R&B

Crítica de «My Life II… The Journey Continues» de Mary J Blige

deividtoxicDeja un comentario

La indiscutible reina del Hip Hop Soul Mary J Blige publicó en 1994 su segundo álbum de estudio, My Life, el cual es considerado uno de los trabajos clave de su carrera y el responsable de convertirla en una de las cantantes más relevantes del R&B contemporáneo. «My Life» fue certificado tres veces platino en Estados Unidos y contó con 5 exitosos singles que lograron buena acogida en las listas de venta americana. Este álbum aparece en varias publicaciones de prestigiosas revistas como Rolling Stone o Time como uno de los 100 mejores discos de todos los tiempos y recibió grandes elogios de la crítica por sus letras (que hablaban de su batalla contra las adicciones o las relaciones abusivas) y por las habilidades vocales de la cantante. A finales de 2011 Mary J Blige publicó su décimo álbum de estudio, que se trataba de una secuela de su prestigioso álbum «My Life» y en el que recuperaba el espíritu de dicho álbum, aunque sin contar con la presencia de P. Diddy, quien se encargó de su entera producción. My Life II… The Journey Continues refleja la evolución y crecimiento personal experimentado por Mary desde el lanzamiento de «My Life» y trata temas como el desamor, su fuerza interior o la superación de obstáculos. El papel de P. Diddy fue reemplazado por un amplio rango de productores, entre los que se encuentran Jim Jonsin, Rico Love, Danja, Darkchild, Sean Garrett, The Underdogs, Eric Hudson o Tricky Stewart. El álbum está formado por un compendio de baladas Soul, medios tiempos R&B y sus característicos temas Hip Hop Soul acompañados de raperos como Nas, Busta Rhymes o Rick Ross. «My Life II» debutó en el #5 de la lista americana de álbumes y fue certificado platino en Estados Unidos, lo que pone de manifiesto que Mary J Blige posee una de las carreras más consistentes dentro de las cantantes de su generación dadas sus buenas ventas y el continuado apoyo recibido tras más de 20 años en el mundo de la música.

Como sencillo promocional previo a la publicación del álbum se lanzó Someone to Love Me (Naked), un tema up-tempo Hip Hop Soul que se trataba en realidad de un remix del tema del mismo título perteneciente a P. Diddy y que contaba con la presencia de Lil Wayne y el propio Diddy. El single presentación del álbum fue 25/8, un medio tiempo R&B producido por Eric Hudson que habla de un amor abrumador e intenso que hace que Mary necesite más del habitual 24/7 (24 horas al día y 7 días a la semana) para expresar su lealtad y devoción por su pareja. ‘25/8‘ tuvo un mediocre desempeño comercial y fue incapaz de entrar en el Hot 100 de la lista Billboard. El segundo single lanzado fue Mr. Wrong, un tema mid-tempo R&B producido por Jim Jonsin y Rico Love que cuenta con la colaboración de Drake y en cuyas letras Mary expresa su atracción por los chicos malos pese a saber que no son buenos para ella. ‘Mr. Wrong’ logró entrar en la parte baja de la lista americana y se convirtió en uno de los singles más exitosos de Mary de los últimos años. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Feel Inside‘, que representa la esencia Hip Hop Soul del álbum, cuenta con la participación de Nas y en cuyas letras ambos artistas recuerdan relaciones pasadas, ‘Why‘, un tema mid-tempo en el que Mary se pregunta porqué su relación se ha deteriorado o ‘Love a Woman‘, una balada Soul a dúo con Beyoncé que unía por primera vez a dos de las mejores voces del R&B contemporáneo y en cuyas letras ambas cantantes relatan lo que necesitan y buscan las mujeres en una relación. El álbum también incluye la versión del clásico ‘Ain’t Nobody‘ de Chaka Khan, en este caso producido por Darkchild, quien le dio un toque más moderno al tema y encaja perfectamente con la poderosa voz de Mary. Hacer secuelas de álbumes icónicos no suele ser una buena idea porque nunca llegan a su altura, pero en este caso, si bien «My Life II» no llega al nivel del icónico «My Life», resulta un álbum sólido y solvente que cuenta con el inconfundible estilo Hip Hop Soul de Mary J Blige y sus letras sobre relaciones turbulentas además de permitirnos seguir disfrutando de una de las mejores voces del panorama R&B americano. Temas imprescindibles: Mr. Wrong, Feel Inside, No Condition, Why, 25/8 y Love a Woman. Puntuación 7’5/10.

Crítica de «I Look to You» de Whitney Houston

deividtoxic2 comentarios

whitney-houston-i-look-to-youDespués de 7 años de ausencia en el mundo de la música, Whitney Houston regresó por la puerta grande con I Look to You, su primer álbum de estudio desde «Just Whitney», el cual tuvo una tibia acogida en las listas de venta y recibió críticas mediocres por parte de los expertos musicales. Durante este lapso de tiempo la imagen pública de Whitney Houston estuvo muy deteriorada por su turbulenta relación con Bobby Brown (y su posterior divorcio) y sus problemas con las drogas, pero la cantante de ‘I Have Nothing’ ha regresado al panorama musical con una imagen más sana y serena, demostrando que se ha recuperado de todo aquello que la alejó de la cima del mundo de la música. «I Look to You» supuso un gran reto para la cantante de New Jersey, ya que durante su ausencia en el panorama musical las nuevas divas del pop y R&B se han consolidado y otras nuevas han aparecido, poniendo el peligro su hegemonía, pero la edad y la experiencia son un grado. El álbum está formado principalmente por medios tiempos pop/R&B, baladas con influencia Soul/Gospel y varios temas up-tempo. Entre los productores que han participado en este proyecto se encuentran grandes figuras de la industria musical como Swizz Beatz, David Foster, R. Kelly, Tricky Stewart, Stargate, Danja, Akon o Eric Hudson, que no han querido perder la oportunidad de trabajar con una de las mayores divas del mundo de la música. Cabe destacar que Whitney ha participado en la composición de dos de los 11 temas presentes en el álbum.

