Electropop

Crítica de «Discipline» de Janet Jackson

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DisciplineEn el año 2008 Janet Jackson regresó al panorama musical con Discipline, su décimo álbum de estudio y el primero dentro de la discográfica Island, después de que las bajas ventas de sus dos últimos discos propiciaran su salida de Virgin. Al igual que sus anteriores trabajos, «Discipline» está encuadrado dentro del pop/R&B e incorpora elementos dance-pop y electropop. El álbum destaca por el hecho de que sus habituales colaboradores Terry Lewis y Jimmy Jam (responsables de sus mayores éxitos) no participan en la producción y su papel lo ha ocupado Darkchild, quien se encarga de la mayoría de canciones, con producción adicional de Jermaine Dupri, Stargate, D’Mile, Ne-Yo, Tricky Stewart y The Dream. «Discipline» debutó en el #1 de la lista americana, convirtiéndose en el sexto álbum de Janet que alcanzaba la posición de honor en Estados Unidos y el primero desde «All for You» en el año 2000. Tras dos álbumes que recibieron críticas tibias por parte de los expertos musicales y una popularidad a la baja desde su polémico incidente en el show de la Super Bowl de 2004, «Discipline» recibió buenas opiniones por parte de los expertos musicales, quienes observaron un avance cualitativo con respecto a sus dos últimos trabajos y alabaron su naturaleza bailable y sensual. 

El single presentación del álbum fue Feedback, un marchoso tema dance-pop, electropop y R&B producido por Darkchild y D’Mile que cuenta con unas letras de carácter sexual que comparan el cuerpo de Janet con diferentes instrumentos musicales. ‘Feedback’ destaca por sus pegadizas letras, su naturaleza desenfadada y su ritmo adictivo, y sin duda se trataba de uno de los mejores ‘lead singles’ de Janet en años. ‘Feedback’ alcanzó el top 20 en la lista americana, convirtiéndose en su single más exitoso desde ‘Someone to Call My Lover’, sin embargo en el resto del mundo tuvo un desempeño moderado. Como segundo single se lanzó Rock With U, un tema electropop y dance-pop de sonido retro compuesto por Ne-Yo junto a Jermaine Dupri que está dedicado a la comunidad gay que ha supuesto un gran apoyo para Janet a lo largo de su carrera. El tercer single lanzado fue Luv, un pegadizo tema electropop y R&B producido por Darkchild cuyas letras giran en torno al profundo impacto de enamorarse de repente cuando ya se habían cerrado las puertas al amor. Como cuarto y último single se lanzó Can’t B Good, una balada R&B mid-tempo cuyas letras abordan el miedo a volver a enamorarse de nuevo y la resistencia emocional tras haber sufrido una dolorosa ruptura en el pasado. Las letras de este tema habla de la relación de Janet con Jermaine Dupri, quien era su pareja por entonces.

«Discipline» es un trabajo muy largo, formado por 22 temas, de los que 9 son los habituales interludios que suele añadir Janet en todos sus discos, los cuales resultan innecesarios y rompen el ritmo del álbum. Pese a este defecto, en general el álbum no resulta pesado y existe poco relleno. Entre los temas up-tempo más destacados se encuentran ‘2nite’, un pegadizo tema dance-pop y electropop producido por Stargate en el que Janet demanda a su pareja que le satisfaga sexualmente o ‘The 1’, un tema R&B con influencia Hip Hop que cuenta con la participación de Missy Elliott y cuyas letras abordan el deseo de exclusividad dentro de la pareja. Las baladas más destacadas son ‘Greatest X’, producida por Tricky Stewart y en cuyas letras la artista habla de la mejor ex-pareja que ha tenido en su vida y ‘Never Letchu Go’, una romántica balada que habla de la promesa incondicional de luchar por una relación madura y en la que Janet acepta sus imperfecciones. En resumen, «Discipline» es un álbum sólido que contiene un acertado compendio de marchosos temas dance-pop y baladas R&B, pero a diferencia de sus anteriores albumes, incorpora un mayor componente electrónico y contiene una producción más arriesgada. Sin duda «Discipline» supone un notable avance con respecto a su anterior álbum, «20 Y.O.», que contenía demasiado relleno y no aparecían temas llamativos u originales. Temas imprescindibles: 2nite, Luv, Can’t B Good, Never Letchu Go, Rock With U, Feedback y Greatest X. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «What The Future Holds Pt. 2» de Steps

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What The Future Holds Pt. 2El grupo británico Steps protagonizó uno de los regresos más importantes del 2020 con el lanzamiento de su sexto álbum de estudio, What The Future Holds, el cual puso fin a su sequía musical de tres años, ya que su anterior trabajo discográfico, «Tears on the Dancefloor» databa del año 2017. ‘What The Future Holds’ estaba formado por un conjunto sólido de temas de estilo dance-pop y electropop, la mayoría de ellos up-tempo, que encajaban perfectamente en el festival de Eurovisión debido a sus pegadizos estribillos, su ritmo bailable, las harmonías conjuntas y el carácter épico de sus letras. «What The Future Holds» fue muy bien recibido por su leal base de fans, los cuales consiguieron que el álbum alcanzara el #2 en la lista de ventas británica, y contó con los magníficos singles ‘What The Future Holds’, ‘Something In Your Eyes’ y ‘To The Beat of My Heart’, que pese a su gran potencial no consiguieron buenos resultados comerciales. El pasado mes de febrero Steps lanzaron Heartbreak In This City como último single de ‘What The Future Holds’ pero en una nueva versión junto a la cantante y celebrity irlandesa Michelle Visage. Este tema up-tempo de estilo Dance/Disco resultaba una de las canciones más destacadas de ‘What The Future Holds’ y ahora forma parte del nuevo álbum en su versión remix. Hace unos meses el quinteto inglés declaró que el álbum tendría una re-edición con nuevos temas pero finalmente los planes cambiaron y a su vez decidieron publicar un nuevo álbum de estudio pero que supone una continuación del anterior. A principios del mes de septiembre ha visto la luz el séptimo álbum de estudio de Steps, What The Future Holds Pt. 2, compuesto por 11 temas que siguen incorporando el estilo dance-pop, electropop y Disco del álbum anterior. El pasado mes de julio, como single presentación se lanzó Take Me For a Ride, un tema mid-tempo de estilo synth-pop que bajaba el ritmo de manera considerable con respecto a los recientes singles lanzados por Steps. En agosto llegó el segundo single del álbum, The Slightest Touch, que se trataba de una versión del famoso tema del grupo británico Five Star pero en clave dance-pop, electropop y Disco, muy en la línea de los singles presentes en el álbum «What The Future Holds».

Muchos de los temas del nuevo álbum siguen la estela musical del anterior y podrían ser apuestas eurovisivas como por ejemplo la dramática ‘Living In a Lie’ que contiene el clásico sonido Steps, la versión de ‘A Million Years’ de la cantante sueca Mariette o el pegadizo tema dance-pop ‘Victorious’, que fue candidato a representar a Suecia en Eurovisión en 2019 en manos de Lina Hedlund. También destacan el marchoso ‘A Hundred Years of Winter’, compuesto por el afamado productor y compositor Walter Afanasieff (la mano derecha de Mariah Carey durante sus primeros años y responsable de muchos de sus hits) o el tema mid-tempo ‘High’, que supone el momento más relajado del álbum. «What The Future Holds Pt. 2» ha debutado en el #2 de la lista británica de álbumes (al igual que la primera parte), lo que demuestra la leal base de fans que tiene el grupo tras más de 20 años de carrera profesional. En resumen, aunque no aporta nada nuevo con respecto a su predecesor ni resulta tan redondo en su conjunto, «What The Future Holds Pt. 2» es una buena adición al catálogo musical de Steps y en él nos vuelven a presentar un conjunto bailable, marchoso y divertido de canciones, que es la seña de identidad del grupo desde sus orígenes. Puntuación: 7/10.

