Throwback Review: «The Miseducation of Lauryn Hill» de Lauryn Hill

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The Miseducation of Laury HillLauryn Hill comenzó su carrera profesional en los años 90 como actriz adolescente y alcanzó la fama y el reconocimiento de la crítica gracias a su participación en la película «Sister Act 2», en la que interpretaba a una jovencita de personalidad rebelde pero muy talentosa como cantante. Sin embargo la popularidad de Lauryn Hill se disparó a nivel global en su faceta como rapera y cantante dentro del grupo The Fugees, junto a Wyclef Jean y Pras Michel. The Fugees destacaron por su fusión del Hip Hop con otros géneros como R&B, reggae o funk y fueron artífices de éxitos de la talla de ‘Ready or Not’ o ‘Killing Me Softly’, que triunfaron en las listas de ventas de todo el mundo. Tras dos álbumes publicados, en 1997 el grupo se separó y sus miembros emprendieron sus carreras en solitario. La artista nacida en New Jersey compuso y produjo temas para cantantes como Whitney Houston, Mary J Blige o Aretha Franklin y empezó a trabajar en su primer álbum como solista. En 1998 vio la luz su álbum debut (y único hasta la fecha), titulado The Miseducation of Lauryn Hill, el cual está formado por 16 temas encuadrados dentro del R&B, Neo-Soul y Hip Hop con ciertas influencias reggae, todos ellos compuestos y producidos por la propia Lauryn Hill. Las letras de las canciones giran alrededor de su reciente maternidad (tuvo un niño con el hijo del legendario Bob Marley), la tensa relación con sus antiguos compañeros de The Fugees, la espiritualidad o el desamor. El álbum cuenta con Mary J Blige y D’Angelo como artistas invitados y Carlos Santana también aparece acreditado por tocar la guitarra española en uno de los temas presentes. «The Miseducation of Lauryn Hill» resultó un auténtico éxito comercial: debutó en el #1 de la lista americana con más de 400 mil copias vendidas en su primera semana (las mayores cifras de una artista femenina hasta la fecha) y acabó siendo certificado disco de diamante por más de 10 millones de copias vendidas. El álbum se mantuvo durante meses en el top 5 de la lista americana y destacó por su longevidad y consistencia en las ventas. En el resto del mundo también tuvo un desempeño muy positivo y alcanzó el #1 en Canadá e Irlanda y el top 5 en Reino Unido, Australia o Francia.

El single presentación del álbum fue Doo Wop (That Thing), un tema Hip Hop y R&B con influencia del sonido doo-wop que habla sobre las diferencias entre hombres y mujeres y los problemas a los que se enfrenta el colectivo afroamericano. ‘Doo Wop’ debutó directamente en el #1 de la lista americana, convirtiéndose en el primer tema de Hip Hop en conseguir dicho logro y permanece como el único #1 de Lauryn en solitario. Como segundo single se lanzó Ex-Factor, un tema mid-tempo Neo-Soul y R&B que describe el dolor producido tras una relación fallida (se rumorea que habla del ‘affair’ que tuvo con su ex-compañero Wyclef Jean). El título del single es un juego de palabras entre ‘x-factor’ y ‘ex’, haciendo referencia a la experiencia negativa con su antigua pareja. ‘Ex-Factor’ tuvo un desempeño comercial positivo y alcanzó el top 5 en Reino Unido y top 25 en Estados Unidos. El tercer y último single fue Everything Is Everything, un tema Hip Hop Soul de carácter up-tempo que relata las injusticias y los problemas a los que se enfrenta la juventud americana, especialmente el colectivo afroamericano. ‘Everything Is Everything’ no logró el mismo impacto comercial que los anteriores singles y ocupó el top 40 en la lista americana.

Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Superstar’, un tema R&B y Hip Hop Soul en el que Lauryn manifiesta su descontento ante la industria musical en la que sólo importan las ventas en vez de la esencia de la música, ‘Lost Ones’, un tema Hip Hop en el que arremete contra Wyclef Jean, quien culpó al embarazo de Lauryn como el causante de la separación del grupo o ‘Nothing Even Matters’, uno de los pocos temas que habla de amor en sentido positivo y en el que participa D’Angelo, otro de los mayores representantes del estilo Neo-Soul. Una de las canciones más personales del álbum es ‘To Zion’, una emotiva balada dedicada a su hijo Zion David Marley en la que relata que cuando se quedó embarazada le aconsejaron que abortara porque podría destruir su carrera musical, además de hablar de su relación con Dios. «The Miseducation» también incluye la versión del clásico ‘Can’t Take My Eyes Off You’ en clave R&B.

«The Miseducation of Lauryn Hill» fue aclamado por la crítica por la versatilidad de Lauryn como vocalista y rapera, su talento como compositora, su honesta visión del amor y la vida, la vulnerabilidad mostrada en las letras de las canciones y su fusión de estilos R&B, Soul y Hip Hop. El impacto de «The Miseducation» es incuestionable ya que fue uno de los discos pioneros dentro del sonido Neo-Soul, ofreció una nueva perspectiva del papel de la mujer dentro del Hip Hop (hasta ahora las raperas se limitaban a hablar de sexo) y ha sido fuente de inspiración para numerosas artistas posteriores como Adele, Rihanna, Macy Gray, Beyoncé o Lizzo entre otras. Este trabajo fue nominado en 10 categorías de los premios Grammy (el mayor número por parte de una artista femenina en la historia de los Grammy) y ganó 5, entre ellos mejor álbum R&B y álbum del año. Lauryn Hill no ha dado continuidad a su carrera musical tras «The Miseducation» pero puede presumir de haber publicado uno de los álbumes de R&B más icónicos de la década de los 90. Temas imprescindibles: Ex-Factor, Doo Wop (That Thing), Everything Is Everything, Superstar, When It Hurts So Bad y Lost Ones. Puntuación: 8/10.

Crítica de «RAW» de City Girls

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City Girls RAWPese a sus tímidos inicios en el mundo de la música, City Girls se han convertido en uno de los grupos más estables y sólidos dentro del Hip Hop femenino, que vive un gran momento gracias al éxito de artistas de la talla de Megan thee Stallion, Cardi B, Latto o Doja Cat. Amigas desde la infancia, Caresha y Jatavia (más conocidas como Yung Miami y JT) han demostrado su lealtad incondicional incluso cuando pasaron por momentos difíciles, como la entrada en prisión de JT, periodo durante el cual Yung Miami continuó en solitario promocionando la música de City Girls y mostró un apoyo total a su amiga, algo inusual dentro de un género plagado por las rivalidades y enfrentamientos entre los artistas. El dúo de Florida inició su trayectoria musical en 2018 con la mixtape Period, que recibió cierto apoyo dentro del circuito Hip Hop del sur de Estados Unidos y en el mismo año publicaron su primer álbum de estudio, Girl Code, con el que consiguieron dos hit singles, ‘Twerk’ junto a Cardi B y ‘Act Up’, los cuales ocuparon el top 40 en la lista americana y se convirtieron en sus mayores éxitos hasta la fecha. En 2020 vio la luz su segundo álbum, City on Lock, que alcanzó el top 30 en la lista Billboard y recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales. Desde sus comienzos, City Girls se han caracterizado por su agilidad a la hora de publicar música nueva y no han dejado de lanzar singles con mayor o menor suerte, lo que unido al carisma de Yung Miami y JT les ha ayudado a convertirse en uno de los grupos femeninos de Hip Hop más populares de los últimos tiempos. Legendarias raperas como Trina (originaria de Miami como ellas), Lil’ Kim o Foxy Brown han sido fuente de inspiración para City Girls, que son famosas por sus letras muy explícitas sobre sexo, su look explosivo y su imagen de mujeres fuertes, independientes y seguras de sí mismas. Esta misma semana ha visto la luz su tercer álbum de estudio, RAW (Real Ass Whores), el cual está formado por 18 temas de apenas dos minutos de duración encuadrados dentro del Hip Hop y el Trap bajo la producción de Hitmaka, Mike Will Made It, OG Parker, Tay Keith o Dr. Luke. Entre los artistas invitados encontramos a cantantes de la talla de Usher, Muni Long o Kim Petras y raperos como Lil Durk y Juicy J.

