El pasado mes de junio se puso a la venta Liberation, el sexto álbum en inglés (el octavo si tenemos en cuenta su disco navideño y su trabajo en español) de la cantante americana Christina Aguilera tras un largo periodo de silencio musical, ya que su último trabajo «Lotus» fue publicado en 2012. Tanto «Bionic» como «Lotus» supusieron un fracaso comercial impropio de una artista de la talla de Christina y es que tras el éxito masivo de sus tres primeros álbumes, ambos trabajos se encuentran entre los mayores flops de esta década. El desempeño comercial tan negativo de Lotus, el gran lapso de tiempo entre álbum y álbum, unido al hecho de que Christina no se prodiga demasiado dando conciertos (su última gran gira fue el «Back To Basics Tour» en 2006) han hecho que su popularidad haya descendido en los últimos años y su presencia en radios y listas de venta sea muy reducida y limitada prácticamente a sus primeros éxitos, por lo que Christina Aguilera ha pasado a vivir de las rentas. Sin duda su declive se ha visto acrecentado por la aparición de nuevas competidoras como Ariana Grande, Selena Gomez o Demi Lovato que han llegado pisando muy fuerte y se han convertido en las actuales ‘princesas del pop’.
Centrándonos en el aspecto musical, «Liberation» es un álbum pop que profundiza en el sonido R&B con gran influencia Hip Hop y Soul, ya que Christina ha declarado que son sus estilos musicales favoritos y con los que se siente más cómoda debido a su rango vocal. Liberation es un trabajo mucho más cohesivo y consistente que «Lotus», que resultaba un álbum muy ecléctico al mezclar numerosos estilos musicales como pop, dance-pop, pop/rock o Country sin seguir una dirección concreta. Su apuesta por la música negra es evidente en la elección del primer single del álbum, Accelerate, que se trataba de un enérgico tema Hip-Hop/R&B producido por Kanye West y que contaba con la colaboración de los raperos 2 Chainz y Ty Dolla Sign. Debido a su carácter experimental, ‘Accelerate’ resultaba una arriesgada apuesta como primer single, lo que unido a una escasa promoción y su desastroso videoclip supuso un fracaso en las listas de venta de todo el mundo y ni siquiera logró entrar en la lista americana, aunque consiguió el #1 en el componente Dance/Club de Billboard. Siguiendo el habitual patrón de Christina Aguilera en la elección de los singles, tras un tema up-tempo como primer sencillo llega una balada como segundo single, en este caso Fall In Line, que cuenta con la participación de la joven cantante Demi Lovato. Esta desgarradora balada es uno de los temas más destacados del álbum debido a las impresionantes habilidades vocales de ambas cantantes y resulta un auténtico himno feminista que promueve la igualdad de derechos para las mujeres. Esta temática ya fue tratada anteriormente por Christina en su single ‘Can’t Hold Us Down’, en el que también hablaba del empoderamiento femenino.
«Liberation» supone un importante paso adelante con respecto a Lotus ya que se trata de un álbum más sólido, centrado y maduro, y en el que sin duda su punto fuerte es la potente voz de Christina, que todavía resulta admirable de escuchar sobretodo en las baladas. Precisamente mi canción favorita del álbum es ‘Maria’ (el segundo nombre de Christina) que se trata de una emotiva balada R&B con influencias Soul en la que la cantante evoca a su infancia cuando cantaba en su habitación soñando que era Julie Andrews. Otros de los temas más destacados del álbum son ‘Right Moves’, un medio tiempo con gran influencia reggae, la emotiva balada ‘Twice’, que fue el primer sencillo promocional previo al lanzamiento del álbum o ‘Like I Do’, un tema Hip Hop y R&B up-tempo que cuenta con la participación del rapero GoldLink.
Podríamos hacer leña del árbol caído debido al desastroso desempeño comercial de su último álbum (fue #6 en Estados Unidos con unas ventas muy bajas) sin embargo no lo haré y por el contrario voy a alabar su larga carrera profesional y su importancia en el mundo de la música, ya que Christina junto con Britney Spears son dos de las pocas supervivientes de la época dorada del pop que se produjo a finales de los 90 y principios de la década del 2000, y concretamente las únicas integrantes de ese reducido grupo conocido como ‘princesas del pop’ que hoy siguen activas en el panorama musical después de tantos años. Es innegable la aportación de Christina al pop contemporáneo y aunque haya experimentado un declive severo en su éxito comercial, siempre nos quedarán grandes obras maestras como «Stripped» y «Back to Basics», sus dos mejores álbumes con los que triunfó en todo el mundo y dejó una importante huella en la historia de la música. Puntuación: 6/10.
