R&B

Crítica de «The Boy Is Mine» de Monica

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La cantante Monica nació en una familia muy relacionada con el mundo de la música ya que su madre cantaba Gospel en una iglesia y su primo era el famoso productor musical Polow da Don y desde una temprana edad empezó también a cantar en coros de iglesias. Tras ser descubierta por el productor Dallas Austin gracias a su gran talento como cantante, Monica Arnold hizo su debut en el mundo de la música a la temprana edad de 14 años con Miss Thang, el cual pese a ocupar una discreta posición en la lista americana de álbumes, contó con 4 singles muy exitosos que ocuparon el top 10 y acabó siendo certificado tres veces platino con ventas superiores al millón y medio de copias. Tras este álbum que recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su versatilidad vocal, la cantante de Atlanta participó en varias bandas sonoras de películas, entre ellas ‘Space Jam’, a la que contribuyó con la balada ‘For You I Will’, la cual tuvo un gran acogida en Estados Unidos, ocupó el top 5 en la lista de singles y se convirtió en uno de sus temas más populares. En 1998 Monica publicó su segundo álbum de estudio, The Boy Is Mine, el cual que está formado por un compendio de marchosos temas up-tempo, baladas y medios tiempos de estilo R&B con influencia pop, Hip Hop, Soul y Gospel. Este álbum está producido en su mayoría por su mentor Dallas Austin además de otros importantes nombres de la industria musical de la época como Jermaine Dupri, Darkchild, David Foster o Daryl Simmons. Precedido por el single del mismo nombre, «The Boy Is Mine» debutó en el #8 de la lista americana de álbumes, fue certificado triple platino y vendió más de 2 millones de copias en Estados Unidos.

El single presentación del álbum fue The Boy Is Mine, un dúo con la cantante Brandy, quien compuso el tema junto a Rodney ‘Darkchild’ Jerkins y su equipo. Este tema R&B mid-tempo contaba con una temática muy habitual en la música negra de los años 90: dos mujeres peleándose por el mismo hombre. Aunque Brandy decidió que quería colaborar con Monica en este tema, las sesiones de grabación no fueron demasiado bien y debido a las diferencias entre ambas acabaron grabándolo por separado (Monica terminó el tema en Atlanta junto a su colaborador Dallas Austin). Como ya comenté en la reciente crítica del álbum «Never Say Never» de Brandy, ‘The Boy Is Mine’ se convirtió en el single más exitoso del año 1998 y lideró la lista americana durante nada más y nada menos que 13 semanas. Este tema no sólo recibió buenas críticas de los expertos musicales y numerosos premios (entre ellos un Grammy a mejor actuación vocal R&B de un dúo/grupo) sino que sirvió de espaldarazo internacional a ambas promesas del R&B ya que gracias a este top 5 en las listas de venta de Australia, Reino Unido, Francia o Alemania, tanto Brandy como Monica vivieron su mejor momento profesional.

Tras el enorme impacto comercial de ‘The Boy Is Mine’, la joven cantante demostró que su éxito no era flor de un día y lanzó como segundo single The First Night, un pegadizo tema mid-tempo R&B con influencia Hip Hop/Soul producido por Jermaine Dupri, el cual le dio su habitual toque urbano. Este tema samplea la melodía del famoso tema ‘Love Hungover’ de Diana Ross y destaca por sus letras, en las que Monica se debate si tener o no relaciones sexuales con un chico en su primera cita. ‘The First Night’ resultó un gran éxito en Estados Unidos y se convirtió en el segundo single #1 de Monica en la lista americana (también lideró el componente R&B/Hip-Hop de Billboard) y ocupó el top 10 en Reino Unido. Como tercer single, Monica lanzó la bonita balada Angel of Mine, que se trataba de una versión del famoso tema del grupo británico Eternal pero en este caso producida por Darkchild. Mientras que la versión original tuvo una gran acogida en Europa (nunca fue lanzada en tierras americanas) Monica logró gran éxito en Estados Unidos, donde se convirtió en su tercer #1 consecutivo y también tuvo buen desempeño en Australia o Canadá.

Como último single se lanzó Street Symphony, un medio tiempo R&B compuesto y producido por Dallas Austin que destaca por su larga introducción melódica y su uso prominente de violines (cuyos arreglos musicales provienen de la Atlanta Symphony Orchestra). Las letras de este tema exploran el dilema de estar enamorada de un hombre involucrado en actividades delictivas y la difícil decisión de exigirle que elija entre la «calle» (sus peligrosas rutinas) o su relación. Pese a que ‘Street Symphony’ es uno de los temas más sobresalientes del álbum no tuvo un buen desempeño comercial y ni siquiera entró en la lista americana. Fuera de Estados Unidos se lanzó como último sencillo promocional Inside, que se trata de una gran balada R&B/Soul que mostraba el amplio rango vocal de Monica. Dentro del álbum destacan la magnífica rendición del tema ‘Misty Blue’ de Bob Montgomery o ‘Take Him Back’, un medio tiempo que samplea ‘Shape of My Heart’ de Sting y en el que Monica relata que debería dejar atrás su relación con un hombre que solo le causado dolor. 

«The Boy Is Mine» fue lanzado apenas un mes después de «Never Say Never», el segundo álbum de Brandy y que también contenía el hit ‘The Boy Is Mine’. Ambos álbumes entraron en competencia al ser publicados en fechas muy cercanas y por ser similares en cuanto a estilo y género musical, pero sin duda por la supuesta rivalidad que mantenían ambas cantantes según los medios de comunicación. Los dos resultaron muy exitosos: fueron certificados multiplatino y contaron con varios singles #1 en la lista americana (en concreto Monica tres y Brandy dos) y se han convertido en dos de los álbumes R&B más relevantes y destacados de finales de los años 90. Aunque ‘The Boy Is Mine’ es mi canción favorita de todos los tiempos, no escuché el álbum de Monica hasta un tiempo después ya que en esos momentos era seguidor de Brandy y me centré en «Never Say Never», sin embargo cuando le di la oportunidad al disco de Monica me sorprendió gratamente y suelo escucharlo regularmente ya que contiene temas muy interesantes, además fue el responsable de que empezara a descubrir el resto de la discografía de Monica. Temas imprescindibles: The Boy Is Mine, Street Symphony, Angel of Mine, The First Night, For You I Will y Misty Blue. Puntuación: 7’8/10.

Crítica de «Never Say Never» de Brandy

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Never Say NeverCon tan solo 15 años, Brandy hizo su debut en el mundo de la música con su álbum de título homónimo, el cual recibió buenas críticas por su gran talento vocal y su madurez. Pese a debutar en una discreta posición de la lista americana, «Brandy» acabó vendiendo más de dos millones de copias en Estados Unidos y contó con tres singles top 10 en la lista Billboard. Este álbum estaba encuadrado dentro del R&B, pop y Hip Hop Soul característico de los años 90 y tanto la música como el estilo de la joven Brandy fue comparada con Janet Jackson o Aaliyah y muchos la consideraron ‘la nueva Mary J Blige’. Tras este álbum, Brandy Norwood desarrolló su faceta de actriz y participó junto a Whitney Houston en la adaptación de la película ‘Cinderella’ pero sin duda destacó por su papel protagonista en la serie adolescente ‘Moesha’, que resultó un éxito entre el colectivo afroamericano durante los años 90. En 1998, 4 años después de su disco debut, Brandy regresó al mundo de la música con su segundo álbum de estudio, titulado Never Say Never, en el que asumió un mayor papel sobre el control creativo de su música, compuso la mayoría de las canciones presentes y se unió a Rodney Jerkins (más conocido como Darkchild) y su equipo, LaShawn Daniels y su hermano Fred Jerkins III, además del afamado productor David Foster. «Never Say Never» está encuadrado dentro del R&B, pop y Soul, profundiza en el sonido ‘Adult Contemporary’ e incorpora numerosas baladas influenciadas por Mariah Carey y Whitney Houston, alejándose del estilo Hip Hop Soul de su álbum debut. Respaldado por varios singles de gran éxito, el segundo álbum de Brandy logró una gran acogida comercial en Estados Unidos, donde debutó en el #2 de la lista americana, se mantuvo durante meses en el top 20 y acabó siendo certificado cinco veces platino por ventas cercanas a los 5 millones de copias. A nivel internacional Brandy aumentó su popularidad en gran medida: el álbum ocupó el top 10 en Alemania y el top 20 en Australia, Francia o Reino Unido y superó los 14 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo.