El single presentación del álbum fue el tema titular, I Look to You, que se trata de una emotiva balada pop/Soul con influencia de la música Gospel en la que podemos apreciar que las habilidades vocales de Whitney todavía permanecen. Quizás no alcance las notas altas de temas como ‘I Will Always Love You’ o ‘Greatest Love of All’, pero al menos tenemos la oportunidad de volver a escuchar a la cantante de una manera muy digna. El desempeño comercial de ‘I Look to You’ fue muy modesto y apenas ocupó el top 70 de la lista americana. El segundo single lanzado fue Million Dollar Bill, un tema up-tempo R&B y Disco de sonido Old School compuesto por Alicia Keys y producido por Swizz Beatz. Gracias a la promoción que realizó la cantante en Reino Unido, ‘Million Dollar Bill’ tuvo una buena acogida en la lista de ventas británica, donde ocupó el top 5. Entre los temas más destacados del disco se encuentran ‘Nothin’ But Love’, un tema up-tempo con gran componente electrónico producido por Danja en el que Whitney habla del amor que recibe de sus seres queridos pese a la existencia de haters, la gran balada ‘I Didn’t Know My Own Strength’, compuesta por la afamada baladista Diane Warren y que resulta un himno de empoderamiento o ‘I Got You’, una fantástica balada R&B mid-tempo producida por el cantante Akon que habla sobre el amor incondicional.

«I Look to You» debutó en el #1 en la lista americana de álbumes con más de 300 mil copias vendidas en su primera semana (la mayor cifra de ventas de toda la carrera de Whitney) y acabó siendo certificado platino en Estados Unidos. Alrededor del mundo también tuvo un buen desempeño comercial y consiguió alcanzó el #1 en países como Alemania, Italia o Canadá, sin embargo las ventas totales fueron notoriamente inferiores a las de sus anteriores álbumes. «I Look to You» destaca por su breve pero sólido conjunto de canciones y su evolución musical hacia un sonido más moderno, sin embargo la voz de Whitney perdió parte de su potencia y ya no alcanzaba las notas altas del pasado. En resumen, «I Look to You» supuso un gran regreso por parte de Whitney y es un trabajo más que digno que mantiene el buen nivel de «Just Whitney», pero está lejos de sus grandes álbumes, como «My Love Is Your Love». Temas imprescindibles: I Look to You, I Got You, Million Dollar Bill, I Didn’t Know My Own Strength y Nothin’ But Love. Puntuación: 7’5/10.

La carrera musical de Whitney Houston

deividtoxicDeja un comentario

WhitneyEl 11 de febrero de 2012 falleció a los 48 años Whitney Houston, una de las mejores voces de todos los tiempos. Como pequeño homenaje a esta gran cantante haré un repaso a su vida, plagada de éxitos pero ensombrecida por su adicción a las drogas y sus problemas personales desde su matrimonio con el cantante Bobby Brown. Whitney Houston nació en 1963 en New Jersey en una familia muy musical ya que su madre cantaba gospel, su tía era la leyenda del soul Dionne Warwick y su madrina fue la legendaria Aretha Franklin, quienes le inspiraron para dedicarse también al mundo de la música gracias a sus enormes cualidades. Whitney Houston fue descubierta por el magnate del mundo de la música Clive Davis, que se quedó asombrado por su maravillosa voz y decidió ficharla en 1983 en su discográfica Arista. Sus dos primeros álbumes, titulados simplemente Whitney Houston y Whitney tuvieron gran éxito de ventas y conquistaron al público por su magnifica voz y sus románticas baladas. Ambos álbumes fueron certificados 10 veces platino en Estados Unidos, superaron los 20 millones de copias en todo el mundo y contaron con las baladas «Saving All My Love for You» y «Greatest Love Of All», o los marchosos «How Will I Know» y «I Wanna Dance With Somebody», uno de sus mayores hits. Su estilo musical se encuadraba dentro del R&B, pop y Soul, con toques de Gospel y dance-pop. En 1990 publicó su tercer disco de estudio, I’m Your Baby Tonight, que nuevamente tuvo gran acogida en Estados Unidos y los principales mercados musicales, llevando a Whitney al estrellato mundial. Este álbum contaba con grandes temas para el recuerdo como la preciosa balada Soul «All The Man That I Need» o el marchoso tema que da título al disco.

Pero el momento álgido de su carrera llegó tras su papel protagonista en la película «El guardaespaldas» junto a Kevin Costner. La película tuvo una gran acogida por parte del público y la banda sonora, interpretada en su mayoría por la propia Whitney, todavía tuvo un éxito mayor convirtiéndose en la BSO más vendida de la historia de la música, destacando los temas «Run to You», «I Have Nothing» y sobretodo «I Will Always Love You», que se convirtió en el single más vendido de una artista femenina de toda la historia de la música y el tema más representativo y famoso de la carrera de Whitney Houston. Esta versión del tema de Dolly Parton fue #1 en todos los países donde se lanzó y superó los 20 millones de ejemplares en todo el mundo. Tras el tremendo éxito de esta película y su BSO, Whitney se centró en su carrera como actriz y trabajó en «La mujer del Predicador», donde también participó en la banda sonora interpretando varias canciones.

