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Crítica de «Heartbreak Weather» de Niall Horan

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Niall HoranEn octubre de 2017, Niall Horan se convirtió en el tercer componente de One Direction en publicar álbum en solitario tras el debut de Zayn, que abandonó el grupo un año antes de su separación y Harry Styles, que se lanzó como artista solista en mayo de 2017. Flicker era el título del primer disco de estudio del cantante irlandés tras su paso por la famosa ‘boy band’ y pese a la mayor popularidad de Harry Styles dentro del grupo, el debut de Niall Horan consiguió gran éxito y casi alcanzó las cifras del primer disco de su compañero. «Flicker» ocupó el #3 de la lista de ventas británica y todavía tuvo un mejor desempeño en Estados Unidos, donde logró #1 y fue certificado platino por ventas físicas y digitales superiores al millón de ejemplares. El debut de Niall Horan se encuadraba dentro del pop/rock y el folk y recibió críticas principalmente positivas de los expertos musicales por encontrar su propio estilo musical tras su paso por One Direction y la madurez alcanzada en solitario, además el conjunto de canciones presentes en y la elección de los singles resultó muy acertada. Por todo ello “Flicker” fue considerado como un debut sólido y consistente, lo que auguraba un gran futuro en solitario para el joven cantante. La agenda profesional de los ex-componentes de One Direction ha estado muy ocupada durante los últimos meses y tras los lanzamientos en diciembre de Liam Payne y Harry Styles y el debut en solitario de Louis Tomlinson a finales de enero, Niall Horan publicó el pasado 13 de marzo Heartbreak Weather, su segundo álbum de estudio tras una extensa campaña publicitaria y el lanzamiento de varios sencillos promocionales.

El single presentación de este trabajo, Nice to Meet Ya, llegó el pasado mes de octubre y se trata de un enérgico tema pop/rock y Britpop con uso prominente de guitarra eléctrica compuesto por Niall Horan junto a Ruth-Anne Cunningham, quien fuera la compositora de varios temas de «Flicker», entre ellos el hit ‘Slow Hands’, el cual ocupó el top 15 en Reino Unido y Estados Unidos. ‘Nice to Meet Ya’ recibió buenas opiniones por su carácter up-tempo y bailable y tuvo un desempeño comercial positivo en las principales listas de venta. En el mes diciembre llegó el segundo single, Put a Little Love on Me, en el que Niall cambiaba de registro y nos ofrecía una emotiva balada a piano casi acústica en la que mostraba su lado más sensible y relataba su ruptura con la actriz y cantante americana Hailee Steinfeld. En febrero llegó No Judgement, un pegadizo tema pop que resultaba una apuesta más comercial que los anteriores sencillos y vino acompañado de un simpático videoclip. Coincidiendo con la publicación del álbum, el cantante irlandés desveló el videoclip promocional del tema que da título al disco y que es precisamente uno de los mejores que encontramos en él.

«Heartbreak Weather» está compuesto en su mayoría por medios tiempos y temas up-tempo de estilo pop y pop/rock con influencia Britpop y folk compuestos por el propio Niall. Varias de las canciones que componen el álbum son de carácter triste y melancólico y se centran en el tema del desamor aunque también podemos encontrar otras más alegres y positivas. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran la balada intimista ‘Arms of a Stranger’, el marchoso ‘New Angel’, producido por Greg Kurstin y en el que Niall busca un nuevo amor que le permita salvarse de él mismo, ‘Cross Your Mind’, probablemente el tema más up-tempo y comercial del álbum o ‘Small Talk’, que comienza como una balada pero se transforma en un enérgico tema pop/rock. En resumen, «Heartbreak Weather» es un trabajo más sólido que «Flicker», muestra la madurez alcanzada por el joven cantante y se aprecia una mejora en sus habilidades como compositor, a lo que hay que sumar su agradable y potente voz, que es uno de los puntos fuertes del disco. El segundo álbum de Niall Horan me ha sorprendido de manera positiva y lo encuentro superior al debut de Louis Tomlinson, el álbum más próximo a «Heartbreak Weather» en cuanto a estilo musical. Temas imprescindibles: Nice to Meet Ya, Put a Little Love on Me, No Judgement y Cross Your Mind. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Hot Pink» de Doja Cat

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Doja CatAunque Hot Pink, el segundo álbum de estudio de Doja Cat, vio la luz a principios del pasado mes de noviembre, durante las últimas semanas la artista californiana ha vivido un gran momento profesional gracias al éxito de su reciente single ‘Say So’. Doja Cat hizo su debut en 2018 con el álbum Amala, el cual tuvo un rendimiento muy mediocre en Estados Unidos, sin embargo el videoclip de uno de los temas de este trabajo se volvió viral y aumentó la popularidad de la joven cantante. «Hot Pink» es un disco urbano muy ecléctico que mezcla R&B, Hip Hop, Soul y Funk, muestra la versatilidad de Doja Cat como cantante y rapera y trata temas como el amor, el sexo y la fama. Amala Diamini (el verdadero nombre de Doja Cat) ha compuesto todos los temas pertenecientes a «Hot Pink» y cuenta con la producción de Dr. Luke, aunque bajo el seudónimo Tyson Trax debido a su publicitada batalla legal con la cantante Kesha y la mala prensa que tiene el productor desde hace un tiempo. El single presentación del álbum fue Juicy, un tema Hip-Hop/R&B que cuenta con la colaboración del rapero Tyga. La versión original de Juicy apareció en la edición deluxe de «Amala» aunque la versión remix junto a Tyga fue añadida más tarde a Hot Pink y lanzada como primer single. Tras varios sencillos que lograron un impacto mínimo por parte del público como ‘Cyber Sex’, Doja Cat lanzó a principios de año Say So, el tema con el que la artista de Los Angeles ha logrado finalmente despuntar a nivel internacional. ‘Say So’ es un marchoso y pegadizo tema Disco con influencia del Funk de los 70 en el que Doja Cat muestra su versatilidad cantando durante la primera parte de la canción y rapeando hacia el final. «Hot Pink» debutó en el top 20 de la lista americana de álbumes con unas cifras de venta muy superiores a las del disco debut de Doja Cat y gracias al repentino éxito de ‘Say So’ el álbum ha vivido una segunda juventud y ha entrado en listas de ventas de países donde no lo hizo en el momento de su publicación. En Australia y Canadá «Hot Pink» ha ocupado el top 25 y en Reino Unido ha sido top 50. Podemos apreciar la variedad presente en Hot Pink en canciones tan dispares como ‘Rules’, un tema Rap en sentido estricto con influencia Trap, ‘Like That’, de estilo Hip-Hop/R&B y que cuenta con la participación del rapero Gucci Mane o la melancólica balada R&B ‘Streets’. En resumen, «Hot Pink» guarda similitudes con el álbum debut de Nicki Minaj, no sólo por el título y temática similar sino por su ecléctico contenido y su mezcla de Hip-Hop con sonidos R&B/pop más comerciales o con el reciente álbum de Lizzo, quien comparte la versatilidad de Doja Cat como cantante y rapera. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Suga» de Megan Thee Stallion

