuelta a sus orígenes con su nuevo disco me pareció una gran noticia. No obstante Dr. Luke fue una parte esencial del éxito que tuvieron las primeras canciones de Kesha, por lo que sin él High Road no consigue llegar al gran nivel de Animal y aunque cuenta con canciones marchosas y divertidas no acaba de enganchar al no contar con hits del tipo Your Love Is My Drug, Take It Off o TiK ToK. En definitiva, High Road es una buena adición al catálogo musical de la cantante californiana y tiene momentos disfrutables y divertidos pero también otros con mayor profundidad en las letras, ya que no podemos olvidar que bajo la excéntrica imagen de party-girl de Kesha se esconde una mujer que apoya a los marginados, lucha por los derechos del colectivo gay y defiende el movimiento femenino. Puntuación: 7/10. 

Los mejores discos pop de la década 2010-2019

Tras haber realizado el listado a los mejores álbumes dentro del género R&B de la década 2010-2019, ahora le toca el turno a los discos de estilo pop. Al igual que comenté en la otra ocasión, la industria musical ha cambiado a pasos agigantados y mientras que los álbumes lanzados durante los primeros años de la década todavía se regían por los patrones establecidos en la década del 2000 (con unas ventas de CD’s físicos todavía aceptables, un progresivo aumento en las ventas digitales y respaldados por uno o dos singles lanzados con anterioridad a la publicación del disco) los que han visto la luz estos últimos años se han basado en las cifras de streaming y han seguido estrategias promocionales muy diferentes como el lanzamiento de numerosos sencillos (o ‘buzz singles’) por parte de los artistas para tantear el terreno y ver si obtienen apoyo por parte del público, que ahora valora la inmediatez en el consumo de música. En el aspecto musical cabe destacar la gran influencia que ha tenido el sonido electrónico en el pop, de ahí que varios de los discos presentes se encuentren dentro del estilo electro-pop. Los álbumes que pasaré a comentar a continuación son los que en mi opinión he considerado los más influyentes e importantes de la pasada década.

The Truth12. The Truth About Love de Pink.

Pink comenzó el 2010 publicando un álbum de grandes éxitos que resumía lo mejor de la cantante americana durante la década anterior, en la que fue una de las artistas pop más importantes y exitosas. Tras ser madre de una niña fruto de su relación con el motociclista Carey Hart, Pink regresó en 2012 con su sexto disco de estudio, The Truth About Love, en el que no sólo trataba el tema del amor y la turbulenta relación amorosa con su pareja, sino también otros temas como el empoderamiento femenino o la exclusión social. Alecia Moore (el verdadero nombre de Pink) dejó el listón muy alto con su último álbum de estudio, Funhouse, el cual recibió buenas críticas de los expertos musicales, obtuvo ventas millonarias y gozó de gran éxito gracias a singles como ‘So What’, ‘Sober’ o ‘Please Don’t Leave’, por lo que la cantante tenía un reto muy importante con este disco, sin embargo superó todas las expectativas y nos regaló posiblemente su trabajo más maduro y consistente hasta la fecha. The Truth About Love estaba producido principalmente por Greg Kurstin, con producción adicional de sus habituales colaboradores Billy Mann y Max Martin. Este álbum lideró las listas de ventas de Australia, Canadá o Alemania y destacó por el hecho de que consiguió el primer #1 de Pink en Estados Unidos y acabó vendiendo más de 7 millones de copias en todo el mundo gracias a la magnífica acogida de los sencillos lanzados. El primer single del álbum fue Blow Me (One Last Kiss), un marchoso tema dance-pop y electro-pop producido por Greg Kurstin que resultaba un auténtico himno de desamor tras una ruptura y gozó de buena acogida en las listas de venta: fue #1 en Australia y ocupó el top 5 en Estados Unidos y Reino Unido. Pink siguió el mismo patrón que con sus últimos discos y tras un explosivo primer single llegó un tema más lento y profundo, en este caso Try, un medio tiempo pop/rock que suponía uno de los puntos fuertes del álbum tanto por su composición como por la producción y la voz de la cantante. Como suele ocurrir habitualmente con Pink, la elección del tercer single escondía uno de los tesoros del álbum: me estoy refiriendo a Just Give Me a Reason, una preciosa balada que contaba con la colaboración del cantante Nate Ruess y resultó no sólo el single más exitoso del disco sino de toda la trayectoria de Pink. Just Give Me a Reason alcanzó el #1 en Australia, Canadá o Alemania y se convirtió en el cuarto chart-topper de la cantante en Estados Unidos. The Truth About Love es un disco de estilo pop y pop/rock que contiene grandes canciones como ‘Slut Like You’, la única contribución de Max Martin del álbum y que mostraba el habitual lado gamberro de Pink o ‘Here Comes The Weekend’, que contaba con la participación del rapero Eminem. Como gran seguidor de Pink que soy desde sus inicios en el mundo de la música, ningún disco suyo me decepciona pero The Truth About Love se encuentra entre los mejores trabajos de su discografía y merece aparecer en este repaso a los álbumes pop más importantes de la pasada década. Puntuación: 8/10.

Animal11. Animal de Ke$ha.

Tras iniciarse en el mundo de la música haciendo coros y componiendo para otros artistas, una joven llamada Kesha Sebert despuntó en la escena musical gracias a su participación en el single ‘Right Round’ del rapero FloRida, el cual alcanzó el #1 en los principales mercados musicales como Reino Unido, Australia o Estados Unidos y supuso el espaldarazo definitivo para iniciar su carrera como cantante. Ke$ha estuvo trabajando en su debut durante años y publicó su primer álbum, Animal, el 1 de enero de 2010, inaugurando la década de la mejor manera posible. La cantante nacida en Los Angeles se rodeó de importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke (el cual le fichó en su discográfica, se convirtió en su mano derecha y fue el responsable de la mayor parte de las canciones del disco) además de Max Martin, Greg Kurstin, Ammo o Benny Blanco para dar forma a un álbum encuadrado dentro del sonido dance-pop y electro-pop que tan de moda estaban en aquel momento. El single presentación de Animal fue Tik Tok, un tema electro-pop sumamente adictivo producido por Dr. Luke en el que Ke$ha destacaba por su técnica sing-rap y el uso desmedido de Auto-Tune, que se convertirían en la seña de identidad de la cantante durante los primeros años de su carrera. Tik Tok sorprendió al público por sus pegadizas letras sobre pasarlo bien, vivir la vida y no dejar que nadie te pisotee mientras que relataba un sueño en el que se despertaba siendo un importante rapero rodeado de bellas mujeres y creyéndose una estrella de la música. Tik Tok tuvo un enorme impacto comercial: lideró las listas de venta en más de 20 países de todo el mundo y se convirtió en uno de los temas con mayores ventas digitales de la historia de la música, superando los 10 millones de copias. Tras la espectacular acogida del primer single, la controvertida cantante demostró que su éxito no era flor de un día y lanzó varios singles que nuevamente ocuparon las primeras posiciones en las listas de venta como Your Love Is My Drug o Take It Off. Desde un primer momento Ke$ha destacó por su excéntrica personalidad, su imagen ‘descuidada’ de ‘party girl’ y sus polémicos comentarios pero sin duda cautivó al público joven gracias a unas canciones divertidas, desenfadadas y dirigidas a las pistas de baile, además fue una de las abanderadas del sonido electro-pop que triunfó durante aquellos años. Animal se puede escuchar prácticamente en su totalidad sin apenas saltar ningún tema y resulta uno de los debuts más sólidos de las últimas décadas, por ello merece formar parte de este repaso. Puntuación: 8/10.