Tras la separación definitiva de Destiny’s Child y con TLC fuera de juego temporalmente, la escena de las ‘girl bands’ en Estados Unidos estaba prácticamente desierta hasta 2005 cuando aparecieron The Pussycat Dolls, pero pronto llegarían Danity Kane, un quinteto surgido de la tercera temporada del reality de MTV ‘Making The Band’, en el que se crearon anteriormente grupos como O-Town. El rapero y productor musical Diddy fue el encargado de decidir qué componentes formaban parte del grupo final, que en dicha temporada el objetivo era crear un súper grupo de chicas que recuperara el espíritu de Destiny’s Child o Spice Girls. Diddy fichó a Danity Kane en su discográfica Bad Boy Records y actuó como productor ejecutivo del primer álbum de estudio de las chicas, para quienes tenía elaborado un ambicioso proyecto. El grupo estaba formado por componentes con voces muy diferentes pero que encajaban a la perfección: Shannon y Aubrey aportaban el toque pop, mientras que D.Woods y Dawn poseen poderosas voces negras y Aundrea era la componente con el rango vocal más alto y destacaba por el uso del melisma. Un gran elenco formado por algunos de los mejores productores musicales como Timbaland, Danja, Mario Winans, Bryan-Michael Cox, Jim Jonsin, Scott Storch, Darkchild o Ryan Leslie participaron en el álbum debut del grupo, titulado de manera homónima. Tras varios meses en el estudio de grabación, en agosto del 2006 se puso a la venta el álbum Danity Kane, el cual está formado principalmente por temas up-tempo R&B/pop con influencia de la música Hip Hop, ya que el objetivo de Diddy era conseguir un sonido urbano más similar al de Destiny’s Child que el de las ‘girl bands’ convencionales. 
A principios de la década del 2000 el pop vivió su época dorada y tanto las ‘boy bands’ como las ‘girl bands’ triunfaban alrededor del mundo gracias al éxito masivo de Spice Girls, N’Sync o Backstreet Boys, que se convirtieron en auténticos fenómenos sociales, dominaron las listas de venta en todo el planeta, vendieron millones de copias con sus discos, además de ser el espejo en el que se miraron numerosos grupos posteriores, que imitaron sus coreografías, copiaron su imagen y estilo musical e intentaron aprovechar el enorme tirón comercial de estos fenómenos fan aunque no lograron el espectacular éxito de dichos grupos. Tras el gran impacto que tuvieron Spice Girls en el mundo de la música, por todo el mundo aparecieron numerosos grupos femeninos con características muy similares a las chicas picantes y que seguían su mismo patrón, como por ejemplo No Angels, un grupo de 5 jovencitas que se presentaron al concurso musical Popstars en Alemania con el objetivo de crear una banda femenina similar a Spice Girls. Al final de la competición, las chicas elegidas para formar el primer grupo de Popstars resultaron Nadja, Jessica, Sandy, Lucy y Vanessa, quienes fueron fichadas en el año 2000 por una importante discográfica y empezaron a grabar su primer álbum. El debut de No Angels en el mundo de la música fue con el single Daylight In Your Eyes, un marchoso y bailable tema dance-pop que lideró las listas de ventas de Alemania, Suiza o Austria y acabó convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del año 2001 en el viejo continente. ‘Daylight In Your Eyes’ fue certificado platino por ventas cercanas al millón de copias en Alemania, terminó como el single más exitoso del año 2001 en dicho país y el quinto de toda la década del 2000, lo cual denota el enorme impacto comercial de este single, arropado sin duda por el éxito que tuvo Popstars en Alemania y que dio gran popularidad a las chicas.