Just WhitneyEn 1998 regresó con My Love Is Your Love, su cuarto álbum de estudio, casi una década después de su anterior disco «I’m Your Baby Tonight». Este álbum tenía un sonido R&B más moderno y up-tempo y contaba con productores de la talla de Darkchild, Babyface o Missy Elliott. Dentro del álbum destacaron «My Love Is Your Love», un tema Soul con influencia reggae producido por Wyclef Jean que fue el single de mayor éxito en las listas de venta o el marchoso «It’s Not Right But It’s OK», otro de los temas más importantes del año. Las ventas de My Love Is Your Love superaron los 12 millones a nivel mundial y la extensa gira mundial que acompañó al álbum recibió muy buenas críticas. Tras este disco, Whitney reunió todos sus temas en un doble disco recopilatorio, titulado «Whitney: The Greatest Hits» que además inlcuía nuevos temas como «Could I Have This Kiss Forever» junto a Enrique Iglesias o «If I Told You That», una nueva versión del tema que aparecía en My Love Is Your Love, pero con la colaboración de George Michael. Ambos temas fueron lanzados como singles y tuvieron buen recibimiento comercial, sobretodo en Europa. Su quinto álbum de estudio, Just Whitney fue publicado en 2002, cuando sus problemas con las drogas eran evidentes, supuso una bajada importante de ventas y popularidad, y no tuvo tanta promoción como los anteriores trabajos de la cantante. Este disco destacó por el hecho de que Whitney se implicó en la composición de las letras de las canciones.

WhitneyEn 2009 una Whitney aparentemente muy recuperada regresó al panorama musical con el esperado álbum I Look To You, que se convertiría en su último disco de estudio, debutó en el #1 de la lista americana y vendió 3 millones a nivel mundial. El séptimo álbum de Whitney contó con los singles «Million Dollar Bill», un tema R&B/Disco up-tempo compuesto por Alicia Keys y la preciosa balada que daba título al álbum. A lo largo de su carrera musical, Whitney Houston ha vendido más de 80 millones de copias con sus 7 álbumes de estudio y varios discos recopilatorios, a lo que hay que sumar los 45 millones de copias de la banda sonora de «The Bodyguard», donde Whitney era la cantante principal, y unido a otras bandas sonoras donde participó, hacen un total de 150 millones de álbumes, lo que convierte a Whitney en la cantante de R&B más exitosa y una de las cantantes femeninas mas importantes de todos los tiempos. Además ha conseguido durante su carrera mas de 400 premios, incluyendo 4 Grammys, 30 Billboard Music Awards y 22 American Music Awards. Y la casualidad ha querido que Whitney Houston haya fallecido un día antes de la ceremonia de los premios Grammy de este año, donde durante tantos años fue la estrella. Pero tristemente, su carrera ha estado empañada por sus problemas con las drogas a raíz de su matrimonio con Bobby Brown, quien también maltrató a la cantante. Tras divorciarse de su marido y con varias entradas en centros de rehabilitación a sus espaldas, parecía que Whitney Houston recobraba la normalidad en su vida, pero ya no volvió a ser la misma, puesto que su voz perdió potencia por sus adicciones y su popularidad disminuyó notablemente. Sin embargo siempre recordaremos con cariño a esta gran cantante y actriz, sin duda una de las vocalistas más talentosas de todos los tiempos. Se nos fue «la Voz».

Crítica de «Graffiti» de Chris Brown

deividtoxicDeja un comentario

GraffitiEl cantante americano Chris Brown irrumpió en el mundo de la música en el año 2005 con el marchoso tema ‘Run It!’, el cual alcanzó el #1 en la lista americana de singles y también logró gran éxito en otros importantes mercados musicales como Reino Unido o Australia. Su álbum debut, de título homónimo, recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales debido al talento vocal de Chris y el sólido conjunto de canciones R&B y superó los dos millones de copias en Estados Unidos. Su segundo álbum, Exclusive también obtuvo buena acogida comercial y gracias al éxito de los singles ‘Kiss Kiss’ y ‘With You’ amplió su fama internacional. Por entonces, Chris Brown era el niño mimado del R&B/pop en Estados Unidos y se le consideraba el heredero de Usher o R.Kelly sin embargo tras el incidente ocurrido después de la entrega de los premios Grammy en el que Rihanna, su pareja por entonces, lo denunció por malos tratos, se produjo una gran conmoción en los medios de comunicación y desde entonces la imagen pública del cantante ha estado por los suelos y su fama y popularidad han caído en picado, no sólo por el tirón que tiene la cantante de Barbados en todo el mundo, sino porque el público está muy sensibilizado con el tema de la violencia de género. En diciembre de 2009, dos años después del lanzamiento de «Exclusive» y apenas unos meses después del incidente con Rihanna, vio la luz su tercer álbum de estudio, Graffiti, el cual está encuadrado dentro del R&B/pop con influencia Hip Hop al igual que sus anteriores trabajo, sin embargo podemos considerarlo un trabajo musicalmente más diverso que profundiza en el sonido electrónico e incorpora elementos synth-pop y electropop. Chris asumió un mayor papel creativo en este álbum y compuso todas las canciones de «Graffiti» (20 en la edición deluxe internacional), las cuales hablan de su arrepentimiento y sentimiento de culpa tras haber roto una relación, su lujoso estilo de vida o sus impulsos sexuales. Como suele ser habitual el joven cantante se rodeó de un amplio número de productores entre los que se encuentran Polow da Don, Swizz Beatz, Scott Storch, The Runners, Brian Kennedy o The Messengers y también encontramos una gran presencia de artistas invitados como Trey Songz, Lil Wayne, The Game, Plies, Sean Paul o Tank.

