Dance – Página 13 – Blog Mister Music

Crítica de «Heaven & Hell» de Ava Max

septiembre 18, 2020septiembre 2, 2025deividtoxic4 comentarios

Heaven & Hell Pese a que el 2020 va a ser un año para olvidar debido a la pandemia provocada por el coronavirus y la crisis que ha provocado en la economía, lo cierto es que en el plano musical y especialmente dentro del pop, nos ha regalado unas cuantas alegrías debido al lanzamiento de importantes álbumes que han ayudado a salvar el año, como por ejemplo «Future Nostalgia» de Dua Lipa o «After Hours» de The Weeknd, los cuales valoré de manera positiva en el blog Mister Music y se han convertido en los discos más exitosos y escuchados durante este extraño año. Precisamente estos álbumes, además de otros de menor impacto comercial pero de gran calidad como «What’s Your Pleasure» de Jessie Ware, han supuesto un importante resurgimiento del pop, que durante los últimos años había perdido peso entre los más jóvenes en favor de otros géneros más populares actualmente como el reggaeton o el Trap. Otra de las artistas que sin duda han ayudado a revitalizar el sonido puramente pop ha sido Ava Max, una joven cantante americana de ascendencia albanesa que lleva varios años lanzando singles muy potentes y ha recuperado la esencia del género que fue tan popular a principios de la década del 2000 antes de que se viera influenciado demasiado por los sonidos electrónicos y perdiera su verdadera esencia. Aunque su álbum debut, titulado Heaven & Hell, ha visto la luz este mes de septiembre tenemos que remontarnos dos años atrás para dar con el single presentación de este proyecto.

Me refiero por supuesto a Sweet but Psycho, su tema más conocido por el gran público y que después de dos años sigue siendo su canción más escuchada en las plataformas musicales, con casi un billón de reproducciones en Spotify y más de 600 millones de visualizaciones de su videoclip en YouTube. ‘Sweet but Psycho’ es un pegadizo tema que combina pop, dance-pop y electropop y está compuesto por la propia Amanda Ava Koci (el verdadero nombre de Ava Max) junto a Cirkut, la pareja sentimental de la cantante y que se convertiría en el productor responsable de todos sus siguientes singles. Este tema cuenta con un efectivo y adictivo estribillo cuyas letras hacen referencia no a que la cantante sea una psicópata, sino una mujer fuerte e independiente, pero en los temas del amor tiene dos lados muy diferenciados, uno más dulce y otro más loco que le hace decir a su pareja todo lo que siente. Sweet but Psycho no se convirtió en un hit inmediato sino que poco a poco fue ascendiendo en las listas de venta hasta lograr el #1 en más de 20 países, incluyendo Reino Unido, donde lideró la lista de ventas durante 4 semanas, además de ocupar el top 10 en Estados Unidos, un mercado que siempre se ha caracterizado por ser muy poco receptivo a las canciones eminentemente pop. Desde un principio, gran parte del público y los expertos musicales compararon a Ava Max con Lady Gaga, no sólo por el tema ‘Sweet but Psycho’ y su gancho ‘I’m-ma-ma-ma out of my mind’, que recordaba a los utilizados en ‘Poker Face’ y ‘Bad Romance’, sino por su extravagante imagen y estrafalarios atuendos, reminiscencia de la Lady Gaga de «The Fame», aunque Ava Max siempre ha reivindicado su propio estilo y su característica melena asimétrica, que se ha convertido en su ‘logo’ profesional y seña de identidad.

Tras el éxito masivo de ‘Sweet but Psycho’, en 2019 llegó So Am I, otro pegadizo tema pop con elementos electropop en el que Ava hablaba de sentirse marginada e incomprendida en la sociedad y no encajar con los que le rodean, lo que resultaba un himno de auto-aceptación y de superar las propias inseguridades. Aunque resultaba tan pegadizo como ‘Sweet but Psycho’, este tema recibió algunas críticas negativas al presentarse Ava Max como una marginada cuando en realidad es una mujer blanca, atractiva y privilegiada. ‘So Am I’ no logró igualar el espectacular resultado del single precedente, sin embargo alcanzó el top 20 en Alemania, Irlanda o Reino Unido, mientras que en el resto de mercados el desempeño comercial fue moderado. Cuando la popularidad de Ava Max estaba en su punto álgido y hubiera sido el mejor momento de publicar álbum aprovechando el tirón de los dos singles anteriores, la cantante de Milwaukee (Wisconsin) decidió seguir presentando nuevos temas, pero el globo del éxito fue deshinchándose poco a poco y el ‘hype’ por la artista empezó a desvanecerse. Meses más tarde Ava Max presentó dos nuevos temas, entre los que destacaba el medio tiempo oscuro ‘Freaking Me Out’, del que incluso grabó un videoclip, pero ambos resultaron un fracaso comercial y fueron catalogados posteriormente como sencillos promocionales.

En pleno verano, la rubia cantante regresó con su tercer single oficial, Torn, con el que regresaba a su zona de confort y nos presentaba un marchoso y bailable tema dance-pop con influencias Disco en el que se debatía entre el amor y el odio dentro de una relación turbulenta. Torn vino acompañado de un magnífico videoclip de alto presupuesto en el que Ava se transformaba en una heroína de cómic enfrentándose a su infiel pareja. Pese a su gran calidad, Torn resultó un fracaso en las listas de venta y fue incapaz de alcanzar los resultados de ‘So Am I’. A finales del año pasado, Ava lanzó en las plataformas musicales Salt, un tema que ya había desvelado hace meses e interpretado en vivo en varias actuaciones y que sus seguidores habían recibido de manera muy positiva. Salt se trataba de un marchoso tema dance-pop con influencia Disco que contaba con una magistral producción muy ‘ochentera’ y un uso prominente de violines. Salt ha sido añadido de manera muy astuta en todos sus últimos lanzamientos, incrementando sus datos de streaming de manera notoria hasta alcanzar más de 180 millones de reproducciones, convirtiéndose no sólo en un ‘fan favorite’ sino en uno de sus singles más populares en Spotify. Pese a no haber contado con excesiva promoción por parte de Ava (es su único single que no cuenta con videoclip) gracias a su incursión como cara-B en singles como Torn, Salt ha ocupado el top 40 en las listas de venta de Alemania o Francia.

En el mes de marzo, antes de que el mundo se viera sumido en la pandemia del coronavirus, Ava Max nos presentó un nuevo single, Kings & Queens, que se trataba de un épico tema power pop y dance-pop producido por su habitual colaborador Cirkut junto al famoso productor RedOne, artífice de los mayores éxitos de Lady Gaga, con quien Ava Max precisamente ha sido comparada en infinidad de ocasiones. Este tema resulta un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que la cantante «hace una llamada a los reyes para cuidar de sus reinas», destaca por el prominente uso de guitarra eléctrica a final de la canción y recuerda a las producciones de RedOne de hace una década, especialmente para Lady Gaga. ‘Kings & Queens’ ha tenido un mayor impacto comercial que sus últimos singles y ha ocupado el top 20 en sus mercados estrella, Reino Unido y Alemania y como dato positivo ha logrado cierta acogida en el difícil mercado americano, logrando la segunda entrada de Ava en el Hot 100 tras ‘Sweet but Psycho’. Sin duda ‘Kings & Queens’ ha resultado una de las apuestas más sólidas y acertadas por parte de la cantante de ascendencia albanesa ya que ha superado el resultado comercial de sus últimos singles y se ha posicionado como su segundo single de mayor éxito tras ‘Sweet but Psycho’. A finales de julio la cantante de melena asimétrica lanzó Who’s Laughing Now como el sexto single de su álbum debut, al que por fin daba título y fecha de salida definitiva. Who’s Laughing Now destaca por su particular sonido de silbido y sus carcajadas durante el estribillo, nos recuerda al pop de fabricación sueca que triunfó durante los años dorados del pop de finales de los 90 de grupos como Ace of Base y en cuyas letras Ava hace frente a quienes la criticaron y no la apoyaron en sus inicios y ahora es ella «la que ríe la última». Podríamos considerar este tema como una continuación de ‘Sweet but Psycho’ ya que Ava nuevamente «saca las uñas» y su lado más vengativo tras haber sido menospreciada. Mientras que ‘Kings & Queens’ era el mayor representante del lado ‘Heaven’ del disco, ‘Who’s Laughing Now’ lo es del lado ‘Hell’ tal y como Ava Max nos ha hecho saber a través de los videoclips de ambos singles. Dos semanas antes de que viera la luz el álbum se lanzó como single OMG What’s Happening, que se trataba de un marchoso tema dance-pop con gran influencia Disco/funk en el que Ava Max realiza varias piruetas vocales que recuerdan a Marina y en cuyas letras reprocha a su pareja todo el daño que le ha hecho.

