Heaven & Hell, el debut de la cantante americana Ava Max, se convirtió en uno de los álbumes pop más importantes del 2020 y concretamente lo consideré como el mejor álbum publicado en aquel año dentro del habitual repaso anual que realizo en el blog MiSTeR MuSiC. Heaven & Hell se podía escuchar en su totalidad sin saltar ningún tema ya que estaba formado por un conjunto muy sólido de canciones dance-pop y electropop influenciadas por el pop de la década del 2000, del que destacaban los singles ‘Sweet but Psycho’, ‘So Am I’, ‘Torn’ o ‘Kings & Queens’, los cuales tuvieron una buena recepción por parte del público. Tras la publicación del álbum, la cantante de ascendencia albanesa lanzó ‘My Head & My Heart’, otra gran pieza de pop que fue añadido posteriormente a la edición digital de ‘Heaven & Hell’ y en 2021 nos ofreció otro single, ‘EveryTime I Cry’, que sin pertenecer a su álbum debut, cerraba la era ‘Heaven & Hell’. Desde sus inicios, Ava Max ha lucido una melena rubia de corte asimétrico que fue su seña de identidad (incluso su logo comercial era un reflejo de su original corte de pelo), sin embargo este año la joven cantante cambiaba radicalmente de imagen y se deshacía de este peculiar look para teñirse de pelirroja y adoptar un estilo que recordaba a la Christina Aguilera del año 2000. Tras publicar varios ‘teasers’ en sus redes sociales, esta misma semana Ava Max ha desvelado su nuevo single, Maybe You’re The Problem, que se trata de un marchoso tema synth-pop y dance-pop con influencia de la música de baile de los años 80 y cuya melodía de sintetizadores recuerda al hit ‘Blinding Lights’ de The Weeknd que tantas veces ha sido imitado estos últimos años. Este pegadizo tema está producido por su habitual colaborador Cirkut y en él Ava reflexiona sobre el mal comportamiento de su novio y pese haber sido advertida por ex-parejas de él, sigue dándole nuevas oportunidades, hasta que llega a la conclusión de que “el problema puede que lo tenga él”. El mismo día que se lanzaba digitalmente el single también ha sido desvelado su videoclip (dirigido por Joseph Kahn, quien ya fue el responsable del videoclip de Torn), el cual sigue la temática de la canción y donde podemos ver a Ava Max convertida en personaje de un videojuego ambientado en la nieve, esquiando mientras hace una coreografía o luciendo físico en bikini mientras recrimina la mala actitud de su novio. Ava Max puede presumir de tener en su haber una selección de excelentes singles que muchas cantantes pop envidiarían poseer y su nuevo single, Maybe You’re The Problem, no es la excepción, ya que es uno de los temas pop más contundentes y pegadizos lanzados hasta la fecha y sin duda le dará muchas alegrías en las listas de venta durante este año. Seguiremos muy atentos a esta nueva era de Ava Max y su próximo álbum de estudio, que podría publicarse a finales de este año.
Throwback Review: «Amazin'» de Trina
Tras el buen recibimiento comercial de su cuarto álbum, Still Da Baddest, gracias al cual consiguió su primer top 10 en la lista americana, Trina siguió muy activa en el plano musical y durante el 2009 lanzó varias mixtapes como aperitivo antes de publicar su siguiente trabajo discográfico. En mayo de 2010 vio la luz el quinto álbum de estudio de la rapera de Florida, Amazin’, el cual está formado por 15 canciones encuadradas dentro del Hip Hop con gran influencia R&B/pop producidas por importantes nombres de la industria musical como The Monsters & The Strangerz, DJ Frank E, Blackout Movement, Lamb o Jim Jonsin entre otros. «Amazin'» destaca por el hecho de ser el trabajo más comercial y accesible a todos los públicos dentro de la trayectoria musical de Trina, debido a unos estribillos más pegadizos y unas letras menos explícitas de lo habitual, lo que evidenciaba una evolución musical y madurez por parte de la rapera de Miami. Al igual que en sus discos anteriores, un gran número de artistas invitados aparecen en el álbum, como por ejemplo Rick Ross, Lil Wayne, Diddy, Monica, Keri Hilson, Flo Rida o una por entonces poco conocida Nicki Minaj. «Amazin'» debutó en el #13 de la lista americana de álbumes (top 5 en los componentes Rap y Hip-Hop/R&B de Billboard) lo cual supuso el cuarto álbum top 20 de Trina en Estados Unidos y acabó vendiendo más de 300 mil copias. Como adelanto del álbum fue lanzado como single That’s My Attitude, un tema Hip Hop en el que Trina se reafirma como «the baddest bitch in the game» y presume de su posición social y económica conseguidas gracias a su esfuerzo y trabajo. Pese a ser un tema con gran potencial en el que Trina mostraba su talento como liricista y rapera, ‘That’s My Attitude’ tuvo un desempeño mediocre en las listas de venta y no consiguió entrar en la lista americana de singles.
Como segundo single se lanzó Million Dollar Girl, un marchoso tema Hip-Hop de carácter up-tempo con influencia pop/R&B que contaba con la colaboración del rapero Diddy y la cantante Keri Hilson, quien se encargaba del pegadizo estribillo de la canción. ‘Million Dollar Girl’ continuaba la temática del anterior single, relatando el lujoso estilo de vida de Trina y resultaba uno de los singles más ‘radio-friendly’ de toda la carrera musical de Trina (siguiendo el perfil más comercial de ‘Single Again’, perteneciente a su anterior álbum). Desafortunadamente, este single corrió con la misma suerte que ‘That’s My Attitude’ y ocupó una posición muy baja en el componente Hip-Hop/R&B de la lista Billboard. Como tercer single, de manera limitada, se lanzó Always, un tema mid-tempo Hip-Hop y R&B que cuenta Monica como artista invitada, quien añade puntos extra a la canción gracias a su magnífica voz. ‘Always’ es uno de los temas más emotivos del álbum y muestra la faceta más vulnerable de Trina. ‘Always’ superó el rendimiento comercial de los anteriores singles y ocupó el top 50 en el componente Hip-Hop/R&B de Billboard, convirtiéndose en el single más exitoso del álbum.
Varios temas del álbum compitieron por ser futuros sencillos de Amazin’ pero finalmente no fueron lanzados, como por ejemplo ‘I Want It All’, una fantástica balada R&B/Hip-Hop que cuenta nuevamente con la colaboración de Monica, la cual roba todo el protagonismo a Trina por su gran participación en el tema (más bien parece una canción de Monica) y su magnífica ejecución vocal o el up-tempo ‘Let Dem Hoes Fight’, de gran componente electrónico y compuesto por Jim Jonsin y Lady Gaga (quien iba a grabar la parte cantada del tema, pero por conflictos entre ambas discográficas finalmente no pudo aparecer). Aunque «Amazin'» es el álbum ‘crossover’ de Trina seguimos encontrando temas de Hip-Hop en sentido estricto como ‘My Bitches’, que supone un himno de empoderamiento femenino o ‘Currency’, un tema Dirty Rap en el aparecen sus habituales colaboradores Rick Ross y Lil Wayne, quienes han participado en casi todos los álbumes de Trina. En resumen, «Amazin'» resultó una gran adición al catálogo musical de Trina, ya que contiene un conjunto sólido y variado de canciones, unas más orientadas a abrirse a un nuevo público y otras que permanecen fieles a su estilo. Temas imprescindibles: Million Dollar Girl, I Want It All, That’s My Attitude, Always, My Bitches y Currency. Puntuación: 7’5/10.
