La escena del pop en sentido estricto (también llamado bubblegum pop, por dirigirse al público adolescente) que triunfó durante los años 90 y principios de la década del 2000 gracias al fenómeno fan y artistas de la talla de Spice Girls, Aqua, Backstreet Boys, Britney Spears o Christina Aguilera, en la actualidad se encuentra prácticamente desierta ya que la nueva generación de jóvenes (que son los que más música consumen) en su mayoría han dejado de escuchar este tipo de pop comercial para decantarse por otros géneros populares hoy en día como el Trap o el reggaeton. Debido a este cambio de tendencia, muchas de las grandes figuras pop que triunfaron durante aquella época, e incluso otros artistas que iniciaron su carrera posteriormente (como Kesha o Katy Perry) han iniciado una espiral decreciente en su éxito y la viabilidad comercial de su música está prácticamente reducida a sus más fieles seguidores. Una de las pocas artistas encuadrada actualmente dentro del pop más «puro» es la protagonista de este post, Ava Max, quien desde que lanzó en 2018 Sweet But Psycho, el cual alcanzó el #1 en más de 20 países de todo el mundo y la situó como una de las cantantes más prometedoras del panorama musical, ha seguido ofreciéndonos fantásticos singles pero que no han logrado conseguir el nivel de éxito del primero. Tras Sweet But Psycho (que acumula casi 1000 millones de reproducciones en Spotify) en 2019 llegaron So Am I, que por el efecto arrastre fue moderadamente exitoso en Reino Unido o Australia pero no obtuvo posiciones tan altas en las listas de venta, el pegadizo Torn o el sencillo promocional Salt, el único que no contó con videoclip promocional, sin embargo la cantante de ascendencia albanesa fue posponiendo ‘sine die’ el lanzamiento de su álbum debut, haciendo que el ‘hype’ por ella se desvaneciera y su popularidad fuera disminuyendo. Ya en 2020 Ava Max continuó desvelando nuevos singles, como el magnífico Kings & Queens, que recuperaba el sonido dance-pop y electropop típico de los comienzos de Lady Gaga (con la que ha sido comparada hasta la saciedad tanto por su música como por su imagen) y gracias al cual anotó su tercer top 20 en las Islas Británicas, uno de los mercados mas receptivos para la cantante nacida en Wisconsin. Hace tan sólo unos días Ava Max por fin ha desvelado que su primer álbum de estudio verá la luz el próximo mes de septiembre, nada más y nada menos que dos años después de Sweet but Psycho, bajo el título de Heaven & Hell. Este álbum incluirá los 5 sencillos anticipo que la cantante de 26 años ha ido lanzando durante estos últimos tiempos además de un nuevo single, Who’s Laughing Now, que se trata de otra fabulosa pieza de pop que cuenta con un particular sonido de silbido y está nuevamente producido por su habitual colaborador Cirkut. Este tema nos recuerda al pop de fabricación sueca que triunfó durante los años dorados del pop de finales de los 90 de grupos como Ace of Base y en cuyas letras hace frente a quienes la criticaron y no la apoyaron en sus inicios y ahora es ella «la que ríe la última». Aunque muchos encuentren a Ava Max un producto desfasado y genérico que no tiene cabida en la música de hoy en día y hayan criticado su anticuada imagen, desde el blog MiSTeR MuSiC he apoyado a la joven cantante desde sus comienzos porque ha lanzado una sucesión de singles de gran calidad que muchos artistas pop envidiarían y nos transportan al pop de hace dos décadas que personalmente considero el mejor de la historia de la música.