En verano del año pasado llegó el single presentación del álbum, Good Love, que se trata de un tema up-tempo muy marchoso que cuenta con la participación de Usher y en el que City Girls hablan de lo que son capaces de hacerle a su hombre si éste cubre sus necesidades mientras que el atractivo cantante describe sus habilidades amatorias para conquistar a las mujeres. ‘Good Love’ alcanzó el #70 en la lista americana, la cuarta entrada en el Hot 100 de Billboard por parte de City Girls. Tras este buen comienzo de era, llegaron otros singles como Piñata, un tema poco inspirado y de naturaleza muy sexual en el que hablan de sus partes íntimas y lo que les excita o I Need a Thug, en el que revelan sus preferencias por los hombres ricos y bien dotados y supone un himno para todas las ‘perras jóvenes y ricas’. El dúo de Miami siguió presentando nuevos singles como Face Down, producido por Mike Will Made It y que se trata de otro tema de alto voltaje sexual marca de la casa en el que City Girls dejan claro nuevamente que no quieren hombres sin blanca y que no estén a su altura. Coincidiendo con la publicación de «RAW» se ha desvelado el videoclip de un nuevo tema, Flashy, que cuenta con la colaboración de Kim Petras, se adentra en el estilo Disco/pop de la cantante alemana y habla de la inclinación de las chicas por el lujo. ‘Flashy’ está producido por Dr. Luke (la mano derecha de Kim Petras) y resulta la apuesta más comercial y accesible a todos los públicos por parte de City Girls, siguiendo los pasos de otros temas similares como ‘Kiss Me More’ de Doja Cat o ‘Closer’ de Saweetie.

Entre los temas más destacados de «RAW» se encuentran ‘Static’, encuadrado dentro del sonido Trap y que cuenta con la participación de Lil Durk, ‘Wigs’, un tema tontorrón sobre el poder que les da llevar pelucas pero contiene una de las mejores producciones del álbum o ‘Emotions’, un tema mid-tempo R&B en el que Muni Long hace una aparición estelar gracias a su magnífico estribillo en el que ruega a su pretendiente que abra su corazón y su billetera. En resumen, City Girls siguen sin entregar su obra maestra pero ofrecen otro álbum solvente y más que digno en el que se muestran tan reales y auténticas como siempre y refuerzan su posición dominante dentro del Hip Hop femenino. Temas imprescindibles: Good Love, Static, I Need a Thug, Emotions, Face Down y Flashy. Puntuación: 7/10. 

Throwback Review: «The Velvet Rope» de Janet Jackson

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The Velvet RopeEn el año 1993 vio la luz el quinto álbum de Janet Jackson, titulado «janet.», con el que pretendía desvincularse de su famoso apellido y ser reconocida en la industria musical por sí misma y gracias a sus propios méritos. Este álbum, en el que adoptaba una imagen más madura, sexual y empoderada, tuvo un desempeño comercial positivo y alcanzó el #1 en las listas de Estados Unidos, Australia o Reino Unido. Tras el gran éxito cosechado por «janet.», la cantante americana decidió renegociar su contrato con la discográfica Virgin y obtuvo 80 millones de dólares, la cifra más alta pagada por un contrato discográfico hasta la fecha. En 1997 se puso a la venta su sexto álbum de estudio, The Velvet Rope, el cual estaba encuadrado dentro del R&B/pop al igual que sus anteriores trabajos, pero resultaba más ecléctico al incorporar influencias trip-hop, Soul, jazz, rock o funk (lo que suponía la antesala del R&B alternativo) y contaba con un sonido más oscuro. La hermana pequeña de los Jackson compuso todos los temas presentes en el álbum bajo la producción de sus habituales colaboradores Jimmy Jam & Terry Lewis y de su marido por entonces, René Elizondo. El carácter sombrío de las letras provenían de la depresión que sufrió Janet unos años antes, provocada por un cúmulo de problemas arrastrados desde su niñez, como la dismorfia corporal, la anorexia o el odio a sí misma. «The Velvet Rope» es un álbum conceptual de carácter autobiográfico que trata temas como la sexualidad y las relaciones abusivas, además de otros muy controvertidos durante aquella época como el sida, las relaciones entre personas del mismo sexo o el sadomasoquismo. «The Velvet Rope» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el cuarto #1 consecutivo de Janet y acabó siendo certificado triple platino por ventas superiores a los tres millones de copias en Estados Unidos. En el resto del mundo también tuvo un desempeño comercial muy positivo y ocupó el top 10 en importantes mercados como Reino Unido, Francia, Alemania o España.

El single presentación del álbum fue Got ‘til It’s Gone, un tema mid-tempo R&B con influencias trip-hop y Hip Hop que samplea el clásico tema ‘Big Yellow Taxi’ de Joni Mitchell y cuenta con la colaboración del rapero Q-Tip. Este tema, que habla de las lecciones que aprendes en la vida, como apreciar lo que tienes y no dar nada por sentado, recibió buenas críticas por la madurez de las letras y su sonido alternativo. ‘Got ‘til It’s Gone’ no fue lanzado de manera oficial en Estados Unidos pero alcanzó el top 10 en Reino Unido y Australia. El segundo single lanzado fue Together Again, que se trata de un enérgico tema dance-pop y House (aunque originalmente fue concebida como una balada) cuyas letras se inspiran en la pérdida de un amigo de Janet a causa del sida. El carácter bailable de ‘Together Again’ contrastaba con sus profundas y emotivas letras y recibió grandes críticas de los expertos musicales por la estructura de la canción y la ejecución vocal de Janet. ‘Together Again’ se convirtió en uno de los temas más populares del año: alcanzó el #1 en la lista americana (su octavo single ‘chart topper’) y ocupó el top 5 en los principales mercados internacionales. Como tercer single se lanzó I Get Lonely, una melancólica balada R&B/Soul cuyas letras hacen referencia a la soledad que siente la cantante y lo mucho que echa de menos a su amante. ‘I Get Lonely’ continuó la buena racha comercial de los anteriores singles y fue top 5 en la lista americana y británica. El cuarto single lanzado fue Go Deep, un marchoso tema pop/R&B influenciado por el sonido New Jack Swing en el que Janet habla de salir de marcha con sus amigos y su deseo de conocer un hombre con el que tener relaciones sexuales. También fueron lanzados de manera limitada otros sencillos como ‘You’, un tema trip-hop con elementos funk en el que la cantante se lamenta por haber pasado la vida complaciendo a los demás en vez de a sí misma y ‘Every Time’, una bonita balada pop/R&B en la que relata su miedo al amor.

Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Velvet Rope’, un tema up-tempo con toques electrónicos cuyas letras hacen referencia a la ‘cuerda de terciopelo’ que todos tenemos dentro e impide que otros conozcan nuestros sentimientos, ‘Tonight’s the Night’, que habla de incorporar a una mujer en un encuentro sexual con su pareja o ‘What About’, una tema R&B con elementos rock que habla de violencia doméstica y recuerda al estilo de su hermano Michael. En resumen, «The Velvet Rope» es uno de los álbumes más personales de la trayectoria de Janet Jackson y destaca por su tono oscuro y sus letras explícitas sobre temas tabú en la época como la violencia doméstica, el sexo en todas sus vertientes, la homosexualidad o el sida. El impacto de este álbum es innegable ya que supuso un apoyo fundamental para la comunidad gay, influenció a una generación entera de artistas como Beyoncé, Kelly Rowland, TLC, Rihanna o Ciara y sentó las bases del desarrollo posterior del R&B alternativo. «The Velvet Rope» es uno de los álbumes imprescindibles de la década de los 90 y uno de los trabajos clave en la discografía inicial de la cantante junto a «janet.» y «Rhythm Nation». Temas imprescindibles: Together Again, I Get Lonely, Go Deep, Velvet Rope, Every Time, Got ‘til It’s Gone, What About y Tonight’s the Night. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «Raymond v. Raymond» de Usher

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Raymond v RaymondUsher va a ser el encargado de amenizar el tiempo medio de la Super Bowl en febrero del 2024, fecha que coincidirá con el lanzamiento de su esperado nuevo álbum, «Coming Home». Algunas voces críticas han surgido en torno a la elección del cantante americano como candidato a protagonizar dicho show, alegando que no es una apuesta adecuada por no ser una figura tan conocida a nivel mundial como otros cantantes que han cantado en la Super Bowl, por ejemplo Madonna, Beyoncé o Katy Perry, sin embargo en mi opinión es una decisión de lo más acertada ya que Usher es uno de los artistas más importantes del R&B contemporáneo y un auténtico ídolo en tierras americanas, además de ser un vocalista muy solvente en directo y un gran ‘performer’ y ‘showman’. En el blog Mister Music la discografía de Usher ha recibido valoraciones muy positivas y varios de sus álbumes han sido incluidos en los repasos a los mejores álbumes de R&B de las décadas de los 90, 2000 y 2010 que he realizado durante estos últimos años. Como homenaje a la carrera del cantante de Atlanta y con motivo de su participación en la Super Bowl del año que viene, realizaré la crítica en retrospectiva de uno de los álbumes más importantes de su discografía. En marzo de 2010 vio la luz el sexto álbum de estudio de Usher, titulado Raymond v. Raymond, el cual está formado por 14 temas encuadrados dentro del R&B con influencias pop, Hip Hop o Soul y compuestos por el propio Usher bajo la producción de importantes nombre de la industria musical como Jermaine Dupri, Bryan-Michael Cox, Terry Lewis & Jimmy Jam, Danja, Jim Jonsin, Rico Love, Polow da Don, Bangladesh, Will.I.Am, Sean Garrett, The Runners o Zaytoven entre otros. «Raymond v. Raymond» tomaba el relevo a «Here I Stand», el cual fue publicado dos años atrás y estaba marcado por importantes acontecimientos en la vida del cantante, como la reciente muerte de su padre, la ruptura de su madre como manager y su matrimonio con la estilista de las estrellas Tameka Parker, por lo que se apreciaba una evolución y madurez en sus letras. En cambio «Raymond v. Raymond» relata los sentimientos de Usher tras la separación de su mujer y madre de su hijo (cuya relación y divorcio fueron ampliamente publicitados en los medios de comunicación americanos), retoma su faceta de soltero rompecorazones y recupera el estilo de su legendario álbum «Confessions». «Raymond v. Raymond» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el tercer álbum consecutivo de Usher Raymond que lideraba la lista de ventas y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias en Estados Unidos. En el resto del mundo el álbum tuvo un impacto comercial positivo y ocupó el top 5 en Canadá, Reino Unido o Australia, con ventas superiores a los 5 millones de copias a nivel mundial.

A finales de 2009 llegó el single promocional Papers, que se trata de una balada R&B mid-tempo producida por Zaytoven y Sean Garrett que guarda muchas similitudes con su hit ‘Burn’ y cuyas letras hacían referencia a su reciente divorcio. Pese a ser catalogado como ‘buzz single’ del álbum, ‘Papers’ alcanzó el top 40 en la lista americana y fue #1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard. El single presentación del álbum fue Hey Daddy (Daddy’s Home), un medio tiempo R&B producido por The Runners y Rico Love en el que Usher vuelve a ejercer su papel de irresistible ‘casanova’ deseado por las mujeres. ‘Hey Daddy’ tuvo un desempeño comercial positivo y alcanzó el top 25 en la lista americana. El segundo single lanzado fue Lil Freak, un tema R&B/Hip de sonido oscuro que cuenta con la colaboración de la rapera Nicki Minaj y habla de hacer un ‘ménage à trois’ en un club. El tercer single en tierras americanas y primero lanzado de manera internacional fue OMG, que marcaba una divergencia con respecto al habitual estilo de Usher y se trata de un enérgico tema electropop y dance-pop producido por Will.I.Am, quien también participa como artista invitado. Gracias a su ritmo bailable y su naturaleza desenfadada, ‘OMG’ resultó un auténtico éxito comercial y alcanzó el #1 en las listas de Estados Unidos (el noveno single ‘chart topper’ de Usher), Australia o Reino Unido. Como cuarto single se lanzó There Goes My Baby, una balada R&B con influencia Neo-Soul producida por Jim Jonsin y Rico Love en la que Usher hace uso de su famoso ‘falsetto’ y cuyas letras describen la conexión especial que sienten dos personas y resulta irrompible aunque surjan circunstancias adversas en la vida. ‘There Goes My Baby’ continuó la buena racha comercial de los anteriores singles y alcanzó el top 25 en la lista americana y fue #1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard.

En verano del 2010 «Raymond v. Raymond» fue reeditado con 8 nuevas canciones y además se lanzó un EP independiente bajo el título de Versus, que incluía los temas inéditos de la edición deluxe además de ‘There Goes My Baby’. Como primer single de «Versus» se lanzó DJ Got Us Fallin’ In Love, un pegadizo tema dance-pop y electropop producido por Max Martin que cuenta con la colaboración de Pitbull y seguía la estela musical de ‘OMG’. Este single recibió algunas críticas negativas por sus letras genéricas sobre utilizar la pista de baile como método de desconexión y escape, sin embargo en el terreno comercial resultó un éxito y fue top 10 en los principales mercados. Como siguiente single llegó Hot Tottie, un tema R&B/Hip-Hop de gran componente electrónico que cuenta con la participación estelar de Jay-Z y en el que Usher relata sus andanzas sexuales. Como último single extraído de la edición deluxe del álbum se lanzó More, un potente tema electropop y dance-pop producido por RedOne que aprovechaba el tirón comercial de sus singles más bailables y seguía el típico patrón utilizado por RedOne en sus recientes producciones para Enrique Iglesias o Jennifer Lopez.