El single presentación del álbum fue The Boy Is Mine, un medio tiempo R&B a dúo con la cantante Monica y producido por Darkchild, aunque la parte de Monica fue grabada de manera separada en Atlanta bajo la supervisión de su productor Dallas Austin. Inspirada por el dueto ‘The Girl Is Mine’ de Michael Jackson y Paul McCartney, Brandy compuso el tema pensando en dos chicas que se pelean por el mismo hombre y quiso colaborar con la prometedora cantante Monica, quien únicamente había visto en una ocasión pero también despuntó en el mundo de la música a la vez que Brandy. ‘The Boy Is Mine’ resultó uno de los temas más populares del año, alcanzó el #1 en la lista americana de singles y se mantuvo en la posición de honor durante 13 semanas, convirtiéndose en una de las canciones que más semanas permanecía en el #1 de la lista de singles. En una época en la que solo existía el formato físico, Brandy y Monica pueden presumir de haber vendido más de dos millones y medio de CD singles de ‘The Boy Is Mine’ en Estados Unidos y acabó convirtiéndose el single más vendido de 1998. En el resto del mundo este single también tuvo un gran impacto comercial y ocupó el #1 en Canadá, #2 en Reino Unido o Francia y top 5 en Alemania. Este tema recibió numerosos galardones, entre ellos un Grammy a mejor actuación vocal R&B de un dúo/grupo y fue nominado a mejor grabación del año, pero tuvieron la mala suerte de competir contra el hit ‘My Heart Will Go On’ de Céline Dion. Aunque nunca fue confirmado por ninguna de ellas, desde un principio se habló de una gran rivalidad y mala relación entre ambas artistas, ya que terminaron grabando el tema por separado debido a sus diferencias y solo realizaron una actuación juntas en los premios MTV, en la que se mostraron visiblemente distantes (según los rumores tuvieron una fuerte discusión antes de salir al escenario). Dicha rivalidad fue más allá cuando Monica tituló su segundo álbum «The Boy Is Mine», algo que molestó a Brandy, quien había compuesto la canción. 14 años más tarde Monica y Brandy volvieron a trabajar juntas en el tema ‘It All Belongs to Me’ y comentaron que durante aquella época eran jóvenes e inmaduras y aunque no sentían celos o envidia de la otra, «apenas podían estar juntas en la misma habitación», pero tras su reunión resolvieron sus diferencias.

Tras el éxito masivo de ‘The Boy Is Mine’, como segundo single internacional se lanzó Top of the World, un marchoso tema R&B y Hip Hop up-tempo que contaba con la colaboración del rapero Mase y resultaba el tema con mayor componente urbano del álbum. Este single no fue lanzado en tierras americanas pero en Reino Unido mantuvo el éxito de su predecesor y consiguió su segundo #2 en las listas de venta. El tercer single lanzado fue Have You Ever?, una emotiva balada R&B/Soul escrita por la afamada compositora Diane Warren y producida por David Foster cuyas letras hablan sobre el dolor de un amor no correspondido, la vulnerabilidad extrema y la dificultad de expresar los sentimientos reales. Este tema recibió grandes críticas por su componente lírico y la magnífica ejecución vocal de Brandy. ‘Have You Ever?’ resultó muy popular en Estados Unidos y alcanzó la posición de honor en la lista Billboard, convirtiéndose en el segundo #1 consecutivo de Brandy. Como cuarto single se lanzó Almost Doesn’t Count, una balada pop/R&B con uso prominente de guitarra española y ciertas influencias Country en cuyas letras Brandy habla sobre la frustración de estar en una relación intermitente y en la que los pequeños intentos por parte de su pareja para salvar el vínculo ya no son suficientes. ‘Almost Doesn’t Count’ fue producido por Fred Jerkins y Guy Roche (uno de los pocos temas del álbum sin crédito por parte de Darkchild) y tuvo una acogida muy positiva por parte del público ya que ocupó el top 20 en Reino Unido y Estados Unidos.

El último single lanzado del álbum fue U Don’t Know Me (Like U Used To), un tema R&B up-tempo influenciado por el sonido Hip Hop que resulta uno de los temas más rítmicos y urbanos del disco y guarda similitudes con canciones de su primer álbum como ‘I Wanna Be Down’. Como sencillo promocional en tierras americanas se lanzó Angel In Disguise, un original tema R&B mid-tempo con una larga introducción instrumental en el que Brandy declara amar a su pareja pese a sus infidelidades. A lo largo de los años ‘Angel In Disguise’ se ha convertido en uno de los más populares de la cantante y pese a no contar con videoclip o promoción consiguió entrar al top 80 de la lista americana. Entre los temas más interesantes de «Never Say Never» se encuentran ‘Learn the Hard Way’, una balada R&B mid-tempo cuyas letras hablan sobre reconocer el maltrato en una relación, encontrar la fuerza para terminarla y aceptar las dolorosas lecciones aprendidas, ‘Happy’, un marchoso tema R&B up-tempo que describe el eufórico sentimiento de estar profundamente enamorado o ‘One Voice’, una emotiva balada producida por David Foster que destaca por la impresionante ejecución vocal de Brandy, cuenta con un coro Gospel al final de la canción y contiene unas inspiradoras letras sobre la unidad, la esperanza y la armonía social.

Personalmente le tengo un cariño especial a «Never Say Never» porque fue uno de los primeros álbumes que escuché dentro del género R&B e incluye ‘The Boy Is Mine’, mi canción favorita de todos los tiempos y una de las imprescindibles dentro del R&B. A raíz de este álbum, me convertí en gran seguidor de Brandy y varios de sus discos posteriores, como «Full Moon», «Afrodisiac» o «Human» se encuentran entre mis álbumes R&B preferidos. Sin duda, «Never Say Never» es uno de los mejores álbumes de la década de los 90 gracias a la magnífica producción de Darkchild, su sólido conjunto de canciones y el enorme talento vocal de Brandy. Temas imprescindibles: The Boy Is Mine, Top of the World, U Don’t Know Me, Have You Ever?, Angel In Disguise, Almost Doesn’t Count y Learn the Hard Way. Puntuación: 9/10.

Crítica de «FanMail» de TLC

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5c268-tlcfanmailA finales de 1994 el trío femenino TLC publicó CrazySexyCool, su segundo álbum de estudio, el cual fue aclamado por los críticos musicales por el carácter social y reivindicativo de sus letras, resultó un auténtico éxito de ventas (9 millones de copias en Estados Unidos y más de 15 en todo el mundo) y contó con los hit singles ‘Creep’ y ‘Waterfalls’, que lideraron la lista americana y se convirtieron en dos de los temas más representativos de su carrera. Pese a haber publicado uno de los álbumes más vendidos de la historia, las componentes de TLC se declararon en bancarrota financiera debido a numerosos gastos que no podían asumir, como el pago del seguro de la mansión que incendió Left Eye o los gastos por la enfermedad de T-Boz, además del pago de salarios de productores, managers o abogados. En 1999 vio la luz el segundo álbum de estudio del grupo, Fanmail, el cual marcaba una gran evolución musical con respecto a su antecesor debido al lapso de más de 4 años entre ambos. Mientras que «CrazySexyCool» estaba encuadrado dentro del R&B y el Hip Hop Soul, «FanMail» viró hacia el pop futurista y el sonido electrónico, aunque en esencia era un álbum de estilo R&B. «FanMail» fue producido principalmente por Dallas Austin, aunque contaba con producción adicional de sus habituales colaboradores Jermaine Dupri y Babyface, además de She’kspere y el dúo formado por Jimmy Jam y Terry Lewis. Durante la grabación del álbum surgieron fricciones entre el grupo y Dallas Austin (quien además había sido pareja de Chilli y el padre de su hijo) debido a su alto salario que demandaba y su exigencia de asumir el control creativo del álbum. Además la presencia de Left Eye en el álbum fue escasa debido a su mala relación con Dallas Austin, el cual rechazó las canciones compuestas por Lisa por considerarlas de baja calidad. «FanMail» debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos, convirtiéndose en el primer disco del grupo en liderar la lista americana y acabó siendo certificado 6 veces platino con ventas superiores a los 5 millones y medio de ejemplares. TLC siempre se han caracterizado por tener un mayor impacto comercial en Estados Unidos que en el resto de mercados sin embargo el álbum consiguió ocupar el top 10 en Canadá, Alemania o Reino Unido y superó los 10 millones de copias en todo el mundo.

