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Crítica de «What’s Your Pleasure?» de Jessie Ware

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Jessie WareDurante los últimos meses hemos presenciado un resurgimiento del sonido Disco y en general de la música de baile que triunfó en las décadas de los 80 y 90 gracias a artistas pop como Dua Lipa, The Weeknd o Lady Gaga, quienes con sus recientes trabajos discográficos han sido responsables de llevar al mainstream el clásico sonido discotequero y se han convertido en los cantantes más triunfadores durante los meses de confinamiento por la pandemia del coronavirus al lanzar importantes singles que se han colado en los puestos más altos de las listas de venta. Otra de las artistas que también se ha influenciado de esta corriente dentro del pop ha sido Jessie Ware, una cantante inglesa muy popular en Reino Unido, donde ha logrado el top 10 con sus tres primeros álbumes, aunque fuera de las Islas Británicas sigue siendo una gran desconocida. A finales del pasado mes de junio Jessie Ware puso fin a su sequía musical y publicó su cuarto álbum de estudio, titulado What’s Your Pleasure?, tras año y medio lanzando singles como anticipo del mismo. «What’s Your Pleasure» es un álbum muy ecléctico de sonido retro, compuesto principalmente de temas up-tempo que incorporan elementos Disco, dance-pop, funk, House, R&B y Soul. Este trabajo está formado por 12 temas compuestas por la propia Jessie Ware y toma el relevo a «Glasshouse», su tercer trabajo discográfico, el cual vio la luz en 2017 y vino marcado por su reciente maternidad y una mayor madurez como artista. A principios de 2019 la cantante londinense desveló el primer aperitivo de su nuevo álbum, Adore You, que se trata de una sofisticada pieza de synth-pop y dance-pop de producción minimalista que destaca por la suave y sensual voz de Jessie. Ya en 2020 llegó Spotlight, el single que realmente representaba la esencia del álbum y vino acompañado de un videoclip promocional grabado en un lujoso tren propiedad del antiguo presidente de Yugoslavia. Spotlight comienza como una dramática balada para transformarse rápidamente en un elegante tema Disco/House que nos transportaba a las pistas de baile del Nueva York de los años 80. En plena pandemia Jessie Ware siguió presentándonos nuevos singles como Oh La La, un marchoso tema Funk producido por James Ford o Save a Kiss, un pegadizo tema dance-pop y electropop con influencia Disco que resulta uno de los momentos más up-tempo y bailables del álbum.

«What’s Your Pleasure?» se puede escuchar en su totalidad sin saltar ningún tema ya que resulta muy equilibrado y aunque es un disco eminentemente up-tempo en la segunda parte el ritmo comienza a bajar y podemos encontrar un par de temas más calmados pero que no desentonan con el resto del álbum, como ‘The Kill’, un elegante tema electropop de carácter mid-tempo y sonido ambiental o la única balada presente, ‘Remember Where You Are’, que recupera el R&B/Soul de sus inicios y cierra el álbum. Entre mis temas favoritos se encuentran ‘What’s Your Pleasure?’, el tema que da título al disco y resulta un marchoso tema electropop de sensuales letras o ‘Soul Control’, un alegre y divertido tema Disco/funk. En resumen, pese al extraño año que estamos viviendo han aparecido grandes álbumes que nos han permitido evadirnos de la realidad y disfrutar de buena música de baile, como es el caso de What’s Your Pleasure?, un sofisticado y elegante álbum de pop que suena atemporal y fuera de las modas imperantes y está inspirado en el sonido electrónico y Disco de los años 70 y 80. Si te gustó el estilo eminentemente electropop de álbumes como «Electra Heart» de Marina o «Body Talk» de Robyn o eres seguidor de las cantantes Kylie Minogue y Sophie Ellis-Bextor en su versión más Disco, sin duda disfrutarás del nuevo trabajo de Jessie Ware, una cantante y compositora muy talentosa que todavía no ha logrado despuntar y sin duda merece más éxito del que ha tenido. En definitiva, «What’s Your Pleasure?» es uno de los mejores álbumes de lo que llevamos del año y profundiza en el sonido Disco que tan de moda se ha puesto recientemente. Temas imprescindibles: What’s Your Pleasure?, Save a Kiss, Soul Control, Spotlight, Ooh La La y The Kill. Puntuación: 8/10.

Double Round Review: «Animal» y «Cannibal» de Kesha

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AnimalTras iniciarse en el mundo de la música haciendo coros y componiendo para otros artistas, una jovencita llamada Kesha Sebert despuntó en la escena musical gracias a su participación en el single ‘Right Round’ del rapero FloRida, el cual alcanzó el #1 en los principales mercados musicales y supuso el espaldarazo definitivo para iniciar su carrera como cantante. Kesha estuvo trabajando en su debut durante años y publicó su primer álbum, titulado Animal, el 1 de enero de 2010, inaugurando la década de la mejor manera posible. La cantante nacida en Los Angeles se rodeó de importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke (el cual le fichó en su discográfica, se convirtió en su mano derecha y fue el responsable de la mayoría de las canciones), Max Martin, Shellback, Greg Kurstin, Ammo o Benny Blanco, quienes dieron forma a un álbum encuadrado dentro del sonido electropop y dance-pop con gran uso de sintetizadores. El single presentación del álbum fue TiK ToK, un tema electropop sumamente adictivo producido por Dr. Luke en el que Kesha destacaba por su técnica sing-rap y el uso desmedido de Auto-Tune, que se convertirían en la seña de identidad de la cantante durante los primeros años de su carrera. ‘TiK ToK’ sorprendió al público por sus pegadizas letras sobre pasarlo bien, vivir la vida y no dejar que nadie te pisotee mientras que relataba un sueño en el que se despertaba siendo un importante rapero rodeado de bellas mujeres y creyéndose una estrella de la música. ‘TiK ToK’ tuvo un enorme impacto comercial: lideró las listas de venta en más de 20 países de todo el mundo y se convirtió en uno de los temas con mayores ventas digitales de la historia de la música, superando los 10 millones de copias digitales.

Tras la tremenda acogida de ‘TiK ToK’, Kesha demostró que su éxito no era flor de un día y lanzó varios singles que ocuparon nuevamente los primeros puestos en las listas de venta como Your Love Is My Drug, un pegadizo tema dance-pop y electropop en el que la cantante habla de la ruptura con su ex-pareja y la relación de dependencia que sentía hacia él y que ocupó el top 5 en la lista americana o Take It Off, un potente tema electropop y dance-pop que resultaba uno de los momentos más up-tempo y bailables del disco. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran el divertido ‘Party at a Rich Dude’s House’ en el que Kesha contaba su experiencia cuando fue a una fiesta en la casa de Paris Hilton y acabó vomitando en su armario, ‘Dancing With Tears in My Eyes’, que destaca por su uso de instrumentos en vivo como la guitarra dentro de un disco dominado por los sintetizadores o ‘Hungover’, uno de los temas co-producidos por Max Martin en el que la cantante muestra su lado más emotivo y vulnerable y resultaba uno de los momentos más calmados del álbum. Desde un primer momento Kesha destacó por su excéntrica personalidad, su imagen descuidada de ‘party girl’ y sus polémicos comentarios pero sin duda cautivó al público joven gracias a unas canciones divertidas, desenfadadas y dirigidas a las pistas de baile, además fue una de las abanderadas del sonido electropop que tan de moda estuvo a principios de la década pasada. «Animal» no contiene canciones con un profundo componente lírico, sin embargo es un álbum debut sólido y que escuchar en su totalidad sin apenas saltar ningún tema. Puntuación Animal: 8/10.