Ava Max «Heaven & Hell» es un álbum eminentemente pop con gran influencia electropop y dance-pop compuesto por 15 temas que nos transportan al pop de hace más de una década mediante melodías sencillas y letras que no destacan especialmente por su originalidad pero cuentan con estribillos que resultan de lo más efectivo. Los temas presentes en «Heaven & Hell» están divididos en dos partes diferenciadas, precisamente las que hace referencia su título, en un planteamiento muy similar al que utilizó Geri Halliwell con su disco debut «Schizophonic» separando su lado ángel y demonio. En el lado ‘Heaven’ podemos encontrar canciones enérgicas de naturaleza inspiradora que sirven como himnos y en ‘Hell’ canciones de temática más oscura y melancólica, con el tema central ‘Torn’ representando el purgatorio (en sus letras dice «estoy dividida entre el cielo y el infierno»). Todos los temas han sido co-escritos por la propia Ava Max bajo la producción de Cirkut y entre la nómina de compositores y co-productores figuran importantes nombres como Charlie Puth, RedOne, Bonnie McKee o Shellback. Aunque casi la mitad del contenido de «Heaven & Hell» ya ha sido desvelada antes de su lanzamiento, todavía quedan sorpresas en el disco como ‘Tattoo’, un tema electropop compuesto junto a Charlie Puth que podría encajar en el debut de Lady Gaga, ‘Call Me Tonight’, que contiene un cierto toque R&B gracias a un riff de guitarra similar al de ‘No Scrubs’ de TLC, o ‘Naked’, un bailable tema dance-pop en el que la cantante desnuda sus sentimientos a su pareja y se muestra tal como es y cuyo videoclip ha sido desvelado el mismo día que llegaba el álbum. Dentro de la segunda parte destacan ‘Take You To Hell’, que comienza con una melodía oscura y enigmática para convertirse en un tema pop muy ‘dosmilero’ cuya producción recuerda a las de Oops! de Britney, ‘Rumors’, influenciado por el synth-pop de los años 80 y en el que Ava declara que aunque oiga ciertos rumores sobre su amante sigue enganchada a él o ‘Belladonna’, un original tema electropop en el que Ava se compara con dicha planta venenosa y confiesa a su amante que puede ser peligrosa y contagiosa como ella.

Desde que Ava Max irrumpió en el año 2018, muchos han criticado tanto el estilo musical como el sonido de Ava Max por resultar anticuado y ser una copia de la Lady Gaga del 2009, sin embargo desde el blog Mister Music siempre la he apoyado por haber lanzado una serie de magníficos singles que muchas de sus competidoras envidiarían poseer y además es una de las pocas representantes del ‘pop en sentido estricto’ en la actualidad. Sin ser la mejor cantante del panorama actual (aunque es una solvente vocalista que se defiende perfectamente en directo) ni una fantástica compositora, ya que sus letras contienen muchos clichés ya utilizados anteriormente, Ava Max es una talentosa artista que ha sido capaz de crear uno de los mejores álbumes pop del año. Quizás algunos de los temas inéditos no están a la altura de los ya conocidos y no resultan tan contundentes e inmediatos, pero en su conjunto es un álbum muy sólido, cohesionado y disfrutable debido a la ausencia de baladas. Temas imprescindibles: Kings & Queens, Who’s Laughing Now, So Am I, Salt, Torn, OMG What’s Happening y Sweet but Psycho. Puntuación: 9/10.

Crítica de «Smile» de Katy Perry

agosto 28, 2020julio 3, 2025deividtoxicDeja un comentario

Smile La casualidad ha querido que la hija que estaba esperando Katy Perry haya nacido precisamente un día antes del lanzamiento de su esperado nuevo álbum. Daisy Dove Bloom es el nombre de la primera hija de la cantante californiana, fruto de su relación intermitente con el actor Orlando Bloom, con quien se le relaciona desde el año 2016. Podríamos decir que el nacimiento de la hija de Katy Perry le va a deparar más alegrías que Smile, su sexto álbum de estudio, que promete convertirse en uno de los mayores flops de la temporada teniendo en cuenta el tibio desempeño comercial de los singles lanzados, algunos de los cuales sólo serán incluidos como ‘bonus track’ debido a su escaso apoyo por parte del público. «Smile» tenía previsto su lanzamiento el pasado día 14 de agosto, pero su fecha fue trasladada dos semanas más tarde por motivos de post-producción y finalmente ha sido el 28 cuando ha visto la luz, una maniobra poco acertada por parte de su sello discográfico ya que ha resultado ser un día de gran competencia con importantes trabajos discográficos a la venta. «Smile» está formado por 12 temas en su edición estándar (16 en la deluxe) encuadrados dentro del pop con influencias dance-pop y electropop, aunque resulta un álbum más orgánico y con menor componente electrónico que «Witness», el anterior trabajo de Katy. La artista de 35 años ha compuesto todos los temas de Smile con la ayuda de importantes nombres de la industria musical como StarGate, The Monsters & The Strangerz, Johan Carlsson, Ian Kirkpatrick o Charlie Puth entre otros y como curiosidad cabe destacar que su habitual colaborador Max Martin no forma parte de este proyecto, después de haber trabajado de manera extensa en sus discos Teenage Dream, Prism y Witness. Según Katy Perry, su nuevo disco narra los duros episodios vividos por la cantante tras la fatídica era «Witness», en la que su sobre-exposición en los medios de comunicación y sus polémicos comentarios, unidos al mediocre desempeño comercial del álbum, le pasaron factura tanto a nivel profesional como personal (incluyendo depresión e intento de suicidio) y con Smile «ha encontrado la luz al final del oscuro túnel» y recuperado la sonrisa perdida.

Para dar con el ‘supuesto’ primer single de este proyecto tenemos que remontarnos a mayo de 2019, cuando vio la luz Never Really Over, el cual se trataba de un alegre y animado tema electropop que contenía una interpolación de una canción de la artista noruega Dagny y estaba producido por Zedd, con quien Katy ya había colaborado anteriormente. Aunque ‘Never Really Over’ no resultó un hit de la talla de ‘California Gurls’ o ‘Roar’, sí supuso un importante avance con respecto al desempeño comercial de los singles de su anterior álbum y dio un respiro a la maltrecha situación comercial que vivía la cantante. ‘Never Really Over’ ocupó el top 10 en Australia o Canadá y alcanzó el top 20 en Reino Unido y Estados Unidos, aunque resultaba la posición más baja de un ‘lead single’ de Katy en tierras americanas, si es que podemos denominar así a este tema ya que por entonces no tenía intención de lanzar nuevo álbum. Unos meses después llegó Small Talk, un coqueto tema synth-pop producido por Johan Carlsson y Charlie Puth que resultaba un buen ‘album track’ pero no terminaba de funcionar como single y prueba de ello fue su mediocre desempeño comercial, con el que regresaba a los peores días de Witness. Durante el resto del año la cantante nacida en Santa Bárbara siguió lanzando singles para tantear el terreno y ver si contaba con suficiente apoyo por parte del público como para poder respaldar la publicación de su ‘hipotético’ nuevo álbum, como Harleys in Hawaii, un tema pop de aire veraniego con influencia reggae que no pasaba más allá de ser el track 10 de un álbum.

Ya en 2020 llegó Never Worn White, una insípida balada a piano en cuyo videoclip Katy desveló que estaba embarazada de su primera hija y meses después mientras el mundo se encontraba sumido en la pandemia del coronavirus lanzó Daisies, acompañado del típico videoclip grabado en el jardín de su casa debido al confinamiento. Daisies se trataba de un tema pop con guitarras acústicas producido por The Monsters & The Strangerz que recibió mejores críticas que sus últimos temas y consiguió un desempeño moderado en las listas de venta (fue top 40 en Reino Unido, Australia y Estados Unidos, su mejor posición desde ‘Never Really Over’). Un mes antes de la llegada del álbum, una embarazadísima Katy lanzaba como enésimo single el tema que da título al disco y resultaba una de las apuestas más comerciales y apropiadas de cara a apoyar un proyecto considerado para muchos ya insalvable. Smile es un alegre y marchoso tema pop up-tempo producido por Oligee en el que la cantante agradece todos los cambios ocurridos en su vida recientemente y que le han permitido volver a sonreír, lo que lo convierte en un himno de superación personal. El avanzado estado de embarazo de Katy Perry no ha impedido la grabación de un videoclip promocional para Smile, en el que por primera vez adopta la temática circense presente en el álbum y la vemos, tanto en persona como de manera animada, disfrazada de ‘payasa’ con diferentes atuendos.

Entre las canciones más destacadas de «Smile» encontramos ‘Cry About It Later’, un bailable tema dance-pop en cuyos créditos aparece Oscar Holter, artífice de los últimos éxitos de The Weeknd, ‘Not The End of The World’, un adictivo tema electropop con influencia Trap y melodía enigmática que recuerda a su hit ‘E.T.’, ‘Teary Eyes’, uno de los temas más up-tempo del álbum que cuenta con sonido electropop y dance-pop reminiscencia de Witness y en el que Katy afirma seguir bailando mientras llora (una metáfora de seguir adelante a pesar de los problemas) o ‘Tucked’, en el que podemos apreciar guitarras sintetizadas y cierto toque pop/rock que nos devuelve a la era Teenage Dream. También merece la pena mencionar los momentos más calmados del álbum, como ‘Resilient’, un bonito tema mid-tempo producido por el dúo noruego Stargate, nuevamente con temática de ser fuerte y seguir adelante, o ‘What Makes a Woman’, que comienza como una balada pop casi acústica para convertirse en un tema electropop más rítmico y destaca por sus letras dedicadas a su hija, en las que le desea que durante su vida logre conseguir sus sueños sin límites de ningún tipo. Como se intuía debido a su mínimo impacto comercial, ‘Small Talk’ y ‘Never Worn White’ forman parte de la edición deluxe del álbum junto a varios remixes de ‘Daisies’.