Teenage Dream10. Teenage Dream de Katy Perry.

Tras un álbum de rock cristiano publicado con su verdadero nombre, ‘Katy Hudson’ cuando apenas era una adolescente, Katy Perry hizo su debut internacional con One Of The Boys, el cual tuvo un impacto positivo gracias a varios hit singles que ocuparon las primeras posiciones en las listas de venta. Con ‘One of The Boys’ se alejó completamente de la temática cristiana del anterior y estaba formado en su mayoría por marchosos temas pop/rock, power pop y dance-pop, de entre los que destacaban ‘I Kissed a Girl’ y ‘Hot n Cold’, que lograron un gran desempeño comercial y ocuparon el top 5 en los principales mercados musicales. Desde un primer momento, la cantante californiana destacó por su imagen de «Lolita» moderna y sexy, sus extravagantes atuendos y sus canciones de letras irónicas con gran sentido del humor, aunque también resultaron muy controvertidas las que hablaban sobre homosexualidad, como ‘I Kissed a Girl’ o ‘Ur So Gay’. En verano del 2010 Katy Perry regresó al panorama musical con su tercer álbum de estudio, Teenage Dream, el cual seguía la estela musical pop/rock de su anterior disco pero incorporaba gran influencia electro-pop y dance-pop, estilos en los que profundizaría en sus trabajos posteriores. Katy Perry compuso todas las canciones presentes en el álbum, que trataban temas como el amor adolescente, salir de fiesta o el empoderamiento femenino, bajo la producción de importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke, Max Martin, StarGate, Benny Blanco, Tricky Stewart o Greg Wells. Gracias al tremendo éxito de los singles lanzados, Teenage Dream debutó en el #1 en las listas de ventas de Estados Unidos, Canadá, Australia o Reino Unido entre otros y superó los 6 millones de copias a nivel mundial, convirtiéndose en uno de los discos más populares y exitosos de aquel año. Si por algo destacó Teenage Dream fue por su excelente elección de los singles lanzados, los cuales gracias a su variedad y gran calidad, 5 de ellos alcanzaron el #1 en la lista americana de manera consecutiva (además de otro #1 no consecutivo perteneciente a la edición deluxe del álbum), logrando un gran hito en la historia de la música, ya que hasta el momento sólo Michael Jackson había logrado 5 singles #1 de un mismo álbum. El single presentación del álbum fue California Gurls, un marchoso tema electro-pop con influencia Disco/funk que contaba con la colaboración del rapero Snoop Dogg y destacó por sus divertidas letras sobre los encantos de las chicas californianas y sobretodo por su polémico videoclip, en el que Katy lucía numerosos y escasos modelitos de lo más estrafalarios. El segundo single fue el tema que daba título al disco, Teenage Dream, que abandonaba el toque gracioso/divertido del single anterior, regresaba al sonido pop/rock y power-pop presente en su primer álbum y hablaba de un amor adolescente. Otros de los singles más destacados del álbum fueron Firework, una de las producciones de StarGate para el álbum y que se ha convertido en uno de los temas más representativos de la carrera de Katy, Last Friday Night, con el que Katy volvía a su lado más fiestero y divertido, E.T., que resultaba uno de los temas más originales y diferentes del disco debido a su gran componente electrónico, su influencia del sonido Trap/Hip-Hop y contaba con la participación del rapero Kanye West o el emotivo The One That Got Away, que hablaba sobre la perdida de un antiguo amor y es uno de mis temas favoritos del disco. Sin duda, Teenage Dream es el trabajo más sólido de la trayectoria musical de Katy Perry y uno de los álbumes pop más influyentes de la historia del pop. Puntuación: 8/10.

e754d-kylieaphrodite9. Aphrodite de Kylie Minogue.

Durante la década del 2000, Kylie Minogue protagonizó uno de los regresos más importantes del mundo del pop gracias a Light Years, el cual devolvió a la diva australiana la popularidad perdida tras varios años infructuosos a nivel comercial, y se superó con Fever, con el que regresó a los primeros puestos de las listas de ventas gracias al hit ‘Can’t Get You Out of My Head’ que la catapultó de nuevo al olimpo de las cantantes más importantes del pop. Aunque sus siguientes trabajos, Body Language y X, no lograron igualar el desempeño comercial de Fever, Kylie continuó generando singles de éxito en Reino Unido, Europa y Australia, sus mercados estrella. Con una popularidad en alza y en uno de sus mejores momentos personales y profesionales, la diminuta cantante comenzó la década del 2010 publicando su undécimo álbum de estudio, Aphrodite. Tras el coqueteo con el sonido R&B y electro-pop en Aphrodite y X, Kylie regresó a sus orígenes musicales y nos ofreció un álbum más parecido al estilo de Light Years encuadrado en el dance-pop y Disco con cierto toque electro-pop. La veterana cantante trabajó con importantes nombres de la industria musical como Stuart Price (responsable del éxito de Confessions de Madonna), Calvin Harris, Fraser T Smith, Starsmith o Xenomania para crear uno de los mejores álbumes de Kylie dentro de su extensa trayectoria musical. El single presentación de Aphrodite fue All The Lovers, un magnífico tema electro-pop producido por Stuart Price que fue aclamado por la crítica por sus letras, su gran producción y el gran estribillo, en el que Kylie afirmaba que sus anteriores parejas no se pueden comparar a su actual relación, que por entonces era el modelo español Andrés Velencoso. All The Lovers obtuvo un gran acogida comercial (ocupó el top 10 en Reino Unido, España o Francia), fue catalogado como un clásico de Kylie y se convirtió en un ‘fan favorite’. Este álbum está lleno de interesantes temas up-tempo dirigidos a las pistas de baile como Get Outta My Way, que fue lanzado como segundo single, Closer, Cupid Boy o Looking For an Angel, por ello considero Aphrodite como uno de los mejores trabajos de Kylie Minogue y un merecedor ocupante de esta lista a los álbumes pop más influyentes de la anterior década. Puntuación: 8/10.

aa678-21adele8. 21 de Adele.

