Electropop

Crítica de «Hard Candy» de Madonna

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Hard CandyEn el año 2008 vio la luz Hard Candy, el undécimo álbum de estudio de Madonna y el primero publicado tras el enorme éxito conseguido por «Confessions on a Dance Floor», el cual devolvió una vez más a la reina del pop a la cima de las listas de venta gracias a magníficos singles como ‘Hung Up’ o ‘Sorry’, que recuperaban el sonido Disco. Con «Confessions», Madonna recuperó su estatus en el mundo de la música tras el periodo infructuoso que supuso «American Life», por ello había muchas expectativas puestas en «Hard Candy». Madonna no decepcionó y regresó con un álbum marchoso y divertido, que seguía la senda dance-pop y electropop de «Confessions» pero con un fuerte componente urbano e influencias funk, R&B y Hip Hop. Madonna únicamente se había aproximado al R&B anteriormente en el álbum «Bedtime Stories», pero de manera más tranquila y pausada en forma de baladas y medios tiempos. «Hard Candy» es por tanto el álbum más urbano de Madonna y prueba de ello es que los productores implicados fueron Timbaland, Danja y The Neptunes, quizás los más famosos dentro de la escena Hip-Hop americana. El cantante Justin Timberlake, habitual colaborador de Timbaland, también participó en la composición y producción de varios temas de «Hard Candy» e incluso hizo un dueto con Madonna en el primer single del álbum, 4 Minutes, que se trata de un marchoso tema dance-pop con gran influencia urbana que contiene un mensaje social para concienciar de la pobreza y el sufrimiento en el tercer mundo y destacaba por el uso de numerosos ‘tick tock’ a lo largo de la canción. ‘4 Minutes’ recibió buenas críticas por su pegadizo ritmo, la química entre ambos cantantes y su mensaje positivo y recibió varias nominaciones a los premios Grammy, entre ellos mejor colaboración de pop. ‘4 Minutes’ alcanzó el #3 en la lista americana de singles, la mejor posición de Madonna en Estados Unidos desde ‘Music’ (superó a ‘Hung Up’) y en el resto del mundo también fue un gran éxito y ocupó el #1 en más de 10 países de todo el mundo, incluyendo Reino Unido, Canadá, España o Australia. Respaldado por un single de gran éxito, «Hard Candy» debutó muy alto en las listas de venta del mundo y alcanzó el #1 en más de 20 países, aunque con 4 millones de copias nivel global se quedó muy atrás de las altas ventas conseguidas por «Confessions».

El segundo single fue Give It 2 Me, un enérgico tema dance-pop y electropop con influencia Disco/funk producido por The Neptunes y con la participación no acreditada de Pharrell Williams. En este tema, Madonna habla de la longevidad de su carrera musical y declara no tener intenciones de retirarse. ‘Give It 2 Me’ recibió buenas opiniones de los críticos por su naturaleza bailable y desenfadada y recibió una nominación a los premios Grammy a mejor grabación Dance. En el terreno comercial resultó un éxito en todo el mundo y alcanzó el top 10 en Canadá, Alemania o Reino Unido, aunque en Estados Unidos tuvo un desempeño moderado y apenas ocupó el top 60. El tercer y último single del álbum fue Miles Away, un medio tiempo electropop con influencia R&B y uso prominente de guitarra producido por Timbaland y Danja que habla de las relaciones a distancia y está inspirado en su relación con Guy Ritchie, su marido por entonces. ‘Miles Away’ contó con escasa promoción y tuvo un impacto mínimo en las listas de venta, aunque fue el tercer single #1 de «Hard Candy» en España.

Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Beat Goes On’, un marchoso tema dance-pop con influencia Disco y Hip Hop producido por The Neptunes y con la colaboración del rapero Kanye West en el que Madonna nos anima a hacer y decir lo que sintamos en cada momento, ‘Candy Shop’ que cuenta con el característico sonido de sintetizadores de The Neptunes o ‘She’s Not Me’, un original tema en el que Madonna le dice a su pareja que aunque encuentre otras mujeres nunca serán como ella. El álbum está formado principalmente por temas up-tempo, aunque encontramos la melancólica y misteriosa balada ‘Devil Wouldn’t Recognize You’ que destaca por la magistral producción de Timbaland y ‘Voices’, un tema mid-tempo que cuenta con una pequeña participación de Justin Timberlake al principio de la canción (además de en la composición) y en cuyas letras Madonna se pregunta quién tiene realmente el control en una relación de pareja.

La extensa gira que acompañó este álbum, Sticky & Sweet Tour, llevó a Madonna por toda Norteamérica y Europa y se convirtió en la más exitosa de un artista en solitario de toda la historia, obteniendo unos ingresos multimillonarios de más de $400 millones y grandes críticas. Yo tuve la suerte de acudir a este concierto en Zaragoza y ha sido uno de los mejores a los que he asistido debido al gran espectáculo, la buena voz de Madonna en directo y los grandes efectos especiales y sorpresas que la cantante nos tenía preparados. Amado y odiado a partes iguales por parte de los fans de Madonna, «Hard Candy» no dejó indiferente a nadie. Personalmente considero que «Confessions» es el mejor de los álbumes que Madonna ha publicado en los últimos tiempos y es claramente superior a «Hard Candy», sin embargo éste es un trabajo sólido formado por temas marchosos y actuales que cuentan con un gran toque urbano, lo que proporcionó a la reina del pop su enésima re-invención. Temas imprescindibles: Give It 2 Me, 4 Minutes, She’s Not Me, Heartbeat, Miles Away, Devil Wouldn’t Recognize You y Beat Goes On. Puntuación: 8/10.