CannibalGracias al gran éxito del primer single, «Animal» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes y destacó por su alto porcentaje de ventas digitales, que superaron ampliamente las copias físicas, lo que denotaba cómo el mundo de la música estaba cambiando hacia la era digital. «Animal» terminó el 2010 con más de un millón de ejemplares vendidos en Estados Unidos. En el resto del mundo también tuvo una buena acogida comercial: fue #1 en Canadá y alcanzó el top 10 en Reino Unido, Australia o Alemania y obtuvo con unas ventas a nivel mundial de 9 millones de copias, en su mayoría de formato digital. Gracias a la buena acogida de los 4 singles lanzados, todos los cuales ocuparon el top 10 en la lista americana, «Animal» siguió obteniendo buenas ventas durante el 2010 y a finales de año fue reeditado con un segundo disco compuesto por nuevas canciones inéditas, llamado Cannibal, el cual se puso a la venta como EP independiente en tierras americanas y como parte de la reedición bajo el nombre «Animal + Cannibal» en el resto del mundo. «Cannibal» seguía la estela musical de «Animal» y está formado por 9 temas de estilo electropop en los que la cantante continuaba con su peculiar técnica sing-rap y su abuso del Auto-Tune. Kesha siguió confiando en la producción de sus habituales colaboradores Dr. Luke, Benny Blanco, Ammo y Max Martin. El single presentación de «Cannibal» fue We R Who We R, un pegadizo tema electropop de sonido futurista en el que Kesha reivindicaba su excéntrica personalidad y resultaba un himno de auto-aceptación y empoderamiento. Este tema producido por Dr. Luke recibió buenas opiniones de los expertos por su carácter desenfadado y bailable aunque también le llovieron críticas por resultar muy similar a sus anteriores singles. ‘We R Who We R’ tuvo un gran impacto comercial en Estados Unidos y se convirtió en el segundo #1 de Kesha como solista tras ‘TiK ToK’ y en el resto del mundo también tuvo una gran acogida y lideró las listas de venta en Australia o Reino Unido.

Como segundo single llegó Blow, un marchoso tema electropop y dance-pop bajo la producción de Dr. Luke y Max Martin que continuaba con su habitual temática de pasarlo bien en la pista de baile. Dentro del nuevo EP destacaban ‘Cannibal’, un original y pegadizo tema en el que la cantante admite «sus instintos asesinos y de caníbal» con los hombres que conoce o ‘Sleazy’, un tema mid-tempo electropop con influencia Hip Hop coproducido por Bangladesh que fue lanzado como sencillo promocional y tuvo un buen desempeño comercial en la lista americana. En resumen, de la misma manera que «The Fame Monster» elevó el álbum debut de Lady Gaga a otro nivel, «Cannibal» fue un todo acierto por parte de Kesha ya que aumentó la gran calidad de «Animal» con nuevos temas muy interesantes. Quizás las letras de sus canciones fueran banales y poco profundas y su voz estaba tan distorsionada por los excesivos trucos de producción que apenas podíamos escuchar la voz real de la cantante californiana, sin embargo Kesha consiguió crear un álbum divertido, alegre y que representaba a la perfección el sonido electropop que triunfaba durante aquellos años y del cual Lady Gaga y Kesha fueron las máximas representantes. Puntuación Animal + Cannibal: 8/10.

Crítica de «Translation» de Black Eyed Peas

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TranslationTras un largo tiempo desaparecidos de la escena musical, Black Eyed Peas han regresado este mes de junio con su octavo álbum de estudio, titulado Translation, el cual toma el relevo a «Masters of the Sun», lanzado en 2018 de manera muy limitada, sin apenas promoción y que pasó totalmente inadvertido entre el público a diferencia de sus anteriores trabajos discográficos. «Masters of the Sun» era un álbum de Hip Hop de carácter político y social inspirado en la novela del mismo nombre creada por los miembros del grupo y resultaba el primer álbum de Black Eyed Peas como trío tras la marcha de la vocalista Fergie en 2017. Dicho álbum regresaba al estilo Hip Hop de sus orígenes y marcaba una gran divergencia musical con respecto a «The E.N.D.» y «The Beginning», los cuales estaban encuadrados dentro del sonido EDM y dance-pop y contaban con marchosos temas up-tempo de la talla de ‘Boom Boom Pow’, ‘I Gotta Feeling’ o ‘The Time (Dirty Bip)’ que triunfaron en todo el mundo. A priori, el regreso de Black Eyed Peas no presagiaba nada bueno ya que después de 10 años de su último éxito y sin la presencia de Fergie, quien fue responsable de revitalizar la carrera del grupo, podríamos pensar que el trío no encajaría en el actual panorama musical, sin embargo han decidido subirse al carro del éxito que vive la música latina hoy en día para intentar recuperar su momento de gloria del pasado. «Translation» es un álbum muy ecléctico que fusiona su habitual sonido Hip-Hop y dance-pop con géneros tan populares actualmente como el Latin-pop, Trap o reggaeton, ‘fusila’ sin piedad grandes temas del pasado a través de samplers y cuenta con una desproporcionada cantidad de artistas latinos de moda como Maluma, J Balvin, Shakira, Nicky Jam, Ozuna o Becky G, además de otros encuadrados dentro del Hip Hop como French Montana o Tyga. Para no ser acusados de apropiación cultural y subirse tarde y mal al estilo musical del momento, Black Eyed Peas han sacado a relucir los «orígenes latinos» de algunos de sus componentes, que se limitan básicamente a que los padres de Taboo son mexicanos y él habla español, puesto que el miembro más famoso del trío, Will.I.Am (compositor, productor y la voz principal del grupo) es afro-americano nacido en Los Angeles y Apl.de.ap es filipino y lo único latino que tiene es su nombre real, de origen español.

El primer single de «Translation» fue Ritmo, un despropósito de canción que samplea descaradamente el famoso himno Dance de los 90 ‘The Rhythm of the Night’ de Corona y cuenta con la participación del artista de reggaeton J Balvin. ‘Ritmo’, originalmente titulada como ‘Ritmo (Bad Boys for Life)’ debido a su inclusión en la banda sonora de la película de idéntico título protagonizada por Will Smith, es un tema que mezcla Hip Hop, Latin-pop y reggaeton donde J Balvin recurre a los tópicos de las canciones reggateton y menciona a la cantante española Rosalía. Ritmo ha logrado una gran acogida en todos los países de Sudamérica, España o Italia aunque en el mercado anglosajón no ha logrado tal nivel de éxito, sin embargo apenas alcanzó el top 40 en Estados Unidos. Tras ‘Ritmo’ llegó Mamacita, un tema reggaeton que samplea el clásico de Madonna ‘La Isla Bonita’ y en el que participa el cantante puertorriqueño Ozuna. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado como tercer single el extraño tema No Mañana, que se trata de un híbrido que mezcla Dancehall, reggeaton y Hip Hop y resulta irritante debido a la desagradable voz de El Alfa, el artista invitado. Dentro de Translation podemos reseñar ‘Girl Like Me’, un marchoso tema Dancehall que participa Shakira (cuya ejecución vocal es de lo más discutible) y en el que los componentes del grupo establecen su preferencia por las mujeres latinas como la cantante colombiana, ‘Feel The Beat’, que cuenta con la participación de Maluma y samplea el hit de los 80 ‘Can You Feel The Beat’ o ‘Vida Loca’ junto a Nicky Jam y el rapero Tyga en el que los Black Eyed Peas se superan y fusilan el clásico ‘U Can’t Touch This’ de MC Hammer y otro tema de Rick James.

El hecho de que 10 de los 15 temas que componen «Translation» cuenten con artistas invitados, diluyendo en gran medida la verdadera personalidad de Black Eyed Peas, el uso y abuso de samplers tan famosos como ‘La Isla Bonita’ de Madonna o ‘The Rhythm of the Night’ de Corona, unas letras vacías de contenido con un spanglish que chirría y la producción desfasada por parte de Will.I.Am son razones más que suficientes para convertir a este álbum en uno de los más flojos lanzados durante este 2020. Sin embargo las jóvenes generaciones que escuchan reggaeton y siguen a artistas como J Balvin, Becky G, Ozuna o Maluma estarán encantados con este tipo de canciones y al ser los que más música consumen en la actualidad han conseguido que Black Eyed Peas vuelvan a posiciones altas en las listas de ventas que no habrían logrado sin subirse al carro de la música latina. El único punto a favor del álbum es su carácter entretenido, marchoso y apropiado para las pistas de baile, pero no para escuchar en tu día a día. Puntuación: 4/10.