Double Round Review: «Glamorest Life» y «Still Da Baddest» de Trina
Merece la pena reseñar la canción que da título al álbum, ‘Still Da Baddest’, en el que Trina reivindica que sigue siendo «la perra más mala» con unos vigorosos y agresivos versos que demuestran que es una de las mejores raperas de su generación o ‘Clear It Out’, otro de los pocos temas sin ‘featurings’ del disco pero en el que Trina se basta y se sobra para demostrar su talento. También destacan ‘Stop Traffic’, un himno de los ‘strip clubs’ en el que colabora Pitbull (también originario de Miami como Trina) o ‘Wish I Never Met You’, otra balada R&B/Hip-Hop que repite el estilo de ‘Here We Go’ y cuenta con la participación de la cantante Shonie. En resumen, la razón por la que en la actualidad triunfan Cardi B, Megan Thee Stallion, Latto o City Girls es gracias a raperas como Trina, Lil’ Kim o Missy Elliott que les allanaron el camino durante la década del 2000, cuando el Hip Hop era un coto de caza prácticamente de hombres y se abrieron paso gracias a su gran talento como raperas y su fuerte carácter de mujeres empoderadas e independientes que hablaban sin tapujos de su propia sexualidad. En resumen, «Still Da Baddest» está formado por un conjunto sólido de canciones sin apenas relleno y se pone al nivel de «Diamond Princess», el cual considero uno de los mejores álbumes de Trina. Temas imprescindibles: Still Da Baddest, Single Again, Clear It Out y I Got a Thang for You. Puntuación: 7’5/10.
En el año 2002, Katrina Taylor, conocida artísticamente como Trina publicó su segundo álbum, Diamond Princess, el cual alcanzó un modesto #14 en la lista americana de álbumes pero vendió más de medio millón de copias en Estados Unidos gracias a la buena acogida de sus singles dentro del circuito Hip Hop americano. Tres años más tarde la rapera apodada ‘Da Baddest Bitch’ por su icónico álbum debut regresó con su tercer trabajo discográfico, Glamorest Life, el cual debutó en el #11 de la lista americana de álbumes (#2 en los componentes Hip-Hop/R&B y Rap de Billboard), superando las posiciones de sus dos anteriores trabajos en las listas de venta y acabó vendiendo 400 mil copias en Estados Unidos. Glamorest Life está compuesto por 13 temas encuadrados dentro del Hip Hop con influencia R&B bajo la producción de Cool & Dre, Jim Jonsin o Mannie Fresh y destaca por su gran cantidad de artistas invitados (sólo una canción está interpretada por Trina en solitario) entre los que se encuentran Lil Wayne, Rick Ross, Snoop Dogg, Kelly Rowland, Jazze Pha o Trey Songz entre otros. El single presentación fue Don’t Trip, un magnífico tema Hip Hop en el colaboraba su pareja por entonces, el rapero Lil Wayne. Como segundo single se lanzó Here We Go, una balada R&B/Hip-Hop producida por Jim Jonsin que contaba con la participación de Kelly Rowland, componente de Destiny’s Child. En este tema Trina mostraba su lado más vulnerable al enterarse por una amiga, interpretada por Kelly, que su novio la está engañando con otra mujer. ‘Here We Go’ recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales al mostrar el lado más emotivo de Trina (quien hasta entonces había profundizado en temas como salir de fiesta, la vida de lujo o el sexo) y por la acertada colaboración de Kelly Rowland. ‘Here We Go’ alcanzó el #17 en la lista americana de singles, el primer top 20 para la rapera de Miami y su mejor posición hasta la fecha y también tuvo buen desempeño en Reino Unido, donde fue #15. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘I Gotta’, en el que colabora Rick Ross, ‘Sexy Girl’, que cuenta con la participación de Snoop Dogg o ‘Throw It Back’, de naturaleza muy explícita y en el que Trina demanda a su amante que la satisfaga sexualmente. En resumen, «Glamorest Life» es una buena adición al catálogo musical de Trina al contener varias canciones interesantes (sobre todo los singles lanzados) pero también cuenta con un relleno considerable. Temas imprescindibles: Don’t Trip y Here We Go. Puntuación: 7/10.
En 2008 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Trina, Still Da Baddest, cuyo título hace referencia a su icónico disco debut, Da Baddest Bitch, dando a entender que la rapera de Florida sigue siendo la misma mujer empoderada y auténtica de siempre que habla sin tapujos de sexo al igual que lo hacen sus compañeros de profesión. «Still Da Baddest» está compuesto por 12 canciones de estilo Hip Hop con influencia R&B en los que Trina sigue con su habitual temática sobre sexo, poder y lujo, aunque también hay espacio para baladas en las que muestra su lado más vulnerable y emotivo. Una gran número de artistas invitados aparecen en el álbum (7 de los 12 temas contienen ‘featurings’) entre los que se encuentran Missy Elliott, Keyshia Cole, Killer Mike, Pitbull o Rick Ross. Still Da Baddest debutó en el #6 de la lista americana de álbumes (#1 en los componentes Hip-Hop/R&B y Rap de Billboard), convirtiéndose en el primer álbum top 10 de Trina en Estados Unidos y su mejor posición hasta la fecha. Con más de 400 mil copias vendidas en tierras americanas, Trina demostró que era una de las raperas con la carrera más estable y consistente dentro del Hip Hop femenino de la década del 2000. El single presentación del álbum fue Single Again, un marchoso tema Hip Hop de carácter up-tempo e influencia pop/R&B que destaca por el hecho de que Trina canta durante un verso y el estribillo. Este tema se convirtió en su mayor aproximación al mainstream y uno de sus temas más ‘radio friendly’, estilo que copiarían más adelante raperas como Nicki Minaj. En ‘Single Again’, la artista de Miami celebra su soltería tras su ruptura con Lil Wayne y declara que nunca encontrará otra mujer como ella, aunque confiesa que formaban una gran pareja como Jay-Z y Beyoncé. Pese a ser uno de los mejores singles lanzados por Trina hasta la fecha, ‘Single Again’ no consiguió entrar en la lista americana y tuvo un mediocre rendimiento comercial. Como segundo single llegó I Got a Thang for You, una balada Hip-Hop/R&B que cuenta con la colaboración de la cantante Keyshia Cole y muestra la faceta más vulnerable y emotiva de Trina. Este tema recibió algunas críticas por su ‘contenido blando’ y su intento de capitalizar el éxito de ‘Here We Go’ repitiendo la misma fórmula de tema lento con colaboración de una estrella del R&B.
