Electropop

Double Round Review: «Animal» y «Cannibal» de Kesha

deividtoxic4 comentarios

AnimalTras iniciarse en el mundo de la música haciendo coros y componiendo para otros artistas, una jovencita llamada Kesha Sebert despuntó en la escena musical gracias a su participación en el single ‘Right Round’ del rapero FloRida, el cual alcanzó el #1 en los principales mercados musicales y supuso el espaldarazo definitivo para iniciar su carrera como cantante. Kesha estuvo trabajando en su debut durante años y publicó su primer álbum, titulado Animal, el 1 de enero de 2010, inaugurando la década de la mejor manera posible. La cantante nacida en Los Angeles se rodeó de importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke (el cual le fichó en su discográfica, se convirtió en su mano derecha y fue el responsable de la mayoría de las canciones), Max Martin, Shellback, Greg Kurstin, Ammo o Benny Blanco, quienes dieron forma a un álbum encuadrado dentro del sonido electropop y dance-pop con gran uso de sintetizadores. El single presentación del álbum fue TiK ToK, un tema electropop sumamente adictivo producido por Dr. Luke en el que Kesha destacaba por su técnica sing-rap y el uso desmedido de Auto-Tune, que se convertirían en la seña de identidad de la cantante durante los primeros años de su carrera. ‘TiK ToK’ sorprendió al público por sus pegadizas letras sobre pasarlo bien, vivir la vida y no dejar que nadie te pisotee mientras que relataba un sueño en el que se despertaba siendo un importante rapero rodeado de bellas mujeres y creyéndose una estrella de la música. ‘TiK ToK’ tuvo un enorme impacto comercial: lideró las listas de venta en más de 20 países de todo el mundo y se convirtió en uno de los temas con mayores ventas digitales de la historia de la música, superando los 10 millones de copias digitales.

Tras la tremenda acogida de ‘TiK ToK’, Kesha demostró que su éxito no era flor de un día y lanzó varios singles que ocuparon nuevamente los primeros puestos en las listas de venta como Your Love Is My Drug, un pegadizo tema dance-pop y electropop en el que la cantante habla de la ruptura con su ex-pareja y la relación de dependencia que sentía hacia él y que ocupó el top 5 en la lista americana o Take It Off, un potente tema electropop y dance-pop que resultaba uno de los momentos más up-tempo y bailables del disco. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran el divertido ‘Party at a Rich Dude’s House’ en el que Kesha contaba su experiencia cuando fue a una fiesta en la casa de Paris Hilton y acabó vomitando en su armario, ‘Dancing With Tears in My Eyes’, que destaca por su uso de instrumentos en vivo como la guitarra dentro de un disco dominado por los sintetizadores o ‘Hungover’, uno de los temas co-producidos por Max Martin en el que la cantante muestra su lado más emotivo y vulnerable y resultaba uno de los momentos más calmados del álbum. Desde un primer momento Kesha destacó por su excéntrica personalidad, su imagen descuidada de ‘party girl’ y sus polémicos comentarios pero sin duda cautivó al público joven gracias a unas canciones divertidas, desenfadadas y dirigidas a las pistas de baile, además fue una de las abanderadas del sonido electropop que tan de moda estuvo a principios de la década pasada. «Animal» no contiene canciones con un profundo componente lírico, sin embargo es un álbum debut sólido y que escuchar en su totalidad sin apenas saltar ningún tema. Puntuación Animal: 8/10.

CannibalGracias al gran éxito del primer single, «Animal» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes y destacó por su alto porcentaje de ventas digitales, que superaron ampliamente las copias físicas, lo que denotaba cómo el mundo de la música estaba cambiando hacia la era digital. «Animal» terminó el 2010 con más de un millón de ejemplares vendidos en Estados Unidos. En el resto del mundo también tuvo una buena acogida comercial: fue #1 en Canadá y alcanzó el top 10 en Reino Unido, Australia o Alemania y obtuvo con unas ventas a nivel mundial de 9 millones de copias, en su mayoría de formato digital. Gracias a la buena acogida de los 4 singles lanzados, todos los cuales ocuparon el top 10 en la lista americana, «Animal» siguió obteniendo buenas ventas durante el 2010 y a finales de año fue reeditado con un segundo disco compuesto por nuevas canciones inéditas, llamado Cannibal, el cual se puso a la venta como EP independiente en tierras americanas y como parte de la reedición bajo el nombre «Animal + Cannibal» en el resto del mundo. «Cannibal» seguía la estela musical de «Animal» y está formado por 9 temas de estilo electropop en los que la cantante continuaba con su peculiar técnica sing-rap y su abuso del Auto-Tune. Kesha siguió confiando en la producción de sus habituales colaboradores Dr. Luke, Benny Blanco, Ammo y Max Martin. El single presentación de «Cannibal» fue We R Who We R, un pegadizo tema electropop de sonido futurista en el que Kesha reivindicaba su excéntrica personalidad y resultaba un himno de auto-aceptación y empoderamiento. Este tema producido por Dr. Luke recibió buenas opiniones de los expertos por su carácter desenfadado y bailable aunque también le llovieron críticas por resultar muy similar a sus anteriores singles. ‘We R Who We R’ tuvo un gran impacto comercial en Estados Unidos y se convirtió en el segundo #1 de Kesha como solista tras ‘TiK ToK’ y en el resto del mundo también tuvo una gran acogida y lideró las listas de venta en Australia o Reino Unido.

Como segundo single llegó Blow, un marchoso tema electropop y dance-pop bajo la producción de Dr. Luke y Max Martin que continuaba con su habitual temática de pasarlo bien en la pista de baile. Dentro del nuevo EP destacaban ‘Cannibal’, un original y pegadizo tema en el que la cantante admite «sus instintos asesinos y de caníbal» con los hombres que conoce o ‘Sleazy’, un tema mid-tempo electropop con influencia Hip Hop coproducido por Bangladesh que fue lanzado como sencillo promocional y tuvo un buen desempeño comercial en la lista americana. En resumen, de la misma manera que «The Fame Monster» elevó el álbum debut de Lady Gaga a otro nivel, «Cannibal» fue un todo acierto por parte de Kesha ya que aumentó la gran calidad de «Animal» con nuevos temas muy interesantes. Quizás las letras de sus canciones fueran banales y poco profundas y su voz estaba tan distorsionada por los excesivos trucos de producción que apenas podíamos escuchar la voz real de la cantante californiana, sin embargo Kesha consiguió crear un álbum divertido, alegre y que representaba a la perfección el sonido electropop que triunfaba durante aquellos años y del cual Lady Gaga y Kesha fueron las máximas representantes. Puntuación Animal + Cannibal: 8/10.

Los mejores álbumes del 2020 (1ª parte)

deividtoxicDeja un comentario

El 2020 está siendo un año extremadamente inusual debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus, la cual ha afectado a todos los sectores de la economía, que se han tenido de adaptar a la profunda crisis que han provocado los meses de confinamiento y el parón de la actividad industrial. El sector del ocio ha sido uno de los más afectados y si nos centramos en la industria musical podemos afirmar que ésta ha sufrido una caída brutal en sus principales fuentes de ingresos, por todos los conciertos y festivales de música que han sido cancelados y la ausencia de ventas de discos en formato físico. Algunos artistas que tenían pensado lanzar sus álbumes durante esta primavera decidieron posponer la fecha de publicación hasta que las condiciones sanitarias «volvieran a la normalidad» y pudieran realizar promoción, mientras que otros valientes siguieron con sus planes originales y lanzaron disco pese a la extraña situación que hemos vivido, algo que es de agradecer y alabar. Aunque este año haya sido atípico desde mediados de marzo y el número de lanzamientos se haya reducido de manera considerable, hemos sido testigo de la publicación de varios álbumes muy interesantes que nos han acompañado durante los duros momentos del confinamiento. Desde el blog MiSTeR MuSiC haré un repaso de los mejores álbumes que se han lanzado durante la primera mitad de este 2020.

Chromatica4. Chromatica de Lady Gaga.