En resumen, «Raymond v. Raymond» es un álbum muy completo y variado en el que podemos encontrar sus clásicas ‘slow jams’ de estilo R&B con las que deleitarnos con la sensual y maravillosa voz de Usher además de marchosos temas de pop electrónico con los que conquistó a un público más diverso. Uno de los puntos fuertes del álbum fue su amplia y acertada selección de singles, muchos de los cuales Usher interpretará en la Super Bowl del año que viene. Sin duda uno de los trabajos más destacados dentro de su notable discografía y personalmente uno de mis favoritos junto a «8701» y «Confessions». Temas imprescindibles: Hey Daddy (Daddy’s Home), DJ Got Us Fallin’ In Love, Hot Tottie, There Goes My Baby, OMG, Papers, Lil Freak y More. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Our Songs» de Anastacia

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Our SongsLa cantante Anastacia vivió su apogeo en el mundo de la música durante los primeros años de la década del 2000 gracias a álbumes como «Not That Kind», «Freak of Nature» o «Anastacia», los cuales vendieron más de 10 millones de copias en todo el mundo, aunque triunfaron especialmente en Europa, donde se convirtió en una de las cantantes más exitosas durante aquella época. Desde un primer momento, la cantante nacida en Chicago llamó la atención por su potente voz con matices negros, su pequeña estatura, su amplia colección de gafas de sol y su ecléctico estilo musical que fusionaba pop/rock, R&B, dance, funk y Soul, una curiosa mezcla que ella misma denominó como ‘sprock’ y se convirtió en su seña de identidad. Pese a ser americana, lo cierto es que Anastacia nunca ha sido profeta en su tierra y no ha contado con demasiado apoyo por parte del público estadounidense (sólo su single debut ‘I’m Outta Love’ consiguió entrar en el Hot 100 de Billboard) por lo que se centró en Europa, donde logró gran éxito con temas como ‘Left Outside Alone’, ‘Paid My Dues’ o ‘One Day In Your Life’, los cuales ocuparon los primeros puestos en las listas de venta. Tras sus tres primeros trabajos, Anastacia sufrió una espiral descendiente en su éxito comercial y sus álbumes posteriores tuvieron un escaso impacto, sin embargo sus seguidores de Alemania siempre le han apoyado de manera incondicional, por lo que la cantante ha querido hacer un pequeño homenaje al país germano en su nuevo proyecto musical.

El pasado mes de septiembre llegó el noveno álbum de estudio de Anastacia, titulado Our Songs, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro de su habitual estilo pop/rock y que se tratan de interpretaciones en inglés de famosas canciones de grupos y artistas alemanes. «Our Songs» es el primer álbum de Anastacia desde «Evolution», publicado en 2017 y que tuvo un desempeño comercial moderado, aunque alcanzó el top 20 en España, Alemania o Italia, sus mercados más fieles. El single presentación del álbum fue Best Days, un tema mid-tempo pop/rock con coro creciente marca de la casa en el que Anastacia demuestra que sigue siendo una potente vocalista. En este tema, originalmente grabado por el grupo Die Toten Hosen, Anastacia relata que tras los momentos difíciles siempre llegan los tiempos mejores y refleja su alegría por reencontrarse de nuevo con sus fans tras haber estado un tiempo separados debido a la pandemia del coronavirus. Como segundo single se lanzó Supergirl, un pegadizo tema que destaca por su uso prominente de guitarra española y cuyas letras están dedicadas a todas las mujeres fuertes, independientes y luchadoras, por lo que resulta un himno de empoderamiento femenino. El tercer single lanzado fue Now or Never, un enérgico tema pop/rock que supone uno de los momentos más up-tempo del álbum y en el que Anastacia declara que ahora es el momento de cumplir tus sueños y hacer lo que siempre has deseado.

Entre los temas más destacados del álbum se encuentran la emotiva balada ‘Beautiful’, originalmente grabada por Sarah Connor (una de las cantantes alemanas más exitosas de todos los tiempos) y que reivindica el amor propio o clásicos atemporales como ‘Still Loving You’ de los Scorpions, ‘Forever Young’ de Alphaville o ‘An Angel’ de The Kelly Family. Anastacia, que actualmente tiene 55 años, es una auténtica superviviente de la vida, ya que le fue diagnosticada la enfermedad de Crohn cuando era pequeña, ha superado dos cánceres de pecho y ha tenido problemas de corazón, pero gracias a su fuerza y espíritu luchador ha conseguido salir adelante y se ha convertido en una inspiración para multitud de personas. La decisión de realizar un álbum de versiones puede resultar discutible debido al escaso input aportado por el artista, sin embargo «Our Songs» tiene un valor añadido ya que las canciones presentes han sido re-interpretadas del alemán al inglés, manteniendo la esencia original pero con la inconfundible y maravillosa voz de Anastacia. En ausencia de un nuevo álbum con canciones inéditas, «Our Songs» supone una digna adición a su catálogo musical y uno de los regresos más importantes del año. Temas imprescindibles: Best Days, Supergirl, Now or Never, Beautiful y Forever Young. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Scarlet» de Doja Cat

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ScarletDesde sus inicios en el mundo de la música, Doja Cat ha destacado por su rebelde y controvertida personalidad y ha llamado la atención del público por sus polémicos comentarios en las redes sociales que le han hecho ganarse más de un enemigo, sin embargo en el terreno profesional se ha convertido en una de las raperas y cantantes más exitosas de los últimos años. Amala Dlamini (el verdadero nombre de Doja Cat) vivió uno de sus mejores momentos profesionales con el inesperado éxito de ‘Say So’, un pegadizo tema Disco/pop perteneciente a su segundo álbum Hot Pink con el que logró su primer single #1 en Estados Unidos y ocupó las primeras posiciones en las listas de todo el mundo. La artista californiana desarrolló su faceta pop en su siguiente trabajo discográfico, Planet Her, que consolidó su fama internacional y se ha convertido en uno de los álbumes más exitosos de los últimos años gracias a hit singles de la talla de ‘Kiss Me More’, ‘You Right’ o ‘Woman’, que acumulan millones de reproducciones en las plataformas musicales. Este álbum estaba formado por pegadizos temas R&B/pop con influencia Hip Hop en los que Doja Cat mostraba su versatilidad como cantante y rapera, sin embargo recibió algunas acusaciones de comprometer su integridad profesional y venderse al pop comercial. Pese a la gran longevidad comercial de «Planet Her» en las listas de venta y las alegrías que le ha proporcionado, Doja Cat renegó de éste y su anterior trabajo y criticó a sus seguidores en las redes sociales «por apoyar álbumes tan mediocres», lo que demostraba muy poco respecto por su propio catálogo musical y una escasa integridad profesional. Más tarde, la polémica artista anunció que su siguiente álbum se centraría en el sonido Hip Hop para demostrar su valía como rapera, que se había puesto en entredicho ante su deriva pop.