Los mejores álbumes del 2020 (1ª parte)

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El 2020 está siendo un año extremadamente inusual debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus, la cual ha afectado a todos los sectores de la economía, que se han tenido de adaptar a la profunda crisis que han provocado los meses de confinamiento y el parón de la actividad industrial. El sector del ocio ha sido uno de los más afectados y si nos centramos en la industria musical podemos afirmar que ésta ha sufrido una caída brutal en sus principales fuentes de ingresos, por todos los conciertos y festivales de música que han sido cancelados y la ausencia de ventas de discos en formato físico. Algunos artistas que tenían pensado lanzar sus álbumes durante esta primavera decidieron posponer la fecha de publicación hasta que las condiciones sanitarias «volvieran a la normalidad» y pudieran realizar promoción, mientras que otros valientes siguieron con sus planes originales y lanzaron disco pese a la extraña situación que hemos vivido, algo que es de agradecer y alabar. Aunque este año haya sido atípico desde mediados de marzo y el número de lanzamientos se haya reducido de manera considerable, hemos sido testigo de la publicación de varios álbumes muy interesantes que nos han acompañado durante los duros momentos del confinamiento. Desde el blog MiSTeR MuSiC haré un repaso de los mejores álbumes que se han lanzado durante la primera mitad de este 2020.

Chromatica4. Chromatica de Lady Gaga.

En su habitual línea de dar pena sacando a la luz enfermedades y traumas pasados, Lady Gaga se ha vendido a sí misma como una de las grandes afectadas por la pandemia del coronavirus al tener que aplazar el lanzamiento de su nuevo álbum, sin embargo no lo ha sido tanto ya que pudo haber lanzado el disco en las fechas originales sin mayor problema puesto que otros cantantes lo han hecho con gran éxito (como Dua Lipa) pese a la disminución de la promoción debido a razones obvias. Lady Gaga tenía previsto publicar su sexto disco de estudio, Chromatica el pasado 10 de abril pero decidió posponer su lanzamiento hasta que las circunstancias fueran más propicias, sin embargo en un arranque muy coherente por su parte el álbum vio la luz a finales de mayo, cuando la pandemia sacudía fuertemente a Estados Unidos, el mercado más importante para la polémica cantante. Dejando a un lado esta incoherente estrategia comercial, nos encontramos ante uno de los discos más esperados del año ya que tras su coqueteo con el Country y el pop/rock de ‘Joanne’ y su participación en la banda sonora de ‘A Star Is Born’, donde continuó con su imagen de artista seria y madura, con su nuevo álbum Lady Gaga ha regresado a sus raíces pop y ha rescatado de nuevo su imagen extravagante. Chromatica abandona las baladas dramáticas como ‘Shallow’ para centrarse exclusivamente en temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House. Aprovechando el momento nostálgico que vive el pop actualmente y al igual que Dua Lipa se inspiró en el sonido Disco de los años 70 y 80, Lady Gaga se ha influenciado del Dance y House que triunfaban en los 90 para dar forma su nuevo trabajo, que reduce el relleno al mínimo y está formado por temas dirigidos a las pistas de baile aunque la temática vaya más encaminada a mostrarnos cómo ha superado las adversidades y los duros momentos del pasado. El primer single del álbum, ‘Stupid Love’ llegó en febrero y aunque resultaba marchoso y pegadizo no dejaba de ser un tema poco arriesgado e innovador que muchos tacharon de básico y menos eficaz que sus habituales primeros singles. Tras la tibia acogida de ‘Stupid Love’ (que fue un éxito en ciertos países pero marcó mínimos en la carrera de Lady Gaga en otros importantes mercados) y coincidiendo con la publicación del álbum, la artista neoyorquina sacó todos los tanques y nos ofreció su esperada colaboración con Ariana Grande en ‘Rain On Me’, un bailable tema dance-pop y House que esta vez sí la devolvió al #1 en las listas de ventas. Chromatica contiene grandes temas que pueden pueden ser singles muy potentes como Replay, Free Woman, Fun Tonight o 911 y supera ampliamente la calidad de Joanne y Artpop, de ahí que lo considere uno de los mejores discos del año, aunque se tiene que conformar con el cuarto puesto. Puntuación: 7’5/10. 

All Monsters Are Human3. All Monsters Are Human de K. Michelle.

El 31 de enero resultó ser un día de extrema competencia en el mundo de la música ya que se produjeron numerosos lanzamientos de discos de importantes artistas como Kesha, Meghan Trainor, Louis Tomlinson o nuestra protagonista, K. Michelle. La cantante nacida en Memphis publicó su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters Are Human, que tomaba el relevo a «Kimberly: The People I Used To Know», lanzado en 2017, lo que supuso el lapso de tiempo más amplio entre disco y disco dentro de su carrera, ya que desde sus inicios en el mundo de la música se ha caracterizado por su gran agilidad al lanzar álbumes. En la actualidad K. Michelle es una de las pocas cantantes que podemos encuadrar dentro del R&B más tradicional y clásico puesto que dicho género se ha visto influenciado durante los últimos años por la música electrónica y el desmedido uso de los sintetizadores y ha perdido parte de su esencia y sus orígenes, sin embargo la cantante de Tennessee se ha mantenido fiel al R&B de los años 90 y 2000 y es una de las escasas representantes del ‘verdadero R&B’ que ha ido desapareciendo a lo largo de los años. «All Monsters Are Human» está formado por 13 temas compuestos por la propia Kimberly y destaca por el hecho de que es su primer trabajo como artista independiente tras dejar su antigua discográfica por los resultados tan mediocres que cosechó su último disco. Dentro del álbum podemos encontrar las clásicas baladas R&B/Soul por las que es conocida K. Michelle como ‘That Game’ o ‘The Worst’ además de otros originales temas como ‘Just Like Jay’, que se trata de un medio tiempo pop/R&B con cierta influencia Country o ‘Love On Me’, un animado tema pop/R&B que supone el momento más up-tempo del álbum. El primer single del álbum fue ‘Supahood’, un marchoso tema R&B/Hip-Hop con influencia Trap que contaba con la participación de las raperas City Girls y Kash Doll y donde la cantante mostraba su lado más urbano y tras él llegó ‘The Rain’, una fantástica balada mid-tempo producida por Jazze Pha que nos trae de vuelta la verdadera esencia del R&B. Tras el pequeño tropiezo que supuso su anterior disco «Kimberly: The People I Used To Know», el cual era excesivamente largo, algo aburrido y resultaba menos sólido y consistente que sus tres magníficos primeros discos, con «All Monsters Are Human» la cantante ha recuperado su habitual nivel y nos encontramos ante un trabajo de gran calidad en el que no sobra ningún tema y donde podemos disfrutar de la maravillosa voz de Kimberly y sus habilidades como compositora en las que relata todas las experiencias por las que ha pasado durante estos últimos años. Puntuación: 8/10. 

After Hours2. After Hours de The Weeknd.

Aunque The Weeknd publicó su cuarto álbum de estudio After Hours el 20 de marzo, cuando comenzaba el confinamiento en varios países europeos y la pandemia avanzaba a pasos agigantados, gran parte de la promoción del mismo se había producido los meses anteriores y los dos singles lanzados ya llevaban un tiempo en los primeros puestos de las listas de venta, por lo que su publicación en una fecha tan arriesgada no le pasó factura a las ventas del mismo. After Hours debutó en el #1 de la lista americana con más de 400 mil unidades vendidas (incluyendo más de 250 ejemplares de ventas puras, es decir en formato físico y digital) convirtiéndose en uno de los debut más importantes del año en Estados Unidos y su tercer disco #1 consecutivo. Gran parte del éxito logrado por el álbum se debió a la excepcional respuesta por parte del público de los dos primeros singles, que vieron la luz en noviembre del año pasado. Primero llegó ‘Heartless’, un enigmático medio tiempo R&B/Trap en el que el artista canadiense admitía que tras la ruptura con su ex-pareja había vuelto a su vida disoluta de soltero desalmado. Este single de sonido urbano encajaba mejor con los gustos americanos y debutó en el #1 de la lista de singles de Estados Unidos (su cuarto ‘chart topper’) sin embargo The Weeknd tenía guardado otro as en la manga de cara al mercado internacional. Un par de días después de lanzar ‘Heartless’ llegó ‘Blinding Lights’, un marchoso tema synth-pop y dance-pop de corte retro inspirado en el estilo new-wave de los años 80 y producido por el rey Midas del pop Max Martin. ‘Blinding Lights’ recuperaba el carácter up-tempo y comercial de su hit ‘Can’t Feel My Face’, recibió grandes críticas de los expertos por su naturaleza bailable, superó todas las expectativas y se ha convertido en uno de los temas más importantes de lo que llevamos de año. ‘Blinding Lights’ sigue liderando actualmente la lista de singles más vendidos a nivel mundial y ha alcanzado el #1 en más de 20 países incluyendo Estados Unidos, Australia, Francia, Alemania, Reino Unido o España. El tercer single, ‘In Your Eyes’, llegó una semana después del lanzamiento del álbum y se trataba de otro marchoso tema synth-pop de sonido retro influenciado por la música Disco. «After Hours» combina las dos facetas musicales que posee el cantante: por una parte el R&B alternativo con influencia Trap al que estamos acostumbrados los seguidores originales de The Weeknd y por otra el sonido dance-pop y synth-pop a través de temas más comerciales de carácter up-tempo con los que amplió su popularidad y conquistó a un público masivo. Aunque con su anterior álbum «Starboy» The Weeknd había puesto el listón muy alto, «After Hours» sigue manteniendo su gran calidad y por ello ocupa la medalla de plata en este repaso a los mejores álbumes lanzados durante la primera mitad del 2020. Puntuación: 8/10.