En su habitual línea de dar pena sacando a la luz enfermedades y traumas pasados, Lady Gaga se ha vendido a sí misma como una de las grandes afectadas por la pandemia del coronavirus al tener que aplazar el lanzamiento de su nuevo álbum, sin embargo no lo ha sido tanto ya que pudo haber lanzado el disco en las fechas originales sin mayor problema puesto que otros cantantes lo han hecho con gran éxito (como Dua Lipa) pese a la disminución de la promoción debido a razones obvias. Lady Gaga tenía previsto publicar su sexto disco de estudio, Chromatica el pasado 10 de abril pero decidió posponer su lanzamiento hasta que las circunstancias fueran más propicias, sin embargo en un arranque muy coherente por su parte el álbum vio la luz a finales de mayo, cuando la pandemia sacudía fuertemente a Estados Unidos, el mercado más importante para la polémica cantante. Dejando a un lado esta incoherente estrategia comercial, nos encontramos ante uno de los discos más esperados del año ya que tras su coqueteo con el Country y el pop/rock de ‘Joanne’ y su participación en la banda sonora de ‘A Star Is Born’, donde continuó con su imagen de artista seria y madura, con su nuevo álbum Lady Gaga ha regresado a sus raíces pop y ha rescatado de nuevo su imagen extravagante. Chromatica abandona las baladas dramáticas como ‘Shallow’ para centrarse exclusivamente en temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House. Aprovechando el momento nostálgico que vive el pop actualmente y al igual que Dua Lipa se inspiró en el sonido Disco de los años 70 y 80, Lady Gaga se ha influenciado del Dance y House que triunfaban en los 90 para dar forma su nuevo trabajo, que reduce el relleno al mínimo y está formado por temas dirigidos a las pistas de baile aunque la temática vaya más encaminada a mostrarnos cómo ha superado las adversidades y los duros momentos del pasado. El primer single del álbum, ‘Stupid Love’ llegó en febrero y aunque resultaba marchoso y pegadizo no dejaba de ser un tema poco arriesgado e innovador que muchos tacharon de básico y menos eficaz que sus habituales primeros singles. Tras la tibia acogida de ‘Stupid Love’ (que fue un éxito en ciertos países pero marcó mínimos en la carrera de Lady Gaga en otros importantes mercados) y coincidiendo con la publicación del álbum, la artista neoyorquina sacó todos los tanques y nos ofreció su esperada colaboración con Ariana Grande en ‘Rain On Me’, un bailable tema dance-pop y House que esta vez sí la devolvió al #1 en las listas de ventas. Chromatica contiene grandes temas que pueden pueden ser singles muy potentes como Replay, Free Woman, Fun Tonight o 911 y supera ampliamente la calidad de Joanne y Artpop, de ahí que lo considere uno de los mejores discos del año, aunque se tiene que conformar con el cuarto puesto. Puntuación: 7’5/10. 

All Monsters Are Human3. All Monsters Are Human de K. Michelle.

El 31 de enero resultó ser un día de extrema competencia en el mundo de la música ya que se produjeron numerosos lanzamientos de discos de importantes artistas como Kesha, Meghan Trainor, Louis Tomlinson o nuestra protagonista, K. Michelle. La cantante nacida en Memphis publicó su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters Are Human, que tomaba el relevo a «Kimberly: The People I Used To Know», lanzado en 2017, lo que supuso el lapso de tiempo más amplio entre disco y disco dentro de su carrera, ya que desde sus inicios en el mundo de la música se ha caracterizado por su gran agilidad al lanzar álbumes. En la actualidad K. Michelle es una de las pocas cantantes que podemos encuadrar dentro del R&B más tradicional y clásico puesto que dicho género se ha visto influenciado durante los últimos años por la música electrónica y el desmedido uso de los sintetizadores y ha perdido parte de su esencia y sus orígenes, sin embargo la cantante de Tennessee se ha mantenido fiel al R&B de los años 90 y 2000 y es una de las escasas representantes del ‘verdadero R&B’ que ha ido desapareciendo a lo largo de los años. «All Monsters Are Human» está formado por 13 temas compuestos por la propia Kimberly y destaca por el hecho de que es su primer trabajo como artista independiente tras dejar su antigua discográfica por los resultados tan mediocres que cosechó su último disco. Dentro del álbum podemos encontrar las clásicas baladas R&B/Soul por las que es conocida K. Michelle como ‘That Game’ o ‘The Worst’ además de otros originales temas como ‘Just Like Jay’, que se trata de un medio tiempo pop/R&B con cierta influencia Country o ‘Love On Me’, un animado tema pop/R&B que supone el momento más up-tempo del álbum. El primer single del álbum fue ‘Supahood’, un marchoso tema R&B/Hip-Hop con influencia Trap que contaba con la participación de las raperas City Girls y Kash Doll y donde la cantante mostraba su lado más urbano y tras él llegó ‘The Rain’, una fantástica balada mid-tempo producida por Jazze Pha que nos trae de vuelta la verdadera esencia del R&B. Tras el pequeño tropiezo que supuso su anterior disco «Kimberly: The People I Used To Know», el cual era excesivamente largo, algo aburrido y resultaba menos sólido y consistente que sus tres magníficos primeros discos, con «All Monsters Are Human» la cantante ha recuperado su habitual nivel y nos encontramos ante un trabajo de gran calidad en el que no sobra ningún tema y donde podemos disfrutar de la maravillosa voz de Kimberly y sus habilidades como compositora en las que relata todas las experiencias por las que ha pasado durante estos últimos años. Puntuación: 8/10. 

After Hours2. After Hours de The Weeknd.

Aunque The Weeknd publicó su cuarto álbum de estudio After Hours el 20 de marzo, cuando comenzaba el confinamiento en varios países europeos y la pandemia avanzaba a pasos agigantados, gran parte de la promoción del mismo se había producido los meses anteriores y los dos singles lanzados ya llevaban un tiempo en los primeros puestos de las listas de venta, por lo que su publicación en una fecha tan arriesgada no le pasó factura a las ventas del mismo. After Hours debutó en el #1 de la lista americana con más de 400 mil unidades vendidas (incluyendo más de 250 ejemplares de ventas puras, es decir en formato físico y digital) convirtiéndose en uno de los debut más importantes del año en Estados Unidos y su tercer disco #1 consecutivo. Gran parte del éxito logrado por el álbum se debió a la excepcional respuesta por parte del público de los dos primeros singles, que vieron la luz en noviembre del año pasado. Primero llegó ‘Heartless’, un enigmático medio tiempo R&B/Trap en el que el artista canadiense admitía que tras la ruptura con su ex-pareja había vuelto a su vida disoluta de soltero desalmado. Este single de sonido urbano encajaba mejor con los gustos americanos y debutó en el #1 de la lista de singles de Estados Unidos (su cuarto ‘chart topper’) sin embargo The Weeknd tenía guardado otro as en la manga de cara al mercado internacional. Un par de días después de lanzar ‘Heartless’ llegó ‘Blinding Lights’, un marchoso tema synth-pop y dance-pop de corte retro inspirado en el estilo new-wave de los años 80 y producido por el rey Midas del pop Max Martin. ‘Blinding Lights’ recuperaba el carácter up-tempo y comercial de su hit ‘Can’t Feel My Face’, recibió grandes críticas de los expertos por su naturaleza bailable, superó todas las expectativas y se ha convertido en uno de los temas más importantes de lo que llevamos de año. ‘Blinding Lights’ sigue liderando actualmente la lista de singles más vendidos a nivel mundial y ha alcanzado el #1 en más de 20 países incluyendo Estados Unidos, Australia, Francia, Alemania, Reino Unido o España. El tercer single, ‘In Your Eyes’, llegó una semana después del lanzamiento del álbum y se trataba de otro marchoso tema synth-pop de sonido retro influenciado por la música Disco. «After Hours» combina las dos facetas musicales que posee el cantante: por una parte el R&B alternativo con influencia Trap al que estamos acostumbrados los seguidores originales de The Weeknd y por otra el sonido dance-pop y synth-pop a través de temas más comerciales de carácter up-tempo con los que amplió su popularidad y conquistó a un público masivo. Aunque con su anterior álbum «Starboy» The Weeknd había puesto el listón muy alto, «After Hours» sigue manteniendo su gran calidad y por ello ocupa la medalla de plata en este repaso a los mejores álbumes lanzados durante la primera mitad del 2020. Puntuación: 8/10.

