El 2020 está siendo un año extremadamente inusual debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus, la cual ha afectado a todos los sectores de la economía, que se han tenido de adaptar a la profunda crisis que han provocado los meses de confinamiento y el parón de la actividad industrial. El sector del ocio ha sido uno de los más afectados y si nos centramos en la industria musical podemos afirmar que ésta ha sufrido una caída brutal en sus principales fuentes de ingresos, por todos los conciertos y festivales de música que han sido cancelados y la ausencia de ventas de discos en formato físico. Algunos artistas que tenían pensado lanzar sus álbumes durante esta primavera decidieron posponer la fecha de publicación hasta que las condiciones sanitarias «volvieran a la normalidad» y pudieran realizar promoción, mientras que otros valientes siguieron con sus planes originales y lanzaron disco pese a la extraña situación que hemos vivido, algo que es de agradecer y alabar. Aunque este año haya sido atípico desde mediados de marzo y el número de lanzamientos se haya reducido de manera considerable, hemos sido testigo de la publicación de varios álbumes muy interesantes que nos han acompañado durante los duros momentos del confinamiento. Desde el blog MiSTeR MuSiC haré un repaso de los mejores álbumes que se han lanzado durante la primera mitad de este 2020.
4. Chromatica de Lady Gaga.
En su habitual línea de dar pena sacando a la luz enfermedades y traumas pasados, Lady Gaga se ha vendido a sí misma como una de las grandes afectadas por la pandemia del coronavirus al tener que aplazar el lanzamiento de su nuevo álbum, sin embargo no lo ha sido tanto ya que pudo haber lanzado el disco en las fechas originales sin mayor problema puesto que otros cantantes lo han hecho con gran éxito (como Dua Lipa) pese a la disminución de la promoción debido a razones obvias. Lady Gaga tenía previsto publicar su sexto disco de estudio, Chromatica el pasado 10 de abril pero decidió posponer su lanzamiento hasta que las circunstancias fueran más propicias, sin embargo en un arranque muy coherente por su parte el álbum vio la luz a finales de mayo, cuando la pandemia sacudía fuertemente a Estados Unidos, el mercado más importante para la polémica cantante. Dejando a un lado esta incoherente estrategia comercial, nos encontramos ante uno de los discos más esperados del año ya que tras su coqueteo con el Country y el pop/rock de ‘Joanne’ y su participación en la banda sonora de ‘A Star Is Born’, donde continuó con su imagen de artista seria y madura, con su nuevo álbum Lady Gaga ha regresado a sus raíces pop y ha rescatado de nuevo su imagen extravagante. Chromatica abandona las baladas dramáticas como ‘Shallow’ para centrarse exclusivamente en temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House. Aprovechando el momento nostálgico que vive el pop actualmente y al igual que Dua Lipa se inspiró en el sonido Disco de los años 70 y 80, Lady Gaga se ha influenciado del Dance y House que triunfaban en los 90 para dar forma su nuevo trabajo, que reduce el relleno al mínimo y está formado por temas dirigidos a las pistas de baile aunque la temática vaya más encaminada a mostrarnos cómo ha superado las adversidades y los duros momentos del pasado. El primer single del álbum, ‘Stupid Love’ llegó en febrero y aunque resultaba marchoso y pegadizo no dejaba de ser un tema poco arriesgado e innovador que muchos tacharon de básico y menos eficaz que sus habituales primeros singles. Tras la tibia acogida de ‘Stupid Love’ (que fue un éxito en ciertos países pero marcó mínimos en la carrera de Lady Gaga en otros importantes mercados) y coincidiendo con la publicación del álbum, la artista neoyorquina sacó todos los tanques y nos ofreció su esperada colaboración con Ariana Grande en ‘Rain On Me’, un bailable tema dance-pop y House que esta vez sí la devolvió al #1 en las listas de ventas. Chromatica contiene grandes temas que pueden pueden ser singles muy potentes como Replay, Free Woman, Fun Tonight o 911 y supera ampliamente la calidad de Joanne y Artpop, de ahí que lo considere uno de los mejores discos del año, aunque se tiene que conformar con el cuarto puesto. Puntuación: 7’5/10.