Crítica de «1989» de Taylor Swift

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1989 TaylorEn 2012 la cantante americana Taylor Swift publicó su álbum ‘crossover’, Red, el cual marcaba una divergencia con respecto al sonido Country de sus primeros trabajos para incorporar un sonido pop de carácter comercial con el que conquistó un público más amplio. «Red» resultó un éxito comercial, alcanzó el #1 en las principales listas de venta y contó con hit singles de la talla de ‘We Are Never Ever Getting Back Together’ o ‘I Knew You Were Trouble’, sin embargo Taylor recibió algunas críticas de los expertos musicales por comprometer su integridad artística y ‘venderse’ al pop comercial en un intento por acceder a un público mayor. Tras la gran acogida de «Red» la cantante de Pennsylvania continuó con su objetivo de convertirse en una estrella internacional y deshacerse de su pasado Country. En 2014 vio la luz el quinto álbum de estudio de Taylor Swift, 1989, cuyo título hace referencia a su año de nacimiento y se trata de un trabajo eminentemente pop con influencias synth-pop, pop/rock, dance-pop y electropop. Para este álbum, Taylor Swift siguió confiando en Max Martin y Shellback, responsables de los mayores éxitos de «Red» y artífices de su viraje hacia el pop, pero se unió a nuevos productores de primer nivel como Ryan Tedder, Greg Kurstin o Jack Antonoff. Cabe destacar que su habitual colaborador Nathan Chapman disminuyó su participación de manera notoria. Las letras de las canciones presentes siguen el mismo patrón que en sus anteriores trabajos y exploran las relaciones amorosas de Taylor y sus romances fallidos, además de lidiar con la imagen que proyecta al público. «1989» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, superó el millón de copias en su primera semana a la venta y acabó despachando más de 6 millones en Estados Unidos, convirtiéndose en su trabajo más exitoso hasta la fecha. En el resto del mundo también resultó un éxito comercial: alcanzó el #1 en Australia, Canadá o Reino Unido y superó los 10 millones de ejemplares a nivel mundial.

El single presentación del álbum fue Shake It Off, un tema pop up-tempo con uso prominente de saxofón producido por Max Martin y Shellback en el que Taylor se enfrenta a sus detractores y muestra su indiferencia ante los ‘haters’ que la critican una vez que ha alcanzado el estrellato. ‘Shake It Off’ resultó un auténtico éxito y aumentó de manera considerable la popularidad de la cantante: debutó en el #1 en la lista americana (su segundo single ‘chart topper’ en Estados Unidos), también lideró la lista de Australia y ocupó el top 5 en Reino Unido o Alemania. El segundo single fue Blank Space, un tema synth-pop y electropop de carácter mid-tempo cuyas letras hacen referencia a la percepción que tiene el público de imagen de Taylor y el escrutinio de los medios de comunicaron sobre su vida privada y sus múltiples relaciones amorosas. ‘Blank Space’ continuó la excelente racha comercial de la cantante y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Australia o Canadá. Como tercer single llegó Style, un marchoso tema electropop y pop/rock en el que Taylor habla de la relación tumultuosa e intermitente de una pareja (inspirada en su propia relación con el cantante Harry Styles) y afirma que este tipo de relaciones tóxicas nunca pasarán de moda.

El cuarto single lanzado fue Bad Blood, un medio tiempo synth-pop cuyas letras hablan de la traición cometida por una amiga íntima (se especula que Taylor se refería a su ex-amiga Katy Perry). ‘Bad Blood’ fue lanzado en forma de remix con la participación del rapero Kendrick Lamar y supuso el tercer single #1 de «1989» en la lista americana y cuarto en total. El synth-pop de los años 80 inspiró varias de las canciones del álbum, entre ellas ‘Out of the Woods’, que describe la ansiedad de Taylor ante una relación frágil e inestable o ‘New Romantics’, cuyas letras hacen referencia a recuperar la esperanza tras un desengaño amoroso. Con «1989», Taylor Swift deja atrás definitivamente su pasado Country, profundiza en el pop comercial adoptado en su anterior trabajo y se reafirma en su posición de ‘pop star’ global, sin embargo este álbum no ofrece nada nuevo u original al panorama musical y sus letras resultan tremendamente genéricas y formulaicas. Puede que Taylor Swift haya conquistado al público adolescente, sin embargo su personalidad naif y el carácter casi infantil de las letras de sus canciones no ayuda en absoluto a conectar con ella ni su música. Temas imprescindibles: Out of the Woods, Style, Shake It Off, Blank Space y New Romantics. Puntuación: 6/10.

Crítica de «Rebel Heart» de Madonna

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Rebel Heart MadonnaMucha controversia y expectación se ha creado en torno al lanzamiento de Rebel Heart, el último disco de Madonna, ya que su publicación tuvo que ser adelantada por la filtración de todo su contenido en internet, por ello la discográfica de Madonna en un rápido y efectivo movimiento puso a la venta el álbum en iTunes de manera anticipada y quienes lo compraban en ‘pre-order’ podían descargarse inmediatamente las 6 primeras canciones del álbum, incluido el primer single, Living for Love. La promoción de «Rebel Heart» comenzó en febrero, cuando Madonna actuó en los premios Grammy e interpretó el sencillo presentación del disco en una temática muy similar a la del videoclip, inspirada en el mundo del toreo y con Madonna vestida de matador. La actuación de la reina del pop recibió grandes críticas por su puesta en escena, su coreografía y la buena ejecución vocal del tema, que fue interpretado en directo por parte de Madonna. Sin embargo en su siguiente actuación en los premios BRIT, muy similar a la anterior en cuanto a estética, la veterana cantante no corrió igual suerte, ya que durante la primera estrofa de la canción se encontraba en lo alto de en una escalera ataviada con una larga capa y al ser retirada ésta por parte de los bailarines, Madonna cayó hacia atrás dándose un buen golpe en la cabeza, pero haciendo gala de su profesionalidad se levantó y siguió cantando, y el público la ovacionó al finalizar la actuación. La ambición rubia siguió por Europa promocionando «Rebel Heart» y presentó en directo en el programa francés Le Grand Journal la versión remix de ‘Living for Love’ y un nuevo tema, ‘Ghosttown’, que será su siguiente single.