Future Nostalgia1. Future Nostalgia de Dua Lipa.

Una de las artistas que más se ha visto afectada por la inusual situación que vivimos ha sido sin duda Dua Lipa, la cual tenía pensado lanzar su esperado segundo álbum de estudio a principios del mes de abril, pero debido a la filtración de todo su contenido en internet su discográfica decidió adelantar una semana su publicación y finalmente vio la luz el 27 de marzo, cuando el coronavirus estaba en su peor momento en Europa y muchos de los países cerraban fronteras para detener la pandemia. A través de sus redes sociales, una Dua Lipa rota y llorando comunicaba a sus seguidores que el álbum se iba a publicar una semana antes de lo previsto en pleno inicio de la pandemia, pero lo que no sabía en ese momento es que Future Nostalgia se beneficiaría en gran medida de ser una de las pocas artistas que lanzaba nueva música durante aquellas fechas. «Future Nostalgia» debutó en el #2 de la lista británica casi empatada en cifras con el grupo 5 Seconds of Summer, quienes consiguieron llevarse el gato al agua, sin embargo gracias al alto nivel de streaming en su segunda semana a la venta ascendió al #1 convirtiéndose en el primer disco de la cantante de ascendencia albanesa que conseguía llegar al puesto de honor en Reino Unido. En el resto del mundo Future Nostalgia fue un auténtico éxito y ocupó el top 5 en todos los mercados importantes incluyendo Estados Unidos, donde alcanzó el #4, su mejor posición hasta la fecha. El segundo álbum de estudio de Dua Lipa se alejaba del EDM (Electronic Dance Music) y el Tropical House de su primer álbum para profundizar en un sonido Disco, dance-pop y electropop inspirado en la música de baile de los años 80 y 90 de artistas como Kylie Minogue o Madonna. «Future Nostalgia» es un álbum muy breve de sólo 11 canciones y apenas media hora de duración pero no contiene ningún relleno y está formado por temas up-tempo de corte retro con el objetivo de sonar atemporal y fuera de las modas imperantes. «Future Nostalgia» fue aclamado por la crítica por su carácter bailable y desenfadado y se ha convertido en uno de los discos con mejores críticas de lo que llevamos de año. «Future Nostalgia» se merece el puesto de honor en este repaso a los mejores álbumes lanzados hasta la fecha ya que incluye joyas pop como los tres primeros singles, ‘Don’t Start Now’, Physical o Break My Heart y otras canciones tan interesantes como ‘Love Again’ o ‘Levitating’ que tienen todas las papeletas para ser futuros singles por su gran calidad. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Chromatica» de Lady Gaga

deividtoxic3 comentarios

ChromaticaLa pandemia del coronavirus ha afectado a muchos sectores de la economía, entre ellos la industria musical, que ha visto cómo desaparecía su principal fuente de ingresos: las giras de conciertos, las cuales desde hace años superan ampliamente las ganancias provenientes de la venta de discos. Una de las artistas que se ha visto afectada por la pandemia global ha sido Lady Gaga, quien el 10 de abril debía publicar su nuevo trabajo discográfico, Chromatica, sin embargo debido a las circunstancias decidió posponer su lanzamiento y finalmente confirmó que vería la luz el 29 de mayo. Los artistas que tenían previsto publicar álbumes durante la época del confinamiento o bien han optado por mantener las fechas de publicación actuando con gran valentía y generosidad de cara a sus fans (como Dua Lipa con «Future Nostalgia», que se ha beneficiado de ser una de las pocas cantantes pop en lanzar disco durante la pandemia) o por el contrario han pospuesto indefinidamente sus respectivos trabajos hasta que las circunstancias sean más propicias, sin embargo la decisión de Lady Gaga de retrasar el lanzamiento de su disco tan solo un mes y medio después no deja de resultar contradictorio e incoherente ya que la situación sanitaria actual sigue siendo la misma (de hecho es peor en Estados Unidos, donde ahora se encuentra el principal epicentro de la pandemia) lo cual no facilita la promoción de su nuevo trabajo, por ello la opción más lógica hubiera sido lanzar «Chromatica» en su fecha original, antes de que el ‘hype’ por el primer single se desvaneciera y hubiera que sacar todos los tanques para acaparar la atención del público. Centrándonos en el aspecto musical, «Chromatica» destaca por el hecho de que la cantante neoyorquina vuelve al pop electrónico de sus inicios tras su participación en la banda sonora de «A Star Is Born» y su último disco de estudio «Joanne», en los que coqueteó con el Country y el pop/rock, por lo que tendríamos que remontarnos a 2013 con «Artpop» para dar con su último disco pop en sentido estricto. «Chromatica» está formado por 16 canciones up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House de los años 90 que nos devuelven a la Lady Gaga más divertida y bailable, reminiscencia de «Born This Way» o «The Fame». Como suele ser habitual, la controvertida artista ha compuesto todos los temas presentes en el álbum y ha contado con la producción de BloodPop, Burns, Skrillex o Axwell. Cabe destacar que al igual que «Artpop» y «Joanne», «Chromatica» no cuenta con input por parte de RedOne, el responsable de sus mayores éxitos y que imprimió un vanguardista sonido electropop con el que triunfó en todo el mundo. 

El single presentación del álbum fue Stupid Love, un marchoso tema dance-pop y electropop con influencias House compuesto junto a Max Martin y producido por BloodPop. Este tema recibió opiniones muy variadas por parte de los expertos musicales: por una parte se alabó su naturaleza desenfadada y bailable y su vuelta al típico sonido de ‘Born This Way’ pero por otra se criticó el hecho de ser un tema muy genérico que no ofrecía nada nuevo al panorama musical. ‘Stupid Love’ tuvo un buen desempeño comercial en las listas de venta de Estados Unidos, Australia o Reino Unido, donde ocupó el top 10, sin embargo en otros importantes mercados como Francia, Alemania o España pasó muy desapercibido y estuvo muy lejos de las posiciones que suelen ocupar los primeros singles de Lady Gaga. Una semana antes del lanzamiento de «Chromatica» se ha lanzado el segundo single, Rain on Me, que se trata de la esperada colaboración con Ariana Grande que tanto se había rumoreado meses atrás. ‘Rain on Me’ es un tema dance-pop con influencia House y Disco que está compuesto por ambas artistas junto a Rami y producido por BloodPop y Burns en el que las dos cantantes hablan de superar las adversidades y todos los problemas a los que se han enfrentado (recordemos que Lady Gaga sufrió de fibromialgia y Ariana se enfrentó a una depresión tras el atentado terrorista en uno de sus conciertos). Este tema, que celebra «todas las lágrimas derramadas durante los malos momentos», no tiene demasiadas pretensiones ya que su objetivo es hacer bailar y disfrutar de dos de las voces más conocidas del mundo del pop, sin embargo nuevamente resulta un tema muy básico en el que no han arriesgado demasiado puesto que resulta similar a los temas dance-pop de Ariana como ‘Break Free’. Con toda seguridad ‘Rain On Me’ alcanzará el #1 en las principales listas de venta pero será gracias a la colaboración de la joven cantante de Florida, que está viviendo su mejor momento profesional desde ‘Thank U, Next’ y todo lo que toca lo convierte en oro, lo que no deja de resultar una medida un tanto desesperada por parte de Lady Gaga para conseguir el ansiado #1 que no logró con ‘Stupid Love’.