En definitiva, aunque en ‘Smile’ presenciamos una vuelta de Katy Perry a sus orígenes más pop y dentro de él podemos encontrar algunos temas bastante dignos que narran el arduo proceso de la cantante hasta recuperar la sonrisa, la mayoría de ellos no tienen ese ‘hit potential’ que sí existía en álbumes como «Teenage Dream», el cual resulta una sucesión ‘non stop’ de magníficas canciones. Si esta escasez de canciones verdaderamente arriesgadas y originales lo unimos a una desastrosa estrategia promocional, hacen de este álbum un proyecto un tanto disparatado y poco centrado. Hay varios puntos que restan credibilidad a «Smile»: en primer lugar está la estética circense que acompaña al disco, la cual ha sido explotada hasta la saciedad en el mundo del pop (ejemplos memorables son «Circus» de Britney Spears, «Funhouse» de Pink o «Back to Basics» de Christina Aguilera) y por otra, Katy no ha seguido un concepto claro a lo largo de sus lanzamientos, porque la estética de payasos rompe con la imagen hippy, retro y maternal que la cantante nos presentó en los singles ‘Never Really Over’, ‘Small Talk’ y ‘Daisies’ respectivamente, lo que evidencia una falta de cohesión y una cierta improvisación en su proceso de creación. En resumen, más que un proyecto verdaderamente centrado, «Smile» es una variada y agradable playlist que incluye todos los singles que Katy lleva lanzando durante estos últimos años, pero aún así lo considero un álbum superior a «Witness», que pese a incluir ciertos temas interesantes resultó un despropósito de era. Puntuación: 6’5/10.

Ava Max regresa con Who’s Laughing Now y anuncia nuevo álbum

agosto 3, 2020mayo 27, 2025deividtoxicDeja un comentario

Heaven & Hell La escena del pop en sentido estricto (también llamado bubblegum pop, por dirigirse al público adolescente) que triunfó durante los años 90 y principios de la década del 2000 gracias al fenómeno fan y artistas de la talla de Spice Girls, Aqua, Backstreet Boys, Britney Spears o Christina Aguilera, en la actualidad se encuentra prácticamente desierta ya que la nueva generación de jóvenes (que son los que más música consumen) en su mayoría han dejado de escuchar este tipo de pop comercial para decantarse por otros géneros populares hoy en día como el Trap o el reggaeton. Debido a este cambio de tendencia, muchas de las grandes figuras pop que triunfaron durante aquella época, e incluso otros artistas que iniciaron su carrera posteriormente (como Kesha o Katy Perry) han iniciado una espiral decreciente en su éxito y la viabilidad comercial de su música está prácticamente reducida a sus más fieles seguidores. Una de las pocas artistas encuadrada actualmente dentro del pop más «puro» es la protagonista de este post, Ava Max, quien desde que lanzó en 2018 Sweet But Psycho, el cual alcanzó el #1 en más de 20 países de todo el mundo y la situó como una de las cantantes más prometedoras del panorama musical, ha seguido ofreciéndonos fantásticos singles pero que no han logrado conseguir el nivel de éxito del primero. Tras Sweet But Psycho (que acumula casi 1000 millones de reproducciones en Spotify) en 2019 llegaron So Am I, que por el efecto arrastre fue moderadamente exitoso en Reino Unido o Australia pero no obtuvo posiciones tan altas en las listas de venta, el pegadizo Torn o el sencillo promocional Salt, el único que no contó con videoclip promocional, sin embargo la cantante de ascendencia albanesa fue posponiendo ‘sine die’ el lanzamiento de su álbum debut, haciendo que el ‘hype’ por ella se desvaneciera y su popularidad fuera disminuyendo. Ya en 2020 Ava Max continuó desvelando nuevos singles, como el magnífico Kings & Queens, que recuperaba el sonido dance-pop y electropop típico de los comienzos de Lady Gaga (con la que ha sido comparada hasta la saciedad tanto por su música como por su imagen) y gracias al cual anotó su tercer top 20 en las Islas Británicas, uno de los mercados mas receptivos para la cantante nacida en Wisconsin. Hace tan sólo unos días Ava Max por fin ha desvelado que su primer álbum de estudio verá la luz el próximo mes de septiembre, nada más y nada menos que dos años después de Sweet but Psycho, bajo el título de Heaven & Hell. Este álbum incluirá los 5 sencillos anticipo que la cantante de 26 años ha ido lanzando durante estos últimos tiempos además de un nuevo single, Who’s Laughing Now, que se trata de otra fabulosa pieza de pop que cuenta con un particular sonido de silbido y está nuevamente producido por su habitual colaborador Cirkut. Este tema nos recuerda al pop de fabricación sueca que triunfó durante los años dorados del pop de finales de los 90 de grupos como Ace of Base y en cuyas letras hace frente a quienes la criticaron y no la apoyaron en sus inicios y ahora es ella «la que ríe la última». Aunque muchos encuentren a Ava Max un producto desfasado y genérico que no tiene cabida en la música de hoy en día y hayan criticado su anticuada imagen, desde el blog MiSTeR MuSiC he apoyado a la joven cantante desde sus comienzos porque ha lanzado una sucesión de singles de gran calidad que muchos artistas pop envidiarían y nos transportan al pop de hace dos décadas que personalmente considero el mejor de la historia de la música.

Melanie C anuncia nuevo álbum

julio 29, 2020junio 7, 2023deividtoxicDeja un comentario

Melanie C ha demostrado ser la componente de Spice Girls más comprometida con el mundo de la música y la única que a lo largo de los años se ha labrado una sólida y exitosa carrera en solitario. Prueba de ello son los 7 álbumes de estudio que ha publicado desde 1999, haciendo de ella la Spice con más discos en el mercado y la única que en la actualidad sigue demostrando su pasión por cantar y crear nuevas canciones (con permiso de Emma Bunton, quien publicó álbum el año pasado). Tras la triunfal pero breve gira de Spice Girls del año pasado con la que recorrieron Reino Unido, Melanie Chisholm retomó su carrera como solista y viajó por todo el mundo participando en las celebraciones del ‘Orgullo Gay’ de Brasil, España, Suecia o Alemania junto al grupo de Drag Queens Sink The Pink, con quienes precisamente participó en el single High Heels, un marchoso y bailable tema dance-pop con el que animó a todos los asistentes de su ‘Pride World Tour’ y lanzó al mundo un mensaje de amor universal y a uno mismo. Este tema seguía la senda musical de su último álbum de estudio, Version of Me, publicado en octubre de 2016 y con el que abandonó su habitual sonido pop/rock para adentrarse en el sonido electrónico. Ya en 2020, Melanie C siguió presentándonos nuevos temas como Who I Am, que se trataba de un fantástico tema electropop y dance-pop muy pegadizo que mostraba a la perfección su talento vocal y como compositora y hablaba sobre la auto-aceptación. Who I Am estuvo acompañado de un original videoclip ambientado en un museo donde Melanie se paseaba observando esculturas y cuadros de ella en sus diferentes etapas musicales, incluyendo sus icónicos looks de ‘Northern Star’ o como Sporty Spice. En plena pandemia la cantante inglesa ha seguido muy activa en el panorama musical y en mayo lanzó su nueva propuesta: Blame It On Me, otro potente tema dance-pop y electropop con influencia Disco en el que relata una relación tóxica. Esta misma semana, Mel ha anunciado nuevo single y la publicación de su nuevo álbum para el próximo mes de octubre. Su octavo álbum de estudio se llamará simplemente Melanie C, cuyo título hace referencia a que las experiencias vividas durante estos últimos años le han servido para saber quién es como persona y artista. El álbum contendrá 10 canciones que hablan sobre auto-empoderamiento y aceptación de uno mismo e incluirá todos los singles que ha ido lanzando estos últimos meses además de In and Out of Love, que se pondrá a la venta en las plataformas digitales este viernes. Desde el blog MiSTeR MuSiC estaremos muy atentos al nuevo álbum de Sporty Spice, la más talentosa de todas las componentes del famoso quinteto pero cuya carrera ha estado muy infravalorada por el público en general pese haber lanzado una serie de singles más que dignos.