El pasado mes de junio llegó el sencillo promocional Attention, que se trata de un tema de casi 5 minutos de duración producido por Y2K e inspirado en el Hip Hop de los años 90 que se centra en las habilidades como liricista y rapera de Doja Cat. En el primer verso, la artista nacida en Los Ángeles arremete contra quienes no apoyan su cambio de apariencia y la critican en las redes sociales, mientras que en el segundo verso habla de las rivalidades o ‘beefs’ que existen en el mundo del Hip Hop y de las comparaciones surgidas entre ella y Nicki Minaj, a quien admira y respeta. ‘Attention’ recibió buenas críticas por su nueva dirección musical, sus habilidades como compositora y por su aplomo y seguridad durante los versos de rap, sin embargo no resultaba una apuesta muy comercial ni apta a todos los públicos. ‘Attention’ ha tenido un impacto comercial moderado y apenas ha ocupado el top 40 en las listas de venta de Estados Unidos, Canadá, Australia o Reino Unido. Tras ‘Attention’ llegó el verdadero single presentación del álbum, Paint the Town Red, otro tema de Hip Hop con el que Doja continúa su decisión de abandonar el pop y se centra en reafirmar su credibilidad como rapera, sin embargo no se distancia demasiado del estilo presente en «Planet Her» debido al uso del sample de ‘Walk on By’ de Dionne Warwick y su estribillo melódico y cantado. En este tema, cuyo título podría traducirse como «salir y pasarlo bien», Doja Cat presume de la fama y el dinero que ha conseguido y nuevamente carga contra aquellos que la han criticado por su cambio de apariencia (la rapera se rapó la cabeza y las cejas hace unos meses). ‘Paint the Town Red’ ha resultado un gran éxito comercial: en apenas dos meses acumula 300 millones de reproducciones en Spotify y ha alcanzado el #1 en las listas de ventas de Estados Unidos (su segundo ‘chart topper’ tras ‘Say So’), Canadá, Australia o Reino Unido.

El siguiente sencillo promocional lanzado fue Demons, un tema de Hip Hop y Trap influenciado por el Horrorcore (subgénero del Hardcore Hip Hop, de sonido oscuro y aterrador) que destaca por su ritmo distorsionado y su melodía de cuerdas en bucle. En ‘Demons’, Doja Cat arremete nuevamente contra sus haters presumiendo del dinero y los lujos que posee, menciona que algunos de sus fans se sentirán decepcionados ahora que ha decidido dar su opinión honesta sobre ellos y responde a quienes le acusan de practicar el satanismo. Coincidiendo con la publicación del álbum llegó un nuevo single, Agora Hills, que se trata de una balada Hip Hop con influencia R&B cuyas letras hacen referencia a su deseo de hacer pública una relación que se ha mantenido privada e incluso menciona que le gustaría casarse. El título del tema es un juego de palabras entre la ciudad californiana de Agoura Hills (suburbio de Los Ángeles donde creció Doja Cat) y el término agorafilia, que es un deseo incontrolable de tener relaciones sexuales en lugares públicos y según se da a entender en la letra de la canción, a la cantante le gusta practicar. Sin duda ‘Agora Hills’ es uno de los temas más destacados del álbum y en el que se aprecia la influencia que ha tenido Nicki Minaj en su estilo y manera de rapear.

En una semana de extrema competencia en la que se han producido numerosos lanzamientos ha visto la luz el cuarto álbum de estudio de Doja Cat, Scarlet, el cual está formado por 15 temas encuadrados dentro del Hip Hop con influencias Trap y R&B y compuestos en su totalidad por la propia Doja bajo la producción de Y2K, Earl on the Beat, Yeti Beats, Jay Versace o London on da Track entre otros. Cabe destacar que su habitual colaborador Dr. Luke, artífice de la mayoría de sus éxitos y especialista en crear temas de pop infalibles, no participa en este álbum. «Scarlet» es un trabajo introspectivo y autobiográfico que relata diferentes episodios de la vida de Doja Cat y destaca por el carácter downtempo de los temas presentes, su sonido oscuro, el uso de numerosos samples de famosas canciones y su querencia por el Hip Hop de los años 90. Dentro del álbum destacan ‘Wet Vagina’, un tema de Trap en el que describe su extravagante estilo de vida y presume de su gusto por la ropa lujosa y el sexo duro, ‘Can’t Wait’, un tema R&B/Hip-Hop que habla del amor incondicional que siente hacia su pareja y muestra su lado más emotivo y vulnerable o ‘Balut’, un tema de carácter downtempo y mínima producción influenciado por el Boom Bap (un prominente subgénero del East Coast Hip Hop durante los 90) en el que Doja presume con fanfarronería de su estatus en el mundo de la música y relata cómo muchos artistas copian su estilo y se inspiran en ella.

Por una parte, Doja Cat ha cumplido el objetivo que buscaba con este álbum: ofrecer temas de Hip Hop solventes y demostrar al mundo su talento como liricista y rapera, sin embargo «Scarlet» resulta largo, repetitivo y menos disfrutable que «Planet Her». La decisión de Doja Cat de querer recuperar su credibilidad como rapera (Nicki Minaj pasó por esa fase en su álbum «Queen») y distanciarse del pop comercial es totalmente respetable, pero lo cierto es que casi todos los temas presentes en «Scarlet» palidecen al lado de auténticas joyas musicales como ‘Kiss Me More’, ‘Say So’ o ‘Woman’. Como reflexión final, resulta digno de estudio que Doja Cat, la cual ha renegado de los álbumes que le han hecho famosa y muestra un desprecio reiterado hacia sus fans, se encuentre en el top 10 de los artistas más escuchados a nivel mundial y supere los 60 millones de oyentes mensuales en Spotify. Temas imprescindibles: Paint the Town Red, Attention, Agora Hills, Demons y Can’t Wait. Puntuación: 7/10.

Crítica de «I’m the Problem» de K. Michelle

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I'm The ProblemDurante la promoción de su último álbum, la cantante K. Michelle declaró que All Monsters Are Human sería su último trabajo encuadrado en el R&B y continuaría su carrera musical dentro del Country. Debido a sus orígenes sureños (nació en Memphis, Tennessee, una de las cunas del Country) la cantante ha escuchado desde pequeña este género y es el que más le ha inspirado como artista. Sin embargo K. Michelle decidió grabar un último álbum de R&B como regalo hacia a sus leales seguidores por todo el apoyo recibido durante su carrera. La cantante, famosa por su curvilínea figura, ha pasado por numerosos cambios físicos y personales durante los últimos años y en el reality show «My Killer Body» relataba cómo se retiró de su cuerpo los implantes de silicona que se puso hace años en el mercado negro y le estaban afectando la salud. El sexto álbum de estudio de K. Michelle tiene por título I’m the Problem y está formado por 19 temas, principalmente baladas y medios tiempos, encuadrados dentro del R&B/Soul y compuestos por la propia Kimberly bajo la producción de Lil Ronnie, Claude Kelly, Chuck Harmony, Drumma Boy o Jazze Pha entre otros. «I’m the Problem» es un trabajo de carácter autobiográfico en el que la cantante habla de desamor y sus turbulentas relaciones con los hombres y cuyo sonido está inspirado en el R&B de los años 90. La ex-estrella del reality show «Love & Hip Hop» ha declarado que durante el proceso de creación de este álbum ha curado las heridas emocionales que tenía, ha mejorado la relación con su hijo y ha podido reflexionar sobre su futuro profesional y preguntarse qué es lo que quiere hacer a partir de ahora.