Future Nostalgia1. Future Nostalgia de Dua Lipa.

Una de las artistas que más se ha visto afectada por la inusual situación que vivimos ha sido sin duda Dua Lipa, la cual tenía pensado lanzar su esperado segundo álbum de estudio a principios del mes de abril, pero debido a la filtración de todo su contenido en internet su discográfica decidió adelantar una semana su publicación y finalmente vio la luz el 27 de marzo, cuando el coronavirus estaba en su peor momento en Europa y muchos de los países cerraban fronteras para detener la pandemia. A través de sus redes sociales, una Dua Lipa rota y llorando comunicaba a sus seguidores que el álbum se iba a publicar una semana antes de lo previsto en pleno inicio de la pandemia, pero lo que no sabía en ese momento es que Future Nostalgia se beneficiaría en gran medida de ser una de las pocas artistas que lanzaba nueva música durante aquellas fechas. «Future Nostalgia» debutó en el #2 de la lista británica casi empatada en cifras con el grupo 5 Seconds of Summer, quienes consiguieron llevarse el gato al agua, sin embargo gracias al alto nivel de streaming en su segunda semana a la venta ascendió al #1 convirtiéndose en el primer disco de la cantante de ascendencia albanesa que conseguía llegar al puesto de honor en Reino Unido. En el resto del mundo Future Nostalgia fue un auténtico éxito y ocupó el top 5 en todos los mercados importantes incluyendo Estados Unidos, donde alcanzó el #4, su mejor posición hasta la fecha. El segundo álbum de estudio de Dua Lipa se alejaba del EDM (Electronic Dance Music) y el Tropical House de su primer álbum para profundizar en un sonido Disco, dance-pop y electropop inspirado en la música de baile de los años 80 y 90 de artistas como Kylie Minogue o Madonna. «Future Nostalgia» es un álbum muy breve de sólo 11 canciones y apenas media hora de duración pero no contiene ningún relleno y está formado por temas up-tempo de corte retro con el objetivo de sonar atemporal y fuera de las modas imperantes. «Future Nostalgia» fue aclamado por la crítica por su carácter bailable y desenfadado y se ha convertido en uno de los discos con mejores críticas de lo que llevamos de año. «Future Nostalgia» se merece el puesto de honor en este repaso a los mejores álbumes lanzados hasta la fecha ya que incluye joyas pop como los tres primeros singles, ‘Don’t Start Now’, Physical o Break My Heart y otras canciones tan interesantes como ‘Love Again’ o ‘Levitating’ que tienen todas las papeletas para ser futuros singles por su gran calidad. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Chromatica» de Lady Gaga

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ChromaticaLa pandemia del coronavirus ha afectado a muchos sectores de la economía, entre ellos la industria musical, que ha visto cómo desaparecía su principal fuente de ingresos: las giras de conciertos, las cuales desde hace años superan ampliamente las ganancias provenientes de la venta de discos. Una de las artistas que se ha visto afectada por la pandemia global ha sido Lady Gaga, quien el 10 de abril debía publicar su nuevo trabajo discográfico, Chromatica, sin embargo debido a las circunstancias decidió posponer su lanzamiento y finalmente confirmó que vería la luz el 29 de mayo. Los artistas que tenían previsto publicar álbumes durante la época del confinamiento o bien han optado por mantener las fechas de publicación actuando con gran valentía y generosidad de cara a sus fans (como Dua Lipa con «Future Nostalgia», que se ha beneficiado de ser una de las pocas cantantes pop en lanzar disco durante la pandemia) o por el contrario han pospuesto indefinidamente sus respectivos trabajos hasta que las circunstancias sean más propicias, sin embargo la decisión de Lady Gaga de retrasar el lanzamiento de su disco tan solo un mes y medio después no deja de resultar contradictorio e incoherente ya que la situación sanitaria actual sigue siendo la misma (de hecho es peor en Estados Unidos, donde ahora se encuentra el principal epicentro de la pandemia) lo cual no facilita la promoción de su nuevo trabajo, por ello la opción más lógica hubiera sido lanzar «Chromatica» en su fecha original, antes de que el ‘hype’ por el primer single se desvaneciera y hubiera que sacar todos los tanques para acaparar la atención del público. Centrándonos en el aspecto musical, «Chromatica» destaca por el hecho de que la cantante neoyorquina vuelve al pop electrónico de sus inicios tras su participación en la banda sonora de «A Star Is Born» y su último disco de estudio «Joanne», en los que coqueteó con el Country y el pop/rock, por lo que tendríamos que remontarnos a 2013 con «Artpop» para dar con su último disco pop en sentido estricto. «Chromatica» está formado por 16 canciones up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House de los años 90 que nos devuelven a la Lady Gaga más divertida y bailable, reminiscencia de «Born This Way» o «The Fame». Como suele ser habitual, la controvertida artista ha compuesto todos los temas presentes en el álbum bajo la producción de BloodPop, Burns, Skrillex o Axwell. Cabe destacar que al igual que «Artpop» y «Joanne», «Chromatica» no cuenta con input por parte de RedOne, el responsable de sus mayores éxitos y que imprimió un vanguardista sonido electropop con el que triunfó en todo el mundo. 

El single presentación del álbum fue Stupid Love, un marchoso tema dance-pop y electropop con influencias House compuesto junto a Max Martin y producido por BloodPop. Este tema recibió opiniones muy variadas por parte de los expertos musicales: por una parte se alabó su naturaleza desenfadada y bailable y su vuelta al típico sonido de ‘Born This Way’ pero por otra se criticó el hecho de ser un tema muy genérico que no ofrecía nada nuevo al panorama musical. ‘Stupid Love’ tuvo un buen desempeño comercial en las listas de venta de Estados Unidos, Australia o Reino Unido, donde ocupó el top 10, sin embargo en otros importantes mercados como Francia, Alemania o España pasó muy desapercibido y estuvo muy lejos de las posiciones que suelen ocupar los primeros singles de Lady Gaga. Una semana antes del lanzamiento de «Chromatica» se ha lanzado el segundo single, Rain on Me, que se trata de la esperada colaboración con Ariana Grande que tanto se había rumoreado meses atrás. ‘Rain on Me’ es un tema dance-pop con influencia House y Disco que está compuesto por ambas artistas junto a Rami y producido por BloodPop y Burns en el que las dos cantantes hablan de superar las adversidades y todos los problemas a los que se han enfrentado (recordemos que Lady Gaga sufrió de fibromialgia y Ariana se enfrentó a una depresión tras el atentado terrorista en uno de sus conciertos). Este tema, que celebra «todas las lágrimas derramadas durante los malos momentos», no tiene demasiadas pretensiones ya que su objetivo es hacer bailar y disfrutar de dos de las voces más conocidas del mundo del pop, sin embargo nuevamente resulta un tema muy básico en el que no han arriesgado demasiado puesto que resulta similar a los temas dance-pop de Ariana como ‘Break Free’. Con toda seguridad ‘Rain On Me’ alcanzará el #1 en las principales listas de venta pero será gracias a la colaboración de la joven cantante de Florida, que está viviendo su mejor momento profesional desde ‘Thank U, Next’ y todo lo que toca lo convierte en oro, lo que no deja de resultar una medida un tanto desesperada por parte de Lady Gaga para conseguir el ansiado #1 que no logró con ‘Stupid Love’.