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MeganDurante las últimas semanas Megan Thee Stallion ha sido noticia por su batalla legal contra su discográfica, la cual le fichó hace dos años cuando era una desconocida para el gran público. La rapera de Texas quiso renegociar los términos de su contrato a raíz de la gran acogida obtenida por sus recientes singles y su discográfica le impidió lanzar nueva música, pero finalmente los jueces le han dado la razón a la joven artista y ha podido lanzar el día 6 de marzo su nuevo EP, llamado Suga. Megan Thee Stallion no es una recién llegada al mundo de la música ya que durante estos últimos años ha lanzado una mixtape y otros dos EP’s con los que ha ganado gran popularidad y ha recibido buenas críticas dentro del circuito Hip Hop americano. Suga está formado por 9 temas up-tempo encuadrados dentro de un Hip Hop clásico con reminiscencia de los años 90 que abandona la reciente influencia Trap que inunda el género y está producido por importantes nombres como The Neptunes, Timbaland o J. White. Aunque el Hip Hop es el género dominante de este EP, las dos últimas canciones pertenecen al R&B y muestran a Megan en su faceta como cantante. En marzo de 2019 la joven rapera perdió a su madre (y también manager) que padecía cáncer y ha querido dedicarle este trabajo que ha visto la luz justo un año después. Este trabajo destaca por el hecho de no incluir el single Hot Girl Summer, el cual fue lanzado el verano pasado y logró gran éxito (ocupó el #11 en la lista americana) en parte gracias a su colaboración con la omnipresente Nicki Minaj.

El single presentación de «Suga» ha sido B.I.T.C.H, un marchoso tema Hip Hop que rinde homenaje al legendario rapero Tupac e incluso samplea la canción ‘Ratha Be Ya Nigga’ de su icónico álbum All Eyez on Me. Este tema es un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que Megan Thee Stallion se define como una ‘boss bitch’ y nos presenta su nuevo alter-ego llamado Suga, el cual se suma a otros como Tina Snow, que además era el título de su última mixtape. ‘B.I.T.C.H.’ ha ocupado el top 40 en la lista americana de singles y es uno de los mejores temas de Hip Hop lanzados durante este año por su pegadizo ritmo y las habilidades de Megan como rapera, su ágil flow y su voz clara y limpia. Dentro de Suga destacan ‘Hit My Phone’ que cuenta con la colaboración de la cantante de R&B Kehlani, ‘Stop Playing’, producido por The Neptunes y con la participación del rapero Gunna, ‘What I Need’, un tema R&B en el que Megan muestra su versatilidad cantando o ‘Savage’, el único tema influenciado por el sonido Trap y bajo la producción de J. White. A la espera de que publique su álbum debut, Suga es un breve pero sólido y consistente trabajo que augura un futuro muy prometedor a la rapera de Houston. Megan Thee Stallion se ha convertido en una amenaza real a otras artistas femeninas de Hip Hop como Nicki Minaj o Cardi B debido a su imponente presencia, su seguridad en sí misma, sus habilidades para rimar y un estilo que vuelve a las raíces del ‘verdadero Hip Hop’. Puntuación: 7’5/10.

Throwback Review: «Only Human» de Cheryl

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Only HumanAunque Cheryl es una cantante muy popular en Reino Unido y un personaje habitual en los medios de comunicación debido a su turbulenta vida amorosa y su participación como jueza en el concurso X Factor, fuera de las islas británicas apenas ha logrado repercusión con su carrera en solitario tras formar parte del famoso grupo femenino Girls Aloud. Su primer álbum como cantante solista, 3 Words, fue un auténtico éxito en Reino Unido gracias a la excelente acogida de su primer single, Fight For This Love, una auténtica joya pop que se ha convertido en el tema más representativo de su carrera musical. 3 Words fue #1 en la lista de ventas británica, acabó vendiendo más de un millón de copias y gozó de buenas opiniones por parte de los expertos musicales, sin embargo sus dos siguientes discos, Messy Little Raindrops y A Million Lights, no tuvieron un impacto comercial tan positivo y recibieron críticas negativas por ser poco consistentes, su exceso de relleno y por la mezcla de sonidos distintos sin tener un estilo definido. Cheryl se ha caracterizado por ser una artista que vende más singles que álbumes, por ello se ha esforzado en presentar cada uno de sus trabajos discográficos con un potente ‘lead single’ con el que arrasar entre el público gracias a una intensa promoción, sin embargo el resto del contenido de sus álbumes es más bien mediocre y anodino. Cheryl (anteriormente conocida como Cheryl Cole y más tarde Cheryl Fernandez-Versini) puede presumir de ser una de las cantantes solistas británicas con más singles #1 en su haber, en concreto 5, que corresponden en su mayoría a los singles de presentación de cada uno de sus álbumes y sólo es superada en la actualidad por Jess Glynne. Durante su carrera en solitario Cheryl se distanció en cierta manera del sonido que tenían Girls Aloud para adoptar un pop/R&B con gran influencia dance-pop y electropop.