Las colaboraciones entre artistas suelen ser muy habituales hoy en día, aunque podríamos decir que se popularizaron en la década de los 90 dentro del R&B y el Hip Hop, que fueron los géneros pioneros en este tipo de participaciones entre cantantes. Desde entonces, este fenómeno de las colaboraciones se ha generalizado dentro de todos los estilos musicales lo cual nos ha permitido conocer a nuevos artistas. Y precisamente de esta manera descubrí a Kehlani, la cual participó en el tema ‘Ring’ de la rapera Cardi B (que se ha convertido en el quinto single del exitoso álbum «Invasion of Privacy»). Kehlani Parrish dio sus primeros pasos en el mundo de la música cuando participó en el concurso musical America’s Got Talent dentro del grupo adolescente PopLyfe, el cual quedó en cuarta posición en la temporada en la que se presentaron. Tras un par de años dentro de la formación, la cantante californiana decidió dejar PopLyfe y lanzarse en solitario ya que las canciones que hacía con el grupo no reflejaban sus verdaderas aspiraciones musicales. A pesar de sus comienzos dentro del grupo PopLyfe, Kehlani está muy lejos de la imagen de ‘princesa del pop’ que poseen muchas de las participantes de ese tipo de programas, puesto que la cantante de Oakland tiene un carácter rebelde, fuerte e independiente como consecuencia de su dura infancia, ya que su madre era adicta a las drogas y su padre fue encarcelado cuando Kehlani era sólo una niña, por ello aprendió a sobrevivir sin tener la referencia de unos padres y este hecho le convirtió en una mujer fuerte y madura. Si esto no fuera suficiente, tras dejar el grupo la cantante sobrevivió en Los Angeles sin familia, viviendo en la calle y robando en las tiendas, lo que podemos considerar una auténtica ‘homeless’. Kehlani empezó a grabar temas en solitario y gracias a la ayuda de Nick Cannon (quien era el presentador de America’s Got Talent mientras concursaron PopLyfe), la joven cantante pudo grabar su primera mixtape, que recibió buenas opiniones de los críticos musicales. Su segunda mixtape fue lanzada en 2015 y todavía logró una mayor repercusión entre el público ya que fue top 40 en la lista americana y consiguió su primera nominación a los premios Grammy. 
A principios del mes de junio se puso a la venta el séptimo álbum de estudio de Ne-Yo, titulado Good Man y que recoge el testigo de Non-Fiction, que vio la luz en 2015, tuvo un impacto moderado alrededor del mundo, no consiguió que ninguno de sus singles despuntara en las principales listas de venta y se convirtió en el trabajo discográfico menos vendido dentro de su catálogo musical. «Good Man» está formado principalmente por medios tiempos y baladas de estilo R&B/pop y destaca por el hecho de que no incluye los típicos temas dance-pop que se ha acostumbrado a lanzar Ne-Yo en los últimos tiempos y suelen tener gran éxito en Europa. «Good Man» ha sido compuesto en su totalidad por el propio Ne-Yo bajo la producción de StarGate (habituales colaboradores del cantante desde sus inicios), DJ Camper, Dr. Luke o Cirkut. El single anticipo del álbum para el mercado americano fue Good Man, una balada R&B/Soul que da título al álbum y en la que Ne-Yo promete ser un «hombre mejor» y tratar bien a las mujeres con las que se relaciona. Este single pasó totalmente inadvertido dentro de la lista americana. Desde hace un tiempo los seguidores de Ne-Yo y el público en general han favorecido los temas dance-pop más up-tempo del cantante en detrimento de los clásicos temas mid-tempo R&B que lanzaba a principio de su carrera y que han tenido una repercusión menor en las listas de venta. Por ello, Ne-Yo se ha apresurado en lanzar rápidamente el siguiente single, un tema mucho más marchoso y comercial con el que captar la atención del público internacional. En este caso no se trata de un potente tema dance-pop dirigido a las pistas de baile como suele lanzar Ne-Yo sino uno de estilo Dancehall, el cual se ha vuelto muy popular recientemente debido al auge del Tropical House y los sonidos caribeños que inundan las radio-fórmulas hoy en día. El tema en cuestión es Push Back, que resulta muy pegadizo, está producido por StarGate y cuenta con la colaboración de la cantante pop Bebe Rexha y la rapera Stefflon Don, quien le da un toque exótico al tema por su acento reggae. Push Back es una de las canciones más llamativas del álbum por su naturaleza bailable, su temática sexual y sus ritmos tropicales (que ya empiezan a saturar las radios), sin embargo este single no conseguido incrementar la atención del público por el álbum y ha fracasado en las listas de venta.