El single presentación del álbum fue No Scrubs, un pegadizo tema R&B compuesto por Kandi Burruss y She’kspere (quienes fueron responsables de otros hits de la época como ‘Bills Bills Bills’ de Destiny’s Child) y que contaba con su habitual sonido R&B tan típico de aquella época. ‘No Scrubs’ se convirtió en uno de los temas más populares del año 1999 y destacó por el uso de la palabra ‘scrub’, con la que se referían a un chico que no trabaja ni tiene aspiraciones en la vida e intenta aprovecharse de las mujeres. Este single ocupó el #1 en Estados Unidos durante 4 semanas (se convirtió en el tercer #1 de TLC en la lista americana) además de en Australia y Canadá y el top 10 en los principales mercados como Reino Unido, Francia o Alemania. ‘No Scrubs’ ganó dos premios Grammy: mejor canción R&B del año y mejor actuación R&B por un dúo/grupo. Como segundo single se lanzó Unpretty, un medio tiempo R&B con influencia pop/rock y sonido alternativo compuesto por T-Boz y producido por Dallas Austin. En ‘Unpretty’ TLC animaban a las mujeres a no ser tan exigentes con su propio físico para agradar a los hombres y resultaba un himno de auto-aceptación y empoderamiento. Este single también resultó un éxito y consiguió el cuarto #1 de TLC en Estados Unidos. Como tercer y último single se lanzó Dear Lie, una emotiva balada R&B compuesta nuevamente por T-Boz (e interpretada en su mayoría por ella) y producida por Babyface que tuvo un impacto comercial mínimo en Estados Unidos. En mi opinión no fue una decisión muy acertada elegir ‘Dear Lie’ como single ya que dentro del álbum encontramos temas mucho más interesantes como ‘I’m Good at Being Bad’, la aportación de Jimmy Jam & Terry Lewis al álbum, con letras muy explícitas y que contenía rap por parte de Left Eye, ‘If They Knew’, un marchoso tema R&B up-tempo, ‘Silly Ho’, un extraño pero pegadizo tema electropop/R&B con letras feministas o la otra balada producida por Babyface ‘I Miss You So Much’.

«Fanmail» fue el último álbum de TLC como trío ya que en 2002, poco antes de que viera la luz el siguiente disco del grupo, Left Eye falleció en un accidente de tráfico en Honduras. Pese a la trágica desaparición de la carismática componente, Chilli y T-Boz siguieron adelante con el proyecto. En resumen, «FanMail» es un álbum muy interesante que marca una evolución con respecto a los anteriores trabajos de TLC (de carácter más urbano) al incorporar un sonido pop más futurista pero que capturaba la esencia del grupo y se convertía en uno de los álbumes R&B más destacados de finales de los 90. Temas imprescindibles: Unpretty, If They Knew, I’m Good at Being Bad, pero sobretodo No Scrubs, uno de los mejores temas R&B de todos los tiempos. Puntuación: 8/10.

Crítica de «The Writing’s on the Wall» de Destiny’s Child

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Destiny's ChildDurante la década de los 90 cuatro jovencitas de Houston (Texas) que deseaban triunfar en el mundo de la música se conocieron en diferentes concursos de talentos y decidieron formar su propio grupo, llamado inicialmente Girl’s Tyme. Me estoy refiriendo a Beyoncé Knowles, Kelly Rowland, LeToya Luckett y LaTavia Roberson, quienes más tarde pasaron a llamarse Destiny’s Child bajo la supervisión del Matthew Knowles (el padre de Beyoncé y tutor legal de Kelly), quien se convirtió en el manager del grupo y les consiguió un contrato con la discográfica Columbia. En 1998, cuando todavía eran menores de edad publicaron su primer disco de estudio, titulado «Destiny’s Child», el cual tuvo un debut moderado en la lista americana pero acabó vendiendo un millón de copias de Estados Unidos y contó con el hit ‘No No No’, que alcanzó el #3. En julio de 1999, apenas un año más tarde de su álbum debut el cuarteto de Houston regresó con un proyecto mucho más ambicioso y maduro, llamado The Writing’s on the Wall, que se convertiría en el álbum más famoso y exitoso (también el más polémico) de toda su trayectoria. «The Writing’s on the Wall» está formado por un compendio de medios tiempos, temas up-tempo y baladas de estilo R&B, con influencias pop y Soul y que cuenta con el clásico sonido con el que asociamos al R&B de finales de los 90 y principios del 2000. Las 4 componentes del grupo participaron en la composición de la mitad de los temas presentes en el álbum y contaron con la producción de She’kspeare, Missy Elliott, Darkchild o Daryl Simmons entre otros. El productor americano She’kspeare y la compositora Kandi Burruss (cantante del grupo de R&B Xscape) tuvieron un papel esencial en álbum ya que se encargaron de 5 de los temas presentes e imprimieron su clásico sonido R&B al disco, además destacan por ser los responsables de otros importantes hits de la época como ‘No Scrubs’ de TLC o ‘There You Go’ de Pink. El segundo álbum de Destiny’s Child recibió buenas críticas de los expertos musicales y recibió 6 nominaciones a los premios Grammy, entre ellos mejor grabación del año, mejor canción R&B y mejor canción del año por ‘Say My Name’.

«The Writing’s on the Wall» debutó en un discreto #6 de la lista americana de álbumes y terminó la década de los 90 con unas ventas superiores al millón y medio de ejemplares, sin embargo tras el éxito de ‘Say My Name’ el álbum vivió una segunda juventud, sus ventas se dispararon y volvió a las primeras posiciones de la lista Billboard, alcanzando el #5. El segundo disco de Destiny’s Child destacó por su gran longevidad en las listas de venta ya que permaneció durante casi dos años en el top 40 y acabó siendo certificado 8 veces platino con unas ventas superiores a los 6 millones de copias en Estados Unidos. Aunque en el resto del mundo no alcanzó tal grado de éxito, también ocupó el top 5 en Australia o Canadá y el top 10 en Reino Unido, donde superó el millón de ejemplares. «The Writing’s on the Wall» fue uno de los álbumes de R&B más exitosos e importantes de la década del 2000 y ha superado los 12 millones de copias.

El single presentación del álbum fue Bills Bills Bills, una de las producciones de She’kspeare para el álbum y que se trataba de un pegadizo medio tiempo R&B de en el que relataban cómo sus hombres se aprovechan de todas sus posesiones pero son ellas las que pagan sus propias ‘facturas’. Este himno de auto-empoderamiento resultaba uno de los temas más destacados del álbum y se convirtió en el primer single #1 de Destiny’s Child en Estados Unidos. Gracias a este tema el grupo femenino comenzó a despuntar tímidamente en el resto del mundo y ocupó su mejor posición en Reino Unido, donde fue top 10. Además de recibir buenas impresiones de los expertos musicales y convertirse en uno de los temas más populares el año, ‘Bills Bills Bills’ consiguió dos nominaciones a los premios Grammy a mejor actuación vocal de dúo/grupo y a mejor canción R&B del año, nominación que volvería a conseguir ‘Say My Name’ un año más tarde. Desde un principio no pasó desapercibido para nadie el hecho de que tanto Beyoncé como Kelly acaparaban el protagonismo dentro del grupo y cantaban los ‘solos’ en todas las canciones, relegando a LeToya y LaTavia a meras coristas. Como segundo single del álbum se lanzó Bug a Boo, un tema R&B up-tempo compuesto por las 4 componentes del grupo junto a Kandi y She’kspeare que nuevamente trataba el tema de los hombres ‘parásitos’ que intentan aprovecharse de las mujeres. ‘Bug a Boo’ no fue tan popular como el single precedente y apenas ocupó el top 40 en la lista americana aunque nuevamente alcanzó el top 10 en Reino Unido.