Crítica de «333» de Tinashe

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333 album TinasheEn noviembre de 2019 Tinashe publicó su cuarto álbum de estudio, Songs For You, el primero publicado de manera independiente tras abandonar RCA debido a sus diferencias creativas con dicha discográfica, por lo que la cantante americana pudo asumir el control creativo de su música y hacer el álbum que verdaderamente deseaba. «Songs For You» recibió buenas críticas de los expertos musicales por su conjunto sólido de canciones R&B y el talento de Tinashe como vocalista y compositora y en el blog MiSTeR MuSiC lo incluí dentro del repaso a los mejores álbumes publicados durante dicho año. Durante la pandemia del coronavirus y el largo periodo de confinamiento, la cantante californiana se centró en componer nuevas canciones y el resultado de esas fructíferas sesiones de grabación ha visto la luz este mes de agosto, cuando se ha publicado su quinto álbum de estudio, titulado 333 y que resulta su segundo trabajo discográfico como artista independiente, tercero si incluimos el EP navideño que lanzó el año pasado. «333» está formado por 16 temas compuestos por la propia Tinashe, encuadrados dentro del R&B con influencias synth-pop, Trap y del R&B alternativo, bajo la producción de importantes nombres como Hitmaka, StarGate, Dwilly o John Hill, aunque lo cierto es que la mayoría de los productores implicados en este proyecto son relativamente poco conocidos, ya que como artista independiente Tinashe ha tenido que asumir todos los gastos que suponen la creación y distribución de un álbum. Según Tinashe, el título del álbum hace referencia al número de la buena suerte, la positividad y la presencia de un ángel guardián cuidando de nosotros, además de representar el viaje emocional y espiritual que ha vivido la cantante a raíz de la reciente pandemia global. El single presentación del álbum, Pasadena, llegó el pasado mes de junio y se trata de un marchoso tema R&B/pop con influencia Bounce y de sonido muy veraniego que cuenta con la colaboración del rapero Buddy y está dedicado a la ciudad a las afueras de Los Angeles donde creció la joven cantante. Este pegadizo tema resultaba todo un acierto por parte de Tinashe ya que nos mostraba su lado más comercial y accesible a un mayor público, ya que desde sus inicios en el mundo de la música su antigua discográfica no ha tenido claro cómo presentar a Tinashe al público, si como una artista R&B alternativa o como una ‘pop star’, de ahí que su imagen haya ido dando bandazos y no haya conseguido el éxito que realmente merece. Un mes después de Pasadena llegó Bouncin, un tema R&B/synth-pop producido por Dwilly que cuenta con una original melodía que nos sumerge en una atmósfera ambiental y destaca por la versatilidad vocal de Tinashe, que alterna su falsetto con su voz grave mientras habla de bailar en la pista de baile y mandar fotos ‘picantes’ a su amante, aunque contiene un mensaje de auto-afirmación y empoderamiento.

Como sencillo promocional antes de la llegada del álbum se lanzó I Can See the Future, un interesante tema R&B mid-tempo de sonido futurista que podría pertenecer a su álbum Aquarius y en el que Tinashe utiliza la técnica sing-rap a lo largo de la canción, sin embargo la cantante ha promocionado en la TV americana Undo (Back To My Heart), un animado tema R&B/pop muy accesible con influencia dance-pop y synth-pop que destaca por la magnífica ejecución vocal de Tinashe y en cuyas letras agradece haber encontrado a su verdadero amor y cómo el camino hasta llegar a su actual momento de felicidad ha sido complicado y le gustaría «deshacer algunos errores» que cometió en el pasado cuando era más joven y alocada. «333» sigue la estela musical de su anterior trabajo «Songs For You», pero resulta más experimental y arriesgado que éste último y en él Tinashe sigue incorporando su habitual sonido R&B (como la clásica balada ‘Last Call’, el medio tiempo ‘Let Me Down Slowly’ que originalmente iba a formar parte de su anterior álbum o ‘Small Reminders’, que contiene elementos del R&B alternativo) pero se influencia de otros estilos como el synth-pop y la música electrónica, como por ejemplo en ‘X’, un marchoso tema R&B/synth-pop con influencia Trap producido por Hitmaka que cuenta con la participación del cantante americano Jeremih y en el que ambos relatan un encuentro sexual de lo más tórrido, o ‘Unconditional’, producido por Kaytranada y en el que habla de los problemas de amar incondicionalmente y todo el dolor que puede traer consigo.

En mi opinión Tinashe es una cantante sumamente infravalorada dentro de la música actual ya que es una artista muy completa, con gran talento tanto a nivel vocal como de compositora, además de ser una gran bailarina y una auténtica ‘show woman’ que lo da todo en sus actuaciones en directo y videoclips. En definitiva, ha resultado un auténtico placer escuchar «333» ya que mantiene el gran nivel de los anteriores álbumes de Tinashe pero resulta más accesible a todos los públicos y muestra una innegable evolución y crecimiento tanto a nivel personal como musical. Sin duda «333» es uno de los mejores álbumes de R&B lanzados hasta el momento en este 2021, por lo que Tinashe volverá a formar parte del repaso del blog Mister Music a lo mejor del año, que por el momento no está siendo demasiado interesante ni cargado de importantes lanzamientos. Temas imprescindibles: Pasadena, I Can See the Future, Bouncin y Undo. Puntuación: 7’5/10.

Los mejores álbumes del 2021 (1ª parte)

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Pese a que el 2020 fue un año para olvidar debido a la pandemia del coronavirus y sus graves consecuencias sociales y económicas, hay que admitir que en lo musical resultó de lo más fructífero y se publicaron varios álbumes muy interesantes y exitosos que todavía hoy siguen sonando con fuerza, como por ejemplo «Future Nostalgia» de Dua Lipa o «After Hours» de The Weeknd y en menor medida «Disco» de Kylie Minogue, ‘Heaven & Hell’ de Ava Max, «Chromatica» de Lady Gaga o «Confetti» de Little Mix, todos los cuales coloqué en los primeros puestos de la lista de lo mejor del año. Sin embargo en lo que llevamos de 2021 no se han producido lanzamientos tan destacados como los mencionados anteriormente y se ha caracterizado por ser un año bastante mediocre musicalmente hablando. A continuación comentaré los que en mi opinión son los mejores álbumes publicados hasta el mes de junio.

Better Mistakes5. Better Mistakes de Bebe Rexha.

Bebe Rexha hizo su debut en el año 2018 con el álbum «Expectations», que estaba encuadrado dentro del pop y electropop con influencia R&B, contó con un sólo single, el infravalorado ‘I’m a Mess’ y tuvo un desempeño moderado en las listas de venta alrededor del mundo. El año pasado, la cantante neoyorquina nos presentó el single presentación de su segundo trabajo, Baby I’m Jealous, que se trataba de un pegadizo tema pop de sonido urbano compuesto junto a Justin Tranter que contaba con la colaboración de la rapera de moda, Doja Cat. Baby I’m Jealous recibió buenas opiniones de los expertos musicales pero tuvo un recibimiento muy tibio por parte del público y apenas ocupó el top 60 en la lista americana. El segundo single lanzado fue Sacrifice, un marchoso tema dance-pop de sonido oscuro producido por Burns en el que la cantante trata de seducir a un hombre al que quiere toda la noche pero sin compromiso y resulta el tema más bailable y pegadizo del álbum. El tercer single fue Sabotage, una balada pop producida por Greg Kurstin en la que Bebe reconoce que cuando las cosas le van bien en la vida, sabotea los momentos más preciados y declara ser la peor enemiga de sí misma. Esta bonita balada ofrece el lado más vulnerable y emotivo de la cantante y nos permite apreciar su amplio registro vocal. Como cuarto single del álbum se lanzó ‘Die For a Man’, un medio tiempo pop/R&B con uso prominente de guitarra acústica que cuenta con la participación del rapero Lil Uzi Vert y en el que ambos artistas hablan de las complicadas relaciones con sus parejas. En el mes de mayo vio la luz Better Mistakes, un álbum encuadrado dentro del pop/rock, electropop y dance-pop en el que la cantante de ascendencia albanesa trata temas como la salud mental, el amor propio y las complicadas relaciones amorosas a través de canciones de carácter mid-tempo que siguen la estela musical de su primer álbum aunque contiene un mayor número de temas up-tempo y resulta más animado y bailable. ‘Better Mistakes’ sigue tropezando con la misma piedra que «Expectations» y es que tanto la voz de Bebe Rexha como la temática de las canciones resultan genéricas y carentes de personalidad propia, por lo que podrían pertenecer a cualquier cantante pop. Aunque se puede apreciar una cierta evolución en cuanto al sonido con respecto a su anterior álbum, la mayor parte de los temas resultan muy similares ya que abundan los medios tiempos con uso de guitarra al principio de la canción, siendo los más destacados del álbum los que se salen de la norma, como por ejemplo los primeros singles y los temas up-tempo. «Better Mistakes» apenas ha pisado el top 150 de la lista americana de álbumes y ha resultado uno de los fracasos más sonados del año, sin embargo nos encontramos ante un buen álbum pop, agradable de escuchar y bien cohesionado, por ello forma parte de este repaso a lo mejor del año 2021. Puntuación: 7/10.

Heaux Tales4. Heaux Tales de Jazmine Sullivan.