3. All Monsters Are Human de K. Michelle.
El 31 de enero resultó ser un día de extrema competencia en el mundo de la música ya que se produjeron numerosos lanzamientos de discos de importantes artistas como Kesha, Meghan Trainor, Louis Tomlinson o nuestra protagonista, K. Michelle. La cantante nacida en Memphis publicó su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters Are Human, que tomaba el relevo a «Kimberly: The People I Used To Know», lanzado en 2017, lo que supuso el lapso de tiempo más amplio entre disco y disco dentro de su carrera, ya que desde sus inicios en el mundo de la música se ha caracterizado por su gran agilidad al lanzar álbumes. En la actualidad K. Michelle es una de las pocas cantantes que podemos encuadrar dentro del R&B más tradicional y clásico puesto que dicho género se ha visto influenciado durante los últimos años por la música electrónica y el desmedido uso de los sintetizadores y ha perdido parte de su esencia y sus orígenes, sin embargo la cantante de Tennessee se ha mantenido fiel al R&B de los años 90 y 2000 y es una de las escasas representantes del ‘verdadero R&B’ que ha ido desapareciendo a lo largo de los años. «All Monsters Are Human» está formado por 13 temas compuestos por la propia Kimberly y destaca por el hecho de que es su primer trabajo como artista independiente tras dejar su antigua discográfica por los resultados tan mediocres que cosechó su último disco. Dentro del álbum podemos encontrar las clásicas baladas R&B/Soul por las que es conocida K. Michelle como ‘That Game’ o ‘The Worst’ además de otros originales temas como ‘Just Like Jay’, que se trata de un medio tiempo pop/R&B con cierta influencia Country o ‘Love On Me’, un animado tema pop/R&B que supone el momento más up-tempo del álbum. El primer single del álbum fue ‘Supahood’, un marchoso tema R&B/Hip-Hop con influencia Trap que contaba con la participación de las raperas City Girls y Kash Doll y donde la cantante mostraba su lado más urbano y tras él llegó ‘The Rain’, una fantástica balada mid-tempo producida por Jazze Pha que nos trae de vuelta la verdadera esencia del R&B. Tras el pequeño tropiezo que supuso su anterior disco «Kimberly: The People I Used To Know», el cual era excesivamente largo, algo aburrido y resultaba menos sólido y consistente que sus tres magníficos primeros discos, con «All Monsters Are Human» la cantante ha recuperado su habitual nivel y nos encontramos ante un trabajo de gran calidad en el que no sobra ningún tema y donde podemos disfrutar de la maravillosa voz de Kimberly y sus habilidades como compositora en las que relata todas las experiencias por las que ha pasado durante estos últimos años. Puntuación: 8/10.
2. After Hours de The Weeknd.
Aunque The Weeknd publicó su cuarto álbum de estudio After Hours el 20 de marzo, cuando comenzaba el confinamiento en varios países europeos y la pandemia avanzaba a pasos agigantados, gran parte de la promoción del mismo se había producido los meses anteriores y los dos singles lanzados ya llevaban un tiempo en los primeros puestos de las listas de venta, por lo que su publicación en una fecha tan arriesgada no le pasó factura a las ventas del mismo. After Hours debutó en el #1 de la lista americana con más de 400 mil unidades vendidas (incluyendo más de 250 ejemplares de ventas puras, es decir en formato físico y digital) convirtiéndose en uno de los debut más importantes del año en Estados Unidos y su tercer disco #1 consecutivo. Gran parte del éxito logrado por el álbum se debió a la excepcional respuesta por parte del público de los dos primeros singles, que vieron la luz en noviembre del año pasado. Primero llegó ‘Heartless’, un enigmático medio tiempo R&B/Trap en el que el artista canadiense admitía que tras la ruptura con su ex-pareja había vuelto a su vida disoluta de soltero desalmado. Este single de sonido urbano encajaba mejor con los gustos americanos y debutó en el #1 de la lista de singles de Estados Unidos (su cuarto ‘chart topper’) sin embargo The Weeknd tenía guardado otro as en la manga de cara al