Un día antes del lanzamiento de «Chromatica» se desveló el sencillo promocional ‘Sour Candy’, que se trata de un potente tema House/Dance que cuenta con la colaboración del grupo femenino coreano Blackpink, recuerda a ‘Swish Swish’ de Katy Perry y tiene muchas posibilidades de convertirse en nuevo single por su pegadizo ritmo y sus letras. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Free Woman’, un bailable tema Dance/House en el que Lady Gaga nuevamente reivindica la independencia y libertad de ser lo que queramos ser, temática que ha utilizado en numerosas ocasiones durante su carrera, ‘911’, un enérgico tema electropop y synth-pop que podría encajar dentro de la atmósfera de «The Fame» por la manera de cantar y el efecto robotizado en su voz o ‘Enigma’, en el que declara que es una incomprendida y su personalidad todavía resulta un enigma. También merece la pena reseñar ‘Fun Tonight’, otro marchoso tema Dance que habla de una relación que hace aguas y en el que hace referencia a su disco «The Fame» («amas los Paparazzi, amas la fama») o el pegadizo ‘Replay’, que cuenta con gran influencia de la música House de los 90 y recuerda a la Madonna más bailable y discotequera de ‘Deeper and Deeper’. Uno de los temas más experimentales del álbum es ‘Sine From Above’, en el que participa su amigo Elton John y cuenta con los créditos de Axwell e Ingrosso (componentes de Swedish House Mafia) en la composición.

Al igual que ocurría con «Future Nostalgia» de Dua Lipa, el nuevo trabajo de Lady Gaga está formado por temas up-tempo dirigido a las pistas de baile donde no hay espacio para las baladas y cuenta con influencias ‘nostálgicas’ (en el caso de Dua Lipa el sonido Disco y en Gaga el House) pero actualizado a los tiempos que corren. Dejando a un lado la habitual tendencia de Lady Gaga a victimizarse por sus enfermedades y todos los problemas que ha sufrido en el pasado a través de sus letras y su intento de lanzar al mundo himnos de empoderamiento y auto-aceptación, estamos ante uno de los álbumes más sólidos, consistentes y cohesivos dentro de la carrera de la cantante y en conjunto resulta muy superior a «Artpop». En los últimos años, Lady Gaga se ha esforzado en ofrecernos una imagen de artista seria y madura en un intento por abrirse a un público más diverso y adulto (con álbumes como «Joanne» o su participación en «A Star Is Born») que está muy lejos de la imagen extravagante y polémica que nos mostró durante los inicios de su carrera, por lo que la vuelta a su antiguo sonido electrónico y los atuendos excéntricos resulta una táctica un tanto desesperada por contentar a sus ‘Little Monsters’ más que una evolución natural. Pese a todo, el álbum cuenta con un gran número de temas marchosos y divertidos para hacernos bailar y disfrutar, que es el punto fuerte de la artista y donde nunca nos decepciona. Temas imprescindibles: Rain on Me, Replay, Free Woman, Fun Tonight, 911, Stupid Love y Enigma. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Glitter» de Mariah Carey

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Glitter albumMariah Carey hizo su debut como protagonista en el mundo del cine en 2001 con la película Glitter, en la cual interpretaba a Billie Frank, una joven corista y bailarina neoyorquina que soñaba con abrirse un camino en el mundo de la música. Pese a no ser una película autobiográfica, «Glitter» tenía varios puntos en común con la historia personal de Mariah Carey y aunque la cantante puso todo su empeño en ella, resultó un fracaso comercial y la crítica se ensañó con su interpretación. Además de participar en la película, Mariah grabó su banda sonora, que se convirtió en su octavo álbum de estudio. «Glitter» marcaba una divergencia con respecto al habitual estilo de la cantante ya que intentaba recrear el ambiente discotequero de Nueva York en los años 80 y estaba formado por una mezcla de temas up-tempo de estilo Disco, Dance y funk de sonido retro y baladas que incorporaban el habitual estilo de Mariah además de varios temas influenciados por el Hip Hop acompañados de raperos. Jimmy Jam y Terry Lewis fueron los responsables de la mayoría de temas, incluyendo todas las baladas del álbum, aunque también contó con producción adicional por parte de DJ Clue. «Glitter» tuvo la mala suerte de ser publicado el 11 de septiembre de 2001, el día en el que se produjo el trágico atentado a las torres gemelas de Nueva York y según la cantante los críticos utilizaron a «Glitter» para desviar la atención de lo que estaba sucediendo y la utilizaron como ‘punching bag’. El álbum «Glitter» debutó en el #7 de la lista americana (una posición inferior a la de sus anteriores álbumes) y acabó siendo certificado platino con ventas superiores a los 600 mil ejemplares. En el resto del mundo el álbum tuvo un desempeño moderado aunque su comportamiento fue superior en Europa, donde ocupó el top 10 en las listas de venta de Reino Unido, España, Francia o Alemania. Hasta el momento Mariah Carey pertenecía a Columbia, la que había sido su discográfica desde sus inicios en el mundo de la música, pero el divorcio de la cantante con Tommy Mottola en 1997 hizo que la relación entre ambos, ya de por sí tensa desde hacía varios años, se volviera insostenible, lo que provocó que Mariah fichara con Virgin un contrato multimillonario aunque tuvo que pagar una multa a Columbia por rescindir el contrato con la cantante antes de tiempo. «Glitter» fue el único álbum de Mariah bajo el sello Virgin ya que tras las bajas ventas y su mala publicidad por el fracaso de la película, rescindió su contrato valorado en $100 millones.

El single presentación del álbum fue Loverboy, un marchoso tema R&B/pop up-tempo con influencia funk que samplea la melodía de ‘Candy’ de Cameo y resulta muy similar a los típicos primeros singles de Mariah Carey. ‘Loverboy’ se lanzó también en forma de remix junto a los raperos Ludacris, Shawnna y Da Brat (quien es su amiga y participó como actriz secundaria en la película Glitter) aunque recibió peores críticas por la incursión de tantos artistas invitados que hacían que la presencia de Mariah se diluyera. Algunos expertos consideraron a ‘Loverboy’ como una copia sub-estándar de ‘Heartbreaker’. Loverboy alcanzó el #2 en la lista americana (por detrás de ‘Bootylicious’ de Destiny’s Child) gracias a las altas ventas del CD físico sin embargo el bajo airplay en las radios hizo que el single se desplomara rápidamente en la lista Billboard. En el resto del mundo tuvo un buen desempeño comercial: ocupó el top 10 en Australia y Canadá y fue #12 en Reino Unido. Durante la promoción de ‘Loverboy’ en diferentes programas de TV, Mariah Carey mostró un comportamiento errático y extraño y días después fue ingresada por agotamiento extremo y crisis de ansiedad. Cabe destacar que Mariah nunca interpretó ‘Loverboy’ en directo debido al abrupto cese en la promoción del álbum y no fue hasta 2016 durante la gira europea ‘Sweet Sweet Fantasy Tour’ cuando la cantante incluyó ‘Loverboy’ en el set list. En 2018, la campaña #JusticeForGlitter creada por sus fieles seguidores hizo que el álbum llegara al #1 en la lista iTunes de Estados Unidos y durante el ‘Caution Tour’ Mariah incorporó un medley con varias canciones del álbum incluyendo ‘Loverboy’.

Como segundo single se lanzó Never Too Far, una balada mid-tempo pop/R&B de desamor que destaca por su emotividad y la magistral ejecución vocal de Mariah. Este tema es interpretado por el personaje de Billie al final de la película durante su concierto en el Madison Square Garden de Nueva York tras enterarse que su pareja acaba de ser asesinada. Pese a ser una de las mejores canciones del álbum y recordar a sus grandes baladas de los años 90, ‘Never Too Far’ resultó un fracaso comercial: no logró entrar en la lista americana y apenas ocupó el top 40 en Australia, Italia y Reino Unido. España se convirtió en uno de los mercados más receptivos a Glitter y ‘Never Too Far’ alcanzó el #16, la mejor posición del single alrededor del mundo. Debido a la complicada situación personal de Mariah Carey durante su lanzamiento como single, ‘Never Too Far’ no recibió promoción ni se grabó un videoclip, por lo que tuvo que utilizarse la actuación de Billie en la película como videoclip del tema. Como último sencillo del álbum en tierras americanas y doble single de Cara-A junto a ‘Never Too Far’ en el resto del mundo se lanzó Don’t Stop (Funkin’ 4 Jamaica), un tema funk/Hip-Hop up-tempo que contaba con la participación del rapero Mystikal. Este tema fue de los pocos que Mariah grabó exclusivamente para el álbum al margen de la película y no contó con ninguna promoción por lo que no entró en la lista americana. Su elección como single fue de lo más desacertado puesto que es una de las canciones más flojas del álbum.