Para dar con el primer single del álbum tenemos que remontarnos a febrero de 2022 cuando se lanzó Scooch, que se trata de una balada R&B mid-tempo en la que la cantante relata las mariposas que siente en el estómago cuando conoce a un nuevo hombre y empiezan a salir juntos. ‘Scooch’ recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales por las habilidades de Kimberly como vocalista y compositora y la naturaleza romántica de sus letras. En el terreno comercial este single consiguió alcanzar el #1 en el componente Adult R&B Songs de la lista Billboard y acumula dos millones de escuchas en Spotify. ‘Scooch’ fue uno de los mejores singles de R&B lanzados durante el año pasado y conserva la esencia del ‘verdadero R&B’ que se ha ido perdiendo a lo largo de los años. Tras un amplio lapso de tiempo sin nueva música por parte de la cantante, en marzo de este año llegó el segundo single, You, que se trata de una clásica balada R&B en la que K. Michelle, de manera melancólica, se lamenta de no poder sacarse de la cabeza a su ex-pareja pese a intentar pasar página de la relación. ‘You’ contiene unas letras muy personales con las que sus fans pueden sentirse identificados y destaca por la poderosa voz Soul de la cantante sureña. El tercer single lanzado fue Wherever the Dick May Land, un tema R&B de carácter rítmico influenciado por el sonido Trap y Hip-Hop que cuenta con la participación de la rapera Glow Up (también originaria de Memphis) y en el que Kimberly hace gala de su versatilidad vocal aportando un rap. En este tema de controvertido título, la cantante habla sin tapujos de los hombres que utiliza sólo para el sexo ya que no son aptos para tener una relación seria y duradera. A unas semanas de la publicación del álbum llegó un nuevo single, Blame Yourself, que se trata de una clásica balada R&B/Soul en la que Kimberly se lamenta de ser una más en la vida de un ‘casanova’ y advierte a otras mujeres que no pierdan el tiempo entregándose a este tipo de hombres.

El camino hasta el lanzamiento de «I’m the Problem» ha resultado lento e incluso agónico para sus seguidores, ya que las primeras noticias del álbum llegaron hace dos años y durante este largo tiempo la cantante ha grabado dos discos y ha salido de gira, por ello las nuevas canciones han llegado con cuentagotas. Sin embargo la larga espera ha merecido la pena ya que nos encontramos ante uno de los mejores álbumes de R&B publicados este año. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘This Man’, una emotiva balada a piano en la que Kimberly confiesa la frustración que siente al saber que el hombre del que está enamorada prefiere estar con otra mujer o ‘Hurt Shit’, en la que relata tiene que ser una mujer fuerte, independiente y empoderada para hacer frente a una ruptura sentimental. También merece la pena reseñar ‘God Knew’, otra clásica balada en la que expresa su gratitud a Dios por evitar que le rompan el corazón de nuevo tras haber dejado atrás una relación tóxica o ‘Gangsta In Me’, que pone de manifiesto la actitud sin remordimientos ni arrepentimientos de la cantante y su lado más ‘ghetto’. Como bonus track del álbum está el tema Tennessee, la primera incursión de K. Michelle en el género Country y que supone un anticipo de lo que podremos encontrar en su siguiente trabajo discográfico. Este tema up-tempo de estilo Country habla de una mujer que deja atrás una relación abusiva y siguiendo el consejo de su madre decide volver a su ciudad natal, donde podrá encontrar un buen hombre sureño. ‘Tennessee’ ha sido lanzado como sencillo promocional antes del lanzamiento del álbum y nos presenta a Puddin, el ‘alter ego’ que adoptará K. Michelle durante su andadura por el género Country. 

No sabemos lo que le deparará a K. Michelle dentro del género Country pero lo cierto es que durante la última década se ha hecho un hueco muy destacado dentro del R&B/Soul contemporáneo, ha ocupado el top 10 en la lista americana con sus tres primeros álbumes y ha recibido grandes críticas de los expertos musicales por su excepcional talento como vocalista y compositora. Como amante de la música R&B y seguidor de K. Michelle desde sus inicios, me entristece su decisión de abandonar el R&B, sin embargo podremos seguir disfrutando de su maravillosa voz y sus personales letras dentro del Country. «I’m the Problem» es un trabajo sólido y consistente que relata el viaje emocional que ha experimentado la cantante durante estos últimos años y en el que ha depositado todos sus sentimientos. En el blog MiSTeR MuSiC, todos los álbumes de K. Michelle han recibido valoraciones muy positivas (especialmente sus tres magníficos primeros álbumes) y «I’m the Problem» cierra su andadura por el R&B de la mejor manera ya que mantiene el gran nivel que posee el resto de su discografía. Temas imprescindibles: Scooch, Blame Yourself, You, Hurt Shit, Gangsta In Me y This Man. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Tension» de Kylie Minogue

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TensionEn una industria cada vez más afectada por el edadismo (discriminación por la edad o ‘ageism’) que relega a un segundo plano a los artistas veteranos, sobretodo mujeres, en favor de los cantantes de moda apoyados por el público joven, una de las mayores sorpresas del 2023 la ha protagonizado Kylie Minogue, que tiene 55 años (muy bien llevados por cierto) y acumula una exitosa carrera profesional de más de 4 décadas. El pasado mes de mayo, la diva australiana lanzó el single presentación de su nuevo álbum y de manera inesperada se ha convertido en uno de los temas más populares y exitosos del año, pese a su tímida respuesta inicial. Por supuesto me refiero a Padam Padam, que se trata de un tema de estilo electropop, synth-pop y dance-pop de menos de 3 minutos de duración producido por Lostboy. Este adictivo tema se sumerge en una atmósfera fría e hipnótica mientras Kylie afirma que la persona que acaba de conocer en el club terminará obsesionado con ella y no podrá quitársela de la cabeza, aderezado con unos pegadizos ‘Padam Padam’ que representan las palpitaciones que su amante sentirá en el corazón. Este tema ha ido calando poco a poco entre el público hasta acumular más de 70 millones de escuchas en Spotify, superando a importantes singles de Kylie como ‘Love at First Sight’ o ‘Spinning Around’. ‘Padam Padam’ debutó en un discreto puesto #26 de la lista británica de singles y fue ascendiendo hasta alcanzar el #8, su primer top 10 en Reino Unido en más de una década. En el resto del mundo también debutó tímidamente hasta ocupar el top 10 en Irlanda o el top 20 en su nativa Australia e incluso ha alcanzado el top 10 en el componente Dance/electrónico de la lista americana Billboard, un buen dato teniendo en cuenta que el mercado americano siempre ha sido poco receptivo a la música de Kylie. Sin duda ‘Padam Padam’ se ha convertido en su ‘lead single’ más solvente y sólido de los últimos tiempos y su apuesta más competitiva en años.