mercado internacional. Un par de días después de lanzar ‘Heartless’ llegó ‘Blinding Lights’, un marchoso tema synth-pop y dance-pop de corte retro inspirado en el estilo new-wave de los años 80 y producido por el rey Midas del pop Max Martin. ‘Blinding Lights’ recuperaba el carácter up-tempo y comercial de su hit ‘Can’t Feel My Face’, recibió grandes críticas de los expertos por su naturaleza bailable, superó todas las expectativas y se ha convertido en uno de los temas más importantes de lo que llevamos de año. ‘Blinding Lights’ sigue liderando actualmente la lista de singles más vendidos a nivel mundial y ha alcanzado el #1 en más de 20 países incluyendo Estados Unidos, Australia, Francia, Alemania, Reino Unido o España. El tercer single, ‘In Your Eyes’, llegó una semana después del lanzamiento del álbum y se trataba de otro marchoso tema synth-pop de sonido retro influenciado por la música Disco. «After Hours» combina las dos facetas musicales que posee el cantante: por una parte el R&B alternativo con influencia Trap al que estamos acostumbrados los seguidores originales de The Weeknd y por otra el sonido dance-pop y synth-pop a través de temas más comerciales de carácter up-tempo con los que amplió su popularidad y conquistó a un público masivo. Aunque con su anterior álbum «Starboy» The Weeknd había puesto el listón muy alto, «After Hours» sigue manteniendo su gran calidad y por ello ocupa la medalla de plata en este repaso a los mejores álbumes lanzados durante la primera mitad del 2020. Puntuación: 8/10.
1. Future Nostalgia de Dua Lipa.
Una de las artistas que más se ha visto afectada por la inusual situación que vivimos ha sido sin duda Dua Lipa, la cual tenía pensado lanzar su esperado segundo álbum de estudio a principios del mes de abril, pero debido a la filtración de todo su contenido en internet su discográfica decidió adelantar una semana su publicación y finalmente vio la luz el 27 de marzo, cuando el coronavirus estaba en su peor momento en Europa y muchos de los países cerraban fronteras para detener la pandemia. A través de sus redes sociales, una Dua Lipa rota y llorando comunicaba a sus seguidores que el álbum se iba a publicar una semana antes de lo previsto en pleno inicio de la pandemia, pero lo que no sabía en ese momento es que Future Nostalgia se beneficiaría en gran medida de ser una de las pocas artistas que lanzaba nueva música durante aquellas fechas. «Future Nostalgia» debutó en el #2 de la lista británica casi empatada en cifras con el grupo 5 Seconds of Summer, quienes consiguieron llevarse el gato al agua, sin embargo gracias al alto nivel de streaming en su segunda semana a la venta ascendió al #1 convirtiéndose en el primer disco de la cantante de ascendencia albanesa que conseguía llegar al puesto de honor en Reino Unido. En el resto del mundo Future Nostalgia fue un auténtico éxito y ocupó el top 5 en todos los mercados importantes incluyendo Estados Unidos, donde alcanzó el #4, su mejor posición hasta la fecha. El segundo álbum de estudio de Dua Lipa se alejaba del EDM (Electronic Dance Music) y el Tropical House de su primer álbum para profundizar en un sonido Disco, dance-pop y electropop inspirado en la música de baile de los años 80 y 90 de artistas como Kylie Minogue o Madonna. «Future Nostalgia» es un álbum muy breve de sólo 11 canciones y apenas media hora de duración pero no contiene ningún relleno y está formado por temas up-tempo de corte retro con el objetivo de sonar atemporal y fuera de las modas imperantes. «Future Nostalgia» fue aclamado por la crítica por su carácter bailable y desenfadado y se ha convertido en uno de los discos con mejores críticas de lo que llevamos de año. «Future Nostalgia» se merece el puesto de honor en este repaso a los mejores álbumes lanzados hasta la fecha ya que incluye joyas pop como los tres primeros singles, ‘Don’t Start Now’, Physical o Break My Heart y otras canciones tan interesantes como ‘Love Again’ o ‘Levitating’ que tienen todas las papeletas para ser futuros singles por su gran calidad. Puntuación: 8/10.