Crítica de «Familia» de Camila Cabello
El ‘boom latino’ que llevamos presenciando durante los últimos años ha provocado que muchos artistas saquen a relucir sus raíces hispanas en un intento por encajar en el nuevo mercado musical, plagado de artistas de reggaeton que están apoyados por un público esencialmente adolescente y juvenil, quienes son responsables de la mayor parte del consumo de música en la actualidad. Un ejemplo reciente es el de Selena Gomez, de ascendencia mexicana, que decidió que el año pasado era el momento idóneo para reivindicar sus orígenes latinos y publicó un trabajo en español. Camila Cabello, ex-integrante del grupo femenino Fifth Harmony, siempre ha estado orgullosa de sus raíces latinas y en sus dos álbumes en solitario ha incorporado el sonido Latin-pop a varios de sus singles, como por ejemplo ‘Havana’ o ‘Señorita’, los cuales acumulan altísimas cifras de reproducciones en las plataformas musicales. Romance, su segundo álbum de estudio, vio la luz a finales del 2019 tras una sucesión de varios singles que no acabaron de enganchar al público, entre ellos ‘Liar’, un pegadizo tema Latin-pop que pese a su gran potencial apenas pisó el top 50 de la lista americana. Finalmente Camila consiguió su esperado hit con el sexto single, ‘My Oh My’, un marchoso tema pop de aroma urbano en el que participaba el rapero DaBaby y con el que anotó el primer top 20 del álbum y acabó convirtiéndose en el single más exitoso de la era «Romance». La estrategia comercial del nuevo álbum ha sido (afortunadamente) diferente a la llevada a cabo con «Romance», ya que en vez de lanzar numerosos singles hasta que «sonara la flauta» y consiguiera respaldo suficiente como para lanzar el álbum, en este caso sólo han sido lanzados con anterioridad dos singles y espaciados en el tiempo. El tercer álbum de estudio de Camila Cabello se titula Familia y está compuesto por 12 temas en inglés y español encuadrados dentro del pop y el Latin-pop con influencias synth-pop y R&B compuestos por la propia Camila bajo la producción de Ricky Reed, Mike Sabath y Scott Harris entre otros. La cantante de ascendencia cubana compuso el álbum durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y el hecho de estar aislada de su familia y amigos le hizo darse cuenta de que sus seres queridos son su prioridad. Una vez que pudo pasar tiempo junto a su familia en Miami, Camila reconectó con sus raíces hispanas (pudo practicar el español y degustar la comida típica cubana) lo que le inspiró a incorporar un mayor componente latino a su nuevo álbum. Además de pasar tiempo en familia y disfrutar de los pequeños placeres, la otra fuente de inspiración para la composición del álbum ha sido la ruptura sentimental de Camila con el cantante Shawn Mendes, con el que rompió tras dos años y medio de relación juntos y un hit para la posteridad como es ‘Señorita’.
En julio del año pasado llegó el single presentación del álbum, Don’t Go Yet, que se trata de un tema up-tempo de estilo Latin-pop con elementos tropicales y de salsa en el que Camila habla sobre la necesidad de tener a tu amor cerca y no querer alejarse de él. El videoclip de ‘Don’t Go Yet’ destacó por por su gran colorido y peculiares coreografías, estaba inspirado en las telenovelas mexicanas y Camila adoptaba el look y estilo de la famosa artista texana Selena Quintanilla, quien ha sido fuente de inspiración para un sinnúmero de cantantes latinas durante las últimas décadas. Sin duda ‘Don’t Go Yet’ ha supuesto un regreso de lo más interesante ya que resulta bailable, pegadizo y cargado de ritmos latinos pero sin caer en el desgastado sonido reggaeton que inunda el panorama musical actual. Pese al gran potencial de ‘Don’t Go Yet’, su impacto comercial ha sido muy tibio y apenas ha ocupado el top 50 en importantes mercados como Estados Unidos, Australia, España o Reino Unido, aunque acumula más de 250 millones de reproducciones en Spotify. El pasado mes de marzo se lanzó el segundo single, Bam Bam, que se trata de un bailable tema pop y Latin-pop que cuenta con la participación del omnipresente Ed Sheeran, con el que ya colaboró anteriormente en ‘South of the Border’, perteneciente al último álbum del cantante británico. ‘Bam Bam’ comienza como un tema pop con guitarra acústica para más adelante ir incorporando elementos latinos y palabras en español como «así es la vida, así» y trata el tema de su ruptura sentimental aunque contiene un mensaje positivo, esperanzador y de aceptación. Por su parte ‘Bam Bam’ ha tenido un desempeño comercial más positivo y ha alcanzado el #10 en Reino Unido y el top 25 en Estados Unidos, Australia o Alemania.
Coincidiendo con la publicación de «Familia» se ha lanzado el tercer single, Psychofreak, que en esta ocasión deja a un lado los sonidos latinos y resulta una apuesta más adecuada para el mercado anglosajón. ‘Psychofreak’ es un oscuro tema synth-pop con influencia R&B en el que habla de su salud mental, miedos e inseguridades y cuenta con la colaboración de la excéntrica cantante Willow, hija del actor Will Smith, quien actúa como voz de la conciencia de Camila y añade puntos extra a la canción. Muy interesantes resultan sus letras en las que Camila relata detalles de su pasado, como que alguna vez se ha sentido como un bicho raro que no encaja en este mundo, además de detallar su salida de Fifth Harmony diciendo que «el barco se estaba hundiendo» pero no culpa al resto de chicas de su marcha del grupo. Sin duda ‘Psychofreak’ es uno de los temas más destacados del álbum y una gran elección como single por mostrar una faceta diferente de la cantante. Dentro de «Familia» destacan ‘Quiet’, un tema mid-tempo synth-pop que habla de cómo la cercanía a tu pareja ayuda a lidiar con la ansiedad, ‘No Doubt’, un animado tema Latin-pop y reggaeton que relata una relación obsesiva y controladora o ‘Boys Don’t Cry’, una balada synth-pop con influencia R&B que habla de la masculinidad tóxica. Entre los temas más interesantes cantados en español se encuentran ‘Hasta Los Dientes’, un tema pop up-tempo con influencia Disco que cuenta con la participación de la cantante argentina María Becerra y detalla nuevamente la obsesión y los celos que se sienten cuando estás en una relación o ‘Celia’, un tema Latin-pop que cuenta la historia de un chico que se enamora de una chica cubana y de la cultura latina. Mientras que en «Romance» Camila tropezaba en la misma piedra que lo hacía su álbum debut e incorporaba numerosas baladas que resultaban aburridas y planas, en «Familia» ha aprendido la lección y encontramos menos temas lentos, de entre los que destaca ‘Everyone At This Party’, una balada folk con guitarra acústica que relata las secuelas producidas por su ruptura sentimental.
En «Familia», Camila Cabello por fin se ha dado cuenta de lo que el público espera y quiere de ella, que no son precisamente las intensas baladas dream-pop que muestran su faceta de cantautora (y que abundaban en «Romance») sino marchosas y divertidas canciones Latin-pop que resaltan a la perfección su carismática personalidad, simpatía y talento. «Familia» supone un evidente paso adelante con respecto a Romance ya que resulta más animado, entretenido y agradable de escuchar gracias a canciones de inspiración latina pero sin caer en el desgastado sonido reggaeton que lleva saturando el panorama musical desde hace unos años. En mi opinión, «Familia» es el mejor trabajo discográfico de Camila Cabello hasta la fecha y creo que es la dirección que debería tomar en un futuro, ya que contiene un compendio perfecto entre pegadizos temas latinos que contentarán al público masivo y canciones de estilo synth-pop/R&B más del gusto internacional y dirigidas a los fans que la siguen desde sus inicios en Fifth Harmony. Temas imprescindibles. Don’t Go Yet, Psychofreak, Quiet, No Doubt, Hasta Los Dientes y Bam Bam. Puntuación: 7’5/10.