Uno de los primeros álbumes que vio la luz en el 2021 fue Heaux Tales, el primer EP de la cantante Jazmine Sullivan pero que supone su cuarto trabajo discográfico en total. «Heaux Tales», cuyo título podríamos traducirlo como «historias de alguien que se ha acostado con muchas personas», recoge el testigo de ‘Reality Show’, su tercer álbum de estudio, el cual fue publicado hace 6 años, recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales por su talento como compositora y vocalista y fue nominado a varios premios Grammy, entre ellos mejor álbum R&B del año. «Heaux Tales» es un álbum conceptual formado por 14 temas (con varios interludios narrados por la propia Jazmine y usados como hilo conductor) que hablan sobre las relaciones entre los hombres y las mujeres desde una perspectiva feminista y se tocan temas tan diversos como la inseguridad, el sexo, el empoderamiento femenino o el sentimiento de pérdida. La cantante americana compuso ‘Heaux Tales’ para dar voz a todas las mujeres, las cuales merecen respeto tanto si son importantes empresarias como strippers, ya que cada mujer elige cómo quiere presentarse a sí misma ante el mundo, por tanto este trabajo habla sobre unidad, vulnerabilidad y confianza en uno mismo. Este EP está formado principalmente por baladas y medios tiempos R&B/Soul compuestos en su totalidad por la propia Jazmine y cuenta con la participación de tres artistas invitados, Ari Lennox, Anderson Paak y H.E.R. El single presentación del EP, ‘Lost One’, llegó en agosto del año pasado y se trataba de una melancólica balada R&B/Soul de sonido minimalista casi acústico en el que Jazmine muestra su vulnerabilidad al relatar la dolorosa ruptura con su ex-pareja. En noviembre fue lanzado como segundo single ‘Pick Up Your Feelings’, una balada R&B/Soul mid-tempo en el que la cantante de Philadelphia nos ofrece una perspectiva diferente de su ruptura y se muestra como una mujer empoderada y sin remordimientos que pasa página de su anterior relación y le recuerda a su ex que «no se olvide de recoger sus sentimientos» ya que no tiene espacio en casa para ellos. Coincidiendo con el lanzamiento del EP llegó el tercer single, ‘Girl Like Me’, una balada casi acústica con uso prominente de guitarra que cuenta con la participación de otra de las figuras más importantes del R&B contemporáneo, H.E.R. y en la que Jazmine intenta buscar el amor en una conocida aplicación de citas tras su desconsolada ruptura. «Heaux Tales» debutó en el #4 de la lista americana de álbumes, la mejor posición de toda su trayectoria profesional, superando incluso a su exitoso debut «Fearless». En resumen, la larga espera desde su anterior disco ha merecido la pena ya que Jazmine Sullivan ha regresado con un trabajo sólido, consistente y de carácter introspectivo en el que relata sus experiencias amorosas desde el punto de vista de las mujeres. Puntuación: 7’5/10.

Poster Girl3. Poster Girl de Zara Larsson.

Cuatro años después del lanzamiento del exitoso ‘So Good’, la cantante Zara Larsson ha regresado al panorama musical con su tercer álbum de estudio, Poster Girl, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del dance-pop, electropop y R&B con influencia Disco compuestos en su mayoría por la propia Zara bajo la producción de Mattman & Robin, Steve Mac, The Monsters & The Strangerz o Ian Kirpatrick entre otros. «Poster Girl» es un trabajo dirigido a las pistas de baile, compuesto en su mayoría por temas up-tempo, aunque también encontramos varios temas mid-tempo y destaca por la ausencia de baladas. Al igual que ocurrió con So Good, una gran cantidad de singles se han lanzado con anterioridad a la publicación de «Poster Girl» y para dar con el primer single tenemos que remontarnos a octubre del 2018, cuando vio la luz Ruin My Life, que se trataba de un tema mid-tempo pop/R&B compuesto por la propia Zara y producido por The Monsters & The Strangerz, en el que la cantante sueca muestra su lado más vulnerable relatando una relación tóxica. En 2019 la joven cantante lanzó como singles ‘Don’t Worry Bout Me’, un marchoso tema dance-pop y electropop con influencia Tropical House compuesto por ella misma y ‘All The Time’, un pegadizo tema synth-pop con influencias Disco, sin embargo pese a ser dos de sus mejores singles lanzados y haber obtenido buenas cifras de streaming en las plataformas musicales no han sido incluidos en la versión final de Poster Girl y únicamente aparecen en la edición japonesa del álbum. En verano de 2020 llegó Love Me Land, que posteriormente fue catalogado como el verdadero single presentación del álbum y se trata de un original tema electropop y dance-pop que destaca por su melodía enigmática y el uso de violines y está compuesto por la propia Zara junto a los afamados compositores Julia Michaels y Justin Tranter. Tras él fueron lanzados Wow, un pegadizo tema electropop de carácter mid-tempo producido por Marshmello y Talk About Love, un medio tiempo pop/R&B que cuenta con la participación del rapero americano Young Thug, habla sobre el momento que viven dos personas que se están conociendo y empiezan a tener sentimientos el uno por el otro y destacaba su divergencia en cuanto a sonido con respecto a los anteriores singles. Como sencillo promocional se lanzó el magnífico ‘Look What You’ve Done’, que se trata de un tema dance-pop con influencia Disco y uso prominente de violines producido por Steve Mac que recuerda a su colaboración con Clean Bandit en ‘Symphony’ y resulta una de los mejores canciones del álbum. Mientras que ‘So Good’ le ocurría lo mismo que al debut de Dua Lipa o el último álbum de Rita Ora y parecía más una playlist de éxitos que un disco centrado debido a la inclusión de tantos singles lanzados con anterioridad además de colaboraciones con otros artistas, «Poster Girl» resulta más cohesivo y consistente. Aunque no llega al nivel del disco debut de Ava Max, el nuevo trabajo de Zara Larsson también está destinado a ser escuchado en su totalidad sin apenas saltar ninguna canción ya que está formado pegadizas canciones pop con melodías muy accesibles y letras sencillas. En definitiva, «Poster Girl» es uno de los álbumes pop más interesantes publicados hasta la fecha y por ello merece formar parte de este repaso a lo mejor del año. Puntuación: 7’5/10.

Planet Her2. Planet Her de Doja Cat.

En noviembre de 2019 vio la luz Hot Pink, el segundo álbum de estudio de Doja Cat, el cual debutó en una modesta posición de la lista americana y fue precedido de varios singles que no contaron con excesivo apoyo por parte del público. A principios del año pasado llegó el quinto single del álbum, Say So, que se trataba de un pegadizo tema de estilo Disco que se convirtió en viral gracias a la famosa red social TikTok y acabó alcanzando el #1 en la lista americana y convirtiéndose no sólo en el single más exitoso de la artista californiana sino en uno de los temas más relevantes del año 2020. Tras el éxito masivo de ‘Say So’, el álbum vivió una segunda juventud y alcanzó el top 10 en la lista de ventas de Estados Unidos. La última semana de junio se ha puesto a la venta el tercer álbum de estudio de Doja Cat, titulado Planet Her, el cual está formado por 14 temas encuadrados dentro del pop/R&B con influencia Trap y Hip-Hop compuestos por la propia Doja bajo la producción de Yeti Beats, Tizhimself o Dr. Luke entre otros. El concepto del álbum hace referencia a un mundo en el que «todas las razas y especies pueden convivir de manera armoniosa» y aunque varias de las canciones tienen naturaleza feminista, no se trata de un planeta exclusivamente para las mujeres como se podría interpretar por su título. «Planet Her» cuenta con varios artistas invitados de la talla de The Weeknd y Ariana Grande, con quienes ya colaboró anteriormente y le devuelven el favor en este trabajo, además de SZA o Young Thug. Mientras que «Hot Pink» era un ecléctico álbum de estilo urbano muy influenciado por el Hip Hop, el nuevo trabajo de Doja Cat se centra en el R&B, aunque sigue mostrando su gran versatilidad como artista, cantando y rapeando en muchos de los temas presentes. En el mes de abril llegó el primer single del álbum, Kiss Me More, que se trata de un tema Disco/R&B de corte retro muy similar a ‘Say So’ que cuenta con la participación de la cantante americana SZA y está compuesto por Doja Cat junto a Dr. Luke y producido por Yeti Beats. ‘Kiss Me More’ es un tema pegadizo y bailable, muestra la gran versatilidad de Doja Cat como artista y se ha convertido en uno de los temas más populares durante los últimos meses, ya que ha alcanzado el top 5 en las listas de ventas de Reino Unido, Australia o Estados Unidos. Tras ‘Kiss Me More’ se lanzó como sencillo promocional Need To Know, un tema mid-tempo electro-R&B con influencia Trap producido por su frecuente colaborador Dr. Luke en el que Doja busca un nuevo amante y trata de ver si tienen cosas en común para iniciar una relación. El segundo single oficial ha sido You Right, un medio tiempo R&B producido por Dr. Luke que cuenta con la colaboración de The Weeknd y en el que Doja hala de una relación que no funciona y se debate entre el amor de su pareja y el de un nuevo hombre, por lo que surgen sentimientos de auto-compasión. El álbum está formado principalmente por temas R&B de carácter mid-tempo como ‘I Don’t Do Drugs’, en el que participa Ariana Grande o ‘Payday’, que destaca por el uso de guitarra acústica y cuenta con la colaboración del rapero Young Thug, aunque también encontramos temas más rítmicos y bailables como ‘Woman’, un tema up-tempo de estilo Dancehall en el que Doja comenta los diferentes roles que tienen las mujeres y se convierte en un himno de empoderamiento femenino o ‘Get Into It (Yuh)’, de estilo Hip Hop y en el que Doja muestra su admiración por Nicki Minaj y le rinde tributo con un rap inspirado en su particular manera de rimar. Aunque personalmente hubiera preferido que Doja Cat explorara más su faceta como rapera e incluyera más temas de estilo Hip Hop, lo cierto es que el R&B le sienta de maravilla a su voz y ha sabido crear un álbum muy sólido que marca una clara evolución con respecto a su anterior trabajo. Dentro de un año con pocos lanzamientos interesantes, «Planet Her» es sin duda uno de los mejores álbumes publicados hasta la fecha y supone un soplo de aire fresco en el panorama musical actual. Puntuación: 7’5/10.