Autor: deividtoxic
Melanie C anuncia nuevo álbum
Melanie C ha demostrado ser la componente de Spice Girls más comprometida con el mundo de la música y la única que a lo largo de los años se ha labrado una sólida y exitosa carrera en solitario. Prueba de ello son los 7 álbumes de estudio que ha publicado desde 1999, haciendo de ella la Spice con más discos en el mercado y la única que en la actualidad sigue demostrando su pasión por cantar y crear nuevas canciones (con permiso de Emma Bunton, quien publicó álbum el año pasado). Tras la triunfal pero breve gira de Spice Girls del año pasado con la que recorrieron Reino Unido, Melanie Chisholm retomó su carrera como solista y viajó por todo el mundo participando en las celebraciones del ‘Orgullo Gay’ de Brasil, España, Suecia o Alemania junto al grupo de Drag Queens Sink The Pink, con quienes precisamente participó en el single High Heels, un marchoso y bailable tema dance-pop con el que animó a todos los asistentes de su ‘Pride World Tour’ y lanzó al mundo un mensaje de amor universal y a uno mismo. Este tema seguía la senda musical de su último álbum de estudio, Version of Me, publicado en octubre de 2016 y con el que abandonó su habitual sonido pop/rock para adentrarse en el sonido electrónico. Ya en 2020, Melanie C siguió presentándonos nuevos temas como Who I Am, que se trataba de un fantástico tema electropop y dance-pop muy pegadizo que mostraba a la perfección su talento vocal y como compositora y hablaba sobre la auto-aceptación. Who I Am estuvo acompañado de un original videoclip ambientado en un museo donde Melanie se paseaba observando esculturas y cuadros de ella en sus diferentes etapas musicales, incluyendo sus icónicos looks de ‘Northern Star’ o como Sporty Spice. En plena pandemia la cantante inglesa ha seguido muy activa en el panorama musical y en mayo lanzó su nueva propuesta: Blame It On Me, otro potente tema dance-pop y electropop con influencia Disco en el que relata una relación tóxica. Esta misma semana, Mel ha anunciado nuevo single y la publicación de su nuevo álbum para el próximo mes de octubre. Su octavo álbum de estudio se llamará simplemente Melanie C, cuyo título hace referencia a que las experiencias vividas durante estos últimos años le han servido para saber quién es como persona y artista. El álbum contendrá 10 canciones que hablan sobre auto-empoderamiento y aceptación de uno mismo e incluirá todos los singles que ha ido lanzando estos últimos meses además de In and Out of Love, que se pondrá a la venta en las plataformas digitales este viernes. Desde el blog MiSTeR MuSiC estaremos muy atentos al nuevo álbum de Sporty Spice, la más talentosa de todas las componentes del famoso quinteto pero cuya carrera ha estado muy infravalorada por el público en general pese haber lanzado una serie de singles más que dignos.
Throwback Review: «Miss Thang» de Monica
Hace unos días se han cumplido 25 años del lanzamiento del álbum debut de la cantante Monica, uno de los clásicos del R&B de los años 90, por lo que haré una crítica en retrospectiva de este legendario disco. Monica Arnold nació en una familia muy vinculada al mundo de la música ya que su madre cantaba en el coro de la iglesia y entre sus primos se encuentran el famoso rapero Ludacris y el productor musical Polow da Don, por lo que a nadie le sorprendió que decidiera formar parte de este mundo y a una temprana edad comenzó a cantar en el coro de la iglesia al igual que su madre. Con apenas 11 años Monica fue descubierta por el productor Dallas Austin mientras interpretaba el clásico de Whitney Houston ‘The Greatest Love of All’ en un auditorio de Atlanta y sorprendido por la magistral actuación de la joven y sus habilidades vocales decidió ficharle en su discográfica y darle la oportunidad de cumplir su sueño y grabar un disco. Su primer álbum Miss Thang vio la luz el 18 de julio de 1995 cuando Monica apenas tenía 14 años y fue alabado por la crítica por su madurez y versatilidad y aunque debutó en un discreto top 40 de la lista americana gracias a una acertada selección de singles el álbum tuvo unas ventas muy estables que le permitieron llegar al millón y medio de copias y fue certificado triple platino en Estados Unidos. Miss Thang está formado por medios tiempos, baladas y temas up-tempo encuadrados dentro del R&B clásico de los años 90 con gran influencia del Hip Hop-Soul, pop y el sonido ‘adult contemporary’. La mayor parte de la composición y producción corrió a cargo de Dallas Austin y sus colaboradores Tim & Bob con producción adicional de Soulshock & Karlin y Daryl Simmons y cabe destacar que la joven Monica participó en la composición de un tema del álbum. Desde sus inicios, los expertos musicales destacaron la madurez y confianza en sí misma de Monica pese su temprana edad y fue comparada con el estilo de Toni Braxton y Janet Jackson.