Throwback Review: «Justified» de Justin Timberlake
La historia del pop está repleta de casos en los que un componente de una ‘boy band’ o ‘girl band’ destaca por encima de los demás y debido a las diferencias con el resto del grupo, sus distintas aspiraciones musicales o simplemente la ambición le hacen abandonar el grupo al que pertenece y lanzarse en solitario. Existen numerosos ejemplos como Robbie Williams en Take That, Geri Halliwell en Spice Girls, Beyoncé en Destiny’s Child, Nicole Scherzinger en Pussycat Dolls o más recientemente Zayn en One Direction. El protagonista de este post perteneció a N’Sync, una de las ‘boy bands’ más relevantes de finales de los años 90 y principios de la década del 2000 (quizás la más importante por detrás de Backstreet Boys), cuando el fenómeno fan vivía su momento de apogeo. Me estoy refiriendo sin duda a Justin Timberlake, quien durante sus días en N’Sync destacó por encima de sus compañeros por su gran carisma, simpatía y sus dotes como cantante, compositor y ‘showman’, por ello resultaba una evolución natural que se lanzara como artista en solitario. En 2001, tras la gira promocional que acompañó a ‘Celebrity’, el exitoso tercer álbum de N’Sync, el grupo decidió tomarse un respiro a petición de Justin, quien tenía intención de grabar un álbum en solitario y ese respiro se convirtió más tarde en una separación definitiva. En noviembre del 2002 vio la luz el primer álbum como solista de Justin Timberlake, titulado Justified, que se convirtió en uno de los debuts más importantes de un cantante perteneciente a una ‘boy band’ en la historia de la música y prácticamente equiparable al éxito de Beyoncé con su primer álbum ‘Dangerously In Love’. Justified está encuadrado dentro del R&B, género que Justin siempre quiso adoptar y fue incorporando gradualmente durante sus días en N’Sync, especialmente en Celebrity, que prácticamente se trataba de un álbum hecho por y para el lucimiento de Justin. Justified está compuesto por 13 temas encuadrados dentro del R&B con influencias pop, funk, Soul y Hip Hop compuestos por el propio Justin bajo la producción de The Neptunes (dúo formado por Pharrell Williams y Chad Hugo), Timbaland y Scott Storch. Durante los primeros años de la década del 2000 The Neptunes estuvieron detrás de un buen puñado de éxitos mundiales como ‘I’m Slave 4 U’ de Britney Spears o ‘Girlfriend’ de N’Sync y fueron los responsables de modernizar el pop/R&B de aquella época, creando un moderno sonido urban-pop que se caracterizaba por un gran uso de sintetizadores y la aparición de Pharrell en muchas de las canciones que producía. Justified debutó en el #2 de la lista americana de álbumes con casi 440 mil copias vendidas en su primera semana y acabó vendiendo 4 millones en Estados Unidos y más de 10 en el resto del mundo, convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del año.
El single presentación de Justified fue Like I Love You, un marchoso tema R&B/dance-pop con influencia Hip-Hop y funk producido por The Neptunes que contaba con la colaboración del grupo Clipse, quien aportaban un rap aunque no aparecían en los créditos de la canción. Michael Jackson fue la fuente de inspiración para Justin en este álbum (especialmente los discos Off The Wall y Thriller) y casualmente algunos de los temas producidos por The Neptunes para Justified estaban originalmente pensados para aparecer en el disco ‘Invincible’ del rey del pop, pero al ser rechazados por éste fueron a parar al álbum debut de Justin. ‘Like I Love You’ recibió buenas críticas de los expertos musicales por la evolución musical del artista, su versatilidad vocal, su mayor madurez y la naturaleza sexual de sus letras. El primer single en solitario de Justin obtuvo un buen desempeño comercial: alcanzó el #2 en Reino Unido, fue top 10 en Australia y resultó moderadamente exitoso en Estados Unidos y Canadá, donde ocupó el #11. Como segundo single fue lanzado el que se convertiría en el tema más famoso y característico de la carrera de Justin Timberlake en solitario.
Me refiero por supuesto a Cry Me a River, que se trata de una balada R&B mid-tempo de sonido oscuro y melodía inspirada en la música del Medio Oeste producida por Scott Storch y Timbaland (quien aporta sus habituales ‘beatbox’) que contiene una rica instrumentación formada por guitarra, piano eléctrico, sintetizadores, además de unos cantos gregorianos al principio de la canción. ‘Cry Me a River’ es uno de los temas más personales de Justified y habla de un hombre con el corazón roto que intenta pasar página tras la infidelidad de su última pareja, que no es otra sino su ex-novia Britney Spears. Este tema fue aclamado por la crítica por la magistral producción de Timbaland, sus letras autobiográficas y el amplio registro vocal del artista nacido en Memphis, además fue incluido en los listados de lo mejor del año e incluso apareció en el recopilatorio de las ‘500 canciones mejores de todos los tiempos’ de la prestigiosa publicación Rolling Stone. Cry Me a River resultó un éxito alrededor del mundo: fue #2 en Reino Unido y Australia o #3 en Estados Unidos y recibió numerosos premios, entre ellos un Grammy a mejor actuación vocal masculina de pop. El videoclip de ‘Cry Me a River’ fue uno de los más famosos del año, resultó muy controvertido por la aparición de una mujer muy similar a Britney y recibió varios galardones, entre ellos mejor video masculino y mejor video pop en los premios MTV.
En 2003, tras el éxito de ‘Cry Me a River’ llegó el tercer single, Rock Your Body, que se trata de un tema up-tempo de estilo dance-pop y R&B con influencia Disco producido The Neptunes, quienes incorporaban su habitual estilo con gran uso de sintetizadores. ‘Rock Your Body’ fue uno de los temas originalmente ofrecidos a Michael Jackson que tras ser rechazados por él pasaron a formar parte de Justified, algo que Justin nunca dejará de agradecer ya que se convirtió en otro éxito y uno de los temas más destacados del álbum. Este single fue el tercer #2 consecutivo del álbum en Reino Unido, alcanzó el #1 en Australia y fue top 5 en Estados Unidos. Cabe destacar que ‘Rock Your Body’ fue interpretado por Justin junto a Janet Jackson en la Super Bowl donde se produjo el infame y polémico ‘pezón-gate’. Como cuarto y último single se lanzó Señorita, un tema mid-tempo R&B con influencia Latin-pop y jazz en el que Justin intenta captar la atención de una chica que le atrae y se trata de otra producción de The Neptunes para el álbum. Aunque no es un tema de baja calidad en absoluto, personalmente considero que fue una decisión poco acertada el lanzamiento de Señorita como single ya que existen canciones notablemente superiores dentro del álbum y rompió la magnífica elección de singles lanzada hasta el momento. Con una escasa promoción a diferencia de los anteriores singles, Señorita tuvo un impacto comercial inferior y apenas ocupó el top 15 en Reino Unido y top 40 en Estados Unidos, aunque en Australia se convirtió en el cuarto single top 10 del álbum.