Ancient Dreams1. Ancient Dreams In a Modern Land de Marina.

A principios de junio, Marina Diamandis publicó su esperado quinto álbum de estudio, Ancient Dreams In a Modern Land, el cual está formado por 10 temas compuestos por ella misma y encuadrados dentro del pop/rock, electropop y dance-pop en los que lanza un mensaje social para hacer de este mundo un lugar mejor y aborda temas como el capitalismo o el cambio climático, además de lanzar un mensaje feminista en contra de la opresión de heteropatriarcado. Para dar con el último álbum de la cantante galesa tenemos que remontarnos a abril del 2019 cuando vio la luz ‘Love + Fear’, un disco doble que hablaba sobre las complejidades del amor y los miedos e inseguridades sufridos tras su depresión y que recibió críticas muy tibias por parte de los expertos y tuvo un desempeño comercial muy negativo. A finales del año pasado llegó el single presentación del nuevo álbum, Man’s World, que se trataba de un tema pop mid-tempo de sonido alternativo en el que Marina critica la discriminación y el trato injusto que han recibido a lo largo de la historia las mujeres y los colectivos más discriminados, convirtiéndose en un auténtico himno de empoderamiento femenino y de apoyo a las minorías más desfavorecidas. En abril se lanzó Purge The Poison, un enérgico tema pop/rock y electropop con influencia punk que recuerda a los momentos más rockeros de Marina como ‘Bubblegum Bitch’ del álbum ‘Electra Heart’ y en el que nuevamente aborda la temática social y afirma que la humanidad vive un nuevo orden social y la Madre Tierra ha enviado un virus para que los humanos aprendan. En mayo llegó el tercer single, Ancient Dreams In a Modern Land, que se trata de un potente tema pop/rock, dance-pop y electropop en el que habla de la importancia de ser fiel a uno mismo y no perder tus valores por intentar encajar en la sociedad. Este tema destaca por sus similitudes con ‘Womanizer’ de Britney Spears y en él podemos apreciar las piruetas vocales que suele realizar la cantante de ascendencia griega, alternando su voz grave con la aguda. Como cuarto single se lanzó Venus Fly Trap, otro marchoso tema pop/rock y electropop que sigue la estela musical de los dos anteriores singles y habla de cómo muchas personas reprimen su verdadera personalidad para sentirse aceptados por los demás, lo que supone «una celebración de la confianza y alegría que se siente cuando eres realmente libre» y un auténtico himno de auto-empoderamiento. «Ancient Dreams» resulta un evidente paso adelante con respecto a ‘Love + Fear’ ya que está compuesto por un conjunto breve pero muy sólido de canciones que recuerdan a la Marina más bailable pero con importantes mensajes sociales para cambiar el mundo, concienciar del cambio climático y reivindicar el empoderamiento femenino. El talento vocal de Marina es indiscutible pero en esta ocasión destaca su papel como compositora, que es uno de los puntos fuertes del álbum y nos muestra a una Marina más auténtica, madura y consciente política y socialmente del mundo que le rodea, a diferencia del carácter más liviano y superficial de las letras presentes en «The Family Jewels» o «Electra Heart». El único punto en contra del álbum es que Marina sacó todos los tanques antes de su publicación y lanzó como singles las mejores canciones, que corresponden a los temas más up-tempo y pegadizos, por lo que el resto del álbum no resulta tan original y llamativo. En mi opinión, «Ancient Dreams» no sólo es el mejor álbum publicado en lo que llevamos de año sino que se trata de su trabajo más consistente desde el magnífico «Electra Heart», el cual situé como uno de los álbumes más importantes de la década del 2010. Puntuación: 7’8/10.

Crítica de «Blackout» de Britney Spears

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BlackoutEn noviembre del 2004, la cantante americana Britney Spears publicó «Greatest Hits: My Prerogative», un álbum de grandes éxitos que incluía todos sus singles lanzados hasta la fecha y marcaba el final de una etapa extremadamente exitosa para la princesa del pop. Tras la publicación de este álbum recopilatorio, la cantante se tomó un descanso del mundo de la música, se centró en su vida personal y dio a luz a su segundo hijo, fruto de la relación con su marido, el bailarín Kevin Federline. Durante los años siguientes, Britney Spears fue acosada y perseguida de manera incesante por los medios de comunicación americanos debido a su publicitado divorcio con Kevin Federline y debido a su comportamiento errático fue ingresada en un centro de rehabilitación y perdió la custodia legal de sus hijos. En octubre del 2007 llegó su quinto álbum de estudio, Blackout, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del electropop y dance-pop con influencia R&B producidos por Danja (la mano derecha del legendario Timbaland), el dúo sueco Bloodshy & Avant o The Neptunes y destaca por el hecho de que Britney sólo participó en la composición de dos canciones. Aunque durante las sesiones de grabación Britney se encontraba embarazada de su segundo hijo y atravesaba uno de los momentos más complicados de su vida, todos los productores involucrados en este proyecto alabaron su profesionalidad y gran ética en el trabajo. El objetivo de Britney con «Blackout» era crear un álbum divertido, bailable, de carácter up-tempo y que celebrara su feminidad. «Blackout» profundizaba en el sonido electrónico iniciado en el álbum «In The Zone», pero añadía una gran influencia urbana además de una naturaleza oscura, ambiental y enigmática en muchas de las canciones. «Blackout» recibió críticas muy positivas por parte de los expertos musicales, quienes alabaron la dirección musical tomada en el álbum, su carácter progresivo, su arriesgada y moderna producción y lo consideraron el trabajo más sólido y consistente de toda su trayectoria profesional. La prestigiosa publicación americana Rolling Stone consideró «Blackout» como uno de los álbumes más influyentes de la historia del pop. Debido a un controvertido y repentino cambio en las reglas de contabilización de Billboard, Blackout debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer álbum de Britney que no ocupaba la posición de honor en Estados Unidos y fue certificado platino por ventas de un millón de copias, haciendo de él su álbum de estudio menos vendido hasta la fecha. Blackout resultó exitoso a nivel internacional: alcanzó el #1 en Canadá o Irlanda y el top 5 en Reino Unido, Francia y Australia pero apenas superó los 3 millones de copias, unas cifras muy inferiores a las de sus primeros álbumes. El single presentación del álbum fue Gimme More, un marchoso tema electropop y dance-pop con influencia urbana compuesto por la cantante Keri Hilson y producido por Danja que habla de la fascinación que tiene el público por la vida privada de Britney. Desde un primer momento, ‘Gimme More’ llamó la atención del público por sus pegadizas letras, sobretodo su estribillo y por la frase con la que empezaba la canción, «It’s Britney, bitch» que a lo largo de los años se ha convertido en una frase muy representativa de la cantante y forma parte de la cultura popular. ‘Gimme More’ recibió excelentes críticas de los expertos musicales y resultó un auténtico éxito durante el año 2007, ya que ocupó las primeras posiciones en las listas de ventas de todo el mundo, como el #1 en Canadá y el top 5 en Australia, Francia o Reino Unido. En Estados Unidos alcanzó el #3, convirtiéndose en la mejor posición de Britney en la lista americana tras el hit ‘…Baby One More Time’ y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. Britney interpretó ‘Gimme More’ en la entrega de los premios MTV del año 2007 y resultó una de las actuaciones más polémicas y comentadas de la noche ya que la cantante no se encontraba en su mejor momento físico y personal, y su desganada manera de bailar y errática presencia escénica recibieron numerosas críticas, sin embargo se ha convertido en una de las actuaciones más icónicas de la historia de la música. Durante varios años ‘Gimme More’ fue considerado el tema ‘maldito’ de Britney ya que se asociaba al fatídico periodo que atravesó debido a sus problemas personales y de salud y fue omitido en la gira de conciertos ‘The Circus Starring Britney Spears’, que sirvió de promoción a los álbumes «Blackout» y «Circus», sin embargo la cantante lo recuperó para la gira de ‘Femme Fatale’ y también formó parte de la residencia ‘Piece of Me’ de Las Vegas. ‘Gimme More’ no sólo resultó uno de los temas más populares y exitosos del 2007 sino que con el paso de los años ha ido ganando reconocimiento y se ha convertido en uno de sus temas más representativos de su carrera musical.