Ya en el año 2000, Destiny’s Child regresaron con su tercer single, que resultaría uno de sus temas más icónicos y representativos de toda su carrera. Sin duda me refiero a Say My Name, un tema R&B mid-tempo con varios cambios de ritmo producido por Rodney Jerkins, más conocido como Darkchild, quien gracias a la popularidad del tema su fama se dispararía y se convertiría en uno de los productores más solicitados de la industria musical. ‘Say My Name’, gracias a su elevado ‘airplay’ y unas ventas muy altas de CD’s físicos ascendió en la lista de ventas americana hasta alcanzar el #1, posición en la que permaneció durante 3 semanas. A nivel internacional, ‘Say My Name’ supuso el mayor éxito de Destiny’s Child hasta el momento y alcanzó el #1 en Australia y el top 10 en Canadá, Francia o Reino Unido. En un principio, Beyoncé no quiso grabar el tema porque lo consideraba un ‘desastre’ sin embargo resultó uno de los temas más populares, exitosos y galardonados en la historia del grupo. Desde un principio ‘Say My Name’ me cautivó y se convirtió no sólo en mi canción favorita de R&B sino una de mis preferidas de todos los tiempos (junto a ‘The Boy Is Mine’ de Brandy & Monica). El lanzamiento de ‘Say My Name’ no estuvo exento de polémica ya que cuando se desveló su videoclip todos nos quedamos sorprendidos al ver que ni LeToya ni LaTavia participaban en él (a pesar de seguir apareciendo sus voces en el tema) y a su vez descubríamos que dos nuevas componentes formaban parte del grupo: Michelle Williams y Farrah Franklin. Más tarde LeToya y LaTavia anunciaron que habían abandonado Destiny’s Child y demandado a su manager por incumplimiento de contrato e impago de beneficios y le acusaron de favorecer a Beyoncé y Kelly.

Durante esta época, el grupo fue sometido a un gran escrutinio por parte de los medios de comunicación y criticaron el exceso de protagonismo de Beyoncé. Pese a estas controversias, la nueva formación de Destiny’s Child continuó con la promoción del álbum y lanzaron el cuarto single, Jumpin’ Jumpin’, un marchoso tema R&B up-tempo con influencia Hip Hop que habla sobre salir a divertirse a la discoteca con amigas y disfrutar de la noche con total libertad, sin preocuparse por los celos o los problemas de pareja. Este single resultó otro éxito para el grupo y ocupó el #3 en Estados Unidos y el top 5 en Reino Unido o Australia. Pese a que el grupo vivía su mejor momento profesional y el álbum gozaba de un gran éxito comercial, la polémicas no cesaban en torno a Destiny’s Child y apenas unos meses después de su incorporación, Farrah abandonaba la formación al no poder soportar el estrés de la fama. Beyoncé, Kelly y Michelle continuaron adelante como trío, que se convertiría en la formación más estable y conocida de Destiny’s Child.

Dentro del álbum encontramos temas tan interesantes como ‘So Good’, un alegre y pegadizo tema pop/R&B producido por She’kspeare cuyas letras contienen un mensaje de superación personal que celebra el triunfo frente a la envidia de tus detractores o ‘Hey Ladies’, un tema up-tempo de moderna producción y ritmo trepidante que supone un himno de empoderamiento femenino, el autorespeto y la superación de una relación tóxica. También hay espacio para las baladas, como ‘Temptation’, de estilo Soul/R&B y cuyas letras hablan sobre la lucha de resistir la atracción física y el deseo hacia otra persona mientras se mantiene una relación seria. El álbum también incluye ‘Get on the Bus’, un tema R&B producido por Timbaland que formó parte de la banda sonora de una conocida película americana y fue lanzado de manera limitada como sencillo promocional a finales de 1998.

En resumen, «The Writing’s on the Wall» resume a la perfección la esencia del sonido R&B de finales de los 90 y principios de la década del 2000 y está formado por un conjunto muy sólido de canciones que ponen de manifiesto las perfectas armonías de las componentes de Destiny’s Child y su gran talento vocal. La cuidada producción y el mensaje feminista de las canciones presentes son otros de los puntos fuertes del álbum. Personalmente le tengo un gran cariño a «The Writing’s on the Wall» puesto que fue uno de los primeros CD’s que compré y se convirtió en mi álbum favorito de R&B de todos los tiempos y el responsable de que me interesara por dicho género y empezara a escuchar otros cantantes y grupos de música negra. Sin duda es uno de los mejores álbumes de R&B de todos los tiempos. Temas imprescindibles: Say My Name, Bills Bills Bills, So Good, Jumpin’ Jumpin’, Bug a Boo, Where’d You Go y Hey Ladies. Puntuación: 9/10.

Crítica de «Daydream» de Mariah Carey

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album-daydreamDurante los años 90 la cantante americana Mariah Carey alcanzó el estrellato gracias a una sucesión de álbumes tremendamente exitosos que la convirtieron en una de las artistas femeninas más importantes de la década. Su prodigiosa voz con un rango de 5 octavas y sus habilidades como compositora fueron aclamadas por la crítica, aunque algunos expertos se mostraron ambivalentes hacia el contenido ‘blando’ de sus trabajos. Tras la espectacular acogida de su tercer disco Music Box, el cual superó los 25 millones de copias en todo el mundo y produjo clásicos como ‘Dreamlover’, ‘Hero’ o ‘Without You’, la joven cantante neoyorquina lanzó su primer disco navideño «Merry Christmas», el cual se convirtió en el álbum navideño más vendido de la historia y contó con el hit ‘All I Want For Christmas Is You’. En 1995, ya convertida en una super estrella de la música, Mariah Carey regresó con su quinto álbum de estudio, titulado Daydream, el cual marcó una evolución en el estilo musical de la cantante ya que añadió cierto componente urbano y R&B a su habitual estilo pop. Durante el proceso de composición y grabación de «Daydream», Mariah Carey tuvo muchas diferencias creativas con su discográfica, especialmente con Tommy Mottola, su marido y dueño del grupo Sony Music, a la que pertenecía su discográfica Columbia. Intentando salvaguardar a su ‘gallina de los huevos de oro’, la discográfica quiso repetir la fórmula utilizada en «Music Box» y seguir con sus románticas baladas pop, sin embargo Mariah Carey deseaba expresar sus verdaderas aspiraciones como artista y decantarse por un estilo R&B más moderno. Aunque en «Daydream» continuó trabajando con Walter Afanasieff, el artífice de sus mayores éxitos y responsable de todas las baladas del álbum, Mariah se aproximó a productores del circuito R&B/Hip-Hop como Jermaine Dupri y su habitual colaborador Manuel Seal.

El single presentación del álbum fue Fantasy, un marchoso tema up-tempo pop/R&B con influencias funk y Hip Hop producido por Dave Hall (el responsable de ‘Dreamlover’) en el que Mariah Carey declara todo su amor a su pareja. Este tema fue aclamado por la crítica por sus pegadizas letras y la ejecución vocal de Mariah y logró un tremendo éxito en Estados Unidos: debutó directamente en el #1 y lideró la lista durante 8 semanas, convirtiéndose en el segundo single más exitoso del año 1995 en el país. En contra de la opinión de su discográfica, Mariah decidió lanzar un remix de ‘Fantasy’ con un gran toque Hip-Hop dirigido a las radios urbanas con la colaboración del rapero Ol’ Dirty Bastard. En el resto del mundo, ‘Fantasy’ también tuvo un gran impacto comercial: fue #1 en Australia y Canadá y top 5 en Reino Unido. Tras la gran acogida de ‘Fantasy’, como segundo single se lanzó One Sweet Day, una balada R&B que cuenta con la colaboración del grupo masculino Boyz II Men y cuyas letras hablan de la pérdida de un ser querido. Este tema fue aclamado por los expertos musicales por sus inspiradoras letras y las harmonías vocales entre Mariah y el grupo americano. Si parecía complicado superar el éxito del single precedente, ‘One Sweet Day’ consiguió liderar la lista americana durante 16 semanas consecutivas, un récord de permanencia en la lista Billboard que duró casi dos décadas hasta la llegada del infame ‘Despacito’.

El tercer single fue Always Be My Baby, un tema mid-tempo pop/R&B producido por Jermaine Dupri cuyas letras exploran la conexión duradera e inquebrantable entre antiguos amantes. Este single alcanzó nuevamente el #1 en la lista americana (su tercer #1 consecutivo del álbum y undécimo en total) y se ha convertido en uno de los temas más populares y característicos de la carrera de Mariah Carey. En el resto del mundo tuvo un desempeño moderado y únicamente alcanzó el top 5 en Reino Unido. Como tercer single fuera de Estados Unidos se lanzó la bonita balada Open Arms, que se trataba de una versión del famoso tema del grupo americano de rock Journey. ‘Open Arms’ tuvo un gran desempeño comercial en Reino Unido, donde alcanzó el top 5. De manera muy limitada en algunas partes del mundo se lanzó como single Forever, una preciosa balada de amor con instrumentación retro en la que Mariah relata que aunque se haya terminado su relación, su pareja siempre vivirá en sus recuerdos. Como último sencillo promocional en tierras americanas se lanzó Underneath the Stars, una balada R&B/Soul de sonido retro que Mariah considera una de sus canciones más personales y favoritas del álbum. En las letras de ‘Underneath the Stars’ la cantante recuerda un romance veraniego fugaz y apasionado y los recuerdos agridulces que quedan.