Dos años después de «A Million Lights», el cual cosechó unas ventas muy bajas aunque contó con el exitoso single #1 ‘Call My Name’, Cheryl publicó Only Human, su cuarto álbum de estudio en solitario, en el que se implicó más en el proceso creativo y compuso la mayoría de los temas presentes. Este trabajo continuaba con el sonido dance-pop y R&B de sus anteriores trabajos pero incorporaba un mayor componente electrónico, haciendo de él su álbum más up-tempo y bailable. «Only Human» debutó en el #7 de la lista británica, su peor posición hasta la fecha (sus dos primeros discos fueron #1 y certificados platino y el tercero ocupó el #2) y obtuvo unas ventas muy bajas, denotando la espiral decreciente que ha experimentado su carrera musical a lo largo de los años. El single presentación del álbum fue Crazy Stupid Love, un marchoso tema dance-pop con influencia R&B y gran uso de percusión producido por Wayne Wilkins, responsable de varios de sus mayores hits como ‘Fight For This Love’ y ‘Promise This’. Este tema contaba con la colaboración de Tinie Tempah, recibió criticas favorables y consiguió el cuarto #1 de Cheryl en la lista británica de singles. Tras la buena acogida de ‘Crazy Stupid Love’, la cantante inglesa lanzó como segundo single I Don’t Care, un pegadizo tema dance-pop y electropop compuesto por la propia Cheryl que trata el tema del escrutinio al que es sometida por ser un personaje muy popular y en el que declara que no le importa lo que los demás piensen de ella. Con ‘I Don’t Care’, Cheryl logró su quinto #1 en Reino Unido y superó a Rita Ora y Geri Halliwell, quienes tenían hasta entonces 4 singles #1. Como tercer y último single se lanzó Only Human, una balada de estilo electropop que tuvo un impacto mínimo entre el público. 

A lo largo de los años Cheryl ha demostrado su talento como bailarina y show-woman y gracias a su atractivo y carisma ha logrado un gran éxito y popularidad en Reino Unido, sin embargo nunca se ha caracterizado por ser una gran vocalista, ya que tiene un registro muy limitado. «Only Human» muestra una mayor madurez por parte de Cheryl, quien asume un mayor control sobre su música y participa más en la composición pero sigue tropezando en la misma piedra y tras centrarse en ofrecer al público un par de singles potentes y pegadizos, el resto del álbum está lleno de ‘fillers’, aunque en esta ocasión logra superar la calidad de su anterior disco, donde el relleno era máximo. Resulta un auténtico despropósito que dos de las mejores canciones de «Only Human» se encuentren sólo en la edición deluxe del álbum. Me refiero a ‘Firecracker’, un marchoso tema electropop y dance-pop compuesto por Sia y producido por Greg Kurstin y ‘I Won’t Break’, una bonita balada pop/R&B mid-tempo compuesta por Liam Payne, quien sería pareja de Cheryl años después y padre de su hijo. Puntuación: 6/10.

Crítica de «High Road» de Kesha

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High RoadDespués de dos álbumes encuadrados dentro del dance-pop y electropop (del cual fue una de sus mayores representantes) en los que ofreció al mundo una imagen extravagante y alocada de ‘party girl’, la cantante Kesha mostró su lado más serio y vulnerable con su tercer disco de estudio ya que todas las experiencias personales y profesionales vividas tras la batalla legal contra con su ex-productor y artífice de sus mayores hits Dr. Luke (al que acusó de abusos psicológicos y sexuales) hicieron madurar a la polémica cantante. Para su nueva etapa musical, Kesha manifestó que quería regresar al pop comercial y divertido de sus inicios tras los duros momentos vividos en el pasado. High Road es el título de cuarto álbum de estudio de la californiana, que se ha puesto a la venta el pasado 31 de enero, un día de extrema competencia en el que han visto la luz otros importantes lanzamientos como el nuevo álbum de Meghan Trainor. Con una popularidad a la baja y una escasa viabilidad comercial de su música en el panorama actual, Kesha pretende recuperar el apoyo del público con un conjunto de canciones marchosas y bailables que recuerdan a sus primeros hits pero sin el abuso del Auto-Tune de sus inicios y con un mayor uso de instrumentos en vivo, menos sintetizadores y con la madurez que ha ganado durante estos últimos años. «High Road» combina el carácter desenfadado y alocado de su primer álbum pero con la experiencia y madurez adquirida durante la era Rainbow y su sonido más orgánico. «High Road» está formado principalmente por temas de estilo pop, Country-pop y pop/rock, además de incorporar ciertos elementos dance-pop, electropop o synth-pop. Kesha ha compuesto la mayoría de las canciones junto a Wrabel y cuenta con la producción de Stint, Jeff Bhasker, Stuart Crichton, Andrew Pearson o John Hill entre otros.