De las 6 primeras canciones que pudimos conocer del álbum destacan el pegadizo ‘Living for Love’ por su carácter optimista e inspirador y su influencia del sonido Gospel, ‘Devil Pray’, uno de los puntos fuertes del álbum y que tiene un toque folk que recuerda al álbum American Life, ‘Ghosttown’, que recuerda a otras grandes baladas de la carrera de Madonna como ‘Live to Tell’ y donde la voz de la cantante y la composición son los puntos fuertes o ‘Unapologetic Bitch’, que tiene influencia del sonido reggae y resulta muy pegadiza. Tras la actuación de Madonna en los Grammy otras 3 nuevas canciones fueron desveladas, de las cuales me sorprendió ‘Hold Tight’ y ya en marzo coincidiendo con la publicación del CD físico, el resto de canciones eran descargadas inmediatamente, completando los 14 temas de la versión estándar y los 19 de la versión deluxe. De las 3 entregas, sin duda me quedo con la primera por la gran calidad de sus canciones y por el factor sorpresa que supuso su lanzamiento.

Una vez que escuchas «Rebel Heart» en su totalidad, la principal diferencia que se observa con respecto a sus anteriores álbumes es que, aunque sigue teniendo el toque electrónico típico de Madonna, no hay muchos temas de estilo Dance en el álbum, ya que en este nuevo trabajo predominan los medios tiempos y las baladas. Este moderno y actual toque electrónico lo han dado los jóvenes DJ’s y productores Diplo, Billboard o Avicii, quienes trabajan por primera vez con Madonna. Dentro de los pocos temas up-tempo destacan ‘Living for Love’ y ‘Bitch I’m Madonna’, en el que participa la rapera Nicki Minaj, quien ya colaboró con Madonna en el álbum «MDNA». Pero lo que sorprende gratamente del disco son las baladas, por ello es una gran decisión la elección de ‘Ghosttown’ como segundo single del álbum, uno de los temas más sobresalientes, además de ‘Messiah’ y ‘HeartBreakCity’, donde la Reina del Pop despliega todo su talento como compositora y cantante. Dentro de los medios tiempos electropop que abundan en «Rebel Heart» destacan ‘Iconic’, en el que colabora el prometedor artista Chance The Rapper o ‘Veni Vidi Vici’ donde también hay un toque de Hip Hop gracias a las rimas de legendario rapero Nas. También me han llamado la atención ‘Joan De Arc’ o el tema que cierra y titula el álbum, ‘Rebel Heart’, posiblemente los temas más pop del disco y que destacan por la nítida voz de Madonna en primer plano. En resumen, «Rebel Heart» es un buen álbum pop y supone un evidente paso adelante con respecto a «MDNA», ya que resulta más cohesivo y equilibrado que éste último, el cual tenía dos partes muy diferenciadas y no terminaba de enganchar. «Rebel Heart» está más centrado en la voz de la cantante y en las letras de las canciones que en resultar comercial y accesible al público joven como «MDNA». Aunque en un álbum tan largo hay varias canciones que sobran, no se hace muy pesado y posiblemente estemos ante uno de los mejores álbumes de Madonna de los últimos tiempos. Temas imprescindibles: Devil Pray, Living for Love, Ghosttown, Hold Tight, Iconic y Rebel Heart. Puntuación: 7’5/10. 

Crítica de «1000 Forms of Fear» de Sia

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1000 FormsDesde hace varios años que Sia Furler es una compositora muy solicitada por cantantes de la talla de Rihanna, Christina Aguilera, Beyoncé, Britney Spears o Celine Dion, sin embargo en 2014 pasó de ser una artista minoritaria y desconocida por el gran público a convertirse en una de las cantantes más importantes del mundo de la música y ocupar las primeras posiciones en las listas de venta. En verano de 2014 vio la luz el sexto álbum de estudio de la excéntrica artista australiana, 1000 Forms of Fear, el cual está formado por 12 temas, principalmente baladas y medios tiempos, encuadrados dentro del electropop y compuestos por la propia Sia bajo la producción de Greg Kurstin en los que relata la batalla contra su adicción a las drogas y el alcohol y cómo sobrelleva el síndrome bipolar que le fue diagnosticado. «1000 Forms of Fear» debutó en el #1 de la lista de álbumes de Estados Unidos, Australia o Canadá y ocupó el top 10 en los importantes mercados como Reino Unido y Francia, aunque debutó tímidamente en Alemania o España. Gran parte del buen desempeño comercial que tuvo este trabajo se debió al inesperado éxito del single presentación del álbum, Chandelier, que alcanzó el top 5 en Australia, Francia o España y el top 10 en Estados Unidos, Alemania o Reino Unido, con unas cifras superiores a los 5 millones de copias digitales en todo el mundo. ‘Chandelier’ es una balada mid-tempo de estilo electropop con ciertas influencias R&B y reggae en la que Sia detalla de manera melancólica el sentimiento de abandono y liberación que sentía cuando salía de fiesta y consumía alcohol, así como el dolor y el vacío que provocan el alcoholismo. ‘Chandelier’ fue aclamado por la crítica por sus personales letras y la excelente ejecución vocal de Sia y recibió 4 nominaciones a los premios Grammy, entre ellos mejor canción y mejor grabación del año. Uno de los detalles más llamativos dentro de la promoción del álbum es que Sia no mostró su cara (pese a que ya conocíamos cómo es) y en todas sus actuaciones en directo utilizaba pelucas imposibles que le cubrían la mayor parte de su rostro y apenas mostraba su boca. En vez de enseñar su cara, toda la atención recaía en su poderosa voz y dejaba el protagonismo a la joven bailarina Maddie Ziegler, que fue la cara visible de sus videoclips y actuaciones gracias a su talento para el ballet y el baile clásico. 