Como segundo single se lanzó Piece of Me, un tema electropop de carácter mid-tempo producido por Bloodshy & Avant (responsables de su hit ‘Toxic’) que destacaba por el intenso uso de sintetizadores en la voz de Britney. Pese a no estar compuesto por la cantante, las letras de ‘Piece of Me’ son autobiográficas y hacen referencia al gran escrutinio público que sufrió durante aquel tiempo y la intromisión de los medios de comunicación en su vida privada, a los que responde con «queréis un pedazo de mí». ‘Piece of Me’ fue aclamado por la crítica por sus personales letras, la arriesgada producción y la desafiante voz de Britney y fue considerado no sólo uno de los mejores temas del año sino de toda la carrera de Britney y de la historia de la música. Aunque no logró igualar el enorme éxito del anterior single, ‘Piece of Me’ tuvo un desempeño comercial muy positivo y alcanzó el top 5 en Reino Unido, Canadá o Australia y el top 10 en Alemania. En Estados Unidos ocupó el #18, fue certificado platino y alcanzó el #1 en el componente Dance/Club de la lista americana. El tercer single lanzado fue Break the Ice, un tema up-tempo de carácter electropop con influencia R&B compuesto por Keri Hilson y producido por Danja que relata el encuentro sexual de Britney con su amante. Pese a ser uno de los temas más sobresalientes del álbum, ‘Break the Ice’ tuvo un desempeño comercial muy moderado por su nula promoción y apenas ocupó el top 20 en Reino Unido y el top 50 en Estados Unidos.

La discográfica de Britney firmó un contrato con Bloodshy & Avant por el que al menos dos temas producidos por el dúo se lanzarían como singles, sin embargo debido al complicado estado emocional de Britney en aquel momento y el abrupto cese en la promoción de Blackout no pudo lanzarse ningún single más. Por ello, Radar, originalmente pensado como último single del álbum, volvió a incluirse en su siguiente trabajo, ‘Circus’ y se lanzó como cuarto sencillo del álbum. Radar es un tema electropop que destaca por su gran uso de sintetizadores y la voz de Britney muy distorsionada y cuyas letras describen la obsesión que siente por un hombre, al cual «lo tiene en su radar». En «Blackout» podemos encontrar canciones tan interesantes como ‘Ooh Ooh Baby’, un tema dance-pop compuesto por Britney junto a Kara DioGuardi que habla del amor que se siente por un ser querido y destaca por el uso de guitarra española, ‘Toy Soldier’, un tema electropop y dance-pop de ritmo trepidante que destaca por su redoble de tambor militar y sus letras en las que la cantante busca un hombre de verdad, ‘Perfect Lover’, un tema up-tempo electropop y R&B de temática muy sexual producido por Danja o ‘Heaven on Earth’, un marchoso tema dance-pop con influencia Disco cuyas letras hacen referencia a que cuando estás enamorado crees que tu pareja es el ser más perfecto del mundo y cabe destacar que Britney lo considera su canción favorita del álbum. La aportación de The Neptunes (responsables de los hit singles ‘I’m a Slave 4 U’ y ‘Boys’) para el álbum fue ‘Why Should I Be Sad’, el tema más calmado del álbum, de estilo R&B y cuyas letras están dirigidas a su ex-marido Kevin Federline. Personalmente «Blackout» se encuentra entre mis discos favoritos de Britney Spears ya que está formado por un conjunto muy sólido de canciones bailables, pegadizas y adelantadas a su tiempo, cuyo estilo ha servido de inspiración a una generación posterior de artistas. Pese a haber llegado en el peor momento de su vida, Britney nos ofreció uno de los mejores trabajos de su trayectoria musical. Temas imprescindibles: Gimme More, Piece of Me, Break the Ice, Radar, Ooh Ooh Baby, Toy Soldier y Heaven on Earth. Puntuación: 9/10.

Crítica de «Ancient Dreams in a Modern Land» de Marina

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No

Ancient DreamsMarina Diamandis (anteriormente conocida como Marina and the Diamonds) vivió su momento álgido de popularidad durante los primeros años de la década del 2010 gracias a la buena respuesta comercial de sus álbumes «Electra Heart» y «Froot», los cuales recibieron críticas positivas de los expertos musicales por su talento como compositora y vocalista, aunque siempre se ha caracterizado por ser una artista de perfil alternativo, alejada de lo comercial y poco conocida por parte del público masivo. Marina ha publicado esta semana su esperado quinto álbum de estudio, titulado Ancient Dreams in a Modern Land y que ha sido precedido por cuatro sencillos promocionales muy interesantes. Para dar con el último trabajo de la cantante galesa tenemos que retroceder hasta abril del 2019, cuando vio la luz «Love + Fear», un disco doble que hablaba sobre las complejidades del amor y las inseguridades y miedos sufridos tras su depresión y que recibió críticas muy tibias por parte de los expertos y tuvo un desempeño comercial muy negativo. En noviembre del año pasado, la cantante de ascendencia griega lanzó el primer single, Man’s World, que se trata de un tema pop mid-tempo de sonido alternativo que recuerda al estilo del álbum «Froot» y en el que Marina critica la discriminación y el trato injusto que han recibido a lo largo de la historia las mujeres y los colectivos más discriminados (como el LGTB), convirtiéndose en un auténtico himno de empoderamiento femenino y de apoyo a las minorías más desfavorecidas. Pese a ser uno de los mejores singles que ha lanzado Marina hasta la fecha y destacar por su originalidad y mensaje inspirador, Man’s World no ha obtenido demasiado apoyo por parte del público, ha fracasado en las listas de venta y apenas acumula 20 millones de escuchas en Spotify. En el mes de abril se lanzó como segundo single Purge the Poison, un enérgico tema electropop y pop/rock producido por Jennifer Decilveo (también responsable de ‘Man’s World’) que recuerda a los momentos más rockeros de Marina como ‘Bubblegum Bitch’ del álbum «Electra Heart» y en el que nuevamente aborda la temática social y afirma que la humanidad vive un nuevo orden social y la Madre Tierra ha enviado un virus para que los humanos aprendan. ‘Purge the Poison’, que continúa la temática feminista de su anterior single, destaca por sus letras que hacen una referencia al ‘breakdown’ que sufrió Britney Spears en el año 2007. En mayo Marina lanzó como tercer single el tema que da título al álbum, Ancient Dreams in a Modern Land, que se trata de un potente tema pop/rock y electropop producido por James Flannigan en el que habla de la importancia de ser fiel a uno mismo y no perder tus valores por intentar encajar en la sociedad pero también declara que desea volver atrás en el tiempo a una época anterior a su nacimiento. Este tema guarda ciertas similitudes con ‘Womanizer’ de Britney (quien ha sido su ídolo e inspiración desde su juventud) y en él podemos apreciar las habituales piruetas vocales que suele realizar Marina, alternando su voz grave con la aguda.

Unos días antes de la publicación del álbum ha llegado el cuarto single, Venus Fly Trap, que se trata de otro marchoso tema up-tempo que sigue la estela musical de los dos anteriores singles y guarda similitudes con el estilo de «Electra Heart», como si el personaje teatral y exagerado que Marina creó en este álbum hubiera regresado. ‘Venus Fly Trap’, cuyo título hace referencia a una planta carnívora, habla de cómo muchas personas reprimen su verdadera personalidad para sentirse aceptados por los demás y supone «una celebración de la confianza y alegría que se siente cuando eres realmente libre» y un auténtico himno de auto-empoderamiento. El álbum «Ancient Dreams In a Modern Land» está compuesto por 10 temas encuadrados dentro del electropop, dance-pop y pop/rock y compuestos por la propia Marina Diamandis bajo la producción de Jennifer Decilveo o James Flannigan. En el álbum la cantante lanza un mensaje social para hacer de este mundo un lugar mejor y aborda temas como el capitalismo o el cambio climático, además de lanzar un mensaje feminista en contra de la opresión del heteropatriarcado. Tras escuchar «Ancient Dreams» enseguida te das cuenta que la elección de los singles ha sido de lo más acertada ya que son las mejores canciones del álbum y el resto del contenido no está al mismo nivel, sin embargo merece la pena reseñar ‘I Love You But I Love Me More’, un tema pop/rock de carácter mid-tempo que habla de su reciente ruptura amorosa o ‘New America’, en el que aborda los problemas sociales que afronta Estados Unidos (Marina reside actualmente en Los Angeles), fue compuesto a raíz de los disturbios raciales por la muerte de George Floyd y resulta el único tema up-tempo aparte de los singles lanzados. El resto del álbum son baladas de entre las que destacan ‘Flowers’, en la que de manera melancólica Marina hace referencia nuevamente a su fallida relación amorosa o la emotiva ‘Highly Emotional People’ que habla de la vulnerabilidad de los seres humanos dentro del universo ya que «somos piezas de puzzle en manos del destino». 