La cantante inglesa Alesha Dixon se dio a conocer en el mundo de la música tras formar parte del grupo femenino Mis-Teeq, el cual tuvo una vida comercial muy breve pero exitosa en Reino Unido, donde lograron dos álbumes top 10 en la lista británica y 7 singles top 10. Mis-Teeq destacaban por su sonido R&B, Garage y Hip Hop y mientras que Sabrina era la voz principal del grupo y Su-Elise hacía las segundas voces, Alesha asumía el papel de rapera. Tras la separación de Mis-Teeq en 2005, Alesha Dixon se casó con el rapero inglés Harvey y empezó a trabajar en su álbum debut en solitario, Fired Up, el cual se puso a la venta de manera muy limitada y apenas tuvo repercusión internacional. En 2007 participó como concursante en la cuarta temporada del concurso de TV de Reino Unido ‘Strictly Come Dancing’, en el que resultó ganadora gracias a sus grandes habilidades como bailarina. Inspirada por la música tradicional que aparecía en el show y con su popularidad en su mejor momento, Alesha Dixon entró en el estudio de grabación para dar forma a su segundo álbum de estudio, titulado The Alesha Show, el cual vio la luz en noviembre de 2008. The Alesha Show está formado principalmente por temas up-tempo pop/R&B de corte retro y varias baladas compuestas en su mayoría por la cantante inglesa bajo la producción de Xenomania, Soulshock & Karlin o The Underdogs entre otros. En contraposición a sus días dentro de Mis-Teeq, en su carrera en solitario Alesha dejó a un lado su faceta como rapera y nos mostró que era una cantante versátil con una bonita voz. El álbum debutó en el #11 de la lista británica de álbumes y acabó siendo certificado platino en Reino Unido con ventas superiores a los 300 mil ejemplares. En el resto de Europa tuvo un rendimiento moderado y ocupó el top 40 en las listas de venta de España y Francia. 
Tras la buena recepción comercial de sus dos primeros álbumes, Jennifer Lopez publicó «J To Tha L-O!»,
La cantante americana Joanna Levesque, conocida en el mundo del música como JoJo, regresó el mes de mayo con su cuarto álbum de estudio, titulado Good To Know, el primero en 4 años. En 2016 vio la luz su último disco, «Mad Love», el cual recibió buenas críticas de los expertos musicales por sus labores como compositora y su evolución musical hacia el R&B alternativo y ocupó el top 10 en la lista americana de álbumes sin embargo obtuvo unas ventas muy bajas y no contó con ningún single exitoso. Este álbum nos mostró a una JoJo adulta y madura ya que cuando debutó en el mundo de la música con su hit ‘Leave (Get Out)’ era una adolescente de apenas 14 años y su música estaba encuadrada dentro de un pop/R&B muy comercial. Después de sus dos primeros álbumes, la cantante se enfrentó a varios conflictos con su discográfica y durante muchos años no pudo lanzar nueva música hasta la publicación de ‘Mad Love’. Su nuevo trabajo, «Good To Know», pertenece a su propio sello discográfico y está formado por 9 canciones, en su mayoría medios tiempos y baladas R&B/pop, todas ellas compuestas por JoJo en las que relata lo que ha aprendido durante estos últimos años, destacando las experiencias y rupturas amorosas desde la perspectiva de las mujeres. El single presentación del álbum fue Man, un medio tiempo R&B en el que JoJo declara su confianza en sí misma y su deseo de encontrar un hombre que pueda corresponder a sus sentimientos. Tras la tibia recepción de este tema por parte del público se lanzó un nuevo sencillo promocional, ‘Lonely Hearts’, que se trataba de una balada R&B de melodía dispersa con influencia del sonido R&B alternativo en el que nuevamente relata sus propias experiencias en el amor. Sin apenas promoción debido a las circunstancias de la pandemia, «Good To Know» debutó en un discreto top 40 de la lista americana, la peor posición de toda su trayectoria. En resumen, JoJo es una talentosa cantante y compositora que tenía un gran potencial tras sus primeros años de carrera, sin embargo su desaparición del panorama musical durante tantos años y su evolución hacia un R&B más alternativo no le han beneficiado en absoluto ya que su popularidad ha descendido de manera notoria y su música tiene una escasa viabilidad comercial. Aunque no es un trabajo de baja calidad, tiene un concepto más de mixtape que de álbum en sentido estricto. Puntuación: 6/10.