‘Chandelier’ fue el único single oficial lanzado a nivel global, pero de manera limitada se lanzaron otros singles en diferentes territorios, como por ejemplo Big Girls Cry, que se trata de una balada synth-pop en la que Sia relata una ruptura sentimental y declara que las «chicas adultas también lloran». Pese a su limitado lanzamiento como single, ‘Big Girls Cry’ alcanzó el top 20 en Australia o Francia, que fue uno de los mercados más receptivos al álbum. Dentro de «1000 Forms of Fear» encontramos el tema Elastic Heart, que previamente formó parte de la banda sonora de la película «Los Juegos del Hambre» en una versión junto al cantante The Weeknd y que posteriormente fue incluida en el álbum en una versión cantada en su totalidad por Sia. ‘Elastic Heart’ es un tema mid-tempo electropop con influencia Trap producido por Diplo y Greg Kurstin en el que Sia relata cómo lidió con la enfermedad mental de su padre cuando apenas era una niña. La versión de ‘Elastic Heart’ cantada por Sia tuvo gran éxito y alcanzó el top 10 en Reino Unido, Australia o Canadá y el top 20 en Estados Unidos. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Fire Meets Gasoline’, en la que Sia compara una turbulenta relación con la reacción que se produce cuando el fuego toca la gasolina o ‘Eye of the Needle’, que relata una pérdida. Aunque dentro de «1000 Forms of Fear» dominan las baladas, encontramos un tema up-tempo, ‘Hostage’, que se trata de un marchoso tema pop/rock con influencia punk.

En su primera escucha «1000 Forms of Fear» no es un disco fácil de asimilar debido a la abundancia de baladas y el parecido entre muchos de sus temas, por lo que al principio puede resultar aburrido y monótono, sin embargo cuando le das otra oportunidad te acaba enganchando. Sin duda Sia se ha convertido en una de las artistas revelación del 2014 (pese a no ser una recién llegada al mundo de la música) y ha llamado la atención del público por su talento como vocalista y compositora, pero también por su excéntrica personalidad y sus shows, que se centraban en el aspecto visual de su arte mediante complejas coreografías por parte de Maddie Ziegler. Por su magistral y elegante producción, sus profundas letras que relatan los episodios más oscuros en la vida de la cantante y la originalidad de las canciones presentes, «1000 Forms of Fear» se convierte en uno de los mejores álbumes de los últimos años dentro del panorama musical. Temas imprescindibles: Chandelier, Fire Meet Gasoline, Big Girls Cry, Elastic Heart y Eye of the Needle. Puntuación: 8/10.

Crítica de «A.K.A» de Jennifer Lopez

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jlo-aka-coverMe considero un gran seguidor de Jennifer Lopez desde sus comienzos en el mundo de la música en el año 1999, cuando nos sorprendió con el magnífico tema ‘If You Had My Love’, que todavía hoy se encuentra entre mis temas favoritos de la cantante. Desde entonces he disfrutado con su música y la he apoyado tanto en sus mejores momentos como en los más bajos, cuando su carrera inició una espiral descendiente de popularidad y éxito y parte del público se olvidó de ella. Álbumes como «On The 6», «J.Lo» o «Rebirth» se encuentran entre mis favoritos y es una de las pocas cantantes cuyos álbumes los puedo escuchar en su totalidad sin descartar apenas ninguna canción. Por tanto, el lanzamiento de un nuevo álbum de Jennifer Lopez siempre es motivo de alegría y más cuando la cantante neoyorquina prometió que volvería a sus raíces urbanas tras una temporada en la que se centró en el dance-pop y su música se volvió más comercial y accesible a todos los públicos. Sin embargo con su último trabajo, A.K.A., me ha ocurrido algo que nunca me había sucedido con un álbum de Jennifer Lopez y es que muchos de los temas no me llamaron la atención ni me sorprendieron tras la primera escucha. Es cierto que tras darle un tiempo y escucharlo nuevamente te llevas mejor sensación, pero no resulta tan pegadizo como «Love?», que está lleno de temas bailables y enérgicos. «A.K.A.» está compuesto principalmente por temas mid-tempo pop/R&B de moderna producción y con gran componente electrónico, aunque también encontramos varias baladas y un par de temas up-tempo de estilo dance-pop. El álbum tiene gran influencia Hip-Hop y cuenta con una gran participación de raperos como Rick Ross, Nas, French Montana, T.I. o Iggy Azalea. «A.K.A.» ha supuesto la vuelta de Cory Rooney como productor ejecutivo tras su ausencia durante varios años y se encarga de la composición y producción de la mayoría de las canciones, aunque también participan otros productores como Detail, Roccstar, Max Martin o Harmony Samuels. Destaca la ausencia de RedOne (responsable de los hits ‘On The Floor’ y ‘Dance Again’), quien iba a ser el productor ejecutivo durante los primeros estadios del álbum, pero finalmente fue apartado del proyecto cuando Cory Rooney quiso darle un toque más urbano al álbum.

A principios de 2014, la cantante neoyorquina lanzó dos sencillos promocionales previos a la publicación del álbum, ambos con fuerte sonido urbano: Girls, un tema R&B/Hip-Hop producido por DJ Mustard que contiene el mismo mensaje de «al final de la noche las chicas sólo quieren pasárselo bien» de la famosa canción de Cyndi Lauper y Same Girl, un medio tiempo R&B en el que J.Lo habla de recordar tus raíces y no olvidar de dónde provienes, tal y como lo hacía su hit ‘Jenny From The Block’. El single presentación del álbum fue I Luh Ya Papi, un marchoso tema que mezcla Hip Hop y electropop en el que Jennifer utiliza varios acentos diferentes y cuenta con la participación del rapero French Montana. ‘I Luh Ya Papi’ tuvo un desempeño comercial mediocre y se convirtió en el ‘lead single’ de Jennifer menos exitoso hasta la fecha. El segundo single lanzado fue First Love, un tema electropop con influencias R&B producido por Max Martin que habla de encontrar el verdadero amor y desear que hubiera llegado años antes para que se convirtiera en tu primer amor. ‘First Love’ resulta el tema más inmediato y ‘radio-friendly’ del álbum y recibió buenas criticas por parte de los expertos musicales. La voz de J.Lo destaca gratamente en las baladas ‘Emotions’, compuesta por Chris Brown y ‘Let It Be Me’ o el medio tiempo R&B ‘Worry No More’ junto a Rick Ross. Uno de los temas más bailables del álbum y reminiscencia de sus anteriores singles de sonido dance-pop es ‘Booty’, que cuenta con la enésima colaboración de Pitbull y en el que J.Lo habla de la parte más famosa de su anatomía.