En «Daydream» encontramos magníficas baladas como ‘When I Saw You’, compuesta junto a Walter Afanasieff y cuyas letras exploran el concepto del amor a primera vista y la transformación espiritual y emocional que este provoca en una persona o ‘I Am Free’, que trata sobre la liberación personal, la superación de la depresión y el poder sanador del amor o la fe. La segunda contribución de Jermaine Dupri al álbum es ‘Long Ago’, encuadrada dentro del sonido R&B/Hip-Hop que Mariah quería incorporar a este álbum y en cuyas letras la cantante reflexiona sobre una relación pasada en la que su amante era un manipulador y un mentiroso.

«Daydream» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado diamante con unas ventas superiores a los 8 millones de copias, convirtiéndose en su tercer álbum #1 y su trabajo más vendido en Estados Unidos. En el resto del mundo también resultó un éxito con mayúsculas: alcanzó el #1 en Reino Unido, Alemania o Australia y el top 10 en el resto de los principales mercados musicales. A pesar de que no logró igualar el tremendo éxito de «Music Box», superó los 20 millones de copias a nivel mundial y se convirtió en su segundo álbum más vendido de su trayectoria. En resumen, «Daydream» tiene una gran importancia dentro de la carrera inicial de Mariah Carey ya que supone un punto de inflexión y marca la transición hacia el sonido R&B que deseaba incorporar a su música. «Daydream» es uno de los álbumes más sólidos dentro de la primera etapa musical de la legendaria cantante ya que contiene un compendio perfecto entre sus clásicas baladas y los temas rítmicos de sonido urbano. Sin duda uno de los mejores discos de los años 90 e imprescindible para los amantes del pop y el R&B. Temas imprescindibles: Fantasy, Forever, Always Be My Baby, Underneath the Stars, Open Arms y One Sweet Day. Puntuación: 9/10.

Crítica de «FutureSex/LoveSounds» de Justin Timberlake

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futuresex-lovesounds-deluxe-editionDurante sus días en N’Sync, Justin Timberlake destacó por encima de sus compañeros gracias a su gran carisma, simpatía y sus dotes como cantante, compositor y ‘showman’, por ello suponía una evolución natural que se lanzara como artista en solitario. En 2002 vio la luz el primer álbum de Justin Timberlake como solista, Justified, el cual recibió buenas críticas por su madurez y su nuevo sonido, tuvo un gran rendimiento comercial (superó los 10 millones de copias en todo el mundo) y ganó dos premios Grammy. Tras su polémica actuación junto a Janet Jackson en el intermedio de la Super Bowl de 2004, Justin desarrolló su faceta de actor y participó en varias películas. En septiembre de 2006 vio la luz su segundo álbum de estudio, FutureSex/LoveSounds, el cual resultó un tremendo éxito comercial, fue bien recibido por la crítica y consolidó la carrera de Justin en solitario. Mientras que «Justified» contaba con la producción de The Neptunes y Timbaland, en esta ocasión el dúo formado por Chad Hugo y Pharrell Williams no pudo trabajar con el cantante de Memphis por problemas de agenda, por lo que el álbum fue producido principalmente por Timbaland junto a su habitual colaborador Danja, con producción adicional de Will.I.Am y Rick Rubin. «FutureSex/LoveSounds» está inspirado en la música de Prince y David Bowie (dos de los mayores ídolos de Justin) y resulta un proyecto complejo y ambicioso en el que algunas de las canciones presentes cuentan con interludios o preludios de similar instrumentación y superan los 5 o 6 minutos de duración. Este álbum comparte el estilo pop y R&B presente en «Justified», sin embargo incorpora un sonido más vanguardista y arriesgado que incluye electropop y dance-pop además de influencias funk, Disco, Soul, rock o Hip Hop. La primera parte del disco se centra en el tema del sexo y está compuesta por canciones up-tempo mientras que la segunda profundiza en la temática del amor y contiene en su mayoría baladas y medios tiempos.

En el terreno comercial, «FutureSex/LoveSounds» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con más de 680 mil copias vendidas en su primera semana, lo que suponía un gran incremento con respecto a su primer trabajo, y acabó siendo certificado 4 veces platino en Estados Unidos con casi 5 millones de ejemplares vendidos. En el resto del mundo también obtuvo un gran éxito comercial: alcanzó el #1 en las listas de Reino Unido, Australia o Canadá y superó los 10 millones a nivel mundial, igualando el gran rendimiento comercial de «Justified».

El single presentación del álbum fue SexyBack, un enérgico tema electropop y dance-pop producido por Timbaland en el que la voz de Justin aparece sintetizada y prácticamente irreconocible. Este tema, que cuenta con la colaboración no acreditada de Timbaland, es una declaración de intenciones por parte de Justin de revitalizar la música pop con un sonido más provocador y destaca por sus letras sexualmente muy explícitas. ‘SexyBack’ se convirtió en el primer #1 del cantante en Estados Unidos y también obtuvo un éxito masivo en Australia y Reino Unido, donde llegó a lo más alto de las listas de venta. Como segundo single se lanzó My Love, un medio tiempo electro-R&B con influencia Hip Hop que cuenta con la colaboración del rapero T.I. como artista invitado y destaca por la voz en falsete de Justin. En ‘My Love’ Justin muestra su vulnerabilidad en el amor y su deseo de un compromiso de por vida con su pareja. Este single tuvo un gran desempeño comercial: alcanzó nuevamente el #1 en la lista americana y ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. El tercer single fue What Goes Around… Comes Around, un medio tiempo R&B de melodía hipnótica con la clásica producción de Timbaland y cuyas letras hablan sobre el karma, la traición y las consecuencias de la infidelidad en una relación, ya que explora la idea de que el dolor que una persona inflige a los demás finalmente volverá a ellos. Pese a que ‘What Goes Around… Comes Around’ fue considerado como una secuela de su hit ‘Cry Me a River’, Justin afirmó que sus letras estaban inspiradas en la situación por la que pasó un amigo suyo. Este tema es uno de los más sobresalientes del álbum, dura más de 7 minutos y está compuesto por ‘What Goes Around’ y un preludio al final de la canción titulado ‘Comes Around’ con la participación de Timbaland. Al alcanzar este single el #1 en la lista americana, Justin se convirtió en el primer cantante desde Usher en lograr que los tres primeros singles de un álbum alcanzaran el #1 en Estados Unidos.

Aunque originalmente no estaba planeado su lanzamiento como single, la buena acogida de Summer Love por parte del público y su éxito en las estaciones de radio hizo que ascendiera en la lista americana hasta el #6 y se lanzara como cuarto single oficial. ‘Summer Love’ es un medio tiempo pop/R&B que cuenta con una variada instrumentación (teclado, batería, guitarra y piano) y habla del clásico amor de verano. El siguiente single lanzado fue LoveStoned, que se trata de un marchoso tema R&B con elementos funk y dance-pop muy influenciado por el estilo de Michael Jackson. Este tema, producido por Timbaland y Danja, cuenta con unas sugerentes letras en las que Justin compara el enamoramiento y la atracción por alguien que conoces en el club con estar bajo la influencia de las drogas. ‘LoveStoned’ tuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el top 15 en las listas de Estados Unidos, Australia, Canadá o Reino Unido. Coincidiendo con la reedición del álbum se lanzó como single Until the End of Time, pero en una nueva versión a dúo con Beyoncé. ‘Until the End of Time’ es una emotiva balada Soul y R&B que habla sobre encontrar refugio y consuelo en tu pareja en medio de un mundo caótico y oscuro. La canción se centra en el escapismo de las adversidades y problemas cotidianos y Justin promete amar a su pareja incondicionalmente hasta el final de los tiempos. 