El single presentación del álbum fue Raising Hell, un marchoso tema dance-pop con influencias pop/rock y Gospel que cuenta con la participación del peculiar artista Big Freedia y en el que Kesha utiliza metáforas religiosas para relatar su vuelta al cielo tras pasar por el infierno (una clara alusión a su batalla legal contra Dr. Luke). Pese a su potencial, ‘Raising Hell’ no logró llamar la atención del público ni entró en el Hot 100 de Billboard. Como segundo single se lanzó My Own Dance, un pegadizo tema pop que recuperaba el habitual estilo sing-rap de Kesha y nos recordaba a sus orígenes divertidos y alocados pero con menos componente electrónico. Visto el escaso impacto comercial de dichos temas Kesha se apresuró a ofrecer al público un single muy diferente, Resentment, el cual marcaba una divergencia con sus predecesores y se trataba de una emotiva balada Country-pop que recuerda el estilo de su anterior álbum. Esta balada cuenta con la participación de Brian Wilson (el veterano cantante de The Beach Boys) y Wrabel, y en sus letras Kesha habla de una relación tóxica y confiesa que el resentimiento es una emoción mucho más poderosa y destructiva que el odio o la rabia.

Entre los temas más interesantes se encuentran la canción que abre el álbum, ‘Tonight’, que comienza como una balada a piano para transformarse en el típico tema electropop de Kesha de hace años o ‘High Road’, un tema pop muy animado que recupera su famoso rap-sing pero muestra su versatilidad como cantante. También destaca ‘Honey’, un tema mid-tempo pop/R&B que no encaja demasiado con el resto del álbum pero resulta muy interesante por su sonido diferente e inesperado y podría estar firmado por una cantante negra de finales de los 90. Entre las canciones más peculiares de «High Road» que nos muestran el lado excéntrico y más freak de Kesha se encuentran ‘Birthday Suit’, que contiene la melodía de un videojuego tipo Gameboy, la extraña ‘Potato Song (Cuz I Want To)’ o ‘Kinky’.

En los inicios de su carrera Kesha fue una de las cantantes más importantes dentro del pop internacional: consiguió el #1 con Animal, su primer álbum y batió récords gracias al single ‘TiK ToK’, el cual ocupó posiciones muy altas en los charts de todo el mundo y entró en la lista de los singles digitales más vendidos de la historia de la música. La reedición de «Animal» incluía un nuevo EP llamado «Cannibal» con el que nuevamente triunfó gracias a temas como ‘We R Who We R’, que se convirtió en su segundo single #1 en Estados Unidos. Su segundo álbum de estudio, Warrior, seguía encuadrado dentro del sonido electropop aunque contenía ciertas influencias rock y observó un importante bajón de ventas. Rainbow, su tercer álbum, supuso un punto de inflexión en la carrera de Kesha, ya que dejó atrás sus marchosas canciones de estilo electropop y su abuso del Auto-Tune para adoptar un sonido pop/rock y Country-pop más orgánico y una imagen seria y madura. Aunque recibió grandes críticas por su cambio de dirección artística y su evolución musical, «Rainbow» tuvo un recibimiento muy tibio por parte del público (pese a ser #1 en tierras americanas) poniendo al descubierto que el globo del éxito de Kesha se estaba deshinchando a marchas forzadas.

Teniendo en cuenta que «Animal» es uno de mis álbumes pop favoritos de la década del 2010 (ya que muestra a la perfección la esencia del sonido electropop de principios de la década pasada y está lleno de temas divertidos y bailables sin pretensiones) la evolución hacia un sonido más serio y maduro de «Rainbow» no me convenció en exceso, sin embargo cuando Kesha prometió una vuelta a sus orígenes con su nuevo disco me pareció una gran noticia. Dr. Luke fue una parte esencial del éxito que tuvieron las primeras canciones de Kesha, por lo que sin él «High Road» no consigue llegar al gran nivel de «Animal». Aunque cuenta con canciones marchosas y divertidas, no resulta tan sólido ya que no cuenta con hits de la talla de ‘Your Love Is My Drug’, ‘Take It Off’ o ‘TiK ToK’. En definitiva, «High Road» es una buena adición al catálogo musical de la cantante californiana y tiene momentos disfrutables y divertidos pero también otros con mayor profundidad en las letras, ya que no podemos olvidar que bajo la excéntrica imagen de ‘party girl’ de Kesha se esconde una mujer que apoya a los marginados, lucha por los derechos del colectivo gay y defiende el movimiento femenino. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Walls» de Louis Tomlinson

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WallsParece que los ex-componentes de la ‘boy band’ inglesa One Direction se han puesto de acuerdo para publicar sus álbumes en solitario y tres de ellos lo han hecho en un escaso margen de dos meses. Mientras que Liam Payne lanzó su disco debut a principios de diciembre con unas críticas muy tibias y mediocre impacto comercial, una semana más tarde Harry Styles publicó su segundo álbum de estudio con resultados mucho más positivos a ambos lados del Atlántico y a finales del mes de enero ha visto la luz el primer disco en solitario de Louis Tomlinson. Cada uno de los miembros de One Direction ha expresado su propia personalidad y sus verdaderas aspiraciones musicales en sus carreras en solitario y mientras Zayn Malik, el primer componente en dejar el popular grupo, se decantó por el R&B alternativo y Liam Payne ha adoptado un sonido urban-pop y electropop moderno y comercial, Harry Styles no se alejó demasiado del pop/rock típico de la banda aunque con un sonido más indie. Louis Tomlinson era quizás el componente menos popular y carismático dentro de la ‘boy band’ y consciente de que no va a tener una carrera tan meteórica como Harry Styles o Zayn ni llenará inmensos estadios como lo hacía junto a One Direction, ha sido el más discreto y prudente labrándose su carrera en solitario. Aunque en el año 2017 el cantante inglés hizo sus pinitos en solitario no fue hasta 2019 cuando comenzó a presentarnos los singles procedentes de su primer álbum de estudio, titulado Walls y que ha visto la luz el pasado 31 de enero. Walls está formado por 12 temas de estilo pop/rock, Britpop e indie-pop compuestos por el propio Louis en los que se nota la gran influencia que tuvo en él la banda inglesa Oasis y destaca por el uso dominante de guitarra eléctrica. 