Un día antes del lanzamiento de «Chromatica» se desveló el sencillo promocional ‘Sour Candy’, que se trata de un potente tema House/Dance que cuenta con la colaboración del grupo femenino coreano Blackpink, recuerda a ‘Swish Swish’ de Katy Perry y tiene muchas posibilidades de convertirse en nuevo single por su pegadizo ritmo y sus letras. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Free Woman’, un bailable tema Dance/House en el que Lady Gaga nuevamente reivindica la independencia y libertad de ser lo que queramos ser, temática que ha utilizado en numerosas ocasiones durante su carrera, ‘911’, un enérgico tema electropop y synth-pop que podría encajar dentro de la atmósfera de «The Fame» por la manera de cantar y el efecto robotizado en su voz o ‘Enigma’, en el que declara que es una incomprendida y su personalidad todavía resulta un enigma. También merece la pena reseñar ‘Fun Tonight’, otro marchoso tema Dance que habla de una relación que hace aguas y en el que hace referencia a su disco «The Fame» («amas los Paparazzi, amas la fama») o el pegadizo ‘Replay’, que cuenta con gran influencia de la música House de los 90 y recuerda a la Madonna más bailable y discotequera de ‘Deeper and Deeper’. Uno de los temas más experimentales del álbum es ‘Sine From Above’, en el que participa su amigo Elton John y cuenta con los créditos de Axwell e Ingrosso (componentes de Swedish House Mafia) en la composición.

Al igual que ocurría con «Future Nostalgia» de Dua Lipa, el nuevo trabajo de Lady Gaga está formado por temas up-tempo dirigido a las pistas de baile donde no hay espacio para las baladas y cuenta con influencias ‘nostálgicas’ (en el caso de Dua Lipa el sonido Disco y en Gaga el House) pero actualizado a los tiempos que corren. Dejando a un lado la habitual tendencia de Lady Gaga a victimizarse por sus enfermedades y todos los problemas que ha sufrido en el pasado a través de sus letras y su intento de lanzar al mundo himnos de empoderamiento y auto-aceptación, estamos ante uno de los álbumes más sólidos, consistentes y cohesivos dentro de la carrera de la cantante y en conjunto resulta muy superior a «Artpop». En los últimos años, Lady Gaga se ha esforzado en ofrecernos una imagen de artista seria y madura en un intento por abrirse a un público más diverso y adulto (con álbumes como «Joanne» o su participación en «A Star Is Born») que está muy lejos de la imagen extravagante y polémica que nos mostró durante los inicios de su carrera, por lo que la vuelta a su antiguo sonido electrónico y los atuendos excéntricos resulta una táctica un tanto desesperada por contentar a sus ‘Little Monsters’ más que una evolución natural. Pese a todo, el álbum cuenta con un gran número de temas marchosos y divertidos para hacernos bailar y disfrutar, que es el punto fuerte de la artista y donde nunca nos decepciona. Temas imprescindibles: Rain on Me, Replay, Free Woman, Fun Tonight, 911, Stupid Love y Enigma. Puntuación: 7’5/10.

Throwback Review: «Ciara: The Evolution» de Ciara

deividtoxicDeja un comentario

The EvolutionLa cantante americana Ciara hizo su debut en el mundo de la música en 2004 con el álbum Goodies, el cual tuvo un desempeño comercial muy positivo en Estados Unidos gracias al éxito de sus tres primeros singles, los cuales ocuparon el top 5 en la lista americana, incluyendo el #1 del tema que daba título al álbum. Dos años después de «Goodies» vio la luz el segundo álbum de estudio de la cantante de Atlanta, Ciara: The Evolution, que tal y como indica el título, marca una evolución de Ciara tanto a nivel musical como personal y trata diferentes temas como el empoderamiento femenino, las relaciones amorosas o cómo ha cambiado su vida tras haber alcanzado la fama. «The Evolution» está formado por un compendio de temas Crunk con influencia Hip Hop reminiscencia de su primer álbum, medios tiempos y baladas R&B y varios temas up-tempo dance-pop que marcan una novedad con respecto a su estilo musical habitual. Ciara participó en la composición de todas las canciones que forman parte del álbum y contó un amplio rango de productores de la talla de Lil Jon y Jazze Pha, los cuales participaron en su álbum debut, además de otros que trabajan por primera vez con Ciara como The Neptunes, Darkchild, Polow da Don, Will.I.Am, Dallas Austin o Bryan-Michael Cox. The Evolution debutó en el #1 en la lista americana y acabó siendo certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares, también lideró el componente R&B/Hip-Hop de Billboard y a nivel internacional tuvo un desempeño comercial muy moderado. Get Up se lanzó como parte de la banda sonora de la película americana ‘Step Up’ y más tarde fue incluido dentro del álbum y se trata de un marchoso tema producido por Jazze Pha que combina dance-pop, R&B y Hip Hop y cuenta con la colaboración del rapero Chamillionaire. ‘Get Up’ recibió opiniones positivas por su naturaleza bailable y la evolución musical de Ciara hacia un territorio dance-pop y ocupó el #7 en la lista americana, el cuarto single top 10 en Estados Unidos de la cantante nacida en Austin (Texas).

Como primer single oficial del álbum en tierras americanas se lanzó Promise, una balada R&B mid-tempo producida por Polow da Don en la que Ciara describe cuáles son sus necesidades dentro del aspecto amoroso. Esta ‘slow jam’ de sensuales letras destacaba por el uso del falsetto por parte de la cantante y recibió buenas críticas de los expertos musicales. Ciara decidió lanzar ‘Promise’ como single porque sus anteriores lanzamientos habían sido temas up-tempo y en esta ocasión quería mostrar su crecimiento como compositora y cantante. ‘Promise’ tuvo un tuvo un desempeño positivo en la lista americana, donde alcanzó el puesto #11 y lideró el componente R&B/Hip-Hop de Billboard. Como siguiente single se lanzó Like a Boy, un interesante medio tiempo R&B compuesto por Ciara junto al colectivo The Clutch que destacaba por su uso prominente de violines y trataba el tema de los dobles estándares entre mujeres y hombres dentro de la sociedad. Este himno de empoderamiento femenino recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus letras, su moderna producción y el desarrollo vocal de Ciara. En el videoclip de ‘Like a Boy’ aparte de demostrar que es una magnífica bailarina, Ciara incide en el mensaje feminista de la canción con la frase: «señoritas, estamos en 2007, creo que ya es hora de intercambiar los roles». ‘Like a Boy’ resultó moderadamente exitoso en las listas de venta y ocupó el top 20 en Estados Unidos, Francia o Reino Unido. El último single extraído de «The Evolution» fue Can’t Leave ‘Em Alone, un marchoso tema R&B con influencia Hip Hop producido por Rodney Jerkins que cuenta con la colaboración del famoso rapero 50 Cent en el que Ciara declara su gusto por los hombres de barrio. ‘Can’t Leave ‘Em Alone’ apenas fue top 40 en la lista americana y recibió críticas muy variadas: por una parte se alabó la inconfundible producción de Darkchild pero también se dijo que resultaba un tema genérico y poco original. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘I Proceed’, un tema R&B up-tempo con alto componente electrónico producido por The Neptunes, ‘My Love’, una bonita balada R&B mid-tempo que muestra el lado más emotivo y sensible de la atractiva cantante o ‘Make It Last Forever’, un alegre y animado tema up-tempo dance-pop y R&B que es la otra aportación de Darkchild a este proyecto. 

Ciara nunca se ha caracterizado por ser una extraordinaria vocalista ya que tiene un rango vocal limitado, sin embargo a lo largo de los años han mejorado sus habilidades como cantante y con respecto a «Goodies» se puede apreciar una mejora en su técnica vocal. «The Evolution» cuenta con una acertada selección de singles y varios temas muy interesantes, sin embargo resulta muy largo, contiene excesivo relleno y hay demasiados interludios que interrumpen el flujo del álbum. En conjunto, resulta un trabajo sólido en el que podemos apreciar las diferentes facetas de Ciara como cantante, compositora o bailarina y su gran evolución con respecto a su álbum debut. Además el álbum destaca por el hecho que Ciara deja a un lado el sonido Crunk típico de «Goodies» para adoptar un sonido pop/R&B más up-tempo y comercial. Temas imprescindibles: Like a Boy, Can’t Leave ‘Em Alone, Get Up, I Proceed, My Love y Make It Last Forever. Puntuación: 7’5/10. 