The Documentary, el álbum debut de The Game, fue publicado en 2005 bajo el sello discográfico de Dr. Dre, el cual no sólo le fichó en su poderosa discográfica sino que fue su mentor, el productor ejecutivo de su disco e imprimió su estilo West Coast Hip Hop en las canciones que produjo para el rapero de Compton. «The Documentary» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, acabó vendiendo más de 4 millones de copias en Estados Unidos y se convirtió en el soplo de aire fresco que necesitaba el género, además de ser el responsable de devolver al West Coast Hip Hop a una posición dominante que no tenía desde la década de los 90. El primer álbum de rapero californiano recibió buenas críticas de los expertos musicales, los cuales alabaron la magistral producción de Dr. Dre y el resto de colaboradores que participaron en el proyecto y por el hecho de revitalizar el sonido West Coast Hip-Hop, sin embargo criticaron las habilidades de Game como rapero y compositor. Tras las tensiones con 50 Cent (el cual le introdujo en su grupo G-Unit) debido a que Game no quiso formar parte de las rivalidades de Fifty con muchos compañeros de profesión, el rapero de Compton abandonó G-Unit y la discográfica de Dr. Dre, por lo que dejó de contar con el apoyo del legendario productor musical debido a su estrecha relación con 50 Cent. Tras el éxito de «The Documentary» y sus singles ‘How We Do’ y ‘Hate It Or Love It’ (los cuales ocuparon el top 5 en la lista Billboard) The Game empezó a trabajar en su segundo álbum de estudio, titulado Doctor’s Advocate y que vio la luz a finales de 2006. Pese a no contar con Dr. Dre en su nuevo disco, The Game volvió a trabajar con varios productores que participaron en «The Documentary» como Scott Storch, Kanye West o Just Blaze, además de Will.I.Am o J.R. Rotem, quienes trabajaron con Game por primera vez pero imprimieron el sonido West Coast Hip Hop que tanto deseaba incorporar el rapero de Compton a este álbum. Y así fue, ya que «Doctor’s Advocate» pertenecía a este sub-género musical nacido en la Baja California e incluso sonaba con mayor intensidad pese a no contar con Dr. Dre, quien fue el precursor de este sonido en los años 90. Sin embargo las referencias a su antiguo mentor y sus peleas con 50 Cent fueron constantes en este álbum, lo cual fue comentado de manera negativa en las críticas de los expertos musicales. 
The Documentary es el debut oficial de The Game en el mundo de la música, aunque previamente el rapero de California lanzó una mixtape que llamó la atención de varios productores de Hip Hop, entre ellos el legendario Dr. Dre, que viendo su enorme potencial se apresuró a ficharle en su discográfica y empezó a grabar canciones para su álbum debut. Jayceon Taylor, apodado The Game por ser un gran seguidor de la película del mismo nombre, nació en Compton, al sur de Los Ángeles, proveniente de una familia disfuncional de orígenes muy humildes y desde una temprana edad se asoció a bandas callejeras (o Gangs, como se llaman en la jerga local), se movió dentro del circuito de la droga e incluso se vio envuelto en un tiroteo donde fue herido de bala. The Game tuvo unos orígenes muy similares a los de 50 Cent (con quien el futuro le uniría casualmente) y ambos son la representación perfecta de «street credibility» ya que contaban con los ingredientes idóneos para convertirse en un artista de Rap de manual. Y así fue, ya que mientras se recuperaba del tiroteo que sufrió, The Game decidió grabar junto a su hermano un mixtape, el cual pasó por las manos de varios productores hasta que finalmente Dr. Dre le dio la oportunidad que cambiaría la vida al rapero de Compton. Una vez que The Game fue fichado por la discográfica de Dr. Dre, también fue incluido en el grupo G-Unit liderado por 50 Cent para darle una mayor popularidad a Game y hacer promoción previa al lanzamiento de su disco debut, como su aparición en varios videoclips de 50 Cent, es decir una estrategia de marketing perfectamente ejecutada que logró poner a Game en el mapa sin haber ni siquiera lanzado su álbum. 