El single presentación del álbum, Two of Us, fue lanzado en marzo del año pasado y se trataba de una emotiva balada pop dedicada a su madre (que murió en 2016 a causa de una leucemia) en la que Louis relataba la gran conexión que tenía con ella y aunque fue doloroso el proceso de creación de este tema resultó terapéutico para él. Como segundo single se lanzó Kill My Mind, un marchoso tema Britpop y pop/rock que resulta uno de los temas más pegadizos y comerciales de Walls. Luego llegaron el medio tiempo We Made It en el que habla de la ruptura con su ex-novia y de sus momentos más difíciles dentro de One Direction y cómo el apoyo de sus fans le ayudó a recuperarse, y la interesante balada mid-tempo Don’t Let It Break Your Heart, producida por el cada vez más solicitado Steve Mac y que recuerda a la música que hacía junto a su antiguo grupo. Coincidiendo con la publicación del álbum se lanzó la balada Walls, en la que nuevamente habla de la relación intermitente con su ex-novia y destaca por estar co-escrita junto a Noel Gallagher de Oasis. Aunque en «Walls» dominan las baladas y los temas mid-tempo también hay cabida para canciones algo más animadas como ‘Always You’ o ‘Defenceless’. De todos los componentes de One Direction que se han lanzado en solitario, Louis Tomlinson ha sido el más conservador y el que menos riesgos ha tomado, sin embargo no ha ofrecido un producto de baja calidad o decepcionante. Aunque no es el tipo de música que suelo escuchar habitualmente, «Walls» me ha sorprendido gratamente gracias a la agradable voz de Louis y a su conjunto de canciones sencillas y sin pretensiones pero personales y cargadas de sentimiento. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de «Treat Myself» de Meghan Trainor

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75310390_10157064312498882_8741252307087261696_oTreat Myself, el tercer álbum de estudio de Meghan Trainor, tenía prevista su salida en agosto de 2018 tras el single ‘No Excuses’, sin embargo la moderada respuesta comercial de dicho tema y sobretodo el fracaso en las listas de venta de los posteriores singles hizo que la cantante americana cancelara su lanzamiento y entrara en el estudio de grabación para crear nuevos temas, seguramente presionada por su discográfica, preocupada por el poco interés por parte del público que despertaban sus recientes singles. Desde entonces, Meghan Trainor ha trabajado en otros proyectos como su participación como jueza en el talent-show de la TV americana The Four y ha colaborado con otros artistas, pero según ella misma declaró, no ha dejado de escribir nuevas canciones, de ahí que en febrero de 2019 lanzara el EP The Love Train inspirado en el amor y su reciente boda con Daryl Sabara. Este breve EP fue lanzado como aperitivo de su retrasado tercer álbum, el cual ha tenido numerosas fechas de lanzamiento pero por fin ha visto la luz el pasado 31 de enero en el que se han publicado otros importantes álbumes. Muy difícil lo va a tener la cantante de Massachusetts para recuperar el éxito y la popularidad no ya de su primer álbum «Title» (que incluía su famosísimo hit #1 ‘All About That Bass’) sino de su segundo trabajo «Thank You», con el que pese a una notable bajada de ventas todavía se mantuvo fuerte en las listas de venta. No podemos considerar a Meghan Trainor una artista ‘one-hit wonder’ ya que durante su trayectoria ha logrado que 6 de sus singles ocupen el top 15 en la lista americana, sin embargo tras «Thank You» la rubia cantante no ha dado pie con bola y todos sus singles han tenido un impacto comercial nulo en las listas de venta.

El single presentación de «Treat Myself» fue No Excuses, que se trata de un marchoso pop ciertas influencias R&B y doo-wop cuyas letras hacen referencia al sexismo que existe en la sociedad. Este tema no consiguió acaparar la atención del público y apenas ocupó el top 50 en su principal mercado, Estados Unidos. Durante el 2018 Meghan Trainor siguió presentando nuevos singles de su siguiente trabajo, sin embargo ni el prometedor tema dance-pop con influencias Disco Let You Be Right, que lo tenía todo para triunfar por su original sonido, ni la apuesta menos arriesgada que resultaba Can’t Dance pisaron el Hot 100 de Billboard. Las cosas se ponían feas para la cantante y en septiembre de 2019, coincidiendo con el anuncio de su participación como coach en el talent-show The Voice UK, desveló el nuevo ‘single presentación’ del álbum, ya con fecha de salida para enero del 2020. El tema en cuestión era Wave, el cual dejaba atrás su intento de volver a su habitual estilo retro y nos ofrecía un medio tiempo electropop de sonido más contemporáneo junto al poco conocido cantante Mike Sabath. El resultado comercial de Wave nuevamente fue muy negativo pese al esfuerzo de Meghan de presentar dicho single en varios programas de la TV americana. Desde finales del año pasado, Meghan Trainor ha lanzado a la desesperada varios sencillos promocionales en las plataformas musicales como Evil Twin o Blink para intentar remontar un proyecto que hace aguas desde hace tiempo. Unos días antes del lanzamiento de «Treat Myself» la cantante desveló el que sería el enésimo single presentación del álbum, Nice To Meet Ya, que se ha lanzado a las plataformas musicales coincidiendo con el álbum. Se trata de un tema pop/R&B de gran componente urbano que cuenta con la participación de la rapera Nicki Minaj, cuyo verso no destaca especialmente ni es de sus mejores intervenciones como artista invitada, además de mostrar poca conexión con Meghan o el resto del tema. 