El desempeño comercial del álbum ha sido muy mediocre y ha supuesto uno de los fracasos del año. «A.K.A.» debutó en el #8 de la lista americana con apenas 30 mil copias vendidas en su primera semana, marcando mínimos dentro de la carrera de Jennifer Lopez. En España ha alcanzado #13 (muy por debajo de Love?, que fue #3 o del recopilatorio «Dance Again: The Hits» que debutó en el #5) y apenas ha ocupado el top 40 en Australia, Canadá y Alemania. En resumen, aunque «A.K.A.» no se encuentra entre mis favoritos de la cantante ni supere la calidad de sus álbumes anteriores, no quiere decir que sea un álbum de baja calidad en absoluto, ya que muestra una mayor madurez por parte de la cantante y tiene varios temas interesantes, pero en su conjunto resulta poco llamativo y en algunos momentos algo aburrido. Por ello obtiene la puntuación más baja que le he dado a un álbum de Jennifer Lopez pero en ningún caso es una nota negativa. Temas imprescindibles: First Love, Same Girl, Expertease, Booty y Worry No More. Puntuación: 7/10. 

Crítica de «Sex and Love» de Enrique Iglesias

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Sex_and_LoveEn el año 2010 el cantante Enrique Iglesias publicó el álbum Euphoria y gracias a singles como ‘I Like It’ con Pitbull, ‘Heartbeat’ junto a Nicole Scherzinger o ‘Dirty Dancer’ con Usher, logró un gran éxito comercial y vendió más de 4 millones de álbumes y 15 millones de singles en todo el mundo. «Euphoria» era un disco bilingüe, compuesto por canciones en inglés, centradas en el sonido dance-pop y electropop bajo la producción de RedOne y canciones en español de estilo Latin-pop más del gusto del público latinoamericano, que incorporaban sonidos como bachata o merengue. El cantante español afincado en Miami re-editó «Euphoria» para incluir nuevos temas como Tonight (I’m Fuckin’ You), que nuevamente tuvo gran éxito y ocupó posiciones altas en las listas de venta de todo el mundo. Casi 4 años más tarde, Enrique Iglesias ha publicado su nuevo álbum, Sex and Love, el décimo de su larga trayectoria musical y que comparte muchas similitudes con «Euphoria», ya que nuevamente es un disco bilingüe con canciones en español e inglés, está dirigido a las pistas de baile y cuenta con numerosos artistas invitados. «Sex and Love» continúa explorando el sonido electropop que inició con su anterior trabajo aunque seguimos encontrando el característico estilo Latin-pop y dance-pop de Enrique. La única diferencia es que RedOne, el responsable de la mayor parte de «Euphoria», no participa en este proyecto, pero su lugar lo han ocupado The Cataracs, un grupo de músicos especializados en música electrónica que tienen un estilo muy parecido al del conocido productor de origen marroquí, además de su habitual colaborador Mark Taylor y DJ Frank E. «Sex and Love» ha tenido un rendimiento comercial positivo y ha alcanzado el #1 en España o México y el top 10 en Estados Unidos. 

A pesar de la larga diferencia temporal entre «Sex and Love» y su predecesor, Enrique ha estado muy activo musicalmente hablando, ya que ha lanzado varios singles previos al lanzamiento del nuevo álbum, como ‘Finally Found You’, ‘Turn the Night Up’ y ‘Heart Attack’, todos ellos anclados al estilo del momento, el electropop y que han logrado un éxito moderado en las listas de Estados Unidos o España. Ya en 2014 llegó el single presentación de «Sex and Love», I’m a Freak, que muestra el lado más divertido y fiestero del cantante español y cuenta con la producción de The Cataracs y la colaboración del omnipresente rapero Pitbull. ‘I’m a Freak’ es un tema dance-pop y electro-House que comparte similitudes con ‘I Like It’ y ha resultado muy exitoso en las listas española y británica, donde ha ocupado el top 10, al igual que en el componente dance de la lista americana Billboard, aunque en el resto del mundo ha tenido un rendimiento muy moderado.

Para el mercado hispanohablante, el hijo de Julio Iglesias ha lanzado varios temas en español: ‘Loco’, una bachata junto al cantante Romeo Santos, ‘El Perdedor’, que ha sido el tema principal de una telenovela mexicana y Bailando, un pegadizo tema Latin-pop y reggaeton que cuenta con la participación del grupo cubano Gente de Zona. ‘Bailando’ está logrando gran éxito en nuestro país y tiene posibilidades de convertirse en una de las canciones más importantes de este verano. «Sex and Love» cuenta con importantes colaboraciones como las de Jennifer Lopez en el marchoso tema dance-pop ‘Physical’, Kylie Minogue en la balada ‘Beautiful’ (que también aparece en el nuevo álbum de la australiana, «Kiss Me Once»), Pitbull en ‘I’m a Freak’ y ‘Let Me Be Your Lover’ o el rapero FloRida en ‘There Goes My Baby’. En resumen, «Sex and Love» sigue la estela musical de «Euphoria» y repite su misma fórmula, por lo que no resulta original o innovador, además el conjunto de canciones presente no es tan sólido, sin embargo no es un trabajo de baja calidad ya que cumple perfectamente su papel de animar las fiestas a través de canciones bailables y animadas. Temas imprescindibles: I’m a Freak, There Goes My Baby, Physical y Bailando. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de «Flesh Tone» de Kelis