Crítica de «Confessions on a Dance Floor» de Madonna

deividtoxicDeja un comentario

ConfessionsMadonna es conocida dentro del mundo de la música por su capacidad para reinventarse con cada álbum y ofrecer al público un estilo diferente y una imagen totalmente opuesta a la anterior, algo que muchas cantantes han intentado imitar posteriormente. En 2005 la reina del pop resurgió de sus cenizas como el ave fénix con su décimo álbum de estudio, titulado Confessions on a Dance Floor, que tomaba el relevo a «American Life», publicado dos años atrás con críticas y ventas mediocres. «Confessions» marcó una gran divergencia con respecto al sonido de su anterior álbum y en esta ocasión Madonna regresó a sus raíces más pop para ofrecernos un trabajo dirigido a las pistas de baile. Con la ayuda de Stuart Price (el cual se convirtió en una pieza indispensable del éxito del álbum) y la producción adicional de su colaborador habitual Mirwais Ahmadzaï y el dúo sueco Bloodshy & Avant, Madonna creó un álbum encuadrado dentro del dance-pop y electropop con gran influencia del sonido Disco de los años 70 e inspirado en la música de ABBA, Donna Summer o Pet Shop Boys. «Confessions» se aleja totalmente de «American Life» tanto en el componente visual como lírico, ya que éste último resultó muy polémico y controvertido en Estados Unidos por su crítica al ‘sueño americano’ y el materialismo presente en su sociedad y estaba encuadrado en el sonido electropop con un acusado toque acústico e influencia folk. «Confessions» se puede escuchar de principio a fin porque el relleno se reduce al mínimo y las 12 canciones presentes estaban encadenadas unas con otras como si de una sesión de DJ se tratase. Tras el fracaso comercial que resultó «American Life», el cual apenas vendió 5 millones de copias en todo el mundo y se convirtió en el disco menos vendido de su carrera, «Confessions» aumentó de manera considerable la popularidad de Madonna y resultó un auténtico éxito, ya que alcanzó el #1 en más de 20 países de todo el mundo y superó los 10 millones de copias a nivel mundial. Este álbum no sólo tuvo un enorme impacto comercial sino que recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales, quienes se reconciliaron con Madonna tras sus negativas opiniones hacia «American Life» y consiguió un premio Grammy al mejor álbum electrónico/Dance.

Es conocido el hecho de que los componentes del mítico grupo sueco ABBA son muy reticentes a la hora de dejar que otros artistas versionen o utilicen sus canciones sin embargo permitieron a Madonna samplear la melodía de su conocido hit ‘Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)’ para su nuevo single. Dicho tema resultó ser Hung Up, el single presentación de «Confessions» y que se trata de un bailable tema dance-pop con influencia Disco y House producido por Stuart Price cuyas sencillas letras reflejan el carácter de mujer fuerte e independiente de Madonna. ‘Hung Up’ superó todas las expectativas posibles y ocupó el #1 en más de 40 países de todo el mundo, pasando a formar parte de las canciones más exitosas de todos los tiempos, con ventas superiores a los 9 millones de copias, incluyendo formato físico y digital. Aunque ‘Hung Up’ supuso el mejor resultado de Madonna en Estados Unidos en años, cabe destacar que apenas ocupó el #7 en la lista de ventas, posiblemente una de las ‘peores’ posiciones del single alrededor del mundo, aunque fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. Tras el éxito de ‘Hung Up’, como segundo single se lanzó Sorry, otro de los ‘highlights’ del álbum y que recibió alabanzas de los expertos musicales por su carácter pegadizo y bailable. ‘Sorry’ destaca por incluir las palabras ‘lo siento’ y ‘perdóname’ en varios idiomas como español, francés o italiano. Este tema dance-pop y Disco compartía muchas similitudes con el single precedente aunque tenía contenía más profundidad en las letras y en ellas Madonna declaraba sentirse harta de oír excusas por parte de su amante, el cual no paraba de disculparse por sus errores. En Estados Unidos ‘Sorry’ tuvo un desempeño comercial moderado debido a su bajo nivel de airplay, sin embargo en el resto del mundo tuvo una acogida muy superior y ocupó el top 5 en Australia, Canadá o Alemania y alcanzó el #1 en España, Italia o Reino Unido.

Como tercer single se lanzó Get Together, un potente tema dance-pop y electropop con influencia Disco y House cuyas letras exploran cómo el amor puede aparecer en lugares inesperados como una discoteca. La promoción de este tema fue mínima porque Madonna se encontraba de gira con el exitoso ‘Confessions Tour’, pero aún así alcanzó el #1 en España (el tercero consecutivo del álbum) y el top 10 en Reino Unido, los cuales se convirtieron en los dos mercados musicales más receptivos en la era «Confessions». El cuarto y último single lanzado fue Jump, un tema dance-pop y synth-pop que destaca por el hecho de que Madonna hace uso de su registro más bajo de la voz y hablaba sobre pasar página de una relación. ‘Jump’, que resultaba un himno de auto-empoderamiento, recibió escasa promoción aparte de su videoclip y tuvo un rendimiento comercial moderado, aunque alcanzó el top 10 en España, Reino Unido e Italia. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Let It Will Be’, un pegadizo tema Disco con uso prominente de violines que habla del éxito y la fama o ‘Forbidden Love’, un tema electropop y dance-pop de carácter mid-tempo cuyas letras hacen referencia a cómo el amor trasforma nuestras creencias y afecta a las relaciones con los demás. También destacan las aportaciones de Bloodshy & Avant en ‘Like It or Not’, un tema electropop que habla de aceptarse a uno mismo sin importar las críticas o Mirwais Ahmadzaï en el electrónico ‘Future Lovers’, cuyas letras hablan del amor como una fuerza poderosa que trasciende en el tiempo.

«Confessions on a Dance Floor» siempre será recordado por su carácter discotequero y bailable, los icónicos looks de Madonna ensayando frente al espejo y haciendo ‘posturitas’ en el videoclip de ‘Hung Up’ y ha servido de inspiración a numerosos artistas pop, los cuales empezaron a adoptar el estilo dance-pop y la música electrónica tras el éxito de este álbum. En los últimos tiempos el álbum ha vuelto a estar de actualidad gracias al revival que vive la música Disco y álbumes como «Future Nostalgia» de Dua Lipa están influenciados en gran medida por el estilo presente en «Confessions». Sin duda «Confessions on a Dance Floor» es uno de los álbumes de pop más icónicos e influyentes de la década del 2000 y que destaca por su sólido conjunto de canciones bailables, la ausencia de relleno, su magnífica selección de singles y la excepcional producción de Stuart Price. Temas imprescindibles: Hung Up, Sorry, Get Together, Forbidden Love, Let It Will Be y Jump. Puntuación: 9/10.

Stupid Love, el regreso de Lady Gaga

deividtoxicDeja un comentario

Stupid LoveTras participar en la película ‘A Star Is Born’ y su respectiva banda sonora, con las que recibió buenas críticas por parte de los expertos, logró gran éxito comercial y nos mostró su lado más serio y maduro, Lady Gaga prometió que volvería a sus raíces musicales más pop. Y así ha sido ya que hace unas semanas nos presentó Stupid Love, el primer single de su sexto álbum de estudio, titulado Chromatica. Se trata de un tema electropop y dance-pop con influencia Disco compuesto por Lady Gaga junto a Max Martin (quien trabaja con ella por primera vez), producido por BloodPop y que conecta con el estilo de sus discos ‘Born This Way’ y ‘Artpop’. Stupid Love ha recibido opiniones principalmente positivas de los críticos musicales, los cuales elogiaron el regreso de Lady Gaga a sus orígenes pop y sus pegadizas letras sin embargo otros lo han considerado un tema ‘olvidable’, anodino y que no aporta nada novedoso al panorama musical. Stupid Love ha tenido un rendimiento comercial muy variado y mientras que ha ocupado el top 10 en Estados Unidos, Australia y Reino Unido, en otros importantes mercados musicales como Francia, Alemania o España ha tenido un comportamiento mediocre y apenas ha ocupado el top 50. En mi opinión, Stupid Love falla al no ofrecernos un tema original y arriesgado y creo que como ‘lead single’ resulta francamente decepcionante. Chromatica iba a ver la luz el 10 de abril pero debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus su lanzamiento ha sido retrasado indefinidamente, un gesto que me parece poco generoso ya que en estos duros momentos los artistas deberían lanzar nueva música para entretener a sus fans y hacerles más fácil el confinamiento en vez de pensar en la posible bajada de ventas que puede sufrir el álbum por estar cerradas las tiendas de medio mundo.