Adele pasó de ser prácticamente una desconocida para el público internacional (no en Reino Unido, donde ya era conocida con su anterior trabajo) a convertirse en la artista revelación del año 2011 gracias a su disco segundo disco de estudio, titulado 21. Este álbum, que mezcla Soul, pop y R&B, está lleno de canciones melancólicas provocadas por la depresión que sufrió tras la ruptura de la cantante con su pareja. Adele compuso las letras de todas las canciones que componen 21 bajo la producción de Paul Epworth, Rick Rubin o Ryan Tedder y además de sus grandes habilidades como compositora destacaba su maravillosa y personal voz, haciendo de la cantante británica una de las más completas y talentosas de las últimas décadas. Uno de los temas más up-tempo y marchosos del disco, Rolling In The Deep, fue elegido como primer single y además de recibir excelentes críticas de los expertos musicales logró ocupar el #1 en las listas de venta de Estados Unidos o Canadá y #2 en Reino Unido, sin embargo el segundo single, Someone Like You, consiguió superar el éxito del primer single y se ha convertido en una de las canciones más exitosas de la historia de la música tras vender más de 15 millones de copias. Esta preciosa balada de desamor inspirada en una relación fallida logró un premio Grammy a mejor actuación pop del año y también recibió una nominación a single británico del año en los premios BRIT. El tercer single single fue Set Fire to the Rain’, otro de los puntos fuertes de 21 y personalmente mi favorito. Este tema también consiguió gran éxito y aunque no entró al top 10 en la lista de Reino Unido, se convirtió en el tercer #1 consecutivo en Estados Unidos, donde Adele gozó de un éxito tremendo. Entre lo más destacado de 21 por su gran calidad se encuentran ‘Rumour Has It’, otro de los temas up-tempo del disco y la balada pop/Soul producida por Ryan Tedder ‘Turning Tables’. El éxito comercial de 21 fue descomunal: lideró las listas de ventas de prácticamente todo el mundo, se convirtió en el disco más vendido de la historia en Reino Unido, fue #1 en Estados Unidos durante 24 semanas y superó los 30 millones de ejemplares vendidos a nivel mundial. Dentro de una década dominada por el sonido electrónico y el abuso del Auto-Tune es de agradecer que aparecieran álbumes melódicos y acústicos como 21, donde el centro de las canciones es la fantástica voz de Adele y no existe ningún truco de producción. Puntuación: 8/10.

sia_1000_forms_of_fear7. 1000 Forms of Fear de Sia.

Aunque ya era una afamada compositora solicitada por los mejores cantantes y productores, durante el año 2014 Sia Furler pasó de ser una artista minoritaria y desconocida por el gran público a convertirse en una de las cantantes más importantes del mundo de la música y ocupar las primeras posiciones en las listas de venta con 1000 Forms of Fear, su sexto álbum de estudio pero el primero que despuntó a nivel internacional. La gran acogida que obtuvo la cantante australiana fue sin lugar a dudas gracias al tema Chandelier, el primer single extraído del disco y con el que Sia consiguió una presencia máxima en las radios de todo el planeta. Gracias a la espectacular y personal voz de Sia, sus llamativas letras y su pegadizo estribillo, Chandelier logró un tremendo éxito en todo el mundo y aunque no alcanzó el #1 prácticamente en ningún país fue top 10 en todos los principales mercados musicales. 1000 Forms of Fear estaba formado por baladas y medios tiempos de estilo pop y electro-pop compuestos por la propia Sia bajo la producción de Greg Kurstin. Aunque Chandelier fue sin duda el single más popular del disco también destacan ‘Elastic Heart’, un tema synth-pop con influencia Trap que inicialmente formó parte de la banda sonora de la película «Los Juegos del Hambre» junto al cantante The Weeknd pero más tarde fue lanzado como single en una versión cantada en su totalidad por Sia, «Fire Meet Gasoline», mi canción favorita del álbum, o «Big Girls Cry», en la que habla de su batalla contra sus adicciones al alcohol y las drogas. 1000 Forms of Fear nos dio a conocer a Sia, una artista extremadamente talentosa pero a la vez muy excéntrica ya que durante la promoción del disco decidió no mostrar su rostro y se centró en el aspecto visual de su arte mediante complejas coreografías en sus videoclips y actuaciones en directo realizadas por la bailarina Maddie Ziegler. Sin duda 1000 Forms of Fear es uno de los mejores y más originales discos de la pasada década, aclamado por los críticos musicales, #1 en las listas de ventas de Estados Unidos, Australia o Canadá y que recibió 4 nominaciones a los premios Grammy. Puntuación: 8/10.

24cf3-loud6. Loud de Rihanna.

Desde sus inicios en el mundo de la música, Rihanna se ha caracterizado por su frenético ritmo de trabajo y prácticamente cada año ha lanzado un disco pero lo más destacable es que a diferencia de otros cantantes que han iniciado una espiral decreciente en su éxito comercial a lo largo de su carrera, a la cantante de Barbados le ha ocurrido lo contrario y álbum tras álbum ha conseguido aumentar su popularidad y acogida comercial. Su tercer álbum A Girl Gone Bad, con el que su música viró del reggae al pop/R&B más comercial, se convirtió en su espaldarazo definitivo para elevarla al olimpo del pop gracias a temas como Umbrella o Don’t Stop The Music. Tras la etapa oscura que supuso su siguiente disco Rated R, posterior al maltrato sufrido por su entonces novio Chris Brown, Rihanna volvió a dar un giro a su música y nos sorprendió con un trabajo que nada tenía que ver con Rated R, tanto en temática como en su imagen. A finales de 2010 vio la luz Loud, un álbum más alegre, divertido y positivo, formado por un compendio de temas up-tempo de estilo dance-pop y medios tiempos R&B, aunque también podíamos encontrar influencias reggae y pop/rock. Gracias al excelente rendimiento comercial de los singles lanzados, Loud superó ampliamente las ventas de su anterior disco y casi iguala las de A Girl Gone Bad, el mayor éxito de su carrera. Ocupó el top 5 en Estados Unidos, Australia, Francia o Alemania y fue #1 en Canadá y Reino Unido, donde tuvo un rendimiento excepcional, vendió casi 2 millones de copias y se convirtió en uno de los discos más vendidos del 2010 y 2011. Pocos álbumes han tenido una elección de singles tan acertada: el adelanto de Loud fue Only Girl (In The World), un bailable y marchoso tema dance-pop muy en la línea de “Don’t Stop The Music”, producido por el dúo noruego StarGate, colaboradores habituales de Rihanna. Este single fue un auténtico éxito en todo el planeta y ocupó el #1 en más de 10 países. El segundo single, What’s My Name, contaba con la colaboración del rapero canadiense Drake y se trataba de un tema electro-R&B de sonido caribeño que logró nuevamente el #1 en las listas de Estados Unidos y Reino Unido. El tercer sencillo, S&M, era otro potente tema dance-pop dirigido a las pistas de baile que causó gran controversia por su naturaleza erótica y su temática sadomasoquista pero se convirtió en el tercer single consecutivo de Loud en liderar la lista americana. La magnífica racha de singles siguió con la balada rockera California King Bed o Man Down, un pegadizo tema reggae que recuperaba las raíces caribeñas de la cantante. Sin duda Loud es uno de mis discos favoritos de Rihanna y uno de los trabajos pop más influyentes de la pasada década. Puntuación: 8/10.