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flesh-tone-cms-sourceDurante su carrera profesional, siempre hemos relacionado a la artista americana Kelis con el R&B más alternativo, ya que no es una cantante de R&B en el sentido más estricto de la palabra y ha mezclado este estilo musical con Hip-Hop, Neo-Soul y un fuerte componente electrónico. Además, su alocada melena rizada, su particular tono de voz que le permite llegar a diversos registros, y su ecléctico y alternativo estilo, han hecho que Kelis no pase desapercibida dentro del panorama urbano ni resulte comparable a ninguna compañera de profesión. Kelis es una de las pocas cantantes de R&B que ha tenido más popularidad y reconocimiento fuera de Estados Unidos que en su propio país, ya que en tierras europeas y sobretodo en Reino Unido ha tenido una gran acogida con sus singles, sin embargo en Estados Unidos varios de sus singles han logrado moderado éxito, pero en general ha sido una artista muy minoritaria y de escaso éxito comercial. Kelis debutó en el mundo de la música con el tema «Caught Out There», que destaca por el tono de rabia y agresividad y los gritos de la cantante. Los productores The Neptunes fueron los responsables de los tres primeros álbumes de la cantante e imprimieron su particular estilo en la música de Kelis. Con su tercer disco, Tasty, gracias a su sonido más comercial y accesible, Kelis logró moderadas ventas en todo el mundo y gozó de gran éxito especialmente en Reino Unido y Australia con varios de sus singles, entre ellos «Milkshake», que se ha convertido en el mayor éxito de toda su carrera. «Kelis Was Here» fue su cuarto álbum de estudio, que tuvo escasas ventas y poca notoriedad a pesar de ser un proyecto muy ambicioso con gran cantidad de famosos productores. Aunque fue top 10 en Estados Unidos y tuvo un resultado inicial positivo gracias al single «Bossy», las ventas pronto disminuyeron y Kelis dejó la discográfica Jive que la había acompañado desde el principio de su carrera. Tras un periodo de descanso Kelis empezó a grabar su quinto de estudio mientras estaba embarazada de su primer hijo, fruto de su relación con el rapero Nas, quien ha colaborado varias veces en sus discos y con el que se casó en 2005. Además la cantante comenzó a componer y grabar nuevas canciones sin tener casa discográfica.

En 2009, mientras estaba en la recta final de su embarazo, Kelis se divorció de Nas y unos meses después nació su primer hijo, llamado Knight. Su embarazo, la maternidad y su condición de mujer son los temas presentes en el disco Flesh Tone, el sexto de la carrera musical de Kelis. Este álbum marca una evolución en la música de Kelis y una gran divergencia con el R&B de sus anteriores trabajos discográficos, ya que la cantante deja su habitual sonido urbano para adentrarse de lleno en la música electrónica. Kelis se unió a productores como el DJ David Guetta o Benny Benassi para lograr su sonido deseado, que incluye dance-pop, House y electropop. Este álbum, pese a sólo incluir 9 temas (muy por debajo de los estándares actuales en la música) recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales donde alabaron su evolución musical y la versatilidad de la cantante. 

La elección de los singles no pudo ser mejor, ya que Kelis escogió los temas más sobresalientes del disco: A Capella, producido por David Guetta fue el primer single y el más exitoso ya que logró el #5 en la lista británica y un moderado desempeño en el resto de Europa, tras él llegó ‘4th of July (Fireworks)’, que no logró replicar el éxito del primer single. Aunque no entraron en la lista Billboard, ambos singles tuvieron buen rendimiento en el componente dance de la lista americana. Los dos últimos singles, ‘Scream’ y ‘Brave’, pese a ser dos de los mejores temas del disco, no lograron buenas posiciones en las listas europeas. Kelis promocionó este álbum con la gira «All Hearts Tour» junto a la cantante sueca Robyn en Estados Unidos y Europa y mientras los resultados comerciales en tierras americanas de «Flesh Tone» fueron muy discretos, en Europa logró una mejor recepción ya que el sonido dance-pop y electro-House es más comercial y mejor recibido por el público europeo. Siempre hemos relacionado a Kelis con el R&B y el Hip Hop más alternativo, sin embrago con «Flesh Tone» descubrimos su lado más electrónico y bailable y creó un breve pero muy interesante disco. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Kiss Me Once» de Kylie Minogue

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Kiss Me OnceEste mes de marzo se ha publicado Kiss Me Once, el nuevo álbum de Kylie Minogue, que supone el primer trabajo discográfico de la cantante australiana desde «Aphrodite», el cual fue publicado en el año 2010, recibió críticas positivas por regresar a sus raíces musicales y fue acompañado de una gran gira aclamada por los expertos musicales por su espectacularidad, su complejo show y la solvencia vocal de la cantante en directo. En 2012, Kylie cumplió 25 años en el mundo de la música y como celebración de este importante acontecimiento, la diva australiana publicó un álbum de grandes éxitos y un disco en directo con orquesta, lanzó un tema nuevo llamado ‘TimeBomb’ y realizó una mini gira llamada Anti-Tour en la que cantaba canciones que no había interpretado anteriormente en sus giras de conciertos. «Kiss Me Once» es el duodécimo álbum de estudio de Kylie Minogue (el primero dentro de su nueva discográfica) y fue concebido tras un duro momento personal para la cantante, la separación de su pareja, el modelo español Andrés Velencoso. Estos sentimientos se han visto reflejados en «Kiss Me Once» y según ha contado la propia Kylie, se echó a llorar en varias ocasiones mientras grababa el disco porque su ruptura con Andrés estaba muy reciente. Las letras de las canciones están centradas en las relaciones amorosas, el sexo, el empoderamiento y pasarlo bien. «Kiss Me Once» está formado por 13 temas encuadrados dentro del pop y dance-pop con influencias electropop, funk, Disco y R&B bajo la producción de Cutfather, MNEK, The Monsters & The Strangerz, Jesse Shatkin, Greg Kurstin o Pharrell Williams entre otros. El single presentación del álbum ha sido Into the Blue, un tema dance-pop con influencias electropop cuyas letras hablan de ser libre e independiente. A través de este tema, Kylie envía un mensaje optimista y positivo tras su ruptura sentimental. ‘Into the Blue’ ha recibido buenas críticas por parte de los expertos por su producción y su naturaleza inspiradora, sin embargo ha tenido un desempeño comercial moderado: fue #12 en su mercado estrella, Reino Unido y top 20 en España, sin embargo ha resultado un fracaso en su nativa Australia, Francia o Alemania, donde apenas ha ocupado el top 50.