Mariah GlitterAunque «Glitter» destaca por su estilo up-tempo y su sonido Disco/Dance, el punto fuerte del álbum en mi opinión son las baladas y en concreto podemos encontrar tres muy interesantes: la anteriormente mencionada ‘Never Too Far’, ‘Lead the Way’ y ‘Reflections (Care Enough)’. ‘Lead the Way’ fue compuesta en 1997 por Mariah junto a su habitual colaborador Walter Afanasieff (artífice de sus mayores éxitos) durante las sesiones de grabación del álbum «Buttferly». Tras componer ‘Lead the Way’ ambos dejaron de trabajar juntos debido a diferencias creativas pero el tema fue rescatado durante la grabación de «Glitter» y Mariah lo grabó bajo la producción de Jimmy Jam & Terry Lewis. ‘Lead the Way’ es una balada a piano en la que la cantante alcanza la nota más larga de su carrera (18 segundos) y pese a su gran calidad es una de sus baladas más infravaloradas. ‘Reflections (Care Enough)’ también es interpretada durante la película en la secuencia en que Billie está componiendo un tema sobre el abandono de su madre cuando era una niña y se trata de una de las baladas más personales de Mariah. ‘Reflections’ fue lanzado como sencillo promocional del álbum de manera muy limitada en algunos territorios. De entre los temas up-tempo destacan ‘Didn’t Mean To Turn You On’, un marchoso tema Disco/funk compuesto por Jimmy Jam & Terry Lewis que es interpretado en diferentes ocasiones de la película porque se trataba del single debut de Billie. Mariah Carey grabó una versión del famoso tema Disco ‘Last Night a DJ Saved My Life’ que contaba con la participación de los raperos Busta Rhymes y Fabolous. Este tema, pese a su naturaleza desenfadada y pegadiza melodía, se trataba de una versión algo desafortunada debido a sus más de 6 minutos de duración y la escasa presencia de Mariah por la incursión de los artistas invitados. 

Mientras que la película fue atacada despiadadamente por la crítica, el álbum recibió mejores opiniones, sobretodo las baladas y los temas Disco ambientados en los años 80, aunque se criticó que la imagen de Mariah Carey durante la era «Glitter» se había abaratado en un intento desesperado por resultar provocativa. En su momento «Glitter» se convirtió en el disco ‘maldito’ de la cantante (pese a que lo consideró uno de sus mejores trabajos) y fue ignorado en sus giras de conciertos, sin embargo con el paso de los años algunos expertos alabaron el contenido del álbum por su homenaje a la música Disco y los fans de la cantante han intentado devolver la dignidad a uno de los álbumes más infravalorados e injustamente tratados de la música pop con campañas como #JusticeForGlitter. Teniendo en cuenta que fue publicado tras «Rainbow», el álbum con el que empecé a seguir a Mariah Carey y que se encuentra entre mis preferidos de su discografía, «Glitter» supuso una decepción, sin embargo a lo largo de los años y tras escucharlo en profundidad ha mejorado mi percepción sobre él. Temas imprescindibles: Never Too Far, Lead the Way, Didn’t Mean to Turn You On, Reflections y Loverboy. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Talk That Talk» de Rihanna

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Talk That TalkA finales de 2010 Rihanna publicó «Loud», uno de los álbumes más importantes dentro de su carrera y con el que volvió a mostrar su lado más desenfadado y bailable tras la época oscura que supuso «Rated R». «Loud» superó los 8 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en su segundo disco más vendido y contó con los singles #1 ‘Only Girl (In the World)’, ‘What’s My Name?’ y ‘S&M’. Siguiendo su habitual estrategia de lanzar discos con gran agilidad, la cantante de Barbados publicó en noviembre de 2011 su sexto álbum de estudio, titulado Talk That Talk, el cual fue grabado durante la gira promocional de «Loud» y debido al escaso lapso de tiempo entre ambos resultan muy similares y no se aprecia excesiva evolución. El sexto álbum de estudio de Rihanna sigue la estela musical de «Loud» y está encuadrado dentro de un pop/R&B muy bailable con influencias electropop, House, dubstep, Hip Hop y Dancehall. Rihanna participó en la composición de 8 temas de álbum y contó con la producción de sus habituales colaboradores StarGate además de Dr. Luke, Cirkut, Hit-Boy o Calvin Harris. «Talk That Talk» debutó en el #3 de la lista americana de álbumes, consiguió el quinto top 5 consecutivo de Rihanna en Estados Unidos y vendió más de un millón de copias. En el resto del mundo también tuvo una gran acogida comercial y ocupó el top 5 en los principales mercados musicales como Francia, Alemania, Canadá y Australia incluyendo el #1 en Reino Unido, donde resultó un tremendo éxito y vendió más de un millón de ejemplares.

El single presentación del álbum fue We Found Love, un bailable y marchoso tema electro-House y dance-pop producido por el DJ Calvin Harris que recordaba a varias canciones de Loud como ‘Only Girl (In the World)’. Este single logró un éxito descomunal en las listas de venta: llegó al #1 en más de 20 países de todo el mundo incluyendo Canadá, Alemania o Reino Unido y acabó superando los 20 millones de copias, entrando en la lista de las canciones más exitosas de todos los tiempos. En la lista americana ‘We Found Love’ se mantuvo en el #1 durante 11 semanas no consecutivas superando a ‘Umbrella’, que hasta la fecha era el single más exitoso de Rihanna. Este tema que habla de «encontrar el amor en un lugar sin esperanza» obtuvo críticas principalmente positivas y recibió varios premios, entre ellos ‘mejor videoclip del año’ en los Grammy. Como segundo single se lanzó You Da One, un medio tiempo reggae-pop con influencia electropop y dubstep producido por Dr. Luke y Cirkut. Debido al éxito masivo de ‘We Found Love’, ‘You Da One’ se mantuvo a la sombra de él y pasó muy desapercibido en las radios y listas de venta, aunque ocupó el top 20 en Reino Unido, Canadá y Estados Unidos. En mi opinión la elección de ‘You Da One’ como single no fue de lo más acertado ya que en «Talk That Talk» podemos encontrar mejores canciones.

El tercer single elegido fue Talk That Talk, un marchoso tema Hip Hop y R&B producido por StarGate que contaba con la colaboración del veterano rapero Jay-Z y resultaba el tema más urbano del disco. Al no contar con videoclip ni apenas promoción por parte de Rihanna, este single tuvo un desempeño muy moderado y apenas ocupó el top 40 en Estados Unidos, Canadá y Reino Unido. Como cuarto single se lanzó Where Have You Been, un enérgico tema electro-House y dance-pop que compartía similitudes con el estilo del primer single ‘We Found Love’ y estaba producido por Dr. Luke, Cirkut y Calvin Harris. Debido a su naturaleza bailable y desenfadada este tema cosechó buenas críticas por parte de los expertos musicales y recibió una nominación a mejor actuación pop en los premios Grammy. En el terreno comercial resultó un gran éxito y ocupó el top 10 en las listas de venta de Reino Unido, Australia, Francia o Estados Unidos.