Unas semanas antes de la publicación del álbum llegó el segundo single, Tension, que se trata de un tema electropop y dance-pop con influencia House compuesto por la propia Kylie junto a la afamada letrista Kamille y producido por Richard Stannard y Duck Blackwell. ‘Tension’, en el que Kylie pide a su amante «que rompa la tensión y le toque justo ahí», es un tema pegadizo y bailable, pero no resulta tan inmediato y adictivo como el anterior single. ‘Tension’ no ha logrado el éxito de ‘Padam Padam’ pero ha tenido buen desempeño comercial y ha alcanzado el top 20 en la lista británica de singles. El decimosexto álbum de estudio de Kylie Minogue tiene por título Tension y está formado por 11 temas (14 en su edición deluxe) de carácter up-tempo encuadrados dentro del dance-pop, synth-pop y electropop con influencias Disco, House y de la música de baile de los años 80. La veterana cantante ha participado en la composición de la mayoría de los temas presentes y ha contado con la producción de su habitual colaborador Richard ‘Biff’ Stannard, además de Duck Blackwell, Jon Green, Cutfather o Lostboy entre otros. Tal y como ha declaró Kylie en las entrevistas promocionales, «Tension» no se trata de un álbum conceptual ni tiene un tema específico, a diferencia de «Golden», influenciado por el estilo Country o «Disco», ambientado en el sonido discotequero de los años 70 y 80. Las letras presentes en el álbum no se alejan demasiado del habitual estilo de Kylie y hablan sobre amor, sexo, empoderamiento o desamor.

Los temas más destacados de «Tension» y posibles candidatos a futuros singles son ‘Hold On to Now’, un pegadizo tema synth-pop muy del estilo de Robyn que habla sobre aferrarse al momento presente y tener fe en el amor sin importar lo que digan los demás, ‘Things We Do for Love’, un tema synth-pop y dance-pop que cuenta con un sonido muy ochentero y supone un himno al amor incondicional y ‘One More Time’, con influencias Disco/funk y que hubiera encajado perfectamente en su anterior álbum. También merece la pena reseñar ‘Story’, que nos permite descubrir una faceta más personal de Kylie y habla de las adversidades a las que se ha enfrentado a lo largo de su vida, ‘Green Light’, un animado tema Disco de inspiración ochentera que destaca por su solo de saxofón o ‘Hands’, en el que Kylie nos sorprende incorporando un rap muy del estilo de Doja Cat. El álbum incluye la colaboración de Kylie con el Dj holandés Oliver Heldens en el tema ’10 Out of 10′, que fue lanzado como single en el mes de abril.

Kylie Minogue ha sido la última en sumarse a la extensa lista de artistas que deciden realizar una residencia de conciertos en Las Vegas y en noviembre estrenará «More Than a Residency» en el hotel y casino The Venetian, donde promocionará su nuevo álbum además de interpretar sus grandes éxitos. Kylie ha demostrado que pese a ser una artista veterana de más de 50 años (un handicap importante dentro de la música pop actual) continúa manteniéndose vigente en el panorama musical y es capaz de seguir triunfando en las listas de venta con singles como ‘Padam Padam’, con el que ha vivido una segunda juventud y le ha permitido acceder a un público más joven. A lo largo de su extensa carrera musical, Kylie no se ha caracterizado por ser una artista especialmente innovadora o que haya marcado tendencias, sin embargo ha conseguido tener una de las carreras más estables, consistentes y envidiadas dentro del mundo del pop gracias a su leal base de fans, su simpatía y personalidad cercana pero sobretodo por su impecable colección de éxitos. En resumen, «Tension» abandona el clásico sonido discotequero presente en «Disco» y se adentra en un pop electrónico y bailable, pero igualmente se trata de un álbum muy sólido y lleno de hits potenciales. Sin duda «Tension» se posiciona como uno de los trabajos más destacados dentro de la discográfica reciente de la cantante y candidato a ocupar los primeros puestos del listado de los mejores álbumes del año que realiza el blog Mister Music a finales de año. Temas imprescindibles: Padam Padam, Hold On to Now, Tension, Things We Do for Love, Story y One More Time. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Problématique» de Kim Petras

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ProblématiqueDesde sus inicios en el mundo de la música a Kim Petras le ha perseguido la maldición de ser ‘la eterna promesa del pop’ que no acaba de despuntar a nivel internacional. Aunque este año ha visto la luz su álbum debut, lo cierto es que la cantante alemana cuenta en su haber con varios trabajos discográficos, como «Clarity» (originalmente su ‘primer álbum’ y catalogado más tarde como mixtape) o el interesante «Turn Off the Light», de temática oscura y siniestra. Durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus, Kim Petras grabó las canciones que iban a formar parte de su supuesto álbum debut y en verano de 2021 se lanzó el primer single de dicho trabajo, Future Starts Now, que se trataba de un pegadizo tema dance-pop con influencias Disco y House en el que Kim describe el inicio de una nueva era y cómo no va a dejar que nadie le pare porque se siente invencible. Tanto el videoclip promocional como el artwork de ‘Future Starts Now’ tenían una innegable inspiración en la cultura francesa e incluso Kim decía varias frases en francés en la canción. Tras ‘Future Starts Now’ llegó otro single, ‘Coconuts’, un simpático tema Disco/pop de temática sexual que fue interpretado en directo por Kim en los premios MTV europeos. Las canciones que formaban parte del supuesto álbum debut de Kim Petras fueron filtradas en internet en 2022, por lo que se canceló su lanzamiento y la cantante volvió al estudio de grabación para dar forma a su nuevo proyecto discográfico. Con el ‘hype’ por las nubes debido a su colaboración con Sam Smith en ‘Unholy’, que resultó un éxito descomunal, el pasado mes de junio llegó el álbum debut de Kim Petras, Feed the Beast, un álbum compuesto por canciones pop bailables pero de una naturaleza muy genérica que recibió críticas muy tibias por parte de los expertos musicales y resultó un fracaso comercial. Ni la inclusión de ‘Unholy’ en el álbum ni un single junto a la mismísima Nicki Minaj lograron llamar la atención del público masivo, aunque lo cierto es que la popularidad de Kim Petras ha aumentado de manera considerable durante este año. 

De manera sorpresiva, esta misma semana Kim Petras ha subido a las plataformas musicales el que supuestamente iba a ser su álbum debut, Problématique, aunque en una versión diferente a la que tenía planeada originalmente, ya que varias canciones fueron a parar al ‘track listing’ de «Feed the Beast». La versión de «Problématique» que llegado a las plataformas musicales está formada por 10 temas encuadrados dentro del dance-pop con influencias Disco y House que siguen la estela musical de «Feed the Beast» y tienen un sonido muy europeo ya que Kim Petras creció escuchando géneros típicamente europeos como el Techno alemán o el House francés. El habitual colaborador de la cantante alemana, Dr. Luke, es el productor de los temas presentes y tanto «Blackout» de Britney Spears como «Electra Heart» de Marina and the Diamonds han sido fuente de inspiración en la composición y grabación de este álbum. Varios de los temas que inicialmente iban a formar parte de «Problématique» fueron añadidos a la edición final de «Feed the Beast», no sólo el conocido ‘Coconuts’, sino también ‘Hit It From the Back’ (uno de los mejores temas del álbum), ‘Revelations’ y ‘Sex Talk’.