Tras ‘Into The Blue’, Kylie lanzó un single promocional, ‘Sexercise’, que se trata de un tema mid-tempo de estilo electropop y dubstep compuesto por Sia Furler, con unas letras de alto componente sexual y que por su estilo podría pertenecer al álbum «X». El segundo single lanzado fue I Was Gonna Cancel, un marchoso tema dance-pop con gran influencia funk/Disco producido por Pharrell Williams en el que Kylie relata lo que supone para ella un mal día. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Kiss Me Once’, un romántico tema pop mid-tempo compuesto por Sia, ‘Million Miles’, un marchoso tema dance-pop y electropop que podría encajar en su anterior álbum, ‘Sexy Love’ un pegadizo tema dance-pop con influencia Disco o ‘Fine’, el tema más up-tempo del álbum y uno de los pocos compuestos por la propia Kylie. El álbum también incluye la colaboración de Kylie con Enrique Iglesias en la insípida balada ‘Beautiful’, que también ha sido incluida en el nuevo trabajo del cantante español, «Sex and Love».

«Kiss Me Once» ha alcanzado el #1 en la lista australiana de álbumes (el cuarto álbum de Kylie que ocupa la posición de honor en su país), el #2 en Reino Unido y ha ocupado el top 10 en España, Francia o Alemania. Como dato positivo, en Estados Unidos, al haber fichado por Roc Nation, la discográfica del rapero y empresario Jay-Z, el álbum ha debutado en un discreto top 40 pero que resulta una de las mejores de toda la carrera de Kylie en Estados Unidos, mercado musical que siempre se le ha resistido. Como todos los trabajos de la cantante australiana, «Kiss Me Once» está formado por marchosos temas dance-pop dirigidos a las pistas de baile, pero algunos de ellos resultan básicos y genéricos, en parte por la escasa implicación de Kylie en las letras de las canciones. Aunque a nivel cualitativo se encuentra por debajo del estupendo «Aphrodite», en ningún caso es un trabajo de baja calidad, ya que resulta una adición más que digna a la discografía de Kylie Minogue. Temas imprescindibles: Into the Blue, Kiss Me Once, Million Miles, I Was Gonna Cancel, Les Sex y Sexy Love. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «31 Minutes to Takeoff» de Mike Posner

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31 Minutes to TakeoffAntes de lanzar su primer álbum, Mike Posner publicó una mixtape que pasó desapercibida entre el gran público y no fue hasta 2010 con el lanzamiento del single Cooler Than Me, cuando le ha llegado el éxito al joven cantante americano. ‘Cooler Than Me’ es un pegadizo tema electropop producido por Gigamesh en el que Mike habla de una chica que le gusta pero ella no se ha fijado en él ni le presta atención. Este single tuvo un buen desempeño comercial en todo el mundo y ocupó el top 10 en las listas de venta de Estados Unidos, Canadá, Australia o Reino Unido. Como segundo single llegó Please Don’t Go, otro marchoso tema synth-pop y dance-pop producido por Benny Blanco en el que Mike pide a su chica que no le abandone. ‘Please Don’t Go’ no resultó tan exitoso como el primer single pero alcanzó el top 20 en Estados Unidos y el top 40 en Canadá y Alemania. Ambos singles forman parte del primer álbum de estudio de Mike Posner, titulado 31 Minutes to Takeoff, el cual está formado por 13 temas encuadrados dentro del electropop con influencias dance-pop, R&B y Hip Hop, compuestos por el propio Mike bajo la producción de Benny Blanco, Greg Kurstin, Gigamesh o The Smeezingtons entre otros. Como dato curioso, en el minuto 31 del álbum y durante la canción ‘Synthesizer’ se oye el sonido de un avión despegando, tal y como reza el título del álbum. «31 Minutes to Takeoff» ocupó el top 10 en la lista americana de álbumes y ha vendido más de 150 copias en Estados Unidos. Ya en 2011 llegó el tercer single Bow Chika Wow Wow, que se desviaba del sonido de los singles anteriores y se trataba de un tema con influencia pop/R&B producido por el equipo The Smeezingtons, al que pertenece Bruno Mars, quien es una clara influencia en el tema. Este single se lanzó una versión diferente a la del álbum, con la colaboración del rapero Lil Wayne, aunque su presencia es mínima y no aporta nada a la canción. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Cheated’, un tema up-tempo de estilo electropop y dance-pop muy similar a los dos primeros singles y en el que el cantante admite que debería haber engañado a su novia (Carolyne Stephens, a quien le ‘dedica’ la canción) tras la infidelidad de ella o ‘Déjà Vu’, de estilo synth-pop/R&B y en el que participa el legendario grupo Boyz II Men. Mike Posner, nacido en Detroit y graduado en Sociología por una prestigiosa universidad americana, ha compuesto todos los temas del disco y ha producido gran parte de ellos, además tiene una voz muy particular y original, por lo que estaremos muy pendientes de sus siguientes pasos en el mundo de la música. «31 Minutes to Takeoff» es un álbum debut más que digno que refleja el sonido electropop de aquella época y contiene varios temas pegadizos y divertidos. Temas imprescindibles: Cooler Than Me, Please Don’t Go, Cheated, Synthesizer y Déjà Vu. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Fantasy Ride» de Ciara