Crítica de «What’s Your Pleasure?» de Jessie Ware

julio 21, 2020marzo 3, 2025deividtoxicDeja un comentario

Jessie Ware Durante los últimos meses hemos presenciado un resurgimiento del sonido Disco y en general de la música de baile que triunfó en las décadas de los 80 y 90 gracias a artistas pop como Dua Lipa, The Weeknd o Lady Gaga, quienes con sus recientes trabajos discográficos han sido responsables de llevar al mainstream el clásico sonido discotequero y se han convertido en los cantantes más triunfadores durante los meses de confinamiento por la pandemia del coronavirus al lanzar importantes singles que se han colado en los puestos más altos de las listas de venta. Otra de las artistas que también se ha influenciado de esta corriente dentro del pop ha sido Jessie Ware, una cantante inglesa muy popular en Reino Unido, donde ha logrado el top 10 con sus tres primeros álbumes, aunque fuera de las Islas Británicas sigue siendo una gran desconocida. A finales del pasado mes de junio Jessie Ware puso fin a su sequía musical y publicó su cuarto álbum de estudio, titulado What’s Your Pleasure?, tras año y medio lanzando singles como anticipo del mismo. «What’s Your Pleasure» es un álbum muy ecléctico de sonido retro, compuesto principalmente de temas up-tempo que incorporan elementos Disco, dance-pop, funk, House, R&B y Soul. Este trabajo está formado por 12 temas compuestas por la propia Jessie Ware y toma el relevo a «Glasshouse», su tercer trabajo discográfico, el cual vio la luz en 2017 y vino marcado por su reciente maternidad y una mayor madurez como artista. A principios de 2019 la cantante londinense desveló el primer aperitivo de su nuevo álbum, Adore You, que se trata de una sofisticada pieza de synth-pop y dance-pop de producción minimalista que destaca por la suave y sensual voz de Jessie. Ya en 2020 llegó Spotlight, el single que realmente representaba la esencia del álbum y vino acompañado de un videoclip promocional grabado en un lujoso tren propiedad del antiguo presidente de Yugoslavia. Spotlight comienza como una dramática balada para transformarse rápidamente en un elegante tema Disco/House que nos transportaba a las pistas de baile del Nueva York de los años 80. En plena pandemia Jessie Ware siguió presentándonos nuevos singles como Oh La La, un marchoso tema Funk producido por James Ford o Save a Kiss, un pegadizo tema dance-pop y electropop con influencia Disco que resulta uno de los momentos más up-tempo y bailables del álbum.

«What’s Your Pleasure?» se puede escuchar en su totalidad sin saltar ningún tema ya que resulta muy equilibrado y aunque es un disco eminentemente up-tempo en la segunda parte el ritmo comienza a bajar y podemos encontrar un par de temas más calmados pero que no desentonan con el resto del álbum, como ‘The Kill’, un elegante tema electropop de carácter mid-tempo y sonido ambiental o la única balada presente, ‘Remember Where You Are’, que recupera el R&B/Soul de sus inicios y cierra el álbum. Entre mis temas favoritos se encuentran ‘What’s Your Pleasure?’, el tema que da título al disco y resulta un marchoso tema electropop de sensuales letras o ‘Soul Control’, un alegre y divertido tema Disco/funk. En resumen, pese al extraño año que estamos viviendo han aparecido grandes álbumes que nos han permitido evadirnos de la realidad y disfrutar de buena música de baile, como es el caso de What’s Your Pleasure?, un sofisticado y elegante álbum de pop que suena atemporal y fuera de las modas imperantes y está inspirado en el sonido electrónico y Disco de los años 70 y 80. Si te gustó el estilo eminentemente electropop de álbumes como «Electra Heart» de Marina o «Body Talk» de Robyn o eres seguidor de las cantantes Kylie Minogue y Sophie Ellis-Bextor en su versión más Disco, sin duda disfrutarás del nuevo trabajo de Jessie Ware, una cantante y compositora muy talentosa que todavía no ha logrado despuntar y sin duda merece más éxito del que ha tenido. En definitiva, «What’s Your Pleasure?» es uno de los mejores álbumes de lo que llevamos del año y profundiza en el sonido Disco que tan de moda se ha puesto recientemente. Temas imprescindibles: What’s Your Pleasure?, Save a Kiss, Soul Control, Spotlight, Ooh La La y The Kill. Puntuación: 8/10.

Double Round Review: «Animal» y «Cannibal» de Kesha

julio 7, 2020julio 5, 2025deividtoxic4 comentarios

Animal Tras iniciarse en el mundo de la música haciendo coros y componiendo para otros artistas, una jovencita llamada Kesha Sebert despuntó en la escena musical gracias a su participación en el single ‘Right Round’ del rapero FloRida, el cual alcanzó el #1 en los principales mercados musicales y supuso el espaldarazo definitivo para iniciar su carrera como cantante. Kesha estuvo trabajando en su debut durante años y publicó su primer álbum, titulado Animal, el 1 de enero de 2010, inaugurando la década de la mejor manera posible. La cantante nacida en Los Angeles se rodeó de importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke (el cual le fichó en su discográfica, se convirtió en su mano derecha y fue el responsable de la mayoría de las canciones), Max Martin, Shellback, Greg Kurstin, Ammo o Benny Blanco, quienes dieron forma a un álbum encuadrado dentro del sonido electropop y dance-pop con gran uso de sintetizadores. El single presentación del álbum fue TiK ToK, un tema electropop sumamente adictivo producido por Dr. Luke en el que Kesha destacaba por su técnica sing-rap y el uso desmedido de Auto-Tune, que se convertirían en la seña de identidad de la cantante durante los primeros años de su carrera. ‘TiK ToK’ sorprendió al público por sus pegadizas letras sobre pasarlo bien, vivir la vida y no dejar que nadie te pisotee mientras que relataba un sueño en el que se despertaba siendo un importante rapero rodeado de bellas mujeres y creyéndose una estrella de la música. ‘TiK ToK’ tuvo un enorme impacto comercial: lideró las listas de venta en más de 20 países de todo el mundo y se convirtió en uno de los temas con mayores ventas digitales de la historia de la música, superando los 10 millones de copias digitales.

Tras la tremenda acogida de ‘TiK ToK’, Kesha demostró que su éxito no era flor de un día y lanzó varios singles que ocuparon nuevamente los primeros puestos en las listas de venta como Your Love Is My Drug, un pegadizo tema dance-pop y electropop en el que la cantante habla de la ruptura con su ex-pareja y la relación de dependencia que sentía hacia él y que ocupó el top 5 en la lista americana o Take It Off, un potente tema electropop y dance-pop que resultaba uno de los momentos más up-tempo y bailables del disco. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran el divertido ‘Party at a Rich Dude’s House’ en el que Kesha contaba su experiencia cuando fue a una fiesta en la casa de Paris Hilton y acabó vomitando en su armario, ‘Dancing With Tears in My Eyes’, que destaca por su uso de instrumentos en vivo como la guitarra dentro de un disco dominado por los sintetizadores o ‘Hungover’, uno de los temas co-producidos por Max Martin en el que la cantante muestra su lado más emotivo y vulnerable y resultaba uno de los momentos más calmados del álbum. Desde un primer momento Kesha destacó por su excéntrica personalidad, su imagen descuidada de ‘party girl’ y sus polémicos comentarios pero sin duda cautivó al público joven gracias a unas canciones divertidas, desenfadadas y dirigidas a las pistas de baile, además fue una de las abanderadas del sonido electropop que tan de moda estuvo a principios de la década pasada. «Animal» no contiene canciones con un profundo componente lírico, sin embargo es un álbum debut sólido y que escuchar en su totalidad sin apenas saltar ningún tema. Puntuación Animal: 8/10.

Cannibal Gracias al gran éxito del primer single, «Animal» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes y destacó por su alto porcentaje de ventas digitales, que superaron ampliamente las copias físicas, lo que denotaba cómo el mundo de la música estaba cambiando hacia la era digital. «Animal» terminó el 2010 con más de un millón de ejemplares vendidos en Estados Unidos. En el resto del mundo también tuvo una buena acogida comercial: fue #1 en Canadá y alcanzó el top 10 en Reino Unido, Australia o Alemania y obtuvo con unas ventas a nivel mundial de 9 millones de copias, en su mayoría de formato digital. Gracias a la buena acogida de los 4 singles lanzados, todos los cuales ocuparon el top 10 en la lista americana, «Animal» siguió obteniendo buenas ventas durante el 2010 y a finales de año fue reeditado con un segundo disco compuesto por nuevas canciones inéditas, llamado Cannibal, el cual se puso a la venta como EP independiente en tierras americanas y como parte de la reedición bajo el nombre «Animal + Cannibal» en el resto del mundo. «Cannibal» seguía la estela musical de «Animal» y está formado por 9 temas de estilo electropop en los que la cantante continuaba con su peculiar técnica sing-rap y su abuso del Auto-Tune. Kesha siguió confiando en la producción de sus habituales colaboradores Dr. Luke, Benny Blanco, Ammo y Max Martin. El single presentación de «Cannibal» fue We R Who We R, un pegadizo tema electropop de sonido futurista en el que Kesha reivindicaba su excéntrica personalidad y resultaba un himno de auto-aceptación y empoderamiento. Este tema producido por Dr. Luke recibió buenas opiniones de los expertos por su carácter desenfadado y bailable aunque también le llovieron críticas por resultar muy similar a sus anteriores singles. ‘We R Who We R’ tuvo un gran impacto comercial en Estados Unidos y se convirtió en el segundo #1 de Kesha como solista tras ‘TiK ToK’ y en el resto del mundo también tuvo una gran acogida y lideró las listas de venta en Australia o Reino Unido.