El single presentación del álbum fue I Can Transform Ya, un extraño híbrido Hip-Hop y electropop con influencia de la música industrial producido por Swizz Beatz y que cuenta con la colaboración del rapero Lil Wayne. Este tema marcaba una divergencia con respecto a su estilo habitual y recibió críticas variadas por parte de los expertos musicales, aunque apreciaron su evolución musical y su naturaleza de ‘club banger’. ‘I Can Transform Ya’ obtuvo una respuesta moderada por parte de sus seguidores y apenas alcanzó el top 20 de la lista americana de singles o el top 40 en Australia y Reino Unido. Como segundo y último single se lanzó Crawl, una balada pop/R&B producida por The Messengers cuyas letras hablan de una relación destruida en la que Chris «se arrastra de nuevo al amor» para intentar salvarla (muchos interpretaron que hacía referencia a su relación con Rihanna, pero el cantante negó tales afirmaciones). ‘Crawl’ es un buen tema, sin embargo no era la mejor opción para segundo single ya que podemos encontrar mejores canciones dentro del álbum. En el terreno comercial tuvo un desempeño muy moderado y apenas ocupó el top 50 en la lista americana. Como sencillo promocional del álbum se lanzó ‘Sing Like Me’, un bonito medio tiempo R&B con melodía inspirada en la música asiática en el que Chris habla de sus relaciones con las mujeres y utiliza metáforas entre el sexo y cantar.

Dentro del amplio ‘track listing’ del álbum destacan ‘So Cold’, un emotivo tema mid-tempo pop/R&B con melodía de piano en el que Chris se muestra arrepentido por haber perdido a su novia y trata de recuperarla, ‘Wait’, un tema R&B/Hip-Hop up-tempo reminiscencia del estilo de «Exclusive» y que cuenta con la colaboración de Trey Songz y The Game o ‘Brown Skin Girl’, un original himno a las mujeres de color, con influencia reggae y Dancehall en el que Chris adopta un acento caribeño y aparece Sean Paul como artista invitado. «Graffiti» debutó en el #7 de la lista americana de álbumes (el tercer álbum top 10 de Chris en Estados Unidos) y apenas vendió medio millón de copias, en parte por la mala publicidad que tenía el cantante por el incidente con Rihanna y la pobre acogida comercial de los singles. En resumen, el cantante de Virginia acierta de pleno cuando permanece fiel a su habitual estilo R&B a través de medios tiempos, los cuales son los puntos fuertes del álbum, sin embargo cuando experimenta con otros sonidos como el electropop y abusa del Auto-Tune suena genérico y carente de personalidad. Mientras que su álbum debut y «Exclusive» resultaban dos trabajos de R&B sólidos y cohesivos, «Graffiti» contiene canciones poco inspirados y un excesivo relleno. Temas imprescindibles: Sing Like Me, So Cold, Crawl, Wait, What I Do y Graffiti. Puntuación: 7/10. 

Crítica de «3D» de TLC

deividtoxic1 comentario

TLC 3DComo todo grupo femenino que se precie, la trayectoria profesional de TLC no ha estado exenta de polémica y se han producido varios enfrentamientos entre sus componentes y polémicos episodios, casi siempre protagonizados por Lisa ‘Left Eye’ Lopes, la componente más controvertida del trío. Durante la promoción de «FanMail», el tercer álbum del trío, Left Eye hizo comentarios negativos sobre Dallas Austin (principal productor del grupo y ex-pareja de Chilli) y declaró en repetidas ocasiones que junto a TLC no podía expresar su verdadera personalidad ya que su participación en el grupo se reducía a un pequeño rap en algunas canciones, por lo que retó públicamente a sus compañeras, T-Boz y Chilli, a grabar un álbum triple formado por un CD en solitario de cada una de ellas y ver cuál de ellos tenía más éxito. Al negarse sus compañeras a aceptar el reto, Left Eye desarrolló su carrera como solista y en 2001 publicó su álbum debut en solitario, titulado «Supernova», el cual fracasó estrepitosamente y ni siquiera fue lanzado en Estados Unidos. Tras los momentos de tensión vividos por el grupo que hicieron peligrar la continuidad de TLC, las tres componentes empezaron a grabar el que sería su cuarto álbum de estudio en 2002. T-Boz fue hospitalizada por problemas de salud por lo que la grabación del disco quedo paralizada. Por su parte Left Eye empezó a trabajar en su segundo álbum en solitario y viajó por motivos humanitarios a Honduras, donde falleció a la edad de 30 años en un accidente de coche.

Tras la trágica muerte de Left Eye y una vez que T-Boz estuvo recuperada de sus problemas de salud, TLC volvieron al estudio de grabación para terminar su nuevo álbum. En octubre de 2002 vio la luz el cuarto álbum de estudio del grupo, titulado 3D, el cual está formado principalmente por temas up-tempo de estilo R&B con influencias pop, Hip Hop, Soul y pop/rock. En este trabajo aparecen varias canciones compuestas por Left Eye y con su contribución en forma de rap y el resto de canciones fueron grabadas posteriormente por T-Boz y Chilli tras la muerte de su compañera. TLC siguieron confiando en su colaborador habitual Dallas Austin, sin embargo su participación disminuyó en favor de otros importantes productores como Darkchild, Timbaland, Missy Elliott, The Neptunes o Raphael Saadiq entre otros, convirtiéndose en el trabajo más ambicioso y de mayor presupuesto de toda su carrera. El single presentación del álbum fue Girl Talk, un tema R&B up-tempo con influencia Hip Hop compuesto por Kandi Burruss (responsable de su hit ‘No Scrubs’) junto a T-Boz y Left Eye en cuyas letras, las chicas de TLC advierten a sus amantes masculinos que si fallan en el tema sexual, el rumor se extenderá a otras mujeres. ‘Girl Talk’ fue una de las pocas canciones que Left Eye dejó terminadas antes de su trágico fallecimiento. Pese a ser un tema pegadizo y una de las mejores canciones del disco, tuvo un desempeño moderado en las listas de venta y apenas ocupó el top 30 en la lista americana (la peor posición de un ‘lead single’) y Reino Unido. Los siguientes singles lanzados no contaron con apenas promoción por parte del grupo y por ello tuvieron un impacto mínimo en las listas de venta. Dichos singles fueron Hands Up, un tema R&B mid-tempo producido por Babyface cuyas letras versan sobre las traiciones que vivimos en el amor y Damaged, un tema con influencia pop/rock y producido por Dallas Austin que habla sobre la curación del dolor sufrido.