Justified se puede escuchar prácticamente del tirón ya que está compuesto por un conjunto muy sólido de canciones, entre las que destacan ‘(Oh No) What You Got’, un marchoso tema con percusión tribal que cuenta con la clásica producción de Timbaland, ‘Last Night’, una de las canciones más bailables y up-tempo del álbum, que destaca por su uso de violines y contiene el habitual sonido de sintetizadores típico de The Neptunes o ‘Take It From Here’, que forma parte de los momentos más calmados del álbum y destaca por su tono melancólico. El álbum debut de Justin Timberlake esta formado principalmente por temas up-tempo y mid-tempo pero también encontramos un par de baladas (quizás los temas más flojos del disco) como ‘Still on My Brain’, influenciada por el Soul y bajo la producción de The Underdogs. Mientras que ‘Future Sex/Love Sounds’ es mi álbum favorito de Justin, ‘Justified’ también se encuentra entre los imprescindibles de su discografía por la gran elección de singles, su magnífico compendio de marchosos temas up-tempo dirigidos a las pistas de baile y medios tiempos más reflexivos e introspectivos, la excelente producción de Timbaland, Scott Storch y The Neptunes y la versatilidad vocal de Justin. Temas imprescindibles: Cry Me a River, Rock Your Body, Like I Love You, Last Night, (Oh No) What You Got y Nothin’ Else. Puntuación: 8’5/10.
Crítica del álbum «777» de Latto
Desde que ganó en 2016 la primera edición del talent show ‘The Rap Game’, la popularidad de la rapera Alyssa Michelle Stephens (por entonces conocida artísticamente como Mulatto) no ha hecho sino aumentar hasta convertirse en una amenaza real a la hegemonía de Cardi B, Nicki Minaj o Megan Thee Stallion dentro del Hip Hop femenino actual. Tras lanzar varios EP’s y mixtapes que le ayudaron a abrirse camino dentro del circuito Hip Hop americano, en agosto del 2020 la joven rapera publicó Queen of da Souf, su álbum debut y el primero dentro de la discográfica RCA, el cual estaba compuesto por temas encuadrados dentro del Hip Hop con influencia Trap, R&B y del Southern Hip Hop. El primer single fue Bitch from da Souf, cuya versión original pertenecía a la mixtape ‘Big Latto’, pero fue incluida más tarde en el álbum en forma de remix junto a las raperas Saweetie y Trina. ‘Bitch from da Souf’, en el que Mulatto se presentaba como «la perra más real y rica del sur», supuso su primera entrada en la lista americana de singles y acabó siendo certificado platino por ventas superiores al millón de copias entre ventas digitales y streaming. El segundo single fue Muwop, un marchoso tema de estilo Southern Hip Hop producido por J. White Did It que sampleaba ‘Freaky Gurl’ de Gucci Mane y contaba además con la participación de dicho rapero. Aunque Muwop no llegó a entrar en la lista americana, nuevamente fue certificado platino en Estados Unidos, haciendo de Mulatto la rapera más joven en conseguir que sus dos primeros singles fueran platino. Gracias al buen recibimiento de ambos temas dentro del circuito Hip Hop americano y la gran promoción por parte de Mulatto (que lanzó otros sencillos promocionales como ‘On God’ o ‘In n Out’ junto a City Girls), el álbum «Queen of da Souf» alcanzó un modesto top 50 en la lista americana, pero que sólo sería el comienzo de la prometedora carrera de la rapera sureña.
En mayo del año pasado, la rapera originaria de Atlanta fue noticia por su cambio de nombre artístico a Latto, ya que tal y como declaró en sus redes sociales, al principio de su carrera musical decidió adoptar el nombre artístico de Mulatto debido a su origen biracial (su padre es afroamericano y su madre blanca) pero ese término contiene un componente racista y ha resultado ofensivo y despectivo en determinadas partes de la sociedad americana por su relación con los tiempos del esclavismo en Estados Unidos. La joven rapera hizo efectivo su cambio de nombre artístico tanto en sus redes sociales como en las plataformas musicales y lanzó ‘The Biggest’, el primer tema bajo su nuevo nombre artístico, aunque lo cierto es que tanto Latto como Big Latto ya eran algunos de los apodos que poseía y mencionaba en muchas de sus canciones. En el mes de septiembre Latto regresó con el single presentación de su nuevo proyecto, Big Energy, que se trata de un marchoso tema Hip Hop con influencia pop que samplea la melodía del clásico de los 80 ‘Genius of Love’ (popularizada por Mariah Carey en su single ‘Fantasy’) y en el que Latto celebra su buena suerte en la vida. Producido por el polémico Dr. Luke, ‘Big Energy’ ha resultado un gran acierto por parte de Latto debido a su naturaleza bailable, su ritmo up-tempo y la elección del famoso sample y se trata de una apuesta más accesible al público en general por su mayor componente pop y la incorporación de una parte cantada además del rap (táctica usada por otras raperas como Doja Cat, Megan Thee Stallion o Cardi B). ‘Big Energy’ se ha convertido en un auténtico ‘grower’ durante los últimos meses y tras su debut en la parte baja de la lista americana, ha ido escalando posiciones hasta alcanzar el #14 (el primer single top 20 de Latto) y convertirse en uno de los singles del año. Mientras ‘Big Energy’ ascendía en las listas de venta, Latto lanzó otro single, Soufside, que se trata de un tema Hip Hop en sentido estricto en el que la rapera recupera su ‘street credibility’ y muestra su lado más urbano mientras habla de la ciudad que la vio crecer y cómo la fama no le hará olvidar sus orígenes. Para respaldar el lanzamiento del álbum, Latto ha lanzado un tercer single, Wheelie, un pegadizo tema Hip Hop de gran componente electrónico que cuenta con la colaboración del rapero 21 Savage (también originario de Atlanta) y cuya base recuerda al estilo de las producciones de J. White para el álbum «In My Defense» de Iggy Azalea.
Adelantándose a otras compañeras de profesión que lanzarán sus nuevos trabajos este mismo año como Saweetie, Megan The Stallion o Cardi B, Latto ha publicado esta semana su segundo álbum de estudio, llamado 777. El título de este álbum tiene un significado especial para Latto ya que el 7 es su número favorito, además de representar la buena fortuna en la tradición hebrea y ser el número de la suerte en las máquinas tragaperras, que identifican el mayor premio con el 777. Este trabajo está formado por 13 temas de apenas dos minutos de duración encuadrados dentro del Hip Hop con influencias R&B, Trap y pop y compuestos por la propia Latto bajo la producción de Bongo By The Way, Dr. Luke, OG Parker o Pharrell Williams entre otros. «777» resulta un trabajo más diverso y variado que su álbum debut y destaca por su gran número de artistas invitados entre los que se encuentran los raperos Lil Wayne, 21 Savage, Lil Durk, Nardo Wick o Kodak Black. El álbum comienza con ‘777 Pt 1’ y ‘777 Pt 2’, dos explosivos temas de escasa duración pero en los que Latto entrega algunas de sus mejores rimas, sirven como declaración de intereses y establecen el tono del álbum. Merece la pena reseñar ‘Sunshine’, su esperada colaboración con Lil Wayne y que destaca por su estilo pop-rap, ‘Like a Thug’ junto a Lil Durk, en el que Latto muestra tanto su faceta de rapera como de cantante o ‘Trust No Bitch’, donde continúa reafirmándose como la «perra más real y auténtica».