Con su carrera como cantante totalmente asentada, en 2005 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Jennifer Lopez, llamado Rebirth, cuyo título hace referencia a su ‘renacimiento’ personal tras la sobreexposición en los medios de comunicación que vivió durante la época de su relación con el actor Ben Affleck, lo que le hizo madurar como persona y adquirir gran experiencia. Su anterior trabajo, This Is Me… Then destacó por abandonar el ‘urban pop’ y el dance-pop de sus anteriores álbumes para centrarse en un R&B/Soul más calmado y aunque contó con singles como ‘Jenny from the Block’ la mayor parte del álbum estaba dedicado al amor y tenía un contenido blando. Tras la promoción de este álbum, la cantante de origen puertorriqueño se centró en su faceta como actriz y una vez que rompió con Ben Affleck se tomó un tiempo de descanso y volvió a reconectar con una persona muy especial de su pasado, Marc Anthony, con el que se casó en 2004. «Rebirth» está formado por un compendio de medios tiempos pop/R&B y temas up-tempo con influencia funk, dance o Hip Hop y cuenta con la producción de su habitual colaborador Cory Rooney además de otros importantes nombres de la industria musical como Darkchild, Rich Harrison, Tim & Bob, Timbaland, Danja y su por entonces marido Marc Anthony. «Rebirth» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, al igual que «This Is Me… Then», pero obtuvo unas cifras inferiores a las de este último y finalmente fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias en Estados Unidos. En el resto del mundo «Rebirth» resultó un éxito moderado: ocupó el top 5 en los principales mercados europeos como Francia, Alemania, Italia o España y fue top 10 en Reino Unido y Australia. Podemos considerar a Rebirth como el último ‘gran álbum’ dentro de la primera etapa de su carrera musical ya que tras él iniciaría una espiral decreciente en su éxito comercial y una notable caída en su popularidad hasta que regresó por la puerta grande con el single ‘On The Floor’ que devolvió a J.Lo a los primeros puestos de las listas de venta.
Debido a la rápida caída en las ventas de «Rebirth» sólo fueron lanzados dos singles, lo cual fue una auténtica lástima ya que podemos encontrar varios temas con potencial de single. Algunas de mis canciones favoritas de Jennifer Lopez pertenecen a este álbum, entre ellas ‘Step Into My World’, la elección natural como segundo single pero que por extrañas razones no fue escogido como sencillo. Se trata de un pegadizo tema R&B mid-tempo producido por Darkchild que cuenta con una adictiva melodía y unas letras muy sensuales en las que J.Lo intenta seducir a su amante. También resultan brillantes ‘He’ll Be Back’, un medio tiempo R&B producido por Timbaland y Danja que cuenta con una hipnótica melodía inspirada en la música del Medio Oriente y en el que habla de su ruptura con Ben Affleck o ‘I Got U’, un marchoso tema pop/R&B up-tempo que Darkchild compuso inspirándose en la relación de amor de Jennifer con Marc Anthony. Merece la pena también mencionar el tema ‘Ryde or Die’, grabado originalmente por la cantante Brandy para su álbum ‘Afrodisiac’ pero al ser descartado fue ofrecido a Jennifer o la dramática balada ‘(Can’t Believe) This Is Me’, compuesta por Marc Anthony y que más tarde sería incluida en una versión en español dentro de su álbum ‘Como Ama Una Mujer’. En resumen, «Rebirth» es un álbum de pop/R&B sólido que nos muestra una Jennifer más madura y serena aunque como puntos en contra encontramos unas letras en general poco personales y el limitado rango vocal de la cantante (que mejoraría notablemente en «Como Ama Una Mujer» y «Brave»). «Rebirth» fue muy infravalorado por la crítica y es una verdadera lástima que recibiera una escasa promoción por parte de Jennifer ya que quedaron en el tintero grandes canciones que pudieron haber triunfado. Temas imprescindibles: Step Into My World, Get Right, He’ll Be Back, I Got U, (Can’t Believe) This Is Me, Ryde or Die y Hold You Down. Puntuación: 8/10.