Las producciones de Darkchild son sin duda el punto fuerte del álbum: ‘Turntable’, un tema pop/R&B que guarda similitudes con ‘No Scrubs’, ‘Hey Hey Hey Hey’, que cuenta con una original melodía inspirada en la música del Medio Oriente y ‘Over Me’, que cuenta con un toque electrónico. «3D» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado platino en Estados Unidos, convirtiéndose en el trabajo de TLC menos exitoso. Los 700 mil ejemplares vendidos por «3D» en tierras americanas resultaban ridículamente bajos en comparación a los 9 millones de copias vendidas por «CrazySexyCool» o los 6 millones de «FanMail», augurando el principio del fin para el grupo, tocado de muerte tras la desaparición de una de sus componentes más carismáticas.En resumen, «3D» es un álbum más que digno pero no está a la altura de sus dos magníficos álbumes anteriores ya que resulta más genérico, menos original y pierde el inconfundible estilo de TLC. Temas imprescindibles: Girl Talk, Turntable, Over Me, Hey Hey Hey Hey, Damaged y Hands Up. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Heavy Rotation» de Anastacia

deividtoxic2 comentarios

Heavy RotationPara celebrar su breve pero exitosa carrera en el mundo de la música, la cantante americana Anastacia publicó en 2005 su primer álbum de grandes éxitos, titulado Pieces of a Dream, el cual incluía todos los singles pertenecientes a sus tres primeros álbumes además de varios temas inéditos. En 2008 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Anastacia, titulado Heavy Rotation, el cual recuperaba el sonido R&B, funk y Soul presente en sus primeros álbumes tras el giro musical hacia el pop/rock acontecido en su último álbum de título homónimo. La cantante participó en la composición de la mayoría de los temas presentes y contó con la producción de importantes productores de la talla de Chuck Harmony, J.R. Rotem, Darkchild, Andrew Frampton o Lester Mendez entre otros. El título de «Heavy Rotation» hace referencia a que la vida puede resultar difícil pero todo puede girar y cambiar. En este álbum Anastacia conectó con su feminidad, su yo interior y su lado más profundo y sensual. A diferencia de sus tres anteriores álbumes, «Heavy Rotation» tuvo un moderado desempeño comercial y apenas ocupó el top 10 en España e Italia y el top 20 en Reino Unido o Alemania. El single presentación del álbum fue I Can Feel You, un marchoso tema pop/R&B up-tempo de letras muy sexis compuesto y producido por Ne-Yo y Chuck Harmony. ‘I Can Feel You’ fue incapaz de repetir el éxito de los anteriores singles de Anastacia y apenas ocupó el top 25 en Italia, Alemania o Suecia, convirtiéndose en su ‘lead single’ menos exitoso. El segundo single lanzado fue Absolutely Positively, un tema Soul/funk influenciado por el sonido Motown en el que la cantante nacida en Chicago muestra dudas de los sentimientos que tiene hacia su pareja. ‘Absolutely Positively’ tuvo un impacto mínimo en las listas de venta.

Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Defeated’, una balada R&B mid-tempo en la que afirma que las adversidades no van a poder con ella y resulta un himno de superación o ‘Heavy Rotation’, un enérgico tema dance-pop de gran componente electrónico producido por Darkchild que supone el momento más up-tempo del álbum. En resumen, «Heavy Rotation» no resulta tan sólido como los primeros álbumes de Anastacia ya que contiene canciones genéricas, hay demasiado relleno y no encontramos singles de la talla de ‘Paid My Dues’ o ‘I’m Outta Love’, sin embargo el estilo R&B/Soul presente en el álbum encaja a la perfección con la potente voz de matices negros de la cantante. «Heavy Rotation» marcó el inicio de la espiral decreciente en el éxito comercial y la popularidad de Anastacia. Años más tarde, la propia cantante mostró rechazo hacia el álbum y declaró que su discografía le impuso canciones con sonido urbano y bailable que no eran de su agrado. Temas imprescindibles: I Can Feel You, Defeated, Same Song, I Call It Love y All Fall Down. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Lotus» de Christina Aguilera