Meghan Trainor ha compuesto todas las canciones de «Treat Myself» con la ayuda de su hermano Ryan Trainor o Mike Sabath y cuenta con la producción del propio Mike Sabath y Tyler Johnson, dejando a un lado a su habitual colaborador Andrew Wells, responsable de los temas grabados durante el estadio inicial del álbum como ‘No Excuses’, ‘All The Ways’ y ‘Treat Myself’ (estos dos últimos relegados a la edición deluxe del disco). El álbum está formado por temas de estilo pop/R&B con influencia funk, Soul y electropop combinado con su habitual estilo doo-wop. Más interesante que ‘Wave’ y ‘Nice To Meet Ya’, los dos singles presentación del proyecto, resulta ‘Genetics’, que tiene todas las papeletas para ser lanzado como próximo sencillo debido a su bailable ritmo y el buen rollo que transmite. Este marchoso tema dance-pop de sonido futurístico cuenta con la colaboración de Pussycat Dolls (o más bien su voz principal Nicole Scherzinger) que están de plena actualidad por su reciente reunión tras años apartadas del mundo de la música y en él habla de que su cuerpo es natural y lo acepta tal y como es (en una temática similar a la de su hit ‘All About That Bass’). También destacan ‘Funk’, un marchoso tema de sonido funk/Dance que recuerda el estilo de «Thank You», ‘Lie To Me’, que mezcla electropop con su habitual estilo doo-wop o ‘Evil Twin’, un pegadizo tema con influencia Disco en el que Meghan declara que «su lado más salvaje» le hace cometer malas decisiones. Aunque no suele ser el punto fuerte de Meghan, hay una gran cantidad de baladas en el álbum como ‘Babygirl’ en la que recurre a su habitual tema de la auto-aceptación o ‘After You’ que cuenta con la colaboración del cantante AJ Mitchell.

Personalmente me da pena el poco interés que despierta la música de Meghan Trainor en la actualidad ya que la considero una cantante y compositora talentosa con mucho potencial pero que ha perdido la conexión que tenía con el público años atrás. Pese al descalabro comercial de los últimos singles lanzados, la autora de ‘Dear Future Husband’ tiene una base de fans fiel que hará que el proyecto en su totalidad no sea el flop que muchos predicen. Cabe destacar que ‘Let You Be Right’ y ‘Can’t Dance’ han sido descartados del ‘track listing’ final del álbum, algo imperdonable ya que el primero de ellos es muy superior a varios de los temas que se incluyen en «Treat Myself», sin duda otro error más en la disparatada estrategia comercial que ha llevado a cabo la discográfica de Meghan durante esta era. Definitivamente «Treat Myself» no logra superar el gran nivel de «Thank You» y sobretodo «Title» pero no se trata de un trabajo de baja calidad en absoluto. El principal problema es que parece más una playlist variada con los temas que ha ido lanzado la cantante durante los últimos años que un proyecto centrado. Temas imprescindibles: No Excuses, Genetics, Evil Twin, Nice To Meet Ya y Wave. Puntuación: 7/10.

Crítica de «All Monsters Are Human» de K. Michelle

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All Monsters Are HumanEn la actualidad K. Michelle es una de las pocas cantantes que podemos encuadrar dentro del R&B más tradicional y clásico ya que dicho género se ha visto influenciado durante los últimos años por la música electrónica y el desmedido uso de los sintetizadores y ha perdido parte de su esencia y sus orígenes, sin embargo Kimberly Michelle Pate se ha mantenido fiel al R&B de los años 90 y 2000 y es una de las escasas representantes del ‘verdadero R&B’ que ha ido desapareciendo a lo largo de los años para desgracia de los amantes de la música negra entre los que yo me encuentro. El 31 de enero (un día de extrema competencia con numerosos e importantes lanzamientos) la cantante de Tennessee ha publicado su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters All Human, que toma el relevo a Kimberly: The People I Used To Know, el cual vio la luz en diciembre del 2017, lo que supone el lapso de tiempo más amplio entre disco y disco dentro de su carrera, ya que desde sus inicios en el mundo de la música K. Michelle se ha caracterizado por su gran agilidad al lanzar álbumes. Durante este tiempo la voluptuosa cantante se ha sometido a varias operaciones para quitarse unos implantes que le estaban afectando a su salud y ahora luce una figura más natural. Centrándonos en el aspecto musical, All Monsters Are Human está formado por baladas y medios tiempos de estilo R&B/Soul compuestos por la propia Kimberly bajo la producción de Lil Ronnie o Jazze Pha entre otros y destaca por el hecho de que es su primer trabajo como artista independiente tras dejar su antigua discográfica por los resultados tan mediocres que cosechó su último disco. En varias entrevistas recientes K. Michelle ha declarado que tras este álbum va a probar suerte dentro del Country, género que le inspiró desde que era pequeña debido a sus orígenes sureños (nació en Memphis) y que sigue escuchando en la actualidad. No sabemos que le deparará a Kimberly dentro del Country pero lo que no podemos negar es su importancia en el género R&B/Soul ya que es una de las cantantes más talentosas surgidas en la pasada década y se ha ganado un importante hueco en el panorama musical urbano gracias a varios álbumes aclamados por la crítica y que han cosechado un notorio éxito dentro de dicho género (sus tres primeros discos fueron top 10 en la lista de ventas de Estados Unidos).