La pandemia del coronavirus ha afectado a muchos sectores de la economía, entre ellos la industria musical, que ha visto cómo desaparecía su principal fuente de ingresos: las giras de conciertos, las cuales desde hace años superan ampliamente las ganancias provenientes de la venta de discos. Una de las artistas que se ha visto afectada por la pandemia global ha sido Lady Gaga, quien el 10 de abril debía publicar su nuevo trabajo discográfico, Chromatica, sin embargo debido a las circunstancias decidió posponer su lanzamiento y finalmente confirmó que vería la luz el 29 de mayo. Los artistas que tenían previsto publicar álbumes durante la época del confinamiento o bien han optado por mantener las fechas de publicación actuando con gran valentía y generosidad de cara a sus fans (como Dua Lipa con «Future Nostalgia», que se ha beneficiado de ser una de las pocas cantantes pop en lanzar disco durante la pandemia) o por el contrario han pospuesto indefinidamente sus respectivos trabajos hasta que las circunstancias sean más propicias, sin embargo la decisión de Lady Gaga de retrasar el lanzamiento de su disco tan solo un mes y medio después no deja de resultar contradictorio e incoherente ya que la situación sanitaria actual sigue siendo la misma (de hecho es peor en Estados Unidos, donde ahora se encuentra el principal epicentro de la pandemia) lo cual no facilita la promoción de su nuevo trabajo, por ello la opción más lógica hubiera sido lanzar «Chromatica» en su fecha original, antes de que el ‘hype’ por el primer single se desvaneciera y hubiera que sacar todos los tanques para acaparar la atención del público. Centrándonos en el aspecto musical, «Chromatica» destaca por el hecho de que la cantante neoyorquina vuelve al pop electrónico de sus inicios tras su participación en la banda sonora de «A Star Is Born» y su último disco de estudio «Joanne», en los que coqueteó con el Country y el pop/rock, por lo que tendríamos que remontarnos a 2013 con «Artpop» para dar con su último disco pop en sentido estricto. «Chromatica» está formado por 16 canciones up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House de los años 90 que nos devuelven a la Lady Gaga más divertida y bailable, reminiscencia de «Born This Way» o «The Fame». Como suele ser habitual, la controvertida artista ha compuesto todos los temas presentes en el álbum bajo la producción de BloodPop, Burns, Skrillex o Axwell. Cabe destacar que al igual que «Artpop» y «Joanne», «Chromatica» no cuenta con input por parte de RedOne, el responsable de sus mayores éxitos y que imprimió un vanguardista sonido electropop con el que triunfó en todo el mundo. 
La cantante americana Keyshia Cole hizo su debut en el mundo de la música en el año 2005 con el álbum The Way It Is, el cual recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su poderosa voz y sus personales letras acerca de sus turbulentas relaciones amorosas y fue certificado platino en Estados Unidos por ventas superiores al millón y medio de copias. Aparte de por su música, Keyshia Cole ganó gran popularidad por su participación en su propio reality show, «Keyshia Cole: The Way It Is», en el que la cantante californiana mostraba al público diversas facetas de su vida profesional y personal y resultó muy popular dentro del colectivo afroamericano y fue un éxito en la TV americana. En 2007 vio la luz su segundo álbum de estudio, Just Like You, el cual recibió opiniones favorables de los críticos por su evolución como artista y seguía destacando por sus letras autobiográficas y su habitual tono de dramatismo, rabia y angustia en su potente voz. «Just Like You» debutó en el #2 en la lista de ventas de Estados Unidos, contó con el exitoso single ‘Let It Go’, su primer single top 10 en Billboard y se convirtió en el álbum más vendido dentro de su carrera. Tras estrenarse la tercera y última temporada de su reality show, llegó su tercer álbum de estudio, titulado A Different Me, que se diferenciaba de sus anteriores trabajos por el hecho de que no estaba tan centrado en la angustia y el dolor provocados por sus tormentosas relaciones con los hombres y resultaba un disco más optimista y alegre. Este álbum está compuesto por 15 temas, en su mayoría medios tiempos y baladas de estilo R&B/Soul y abandona en cierta manera su habitual sonido Hip Hop Soul, influenciado por su ídolo Mary J Blige. Como es habitual, Keyshia Cole compuso todas las canciones presentes en el álbum bajo la producción de su habitual colaborador Ron Fair además de otros importantes productores como Polow da Don, Neff-U o The Runners. «A Different Me» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes con las cifras más altas de su carrera en su primera semana y acabó siendo certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares en Estados Unidos. 