deividtoxicDeja un comentario

LotusA lo largo de su carrera Christina Aguilera ha probado con numerosos estilos musicales sin encontrar el suyo propio, aunque podemos considerarla una cantante encuadrada dentro del pop y el R&B. La cantante neoyorquina debutó con un sonido ‘bubblegum pop’ dirigido al público juvenil, con el álbum «Stripped» perdió la inocencia, adoptó una imagen sexual y provocativa a la vez que amplió su repertorio musical profundizando en el sonido R&B con incursiones en el pop/rock, Latin-pop, Soul o Hip Hop. Con «Back To Basics» dio otra vuelta de tuerca a su estilo y probó con sonidos retro como el jazz, Blues o Soul y en su último álbum de estudio, «Bionic» adoptó un sonido más moderno y electrónico que no acabó de convencer al público y le tacharon de imitar a Lady Gaga. Recientemente hemos visto a Christina Aguilera centrada en su faceta de jurado en el talent show The Voice y participó en el tema ‘Moves Like Jagger’ de Maroon 5, cuyo líder es Adam Levine, su compañero en dicho concurso. En noviembre de 2012 vio la luz su séptimo álbum de estudio, titulado Lotus, que se trata de un trabajo muy ecléctico en el que podemos encontrar temas dance-pop, electropop, R&B, pop/rock, Soul e incluso una pequeña incursión en la música Country. Christina compuso la mayoría de los temas presentes bajo la producción de Alex da Kid, Max Martin, Shellback, Lucas Secon o Claude Kelly entre otros. «Lotus» destaca por el hecho de que no cuenta con input de su habitual colaboradora Linda Perry, quien fue una figura clave en la producción de «Stripped» y responsable del hit ‘Beautiful’. La portada de «Lotus» no ha estado exenta de polémica ya que Christina aparece como una Venus de Botticelli sobre una flor de loto, que representa su renacimiento o vuelta al mundo de la música, pero ha sido muy criticada por el excesivo photoshop realizado en el cuerpo de la cantante, que últimamente ha ganado unos cuantos kilos pero gracias a las maravillas del photoshop luce mucho más estilizada. Sin embargo, tal y como ha comentado Christina, a ella no le importa su aumento de peso ya que lo que importa en realidad es su voz y está muy orgullosa de sus curvas. «Lotus» debutó en el #7 de la lista americana de álbumes con unas cifras de venta muy bajas y en el resto del mundo ha ocupado posiciones muy discretas, como el top 20 en Australia, España o Alemania y el top 40 en Reino Unido.

El single presentación del álbum fue Your Body, un tema electropop y R&B producido por Max Martin y Shellback en el que Christina expresa su deseo de tener relaciones sexuales con un desconocido. Este tema ha recibido buenas críticas por su moderna producción y sus pegadizas letras, sin embargo no es una de las canciones en la que la cantante luce especialmente su asombrosa voz ya que cuenta con excesivo Auto-Tune. Aunque es una de las mejores canciones del álbum, hay quienes vieron en ‘Your Body’ un intento desesperado de Christina por volver a la cima de las listas de venta, ya que un single firmado por Max Martin es garantía de éxito seguro, puesto que el productor sueco es el rey midas del pop y ha creado exitosos temas para Backstreet Boys, Britney Spears, Katy Perry o Pink. No deja de ser curioso que Christina Aguilera (con una voz notablemente superior a la de Britney, pero con un éxito comercial inferior) regrese con un tema compuesto por el productor habitual de Britney, que le ha proporcionado una decena de hits y con quien trabaja desde sus inicios musicales. Pese a su gran potencial, ‘Your Body’ ha tenido un desempeño comercial mediocre y apenas ha ocupado el top 20 en Reino Unido y el top 40 en Alemania o Estados Unidos. Como segundo single se lanzó Just a Fool, una balada Country-pop y pop/rock que habla de una dolorosa ruptura, cuenta con la participación del cantante Blake Shelton (y compañero de Christina en The Voice) y supone su primera incursión en el género Country. ‘Just a Fool’ ha tenido un mínimo impacto en las listas de venta y apenas fue top 70 en la lista americana. Debido al fracaso comercial del álbum, ningún single más fue lanzado.

Dentro de «Lotus» sin duda destaca ‘Let There Be Love’, un marchoso tema up-tempo de estilo dance-pop y electropop que supone la otra aportación de Max Martin para el álbum y recuerda a algunas de sus producciones para Usher como ‘Scream’ o ‘DJ Got Us Fallin In Love’. También merece la pena reseñar la balada ‘Blank Page’, compuesta por Sia Furler y en la que la cantante intenta hacer borrón y cuenta nueva y pasa página de su anterior relación o ‘Army of Me’, un bailable tema dance-pop en el que Xtina se presenta como una luchadora y advierte a su ex-pareja que es más fuerte que él, temática que comparte con su hit ‘Fighter’. Poco queda ya de la jovencita ingenua y de gran voz que triunfó con ‘Genie In a Bottle’ hace más de una década, ya que actualmente Christina vive de las rentas, hace tiempo que no obtiene éxito con sus trabajos discográficos y su carrera está en franca decadencia. «Lotus» pretendía ser una continuación de «Stripped», sin embargo está a años luz del gran nivel de este álbum, que es su obra maestra y únicamente se parecen en la amplia variedad de estilos musicales que encontramos. «Lotus» resulta un trabajo poco centrado y cohesivo, con excesivo relleno y canciones de letras genéricas que intentan imitar los exitosos singles de «Stripped». Temas imprescindibles: Your Body, Let There Be Love, Army of Me y Blank Page. Puntuación: 5/10.

Crítica de «The 20/20 Experience – 2 of 2» de Justin Timberlake

deividtoxicDeja un comentario

The 20:20 Experience 2 of 2La primera parte de «The 20/20 Experience» supuso el regreso más importante de la música en 2013, ya que tras varios años sin lanzar nuevo material, Justin Timberlake volvió muy fuerte a las listas de venta de todo el mundo y el recibimiento por parte de los críticos musicales y del público no pudo ser mejor. «The 20/20 Experience» debutó en lo alto de la lista americana de álbumes y superó los dos millones y medio de copias, convirtiéndose en el disco más exitoso del año en Estados Unidos. En septiembre de 2013 llegó la segunda entrega de este ambicioso proyecto, titulada The 20/20 Experience 2 of 2, la cual marca una divergencia con respecto a la primera parte y abandona las baladas Neo-Soul en favor de temas más marchosos encuadrados dentro del R&B, pop y funk. El cuarto álbum de estudio de Justin ha alcanzado el #1 en la lista americana y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias, lo que se puede considerar un éxito notable, sin embargo suponían un retroceso con respecto a su predecesor. Además las críticas hacia el álbum ha sido bastante tibias: aunque resulta más comercial y accesible que su predecesor, las canciones siguen siendo excesivamente largas y apenas ofrecen nada nuevo, puesto que siguen el mismo patrón de producción. El single adelanto del álbum fue Take Back the Night, un tema up-tempo de estilo Disco/funk que resulta más marchoso y up-tempo que las canciones que encontrábamos en álbum anterior. La recepción de este single fue bastante discreta y apenas logró situarse en el top 30 de las listas de venta de Estados Unidos, Reino Unido o Australia.