La canción más interesante es precisamente la que da título al álbum, ‘Problématique’, que se trata de un pegadizo tema dance-pop y Disco que resume a la perfección la personalidad rebelde y controvertida de la cantante y refuerza la temática francesa que envuelve al álbum. También merece la pena reseñar ‘Love Ya Leave Ya’, que comienza con la melodía típica de acordeón que podemos escuchar en un restaurante francés, ‘Dirty Things’, que contiene las letras de naturaleza sexual habituales de Kim o ‘All She Wants’, que describe el lujoso estilo de vida de una mujer y cuenta con la prescindible participación de Paris Hilton. Por motivos desconocidos, ‘Future Starts Now’ no forma parte del álbum pese a representar el espíritu de este trabajo. En resumen, «Problématique» es un álbum digno, con canciones pegadizas y bailables pero que no aportan nada nuevo u original ya que parte de la esencia de este álbum fue a parar a «Feed the Beast». La edición original de «Problématique» con ‘Future Starts Now’ y ‘Hit It From the Back’ hubiera sido uno de los mejores álbumes pop del año, pero la disparatada estrategia promocional que ha llevado a cabo la discográfica de Kim Petras ha provocado que en vez de un álbum en mayúsculas hayan sido lanzado dos álbumes decentes pero poco memorables. Temas imprescindibles: Problématique, Je T’Adore y Love Ya Leave Ya. Puntuación: 7/10.

Throwback Review: «Eve-Olution» de Eve

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Eve-OlutionTras ejercer como stripper y formar parte brevemente de un grupo femenino, Eve empezó a desarrollar su faceta como rapera y grabó varias canciones bajo el nombre ‘Eve of Destruction’, que llamaron la atención de los magnates del mundo del Hip Hop y debido a su gran potencial fue fichada en la discográfica Ruff Ryders. La joven nacida en Philadelphia lanzó en el año 1999 su primer álbum, Let There Be Eve… Ruff Ryders’ First Lady, el cual debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en la tercera rapera en alcanzar la posición de honor en la lista de ventas de Estados Unidos tras Lauryn Hill y Foxy Brown. El álbum debut de Eve fue certificado doble platino en tierras americanas por ventas superiores a los dos millones de copias y contó con los hit singles ‘Gotta Man’ y ‘Love Is Blind’ junto a Faith Evans. En 2001 vio la luz Scorpion, el segundo trabajo discográfico de Eve, el cual estaba producido por Swizz Beatz y Dr. Dre y recibió buenas críticas por el talento de Eve como rapera y liricista y la gran producción. «Scorpion» debutó en el #4 en la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares en Estados Unidos. Uno de los puntos fuertes de «Scorpion» sin duda fueron sus dos magníficos singles. El primero fue ‘Who’s that Girl?’, un marchoso tema Hip Hop que destacaba por su uso prominente de trompeta y su pegadiza melodía de inspiración latina que recordaba a la canción de idéntico título de Madonna. El segundo single fue ‘Let Me Blow Ya Mind’, un tema producido por Dr. Dre y con la participación estelar de Gwen Stefani que habla sobre las habilidades sociales de la joven rapera y su popularidad entre la gente. Este tema fue aclamado por la crítica y resultó uno de los grandes éxitos de aquel año ya que alcanzó el #2 en la lista americana y ocupó el top 5 en Australia o Reino Unido, convirtiéndose en el mayor hit de su carrera.

Apenas un año después de «Scorpion» y aprovechando su gran popularidad, Eve publicó su tercer álbum de estudio, titulado Eve-Olution, el cual está formado por 16 temas encuadrados dentro del Hip Hop con influencias R&B y compuestos por la propia Eve bajo la producción de sus habituales colaboradores Swizz Beatz y Dr. Dre, además de Trackmasters o Irv Gotti entre otros. Como todo álbum de Hip Hop que se precie, «Eve-Olution» cuenta con un gran número de artistas invitados entre los que se encuentran Snoop Dogg, Alicia Keys, Truth Hurts, Nate Dogg, Styles o Jadakiss entre otros. «Eve-Olution» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes (su tercer top 10 consecutivo) y fue certificado oro en Estados Unidos. El single presentación del álbum fue Gangsta Lovin’, un pegadizo tema Hip Hop y R&B producido por Irv Gotti que cuenta con la participación de Alicia Keys y habla de su pasión por los hombres de barrio. Gangsta Lovin’ era uno de los temas más ‘radio friendly’ y accesibles del álbum, recibió buenas críticas de los expertos musicales y resultó un gran éxito y alcanzó el #2 en la lista americana de singles (la misma posición que ‘Let Me Blow Ya Mind’) y fue top 10 en Reino Unido o Australia, convirtiéndose en uno de los temas más populares de la carrera de Eve. El segundo single lanzado fue Satisfaction, un tema Hip Hop producido por Dr. Dre en el que Eve relata lo motivada que se siente por aportar nueva música que pueda revolucionar el género a la vez que defiende su estatus dentro del mundo del Rap. ‘Satisfaction’ tuvo un desempeño comercial moderado y alcanzó el top 40 en Estados Unidos y Reino Unido. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘What’, que cuenta con la inconfundible producción de Dr. Dre y participa la cantante Truth Hurts (conocida por su hit ‘Addictive’, también producido por Dre), ‘Let This Go’, un marchoso tema con uso prominente de guitarra española en el que Eve relata una ruptura con su pareja o ‘Hey Y’All’, que muestra el lado más urbano del álbum y cuenta con la colaboración del rapero Snoop Doog y el cantante Nate Dogg.

Las jóvenes raperas que triunfan en la actualidad (Megan Thee Stallion, Cardi B, City Girls o Latto) no lo habrían hecho sin la existencia de grandes leyendas del Hip Hop femenino como Missy Elliott, Lil’ Kim, Trina o nuestra protagonista, Eve, quienes les allanaron el camino en un género musical dominado por hombres pero en el que destacaron por ser mujeres fuertes e independientes, orgullosas de su sexualidad, sin pelos en la lengua y dispuestas a demostrar su valía y talento. Eve es una de las mejores raperas y liricistas de su generación, sin embargo conoce el poder de un buen estribillo pop, por ello «Eve-Olution» contiene temas de Hip Hop en sentido estricto pero también canciones con pegadizos ganchos interpretados por famosas cantantes. En resumen, «Eve-Olution» mantiene el gran nivel de «Scorpion» y es uno de los mejores álbumes dentro del Hip Hop femenino de la década del 2000. «Eve-Olution» es el último ‘gran álbum’ de Eve antes de iniciar una espiral decreciente en su éxito comercial y una dramática disminución en su popularidad. Temas imprescindibles: Gangsta Lovin’, Let This Go, What, Satisfaction, Hey Y’All y Party In The Rain. Puntuación: 7’5/10.