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La cantante Ciara se convirtió en una de las figuras más prominentes del panorama R&B americano gracias al éxito de su primer álbum, Goodies, el cual destacó por su fusión de R&B, Hip Hop y Crunk, fue certificado triple platino en Estados Unidos y contó con los hits singles ‘Goodies’ y ‘1, 2 Step’ y ‘Oh’, los cuales ocuparon el top 5 de la lista americana. Tras él llegó The Evolution, con el que amplió su espectro musical y mostró una evolución como cantante, compositora y artista en general. En mayo de 2009, después de varios retrasos en su lanzamiento, vio la luz su tercer álbum de estudio, Fantasy Ride, el cual está encuadrado dentro del R&B/pop con influencia Hip Hop al igual que su anterior trabajo, pero introduce numerosos elementos dance-pop y electropop que lo hacía más accesible a todos los públicos y destaca por abandonar el sonido Crunk con el que se hizo conocida en su primer trabajo. Ciara participó en la composición de 8 de los 14 temas que forman el álbum y entre la extensa nómina de productores involucrados encontramos nombres tan importantes como Danja, Tricky Stewart, The Dream, Darkchild, Dr. Luke o Polow da Don entre otros. El álbum destaca por el hecho de que no participan sus habituales colaboradores y responsables de sus éxitos iniciales Lil Jon y Jazze Pha. Un gran número de artistas invitados aparecen en «Fantasy Ride», como por ejemplo Justin Timberlake, Chris Brown, Missy Elliott, Ludacris, Young Jeezy o The Dream. En este álbum, la atractiva cantante introducía su ‘alter ego’ Super C, que representa su lado más fuerte y agresivo. «Fantasy Ride» debutó en el #3 de la lista americana y apenas superó las 200 mil copias vendidas, unas cifras muy bajas en comparación a sus anteriores trabajos, lo que resultó una gran decepción para Ciara y su discográfica, que invirtieron mucho dinero en este proyecto. En el resto del mundo también tuvo un desempeño mediocre y sólo ocupó el top 10 en la lista de Reino Unido.

En 2008 se lanzó el single Go Girl, que se trata de un tema R&B y Hip Hop con gran uso de Auto-Tune que lanza un mensaje de empoderamiento femenino y cuenta con la colaboración de T-Pain, quien se encargaba de la producción junto a Jasper Cameron. Tras el fracaso de ‘Go Girl’ en la lista americana (apenas ocupó el top 80) fue catalogado de ‘buzz single’ y ni siquiera fue incluido en la edición estándar del álbum. Como primer single en tierras americanas se lanzó Never Ever, una balada R&B mid-tempo compuesta por Ciara y producida por Polow da Don que cuenta con la participación del rapero Young Jeezy y resulta muy parecida al estilo de ‘Promise’, perteneciente a su anterior álbum. En ‘Never Ever’, Ciara animaba a las mujeres a no dejar que un amor no correspondido arruinara sus vidas, mientras que Jeezy daba el punto de vista masculino. Este single también tuvo un desempeño muy mediocre y sólo alcanzó el top 70 en Estados Unidos. Como primer single internacional y segundo en Estados Unidos se lanzó Love Sex Magic, un marchoso tema funk, R&B y dance-pop con letras de alto voltaje sexual en el que participaba Justin Timberlake, quien además compuso y co-produjo el tema. ‘Love Sex Magic’ resultó un éxito comercial y ocupó el top 10 en las listas de venta de Estados Unidos, Reino Unido, Canadá, Alemania o Australia. ‘Love Sex Magic’ recibió una nominación a mejor colaboración pop en los premios Grammy. Como tercer single se lanzó Work, un híbrido dance-pop, electropop y Hip Hop producido por Danja que cuenta con la colaboración de Missy Elliott (con quien ya trabajó Ciara anteriormente en ‘1, 2 Step’ y ‘Lose Control’). Pese a ser uno de los temas más bailables y pegadizos del álbum, ‘Work’ tuvo un desempeño comercial moderado en Reino Unido y Australia. 

Dentro del álbum destacan ‘High Price’, un tema Crunk que cuenta con la colaboración de Ludacris y en el que Ciara usa un tono operístico, ‘Echo’, un tema pop producido por Danja que resulta uno de los más pegadizos y accesibles del álbum o ‘Keep Dancin’ on Me’, un tema mid-tempo de estilo synth-pop producido por Tricky Stewart perteneciente al lado más emotivo y romántico del álbum. «Fantasy Ride» supuso el inicio del declive comercial de Ciara, ya que no fue capaz de replicar el éxito de sus dos anteriores álbumes y se hundió en las listas de venta, en parte por la escasa promoción por parte de su discográfica y su cambio de estilo musical. «Fantasy Ride» supuso un punto de inflexión en la carrera de la cantante de Atlanta ya que sin abandonar totalmente el R&B y su toque urbano, marca una evolución hacia el sonido dance-pop en el que profundizaría en sus siguientes trabajos discográficos. «Fantasy Ride» no resulta tan cohesivo y consistente como su álbum debut debido a su mezcla de sonidos diferentes y pierde la esencia original de Ciara. No nos encontramos ante un trabajo de baja calidad ya que está compuesto por un conjunto de temas bailables que muestran la versatilidad y evolución como artista de Ciara. Los puntos en contra son las poco inspiradas baladas y el carácter genérico de las letras. Temas imprescindibles: Love Sex Magic, Never Ever, Work, Echo, G Is for the Girl y Keep Dancin’ On Me. Puntuación: 7’5/10.