La elección de los singles fue muy acertada ya que representan la esencia del álbum, sin embargo también merece la pena mencionar ‘Losing My Way’ un medio tiempo R&B que cuenta con un coro Gospel al final de la canción y cuyas letras exploran temas como la adicción, autodestrucción o pérdida de identidad personal, ‘Sexy Ladies’, un tema funk influenciado por el estilo de Prince que habla de admirar a mujeres atractivas en la pista de baile y o ‘Chop Me Up’, el tema más Hip Hop del álbum y que cuenta con la participación de Timbaland y el grupo de raperos Three 6 Mafia.

Los 6 singles lanzados ocuparon el top 20 en la lista Billboard americana (tres de ellos fueron #1), lo que denota el grado de éxito que cosechó el segundo álbum de Justin Timberlake. Además de recibir buenas críticas de los expertos musicales por su evolución musical y la gran producción de Timbaland, el álbum recibió 4 nominaciones a los premios Grammy y aunque perdió en categorías como mejor álbum del año y mejor actuación vocal pop, ganó el premio a mejor grabación Dance por ‘SexyBack’ y mejor colaboración rap/cantado por ‘My Love’. En 2008 volvió a recibir otras tres nominaciones en los Grammy y ganó dos premios: mejor actuación vocal pop por ‘What Goes Around…’ y mejor grabación Dance del año por ‘LoveStoned’. En resumen, «FutureSex/LoveSounds» es un álbum muy sólido que supuso una fuente de inspiración para otros cantantes de pop por su moderno y ecléctico sonido urbano/electrónico y destaca por la versatilidad de Justin Timberlake como artista y la vanguardista producción de Timbaland y Danja. Sin duda uno de los mejores álbumes de la década del 2000 y personalmente mi favorito dentro del excelente catálogo musical de Justin Timberlake. Temas imprescindibles: What Goes Around… Comes Around, Summer Love, LoveStoned, My Love, SexyBack y Losing My Way. Puntuación: 9/10.

Crítica de «J.Lo» de Jennifer Lopez

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J.LoJennifer Lopez debutó en el mundo de la música en el año 1999 con ‘If You Had My Love’, un tema pop/R&B producido por Rodney ‘Darkchild’ Jerkins (el artífice de muchos de los temas R&B que triunfaron a finales de los 90) que recibió críticas muy positivas de los expertos musicales por su sonido vanguardista y logró gran éxito en las listas de venta, ya que ocupó el #1 en las listas de venta de Estados Unidos, Canadá y Australia. Tanto este single como ‘Waiting For Tonight’ y ‘Let’s Get Loud’ formaban parte de su álbum debut, On the 6, el cual resultaba muy ecléctico y contenía gran influencia de la música latina que había escuchado durante su infancia por los orígenes puertorriqueños de sus padres pero también contaba con inspiración urbana proveniente del Bronx, el barrio neoyorquino donde creció Jennifer, donde el Hip Hop es el género dominante. «On the 6» resultó un gran éxito de ventas (fue certificado tres veces platino en Estados Unidos y vendió 8 millones de copias a nivel mundial) y superó ampliamente las expectativas puestas en él, por lo que la discográfica no dudó en dar continuidad a la faceta de Jennifer como cantante. En 2001, sin apenas un respiro, vio la luz J.Lo, el segundo álbum de la cantante neoyorquina. Pese a que al principio no le gustaba demasiado el apodo ‘J.Lo’ con el que se referían a ella sus fans y los medios de comunicación, Jennifer Lopez finalmente decidió titular de esta manera a su nuevo trabajo discográfico.

Jennifer Lopez participó en mayor medida en el proceso de creación de su segundo álbum y compuso varias de las canciones presentes. «J.Lo» es un álbum muy ecléctico encuadrado dentro del pop, R&B y Latin-pop, aunque también incorpora elementos dance-pop y electropop. Debido a la buena acogida que consiguieron los temas más urbanos de «On the 6», Jennifer Lopez profundizó en el sonido R&B para su segundo álbum y se unió a importantes productores de música negra. Cory Rooney, quien ya participó en su primer trabajo, aumentó su presencia en «J.Lo» y fue el responsable de muchos de los temas presentes, además de Darkchild, P. Diddy, Mario Winans, Ric Wake o Troy Oliver entre otros. La edición original de «J.Lo» contaba con dos temas originales en español (‘Si Ya Se acabó’ y el dueto junto a Chayanne en ‘Dame’) sin embargo para la edición que llegó a España y Latinoamérica se añadieron 3 versiones en español de temas originalmente grabados en inglés mientras que la edición internacional contaba con varios temas inéditos en inglés además del remix Hip Hop de ‘I’m Real’ junto a Ja Rule. Gracias al éxito del primer single, el álbum tuvo un gran debut en las listas de venta y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Canadá, Alemania y España entre otros países y ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. Las ventas de «J.Lo» se mantuvieron muy consistentes durante los siguientes meses debido a la buena aceptación de los sencillos extraídos. El álbum acabó siendo certificado 4 veces platino en Estados Unidos y vendió más de 8 millones de ejemplares en todo el mundo. Cabe destacar que la misma semana en que «J.Lo» alcanzaba la posición de honor en la lista de ventas de Estados Unidos, su película ‘The Wedding Planner’ se convertía en #1 de taquilla en los cines americanos, haciendo de Jennifer la única artista en conseguir de manera simultánea un álbum y una película #1.

El primer single de este ambicioso proyecto fue Love Don’t Cost a Thing, un pegadizo tema pop/R&B up-tempo producido por Cory Rooney y Ric Wake en el que Jennifer relata cómo su hombre intenta ganarse su amor con caros regalos pero ella confiesa que su amor no se compra con dinero. Muchos creyeron que dicho mensaje iba dirigido al rapero P. Diddy, su pareja por entonces y con el que rompió poco después del lanzamiento del disco. ‘Love Don’t Cost a Thing’ cosechó un gran éxito comercial: alcanzó el #1 en Reino Unido, Canadá, España e Italia y ocupó el top 5 en Estados Unidos y Australia y se ha convertido en una de sus canciones más representativas. El espectacular videoclip de ‘Love Don’t Cost a Thing’, rodado en una lujosa mansión de Miami, recibió varias nominaciones a los premios MTV Video Music Awards, disparó la imagen de ‘sex symbol’ de Jennifer y recibió gran atención por parte del público por el hecho de que uno de sus bailarines, Chris Judd, se convertiría meses después en el marido de la cantante. Tras el gran recibimiento de ‘Love Don’t Cost a Thing’ y su discutible versión en español ‘Amor Se Paga Con Amor’, en 2001 se lanzó como segundo single Play, uno de los temas con mayor componente electrónico del disco, compuesto por Cory Rooney y la cantante Christina Milian (la cual también participa haciendo los coros) en el que Jennifer pedía al DJ que le pusiera su canción favorita. Este tema electropop con toque funky y notoria presencia de guitarra eléctrica recibió algunas críticas negativas por parte de los expertos musicales. Personalmente creo que no fue acertada su elección como single y no era la mejor representación de «J.Lo» puesto que podíamos encontrar mejores canciones dentro del álbum. ‘Play’ obtuvo un rendimiento moderado en las listas de venta y ocupó el top 20 en Reino Unido, Australia y Estados Unidos aunque se comportó mejor en Canadá, donde fue top 5.

Como tercer single se lanzó Ain’t It Funny, un animado tema Latin-pop compuesto por la propia Jennifer junto a Cory Rooney cuyas letras describen la ironía de los giros inesperados que da la vida y habla de cómo las expectativas puestas en las relaciones amorosas se enfrentan frecuentemente a la realidad. ‘Ain’t It Funny’ cuenta con un sonido latino reminiscencia del álbum «On the 6» y fue grabado en español bajo el título de ‘Qué Ironía’. Sin duda ‘Ain’t It Funny’ resulta uno de los temas más destacados del álbum por su emotivo componente lírico, su sonido latino, rica instrumentación y la ágil ejecución vocal de Jennifer. Este single obtuvo una gran respuesta comercial en Europa y ocupó el top 10 en Reino Unido o España. Como cuarto single (tercero en tierras americanas) fue lanzado I’m Real, un marchoso tema pop/R&B up-tempo de sonido retro producido por Cory Rooney y Troy Oliver en cuyas letras Jennifer abraza su auténtico yo alejado de su imagen glamurosa y le dice a su hombre que no necesita impresionarla con riquezas, sino un amor genuino y real. Para la reedición del álbum se lanzó un remix de ‘I’m Real’ que contaba con un sonido Hip Hop más acusado y la colaboración del rapero Ja Rule. I’m Real (Murder Remix) tuvo una gran respuesta dentro del circuito urbano y acabó alcanzando el #1 en la lista americana, convirtiéndose en el segundo single ‘chart topper’ de Jennifer Lopez en Estados Unidos.

Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘I’m Gonna Be Alright’, un tema mid-tempo pop/R&B cuyas letras hablan de escapar de una relación poco saludable y darse cuenta que al final todo irá bien, ‘That’s the Way’, un original tema producido por Darkchild que combina percusión tribal con producción típica de R&B, el melodramático ‘That’s Not Me’, que cuenta con una épica producción por parte de P. Diddy y supone un himno de empoderamiento y liberación de una relación tóxica o ‘Walking on Sunshine’, un enérgico tema dance-pop y electropop que supone el momento más up-tempo del álbum y comparte similitudes con su anterior hit ‘Waiting for Tonight’. El álbum cuenta con dos temas originalmente compuestos en español, ‘Si Ya Se Acabó’ y el dueto con Chayanne en ‘Dame’, ambos encuadrados dentro del sonido Latin-pop y en los que Jennifer destaca por su solvente ejecución vocal. «J.Lo» se puede escuchar prácticamente en su totalidad y apenas sobra ninguna canción, quizás las únicas excepciones son las insípidas baladas ‘Come Over’ y ‘Secretly’.

Mientras que algunos expertos musicales opinaron que «J.Lo» estaba sobreproducido y criticaron la limitada voz de Jennifer Lopez como puntos negativos, personalmente creo que se trata de un álbum entretenido y disfrutable, formado por un sólido conjunto de canciones de carácter bailable y desenfadado. En mi opinión «J.Lo» es uno de los mejores álbumes publicados durante la década del 2000 y un ejemplo perfecto del sonido ‘urban pop’ que triunfó durante aquellos años en el panorama musical. «J.Lo» fue uno de los primeros CD’s que compré, por lo que le tengo un cariño especial, me trae muy buenos recuerdos y se ha convertido en uno de mis álbumes preferidos de todos los tiempos. Como gran seguidor de Jennifer Lopez desde sus inicios en el mundo de la música, muchos de sus álbumes como «On the 6», «This Is Me…Then» o «Rebirth» se encuentran entre mis favoritos, sin embargo considero que «J.Lo» es su trabajo más completo, variado y el más representativo dentro de su extensa trayectoria. Temas imprescindibles: Love Don’t Cost a Thing, Ain’t It Funny, I’m Real, Play, That’s Not Me, I’m Gonna Be Alright y That’s the Way. Puntuación: 9/10.

Crítica de «After Hours» de The Weeknd

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After HoursTras unos orígenes encuadrados dentro del R&B alternativo, The Weeknd fue introduciendo progresivamente elementos ‘mainstream’ en su música que le hicieron más accesible al público masivo hasta el punto de convertirse en la actualidad en uno de los cantantes más importantes del panorama musical (se encuentra en el top 5 de los artistas más escuchados de Spotify a nivel mundial). A finales del mes de noviembre The Weeknd lanzó dos singles para presentar su nuevo trabajo discográfico: el primero de ellos era Heartless, un medio tiempo R&B con influencia Trap en el que relataba cómo había vuelto a su vida disoluta de playboy tras la ruptura con sus últimas ex-parejas, la modelo Bella Hadid y la cantante pop Selena Gomez. Debido a su componente urbano, Heartless tuvo un rendimiento comercial muy positivo en Estados Unidos, donde se convirtió en el cuarto #1 de The Weeknd en dicho país y también ocupó el top 10 en las listas de venta de Reino Unido, Australia y Canadá. Un par de días después de ‘Heartless’, el cantante nacido en Toronto nos desveló otro tema muy diferente como anticipo de su nuevo álbum. Me estoy refiriendo a Blinding Lights, un bailable tema synth-pop y electropop con influencia de la música electrónica de los años 80 co-escrito y producido por el rey midas del pop, Max Martin junto con Oscar Holter. Mientras que ‘Heartless’ triunfó en el mercado americano, ‘Blinding Lights’ fue más del gusto internacional y se ha convertido en un auténtico ‘grower’ ya que durante las últimas semanas ha ido escalando posiciones en las listas de venta hasta alcanzar el #1 en más de 20 países de todo el mundo gracias al altísimo nivel de streaming (acumula más de 500 millones de reproducciones en Spotify). En el mes de febrero el cantante canadiense desveló otro sencillo promocional, After Hours, para hacer más corta la espera hasta el lanzamiento de su nuevo álbum, titulado de idéntica manera. Este larguísimo tema de 6 minutos comenzaba como una oscura balada de R&B alternativo con melodía dispersa para transformarse más tarde en un marchoso tema up-tempo de estilo electropop. ‘After Hours’ fue comparado con el material presente en sus primeras mixtapes, recibió buenas críticas de los expertos musicales y ocupó el top 20 en las principales listas de venta pese a ser sólo un sencillo promocional.

Con una gran expectación por escuchar el resto del contenido del álbum, finalmente ha visto la luz After Hours, el cuarto disco de estudio de The Weeknd que toma el relevo al exitoso «Starboy», el cual fue publicado en el año 2016 y ocupó el #1 en Estados Unidos, Canadá y Australia. «After Hours» está formado por 14 temas encuadrados dentro del R&B, synth-pop, electropop, Trap y R&B alternativo compuestos por el propio The Weeknd bajo la producción de Metro Boomin, Oscar Holter, Max Martin, Illangelo o Ricky Reed entre otros. Coincidiendo con la publicación de After Hours se ha lanzado el tercer single oficial, In Your Eyes, que se trata un marchoso pero melancólico tema synth-pop con gran componente electrónico que guarda similitudes con el estilo presente en varias canciones de «Starboy» y tiene influencias de la música de los 80 al igual que ‘Blinding Lights’, lo que no nos debería sorprender demasiado ya que los productores son los mismos: Max Martin y Oscar Holter. ‘In Your Eyes’, con su original instrumentación de guitarra y saxofón, es sin lugar a dudas uno de los temas más pegadizos y sobresalientes del disco y le auguro un gran éxito en las listas de venta durante los próximos meses.

Podemos establecer una clara divergencia entre los temas producidos por Metro Boomin, como por ejemplo ‘Escape From LA’ o ‘Faith’, de carácter mid-tempo, con un sonido más urbano y que profundizan en el R&B alternativo y el Trap, y las canciones más bailables que corresponden a la parte pop cuyos responsables han sido Max Martin y Oscar Holter, entre ellas ‘In Your Eyes’ o Save Your Tears, un original tema synth-pop que continúa con las influencias ochenteras de ‘Blinding Lights’ y explora el tema del desamor. De las baladas y temas mid-tempo que abundan en la primera parte del álbum destaca la bonita balada ‘Scared to Lonely’, que contiene la interpolación de un famoso tema de Elton John.

En resumen, la espera de casi 4 años con respecto a «Starboy» (aunque durante este lapso de tiempo lanzó el EP My Dear Melancholy) ha merecido la pena ya que After Hours está formado por un conjunto sólido de canciones que mezclan las dos facetas diferentes de The Weeknd: la primera es una reminiscencia de sus primeras mixtapes de estilo R&B alternativo y la segunda corresponde a su lado más bailable y marchoso con el que ha conseguido abrirse a un mayor público, pero ambas comparten la misma temática de desamor, ya que relata sus últimas rupturas amorosas y cómo se ha convertido en un hombre desalmado que ha hecho de Las Vegas (a la que nombra en repetidas ocasiones bajo su pseudónimo ‘Sin City’) su segundo hogar. Sin duda «After Hours» es uno de los mejores álbumes R&B/pop de lo que llevamos de año y un más que digno sucesor del magnífico «Starboy». Temas imprescindibles: Heartless, Blinding Lights, In Your Eyes y Save Your Tears. Puntuación: 8/10.