Crítica de «FutureSex/LoveSounds» de Justin Timberlake

deividtoxic4 comentarios

futuresex-lovesounds-deluxe-editionDurante sus días en N’Sync, Justin Timberlake destacó por encima de sus compañeros por su gran carisma, simpatía y sus dotes como cantante, compositor y ‘showman’, por ello resultaba una evolución natural que se lanzara como artista en solitario. En noviembre de 2002 vio la luz el primer álbum de Justin como solista, titulado Justified, el cual recibió buenas críticas por su madurez y su nuevo sonido, tuvo un gran rendimiento comercial (superó los 10 millones de copias en todo el mundo) y ganó dos premios Grammy. Tras su polémica actuación junto a Janet Jackson en el intermedio de la Super Bowl de 2004 Justin desarrolló su faceta de actor y participó en varias películas y en 2006 publicó su segundo álbum de estudio, FutureSex/LoveSounds, cuatro años después de su disco debut. Mientras que «Justified» contaba con la producción de The Neptunes y Timbaland, para este nuevo trabajo el dúo formado por Chad Hugo y Pharrell Williams no pudo trabajar con el cantante de Memphis por problemas de agenda por lo que el disco fue principalmente producido por Timbaland junto a su habitual colaborador Danja, con producción adicional de Will.I.Am o Rick Rubin. «FutureSex/LoveSounds» está inspirado en la música de Prince o David Bowie (dos de sus mayores ídolos) y resulta un proyecto muy ambicioso ya que algunas de las canciones presentes contaban con interludios o preludios de similar instrumentación que hacían que superaran los 5 o 6 minutos de duración. Este álbum comparte el estilo pop/R&B presente en «Justified», sin embargo incorpora un sonido más vanguardista y arriesgado que incluye electropop y dance-pop además de influencias funk, Disco o Hip Hop. La primera parte del disco se centra en el tema del sexo y está compuesta por canciones up-tempo mientras que la segunda profundiza en la temática del amor y contiene en su mayoría baladas y medios tiempos. «FutureSex/LoveSounds» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con más de 680 mil copias vendidas en la primera semana, un gran incremento con respecto a su primer trabajo y acabó siendo certificado 4 veces platino en Estados Unidos con casi 5 millones de ejemplares vendidos. En el resto del mundo también cosechó un gran éxito: alcanzó el #1 en Reino Unido, Australia y Canadá y superó los 10 millones a nivel mundial, igualando el excepcional rendimiento comercial de «Justified».

El single presentación del álbum fue SexyBack, un enérgico tema electropop y dance-pop en el que la voz de Justin aparece sintetizada y prácticamente irreconocible y cuenta con la colaboración no acreditada de Timbaland. Este tema es una declaración de intenciones por parte de Justin de revitalizar la música pop con un sonido más provocador y destaca por sus letras sexualmente muy explícitas. ‘SexyBack’ se convirtió en el primer #1 del cantante en Estados Unidos y también obtuvo un éxito masivo en Australia y Reino Unido, donde llegó a lo más alto de las listas de venta. Como segundo single se lanzó My Love, un medio tiempo electro-R&B que destaca por la voz en ‘falsetto’ de Justin y cuenta con la colaboración del rapero T.I. En ‘My Love’ Justin muestra su vulnerabilidad en el amor y su deseo de un compromiso de por vida con su pareja. Este single tuvo un buen desempeño comercial y alcanzó nuevamente el #1 en la lista americana. El tercer single fue What Goes Around… Comes Around, un medio tiempo R&B de melodía hipnótica con la clásica producción de Timbaland y cuyas letras hablan sobre el karma, la traición y las consecuencias de la infidelidad en una relación, ya que explora la la idea de que el dolor que una persona inflige a los demás finalmente volverá a ellos. Pese a que ‘What Goes Around… Comes Around’ fue considerado como una secuela de su hit ‘Cry Me a River’, Justin afirmó que sus letras estaban inspiradas en la situación por la que pasó un amigo suyo. Este tema es uno de los más sobresalientes del álbum, dura más de 7 minutos y está compuesto por ‘What Goes Around’ y un preludio al final de la canción titulado ‘Comes Around’ con la participación de Timbaland. Al alcanzar este single el #1 en la lista americana, Justin se convirtió en el primer cantante desde Usher en lograr que los tres primeros singles de un álbum alcanzaran el #1 en Estados Unidos.

Ya en 2007 llegó el cuarto single, LoveStoned, que se trata de un marchoso tema R&B con elementos funk y dance-pop que cuenta con unas sugerentes letras en las que Justin compara el enamoramiento y la atracción por alguien que conoces en el club con estar bajo la influencia de las drogas. Coincidiendo con la reedición del álbum se lanzó como quinto single Until the End of Time en una nueva versión a dúo con Beyoncé. ‘Until the End of Time’ es una emotiva balada Soul y R&B que habla sobre encontrar refugio y consuelo en tu pareja en medio de un mundo caótico y oscuro. La canción se centra en el escapismo de las adversidades y problemas cotidianos y Justin promete amar a su pareja incondicionalmente hasta el final de los tiempos. Aunque originalmente no estaba planeado su lanzamiento como single, la buena acogida de Summer Love por parte del público hizo que ascendiera en las listas de venta de Estados Unidos (alcanzó el #6) y se lanzara como último single del disco. ‘Summer Love’ es un medio tiempo pop/R&B que cuenta con una variada instrumentación (teclado, batería, guitarra y piano) y habla del clásico amor de verano. La elección de los singles fue muy acertada ya que representan la esencia del álbum, sin embargo también merece la pena mencionar ‘Losing My Way’ un medio tiempo R&B que cuenta con un coro Gospel al final de la canción y cuyas letras exploran temas como la adicción, autodestrucción o pérdida de identidad personal, ‘Sexy Ladies’, un tema funk influenciado por el estilo de Prince que habla de admirar a mujeres atractivas en la pista de baile y o ‘Chop Me Up’, el tema más Hip Hop del álbum y que cuenta con la participación de Timbaland y el grupo de raperos Three 6 Mafia.

Los 6 singles que se lanzaron en Estados Unidos ocuparon el top 20 en la lista de ventas (tres de ellos #1), lo que denota el grado de éxito que cosechó el segundo álbum de Justin Timberlake. Además de recibir buenas críticas de los expertos musicales por su evolución musical y la gran producción de Timbaland, el álbum recibió 4 nominaciones a los premios Grammy y aunque perdió en categorías como mejor álbum del año y mejor actuación vocal pop, ganó el premio a mejor grabación Dance por ‘SexyBack’ y mejor colaboración rap/cantado por ‘My Love’. En 2008 volvió a recibir otras tres nominaciones en los Grammy y ganó dos premios: mejor actuación vocal pop por ‘What Goes Around…’ y mejor grabación Dance del año por ‘LoveStoned’. «FutureSex/LoveSounds» de Justin Timberlake supuso una fuente de inspiración para otros artistas pop por su moderno y ecléctico sonido urbano/electrónico y destaca por la gran química existente entre Timbaland y el cantante de Tennessee (juntos seguirían trabajando en otra obra maestra como «The 20/20 Experience»). Sin duda uno de los mejores álbumes de la década del 2000 y personalmente mi favorito dentro del excelente catálogo de Justin. Temas imprescindibles: What Goes Around… Comes Around, My Love, Summer Love, LoveStoned, SexyBack y Losing My Way. Puntuación: 9/10.