En resumen, «Ancient Dreams In a Modern Land» supone un evidente paso adelante con respecto a «Love + Fear» ya que está compuesto por un conjunto breve pero muy sólido de canciones que recuerdan a la Marina más bailable (reminiscencia de «Electra Heart») pero con importantes mensajes sociales para cambiar el mundo, concienciar del cambio climático y reivindicar el empoderamiento femenino. Como es habitual, el talento vocal de Marina es indiscutible pero cabe destacar su papel como compositora, que es uno de los puntos fuertes del álbum y nos muestra a una Marina más auténtica, madura y consciente política y socialmente del mundo que le rodea, a diferencia del carácter más liviano y superficial de «The Family Jewels» o «Electra Heart». En mi opinión, «Ancient Dreams» no sólo es el mejor álbum publicado en lo que llevamos de año sino que se trata de su trabajo más consistente desde el magnífico «Electra Heart», el cual situé como uno de los álbumes más importantes de la década del 2010. El único punto en contra es que Marina ha sacado todos los tanques antes de la publicación del álbum y ha lanzado como singles las mejores canciones, que corresponden a los temas más up-tempo y pegadizos, por lo que el resto del álbum no resulta tan original y llamativo. Temas imprescindibles: Man’s World, Ancient Dreams in a Modern Land, Venus Fly Trap, Purge the Poison y New America. Puntuación: 7’8/10.

Ava Max regresa con el single EveryTime I Cry

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EverTime I CryDesde sus inicios en el mundo de la música, la cantante americana Ava Max se ha caracterizado por su agilidad a la hora de lanzar nueva música ya que no ha dejado de ofrecer singles de manera regular durante esos dos últimos años. Hasta 7 singles lanzados con anterioridad fueron a parar a su álbum debut, Heaven & Hell, el cual vio la luz en septiembre del año pasado y situé en el blog MiSTeR MuSiC como el mejor álbum lanzado durante el año 2020 debido a su carácter bailable y su conjunto muy sólido de canciones pop pegadizas y marchosas. Entre los singles más exitosos del álbum se encontraban ‘Sweet But Psycho’, su primer sencillo oficial lanzado en verano del 2018 y que supone el tema más exitoso de su carrera musical (alcanzó el #1 en más de 20 países de todo el mundo), el himno de los marginados ‘So Am I’ que tuvo un buen desempeño comercial o ‘Kings & Queens’, lanzado antes de que la pandemia asolara el planeta y que pese a sus modestos resultados iniciales se fue convirtiendo en un auténtico ‘grower’ hasta alcanzar el top 20 en los principales mercados musicales, incluido Estados Unidos, donde ha supuesto su segundo mayor éxito. Aunque obtuvieron un impacto comercial menor, también merece la pena mencionar los magníficos ‘Who’s Laughing Now’ y ‘OMG What’s Happening’, que fueron lanzados como aperitivo final antes del lanzamiento del álbum y considero dos de las mejores canciones de «Heaven & Hell». A finales del año pasado, la cantante de ascendencia albanesa lanzó un nuevo single al margen del álbum, pero que posteriormente pasó a formar parte de la edición digital de «Heaven & Hell». Me estoy refiriendo a My Head & My Heart, un potente tema dance-pop que samplea el estribillo del hit ‘Around The World’ del grupo alemán ATC que triunfó en las pistas de baile a principios de la década del 2000. ‘My Head & My Heart’ también fue calando poco a poco entre el público y ha acabado convirtiéndose en una de sus canciones más escuchadas en las plataformas musicales con más de 160 millones de escuchas en Spotify y ha tenido un buen rendimiento comercial, ya que ha ocupado el top 20 en Reino Unido y el top 50 en la lista americana. Después de unos meses de ausencia, Ava Max ha regresado al panorama musical con el single EveryTime I Cry, que se trata de otra deliciosa pieza de dance-pop y electropop producida por su habitual colaborador Cirkut e influenciada por la música de baile de los años 90, ya que la joven cantante se ha caracterizado desde sus inicios por su inclinación por las décadas de los 90 y el 2000. En ‘EveryTime I Cry’, Ava Max intenta pasar página de una relación fallida que la ha dejado hundida y mientras «llora se vuelve más fuerte». Aunque durante las primeras escuchas ‘EveryTime I Cry’ no tiene el gancho que sí poseía su anterior single, poco a poco va conquistando y resulta un tema muy pegadizo y bailable. Ava Max no sólo no ha lanzado ningún tema malo desde sus inicios, sino que puede presumir de contar con una sucesión de excelentes singles que muchas artistas pop envidiarían tener en su repertorio. Todavía no se conoce si ‘EveryTime I Cry’ formará parte de una re-edición del álbum o será un single suelto, ya que Ava ha declarado que no ha dado por finalizada la etapa «Heaven & Hell».

Crítica de «Better Mistakes» de Bebe Rexha

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Better MistakesEl panorama musical reciente, dominado por el streaming, la inmediatez en el consumo de música y el excesivo auge de las colaboraciones entre artistas, ha permitido que muchos cantantes sean famosos antes siquiera de publicar su primer álbum de estudio, un hecho que sería impensable hace unas décadas. Un ejemplo de este fenómeno ha sido la cantante neoyorquina Bebe Rexha, quien antes de debutar en el mundo de la música trabajó como compositora para otros artistas y mientras su presencia era muy solicitada por numerosos cantantes, lanzó tres EP’s entre los años 2015 y 2017, de los que destacó el último, «All My Fault Pt 2», que incluía el single ‘Meant To Be’ junto a Florida Georgia Line y se convirtió en el tema más exitoso de la carrera de Bebe Rexha ya que alcanzó el #2 en la lista americana (#1 en el componente Hot Country Songs durante más de 9 meses consecutivos) y ha superado los 10 millones de copias entre descargas digitales y streaming. Tras este gran hit, la cantante de ascendencia albanesa publicó en junio de 2018 su álbum debut, Expectations, que estaba encuadrado dentro del pop y electropop con influencia R&B, contó con un sólo single, el infravalorado ‘I’m a Mess’ y tuvo un desempeño moderado en las listas de venta alrededor del mundo. En octubre del año pasado, Bebe nos presentó el single presentación de su nuevo trabajo, Baby I’m Jealous, que se trata de un pegadizo tema pop de sonido urbano compuesto junto a Justin Tranter bajo la producción de su habitual colaborador Jussifer y que cuenta con la colaboración de la rapera de moda, Doja Cat. Baby I’m Jealous recibió buenas opiniones de los expertos musicales pero tuvo un recibimiento muy tibio por parte del público y apenas ocupó el top 60 en la lista americana. Ya en 2021 llegó el segundo single, Sacrifice, un marchoso tema dance-pop de sonido oscuro producido por Burns en el que la cantante trata de seducir a un hombre al que quiere toda la noche pero sin compromiso. Pese a ser un tema muy bailable, pegadizo y de los mejores que nos ha presentado la cantante hasta la fecha, fue incapaz de entrar en las listas de venta. El tercer single fue Sabotage, una balada pop producida por Greg Kurstin en la que Bebe reconoce que cuando las cosas le van bien en la vida, ella sabotea los momentos más preciados y declara ser la peor enemiga de sí misma. Esta bonita balada nos ofrece el lado más vulnerable y emotivo de la cantante y nos permite apreciar su amplio registro vocal. Como cuarto single del álbum se ha lanzado Die For a Man, un medio tiempo pop/R&B con uso prominente de guitarra acústica que cuenta con la colaboración del rapero Lil Uzi Vert en el que ambos hablan de las complicadas relaciones con sus parejas y guarda similitudes con el estilo presente en Expectations.

Esta semana ha visto luz el segundo álbum de estudio de Bebe Rexha, Better Mistakes, el cual está formado por 13 temas encuadrados dentro del pop, electropop, dance-pop y pop/rock, compuestos por la propia Bebe bajo la producción de Jussifer, Greg Kurstin, Burns o The Futuristics y cuenta con un gran número de artistas invitados de la talla de Doja Cat, Travis Barker, Ty Dolla Sign, Rick Ross o Lil Uzi Vert. En «Better Mistakes», la cantante trata temas como la salud mental, el amor propio y las complicadas relaciones amorosas a través de temas de carácter mid-tempo que siguen la estela musical de «Expectations», aunque este nuevo álbum contiene un mayor número de temas up-tempo y resulta más animado y bailable. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Break My Heart Myself’, un tema mid-tempo con uso prominente de guitarra eléctrica por parte de Travis Barker en el que Bebe habla de sus problemas mentales, ‘Better Mistakes’, un marchoso tema dance-pop y pop/rock compuesto junto a su habitual colaborador Justin Tranter en el que la cantante reconoce los errores que ha cometido en la vida, ‘Amore’ una bonita balada pop/R&B que describe todos los regalos, lujos y atenciones con los que le colma su pareja, cuenta con la participación del veterano rapero Rick Ross y contiene una interpolación de ‘That’s Amore’ de Dean Martin o ‘Mama’, una balada dedicada a su madre que samplea el estribillo del conocido clásico de Queen ‘Bohemian Rhapsody’. Este álbum destaca por profundizar en el sonido pop/rock en contraposición del más urbano «Expectations» y una de las canciones en las que apreciamos este cambio de dirección musical es ‘Death Row’, de carácter up-tempo y que cuenta con gran uso de guitarra eléctrica.