Pese a que «Talk That Talk» contiene temas muy interesantes, también incluye en mi opinión la peor canción de toda la carrera de Rihanna: ‘Cockiness (Love It)’, que se trata de un extraño tema dubstep y Dancehall con letras sexuales muy explícitas producido por Bangladesh que fue lanzado como último sencillo en tierras americanas. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Drunk on Love’, un medio tiempo electropop que nos recuerda el estilo de la era «Rated R», el marchoso ‘Watch n Learn’ que contiene ritmos caribeños como Dancehall y reggae o ‘Roc Me Out’, un tema mid-tempo synth-pop con influencia R&B producido por StarGate en el que Rihanna seduce a su amante revelándole sus secretos sexuales más íntimos. En resumen, Rihanna no tiene prácticamente ningún álbum malo y aunque mis favoritos dentro de su amplio catálogo musical son «Good Girl Gone Bad» o «Loud», «Talk That Talk» también tiene grandes momentos aunque resulta tan similar a este último que podríamos considerarlo como su re-edición debido a sus puntos en común. Temas imprescindibles: We Found Love, Where Have You Been, Talk That Talk, Roc Me Out y Drunk on Love. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Good Girl Gone Bad» de Rihanna

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RihannaRihanna hizo su debut en el mundo de la música en el año 2005 con el álbum «Music of the Sun», el cual tenía influencias de la música caribeña, estaba encuadrado dentro del sonido reggae y R&B, ocupó el top 10 en la lista de ventas de Estados Unidos e impactó tímidamente en el resto del mundo, aunque contó con el hit single ‘Pon de Replay’, el cual ocupó el top 10 en la mayoría de países. Apenas 8 meses después, la cantante nacida en Barbados lanzó su segundo disco de estudio, «A Girl Like Me», con el que aumentó su popularidad a nivel internacional gracias al single #1 ‘SOS’ o ‘Unfaithful’. Desde sus inicios en el mundo de la música, Rihanna se ha caracterizado por su gran agilidad a la hora de publicar álbumes y un año después de «A Girl Like Me» vio la luz su tercer disco, Good Girl Gone Bad, que supuso un punto de inflexión en la carrera de la joven cantante ya que se distanció de la imagen dulce e inocente de sus comienzos para adoptar otra más sexy y rebelde, además su música abandonó el sonido reggae y los ritmos caribeños para incorporar un estilo pop/R&B comercial y accesible a un público más amplio. Sus habituales colaboradores Evan Rogers y Carl Sturken participaron en este álbum, aunque su presencia disminuyó en favor de otros famosos productores como Tricky Stewart, Timbaland, J.R. Rotem, Ne-Yo o Stargate, los cuales ya habían participado en sus anteriores discos pero aumentaron su participación en «Good Girl Gone Bad» y se convirtieron en los artífices de sus temas más exitosos. Gracias a una magnífica selección de singles que recibieron una gran acogida comercial, el álbum debutó en el #2 de la lista americana y vendió 3 millones de ejemplares en Estados Unidos, un incremento más que considerable con respecto a «A Girl Like Me». Alrededor del mundo Rihanna aumentó su popularidad de manera exponencial y el álbum obtuvo un recibimiento muy positivo en las listas de venta de Reino Unido o Canadá, donde fue #1 y ocupó el top 10 en los principales marcados musicales y superó los 9 millones de copias.

El single presentación del álbum fue Umbrella, un marchoso tema pop/R&B con influencia Hip Hop que contaba con la colaboración del veterano rapero Jay-Z y estaba compuesto por The Dream y Tricky Stewart bajo la producción de este último. Tricky Stewart compuso la canción con Britney Spears en mente sin embargo el equipo de la princesa del pop rechazó ‘Umbrella’ sin imaginarse el nivel de éxito que alcanzaría dicho tema (no sería la última vez que Britney rechazaría temas que se convertirían en un hit). Umbrella fue aclamado por expertos musicales por su producción y sus letras, en particular su adictivo estribillo «under my umbrella, ella, ella» aunque algunos criticaron la fría ejecución vocal de Rihanna en comparación con la calidez del tema. Este single superó todas las expectativas y ocupó el #1 en la lista americana durante 7 semanas consecutivas y acabó vendiendo más de 6 millones de copias en Estados Unidos, donde logró un récord en ventas en formato digital. En el resto del mundo también resultó un tremendo éxito y fue #1 en Australia, Canadá, España, Alemania o Reino Unido (donde se mantuvo en lo más alto durante 10 semanas consecutivas) y se convirtió en uno de los singles más exitosos de todos los tiempos y el tema más radiado de la década del 2000. Umbrella recibió numerosos premios entre ellos el Grammy a mejor colaboración rap/cantada y su videoclip, que también fue tremendamente popular, ganó el premio MTV a mejor vídeo del año.

Tras el éxito masivo de ‘Umbrella’ llegó Shut Up and Drive, un tema muy diferente al anterior que abandona su lado urbano para adentrarse en el pop/rock y el sonido ‘new wave’ de los años 80. Este tema está producido por Evan Rogers y Carl Sturken recibió criticas muy variadas de los expertos musicales (personalmente considero que hay mejores canciones en el álbum) y tuvo una moderada acogida en Estados Unidos aunque ocupó el top 5 en Reino Unido. El tercer single elegido fue Hate That I Love You, un bonito tema mid-tempo R&B producido por Stargate y que cuenta con la colaboración del cantante Ne-Yo y nos muestra el lado más sensible de Rihanna. Este tema recibió buenas críticas de los expertos musicales por su similitud con temas de Ne-Yo y otras producciones del dúo noruego como ‘Irreplaceable’ de Beyoncé. ‘Hate That I Love You’ ocupó el top 10 en Estados Unidos y el top 20 en Australia, Canadá y Reino Unido. Para mostrar la amplia variedad de estilos presentes en el disco como cuarto single se lanzó Don’t Stop the Music, un pegadizo tema dance-pop producido por StarGate cuyas letras hablan de combatir el estrés diario bailando en la discoteca. Este destaca por samplear el famoso estribillo de ‘Wanna Be Startin’ Somethin’ de Michael Jackson y resulta el tema más up-tempo del álbum. Por su naturaleza marchosa y bailable ‘Don’t Stop the Music’ resultó tremendamente popular en Europa (el mercado más receptivo al sonido dance) y alcanzó el #1 en Francia, Alemania o España y el top 5 en Reino Unido. En Estados Unidos ocupó el #3 y se convirtió en el segundo single más exitoso de la edición original del álbum. 

Un año después de su lanzamiento, «Good Girl Gone Bad» fue re-editado con nuevos temas, entre ellos Take a Bow, que se convirtió en el single presentación de la re-edición. Esta balada R&B mid-tempo producida por Stargate y Ne-Yo relata la traición e infidelidad de su ex-pareja y recibió buenas opiniones de los expertos musicales aunque se criticó la producción poco original de Stargate, quienes imprimían su habitual sonido en todos los temas mid-tempo que producían. ‘Take a Bow’ resultó un éxito en Estados Unidos, donde se convirtió en el tercer single #1 de Rihanna y en el resto del mundo también tuvo un buen desempeño, especialmente en Reino Unido y Canadá, donde también alcanzó el #1. Otro de los temas inéditos de la re-edición lanzado como siguiente single fue Disturbia, que se trata de un marchoso y bailable tema electropop y dance-pop está compuesto por el cantante Chris Brown (quien más adelante sería su pareja) y recuerda a otras canciones up-tempo del álbum como ‘Don’t Stop The Music’ aunque contiene una temática más oscura que sería la seña de identidad de su siguiente álbum «Rated R». Este single continuó la excelente racha comercial de Rihanna y nuevamente llegó a lo más alto de la lista de ventas americana. Como último single del álbum (aunque pertenecía a la edición original) se lanzó Rehab, que se trata de un medio tiempo R&B de carácter melancólico producido por Timbaland que cuenta con la participación de Justin Timberlake y en el que Rihanna se enfrenta a los dolorosos recuerdos de su anterior relación y compara a su ex-pareja con una enfermedad. Del resto del álbum destacan ‘Breakin’ Dishes’, un marchoso tema electropop producido por Tricky Stewart que muestra a la perfección el lado rebelde que quería ofrecernos Rihanna en este trabajo o ‘Good Girl Gone Bad’, un tema mid-tempo pop/R&B con la producción típica de StarGate que explica cómo los fracasos con los hombres y las relaciones fallidas le hicieron madurar y dejar de ser una chica buena.