Crítica de «Future Nostalgia» de Dua Lipa

deividtoxicDeja un comentario

Future NostalgiaTeniendo en cuenta el gran éxito que cosechó el primer álbum de estudio de Dua Lipa, muchas expectativas estaban puestas en torno a su nuevo trabajo, Future Nostalgia, que ha visto la luz una semana antes de lo previsto después de haberse filtrado todo su contenido en internet. El debut de título homónimo de la cantante de ascendencia albanesa se puso a la venta en 2017 en Reino Unido y otros países europeos aunque no fue hasta un año después cuando Dua Lipa despuntó a nivel internacional gracias a ‘New Rules’, el sexto sencillo del álbum pero que se convirtió en el primer #1 de la cantante en su país y resultó un ‘auténtico grower’ en el resto del mundo ya que acabó ocupando incluso el top 10 en la lista americana de singles y su videoclip acumuló más de dos mil millones de visitas en YouTube. Tras la excepcional acogida comercial de ‘New Rules’ llegaron más singles de éxito como ‘IDGAF’ e importantes colaboraciones con otros artistas como es el caso de Calvin Harris en otro ‘monster hit’ como lo fue ‘One Kiss’. La estrategia comercial de Future Nostalgia ha sido diferente a la llevada a cabo con el disco debut de la cantante inglesa ya que una gran cantidad de singles fueron lanzados con anterioridad a la publicación de ‘Dua Lipa’, que acabó convirtiéndose en una playlist de los éxitos del 2017 y 2018 más que en un disco centrado (algo que les ha ocurrido también a otros jóvenes artistas británicos con sus discos debut) sin embargo con su segundo álbum ha llevado a cabo una estrategia más ‘tradicional’ de lanzar sólo un par de singles con antelación a su lanzamiento.

La principal diferencia de «Future Nostalgia» con respecto a su anterior disco es que abandona el EDM (electronic dance music) y Tropical House tan de moda hace unos años pero que llegó a saturar las radios para adentrarse en un sonido Disco, dance-pop y synth-pop más ‘retro’ que se inspira en la música de baile de los años 80 y 90. El objetivo de Dua Lipa con este álbum ha sido crear música atemporal y vanguardista en vez de regirse por las modas imperantes, algo que sí hizo en su anterior disco. La cantante inglesa ha compuesto los 11 temas presentes en este álbum bajo la producción de The Monsters and The Strangerz, Ian Kirkpatrick, Jason Evigan, Jeff Bhasker o Stuart Price (el responsable del aclamado álbum «Confessions on a Dance Floor» de Madonna) en un intento por encontrar su sonido deseado. En el mes de noviembre llegó el primer single, Don’t Start Now, que se trataba de un bailable tema dance-pop y synth-pop con influencia Disco que marcaba una transición perfecta entre el habitual estilo de Dua Lipa y el nuevo sonido ‘retro’ que nos muestra en este nuevo trabajo. En este tema, la joven cantante intenta explicarle a su ex-pareja que debe pasar página puesto que su relación ha terminado. La compositora Emily Warren y el productor Ian Kirkpatrick, los cuales se encuentran en los créditos de ‘Don’t Start Now’, ya fueron los artífices del hit ‘New Rules’ y han resultado nuevamente el equipo perfecto para hacer de este tema uno de los rotundos éxitos de lo que llevamos de año, ya que dicho single ha ocupado el top 5 en las listas de venta de Reino Unido, Australia, Canadá o Estados Unidos gracias a un altísimo nivel de streaming (acumula 600 millones de reproducciones en Spotify).

‘Don’t Start Now’ se ha convertido en un auténtico ‘grower’ a lo largo de este 2020 al igual que lo fue ‘New Rules’ años atrás y poco a poco ha ido ganando fuerza y ascendiendo en las listas de venta de muchos países, sin embargo a finales de diciembre Dua Lipa nos presentó el sencillo promocional Future Nostalgia, que se trata de un tema synth-pop ochentero con influencias funk y Disco en el que Dua Lipa utiliza la técnica sing-rap en varias partes de la canción. Como segundo single oficial del álbum se lanzó Physical, otro marchoso tema dance-pop y synth-pop con influencia Disco que contiene una interpolación de la famosa canción del mismo nombre de Olivia Newton-John. Pese a que su lanzamiento ha estado opacado por el creciente éxito de ‘Don’t Start Now’, ‘Physical’ ha logrado ocupar el top 10 en Reino Unido y continúa incrementando su streaming y presencia en las listas de venta de todo el mundo. Coincidiendo con el lanzamiento del álbum ha llegado el tercer single, Break My Heart, un bailable tema dance-pop y Disco producido por Andrew Watt y The Monsters and The Strangerz en el que la joven cantante duda en seguir adelante con una relación que no funciona o dejar que le rompan el corazón. Entre las canciones más destacadas se encuentran ‘Hallucinate’, un marchoso tema de estilo House/Dance cuyas letras hablan de cómo el amor nos vuelve locos como si de una alucinación se tratase, ‘Love Again’, un marchoso tema dance-pop que samplea la melodía del clásico de Al Bowlly ‘My Woman’ que contiene letras sobre rupturas sentimentales y crecimiento personal o ‘Levitating’ un coqueto tema de sonido retro con influencia Disco/funk cuyas letras describen la sensación de levitar cuando te enamoras y utiliza referencias al espacio exterior. También merece la pena reseñar ‘Boys Will Be Boys’, en el que Dua Lipa trata el tema del feminismo y rechaza los dobles estándares que existen en la sociedad y en ausencia de baladas es la canción más calmada del álbum.

«Future Nostalgia» es un álbum breve y conciso (sobretodo si lo comparamos a los 17 temas que tenía la edición deluxe de ‘Dua Lipa’) sin grandes pretensiones y dirigido a las pistas de baile en el que la cantante inglesa pretende sonar atemporal y actual pero sin atarse a las modas musicales pasajeras. Prácticamente no sobra ningún tema en el álbum ya que todos ellos son de carácter up-tempo, marchosos y de naturaleza bailable. En ausencia de grandes divas pop que le hagan competencia y pese a su poca presencia escénica y falta de carisma, Dua Lipa se ha convertido en una de las mayores representantes del pop durante los últimos años y ha logrado asentar su popularidad gracias a una sucesión de singles muy exitosos que han hecho que se sitúe entre los 10 artistas más escuchados de Spotify a nivel mundial. En definitiva, «Future Nostalgia» resulta uno de los álbumes pop más originales e interesantes de lo que llevamos de año ya que rescata el sonido Disco/Dance de los 80 y 90 (de ahí el carácter ‘nostálgico’) pero con un toque moderno y actual. Temas imprescindibles: Don’t Start Now, Break My Heart, Levitating, Physical, Love Again y Hallucinate. Puntuación: 8/10.

Crítica de «After Hours» de The Weeknd

deividtoxic6 comentarios

After HoursTras unos orígenes encuadrados dentro del R&B alternativo, The Weeknd fue introduciendo progresivamente elementos ‘mainstream’ en su música que le hicieron más accesible al público masivo hasta el punto de convertirse en la actualidad en uno de los cantantes más importantes del panorama musical (se encuentra en el top 5 de los artistas más escuchados de Spotify a nivel mundial). A finales del mes de noviembre The Weeknd lanzó dos singles para presentar su nuevo trabajo discográfico: el primero de ellos era Heartless, un medio tiempo R&B con influencia Trap en el que relataba cómo había vuelto a su vida disoluta de playboy tras la ruptura con sus últimas ex-parejas, la modelo Bella Hadid y la cantante pop Selena Gomez. Debido a su componente urbano, Heartless tuvo un rendimiento comercial muy positivo en Estados Unidos, donde se convirtió en el cuarto #1 de The Weeknd en dicho país y también ocupó el top 10 en las listas de venta de Reino Unido, Australia y Canadá. Un par de días después de ‘Heartless’, el cantante nacido en Toronto nos desveló otro tema muy diferente como anticipo de su nuevo álbum. Me estoy refiriendo a Blinding Lights, un bailable tema synth-pop y electropop con influencia de la música electrónica de los años 80 co-escrito y producido por el rey midas del pop, Max Martin junto con Oscar Holter. Mientras que ‘Heartless’ triunfó en el mercado americano, ‘Blinding Lights’ fue más del gusto internacional y se ha convertido en un auténtico ‘grower’ ya que durante las últimas semanas ha ido escalando posiciones en las listas de venta hasta alcanzar el #1 en más de 20 países de todo el mundo gracias al altísimo nivel de streaming (acumula más de 500 millones de reproducciones en Spotify). En el mes de febrero el cantante canadiense desveló otro sencillo promocional, After Hours, para hacer más corta la espera hasta el lanzamiento de su nuevo álbum, titulado de idéntica manera. Este larguísimo tema de 6 minutos comenzaba como una oscura balada de R&B alternativo con melodía dispersa para transformarse más tarde en un marchoso tema up-tempo de estilo electropop. ‘After Hours’ fue comparado con el material presente en sus primeras mixtapes, recibió buenas críticas de los expertos musicales y ocupó el top 20 en las principales listas de venta pese a ser sólo un sencillo promocional.