Como segundo single llegó Blow, un marchoso tema electropop y dance-pop bajo la producción de Dr. Luke y Max Martin que continuaba con su habitual temática de pasarlo bien en la pista de baile. Dentro del nuevo EP destacaban ‘Cannibal’, un original y pegadizo tema en el que la cantante admite «sus instintos asesinos y de caníbal» con los hombres que conoce o ‘Sleazy’, un tema mid-tempo electropop con influencia Hip Hop coproducido por Bangladesh que fue lanzado como sencillo promocional y tuvo un buen desempeño comercial en la lista americana. En resumen, de la misma manera que «The Fame Monster» elevó el álbum debut de Lady Gaga a otro nivel, «Cannibal» fue un todo acierto por parte de Kesha ya que aumentó la gran calidad de «Animal» con nuevos temas muy interesantes. Quizás las letras de sus canciones fueran banales y poco profundas y su voz estaba tan distorsionada por los excesivos trucos de producción que apenas podíamos escuchar la voz real de la cantante californiana, sin embargo Kesha consiguió crear un álbum divertido, alegre y que representaba a la perfección el sonido electropop que triunfaba durante aquellos años y del cual Lady Gaga y Kesha fueron las máximas representantes. Puntuación Animal + Cannibal: 8/10.

Crítica de «Translation» de Black Eyed Peas

junio 30, 2020octubre 26, 2025deividtoxic2 comentarios

Tras un largo tiempo desaparecidos de la escena musical, Black Eyed Peas han regresado este mes de junio con su octavo álbum de estudio, titulado Translation, el cual toma el relevo a «Masters of the Sun», lanzado en 2018 de manera muy limitada, sin apenas promoción y que pasó totalmente inadvertido entre el público a diferencia de sus anteriores trabajos discográficos. «Masters of the Sun» era un álbum de Hip Hop de carácter político y social inspirado en la novela del mismo nombre creada por los miembros del grupo y resultaba el primer álbum de Black Eyed Peas como trío tras la marcha de la vocalista Fergie en 2017. Dicho álbum regresaba al estilo Hip Hop de sus orígenes y marcaba una gran divergencia musical con respecto a «The E.N.D.» y «The Beginning», los cuales estaban encuadrados dentro del sonido EDM y dance-pop y contaban con marchosos temas up-tempo de la talla de ‘Boom Boom Pow’, ‘I Gotta Feeling’ o ‘The Time (Dirty Bip)’ que triunfaron en todo el mundo. A priori, el regreso de Black Eyed Peas no presagiaba nada bueno ya que después de 10 años de su último éxito y sin la presencia de Fergie, quien fue responsable de revitalizar la carrera del grupo, podríamos pensar que el trío no encajaría en el actual panorama musical, sin embargo han decidido subirse al carro del éxito que vive la música latina hoy en día para intentar recuperar su momento de gloria del pasado. «Translation» es un álbum muy ecléctico que fusiona su habitual sonido Hip-Hop y dance-pop con géneros tan populares actualmente como el Latin-pop, Trap o reggaeton, ‘fusila’ sin piedad grandes temas del pasado a través de samplers y cuenta con una desproporcionada cantidad de artistas latinos de moda como Maluma, J Balvin, Shakira, Nicky Jam, Ozuna o Becky G, además de otros encuadrados dentro del Hip Hop como French Montana o Tyga. Para no ser acusados de apropiación cultural y subirse tarde y mal al estilo musical del momento, Black Eyed Peas han sacado a relucir los «orígenes latinos» de algunos de sus componentes, que se limitan básicamente a que los padres de Taboo son mexicanos y él habla español, puesto que el miembro más famoso del trío, Will.I.Am (compositor, productor y la voz principal del grupo) es afro-americano nacido en Los Angeles y Apl.de.ap es filipino y lo único latino que tiene es su nombre real, de origen español.

El primer single de «Translation» fue Ritmo, un despropósito de canción que samplea descaradamente el famoso himno Dance de los 90 ‘The Rhythm of the Night’ de Corona y cuenta con la participación del artista de reggaeton J Balvin. ‘Ritmo’, originalmente titulada como ‘Ritmo (Bad Boys for Life)’ debido a su inclusión en la banda sonora de la película de idéntico título protagonizada por Will Smith, es un tema que mezcla Hip Hop, Latin-pop y reggaeton donde J Balvin recurre a los tópicos de las canciones reggateton y menciona a la cantante española Rosalía. Ritmo ha logrado una gran acogida en todos los países de Sudamérica, España o Italia aunque en el mercado anglosajón no ha logrado tal nivel de éxito, sin embargo apenas alcanzó el top 40 en Estados Unidos. Tras ‘Ritmo’ llegó Mamacita, un tema reggaeton que samplea el clásico de Madonna ‘La Isla Bonita’ y en el que participa el cantante puertorriqueño Ozuna. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado como tercer single el extraño tema No Mañana, que se trata de un híbrido que mezcla Dancehall, reggeaton y Hip Hop y resulta irritante debido a la desagradable voz de El Alfa, el artista invitado. Dentro de Translation podemos reseñar ‘Girl Like Me’, un marchoso tema Dancehall que participa Shakira (cuya ejecución vocal es de lo más discutible) y en el que los componentes del grupo establecen su preferencia por las mujeres latinas como la cantante colombiana, ‘Feel The Beat’, que cuenta con la participación de Maluma y samplea el hit de los 80 ‘Can You Feel The Beat’ o ‘Vida Loca’ junto a Nicky Jam y el rapero Tyga en el que los Black Eyed Peas se superan y fusilan el clásico ‘U Can’t Touch This’ de MC Hammer y otro tema de Rick James.

El hecho de que 10 de los 15 temas que componen «Translation» cuenten con artistas invitados, diluyendo en gran medida la verdadera personalidad de Black Eyed Peas, el uso y abuso de samplers tan famosos como ‘La Isla Bonita’ de Madonna o ‘The Rhythm of the Night’ de Corona, unas letras vacías de contenido con un spanglish que chirría y la producción desfasada por parte de Will.I.Am son razones más que suficientes para convertir a este álbum en uno de los más flojos lanzados durante este 2020. Sin embargo las jóvenes generaciones que escuchan reggaeton y siguen a artistas como J Balvin, Becky G, Ozuna o Maluma estarán encantados con este tipo de canciones y al ser los que más música consumen en la actualidad han conseguido que Black Eyed Peas vuelvan a posiciones altas en las listas de ventas que no habrían logrado sin subirse al carro de la música latina. El único punto a favor del álbum es su carácter entretenido, marchoso y apropiado para las pistas de baile, pero no para escuchar en tu día a día. Puntuación: 4/10.

Los mejores álbumes del 2020 (1ª parte)

junio 22, 2020agosto 1, 2023deividtoxicDeja un comentario

El 2020 está siendo un año extremadamente inusual debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus, la cual ha afectado a todos los sectores de la economía, que se han tenido de adaptar a la profunda crisis que han provocado los meses de confinamiento y el parón de la actividad industrial. El sector del ocio ha sido uno de los más afectados y si nos centramos en la industria musical podemos afirmar que ésta ha sufrido una caída brutal en sus principales fuentes de ingresos, por todos los conciertos y festivales de música que han sido cancelados y la ausencia de ventas de discos en formato físico. Algunos artistas que tenían pensado lanzar sus álbumes durante esta primavera decidieron posponer la fecha de publicación hasta que las condiciones sanitarias «volvieran a la normalidad» y pudieran realizar promoción, mientras que otros valientes siguieron con sus planes originales y lanzaron disco pese a la extraña situación que hemos vivido, algo que es de agradecer y alabar. Aunque este año haya sido atípico desde mediados de marzo y el número de lanzamientos se haya reducido de manera considerable, hemos sido testigo de la publicación de varios álbumes muy interesantes que nos han acompañado durante los duros momentos del confinamiento. Desde el blog MiSTeR MuSiC haré un repaso de los mejores álbumes que se han lanzado durante la primera mitad de este 2020.