El single anticipo de All The Monsters Are Human (en realidad era un ‘street-single’) fue Supahood, un marchoso tema R&B/Hip-Hop con influencia Trap que cuenta con la participación de las raperas y Kash Doll y Young Miami de City Girls y en el que la cantante muestra su lado más urbano mientras relata su predilección por los hombres ‘de barrio’. Como siguiente single se lanzó The Rain, una fantástica balada mid-tempo producida por Jazze Pha que nos devolvía el ‘R&B real’ a nuestros días y ha resultado todo un acierto su elección como single ya que es una de las mejores canciones del disco y personalmente mi favorita. Debido al gran potencial de ‘The Rain’, K. Michelle ha promocionado el single en varias ocasiones: primero lo interpretó en los prestigiosos Soul Train Awards y más recientemente en un famoso ‘talk show’ de la TV americana y gracias a esta exposición en los medios ‘The Rain’ ha ocupado el top 10 en el componente Adult R&B Songs de la lista Billboard. Uno de los temas más interesantes de «All Monsters Are Human» es precisamente el que abre el álbum, ‘Just Like Jay’, que se trata de un medio tiempo pop/R&B con cierta influencia Country, aunque la inspiración de dicho género se aprecia más que en la canción en la temática y look de K. Michelle en el videoclip promocional del tema, el cual fue desvelado un día antes del lanzamiento del álbum. Muy revelador es el contenido de Just Like Jay, en el que la cantante relata lo duro que le resultó componer y grabar este álbum y donde habla de las razones por las que dejó su antigua discográfica: «me fui de Atlantic porque querían que fuera Mary J (Blige) y todo el tiempo estaba pensando: ¿y qué pasa con K (Michelle)?». En ‘Just Like Jay’, la carismática cantante también revela que a estas alturas de su carrera lo que verdaderamente le importa es hacer canciones desde el corazón, más que hacer canciones para triunfar en las listas de venta. Sin duda un gran tema para abrir el álbum. Dentro de las clásicas baladas R&B/Soul por las que es conocida K. Michelle destacan ‘That Game’, ‘All The Lovers’ o ‘Something New’ donde podemos apreciar su enorme talento vocal y sus profundas letras. También merece la pena reseñar ‘Love On Me’, un animado tema pop/R&B que supone el momento más up-tempo del álbum. 

Dentro de la excelente discografía de K. Michelle sólo podemos encontrar un pequeño tropiezo, su anterior álbum «Kimberly: The People I Used To Know», el cual era excesivamente largo (contenía más de 20 temas), algo aburrido y resultaba menos sólido y consistente que sus magníficos tres primeros discos, sin embargo con «All Monsters Are Human» la cantante ha recuperado su habitual gran nivel y nos encontramos ante un trabajo de alta calidad en el que no sobra ningún tema y donde podemos disfrutar de la maravillosa voz de Kimberly y sus habilidades como compositora en las que relata todas las vivencias y experiencias por las que ha pasado durante estos últimos años. En definitiva, «All Monsters Are Human» comparte muchos puntos en común con sus primeros trabajos, «Rebellious Soul» y «Anybody Wanna Buy a Heart?» y se pone a su nivel en cuanto a calidad, lo cual es el mejor cumplido que se le puede hacer ya que son dos de los álbumes R&B más destacados de la pasada década. Aunque el 2020 acaba de comenzar, el nuevo álbum de K. Michelle consigue la mejor nota de todos los discos publicados durante el mes de enero y es mi favorito de lo que llevamos de año. Temas imprescindibles: The Rain, Just Like Jay, Love On Me, That Game y Supahood. Puntuación: 8/10. 

Crítica de «Rare» de Selena Gomez

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RarePublicar un disco a principios de enero no es de las mejores ideas que puede tener un artista teniendo en cuenta que la Navidad es uno de los periodos del año donde las ventas de álbumes se disparan y dan un respiro a la maltrecha situación que vive la industria musical, por ello las discográficas suelen situar entre noviembre y diciembre la mayoría de los lanzamientos de álbumes para beneficiarse del lucrativo periodo navideño. Sin embargo Selena Gomez ha hecho caso omiso a esta regla no escrita y ha decidido publicar su tercer disco de estudio el 10 de enero, haciendo de Rare uno de los primeros lanzamientos del recién inaugurado año 2020. La ventaja con la que parte Selena Gomez es que cuenta con una base de fans muy leal y goza de una gran popularidad entre los más jóvenes (es la cantante más seguida en Instagram) y además lleva más de 4 años sin publicar álbum, por lo que sus numerosos seguidores están ansiosos con el regreso de la cantante texana regrese con nuevo disco y apenas se notará el hecho de que se publique en una fecha tan poco agradecida de cara a las ventas. Durante este amplio lapso de tiempo Selena ha sufrido graves problemas de salud que le han mantenido alejada del mundo de la música, sin embargo ha lanzado varios singles desde su último disco y ha colaborado con otros artistas. Durante los años 2017 y 2018 lanzó Bad Liar o Fetish como posibles sencillos anticipo de su nuevo trabajo discográfico, sin embargo no fue hasta octubre del año pasado cuando vieron la luz los verdaderos singles presentación de Rare, que se trataban de dos temas muy diferentes entre sí que mostraban la variedad musical que encontraríamos en su tercer álbum en solitario. Primero llegó Lose You to Love Me, una emotiva balada a piano compuesta por la propia Selena junto a sus habituales colaboradores Justin Tranter y Julia Michaels y producida por Mattman & Robin. Esta balada de desamor tenía un mensaje de auto-empoderamiento y recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por la vulnerabilidad y honestidad mostrada por Selena, además tuvo un gran impacto comercial y logró llegar a lo más alto de la lista americana (su primer #1 en Estados Unidos) y también ocupó el #1 en Canadá o el #3 en Reino Unido. Un día después de ‘Lose You to Love Me’ llegó Look At Her Now, en el que la cantante cambiaba totalmente de registro y nos ofrecía un marchoso tema up-tempo de estilo dance-pop y electropop producido por Ian Kirkpatrick aunque compartía el mensaje de sobreponerse a las adversidades del anterior single. Pese a que resultaba a priori una apuesta comercial más acertada por su carácter up-tempo y bailable, ‘Look At Her Now’ no ha logrado una acogida tan positiva como la balada y apenas ha sido top 30 en la lista americana y británica.