Con una gran expectación por escuchar el resto del contenido del álbum, finalmente ha visto la luz After Hours, el cuarto disco de estudio de The Weeknd que toma el relevo al exitoso «Starboy», el cual fue publicado en el año 2016 y ocupó el #1 en Estados Unidos, Canadá y Australia. «After Hours» está formado por 14 temas encuadrados dentro del R&B, synth-pop, electropop, Trap y R&B alternativo compuestos por el propio The Weeknd bajo la producción de Metro Boomin, Oscar Holter, Max Martin, Illangelo o Ricky Reed entre otros. Coincidiendo con la publicación de After Hours se ha lanzado el tercer single oficial, In Your Eyes, que se trata un marchoso pero melancólico tema synth-pop con gran componente electrónico que guarda similitudes con el estilo presente en varias canciones de «Starboy» y tiene influencias de la música de los 80 al igual que ‘Blinding Lights’, lo que no nos debería sorprender demasiado ya que los productores son los mismos: Max Martin y Oscar Holter. ‘In Your Eyes’, con su original instrumentación de guitarra y saxofón, es sin lugar a dudas uno de los temas más pegadizos y sobresalientes del disco y le auguro un gran éxito en las listas de venta durante los próximos meses.

Podemos establecer una clara divergencia entre los temas producidos por Metro Boomin, como por ejemplo ‘Escape From LA’ o ‘Faith’, de carácter mid-tempo, con un sonido más urbano y que profundizan en el R&B alternativo y el Trap, y las canciones más bailables que corresponden a la parte pop cuyos responsables han sido Max Martin y Oscar Holter, entre ellas ‘In Your Eyes’ o Save Your Tears, un original tema synth-pop que continúa con las influencias ochenteras de ‘Blinding Lights’ y explora el tema del desamor. De las baladas y temas mid-tempo que abundan en la primera parte del álbum destaca la bonita balada ‘Scared to Lonely’, que contiene la interpolación de un famoso tema de Elton John.

En resumen, la espera de casi 4 años con respecto a «Starboy» (aunque durante este lapso de tiempo lanzó el EP My Dear Melancholy) ha merecido la pena ya que After Hours está formado por un conjunto sólido de canciones que mezclan las dos facetas diferentes de The Weeknd: la primera es una reminiscencia de sus primeras mixtapes de estilo R&B alternativo y la segunda corresponde a su lado más bailable y marchoso con el que ha conseguido abrirse a un mayor público, pero ambas comparten la misma temática de desamor, ya que relata sus últimas rupturas amorosas y cómo se ha convertido en un hombre desalmado que ha hecho de Las Vegas (a la que nombra en repetidas ocasiones bajo su pseudónimo ‘Sin City’) su segundo hogar. Sin duda «After Hours» es uno de los mejores álbumes R&B/pop de lo que llevamos de año y un más que digno sucesor del magnífico «Starboy». Temas imprescindibles: Heartless, Blinding Lights, In Your Eyes y Save Your Tears. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Roulette» de Blue

deividtoxicDeja un comentario

Blue RouletteTras tres álbumes que consiguieron gran éxito en Reino Unido y una carrera musical de apenas 5 años, la ‘boy band’ inglesa Blue anunció en 2005 su separación temporal. Durante los siguientes años, los componentes de Blue aprovecharon para descansar, formar una familia y lanzarse como artistas en solitario hasta que en 2011 el cuarteto se volvió a reunir para representar a su país en el festival de Eurovisión. El tema elegido para participar en dicho certamen fue I Can, con el que Blue quedaron en un buen puesto #11 pero apenas ocupó el top 20 en la lista británica de singles, aunque este modesto rendimiento comercial no torció los planes de Blue de entrar en el estudio de grabación para dar forma a su nuevo álbum. ‘I Can’ estaba escrito por los componentes Duncan y Lee y destacaba por el hecho de que perdía el toque urbano de la mayoría de los temas de Blue e incorporaba un estilo electropop. En 2013, prácticamente una década después del lanzamiento de «Guilty» vio la luz Roulette, el cuarto álbum de estudio de Blue, el cual estaba formado por 12 temas, 8 de los cuales compuestos por los miembros del grupo inglés bajo la producción de Cutfather, BeatGeek o Lucas Secon. Llama la atención que Stargate, sus habituales colaboradores y artífices de sus mayores éxitos, no participaron en la producción de este álbum. «Roulette» se diferenciaba de los anteriores trabajos de Blue por el hecho de que abandonaba en cierta manera su típico toque urbano para profundizar en el sonido electropop que tan de moda estaba durante aquellos años, aunque todavía podíamos encontrar algún tema con aroma pop/R&B.

El single presentación del álbum fue Hurt Lovers, una balada un tanto insípida que a diferencia de la mayoría de los sencillos de Blue no enganchaba y en mi opinión resultaba el sencillo más flojo de toda su carrera musical. ‘Hurt Lovers’ fue elegida la canción principal de una famosa película alemana y por ello en dicho país el single ocupó el top 10, sin embargo en su nativo Reino Unido resultó un fracaso y ocupó la peor posición de un single de Blue en la lista británica. Como segundo single en Alemania y otros países de Centroeuropa se eligió Without You, un bonito tema mid-tempo pop y electropop compuesto por todos los miembros del grupo junto a Wayne Hector (responsable de varios éxitos de Westlife) y producido por Cutfather en el que gran parte del tema recaía en Simon, quien cantaba el estribillo y hacía su típico rap. Cabe destacar que es la segunda vez que encontramos un tema de Blue llamado ‘Without You’ ya que en el álbum «One Love» aparecía una canción titulada de la misma manera. Uno de los mejores temas del álbum, Break My Heart, fue elegido como siguiente sencillo pese al mediocre recibimiento de los últimos singles. ‘Break My Heart’ se trataba de un marchoso tema electropop y dance-pop que mostraba el nuevo sonido adoptado por Blue en este álbum. La balada mid-tempo ‘Broken’ fue lanzada como último sencillo pero apenas contó con promoción por parte del grupo.

«Roulette» rompió la impresionante racha de sus tres primeros álbumes, los cuales fueron #1 en la lista británica y obtuvo un moderado puesto #13 (incluso su disco recopilatorio «Best of Blue» fue top 10 en UK), lo cual fue visto como un fracaso y un síntoma del poco interés que estaba despertando entre el público la reunión de Blue. Aunque «Roulette» no es un álbum de baja calidad en absoluto pierde el toque R&B y urban pop tan característico de la música de Blue desde sus inicios y suena más a los últimos álbumes de Westlife (lo cual no es algo negativo) pero en su conjunto resulta predecible, poco original y menos sólido que «One Love» o «Guilty». Con Colours, el quinto álbum de Blue publicado en 2015, se acentúo la espiral decreciente en el éxito comercial de la ‘boy band’ inglesa y desde entonces no hemos tenido música nueva de ellos. Temas imprescindibles: Break My Heart, Without You, Broken y Hurt Lovers. Puntuación: 7/10.