En octubre de 2015, el icono de la música Janet Jackson publicó su undécimo álbum, Unbreakable, el cual se convirtió en su séptimo disco #1 en la lista de ventas americana y recibió buenas críticas de los expertos musicales por su constante innovación dentro del pop/R&B. Para promocionar este álbum, la hermana menor de Michael Jackson se embarcó en el Unbreakable Tour que iba a recorrer de manera extensa Estados Unidos, Canadá y Europa, pero a finales de año, tras haber completado la parte americana de la gira, Janet tuvo que posponer las siguientes fechas de los conciertos debido a problemas de salud y más tarde al enterarse de que estaba embarazada de su por entonces multimillonario marido, decidió cancelar el resto del tour, agradeciendo a sus fans la paciencia, apoyo y comprensión por las inconveniencias que suponía la cancelación de la gira, aunque como compensación nos ofreció una sorpresa, el videoclip de uno de los temas de Unbrekable, llamado Dammn Baby. Una vez que Janet Jackson fue madre de su primer hijo a principios de 2017, pudo retomar su tour pero dándole un nuevo enfoque y llamándolo State of The World Tour, título que provenía de una canción de su legendario álbum Rhythm Nation. Para esta renovada gira, Janet añadió canciones antiguas de su discografía que trataban sobre tomar conciencia social en temas como el racismo, la xenofobia, la supremacía blanca, la homofobia o la violencia doméstica, que ya trató en profundidad en los álbumes «The Velvet Rope», «janet.» o «Rhythm Nation», que se han convertido en clásicos del mundo de la música. En verano de 2018, recién terminada su gira de conciertos, Janet Jackson nos ha sorprendido con el lanzamiento de un nuevo single, que será el anticipo de su nuevo trabajo discográfico. Dicho single es Made For Now, desvelado por la cantante en sus redes sociales y que a priori nos causó algo de terror al ver que figuraba como artista colaborador el cantante de reggeaton Daddy Yankee. Sin embargo, una vez escuchado el tema, puedo afirmar que es una de las mejores canciones que ha lanzado Janet en los últimos años, ya que mezcla su habitual sonido dance-pop y R&B con una acertada inclusión de sonidos tropicales, africanos y latinos, que hacen de este tema uno de los más bailables, pegadizos y marchosos lanzados durante este año. Con ‘Made For Now’, Janet ha aprovechado el auge del sonido latino y los ritmos tropicales que han inundado los últimos meses el mundo de la música e incorpora un verso en español de Daddy Yankee, pero no resulta una canción extraña dentro de la discografía de la cantante. Este tema está producido por Harmony Samuels junto con sus habituales colaboradores Jimmy Jam & Terry Lewis, habla de vivir el momento, pasarlo bien y no dejar las cosas para mañana y resulta sumamente alegre, inspirador y motivador. El espectacular videoclip de ‘Made For Now’ fue grabado en el neoyorquino barrio de Brooklyn y resume perfectamente la esencia de la canción por su gran colorido, su influencia latina y los ritmos Afrobeat, sus coreografías y la inclusión social de la que habla la canción. Tanto el tema como el videoclip han sido sin duda un gran acierto para Miss Janet Jackson y una de las grandes sorpresas de este 2018, convirtiéndose en el regreso del año en el mundo de la música.
En 2016 vio la luz Dangerous Woman, con el que Ariana Grande consolidó su carrera musical y reforzó su posición dominante dentro del panorama pop gracias a una sucesión de hit singles de la talla ‘Into You’ o ‘Side to Side’. El cuarto álbum de estudio de la artista americana tiene por título Sweetener y está producido principalmente por Pharrell Williams, quien trabaja por primera vez con Ariana, aunque también contiene producción adicional por parte de Max Martin y su habitual colaborador Ilya, los cuales fueron responsables de muchos temas de «Dangerous Woman». En mi opinión, la decisión de dejar en manos de Pharrell Williams la mayor parte de la producción de «Sweetener» no ha sido una decisión correcta ya que su peculiar estilo musical no encaja con la música de la cantante. Además el típico sonido con sintetizadores de The Neptunes ya está desfasado y obsoleto, puesto que Pharrell lleva muchos años ofreciendo a los artistas para los que trabaja el mismo tipo de canciones. «Sweetener» está formado por un compendio de medios tiempos y baladas de estilo pop/R&B y temas up-tempo dance-pop y cabe destacar que Ariana ha participado en la composición de 10 de los 15 temas presentes. 
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