Tal y como ocurría en «Queen of da Souf», la última parte del álbum baja el ritmo y está formada por canciones con influencia R&B en las que Latto muestra su lado más vulnerable y ofrece su faceta como cantante, como es el caso de ‘Real One’, producida por Pharrell Williams y que recuerda al estilo de Doja Cat en su último disco. En resumen, «777» supone un evidente paso adelante con respecto al más que digno «Queen of da Souf», ya que resulta un trabajo más sólido, maduro y consistente en el que podemos apreciar cómo sus habilidades para rimar han mejorado considerablemente, además de mostrar una mayor versatilidad por parte de Latto, quien rapea y canta en muchas de las canciones. «777» no tiene nada que envidiar a los álbumes debut de Megan The Stallion o Cardi B y se postula como uno de los trabajos de Hip Hop más importantes del año. Temas imprescindibles: Big Energy, Soufside, Wheelie, Like a Thug y Trust No Bitch. Puntuación: 7’5/10.
Crítica de «Slut Pop» de Kim Petras
La cantante alemana Kim Petras publicó en julio de 2019 su álbum debut, Clarity, el cual estaba formado por un conjunto sólido de canciones pop y dance-pop que recibió buenas críticas de los expertos musicales por su naturaleza desenfadada, su moderna producción y su influencia de numerosos estilos musicales como Trap, R&B o Hip Hop. En octubre del mismo año, la cantante nacida en Colonia publicó su segundo álbum de estudio, Turn Off The Light, que se trataba de un original proyecto de naturaleza oscura y misteriosa inspirado en Halloween que recogía varios temas lanzados originalmente en el EP del mismo nombre que vio la luz en 2018 además de nuevas canciones. Tras varios singles sueltos que finalmente no han formado parte de su nuevo trabajo, Kim Petras lanzó a principios de febrero un nuevo EP, titulado Slut Pop, el cual está formado por 7 temas de estilo dance-pop y electropop de apenas dos minutos de duración producidos en su totalidad por su habitual colaborador Dr. Luke (esta vez bajo su propio nombre y sin ningún seudónimo). «Slut Pop» está compuesto por canciones muy explícitas en las que la cantante no duda en relatarnos todas sus fantasías sexuales con pelos y señales, aunque según sus propias palabras este EP está inspirado en las vidas de las trabajadoras sexuales y contiene letras llenas de «empoderamiento y positivismo sexual». La mayoría de las canciones presentes resultan muy similares entre sí en cuanto a producción, ya que están encuadradas dentro de un dance-pop y electropop machacón típico de la década del 2010 que Dr. Luke ha utilizado mil veces anteriormente en sus producciones para Kesha, Britney Spears o Katy Perry. Además las letras de alto voltaje sexual se repiten una y otra vez a lo largo del EP, poniendo de manifiesto la hipersexualidad de la cantante y su deseo por complacer a los hombres en canciones con títulos tan explícitos como ‘Treat Me Like a Slut’, ‘XXX’, ‘Superpower Bitch’, ‘Throat Goat’ o ‘Your Wish Is My Command’. En resumen, pese a su brevedad (apenas supera los 15 minutos de duración), «Slut Pop» resulta repetitivo, vulgar y no aporta nada a la carrera de Kim Petras, cuyos dos primeros álbumes de estudio eran más que dignos. Esperemos que la joven cantante alemana se centre de cara a sus próximos proyectos y vuelva a la senda del pop desenfadado que inició con «Clarity». Puntuación: 5/10.
Crítica de «Good Morning Gorgeous» de Mary J Blige
La reina del Hip Hop Soul, Mary J Blige, ha regresado al panorama musical con su decimocuarto álbum de estudio, Good Morning Gorgeous, que pone fin a su sequía musical de 5 años, ya que durante este tiempo la legendaria cantante ha dedicado su tiempo a desarrollar sus facetas de actriz y empresaria. Para dar con el último trabajo discográfico de Mary J Blige tenemos que retroceder hasta abril de 2017, cuando vio la luz Strength of a Woman, el cual fue #3 en la lista americana de álbumes y contó con los singles ‘Thick of It’ y ‘U + Me (Love Lesson)’, que alcanzaron el #1 en el componente Adult R&B Songs de Billboard. El nuevo álbum de la cantante neoyorquina se ha puesto a la venta dos días antes de su esperada participación en el tiempo medio de la Super Bowl, un evento que será visto por millones de personas en Estados Unidos y el resto del mundo y sin duda supondrá la mejor de las promociones para su álbum. Mary J Blige no estará sola en el escenario de la Super Bowl, sino que actuará junto a leyendas del Hip Hop americano como Dr. Dre, Snoop Dogg, Eminem y Kendrick Lamar, lo que convertirá este evento en uno de los más ‘black’ de todos los tiempos, tras las actuaciones de cantantes pop como Katy Perry, Madonna o Beyoncé. «Good Morning Gorgeous» está formado por 13 temas compuestos por la propia Mary J Blige y encuadrados dentro del R&B, Soul y su habitual sonido Hip-Hop Soul por el que es conocida desde sus orígenes en el mundo de la música. El decimocuarto trabajo de la veterana cantante cuenta con la producción de importantes nombres de la industria musical como DJ Camper, Cool & Dre, D’Mile, J White Did It, London on da Track, Bongo By The Way o DJ Khaled y entre los artistas invitados se encuentran Usher, Dave East, Anderson Paak o Fivio Foreign. «Good Morning Gorgeous» supone el primer álbum publicado de manera independiente bajo su propio sello Mary Jane Productions, una maniobra que otras compañeras de profesión como Ashanti o Monica han realizado durante los últimos años debido a la bajada de ventas de CD’s físicos y la escasa viabilidad comercial que vive el género. Aunque desde sus inicios musicales Mary J Blige se ha mantenido fiel a su estilo y su particular sonido, también ha demostrado ser una artista moderna, con la mente abierta y receptiva a las modas imperantes, ya que ha sabido adaptarse a las nuevas reglas de la ‘era del streaming’, algo que se nota en la duración de las canciones presentes en el álbum, muchas de las cuales no superan los 3 minutos, tal y como se estila habitualmente para facilitar su inclusión en las playlist de moda.
A principios del mes de diciembre llegaron dos singles muy diferentes que mostraban la variedad presente en el álbum y las dos facetas musicales que Mary suele presentar al público. Uno de los dos singles presentación era Good Morning Gorgeous, una sensual balada R&B/Soul compuesta junto a la cantante H.E.R. y producida por D’Mile cuyo título hace referencia al mantra que Mary repite por las mañanas al levantarse tras su divorcio y que resulta un himno de empoderamiento y amor a uno mismo, mientras que el otro era Amazing, un marchoso tema R&B up-tempo con influencia Hip Hop producido por DJ Khaled en el que Mary celebra la buena vida, destaca por su mensaje alegre y positivo de vivir la vida como si todos los días fueran tu cumpleaños y resulta una de las canciones más ‘radio friendly’ de la discografía reciente de Mary. El siguiente single, Rent Money, llegó el pasado mes de enero y se trata de un tema mid-tempo R&B y Hip Hop que cuenta con la participación del rapero neoyorquino Dave East y en el que Mary habla de un ex-amante en el que depositó todo su dinero y energía y él se lo devolvió con una deslealtad.
Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘No Idea’, que cuenta con el clásico sonido R&B/Hip-Hop de los años 90 y en el que Mary habla de la longevidad de su carrera, ‘On Top’, un potente tema Hip Hop Soul en el que colabora el rapero Fivio Foreign y samplea el clásico ‘Who Run It’ de Three 6 Mafia, el medio tiempo R&B ‘Here With Me’ en el que aparece como artista invitado Anderson Paak (quien ha participado en la composición de varios temas del álbum) o ‘Need Love’, la esperada colaboración entre Mary J Blige y Usher, dos de las figuras más importantes del R&B de todos los tiempos. Dentro de las clásicas baladas por las que es conocida la artista destacan ‘Love Without the Heartbreak’, de carácter mid-tempo y también co-escrita junto a Anderson Paak o ‘Come See About Me’, muy influenciada por el sonido Soul y que nos recuerda a las mejores canciones de Mary de la década de los 90.
En 2022 se cumplen 30 años del lanzamiento de ‘What’s the 411?’, el álbum debut de Mary J Blige y durante estas tres décadas en la industria musical la cantante nacida en el Bronx se ha caracterizado por tener una de las carreras más sólidas, consistentes y coherentes dentro del panorama R&B y destaca por no tener ningún álbum malo (en el blog Mister Music he hecho review de muchos de sus álbumes como My Life, No More Drama, The Breakthrough o Growing Pains, los cuales he valorado de manera muy positiva), algo que es muy complicado de conseguir teniendo en cuenta la larga trayectoria de Mary. En resumen, «Good Morning Gorgeous» es un álbum de R&B sólido y repleto de buenas canciones, que se diferencia de su último trabajo «Strength of a Woman» (en el que hablaba de su tormentoso divorcio) al tener un carácter más relajado, alegre e inspirador. Mary J Blige sigue haciendo gala de su maravillosa voz y sus habilidades como compositora en temas que hablan de amor, las complicadas relaciones con los hombres o la celebración de la vida. Temas imprescindibles: Good Morning Gorgeous, Amazing, Need Love, No Idea, Come See About Me y Rent Money. Puntuación: 7’5/10.
Crítica de «Dawn FM» de The Weeknd
The Weeknd publicó su último álbum de estudio, After Hours, en marzo de 2020, cuando muchos países comenzaban el largo periodo de confinamiento por la pandemia del coronavirus, pero lejos de convertirse en un «trabajo maldito» por ser lanzado en tan fatídica fecha, resultó el disco más importante del año (con el permiso de «Future Nostalgia» de Dua Lipa) gracias al éxito descomunal de sus singles ‘Blinding Lights’, ‘In Your Eyes’ y ‘Save Your Tears’, que acabaron entre los más escuchados del 2020 y nos ayudaron a hacer más ameno el duro confinamiento. Durante el 2021 dichos singles continuaron su imparable éxito en las radios, plataformas musicales y listas de ventas de todo el mundo, por ello la discográfica del cantante de Toronto, en una maniobra muy astuta, aprovechó para publicar un álbum de grandes éxitos (o más bien un «After Hours» ampliado con algunos de sus hits anteriores) llamado «The Highlights», que resultó bastante exitoso pese al poco sentido que tienen en la actualidad este tipo de álbumes debido al auge de las playlist en las plataformas musicales. El pasado 7 de enero Abel Tesfaye publicó su quinto álbum de estudio, Dawn FM, convirtiéndose en uno de los trabajos más tempranos de este 2022 recién inaugurado y seguramente uno de los que más dará que hablar teniendo en cuenta el largo recorrido que tuvo su anterior trabajo discográfico. «Dawn FM» está compuesto por 16 temas encuadrados dentro del synth-pop y el dance-pop que siguen la estela musical de «After Hours» pero todavía se aprecian más las influencias de la música electrónica de los años 80, además de ciertos elementos funk, Disco o New Wave y destaca por el hecho de que abandona el sonido R&B que le ha acompañado desde sus inicios en el mundo de la música. Aparte de la clara influencia que ha tenido en el álbum la música de baile de los 80, se puede apreciar cómo el legado de Michael Jackson ha inspirado a The Weeknd, concretamente los discos «Off The Wall» y «Thriller».
«Dawn FM» supone una continuación de «After Hours» y se trata de un álbum conceptual en el que «el oyente viaja a través de un túnel oscuro mientras escucha sus canciones en la radio Dawn FM hasta llegar a la luz», lo que podríamos interpretar como que la oscuridad y los pensamientos atormentados y autodestructivos que el cantante tenía durante la era «After Hours» han terminado y ahora llega el «amanecer», que representa el comienzo de una nueva vida más alegre. Sin embargo, al igual que todos los álbumes concebidos y grabados durante la pandemia del coronavirus, se puede apreciar un cierto poso de angustia y melancolía. Para la creación de «Dawn FM» The Weeknd ha seguido confiando en Max Martin y Oscar Holter, que tantas alegrías le han dado (fueron responsables de todos los macro hits del álbum anterior) pero se ha unido a otros productores de la talla de Tommy Brown (conocido por su trabajo junto a Ariana Grande), Calvin Harris, Swedish House Mafia o Oneohtrix Point Never entre otros. El concepto de estar «escuchando la radio mientras viajas por el oscuro túnel» está presente a lo largo de todo el álbum, ya que contiene los típicos ‘jingles’ de las radios, además de varios ‘speeches’ de personajes famosos como el célebre músico Quincy Jones (cuya presencia no es casual, ya que fue el responsable de muchos de los éxitos de Michael Jackson, quien es una referencia para Abel en el álbum) o el actor Jim Carrey.
El single presentación del álbum, Take My Breath, llegó en agosto del año pasado y suponía la transición perfecta entre su anterior trabajo y «Dawn FM» ya que continúa el estilo bailable presente en singles como ‘Blinding Lights’ pero profundiza en el sonido psicodélico y el mayor uso de sintetizadores típicos de la música electrónica de los años 80. ‘Take My Breath’ es un tema up-tempo de estilo synth-pop, Disco y dance-pop con influencias de la música psicodélica de los 70, producido por Max Martin y Oscar Holter en el que el cantante relata una relación romántica que termina con una «asfixia erótica». Aunque no ha alcanzado las cotas de éxito de ‘Blinding Lights’ o ‘Save Your Tears’, ‘Take My Breath’ ha tenido un rendimiento comercial positivo y ocupó el top 10 en las listas de venta de Estados Unidos, Australia o Canadá. El hecho de haber sido lanzado cuando el remix de ‘Save Your Tears’ junto a Ariana Grande todavía estaba muy reciente y se encontraba en las primeras posiciones de las listas de venta, unido a las excesivas colaboraciones de The Weeknd en aquel momento han repercutido de manera negativa el desempeño de ‘Take My Breath’, que de haber sido lanzado en 2022 hubiera cosechado un mayor éxito. Además la presencia del cantante canadiense ha sido máxima y continua desde finales del 2019, lo que ha ‘saturado’ en cierta manera al público. Coincidiendo con el lanzamiento del álbum se ha lanzado como segundo single Sacrifice, un marchoso tema electropop y dance-pop con gran influencia funk/Disco producido por Max Martin, Oscar Holter y Swedish House Mafia que destaca por su riff de guitarra electro-funk y el hecho de que The Weeknd canta con varios acentos, entre ellos el británico (algo que sucede en otras canciones del álbum).