4. Chromatica de Lady Gaga.

En su habitual línea de dar pena sacando a la luz enfermedades y traumas pasados, Lady Gaga se ha vendido a sí misma como una de las grandes afectadas por la pandemia del coronavirus al tener que aplazar el lanzamiento de su nuevo álbum, sin embargo no lo ha sido tanto ya que pudo haber lanzado el disco en las fechas originales sin mayor problema puesto que otros cantantes lo han hecho con gran éxito (como Dua Lipa) pese a la disminución de la promoción debido a razones obvias. Lady Gaga tenía previsto publicar su sexto disco de estudio, Chromatica el pasado 10 de abril pero decidió posponer su lanzamiento hasta que las circunstancias fueran más propicias, sin embargo en un arranque muy coherente por su parte el álbum vio la luz a finales de mayo, cuando la pandemia sacudía fuertemente a Estados Unidos, el mercado más importante para la polémica cantante. Dejando a un lado esta incoherente estrategia comercial, nos encontramos ante uno de los discos más esperados del año ya que tras su coqueteo con el Country y el pop/rock de ‘Joanne’ y su participación en la banda sonora de ‘A Star Is Born’, donde continuó con su imagen de artista seria y madura, con su nuevo álbum Lady Gaga ha regresado a sus raíces pop y ha rescatado de nuevo su imagen extravagante. Chromatica abandona las baladas dramáticas como ‘Shallow’ para centrarse exclusivamente en temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House. Aprovechando el momento nostálgico que vive el pop actualmente y al igual que Dua Lipa se inspiró en el sonido Disco de los años 70 y 80, Lady Gaga se ha influenciado del Dance y House que triunfaban en los 90 para dar forma su nuevo trabajo, que reduce el relleno al mínimo y está formado por temas dirigidos a las pistas de baile aunque la temática vaya más encaminada a mostrarnos cómo ha superado las adversidades y los duros momentos del pasado. El primer single del álbum, ‘Stupid Love’ llegó en febrero y aunque resultaba marchoso y pegadizo no dejaba de ser un tema poco arriesgado e innovador que muchos tacharon de básico y menos eficaz que sus habituales primeros singles. Tras la tibia acogida de ‘Stupid Love’ (que fue un éxito en ciertos países pero marcó mínimos en la carrera de Lady Gaga en otros importantes mercados) y coincidiendo con la publicación del álbum, la artista neoyorquina sacó todos los tanques y nos ofreció su esperada colaboración con Ariana Grande en ‘Rain On Me’, un bailable tema dance-pop y House que esta vez sí la devolvió al #1 en las listas de ventas. Chromatica contiene grandes temas que pueden pueden ser singles muy potentes como Replay, Free Woman, Fun Tonight o 911 y supera ampliamente la calidad de Joanne y Artpop, de ahí que lo considere uno de los mejores discos del año, aunque se tiene que conformar con el cuarto puesto. Puntuación: 7’5/10.

All Monsters Are Human 3. All Monsters Are Human de K. Michelle.

El 31 de enero resultó ser un día de extrema competencia en el mundo de la música ya que se produjeron numerosos lanzamientos de discos de importantes artistas como Kesha, Meghan Trainor, Louis Tomlinson o nuestra protagonista, K. Michelle. La cantante nacida en Memphis publicó su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters Are Human, que tomaba el relevo a «Kimberly: The People I Used To Know», lanzado en 2017, lo que supuso el lapso de tiempo más amplio entre disco y disco dentro de su carrera, ya que desde sus inicios en el mundo de la música se ha caracterizado por su gran agilidad al lanzar álbumes. En la actualidad K. Michelle es una de las pocas cantantes que podemos encuadrar dentro del R&B más tradicional y clásico puesto que dicho género se ha visto influenciado durante los últimos años por la música electrónica y el desmedido uso de los sintetizadores y ha perdido parte de su esencia y sus orígenes, sin embargo la cantante de Tennessee se ha mantenido fiel al R&B de los años 90 y 2000 y es una de las escasas representantes del ‘verdadero R&B’ que ha ido desapareciendo a lo largo de los años. «All Monsters Are Human» está formado por 13 temas compuestos por la propia Kimberly y destaca por el hecho de que es su primer trabajo como artista independiente tras dejar su antigua discográfica por los resultados tan mediocres que cosechó su último disco. Dentro del álbum podemos encontrar las clásicas baladas R&B/Soul por las que es conocida K. Michelle como ‘That Game’ o ‘The Worst’ además de otros originales temas como ‘Just Like Jay’, que se trata de un medio tiempo pop/R&B con cierta influencia Country o ‘Love On Me’, un animado tema pop/R&B que supone el momento más up-tempo del álbum. El primer single del álbum fue ‘Supahood’, un marchoso tema R&B/Hip-Hop con influencia Trap que contaba con la participación de las raperas City Girls y Kash Doll y donde la cantante mostraba su lado más urbano y tras él llegó ‘The Rain’, una fantástica balada mid-tempo producida por Jazze Pha que nos trae de vuelta la verdadera esencia del R&B. Tras el pequeño tropiezo que supuso su anterior disco «Kimberly: The People I Used To Know», el cual era excesivamente largo, algo aburrido y resultaba menos sólido y consistente que sus tres magníficos primeros discos, con «All Monsters Are Human» la cantante ha recuperado su habitual nivel y nos encontramos ante un trabajo de gran calidad en el que no sobra ningún tema y donde podemos disfrutar de la maravillosa voz de Kimberly y sus habilidades como compositora en las que relata todas las experiencias por las que ha pasado durante estos últimos años. Puntuación: 8/10.

2. After Hours de The Weeknd.

Aunque The Weeknd publicó su cuarto álbum de estudio After Hours el 20 de marzo, cuando comenzaba el confinamiento en varios países europeos y la pandemia avanzaba a pasos agigantados, gran parte de la promoción del mismo se había producido los meses anteriores y los dos singles lanzados ya llevaban un tiempo en los primeros puestos de las listas de venta, por lo que su publicación en una fecha tan arriesgada no le pasó factura a las ventas del mismo. After Hours debutó en el #1 de la lista americana con más de 400 mil unidades vendidas (incluyendo más de 250 ejemplares de ventas puras, es decir en formato físico y digital) convirtiéndose en uno de los debut más importantes del año en Estados Unidos y su tercer disco #1 consecutivo. Gran parte del éxito logrado por el álbum se debió a la excepcional respuesta por parte del público de los dos primeros singles, que vieron la luz en noviembre del año pasado. Primero llegó ‘Heartless’, un enigmático medio tiempo R&B/Trap en el que el artista canadiense admitía que tras la ruptura con su ex-pareja había vuelto a su vida disoluta de soltero desalmado. Este single de sonido urbano encajaba mejor con los gustos americanos y debutó en el #1 de la lista de singles de Estados Unidos (su cuarto ‘chart topper’) sin embargo The Weeknd tenía guardado otro as en la manga de cara al mercado internacional. Un par de días después de lanzar ‘Heartless’ llegó ‘Blinding Lights’, un marchoso tema synth-pop y dance-pop de corte retro inspirado en el estilo new-wave de los años 80 y producido por el rey Midas del pop Max Martin. ‘Blinding Lights’ recuperaba el carácter up-tempo y comercial de su hit ‘Can’t Feel My Face’, recibió grandes críticas de los expertos por su naturaleza bailable, superó todas las expectativas y se ha convertido en uno de los temas más importantes de lo que llevamos de año. ‘Blinding Lights’ sigue liderando actualmente la lista de singles más vendidos a nivel mundial y ha alcanzado el #1 en más de 20 países incluyendo Estados Unidos, Australia, Francia, Alemania, Reino Unido o España. El tercer single, ‘In Your Eyes’, llegó una semana después del lanzamiento del álbum y se trataba de otro marchoso tema synth-pop de sonido retro influenciado por la música Disco. «After Hours» combina las dos facetas musicales que posee el cantante: por una parte el R&B alternativo con influencia Trap al que estamos acostumbrados los seguidores originales de The Weeknd y por otra el sonido dance-pop y synth-pop a través de temas más comerciales de carácter up-tempo con los que amplió su popularidad y conquistó a un público masivo. Aunque con su anterior álbum «Starboy» The Weeknd había puesto el listón muy alto, «After Hours» sigue manteniendo su gran calidad y por ello ocupa la medalla de plata en este repaso a los mejores álbumes lanzados durante la primera mitad del 2020. Puntuación: 8/10.