Rare es un álbum personal y autobiográfico en el que Selena relata todas las experiencias personales y amorosas que ha vivido durante estos últimos años además de sus problemas de salud, de ahí que haya compuesto todos los temas presentes en el disco. El tercer álbum de Selena ha contado con la producción de sus habituales colaboradores Mattman & Robin además de otros importantes productores como Ian Kirkpatrick, Jason Evigan, Rami, Sir Nolan o The Monsters & The Strangerz, y está formado por canciones pop con influencia del dance-pop, synth-pop y R&B. En Rare encontramos bailables temas up-tempo encuadrados dentro del sonido dance-pop como ‘Vulnerable’, ‘Dance Again’ o ‘Let Me Get Me’, medios tiempos de estilo pop como ‘Ring’, con cierto toque folk y gran uso de instrumentos en vivo o ‘Rare’, el tema queda título al álbum y acaba de ser lanzado como single coincidiendo con la publicación del disco, y temas con cierto toque urbano y aroma R&B como ‘Crowded Room’, compuesto junto a la cantante Bebe Rexha y que cuenta con la colaboración del rapero 6lack o ‘A Sweeter Place’ junto a Kid Cudi. En la edición deluxe de Rare se incluyen los sencillos promocionales que la cantante de Texas ha lanzado durante estos últimos años como ‘Bad Liar’, ‘Fetish’, ‘Back To You’ o sus colaboraciones con Marshmello en ‘Wolves’ y Kygo en «It Ain’t Me» (todos ellos tuvieron un rendimiento moderado y fueron top 30 en la lista Billboard).

Selena Gomez nunca se ha caracterizado por ser una gran vocalista ya que tiene un registro muy limitado, sin embargo tiene una voz personal y un carisma que ha atraído a una legión de fans desde sus comienzos en el mundo de la música. Aunque comparte ciertos puntos en común con «Revival», su anterior disco de estudio, «Rare» resulta menos experimental y alternativo que éste último aunque tiene un balance perfecto entre temas up-tempo y baladas y contiene varios temas muy interesantes que nos muestran los avatares personales y amorosos que ha vivido durante los últimos años. Además Rare destaca por un mayor uso de instrumentos en vivo en muchas de las canciones y tiene un menor componente electrónico que su predecesor. En definitiva, sin ser una obra maestra, «Rare» resulta agradable, ameno y disfrutable y seguro que se convertirá en uno de los álbumes más importantes de este 2020 que acaba de empezar. Puntuación: 6/10.

Crítica de «Mind of Mine» de Zayn

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ZaynEn la historia del pop ha resultado muy habitual que los componentes más carismáticos y líderes naturales dentro una famosa ‘boy band’ o ‘girl band’ abandonen la formación a la que pertenecen para desarrollar una carrera en solitario y mostrar su verdadera identidad. Existen numerosos ejemplos, como Robbie Williams en Take That o Geri Halliwell en Spice Girls y más recientemente el caso de Zayn Malik, componente de One Direction que abandonó el popular grupo en 2015, un año antes de su separación definitiva. Zayn alegó que necesitaba descansar de la estresante vida que llevaba junto a One Direction y pasar tiempo con su familia y amigos como lo hace un chico normal de 22 años, aunque más tarde expresó que la música que hacía junto a la famosa ‘boy band’ no reflejaba sus verdaderas aspiraciones como artista. En marzo de 2016, cuando One Direction acababa de anunciar su separación, el joven de ascendencia pakistaní publicó su primer álbum en solitario, Mind of Mine, en el que se alejaba del estilo pop/rock y teen-pop que hacía junto a su antiguo grupo para adentrarse en el R&B (con gran influencia del R&B alternativo), que es el tipo de música que escuchaba de adolescente.

Con el primer single, Pillowtalk, Zayn mostraba una gran madurez y evolución musical gracias a sus letras más explícitas y estaba inspirado en su relación con Perrie, componente del grupo Little Mix, con la que rompió meses atrás. Este tema de R&B alternativo con melodía dispersa recibió grandes críticas de los expertos musicales, los cuales lo compararon con el estilo de Miguel o The Weeknd y tuvo un excelente rendimiento comercial: debutó en el #1 en Reino Unido y Estados Unidos, haciendo de Zayn el único cantante británico en debutar en lo más alto en estos ambos países. Como segundo single, el cantante inglés lanzó Like I Would, un tema electro-R&B y dance-pop que suponía un contrapunto más marchoso al carácter downtempo de Pillowtalk pero no resultó tan exitoso como este último. El tercer y último single extraído de «Mind of Mine» fue Wrong, uno de los temas R&B alternativo que abundan en el disco, pero en este caso con la colaboración de la cantante americana Kehlani, la cual pertenece al género al que Zayn se ha aproximado en su carrera como solista.

Varios sencillos promocionales fueron lanzados previamente a la publicación del disco como ‘Befour’, un tema R&B y synth-pop cuyas letras resultaban muy interesantes por revelar lo frustrado que se sentía cuando pertenecía a One Direction o la balada R&B de desamor ‘It’s You’ en la que nuevamente habla de su ruptura con Perrie. Gracias a la gran acogida del primer single, «Mind of Mine» debutó en el #1 de la lista de ventas de Reino Unido, destronando a la mismísima Adele y también ocupó la posición de honor en Australia, Canadá o Estados Unidos, donde se convirtió en el primer cantante británico en lograr el #1 con su disco debut. Teniendo en cuenta que he hecho la crítica del álbum en retrospectiva, debo reconocer que «Mind of Mine» es uno de los trabajos más consistentes y cohesivos de un miembro de One Direction en solitario (superior a los debuts de Harry Styles o Liam Payne) ya que está formado por un conjunto sólido de modernas canciones R&B que cuentan con la excelente voz de Zayn, quien además posee gran carisma y una misteriosa personalidad de ‘alma atormentada’. Tras un impresionante debut, el segundo álbum de Zayn Malik, Icarus Falls, supuso un fracaso comercial y ni el álbum ni los singles lanzados lograron una mínima parte del éxito conseguido con «Mind of Mine». Temas imprescindibles: Pillowtalk, Like I Would, Befour y Wrong. Puntuación: 7’5/10.