Jennifer5. Love? de Jennifer Lopez.

Tras tres álbumes de estudio comercialmente exitosos y varios singles #1 en las listas de venta de todo el mundo, Jennifer Lopez pasó de ser una famosa actriz a formar parte del olimpo del pop como una de las cantantes más importantes a principios de la década del 2000. Sin embargo a partir de su cuarto álbum Rebirth, Jennifer inició una espiral decreciente en su éxito comercial y con Brave tocó fondo ya que dicho álbum resultó un sonado fracaso y los niveles de popularidad de la cantante neoyorquina descendieron de manera notoria. En 2009 J.Lo empezó a trabajar en su nuevo trabajo discográfico y lanzó el single anticipo, ‘Louboutins’, cuya promoción fue bastante accidentada, no logró captar la atención del público y supuso uno de los mayores flops del año, lo que llevó a su discográfica Epic a romper su contrato con la cantante de origen puertorriqueño y dejó el futuro del álbum en el aire. Tras este nuevo traspiés, Jennifer Lopez volvió al estudio de grabación y en 2011 vio la luz su séptimo álbum de estudio, Love?, cuyo título hacía referencia a lo confuso que resultaba el amor para ella tras haber sufrido numerosas relaciones fallidas. Love? estaba formado por un compendio de nuevas canciones de sonido dance-pop y electro-pop junto al productor RedOne (responsable del éxito de Lady Gaga) y varios descartes de las sesiones originales del álbum de estilo R&B/pop. Cuando muchos daban por acabada su carrera musical, J.Lo resurgió como el ave fénix con el single On The Floor, que se trataba de un bailable y pegadizo tema dance-pop con influencias latinas que sampleaba la melodía de la lambada. Este marchoso tema producido por RedOne y con la colaboración del rapero latino Pitbull fue uno de los singles más exitosos del año, ocupó el #1 en más de 20 países de todo el mundo y logró numerosos premios. Aunque las canciones de estilo dance-pop y electro-pop dominan Love?, también podemos encontrar temas con influencia R&B como «I’m Into You», un sensual medio tiempo con melodía caribeña que contaba con la colaboración del rapero Lil Wayne y fue lanzado como segundo single del álbum. Love? marcó el inicio de Jennifer Lopez dentro del sonido dance-pop, con el que lograría otros éxitos como ‘Dance Again’, perteneciente a su primer disco de grandes éxitos. Aunque la J.Lo más urbana de sus inicios siempre será mi favorita, Love? es uno de mis discos preferidos de la veterana cantante y merece formar parte del listado a los mejores álbumes de la década 2010-2019 ya que fue el responsable de devolver de nuevo a Jennifer Lopez a la cima de las listas de venta y está lleno de interesantes canciones como Hypnotico, Invading My Mind, One Love o Papi. Puntuación: 8’5/10.

britney-spears-glory4. Glory de Britney Spears.

En el año 2013 Britney Spears publicó su octavo disco de estudio Britney Jean, el cual pese a la mayor implicación de la cantante en la composición y su carácter personal y autobiográfico, recibió ciertas críticas negativas por hecho de haber dejado la entera producción en manos de Will.I.Am, el cual le dio su toque Dance machacón a las canciones up-tempo del álbum, que resultaban básicas y genéricas. Además Britney Jean tuvo un impacto comercial inferior a sus últimos trabajos que fueron #1 en Estados Unidos y cosechó unas ventas muy bajas por la ausencia de promoción por parte de Britney, la cual se embarcó en su residencia de conciertos en Las Vegas. En agosto de 2016, mientras la princesa del pop se encontraba inmersa en su exitosa residencia «Piece of Me» vio la luz su noveno álbum, titulado Glory, el cual también sufrió una escasez de promoción debido a los compromisos de Britney en la ciudad del pecado. Glory se alejaba del sonido electrónico y los temas up-tempo de estilo Dance de su anterior trabajo discográfico para centrarse en un pop más alternativo y diverso con influencias R&B, synth-pop o reggae y un ritmo más calmado. Al igual que con su último disco, Britney tuvo una mayor participación en el proceso creativo y para la producción de Glory contó con nombres menos conocidos en la industria musical como Mattman & Robin, BloodPop o Ian Kirkpatrick, pero que fueron responsables de uno de los mejores álbumes pop del año. Dentro de Glory abundan medios tiempos y baladas como Make Me…, el primer single del álbum, que tenía una gran influencia R&B y contaba con la colaboración del rapero G-Eazy, o Slumber Party, un tema de carácter muy sensual y con aroma reggae, aunque también podíamos encontrar temas más up-tempo como el marchoso «Do You Wanna Come Over?». Podemos considerar a Glory como un importante paso adelante con respecto al «maldito» Britney Jean ya que recibió criticas muy positivas de los expertos musicales (de las mejores de su carrera) por su ejecución vocal y su versatilidad como cantante y además consiguió unas buenas posiciones en las listas de ventas, entre ellas el #2 en Reino Unido y España o #3 en Estados Unidos y Alemania. Mientras que Britney Jean ha envejecido bastante mal con el paso de los años, Glory se mantiene fresco y actual ya que no siguió una senda musical en concreto y podemos considerarlo un disco atemporal, diverso y lleno de canciones originales, por todo lo cual está situado en la parte alta de este repaso a los mejores álbumes de la década que acaba de terminar. Puntuación: 9/10.

Robyn-Body-Talk-Pt-33. Body Talk de Robyn.