El single presentación del álbum fue Don’t Take It Personal (Just One of Dem Days), un tema mid-tempo R&B y Hip Hop-Soul producido por Dallas Austin que sampleaba dos importantes canciones Hip Hop del rapero LL Cool J y el grupo Public Enemy. ‘Don’t Take It Personal’ resultó un éxito en Estados Unidos: alcanzó el #2 en la lista americana, lideró el componente R&B/Hip-Hop de Billboard y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. Como segundo single se lanzó Before You Walk Out of My Life, una balada mid-tempo R&B con uso prominente de saxofón en el que Monica mostraba su lado más vulnerable y sensible. ‘Before You Walk Out of My Life’ ocupó nuevamente el top 10 en la lista americana y logró el #1 en el componente R&B/Hip-Hop, haciendo de Monica la cantante más joven en la historia de la música en liderar dicho componente con sus dos primeros singles. Este tema se lanzó como single de doble cara A junto a Like This and Like That, uno de los temas up-tempo de influencia Hip Hop-Soul presentes en el álbum. Como último single de «Miss Thang» llegó Why I Miss You So Much, una balada de amor R&B/Soul que alcanzó nuevamente el top 10 en la lista americana y con los años se ha convertido en un clásico de la discografía de la cantante de Atlanta. La primera parte del álbum está compuesta por temas más rítmicos de estilo Hip Hop-Soul como ‘Miss Thang’, donde la cantante hacía toda una declaración de intenciones y la segunda contiene baladas R&B/Soul más convencionales como la versión de ‘Let’s Straighten It Out’ junto a un jovencito Usher que también comenzaba a dar sus primeros pasos en la música.
«Miss Thang» fue uno de los debut más sólidos del R&B de los 90 gracias a su magnífico compendio entre ‘slow jams’ de estilo R&B/Soul y temas rítmicos Hip Hop-Soul y por el indiscutible talento vocal de Monica y supuso el inicio de su exitosa carrera profesional, que alcanzaría años más tarde su punto álgido con el hit ‘The Boy Is Mine’ junto a Brandy, con la que sería comparada hasta la saciedad por parte de los expertos y medios de comunicación debido al paralelismo entre sus carreras y su supuesta rivalidad. Precisamente el debut de Brandy de título homónimo es otro de los álbumes de R&B más representativos de los años 90 y con el que «Miss Thang» guarda ciertas similitudes. Personalmente encuentro superior su siguiente álbum «The Boy Is Mine», sin embargo «Miss Thang» es un más que digno debut que nos retrotrae al magnífico sonido R&B de los 90 y contiene varios de los clásicos de Monica. Puntuación: 7’5/10.