2007 se convirtió en uno de los años más prolíficos dentro de la carrera musical de Jennifer Lopez teniendo en cuenta que durante dicho periodo publicó dos álbumes de estudio, uno en español y otro en inglés, sin embargo no fue su mejor año en cuestión de popularidad ya que tras varios años en la cima de las listas de venta la cantante americana inició una espiral decreciente en su éxito comercial y ambos discos obtuvieron unos resultados muy inferiores a los que estaba acostumbrada. Pese a todo cabe destacar la versatilidad como artista de Jennifer Lopez al embarcarse en dos proyectos muy diferentes entre sí y su apuesta por ampliar su público potencial. En marzo de 2007 vio la luz el primer álbum de estudio de J.Lo enteramente grabado en español, Como Ama Una Mujer, el cual estaba encuadrado dentro del Latin-pop con ciertos elementos pop/rock y R&B e influenciado por su pareja por entonces, Marc Anthony, quien le animó a lanzarse de lleno al mercado latino tras haber hecho pequeñas incursiones en nuestro idioma. Sin embargo no era el álbum que todos esperábamos ya que estaba formado en su mayoría por baladas románticas y de desamor bajo la producción del famoso compositor Estéfano (conocido por su trabajo para importantes cantantes latinos como Ricky Martin, Gloria Estefan o Chayanne) y su marido Marc Anthony. «Como Ama Una Mujer» recibió opiniones negativas por parte de los expertos musicales al resultar un trabajo demasiado serio y adulto para la artista neoyorquina, sin embargo obtuvo un resultado comercial positivo en Estados Unidos, donde debutó en el top 10 y se convirtió en uno de los pocos trabajos en español que ocupaban un puesto tan alto en la lista americana (por entonces mucho más reacia al sonido latino que hoy en día) aunque las ventas totales fueron muy bajas. 
Tras el éxito de «Butterfly», la discográfica de Mariah Carey decidió publicar un recopilatorio con sus 13 singles #1 en Estados Unidos, sin embargo la cantante no estaba de acuerdo en dejar fuera otros de sus temas favoritos pero que no habían llegado a lo más alto de la lista americana y finalmente accedió a lanzar dicho recopilatorio bajo el nombre #1’s, ya que no lo consideraba un álbum con sus mejores canciones sino sólo las más comerciales. #1’s fue un auténtico éxito de ventas, se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos en Japón (donde vendió más de 3 millones de copias) y superó los 15 millones de ejemplares en todo el mundo. Mientras el cantante mexicano Luis Miguel, su pareja por entonces, se encontraba de gira por Europa, Mariah Carey inició la grabación de su nuevo álbum y para pasar más tiempo junto a él optó por viajar a Capri (Italia) donde pudo concentrarse mejor en sus labores de composición. A finales de 1999 vio la luz el séptimo álbum de estudio de Mariah Carey, titulado Rainbow, el cual seguía la estela musical de «Butterfly». Aunque su relación con Sony era muy tensa, tras su divorcio de Tommy Mottola, Mariah Carey asumió el control de su música y pudo expresar sus verdaderas aspiraciones como artista, sin embargo la difícil situación con su discográfica hizo que dejara de trabajar con su habitual colaborador Walter Afanasieff, artífice de sus temas más conocidos, aunque este hecho también estuvo motivado por las diferencias creativas que arrastraban desde hace años. Con una mayor libertad para hacer la música que ella quería, Mariah siguió profundizando en el sonido urbano que había iniciado en «Butterfly» (y muy tímidamente en «Daydream») y su nuevo álbum estaba compuesto por temas R&B con gran influencia del sonido Hip Hop acompañados de raperos y cantantes de música negra, además de sus clásicas baladas. Walter Afanasieff fue reemplazado por el dúo formado por Jimmy Jam y Terry Lewis, quienes se encargaron de la mayoría de las baladas presentes en el álbum, además de otros productores como Bryan-Michael Cox, Jermaine Dupri, David Foster o She’kspere.