Robyn se convirtió en una de las cantantes de pop más populares durante la década de los 90 y principios de la década del 2000 no sólo en su Suecia natal sino también en otros países europeos como Reino Unido e incluso contó con un par de hits en Estados Unidos. Tras varios años en silencio, Robyn se tomó su tiempo preparando un proyecto muy original y complejo que consistía en tres mini álbumes o EP’s que componen una trilogía y culminaban en un álbum que contenía las mejores canciones de los tres mini álbumes, llamado Body Talk. En junio de 2010 se puso a la venta el primer EP, Body Talk Part I, que destacaba por contener el single Dancing On My Own, el cual se convirtió en uno de sus temas más famosos y su primer single #1 en la lista de ventas de Suecia, además de ocupar el top 10 en Reino Unido, Dinamarca y Noruega. Este pegadizo tema electro-pop habla de la soledad de la cantante en la pista de baile mientras observa a su pareja engañarle con otra mujer. «Dancing On My Own» está co-producido por Robyn y Patrik Berger y es el ejemplo perfecto del estilo electro-pop que triunfaba en el año 2010. Este primer EP fue bastante exitoso en Europa y estaba producido en su mayoría por el músico sueco Klas Ahlund. Tres meses después llegó Body Talk Part II, con Hang With Me como single presentación, que se trataba de un interesante tema electro-pop y aunque no logró despuntar en el resto del mundo como Dancing On My Own, fue #2 en su nativa Suecia. Esta segunda entrega contenía un sonido más electrónico, era más marchosa que la primera parte e incluía grandes canciones como «Love Kills» o «U Should Know Better», con influencia del sonido Hip Hop y que contaba con la colaboración del rapero Snoop Dogg. En noviembre llegó el álbum completo, Body Talk, que recogía los singles y las mejores canciones de las dos primeras entregas y 5 nuevos temas, los cuales también se pusieron a la venta el mismo día de manera separada como el EP Body Talk Part III. El single presentación fue Indestructible, una auténtica joya electro-pop que ya apareció en una versión acústica en la segunda entrega. Entre los temas nuevos destacaba el magnífico «Time Machine», que supuso la esperada colaboración de Robyn con su viejo conocido Max Martin o el marchoso «Call Your Girlfriend», el segundo single y una de las mejores canciones del disco. Para este álbum, la rubia cantante mostró su lado más original y extravagante, con unos videoclips muy atrevidos e impactantes y un look muy desenfadado aunque con el toque habitual de tristeza que suele tener la cantante sueca. En resumen, Body Talk fue un proyecto muy interesante, original, ambicioso y repleto de buenas canciones de estilo electro-pop y dance-pop, donde destaca la maravillosa voz de Robyn y la magistral producción de Klas Ahlund. Sin duda uno de los mejores álbumes electro-pop de todos los tiempos, de ahí que forme parte de este repaso a los mejores álbumes de la década pasada. Puntuación: 9/10.

14614170850342. Electra Heart de Marina and the Diamonds.

La cantante galesa Marina and the Diamonds hizo su debut en el mundo de la música en el año 2010 con The Family Jewels, que recibió buenas críticas de los expertos musicales por las originales letras de sus canciones y la personal voz de Marina, que contaba con registros muy diversos. El segundo álbum de estudio de Marina Diamandis llegó en 2012 y se trataba de un álbum conceptual acerca de las diferentes vertientes que tiene una mujer y cuyo personaje principal era Electra Heart, la cual reúne los estereotipos femeninos de la cultura del Sueño Americano y describe los altibajos que sufre toda mujer, como las rupturas amorosas y las complejas relaciones con los hombres. Durante la promoción de este álbum Marina lució una estética retro, muy ‘girlie’, que representaba a perfección la imagen de Electra Heart. Con respecto a su anterior disco la principal diferencia es la evolución musical ya que Electra Heart profundiza en el sonido electro-pop, tan de moda durante esos años aunque Marina incorporaba un sonido pop/rock más indie y alternativo, con influencia de la música electrónica de los años 80 y 90. Este sonido más comercial se debió a la colaboración de Marina con algunos de los mejores productores musicales del panorama musical como Rick Nowels, Dr. Luke o Greg Kurstin, quienes le dieron al disco un toque más bailable y marchoso aunque además de enérgicos temas electro-pop y dance-pop también hay varias baladas que muestran el lado más vulnerable y emotivo de la cantante. La elección de los singles no pudo ser más acertada ya que los tres sencillos lanzados son los temas más sobresalientes de este proyecto tan original. Primadonna fue el primer single extraído y el tema que mejor acogida recibió en las listas de venta y está basado en sus propias experiencias amorosas y en la imagen que su ex-pareja tenía de ella. Este magnífico tema destaca por el amplio registro vocal de Marina, que alterna registros muy altos en el estribillo y bajos durante las estrofas de la canción. Power & Control, el segundo single, era una auténtica joya electro-pop y fue muy bien recibido por los expertos musicales y considerado como el mejor tema del álbum. Como tercer y último single se lanzó How To Be Heartbreaker, un pegadizo y original tema electro-pop y pop/rock con unas letras sorprendentes acerca de cómo ser el perfecto rompecorazones. Con Electra Heart, Marina and the Diamonds consiguió el #1 en la lista de ventas británica y aunque su rendimiento fue moderado en el resto del mundo, el álbum logró entrar en el top 40 de la lista americana. En definitiva, Electra Heart es uno de los mejores álbumes de la pasada década por numerosos motivos, como el magnífico conjunto de canciones presentes, la gran elección de los singles, la inconfundible voz de Marina que tiene infinidad de matices, su gran talento como compositora que siempre sorprende gracias a unas letras originales e imaginativas y su peculiar estilo que no deja indiferente a nadie. Puntuación: 9/10.

Femme Fatale1. Femme Fatale de Britney Spears.