En resumen, «Better Mistakes» sigue tropezando con la misma piedra que «Expectations» y es que tanto la voz de Bebe Rexha como la temática de las canciones resultan genéricas y carentes de personalidad propia, por lo que podrían pertenecer a cualquier cantante pop. Por otra parte, se puede apreciar una cierta evolución musical en cuanto al sonido con respecto a su anterior álbum, sin embargo la mayor parte de las canciones resultan muy similares ya que abundan los medios tiempos con uso de guitarra al principio de la canción, siendo los más destacados del álbum los que se salen de la norma, como por ejemplo los primeros singles y los temas up-tempo. Pese a sus fallos, nos encontramos ante un buen álbum pop, agradable de escuchar, bien cohesionado y perfectamente diseñado para triunfar en las playlist de moda ya que la mayoría de canciones presentes no llegan a los tres minutos. Temas imprescindibles: Sacrifice, Baby I’m Jealous, Sabotage, Die For a Man, Better Mistakes y Amore. Puntuación: 7/10.

Crítica de «American Life» de Madonna

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American LifeEl primer álbum de Madonna de la década del 2000 fue Music, el cual recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales, tuvo un desempeño comercial espectacular (fue #1 en más de veinte países y superó los 10 millones de copias en todo el mundo) y contó con hit singles de la talla de ‘Music’ o ‘Don’t Tell Me’. Tras la extensa gira ‘Drowned World Tour’, que promocionaba tanto «Music» como «Ray of Light» y se convirtió en la gira más exitosa del año 2001, Madonna publicó su segundo disco de grandes éxitos y retomó su faceta como actriz protagonista en la película ‘Swept Away’ (‘Barridos por la Marea’ en España) e hizo un pequeño papel en ‘Die Another Day’, perteneciente a la saga de James Bond. Además de participar en la película de 007, Madonna grabó una canción para su banda sonora, ‘Die Another Day’, que se trataba de un tema electropop y dance-pop producido por Mirwais Ahmadzaï que destacaba por su uso prominente de violines y la voz de Madonna muy distorsionada. ‘Die Another Day’ recibió críticas negativas por su desacertada elección como canción principal de una película de James Bond, ya que su sonido electrónico no encajaba con el habitual estilo presente en la saga, sin embargo recibió dos nominaciones a los premios Grammy (entre ellas mejor grabación Dance) y en el terreno comercial resultó un nuevo éxito para Madonna: fue #1 en España y Canadá, ocupó el top 5 en Australia, Reino Unido o Alemania y el top 10 en Estados Unidos. Una vez que terminó sus compromisos profesionales como actriz, la cantante de Michigan volvió al estudio de grabación para dar forma a su siguiente proyecto musical. En abril de 2003 vio la luz el noveno álbum de estudio de Madonna, American Life, que seguía la estela musical de su anterior trabajo «Music» y está formado por 11 temas encuadrados dentro del electropop y dance-pop con gran influencia del sonido folk y que destacan por su uso prominente de guitarras acústicas, reminiscencia de «Music». Madonna compuso todos los temas del álbum junto con el productor francés Mirwais Ahmadzaï (responsable de 6 temas de «Music») quien se encargó de la entera producción del álbum, con pequeñas participaciones de otros productores como Stuart Price, Guy Sigsworth y Mike ‘Spike’ Stent. «American Life» es un álbum conceptual que trata temas como el materialismo y la búsqueda del ‘sueño americano’ y supone la respuesta de Madonna como ciudadana estadounidense ante trágicos acontecimientos sucedidos en los últimos años como el atentado a las Torres Gemelas de Nueva York y la guerra de Irak, que tuvieron un profundo efecto en la sociedad americana y crearon una sensación de desasosiego, paranoia y desolación entre la población. Las críticas de Madonna en contra del materialismo y la superficialidad presente en la actual sociedad suponían una divergencia con respecto a la reputación que se ganó la cantante durante los años 80 con canciones como ‘Material Girl’, apodo que se le daría a Madonna y cuyas letras citaban «porque estamos viviendo en un mundo material y yo soy una chica material», lo que chocaba con la opinión actual de la reina del pop. Durante la promoción de «American Life», Madonna lució un look militar y revolucionario que encajaba con el mensaje del álbum y en la portada recreó la icónica foto del Che Guevara con su boina militar. Como dato curioso, Madonna lucía melena morena en la portada de un álbum por primera vez en 14 años, concretamente desde «Like a Prayer» (si bien no aparecía su cara en la portada del álbum, en las fotos promocionales sí lucía melena morena) aunque es cierto que durante la era «Ray of Light» también se tiñó de morena en varios de sus videoclips como ‘Frozen’, ‘Nothing Really Matters’ o ‘The Power of Good-Bye’.

El single presentación fue el tema que daba título al álbum, American Life, en el que Madonna critica la cultura del ‘sueño americano’, la fama y la superficialidad de la vida moderna. Este tema está encuadrado dentro del electropop pero contiene gran influencia folk y uso de guitarra acústica durante el estribillo e incorpora un rap en el que Madonna relata todos los privilegios de los que goza («tengo un abogado, un manager, un agente, un chef, tres niñeras y un asistente») pero que no le hacen ser feliz ni estar satisfecha y declara vivir fuera del ‘sueño americano’, además de declararse como no cristiana. American Life recibió numerosas y feroces críticas en Estados Unidos por sus polémicas letras, por ello muchas radios americanas dejaron de pinchar el tema, de ahí que apenas alcanzara el top 40 en Billboard, convirtiéndose en la peor posición de un ‘lead single’ de Madonna hasta el momento. En el resto del mundo sin embargo tuvo un desempeño comercial muy positivo y fue #1 en Canadá, #2 en España o Reino Unido y el top 10 en Italia, Francia o Alemania. El videoclip original de ‘American Life’, de temática militar y con un contenido muy violento y agresivo (en el que incluso tiraba una granada al presidente Bush) finalmente no vio la luz por expresa decisión de Madonna debido al inestable clima político en Estados Unidos por la reciente guerra de Irak, por ello se grabó un segundo videoclip más inofensivo en el que cantaba delante de banderas de todo el mundo.

El segundo single fue Hollywood, un marchoso tema dance-pop y electropop en el que Madonna continuaba con su crítica al ‘Sueño americano’ y relataba cómo muchas personas intentan conseguir la fama viajando a Hollywood (que representa el negocio del espectáculo), al que califica como un mundo codicioso y de sueños efímeros. Debido al boicot en contra de Madonna en Estados Unidos y su escaso ‘airplay’ en las radios, ‘Hollywood’ fue incapaz de entrar en la lista americana, convirtiéndose en su primer single en 20 años que no entraba en el Hot 100 de Billboard, aunque alcanzó el #1 en el componente Dance Club Songs de Billboard. En el resto del mundo gozó de moderado éxito y alcanzó nuevamente el #2 en Reino Unido o España y top 5 en Canadá. Como tercer single se lanzó Nothing Fails, una balada mid-tempo pop/folk con uso prominente de guitarra acústica y coro Gospel al final de la canción que se distancia del mensaje anti-capitalista de los anteriores singles y se trata de una canción de amor. Este tema está compuesto junto a Guy Sigsworth y destaca por ser la única canción del álbum no escrita por Mirwais, aunque sí se encargó de la producción. ‘Nothing Fails’ contó con una escasa promoción y ni siquiera se grabó videoclip, de ahí que tuviera un desempeño comercial muy negativo (fue el segundo single del álbum que no entraba en la lista americana) aunque alcanzó el #1 en España, uno de los mercados más receptivos durante la era ‘American Life’. El cuarto y último single del álbum fue Love Profusion, un tema dance-pop y electropop con uso prominente de guitarra dedicado a Guy Ritchie, su marido por entonces y en el que Madonna nuevamente expresa su confusión con respecto a la cultura americana y cómo ha perdido la ilusión. Love Profusion resultaba la apuesta más comercial y ‘radio-friendly’ del álbum y se convirtió en el tercer single #1 del álbum en España, fue top 5 en Canadá o Italia y alcanzó el #11 en Reino Unido. Aunque no fue lanzado de manera oficial como single, Nobody Knows Me se usó como sencillo promocional en las radios americanas y varios de sus remixes aparecían en el CD-single de ‘Nothing Fails’. ‘Nobody Knows Me’ es un tema dance-pop y electropop, el más up-tempo del álbum y guarda similitudes con ‘Impressive Instant’, perteneciente al álbum «Music».