1. Future Nostalgia de Dua Lipa.

Una de las artistas que más se ha visto afectada por la inusual situación que vivimos ha sido sin duda Dua Lipa, la cual tenía pensado lanzar su esperado segundo álbum de estudio a principios del mes de abril, pero debido a la filtración de todo su contenido en internet su discográfica decidió adelantar una semana su publicación y finalmente vio la luz el 27 de marzo, cuando el coronavirus estaba en su peor momento en Europa y muchos de los países cerraban fronteras para detener la pandemia. A través de sus redes sociales, una Dua Lipa rota y llorando comunicaba a sus seguidores que el álbum se iba a publicar una semana antes de lo previsto en pleno inicio de la pandemia, pero lo que no sabía en ese momento es que Future Nostalgia se beneficiaría en gran medida de ser una de las pocas artistas que lanzaba nueva música durante aquellas fechas. «Future Nostalgia» debutó en el #2 de la lista británica casi empatada en cifras con el grupo 5 Seconds of Summer, quienes consiguieron llevarse el gato al agua, sin embargo gracias al alto nivel de streaming en su segunda semana a la venta ascendió al #1 convirtiéndose en el primer disco de la cantante de ascendencia albanesa que conseguía llegar al puesto de honor en Reino Unido. En el resto del mundo Future Nostalgia fue un auténtico éxito y ocupó el top 5 en todos los mercados importantes incluyendo Estados Unidos, donde alcanzó el #4, su mejor posición hasta la fecha. El segundo álbum de estudio de Dua Lipa se alejaba del EDM (Electronic Dance Music) y el Tropical House de su primer álbum para profundizar en un sonido Disco, dance-pop y electropop inspirado en la música de baile de los años 80 y 90 de artistas como Kylie Minogue o Madonna. «Future Nostalgia» es un álbum muy breve de sólo 11 canciones y apenas media hora de duración pero no contiene ningún relleno y está formado por temas up-tempo de corte retro con el objetivo de sonar atemporal y fuera de las modas imperantes. «Future Nostalgia» fue aclamado por la crítica por su carácter bailable y desenfadado y se ha convertido en uno de los discos con mejores críticas de lo que llevamos de año. «Future Nostalgia» se merece el puesto de honor en este repaso a los mejores álbumes lanzados hasta la fecha ya que incluye joyas pop como los tres primeros singles, ‘Don’t Start Now’, Physical o Break My Heart y otras canciones tan interesantes como ‘Love Again’ o ‘Levitating’ que tienen todas las papeletas para ser futuros singles por su gran calidad. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Chromatica» de Lady Gaga

mayo 29, 2020febrero 8, 2025deividtoxic3 comentarios

Chromatica La pandemia del coronavirus ha afectado a muchos sectores de la economía, entre ellos la industria musical, que ha visto cómo desaparecía su principal fuente de ingresos: las giras de conciertos, las cuales desde hace años superan ampliamente las ganancias provenientes de la venta de discos. Una de las artistas que se ha visto afectada por la pandemia global ha sido Lady Gaga, quien el 10 de abril debía publicar su nuevo trabajo discográfico, Chromatica, sin embargo debido a las circunstancias decidió posponer su lanzamiento y finalmente confirmó que vería la luz el 29 de mayo. Los artistas que tenían previsto publicar álbumes durante la época del confinamiento o bien han optado por mantener las fechas de publicación actuando con gran valentía y generosidad de cara a sus fans (como Dua Lipa con «Future Nostalgia», que se ha beneficiado de ser una de las pocas cantantes pop en lanzar disco durante la pandemia) o por el contrario han pospuesto indefinidamente sus respectivos trabajos hasta que las circunstancias sean más propicias, sin embargo la decisión de Lady Gaga de retrasar el lanzamiento de su disco tan sólo un mes y medio después no deja de resultar contradictorio e incoherente ya que la situación sanitaria actual sigue siendo la misma (de hecho es peor en Estados Unidos, donde ahora se encuentra el principal epicentro de la pandemia) lo cual no facilita la promoción de su nuevo trabajo, por ello la opción más lógica hubiera sido lanzar «Chromatica» en su fecha original, antes de que el ‘hype’ por el primer single se desvaneciera y hubiera que sacar todos los tanques para acaparar la atención del público. Centrándonos en el aspecto musical, «Chromatica» destaca por el hecho de que la cantante neoyorquina vuelve al pop electrónico de sus inicios tras su participación en la banda sonora de «A Star Is Born» y su último disco de estudio «Joanne», en los que coqueteó con el Country y el pop/rock, por lo que tendríamos que remontarnos a 2013 con «Artpop» para dar con su último disco pop en sentido estricto. «Chromatica» está formado por 16 canciones up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House de los años 90 que nos devuelve a la Lady Gaga más alegre y divertida, reminiscencia de «Born This Way» o «The Fame». Como suele ser habitual, la controvertida artista ha compuesto todos los temas presentes en el álbum bajo la producción de BloodPop, Burns, Skrillex o Axwell. Cabe destacar que al igual que «Artpop» y «Joanne», «Chromatica» no cuenta con input por parte de RedOne, el responsable de sus mayores éxitos y que imprimió un vanguardista sonido electropop con el que triunfó en todo el mundo.

El single presentación del álbum fue Stupid Love, un marchoso tema dance-pop y electropop con influencias House compuesto junto a Max Martin y producido por BloodPop. Este tema recibió opiniones muy variadas por parte de los expertos musicales: por una parte se alabó su naturaleza desenfadada y bailable y su vuelta al típico sonido de ‘Born This Way’ pero por otra se criticó el hecho de ser un tema muy genérico que no ofrecía nada nuevo al panorama musical. ‘Stupid Love’ tuvo un buen desempeño comercial en las listas de venta de Estados Unidos, Australia o Reino Unido, donde ocupó el top 10, sin embargo en otros importantes mercados como Francia, Alemania o España pasó muy desapercibido y estuvo muy lejos de las posiciones que suelen ocupar los primeros singles de Lady Gaga. Una semana antes del lanzamiento de Chromatica se ha lanzado el segundo single, Rain On Me, que se trata de la esperada colaboración con Ariana Grande que tanto se había rumoreado meses atrás. ‘Rain On Me’ es un tema dance-pop con influencia House y Disco que está compuesto por ambas artistas junto a Rami y producido por BloodPop y Burns en el que las dos cantantes hablan de superar las adversidades y todos los problemas a los que se han enfrentado (recordemos que Lady Gaga sufrió de fibromialgia y Ariana se enfrentó a una depresión tras el atentado terrorista en uno de sus conciertos). Este tema, que celebra «todas las lágrimas derramadas durante los malos momentos», no tiene demasiadas pretensiones ya que su objetivo es hacer bailar y disfrutar de dos de las voces más conocidas del mundo del pop, sin embargo nuevamente resulta un tema muy básico en el que no han arriesgado demasiado puesto que resulta similar a los temas dance-pop de Ariana como ‘Break Free’. Con toda seguridad ‘Rain On Me’ alcanzará el #1 en las principales listas de venta pero será gracias a la colaboración de la joven cantante de Florida, que está viviendo su mejor momento profesional desde ‘Thank U, Next’ y todo lo que toca lo convierte en oro, lo que no deja de resultar una medida un tanto desesperada por parte de Lady Gaga para conseguir el ansiado #1 que no logró con ‘Stupid Love’.

Un día antes del lanzamiento de «Chromatica» se desveló el sencillo promocional ‘Sour Candy’, que se trata de un potente tema House/Dance que cuenta con la colaboración del grupo femenino coreano Blackpink, recuerda a ‘Swish Swish’ de Katy Perry y tiene muchas posibilidades de convertirse en nuevo single por su pegadizo ritmo y sus letras. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Free Woman’, un bailable tema Dance/House en el que Lady Gaga nuevamente reivindica la independencia y libertad de ser lo que queramos ser, temática que ha utilizado en numerosas ocasiones durante su carrera, ‘911’, un enérgico tema electropop que podría encajar dentro de la atmósfera de «The Fame» por la manera de cantar y el efecto robotizado en su voz o ‘Enigma’, un tema Dance/House en el que declara que es una incomprendida y su personalidad todavía resulta un enigma. También merece la pena reseñar ‘Fun Tonight’, otro marchoso tema Dance que habla de una relación que hace aguas y en el que hace referencia a su disco «The Fame» («amas los Paparazzi, amas la fama») o el pegadizo ‘Replay’, que cuenta con gran influencia de la música House de los 90 y recuerda a la Madonna más bailable y discotequera de ‘Deeper and Deeper’. Uno de los temas más experimentales del álbum es ‘Sine From Above’, en el que participa su amigo Elton John y cuenta con los créditos de Axwell e Ingrosso (componentes de Swedish House Mafia) en la composición.

Al igual que ocurría con «Future Nostalgia» de Dua Lipa, el nuevo trabajo de Lady Gaga está formado por temas up-tempo dirigido a las pistas de baile donde no hay espacio para las baladas y cuenta con influencias ‘nostálgicas’ (en el caso de Dua Lipa el sonido Disco y en Gaga el House) pero actualizado a los tiempos que corren. Dejando a un lado la habitual tendencia de Lady Gaga a victimizarse por sus enfermedades y todos los problemas que ha sufrido en el pasado a través de sus letras y su intento de lanzar al mundo himnos de empoderamiento y auto-aceptación, estamos ante uno de los álbumes más sólidos, consistentes y cohesivos dentro de la carrera de la cantante y en conjunto resulta muy superior a «Artpop». En los últimos años, Lady Gaga se ha esforzado en ofrecernos una imagen de artista seria y madura en un intento por abrirse a un público más diverso y adulto (con álbumes como «Joanne» o su participación en «A Star Is Born») que está muy lejos de la imagen extravagante y polémica que nos mostró durante los inicios de su carrera, por lo que la vuelta a su antiguo sonido electrónico y los atuendos excéntricos resulta una táctica un tanto desesperada por contentar a sus ‘Little Monsters’ más que una evolución natural. Pese a todo, el álbum cuenta con un gran número de temas marchosos y divertidos para hacernos bailar y disfrutar, que es el punto fuerte de la artista y donde nunca nos decepciona. Temas imprescindibles: Rain On Me, Replay, Free Woman, Fun Tonight, 911, Enigma y Stupid Love. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Glitter» de Mariah Carey