Tras pasar unos duros momentos personales y profesionales durante la promoción de Blackout (a pesar de ser calificado como uno de los mejores álbumes pop de la historia de la música por los expertos) Britney Spears remontó durante la era Circus, en la que recuperó el éxito perdido, mejoró su imagen pública y recobró el estatus de pop star. Britney comenzó la década de la mejor manera posible y en 2011 publicó Femme Fatale, su séptimo álbum de estudio y uno de los más sólidos de su amplio catálogo musical. En Circus, Britney se reunió con su habitual colaborador Max Martin tras dos discos sin trabajar juntos y en Femme Fatale se convirtió en el productor ejecutivo del álbum junto a Dr. Luke, quien también participó en varios temas de Circus (incluido el exitoso tema que da título al disco). Aunque Max Martin y Dr. Luke se encargaron de la mayoría de temas de Femme Fatale, también participaron otros importantes nombres como Darkchild, StarGate, Bloodshy (la mitad de Bloodshy & Avant, responsables de su hit Toxic), Will.I.Am o Fraser T Smith, los cuales crearon un álbum dirigido a las pistas de baile formado por temas up-tempo de estilo dance-pop y electro-pop. Sin duda el punto fuerte del álbum fue la gran elección de los singles lanzados, quizás la mejor de toda la carrera de Britney. El enérgico ‘Hold It Against Me’ fue el single presentación del álbum y logró el #1 en lista americana (el cuarto single #1 para Britney y segundo consecutivo tras ‘3’) sin embargo el single más memorable de la era Femme Fatale fue Till The World Ends, aclamado por la crítica y que se convirtió en uno de los temas más radiados del 2011. La excelente racha de singles continuó con el pegadizo tema dance-pop ‘I Wanna Go’, que resultó el tercer top 10 consecutivo de Britney en la lista americana y «Criminal», un original tema mid-tempo de estilo folk con melodía de flauta que en ausencia de baladas era el tema más calmado del álbum. Femme Fatale debutó en el #1 en la lista americana, convirtiéndose en el sexto álbum de Britney Spears que llegaba a la posición de honor de Billboard y acabó siendo certificado platino por más un millón de ejemplares distribuidos. Con 6 álbumes #1 en Estados Unidos, Britney entró en el selecto club de cantantes femeninas con más discos #1 junto a Mariah Carey y Janet Jackson (más tarde se uniría Beyoncé). En el resto del mundo Femme Fatale también logró una buena acogida comercial: fue #1 en Canadá y Australia y top 10 en los principales mercados musicales como Reino Unido, Alemania o España. Pese a que fue muy criticado el hecho de que Britney no participara en el proceso de creación de Femme Fatale y fuera una marioneta en manos de los productores, lo cierto es que el equipo que trabajó en este álbum creó uno de sus mejores álbumes de su carrera y personalmente el mejor que ha publicado durante la anterior década, de ahí que sitúe al séptimo disco de Britney en la posición de honor de esta lista. Puntuación: 9/10.

High Road, el regreso de Kesha

KeshaTras el drama ocurrido entre Kesha y su ex-productor Dr. Luke, en 2017 regresó con su tercer álbum de estudio, Rainbow, en el que abandonaba su habitual sonido electro-pop, sus marchosas canciones sobre salir de marcha y pasarlo bien y su excéntrica imagen de party-girl. En Rainbow, Kesha no sólo evolucionó hacia sonidos tan diferentes como el Country, el rock o el folk, sino que mostró su madurez al relatar la montaña rusa en que se convirtió su vida los últimos años, ya que sufrió un desorden alimenticio, pasó por un centro de rehabilitación y atravesó duros problemas personales y profesionales debido a su ardua batalla contra Dr. Luke, al que no sólo culpó de impedirle lanzar nueva música sino que le acusó de abusos sexuales y maltrato psicológico. Pese a resultar muy diferente al estilo de Animal y Warrior, sus dos primeros álbumes, Rainbow recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales y debutó en el #1 de la lista americana. Aunque el público y muchos personajes públicos se solidarizaron con Kesha y se posicionaron a su favor, lo cierto es que por el camino perdió a millones de seguidores que preferían a la Kesha desenfadada y «petarda» en vez de la artista sobria y madura de Rainbow. Con una mayor credibilidad como artista pero una popularidad a la baja, la cantante californiana ha regresado este año con nueva música y ha anunciado que en enero de 2020 verá la luz su cuarto álbum de estudio, High Road. En octubre Kesha lanzó el single anticipo de su nuevo proyecto, Raising Hell, y desde la primera escucha pudimos notar que Kesha había regresado a su lado más marchoso y alegre, pero no al extremo de su hit «Tik Tok», sino que mezclaba el estilo bailable de su álbum debut con un toque más orgánico e instrumental característico de Rainbow. Raising Hell es un tema dance-pop con influencias Gospel y Country que cuenta con la colaboración del peculiar artista Big Freedia y está acompañado de un original videoclip en el que Kesha se convierte en una telepredicadora y vuelve a mostrar su lado divertido y excéntrico de siempre. Si la cantante pretendía recuperar a los fans de sus inicios y mantener a los nuevos, lo cierto es que no ha conseguido ninguno de sus objetivos ya que Raising Hell no ha entrado en las principales listas de venta y se ha convertido en uno de los mayores flops del año. Tras este comienzo tan desafortunado de la era High Road, Kesha ha lanzado un nuevo single, My Own Dance, que se trata de un divertido tema electro-pop compuesto junto a Justin Tranter y producido por John Hill. En «My Own Dance» la cantante parece haber vuelto a su imagen de chica fiestera pero confiesa que ya no es la marioneta de nadie ni cometerá los mismos errores del pasado, toda una declaración de intenciones por parte de Kesha y un dardo envenenado hacia Dr. Luke.

Crítica de «Rainbow» de Kesha

Kesha_-_Rainbow_(Official_Album_Cover)Tras un largo periodo de tiempo apartada del mundo de la música, aunque no de los medios de comunicación ya que su vida personal y profesional ha estado muy expuesta debido al publicitado enfrentamiento con su antiguo productor Dr. Luke, la cantante americana Kesha ha regresado este año con su tercer álbum de estudio, llamado Rainbow, que se puso a la venta el pasado mes de agosto. Gracias a las buenas críticas recibidas de los temas que hemos podido escuchar hasta el momento y al apoyo masivo del público en su conflicto con Dr. Luke, Rainbow debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el segundo trabajo discográfico de Kesha que llega a lo más alto de Billboard tras Animal, el disco debut de la cantante. Su anterior álbum Warrior fue #4 en la lista de ventas de Estados Unidos y obtuvo unas ventas significativamente más bajas que las de Animal, aunque hay que tener en cuenta que Kesha siempre se ha caracterizado por ser una artista que vende más singles que discos. En el resto del mundo, Rainbow también ha recibido una gran respuesta comercial y ha ocupado buenas posiciones en las listas de venta, destacando el #1 en Canadá y el top 5 en Reino Unido y Australia. Rainbow supone un cambio radical en el estilo musical de Kesha con respecto a sus dos álbumes predecesores, los cuales estaban encuadrados en el electro-pop y el dance-pop (con una ligera influencia rock en Warrior) y compuestos por marchosos y bailables temas up-tempo, sin embargo para este nuevo álbum, la cantante ha dejado atrás los sintetizadores y el abuso del Auto-Tune para dar forma a un álbum más orgánico e instrumental y encuadrado en el pop, aunque con influencias pop/rock, Country y folk. El cambio de estilo musical no ha sido el único punto de divergencia con respecto a los anteriores discos de Kesha, ya que la cantante ha dejado atrás su imagen de party-girl y sus habituales letras acerca de salir de fiesta y pasarlo bien para adoptar en este álbum un mensaje feminista, inspirador y de empoderamiento, con letras más emotivas y profundas que reflejan todos los acontecimientos que ha vivido Kesha en los últimos años.