Tras darnos la bienvenida a la radio «Dawn FM» y al viaje que vamos a experimentar durante el álbum, llega la primera canción, ‘Gasoline’, que se trata de un tema electropop y dance-pop con un uso prominente de sintetizadores que le da un toque muy ochentero y en el que The Weeknd detalla una complicada relación con su pareja marcada por el abuso de drogas y cómo le ruega que no le abandone. Esta canción también destaca por el hecho de que Abel adopta nuevamente el acento británico al principio de los versos. Le sigue ‘How Do I Make You Love Me?’, otro marchoso tema dance-pop y electropop en el que Abel alterna su voz grave con el falsete y se pregunta qué tiene que hacer para que su amor dure. Uno de los temas más interesantes del álbum y con muchas posibilidades de convertirse en single es ‘Less Than Zero’, quizás la canción menos experimental y más comercial y accesible del álbum, que recuerda al estilo de los singles más famosos de su anterior álbum como ‘In Your Eyes’ o ‘Save Your Tears’. Este pegadizo tema synth-pop, dance-pop y New Wave con uso prominente de guitarra tiene el sello inconfundible de Max Martin y Oscar Holter y habla de cómo una antigua novia que tuvo ahora cree que él no vale nada. También merece la pena reseñar ‘I Heard You’re Married’, un tema synth-pop producido por Calvin Harris que cuenta con la participación del rapero Lil Wayne (la segunda colaboración entre ambos artistas) y en el que The Weeknd saca su orgullo propio al enterarse de que una chica con la que ha tenido una relación ahora está casada, o ‘Out of Time’, un tema mid-tempo pop/R&B de estilo retro en el que podemos apreciar una gran influencia de la música de Michael Jackson. Aunque la mayor parte del contenido de ‘Dawn FM’ es up-tempo y bailable, también hay espacio para temas más lentos, como por ejemplo ‘Is There Someone Else?’, que se trata de una balada mid-tempo producida por Tommy Brown que no abandona el uso de sintetizadores y el estilo electropop presente en el álbum o ‘Here We Go… Again’, una bonita balada que habla de lo difícil que resulta escapar del lado oscuro del amor y cuenta con una innecesaria aportación del rapero Tyler The Creator.
No es difícil apreciar que el cantante canadiense ha ido reduciendo progresivamente la cuota de R&B alternativo (del que fue uno de sus mayores representantes) en sus últimos álbumes a la vez que incorporaba temas pop bailables y comerciales con los que ha ampliado su público y conseguido un éxito apabullante. Si en «After Hours» estaban presentes las dos facetas del cantante (el R&B más oscuro y el dance-pop comercial), en «Dawn FM» ha profundizado en ésta última y nos ha presentado un conjunto de canciones synth-pop del tipo ‘Blinding Lights’ con gran influencia de la música electrónica de los años 80. En resumen, «Dawn FM» destaca por su pulida y refinada producción y contiene un conjunto muy sólido de canciones que podría exprimirse con numerosos singles a lo largo de este año. Pese a no encontrar canciones de estilo R&B en «Dawn FM» debo reconocer que es uno de los mejores álbumes de su discografía y continúa el alto listón dejado por magníficos «Starboy» y «After Hours», lo cual es muy complicado. Temas imprescindibles: Take My Breath, Sacrifice, Less Than Zero, Gasoline y Out of Time. Puntuación: 8/10.
Crítica de «Keys» de Alicia Keys
Uno de los últimos lanzamientos del 2021 fue el octavo álbum de estudio de Alicia Keys, que tomaba el relevo a Alicia, el cual vio la luz en septiembre del 2020, fue top 5 en la lista americana de álbumes y contó con el modesto hit ‘Underdog’. Si el anterior álbum de la cantante neoyorquina tenía su nombre de pila, su nuevo trabajo se titula Keys, ya que tras el bloqueo creativo que sufrió durante la pandemia «encontró la llave para recuperar la paz que había perdido». Keys es un álbum doble compuesto por una parte llamada ‘originals’, donde podemos encontrar canciones melódicas y tradicionales que son la seña de identidad de la cantante, mientras que en ‘unlocked’ escuchamos versiones de esos temas pero con el toque experimental y electrónico de Mike Will Made It, quien se encarga de la producción de esta segunda parte. 10 de las canciones aparecen en ambas partes del álbum y cuentan con su versión ‘original’ y ‘unlocked’ además de otras 6 canciones sólo se encuentran en una versión. El concepto del nuevo trabajo de Alicia Keys no ha acabado de convencer al público por su extraña naturaleza y ha recibido críticas mixtas por parte de los expertos musicales. Hasta el momento, todos los álbumes de Alicia habían ocupado el top 5 en lista americana, sin embargo «Keys» apenas ha ocupado el top 50 (convirtiéndose en la peor posición de toda su trayectoria profesional) y ha obtenido unas ventas ínfimas y escasas reproducciones en las plataformas musicales, marcando mínimos en la carrera de la veterana cantante.
El single presentación del álbum fue LaLa, un medio tiempo R&B perteneciente exclusivamente al lado ‘unlocked’ y que contaba con la colaboración del cantante Swae Lee y tras él llegó el segundo single, Best of Me, que se trataba de un insípido tema mid-tempo R&B compuesto junto a Raphael Saadiq del que apenas se aprecian diferencias entre ambas versiones. Cuesta creer que la canción que abre la parte ‘originals’ del álbum (supuestamente el lado más melódico y tradicional) sea ‘Plentiful’, un tema R&B con influencia Hip-Hop producido por su marido Swizz Beatz y que cuenta con la colaboración del rapero Pusha T, que resulta una apuesta interesante y una de las mejores canciones rítmicas de «Keys», pero que encajaría mejor en la segunda parte, más sobreproducida y moderna. Sin embargo encontramos aciertos como ‘Dead End Road’, una balada tradicional R&B con influencia Gospel, reminiscencia de sus primeros trabajos y que sí representa la esencia «original» de su música. Otro de los temas más destacados es ‘Nat King Cole’, que aparece en ambas partes del álbum pero resulta más interesante en su versión ‘unlocked’, que cuenta con la participación del rapero Lil Wayne (quien en su verso se autodenomina ‘Nat King Kong’ haciendo un juego de palabras entre el célebre cantante de Jazz y el famoso gorila de la película). En resumen, «Keys» cuenta con varias canciones interesantes en las que podemos deleitarnos con la maravillosa voz de Alicia Keys y sus habilidades como compositora, pero como proyecto resulta confuso y poco centrado e inspirado, por lo que no resulta memorable dentro de la discografía de la cantante. En mi opinión hubiera resultado una opción más acertada elegir las mejores versiones de cada canción y ponerlas en un álbum más corto ya que en su conjunto resulta redundante y algo aburrido. Puntuación: 6/10.
Blog Mister Music 