«Good Girl Gone Bad» fue un álbum clave en la carrera musical de Rihanna ya que le dio el espaldarazo definitivo para convertirse en un fenómeno global y una de las cantantes pop más importantes de la década del 2000. Además marcó una transición entre sus dos primeros trabajos, muy influenciados por el reggae y sus raíces caribeñas y sus siguientes álbumes, que seguían la estela dance-pop de «Good Girl Gone Bad». Aunque personalmente considero «Loud» mi disco preferido de la cantante barbadense, «Good Girl» también se encuentra entre mis favoritos ya que es un disco muy variado, completo y lleno de buenas canciones que hicieron de Rihanna una súper estrella del mundo de la música. Temas imprescindibles: Don’t Stop the Music, Disturbia, Hate That I Love You, Take a Bow, Good Girl Gone Bad, Umbrella y Breakin’ Dishes. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Confessions on a Dance Floor» de Madonna

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ConfessionsMadonna es conocida dentro del mundo de la música por su capacidad para reinventarse con cada álbum y ofrecer al público un estilo diferente y una imagen totalmente opuesta a la anterior, algo que muchas cantantes han intentado imitar posteriormente. En 2005 la reina del pop resurgió de sus cenizas como el ave fénix con su décimo álbum de estudio, titulado Confessions on a Dance Floor, que tomaba el relevo a «American Life», publicado dos años atrás con críticas y ventas mediocres. «Confessions» marcó una gran divergencia con respecto al sonido de su anterior álbum y en esta ocasión Madonna regresó a sus raíces más pop para ofrecernos un trabajo dirigido a las pistas de baile. Con la ayuda de Stuart Price (el cual se convirtió en una pieza indispensable del éxito del álbum) y la producción adicional de su colaborador habitual Mirwais Ahmadzaï y el dúo sueco Bloodshy & Avant, Madonna creó un álbum encuadrado dentro del dance-pop y electropop con gran influencia del sonido Disco de los años 70 e inspirado en la música de ABBA, Donna Summer o Pet Shop Boys. «Confessions» se aleja totalmente de «American Life» tanto en el componente visual como lírico, ya que éste último resultó muy polémico y controvertido en Estados Unidos por su crítica al ‘sueño americano’ y el materialismo presente en su sociedad y estaba encuadrado en el sonido electropop con un acusado toque acústico e influencia folk. «Confessions» se puede escuchar de principio a fin porque el relleno se reduce al mínimo y las 12 canciones presentes estaban encadenadas unas con otras como si de una sesión de DJ se tratase. Tras el fracaso comercial que resultó «American Life», el cual apenas vendió 5 millones de copias en todo el mundo y se convirtió en el disco menos vendido de su carrera, «Confessions» aumentó de manera considerable la popularidad de Madonna y resultó un auténtico éxito, ya que alcanzó el #1 en más de 20 países de todo el mundo y superó los 10 millones de copias a nivel mundial. Este álbum no sólo tuvo un enorme impacto comercial sino que recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales, quienes se reconciliaron con Madonna tras sus negativas opiniones hacia «American Life» y consiguió un premio Grammy al mejor álbum electrónico/Dance.

Es conocido el hecho de que los componentes del mítico grupo sueco ABBA son muy reticentes a la hora de dejar que otros artistas versionen o utilicen sus canciones sin embargo permitieron a Madonna samplear la melodía de su conocido hit ‘Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)’ para su nuevo single. Dicho tema resultó ser Hung Up, el single presentación de «Confessions» y que se trata de un bailable tema dance-pop con influencia Disco y House producido por Stuart Price cuyas sencillas letras reflejan el carácter de mujer fuerte e independiente de Madonna. ‘Hung Up’ superó todas las expectativas posibles y ocupó el #1 en más de 40 países de todo el mundo, pasando a formar parte de las canciones más exitosas de todos los tiempos, con ventas superiores a los 9 millones de copias, incluyendo formato físico y digital. Aunque ‘Hung Up’ supuso el mejor resultado de Madonna en Estados Unidos en años, cabe destacar que apenas ocupó el #7 en la lista de ventas, posiblemente una de las ‘peores’ posiciones del single alrededor del mundo, aunque fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. Tras el éxito de ‘Hung Up’, como segundo single se lanzó Sorry, otro de los ‘highlights’ del álbum y que recibió alabanzas de los expertos musicales por su carácter pegadizo y bailable. ‘Sorry’ destaca por incluir las palabras ‘lo siento’ y ‘perdóname’ en varios idiomas como español, francés o italiano. Este tema dance-pop y Disco compartía muchas similitudes con el single precedente aunque tenía contenía más profundidad en las letras y en ellas Madonna declaraba sentirse harta de oír excusas por parte de su amante, el cual no paraba de disculparse por sus errores. En Estados Unidos ‘Sorry’ tuvo un desempeño comercial moderado debido a su bajo nivel de airplay, sin embargo en el resto del mundo tuvo una acogida muy superior y ocupó el top 5 en Australia, Canadá o Alemania y alcanzó el #1 en España, Italia o Reino Unido.

Como tercer single se lanzó Get Together, un potente tema electropop y dance-pop con influencia Disco y House que habla sobre encontrar el amor en la pista de baile y cuya promoción fue mínima porque Madonna se encontraba de gira con el exitoso ‘Confessions Tour’, pero aún así fue #1 en España (el tercero consecutivo del álbum) y top 10 en Reino Unido, los cuales se convirtieron en los dos mercados musicales más receptivos en la era «Confessions». El cuarto y último single lanzado fue Jump, un tema dance-pop y synth-pop que destaca por el hecho de que Madonna hace uso de su registro más bajo de la voz y hablaba sobre pasar página de una relación. ‘Jump’, que resultaba un himno de auto-empoderamiento, recibió escasa promoción aparte de su videoclip y tuvo un rendimiento comercial moderado, aunque alcanzó el top 10 en España, Reino Unido e Italia. Entre mis canciones favoritas del álbum se encuentran ‘Let It Will Be’, un pegadizo tema Disco con uso prominente de violines que habla del éxito y la fama o ‘Forbidden Love’, un tema electropop y dance-pop de carácter mid-tempo cuyas letras hacen referencia a cómo el amor trasforma nuestras creencias y afecta a las relaciones con los demás. También destacan las aportaciones de Bloodshy & Avant en ‘Like It or Not’, un tema electropop que resulta menos up-tempo que el resto del contenido del álbum y Mirwais en el electrónico ‘Future Lovers’, cuyas letras hablan del amor como una fuerza poderosa que trasciende en el tiempo.

«Confessions on a Dance Floor» siempre será recordado por su carácter discotequero y bailable, los icónicos looks de Madonna ensayando frente al espejo y haciendo ‘posturitas’ en el videoclip de ‘Hung Up’ y ha servido de inspiración a numerosos artistas pop, los cuales empezaron a adoptar el estilo dance-pop y la música electrónica tras el éxito de este álbum. En los últimos tiempos el álbum ha vuelto a estar de actualidad gracias al revival que vive la música Disco y álbumes como «Future Nostalgia» de Dua Lipa están influenciados en gran medida por el estilo presente en «Confessions». Sin duda «Confessions on a Dance Floor» es uno de los álbumes de pop más icónicos e influyentes de la década del 2000 y que destaca por su sólido conjunto de canciones bailables, la ausencia de relleno, su magnífica selección de singles y la excepcional producción de Stuart Price. Temas imprescindibles: Hung Up, Sorry, Forbidden Love, Let It Will Be, Get Together y Jump. Puntuación: 9/10.

Stupid Love, el regreso de Lady Gaga

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Stupid LoveTras participar en la película ‘A Star Is Born’ y su respectiva banda sonora, con las que recibió buenas críticas por parte de los expertos, logró gran éxito comercial y nos mostró su lado más serio y maduro, Lady Gaga prometió que volvería a sus raíces musicales más pop. Y así ha sido ya que hace unas semanas nos presentó Stupid Love, el primer single de su sexto álbum de estudio, titulado Chromatica. Se trata de un tema electropop y dance-pop con influencia Disco compuesto por Lady Gaga junto a Max Martin (quien trabaja con ella por primera vez), producido por BloodPop y que conecta con el estilo de sus discos ‘Born This Way’ y ‘Artpop’. Stupid Love ha recibido opiniones principalmente positivas de los críticos musicales, los cuales elogiaron el regreso de Lady Gaga a sus orígenes pop y sus pegadizas letras sin embargo otros lo han considerado un tema ‘olvidable’, anodino y que no aporta nada novedoso al panorama musical. Stupid Love ha tenido un rendimiento comercial muy variado y mientras que ha ocupado el top 10 en Estados Unidos, Australia y Reino Unido, en otros importantes mercados musicales como Francia, Alemania o España ha tenido un comportamiento mediocre y apenas ha ocupado el top 50. En mi opinión, Stupid Love falla al no ofrecernos un tema original y arriesgado y creo que como ‘lead single’ resulta francamente decepcionante. Chromatica iba a ver la luz el 10 de abril pero debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus su lanzamiento ha sido retrasado indefinidamente, un gesto que me parece poco generoso ya que en estos duros momentos los artistas deberían lanzar nueva música para entretener a sus fans y hacerles más fácil el confinamiento en vez de pensar en la posible bajada de ventas que puede sufrir el álbum por estar cerradas las tiendas de medio mundo.