El single presentación del álbum ha sido Praying, y desde el momento que lo escuchamos nos sorprendió por la enorme diferencia con respecto a los primeros singles de Kesha, ya que en este caso se trataba de una emotiva balada pop con influencia Soul y Gospel que recibió grandes críticas por su inspirador mensaje y su voz, que aparece más clara y nítida que nunca debido a la ausencia de Auto-Tune. Aparte de este single, Kesha lanzó varios sencillos y videoclips promocionales de otras canciones para mostrar la variedad de estilos que existían dentro del álbum, entre los que se encuentran el marchoso tema Woman, compuesto como respuesta a las famosas declaraciones misóginas de Donald Trump y que es un auténtico himno feminista, o Learn To Let Go, que contiene un mensaje de superar los problemas y obstáculos que se te presentan en la vida (en referencia a su batalla legal contra Dr. Luke), y resulta un tema recurrente en varias de las canciones del disco. Desde que Kesha irrumpió en el mundo de la música, algunos supimos que su imagen alocada y extravagante desaparecería con los años y su evolución natural sería convertirse en una cantante Country (debido a la influencia que este tipo de música ha tenido en Kesha al haber vivido en Nashville, la cuna de este género musical) o encuadrada en un estilo más adulto, por ello no nos ha sorprendido que la cantante haya madurado y su música haya evolucionado hacia un sonido pop más convencional. En resumen, aunque Rainbow suponga su trabajo más maduro y sobrio hasta la fecha y en él muestre su verdadera personalidad, en mi opinión prefiero Animal (en concreto la re-edición Animal+Cannibal), que se trataba de un disco más divertido, bailable y lleno de pegadizas canciones con las que bailar y pasarlo bien, ya que como party-girl Kesha cumplía perfectamente. Puntuación: 6/10.

Praying, el regreso de Kesha

f36275f8821d8d3b2db55e0cf9231d13.1000x1000x1En 2012 la cantante Kesha publicó su segundo álbum de estudio, titulado Warrior, en el que experimentó con la música rock y colaboró con artistas de ese género, aunque podemos considerarlo un disco de estilo electro-pop y dance-pop muy similar a su primer trabajo discográfico. El single presentación del álbum, Die Young, sonó con fuerza en las radios de todo el mundo durante ese año y tuvo una buena acogida en las listas de venta, destacando el #2 que consiguió en Estados Unidos o el top 10 en Reino Unido, Canadá y Australia, pero el resto de singles no corrieron la misma suerte y las ventas del álbum fueron bastante bajas. En 2013 Kesha colaboró con el rapero Pitbull en el single «Timber», que fue uno de los temas más importantes del verano y logró el #1 en más de 10 países, y debido a la química surgida entre ambos artistas, se embarcaron en una gira conjunta por Estados Unidos. Tras la promoción de Warrior, la cantante pasó por una etapa personal muy delicada ya que ingresó en rehabilitación por problemas de salud relacionados con su peso. Además de sus problemas de salud, la complicada relación de Kesha con Dr. Luke (el productor ejecutivo de sus álbumes y responsable de sus mayores éxitos) se agravó y la cantante le acusó de acoso sexual, maltrato psicológico y abuso emocional ya que la obligó a perder peso y vestir de manera más sexy y provocativa para poder competir con sus compañeras de profesión (sonado fue el comentario de Dr. Luke que comparaba el cuerpo de Kesha con una nevera). Kesha inició una demanda judicial contra Dr. Luke para desvincularse de su discográfica pero le fue negada. Durante estos años no hemos podido escuchar nueva música de la cantante porque su contrato con la discográfica de Dr. Luke no le permitía lanzar nuevos temas de otros productores a pesar de que Kesha había grabado numerosas canciones mientras estuvo en rehabilitación. Tras haber pasado por uno de sus peores momentos personales y profesionales y haber tocado fondo, Kesha ha levantado cabeza y ha regresado al panorama musical tras 4 años de sequía musical.

Praying ha sido el tema de regreso de Kesha y suena muy diferente a lo que estamos acostumbrados con la cantante ya que no se trata de un marchoso tema electro-pop típico de Kesha como «We R Who We R» o «Tik Tok», sino que se trata de una balada pop con influencias Soul y Gospel en la que su voz no aparece sintetizada como es habitual y podemos apreciarla de una manera más natural. Prestando atención a la letra de Praying («No eres tan guapa, no eres tan talentosa, tienes suerte de tenerme, no vales nada sin mi») no es difícil observar que alude a su relación profesional con Dr. Luke, el cual supuestamente abusó de Kesha y maltrató psicológicamente. Este single ha recibido grandes elogios por parte de los críticos musicales por el carácter inspirador de la canción, su profundo mensaje y por la voz de la cantante, que aparece sin su habitual Auto-Tune. Pocos días después de lanzar el single y el videoclip de Praying, Kesha desveló otra canción que formará parte de su nuevo disco, Woman, la cual también es muy diferente al habitual repertorio de Kesha, y se trata de un marchoso tema folk y Country que nos demuestra que el nuevo trabajo va a sonar muy diferente a Animal y Warrior, y mostrará las verdaderas aspiraciones musicales de la artista, con gran influencia del sonido Country, género que influenció a Kesha durante su juventud. El tercer álbum de estudio de Kesha se llamará Rainbow, se pondrá a la venta el mes de agosto, contará con nuevos productores implicados tras la nefasta experiencia de Kesha con Dr. Luke en el pasado y marcará una nueva etapa musical y personal para la cantante, quien ha abandonado el símbolo $ en su nombre artístico y ha dejado atrás toda la negatividad y el drama.

Crazy Kids

A pesar de que «Die Young» ha tenido bastante éxito en todo el mundo, ha ocupado buenas posiciones en las listas de venta y ha sido uno de los temas con mayor rotación en las radios los últimos meses, el rendimiento comercial del álbum Warrior ha sido muy negativo, ya que con la excepción de Norte América, a nivel internacional las ventas han sido muy bajas y ha sido incapaz de llegar al top 20 en muchos de los mercados importantes. Aunque en Estados Unidos la respuesta hacia el disco ha sido mejor (llegó al #6) las ventas distan mucho de las de Animal, el primer disco de estudio de Kesha. «C’Mon» fue el segundo single extraído del disco, y a pesar de ser un buen tema, no ofrece nada nuevo y es una repetición de los singles de estilo electro-pop lanzados por la cantante anteriormente. Este single se ha convertido en uno de los menos exitosos de toda su carrera y en un intento de remontar las escasas ventas de Warrior se ha lanzado Crazy Kids, una de las canciones más destacadas del disco, pero en este caso se ha lanzado como single un remix del tema en el que aparece Will.I.Am.