Double Round Review: «All Rise» y «One Love» de Blue

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Durante los últimos años se han producido importantes regresos de icónicos grupos que habían estado alejados del panorama musical durante un gran lapso de tiempo y debido al fenómeno de nostalgia que vive el público por la música de los 90 y 2000, muchos de estos grupos han decidido reunirse de manera temporal o definitiva para realizar giras de conciertos con las que deleitar a sus seguidores con sus grandes éxitos. En la década del 2000 una de las ‘boy bands’ más importantes procedentes de Reino Unido fueron sin duda Blue, un grupo formado por 4 jóvenes ingleses (Duncan, Lee, Antony y Simon) que tuvieron una vida comercial breve pero exitosa en Europa y Australia. Cabe destacar que aunque Lee y Antony se conocieron en los castings de un programa de la TV británica para formar un grupo musical, Blue se formó años más tarde al unirse a ellos dos amigos que también querían probar suerte en el mundo de la música, por tanto Blue no es un ‘grupo prefabricado’, término se utiliza frecuentemente de manera peyorativa pese a que muchos grupos famosos han tenido sus orígenes mediante un casting o por formar parte de un concurso de televisión. El primer álbum de estudio del grupo, All Rise, llegó en 2001 y estaba compuesto por temas up-tempo y baladas de estilo pop/R&B y en comparación con otras ‘boy bands’ surgidas durante esta época tenían un toque urbano muy acusado con ciertas influencias Hip Hop. Los componentes de Blue participaron en la composición de 6 de las 12 canciones que formaban parte del álbum bajo la producción de StarGate, Ray Ruffin o Cutfather entre otros. El single presentación fue All Rise, un marchoso y pegadizo tema up-tempo de estilo pop/R&B co-escrito por Stargate junto a Simon (el cual también realiza un rap a final de la canción) que resultó un gran éxito durante el año 2001 y ocupó el top 5 en Reino Unido y Australia. Como segundo single se lanzó Too Close, que se trataba de una versión de la famosa canción del grupo americano Next que se convirtió en el primer single #1 de Blue en la lista de ventas británica. A finales de año llegó el tercer single, If You Come Back, una balada mid-tempo pop/R&B que nuevamente alcanzó la posición de honor en UK. Como cuarto y último single del álbum se lanzó una nueva versión del tema ‘Fly By’, denominada Fly By II, que contaba con un toque más urbano y moderno en su producción. ‘Fly By’, con la producción de Stargate y la aportación de Simon en la composición, era sin duda uno de los mejores temas del disco y nuevamente ocupó el top 10. Entre los temas más interesantes de «All Rise» se encuentran ‘Bounce’, un pegadizo tema con melodía de violines e influencias urbanas o ‘This Temptation’, que representa el sonido R&B que triunfó durante la época. «All Rise» debutó en lo más alto de la lista británica de álbumes, vendió más de un millón de ejemplares en Reino Unido y fue uno de los debuts más sólidos de una ‘boy band’ durante los primeros años de la década del 2000. Sin duda un gran álbum formado por canciones muy interesantes que cuentan con las excelentes voces de los 4 componentes. Temas imprescindibles: All Rise, Fly By, Bounce, If You Come Back y This Temptation. Puntuación: 8/10.

One LoveBlue se caracterizaron por su gran agilidad publicando álbumes y apenas un año más tarde del lanzamiento de «All Rise» llegó One Love, el segundo álbum de estudio del cuarteto inglés. El dúo noruego Stargate, responsables de dos de los singles de «All Rise» aumentaron su presencia en «One Love» y los componentes de Blue también participaron en mayor medida en el proceso de composición de los temas presentes en este trabajo. «One Love» resultaba muy parecido al debut de Blue en cuanto a estilo musical ya que estaba formado por temas up-tempo y baladas de estilo pop/R&B pero en su conjunto resultaba un proyecto más ambicioso y maduro que «All Rise». En una táctica comercial muy similar a la llevada a cabo con All Rise, Blue lanzaron como primer single el tema que daba título al disco, One Love, un marchoso tema pop/R&B que contaba con un mayor toque urbano y un sonido más americano para intentar atraer la atención del público del otro lado del Atlántico. Aunque no lograron penetrar en el difícil mercado americano, ‘One Love’ tuvo gran éxito en Reino Unido, donde ocupó el #3. Como segundo single se lanzó la versión del clásico de Elton John Sorry Seems to Be the Hardest Word, interpretada junto al veterano cantante inglés. Este tema recibió buenas críticas por mantenerse fiel a la versión original aunque añadía un toque R&B más moderno y destacó por el hecho de que en muchos países (incluido Reino Unido donde fue #1) resultó más exitosa que la versión de Elton John. Como último single de One Love se lanzó U Make Me Wanna, un tema mid-tempo pop/R&B con melodía de violines y sonido veraniego que nuevamente ocupó el top 5 en la lista británica. Pese a que sólo se lanzaron tres singles había bastantes temas en «One Love» con gran potencial como el enérgico ‘Ain’t Got You’, uno de los temas up-tempo del álbum más influenciados por el sonido Hip Hop, ‘Supersexual’, un tema mid-tempo pop/R&B con cierto toque reggae que fue lanzado en España como último sencillo promocional o el pegadizo ‘Without You’, compuesto por Lee y en el que reconocen que podrían vivir sin su móvil, su tarjeta de crédito o su 4×4 pero no sin su pareja. «One Love» debutó nuevamente en lo más alto de la lista de álbumes de Reino Unido y logró igualar las altas ventas de All Rise (más de un millón de copias). Pese a que «All Rise» era un gran debut, el conjunto de canciones que forman parte de «One Love» es superior y muestra un sonido más urbano, arriesgado y moderno, por ello lo considero uno de los mejores álbumes dentro del estilo ‘urban pop’ que triunfó en la década del 2000. Temas imprescindibles: One Love, Ain’t Got You, Sorry Seems to Be the Hardest Word, Supersexual, Without You, U Make Me Wanna y Privacy. Puntuación: 8’5/10.

Crítica de «Hot Pink» de Doja Cat

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Doja CatAunque Hot Pink, el segundo álbum de estudio de Doja Cat, vio la luz a principios del pasado mes de noviembre, durante las últimas semanas la artista californiana ha vivido un gran momento profesional gracias al éxito de su reciente single ‘Say So’. Doja Cat hizo su debut en 2018 con el álbum Amala, el cual tuvo un rendimiento muy mediocre en Estados Unidos, sin embargo el videoclip de uno de los temas de este trabajo se volvió viral y aumentó la popularidad de la joven cantante. «Hot Pink» es un disco urbano muy ecléctico que mezcla R&B, Hip Hop, Soul y Funk, muestra la versatilidad de Doja Cat como cantante y rapera y trata temas como el amor, el sexo y la fama. Amala Diamini (el verdadero nombre de Doja Cat) ha compuesto todos los temas pertenecientes a «Hot Pink» y cuenta con la producción de Dr. Luke, aunque bajo el seudónimo Tyson Trax debido a su publicitada batalla legal con la cantante Kesha y la mala prensa que tiene el productor desde hace un tiempo. El single presentación del álbum fue Juicy, un tema Hip-Hop/R&B que cuenta con la colaboración del rapero Tyga. La versión original de Juicy apareció en la edición deluxe de «Amala» aunque la versión remix junto a Tyga fue añadida más tarde a Hot Pink y lanzada como primer single. Tras varios sencillos que lograron un impacto mínimo por parte del público como ‘Cyber Sex’, Doja Cat lanzó a principios de año Say So, el tema con el que la artista de Los Angeles ha logrado finalmente despuntar a nivel internacional. ‘Say So’ es un marchoso y pegadizo tema Disco con influencia del Funk de los 70 en el que Doja Cat muestra su versatilidad cantando durante la primera parte de la canción y rapeando hacia el final. «Hot Pink» debutó en el top 20 de la lista americana de álbumes con unas cifras de venta muy superiores a las del disco debut de Doja Cat y gracias al repentino éxito de ‘Say So’ el álbum ha vivido una segunda juventud y ha entrado en listas de ventas de países donde no lo hizo en el momento de su publicación. En Australia y Canadá «Hot Pink» ha ocupado el top 25 y en Reino Unido ha sido top 50. Podemos apreciar la variedad presente en Hot Pink en canciones tan dispares como ‘Rules’, un tema Rap en sentido estricto con influencia Trap, ‘Like That’, de estilo Hip-Hop/R&B y que cuenta con la participación del rapero Gucci Mane o la melancólica balada R&B ‘Streets’. En resumen, «Hot Pink» guarda similitudes con el álbum debut de Nicki Minaj, no sólo por el título y temática similar sino por su ecléctico contenido y su mezcla de Hip-Hop con sonidos R&B/pop más comerciales o con el reciente álbum de Lizzo, quien comparte la versatilidad de Doja Cat como cantante y rapera. Puntuación: 7/10.