Entre las canciones más interesantes del álbum se encuentran ‘Intervention’, un tema electropop mid-tempo con gran uso de guitarra acústica en el que Madonna habla sobre el amor duradero, ‘X-Static Process’, una balada acústica que cuenta sólo con la voz de Madonna, un órgano y una guitarra, ‘Mother and Father’, un marchoso tema electropop y dance-pop en el que la cantante habla de la muerte de su madre cuando ella era una niña y cómo le afectó a su padre y a la relación entre ambos o ‘I’m So Stupid’ en el que expresa su desilusión por vivir en un sueño confuso y declara que es una estúpida. Pese a la intensa polémica que provocó el lanzamiento del primer single, «American Life» debutó en el #1 en la lista americana de álbumes con más de 240 mil copias en su primera semana, convirtiéndose en el quinto álbum #1 de Madonna en Estados Unidos y acabó siendo certificado platino por ventas cercanas al millón de ejemplares, lo que resultaban unas cifras muy inferiores a las de «Music» y «Ray of Light», que superaron los 3 y 4 millones de copias respectivamente. A nivel internacional, «American Life» alcanzó el #1 en más de 10 países del mundo, incluyendo Reino Unido, Canadá, Francia o Alemania y superó los 5 millones de copias alrededor del mundo, menos de la mitad que «Music». En resumen, aunque «American Life» es considerado como el álbum ‘maldito’ de Madonna y fue muy criticado en el momento de su publicación, años después ha recibido el reconocimiento que merece y personalmente es uno de mis favoritos y más escuchados dentro de su extensa carrera discográfica. Temas imprescindibles: American Life, Hollywood, Love Profusion, Nothing Fails, Intervention y Mother and Father. Puntuación: 8’5/10.

Crítica de «Teenage Dream» de Katy Perry

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Teenage DreamTras lanzar un álbum de rock cristiano bajo su verdadero nombre, «Katy Hudson», cuando apenas era una adolescente, la cantante americana Katy Perry hizo su debut internacional en 2008 con el álbum One of The Boys, el cual tuvo un desempeño comercial positivo gracias a una serie de hit singles que ocuparon las primeras posiciones en las listas de venta. Este álbum se alejaba completamente de la temática cristiana del anterior, ya que Katy mostraba una imagen más sexy y provocativa. «One of the Boys» estaba formado principalmente por marchosos temas pop/rock con influencias electropop y dance-pop, de entre los que destacaban ‘I Kissed a Girl’ y ‘Hot n Cold’, los cuales lograron un gran impacto comercial y ocuparon el top 5 en los principales mercados musicales. Desde un primer momento, la cantante californiana destacó por su imagen de ‘Lolita’ moderna, sus extravagantes atuendos y sus canciones de letras irónicas con gran sentido del humor, aunque también resultaron muy controvertidas las que hablaban sobre la homosexualidad, especialmente ‘I Kissed a Girl’ o ‘Ur So Gay’. En agosto de 2010 Katy Perry regresó al panorama musical con su tercer trabajo discográfico, Teenage Dream, que se trata de un álbum eminentemente pop que incorpora numerosos elementos electropop y dance-pop, estilos en los que profundizaría en sus trabajos posteriores, aunque también cuenta con influencias pop/rock reminiscencia de su anterior trabajo. Katy Perry compuso todas las canciones presentes en el álbum, que trataban temas como el amor adolescente, salir de fiesta o el auto-empoderamiento, bajo la producción de importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke, Max Martin, StarGate, Benny Blanco, Tricky Stewart o Greg Wells. Si por algo destacó «Teenage Dream» fue por su excelente elección de los singles lanzados, 5 de los cuales alcanzaron el #1 en la lista americana de manera consecutiva (además de otro #1 no consecutivo perteneciente a la re-edición del álbum) logrando un hito en la historia de la música, ya que hasta la fecha sólo Michael Jackson había conseguido 5 singles #1 de un mismo álbum. «Teenage Dream» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes y gracias al éxito de los singles acabó vendiendo 3 millones de copias en Estados Unidos. Alrededor del mundo también gozó de gran éxito: fue #1 en Australia, Canadá y Reino Unido y top 5 en España, Francia y Alemania y superó los 10 millones de copias a nivel mundial, convirtiéndose en uno de los discos más populares y vendidos de los años 2010 y 2011.

El single presentación del álbum fue California Gurls, un marchoso tema electropop con influencia Disco/funk producido por Dr. Luke y Max Martin que cuenta con la colaboración del rapero Snoop Dogg y cuyas divertidas letras hacen referencia a los encantos de las chicas californianas, como respuesta al tema ‘Empire State of Mind’ de Jay-Z y Alicia Keys que hablaba de la ciudad natal de ambos, Nueva York. ‘California Gurls’ resultó muy exitoso en las listas de venta: fue #1 en Canadá, Reino Unido, Australia o Estados Unidos, donde se convirtió en su segundo single #1 tras ‘I Kissed a Girl’. California Gurls destacó sin duda por su colorido videoclip ambientado en ‘Candyfornia’, un mundo lleno de dulces y caramelos en el que Katy lucía numerosos y estrafalarios modelitos. El segundo single fue la canción que daba título al disco, Teenage Dream, que se trata de un tema pop/rock y electropop de corte retro producido por Dr. Luke y Max Martin que hablaba de un amor adolescente y con el que Katy abandonaba el toque gracioso y divertido del single anterior para retomar al estilo presente en su anterior álbum. ‘Teenage Dream’ continuó el éxito del primer single: fue #1 en la lista americana y ocupó el #2 en Canadá, Australia y Reino Unido. Como tercer single se lanzó Firework, un tema dance-pop producido por StarGate que contiene letras inspiradoras sobre el auto-empoderamiento y se ha convertido en uno de los temas más representativos de la carrera de Katy. ‘Firework’ tuvo un excelente desempeño comercial alrededor del mundo y ocupó el top 5 en las listas de venta de Reino Unido, Australia o Alemania, pero destacó por su gran éxito en Estados Unidos, donde se convirtió en el tercer single #1 del álbum, acabó vendiendo más de 10 millones entre copias físicas y digitales y fue certificado diamante en tierras americanas.

Ya en 2011 se lanzó como cuarto single E.T., que se trata de un tema electrónico de carácter mid-tempo con influencias del Trap, dupstep y Hip-Hop. Este tema, que se lanzó en forma de remix con la participación del rapero Kanye West, habla sobre enamorarse de una persona muy diferente utilizando metáforas de extraterrestres y recibió críticas mixtas por parte de los expertos musicales. El quinto single fue Last Friday Night, un marchoso tema pop/rock y dance-pop producido por Dr. Luke y Max Martin con el que Katy regresaba a su lado más fiestero y divertido. ‘Last Friday Night’ contó con un remix con la colaboración de la gran Missy Elliott, consiguió el quinto single #1 del álbum en Estados Unidos y también tuvo buen desempeño en el resto del mundo: fue #1 en Canadá, top 5 en Australia y top 10 en Reino Unido. Como sexto single llegó The One that Got Away, un emotivo tema pop producido por Max Martin y Dr. Luke y cantado por Katy en forma de balada que relata la pérdida de un antiguo amor. Pese a ser uno de los temas más sobresalientes del álbum (y personalmente uno de mis favoritos) ‘The One that Got Away’ rompió la excelente racha de singles que lideraban la lista americana y ocupó el #3, aunque nuevamente fue certificado multi-platino como los anteriores sencillos.

Aunque el álbum fue muy bien desgranado, merece la pena reseñar otras canciones como ‘Circle the Drain’, que se trata de un enérgico tema rock up-tempo con influencia Dance/Disco producido por Tricky Stewart cuyas letras hacen referencia al comportamiento auto-destructivo de un ex-novio drogadicto (con toda seguridad Travie McCoy, con quien Katy salió durante un par de años antes de Russell Brand) y que gracias a su uso como sencillo promocional ocupó el top 30 en Canadá y el top 60 en la lista americana. También destacan ‘Who Am I Living For?’, una balada con gran componente electrónico producida por Tricky Stewart en la que habla sobre mantener sus convicciones y ser fiel a sus valores o ‘Hummingbird Heartbeat’, un potente tema influenciado por el hard-rock de los años 80 que está dedicado a su pareja por entonces, el cómico Russell Brand, «quien le hace latir su corazón tan rápido como lo hacen los colibríes». En todos los álbumes de Katy Perry hay una canción que es mejor olvidar y en este caso es ‘Peacock’, un tema dance-pop de letras vulgares y explícitas sobre el miembro masculino que posiblemente ostente el título de la peor canción que ha grabado la cantante de Santa Bárbara en toda su carrera. 

Aunque «Teenage Dream» tuvo un gran impacto comercial y destacó por su longevidad en las listas de venta, las críticas por parte de los expertos musicales fueron muy variadas: algunos tacharon al álbum de sobre-producido y la ejecución vocal de Katy como mediocre. «Teenage Dream» fue nominado a varios premios Grammy, incluyendo álbum del año y mejor álbum de pop vocal. En 2002 el álbum fue re-editado bajo el título Teenage Dream: The Complete Confection con nuevas canciones inéditas entre las que destacaron los singles ‘Part of Me’, que también logró el #1 en la lista americana y ‘Wide Awake’. En resumen, «Teenage Dream» es el trabajo más sólido de la trayectoria musical de Katy Perry, resulta muy superior a sus siguientes álbumes y es uno de los discos pop más influyentes y exitosos de la década del 2010. Temas imprescindibles: The One that Got Away, Teenage Dream, Firework, E.T., California Gurls y Circle the Drain. Puntuación: 8/10.