Tal y como ocurrió en «The 20/20 Experience», tras un primer single decente pero que pasa algo inadvertido, llega el segundo single, que es notoriamente superior y supone un evidente paso adelante. En esta segunda entrega se trata de TKO, un tema mid-tempo R&B que guarda similitudes con los temas que formaban parte del anterior álbum como ‘Tunnel Vision’ y tiene la distintiva y característica producción de Timbaland, el cual también hace una pequeña contribución a la canción como suele hacer en los muchos de los temas que produce. TKO es uno de los puntos fuertes del álbum y una gran elección como segundo single. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Gimme What I Don’t Know (I Want)’, el tema que abre el disco, la balada R&B/Soul ‘Amnesia’ o ‘Murder’, en el que colabora el veterano rapero Jay-Z, quien ya participó en ‘Suit & Tie’ de su anterior disco y juntos salieron de gira este pasado verano. A pesar de ser menos consistente que su disco predecesor y seguir repitiendo la fórmula utilizada en «The 20/20 Experience», esta nueva entrega tiene gran calidad en la producción y composición, pero se diferencia de la anterior en su mayor sonido pop/funk, incide menos en las baladas Soul y se puede considerar algo más marchoso y accesible para el público en general. «The 20/20 Experience 2 of 2» es un buen álbum que nos permite ver la visión completa del proyecto creado por Justin Timberlake con la ayuda de Timbaland, sin embargo ya no impacta ni sorprende tanto como la primera parte. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Bangerz» de Miley Cyrus

deividtoxicDeja un comentario

BangerzLa actitud mostrada recientemente por la cantante Miley Cyrus es de lo más discutible y reprobable, ya que con sus últimas intervenciones (como su actuación en los premios MTV junto a Robin Thicke, donde dio un espectáculo vergonzoso y vulgar), sus polémicos comentarios, sus continuas salidas de tono y su obsesión por deshacerse de la imagen de Hannah Montana, no han hecho sino lloverle multitud de críticas negativas por parte de los medios de comunicación y la parte más conservadora de la sociedad americana, que lamentan la imagen que está mostrando la cantante y el mal ejemplo que da a los jóvenes por su actitud excesivamente provocativa y sexual. Sin embargo, pese a estas controversias hay que reconocer que sus nuevas canciones y su estilo musical han dado un giro importante y Miley Cyrus ha dejado atrás el pop adolescente para adoptar un sonido mucho más maduro e interesante. En su intento por desvincularse de su pasado y encontrar su verdadero sonido, Miley se ha unido a algunos de los productores más importantes de la industria musical como Mike Will Made It, Pharrell Williams, Dr. Luke, Cirkut o Will.I.Am, quienes le han dado un nuevo y fresco sonido que ha convencido al público, aunque Mike WiLL ha sido el verdadero artífice de su evolución musical y el responsable de la mayoría de los temas presentes en el álbum. Bangerz marca una gran diferencia con respecto a su anterior trabajo, «Can’t Be Tamed» (de carácter up-tempo y en el que profundizaba en el sonido electropop y dance-pop) y resulta un trabajo muy ecléctico compuesto por estilos muy diferentes, aunque lo podemos encuadrar dentro del pop y R&B, con influencias Hip Hop, electropop y Country. Cabe destacar que aparte de contar con la colaboración de importantes figuras del mundo del Hip Hop como French Montana, Nelly, Big Sean, Ludacris o Future, la propia Miley rapea en varios de los temas que componen «Bangerz». Pero sin duda la mayor sorpresa del álbum es la presencia de Britney Spears, ídolo de la infancia de Miley, en uno de los temas. «Bangerz» ha debutado en lo más alto de la lista de venta americana, convirtiéndose en el tercer #1 de la cantante en Estados Unidos (sin contar sus trabajos como Hannah Montana) y también ha liderado las listas de venta de Reino Unido, Australia y Canadá, lo que demuestra el éxito logrado por la oveja descarriada del pop actual.

El single presentación de «Bangerz» fue We Can’t Stop, un medio tiempo pop/R&B producido por Mike Will que ha supuesto un soplo de aire fresco a la música actual por su original sonido y sus pegadizas letras, no exentas de polémica por sus alusiones a las fiestas, el desfase y el uso de drogas. ‘We Can’t Stop’  ha tenido una enorme rotación en las radios durante los últimos meses y ha resultado un éxito en las listas de ventas de todo el mundo, ya que ha alcanzado el #1 en Reino Unido y ha ocupado el top 5 en Estados Unidos, Canadá, Australia o España entre otros. Como segundo single, previo al lanzamiento del álbum se ha lanzado Wrecking Ball, una desgarradora balada synth-pop producida por Dr. Luke en la que Miley habla del progresivo deterioro de una relación. Este tema destaca por la magnífica ejecución vocal de Miley, sus profundas letras y la vulnerabilidad mostrada, sin embargo su videoclip ha recibido opiniones muy negativas ya que la rebelde cantante nuevamente hacia gala de su provocación apareciendo desnuda montada en un enorme mazo de demolición mientras muestra una actitud muy sexual. Pese a la polémica en torno a este tema y su gran exposición mediática, no cabe duda que estamos ante una de las mejores canciones de la temporada. En el terreno comercial ‘Wrecking Ball’ ha resultado un auténtico éxito y ha alcanzado el #1 en la lista americana (el primer #1 de Miley en Estados Unidos), en Reino Unido, España y Canadá entre otros.