La polémica y controvertida cantante muestra su lado más freak y recargada de complementos en el videoclip de Crazy Kids, y tras dejarse ver muy sexy en el videoclip de Die Young, Kesha ha vuelto a su imagen de «diva basurilla» en el video de Crazy Kids en el que Will.I.Am no ha podido aparecer por problemas de agenda. Aunque Ke$ha insistió en que este álbum tenía una gran influencia del sonido Rock, ninguno de los singles lanzados hasta ahora refleja esta influencia, ya que se encuentran dentro de la zona de confort de la cantante, es decir el electro-pop y dance-pop. Kesha ha recorrido los últimos meses Europa y Estados Unidos presentando su nueva música con el Warrior Tour, su segunda gira mundial y la más espectacular hasta la fecha, aunque no ha conseguido llenar en la mayoría de sus shows y ha recibido críticas por las habilidades vocales de la cantante, que abusa del Auto-Tune.

Crítica de «Warrior» de Kesha

File:Kesha Warrior.jpegCon su nuevo álbum, la excéntrica cantante Ke$ha prometía una evolución hacia el pop/rock, estilo musical que afirmó que había estado escuchando durante la grabación del disco y citó que el cock-rock había sido una gran influencia para ella durante el proceso de grabación. Cuando escuchamos ‘Die Young’ por primera vez pudimos apreciar un sonido más orgánico y con uso de guitarra, pero seguía teniendo el típico sonido electro-pop con el que conocimos a Kesha años atrás. Pero tras escuchar en profundidad Warrior, su nuevo trabajo, puedo corroborar que el cambio hacia el sonido rock no ha sido en absoluto tan radical como nos esperábamos tras las declaraciones de Kesha, ya que predomina el electro-pop y el dance-pop aunque es cierto que el uso del rock es notorio en algunos temas, pero con toques electrónicos que lo hacen más accesible a sus fans y al público en general. Die Young, el primer single, ha tenido buena acogida en todo el mundo ya que era una apuesta segura por su similitud con temas de Animal, su álbum debut y con Cannibal, la re-edición de éste. Este bailable tema electro-pop ha logrado ser #2 en Estados Unidos, donde Kesha continúa con su sucesión de singles dentro del top 10 de la lista americana. Alrededor del mundo ‘Die Young’ no ha logrado tan buenas posiciones, aunque ha sido top 10 en Reino Unido, Canadá y Australia. El videoclip de Die Young ha causado controversia por el uso de varios elementos relacionados con los Illuminati (que Rihanna ha introducido en varios de sus videoclips) pero en el caso de Kesha resulta forzado y con el único propósito de causar polémica y dar que hablar. El segundo single desprendido del álbum ha sido C’Mon, un pegadizo tema dance-pop que ha tenido un desempeño moderado en las listas de venta y ha sido incapaz de repetir el éxito del primer single. C’Mon es otro de los temas que apenas se diferencia de los incluidos en Animal y aunque es pegadizo y marchoso, ha recibido críticas por ser una apuesta poco arriesgada ya que Kesha todavía no está mostrando nada del tan nombrado sonido rock con el que ha experimentado.

Entre los mejores temas del disco se encuentran ‘Crazy Kids’ un tema electro-pop que tiene muchas posibilidades de convertirse en single, ‘Warrior’, otro marchoso tema electro-pop de pegadizo estribillo y ‘All That Matters (The Beautiful Life)’, un potente tema Dance que resulta el más up-tempo de álbum y es la aportación en solitario de Max Martin. También destaca ‘Dirty Love’, que es uno de los pocos temas en los que Kesha introduce elementos rock y lo hace junto a uno de sus ídolos, el veterano cantante Iggy Pop, quien le influenció durante su juventud y le hizo amar el género rock. Warrior está enteramente producido por Dr. Luke, quien ya se encargó de la mayoría de temas de Animal y Cannibal, pero le ayudan en la producción y composición sus habituales colaboradores Benny Blanco, Cirkut y Max Martin. Únicamente hay dos temas ajenos a Dr. Luke, uno producido por Max Martin y otro de Greg Kurstin. En resumen, la evolución de Kesha hacia el rock no ha sido tan llamativa como esperábamos ya que Warrior sigue siendo un disco electro-pop y dance-pop, con el peculiar estilo de cantar-rapear de Kesha y letras facilonas de «party-girl» con las que la conocimos, pero es un buen álbum y por tanto, aunque sea menos arriesgado de lo que «nos lo pintaba» Kesha, lo preferimos así. Puntuación: 7/10.

Ke$ha

TiK ToK, el single con el que conocimos a la cantante Ke$ha, ha tenido una buena acogida en todos los mercados musicales importantes como Estados Unidos, Canadá o Australia, donde ha sido #1, pero también ha recibido muchas críticas por su irritante sonido y lo repetitiva que resulta la canción. Algunos críticos musicales han alabado la naturaleza divertida y despreocupada de la canción mientras otros han criticado su escasa voz, que aparece sintetizada a lo largo de toda la canción gracias al famoso Auto-Tune y por la poca sustancia que tiene la letra de dicho tema. En los tiempos que corren, donde los artistas consagrados cada vez venden menos discos y la industria musical ha entrado en una espiral descendiente por la piratearía y las descargas ilegales, aparecen ciertos cantantes que intentan aferrarse a la efímera popularidad con polémicas y deslenguados comentarios, tales como Lady Gaga o nuestra protagonista Kesha. TiK ToK ha sido el primer single de su álbum debut, llamado Animal, casi enteramente producido por Dr. Luke, conocido por ser el responsable de éxitos como «Hot N Cold» de Katy Perry o «Circus» de Britney Spears, además de haber trabajado en varios temas de Pink o Kelly Clarkson. Gran parte del éxito de Ke$ha se ha debido al hecho de trabajar con los productores Dr. Luke y Max Martin, unos pesos pesados del pop, que todo lo que tocan se convierte en un hit de las pistas de baile y las listas de venta.En lo que respecta a su estilo musical, Kesha se ha subido al carro del sonido de moda, el electro-pop, además del dance-pop. Pero lo que distingue a la cantante es su manera de cantar-rapear, comparable al estilo de Fergie o Gwen Stefani. El segundo single extraído de Animal, «Your Love Is My Drug», también ha gozado de moderado éxito en las listas de venta de todo el mundo, obteniendo sus mejores posiciones en Estados Unidos, Canadá y Australia, donde ha sido top 10.