mayo 4, 2020febrero 11, 2025deividtoxic2 comentarios

Mariah Carey hizo su debut como protagonista en el mundo del cine en 2001 con la película Glitter, en la cual interpretaba a Billie Frank, una joven corista y bailarina neoyorquina que soñaba con abrirse un camino en el mundo de la música. Pese a no ser una película autobiográfica, «Glitter» tenía varios puntos en común con la historia personal de Mariah Carey y aunque la cantante puso todo su empeño en ella, resultó un fracaso comercial y la crítica se ensañó con su interpretación. Además de participar en la película, Mariah grabó su banda sonora, que se convirtió en su octavo álbum de estudio. «Glitter» marcaba una divergencia con respecto al habitual estilo de la cantante ya que intentaba recrear el ambiente discotequero de Nueva York en los años 80 y estaba formado por una mezcla de temas up-tempo de estilo Disco, Dance y funk de sonido retro y baladas que incorporaban el habitual estilo de Mariah además de varios temas influenciados por el Hip Hop acompañados de raperos. Jimmy Jam y Terry Lewis fueron los responsables de la mayoría de temas, incluyendo todas las baladas del álbum, aunque también contó con producción adicional por parte de DJ Clue. «Glitter» tuvo la mala suerte de ser publicado el 11 de septiembre de 2001, el día en el que se produjo el trágico atentado a las torres gemelas de Nueva York y según la cantante los críticos utilizaron a «Glitter» para desviar la atención de lo que estaba sucediendo y la utilizaron como ‘punching bag’. El álbum «Glitter» debutó en el #7 de la lista americana (una posición inferior a la de sus anteriores álbumes) y acabó siendo certificado platino con ventas superiores a los 600 mil ejemplares. En el resto del mundo el álbum tuvo un desempeño moderado aunque su comportamiento fue superior en Europa, donde ocupó el top 10 en las listas de venta de Reino Unido, España, Francia o Alemania. Hasta el momento Mariah Carey pertenecía a Columbia, la que había sido su discográfica desde sus inicios en el mundo de la música, pero el divorcio de la cantante con Tommy Mottola en 1997 hizo que la relación entre ambos, ya de por sí tensa desde hacía varios años, se volviera insostenible, lo que provocó que Mariah fichara con Virgin un contrato multimillonario aunque tuvo que pagar una multa a Columbia por rescindir el contrato con la cantante antes de tiempo. «Glitter» fue el único álbum de Mariah bajo el sello Virgin ya que tras las bajas ventas y su mala publicidad por el fracaso de la película, rescindió su contrato valorado en $100 millones.

El single presentación del álbum fue Loverboy, un marchoso tema R&B/pop up-tempo con influencia funk que samplea la melodía de ‘Candy’ de Cameo y resulta muy similar a los típicos primeros singles de Mariah Carey. ‘Loverboy’ se lanzó también en forma de remix junto a los raperos Ludacris, Shawnna y Da Brat (quien es su amiga y participó como actriz secundaria en la película Glitter) aunque recibió peores críticas por la incursión de tantos artistas invitados que hacían que la presencia de Mariah se diluyera. Algunos expertos consideraron a ‘Loverboy’ como una copia sub-estándar de ‘Heartbreaker’. Loverboy alcanzó el #2 en la lista americana (por detrás de ‘Bootylicious’ de Destiny’s Child) gracias a las altas ventas del CD físico sin embargo el bajo airplay en las radios hizo que el single se desplomara rápidamente en la lista Billboard. En el resto del mundo tuvo un buen desempeño comercial: ocupó el top 10 en Australia y Canadá y fue #12 en Reino Unido. Durante la promoción de ‘Loverboy’ en diferentes programas de TV, Mariah Carey mostró un comportamiento errático y extraño y días después fue ingresada por agotamiento extremo y crisis de ansiedad. Cabe destacar que Mariah nunca interpretó ‘Loverboy’ en directo debido al abrupto cese en la promoción del álbum y no fue hasta 2016 durante la gira europea ‘Sweet Sweet Fantasy Tour’ cuando la cantante incluyó ‘Loverboy’ en el set list. En 2018, la campaña #JusticeForGlitter creada por sus fieles seguidores hizo que el álbum llegara al #1 en la lista iTunes de Estados Unidos y durante el ‘Caution Tour’ Mariah incorporó un medley con varias canciones del álbum incluyendo ‘Loverboy’.

Como segundo single se lanzó Never Too Far, una balada mid-tempo pop/R&B de desamor que destaca por su emotividad y la magistral ejecución vocal de Mariah. Este tema es interpretado por el personaje de Billie al final de la película durante su concierto en el Madison Square Garden de Nueva York tras enterarse que su pareja acaba de ser asesinada. Pese a ser una de las mejores canciones del álbum y recordar a sus grandes baladas de los años 90, ‘Never Too Far’ resultó un fracaso comercial: no logró entrar en la lista americana y apenas ocupó el top 40 en Australia, Italia y Reino Unido. España se convirtió en uno de los mercados más receptivos a Glitter y ‘Never Too Far’ alcanzó el #16, la mejor posición del single alrededor del mundo. Debido a la complicada situación personal de Mariah Carey durante su lanzamiento como single, ‘Never Too Far’ no recibió promoción ni se grabó un videoclip, por lo que tuvo que utilizarse la actuación de Billie en la película como videoclip del tema. Como último sencillo del álbum en tierras americanas y doble single de Cara-A junto a ‘Never Too Far’ en el resto del mundo se lanzó Don’t Stop (Funkin’ 4 Jamaica), un tema funk/Hip-Hop up-tempo que contaba con la participación del rapero Mystikal. Este tema fue de los pocos que Mariah grabó exclusivamente para el álbum al margen de la película y no contó con ninguna promoción por lo que no entró en la lista americana. Su elección como single fue de lo más desacertado puesto que es una de las canciones más flojas del álbum.

Mariah Glitter Aunque «Glitter» destaca por su estilo up-tempo y su sonido Disco/Dance, el punto fuerte del álbum en mi opinión son las baladas y en concreto podemos encontrar tres muy interesantes: la anteriormente mencionada ‘Never Too Far’, ‘Lead the Way’ y ‘Reflections (Care Enough)’. ‘Lead the Way’ fue compuesta en 1997 por Mariah junto a su habitual colaborador Walter Afanasieff (artífice de sus mayores éxitos) durante las sesiones de grabación del álbum «Buttferly». Tras componer ‘Lead the Way’ ambos dejaron de trabajar juntos debido a diferencias creativas pero el tema fue rescatado durante la grabación de «Glitter» y Mariah lo grabó bajo la producción de Jimmy Jam & Terry Lewis. ‘Lead the Way’ es una balada a piano en la que la cantante alcanza la nota más larga de su carrera (18 segundos) y pese a su gran calidad es una de sus baladas más infravaloradas. ‘Reflections (Care Enough)’ también es interpretada durante la película en la secuencia en que Billie está componiendo un tema sobre el abandono de su madre cuando era una niña y se trata de una de las baladas más personales de Mariah. ‘Reflections’ fue lanzado como sencillo promocional del álbum de manera muy limitada en algunos territorios. De entre los temas up-tempo destacan ‘Didn’t Mean To Turn You On’, un marchoso tema Disco/funk compuesto por Jimmy Jam & Terry Lewis que es interpretado en diferentes ocasiones de la película porque se trataba del single debut de Billie. Mariah Carey grabó una versión del famoso tema Disco ‘Last Night a DJ Saved My Life’ que contaba con la participación de los raperos Busta Rhymes y Fabolous. Este tema, pese a su naturaleza desenfadada y pegadiza melodía, se trataba de una versión algo desafortunada debido a sus más de 6 minutos de duración y la escasa presencia de Mariah por la incursión de los artistas invitados.

Mientras que la película fue atacada despiadadamente por la crítica, el álbum recibió mejores opiniones, sobretodo las baladas y los temas Disco ambientados en los años 80, aunque se criticó que la imagen de Mariah Carey durante la era «Glitter» se había abaratado en un intento desesperado por resultar provocativa. En su momento «Glitter» se convirtió en el disco ‘maldito’ de la cantante (pese a que lo consideró uno de sus mejores trabajos) y fue ignorado en sus giras de conciertos, sin embargo con el paso de los años algunos expertos alabaron el contenido del álbum por su homenaje a la música Disco y los fans de la cantante han intentado devolver la dignidad a uno de los álbumes más infravalorados e injustamente tratados de la música pop con campañas como #JusticeForGlitter. Teniendo en cuenta que fue publicado tras «Rainbow», el álbum con el que empecé a seguir a Mariah Carey y que se encuentra entre mis preferidos de su discografía, «Glitter» supuso una decepción, sin embargo a lo largo de los años y tras escucharlo en profundidad ha mejorado mi percepción sobre él. Temas imprescindibles: Never Too Far, Lead the Way, Didn’t Mean to Turn You On, Reflections y Loverboy. Puntuación: 7’5/10.