Entre los temas más interesantes del álbum, aparte de los dos primeros singles, se encuentran ‘Adore You’, una bonita balada pop/R&B producida por Dr. Luke en la que le dedica todo su amor a su pareja, ‘4X4’, un tema up-tempo con influencias Country y Hip Hop en el que colabora el rapero Nelly y habla de una relación con un hombre conflictivo que no para de meterse en problemas o ‘FU’, un tema mid-tempo electropop y R&B influenciado por el sonido Dubstep que cuenta con la presencia de French Montana y en el que Miley se despacha a gusto contra su ex por engañarla. Sin duda una de las canciones más destacadas del álbum es ‘SMS (Bangerz)’, que se trata de un tema up-tempo producido por Mike Will que combina dance-pop, electropop y Hip Hop cuenta con la participación de Britney Spears y destaca por el hecho de que ambas artistas muestran su faceta como raperas. En resumen, dejando a un lado las polémicas apariciones que ha protagonizado recientemente Miley Cyrus, sus controvertidas declaraciones y su actitud provocativa y centrándonos exclusivamente en su música debo reconocer que este álbum me ha sorprendido gratamente ya que resulta divertido, arriesgado y ecléctico debido a la gran cantidad de estilos presentes y está compuesto por un conjunto sólido de canciones. Temas imprescindibles: We Can’t Stop, Wrecking Ball, FU, Adore You y SMS (Bangerz). Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «The Electric Lady» de Janelle Monáe

deividtoxicDeja un comentario

Electric_LadyJanelle Monáe es una artista difícil de encasillar ya que tanto su música como su estilo personal es sumamente original y no se le puede comparar con ningún otro cantante de música negra. Durante este mes de septiembre, Janelle ha publicado su segundo álbum de estudio, titulado The Electric Lady, que supone una continuación de sus anteriores trabajos, el EP «Metropolis» y su debut «The ArchAndroid», los cuales obtuvieron grandes elogios por parte de los expertos musicales, que alabaron el estilo inconfundible de la cantante, su cuidada producción y las habilidades vocales de Janelle. «The Electric Lady» es un complejo álbum conceptual en el que la cantante de Atlanta vuelve a dar vida a su alter-ego, el androide futurista Cindi Mayweather, cuenta con 19 pistas (14 canciones y 5 interludios) y es la tercera parte de una trilogía con la que la cantante nos muestra su visión de la vida, del arte y de la música. «The Electric Lady» está encuadrado dentro del Soul y el funk con influencia del R&B, jazz, rock o Neo-Soul y cuenta con la participación de artistas de la talla de Erykah Badu, Miguel, Solange Knowles (la hermana de Beyoncé) o Prince. Este álbum destaca por el amplio rango vocal de la cantante y su versatilidad como artística. El single presentación del álbum fue Q.U.E.E.N., un tema funk con influencia Soul y Hip Hop en el que participa como artista invitada su admirada Erykah Badu (bajo el seudónimo de Badoula Oblongata) y habla de los colectivos más desfavorecidos, como la comunidad LGTB, los intocables, inmigrantes, presos y la comunidad negra, que han sido oprimidos durante años. Este tema sin duda es uno de los más destacados del álbum por sus letras de empoderamiento, su producción funk y la ejecución vocal de Janelle. Como segundo single se lanzó Dance Apocalyptic, un tema up-tempo de corte retro influenciado por el funk y doo-wop que habla de bailar mientras el mundo se acaba y resulta uno de los temas más marchosos y bailables del álbum. «The Electric Lady» ha debutado en el #5 de la lista americana de álbumes, una mejora considerable con respecto a la posición lograda a su anterior trabajo «The ArchAndroid» y alrededor del mundo ha ocupado del top 25 en Reino Unido, Canadá y Australia.

Como tercer single se lanzará ‘Primetime’, una balada Soul/R&B junto al cantante de Miguel (que tiene un estilo musical muy parecido a Janelle) que habla del primer amor de Cindi Mayweather y cómo pasa de trabajar en un club para adultos a dedicarse al mundo de la música. Uno de los temas más destacados del álbum es ‘Electric Lady’, que se trata de un tema R&B que cuenta con la colaboración de Solange y habla de la necesidad de las mujeres de ser ellas mismas y mantener el control de sus cuerpos y su propia sexualidad, lo que lo convierte en un himno de empoderamiento femenino. Otros de los temas más destacados son ‘We Were Rock’n’Roll’, un animado tema retro que combina Disco, funk y rock, habla de un amor pasado y recuerda a su hit single ‘Cold War’, la clásica balada ‘Look Into My Eyes’ o ‘Givin Em What They Love’, en el que colabora Prince, al que Janelle considera como su mayor influencia musical y uno de sus artistas favoritos de todos los tiempos. En definitiva, «The Electric Lady» me ha sorprendido gratamente ya que es un álbum intrépido, ingenioso, audaz y brillantemente producido, con el que he podido descubrir a una artista muy talentosa que destaca por sus grandes habilidades como compositora, vocalista y ‘show woman’. Temas imprescindibles: Electric Lady, Queen, Dance Apocalyptic, We Were Rock’n’Roll y Primetime. Puntuación: 8’5/10.