El single presentación del álbum fue Heartbreaker, un pegadizo tema R&B up-tempo con influencia Hip Hop producido por DJ Clue que cuenta con la colaboración del veterano rapero Jay-Z. Este tema, que recordaba a su famoso single ‘Fantasy’, trataba de una mujer que sigue enamorada de su novio, el cual es un ‘rompecorazones’ que le ha engañado en repetidas ocasiones. ‘Heartbreaker’ resultó uno de los temas más populares del año 1999 y se convirtió en el 14º single #1 de Mariah Carey en Estados Unidos, donde se mantuvo dos semanas en lo más alto de la lista americana. En el resto del mundo también tuvo una gran acogida comercial: alcanzó el #1 en Canadá y fue top 5 en Reino Unido, España y Francia. El espectacular videoclip de ‘Heartbreaker’ fue grabado en un famoso teatro de Los Angeles y en él Mariah acude con sus amigas al cine donde se encuentra a su novio engañándole con otra mujer (interpretada por el personaje de Bianca, el alter-ego ‘maligno’ de la cantante) por lo que decide ir al baño para encontrarse con ella y protagoniza una divertida pelea. El videoclip de Heartbreaker, en el que Mariah incluso realiza una coreografía, tuvo un coste de $2’5 millones, convirtiéndose en uno de los videoclips más caros de la historia de la música y resultó muy popular en la cadena MTV y es uno de los favoritos de los fans de la cantante. En el álbum se incluye un remix de Heartbreaker junto a las raperas Da Brat y Missy Elliott que cuenta con diferente instrumentación y del que también se grabó un videoclip promocional.
Es una tradición que en todos los discos de Mariah Carey aparezca un cover de un tema famoso y en el caso de «Rainbow» es 
Tras la promoción del álbum «Survivor», Destiny’s Child se separaron de manera temporal y sus tres componentes aprovecharon para lanzarse como artistas en solitario. En el año 2002 Kelly Rowland colaboró con el rapero Nelly en el single ‘Dilemma’, el cual se convirtió en un gran éxito en todo el planeta y más tarde publicó su primer álbum como solista, Simply Deep, que recibió críticas muy tibias por parte de los expertos musicales y tuvo un desempeño comercial moderado en Estados Unidos aunque se comportó mucho mejor en el resto del mundo, sobretodo en Reino Unido, donde logró dos singles top 5 en la lista británica. Para capitalizar el éxito de ‘Dilemma’, Kelly Rowland grabó su álbum debut en apenas un mes presionada por su discográfica y declaró sentirse frustrada por las altas expectativas puestas en ella tras pertenecer al famoso grupo. Como resultado de una decisión tan apresurada, «Simply Deep» resultaba un mezcla de estilos muy diferentes tales como pop/rock y R&B donde no se apreciaba la personalidad de Kelly por su escaso input aportado al álbum. En 2004 Destiny’s Child volvieron a reunirse para su grabar su quinto álbum y realizar una gira de despedida y tras la separación definitiva del famoso grupo las tres componentes volvieron a sus carreras en solitario. Kelly, quien logró un éxito mucho más reducido que su compañera Beyoncé con su debut, regresó en 2007 con su segundo álbum de estudio, Ms. Kelly, cuyo lanzamiento estaba planeado un año atrás pero sufrió varios retrasos porque la cantante no estaba satisfecha con el resultado final. «Ms. Kelly» resultaba muy diferente a «Simply Deep» ya que cuenta con una mayor participación de Kelly Rowland en la composición de los temas y se centra en el sonido urbano. Mientras grababa el álbum, la cantante declaró que se había inspirado en las voces de Whitney Houston, Brandy y su compañera Beyoncé y contó con productores de la talla de Scott Storch, Polow da Don o Soulshock & Karlin para dar forma un trabajo compuesto principalmente por medios tiempos y baladas dentro del R&B contemporáneo. «Ms. Kelly» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes, una posición más alta que la de «Simply Deep», aunque obtuvo unas ventas inferiores a las de su disco debut. 
Blog Mister Music 