Crítica de «What’s Your Pleasure?» de Jessie Ware
Durante los últimos meses hemos presenciado un resurgimiento del sonido Disco y en general de la música de baile que triunfó en las décadas de los 80 y 90 gracias a artistas pop como Dua Lipa, The Weeknd o Lady Gaga, quienes con sus recientes trabajos discográficos han sido responsables de llevar al mainstream el clásico sonido discotequero y se han convertido en los cantantes más triunfadores durante los meses de confinamiento por la pandemia del coronavirus al lanzar importantes singles que se han colado en los puestos más altos de las listas de venta. Otra de las artistas que también se ha influenciado de esta corriente dentro del pop ha sido Jessie Ware, una cantante inglesa muy popular en Reino Unido, donde ha logrado el top 10 con sus tres primeros álbumes, aunque fuera de las Islas Británicas sigue siendo una gran desconocida. A finales del pasado mes de junio Jessie Ware puso fin a su sequía musical y publicó su cuarto álbum de estudio, titulado What’s Your Pleasure?, tras año y medio lanzando singles como anticipo del mismo. «What’s Your Pleasure» es un álbum muy ecléctico de sonido retro, compuesto principalmente de temas up-tempo que incorporan elementos Disco, dance-pop, funk, House, R&B y Soul. Este trabajo está formado por 12 temas compuestas por la propia Jessie Ware y toma el relevo a «Glasshouse», su tercer trabajo discográfico, el cual vio la luz en 2017 y vino marcado por su reciente maternidad y una mayor madurez como artista. A principios de 2019 la cantante londinense desveló el primer aperitivo de su nuevo álbum, Adore You, que se trata de una sofisticada pieza de synth-pop y dance-pop de producción minimalista que destaca por la suave y sensual voz de Jessie. Ya en 2020 llegó Spotlight, el single que realmente representaba la esencia del álbum y vino acompañado de un videoclip promocional grabado en un lujoso tren propiedad del antiguo presidente de Yugoslavia. Spotlight comienza como una dramática balada para transformarse rápidamente en un elegante tema Disco/House que nos transportaba a las pistas de baile del Nueva York de los años 80. En plena pandemia Jessie Ware siguió presentándonos nuevos singles como Oh La La, un marchoso tema Funk producido por James Ford o Save a Kiss, un pegadizo tema dance-pop y electropop con influencia Disco que resulta uno de los momentos más up-tempo y bailables del álbum.
«What’s Your Pleasure?» se puede escuchar en su totalidad sin saltar ningún tema ya que resulta muy equilibrado y aunque es un disco eminentemente up-tempo en la segunda parte el ritmo comienza a bajar y podemos encontrar un par de temas más calmados pero que no desentonan con el resto del álbum, como ‘The Kill’, un elegante tema electropop de carácter mid-tempo y sonido ambiental o la única balada presente, ‘Remember Where You Are’, que recupera el R&B/Soul de sus inicios y cierra el álbum. Entre mis temas favoritos se encuentran ‘What’s Your Pleasure?’, el tema que da título al disco y resulta un marchoso tema electropop de sensuales letras o ‘Soul Control’, un alegre y divertido tema Disco/funk. En resumen, pese al extraño año que estamos viviendo han aparecido grandes álbumes que nos han permitido evadirnos de la realidad y disfrutar de buena música de baile, como es el caso de What’s Your Pleasure?, un sofisticado y elegante álbum de pop que suena atemporal y fuera de las modas imperantes y está inspirado en el sonido electrónico y Disco de los años 70 y 80. Si te gustó el estilo eminentemente electropop de álbumes como «Electra Heart» de Marina o «Body Talk» de Robyn o eres seguidor de las cantantes Kylie Minogue y Sophie Ellis-Bextor en su versión más Disco, sin duda disfrutarás del nuevo trabajo de Jessie Ware, una cantante y compositora muy talentosa que todavía no ha logrado despuntar y sin duda merece más éxito del que ha tenido. En definitiva, «What’s Your Pleasure?» es uno de los mejores álbumes de lo que llevamos del año y profundiza en el sonido Disco que tan de moda se ha puesto recientemente. Temas imprescindibles: What’s Your Pleasure?, Save a Kiss, Soul Control, Spotlight, Ooh La La y The Kill. Puntuación: 8/10.
Katy Perry anuncia la salida de Smile, su nuevo álbum
La era Witness resultó todo un despropósito: desde la horripilante portada del álbum, la disparatada estrategia comercial, la poco acertada elección de los singles, sus polémicas declaraciones y su sobreexposición en los medios de comunicación durante aquella época no sólo hicieron que Katy Perry obtuviese los peores resultados de su carrera y pasase por su momento más bajo de popularidad sino que hicieron mella en salud mental y la obligaron a desconectar durante en tiempo del mundo de la música para encontrar paz espiritual. Es cierto que «Witness» se convirtió en el tercer #1 de la cantante en Estados Unidos y obtuvo buenas cifras en su primera semana, sin embargo las ventas pronto se estancaron debido a la modesta acogida de los singles lanzados, de los cuales sólo destacaron ‘Chained To The Rhythm’, el cual alcanzó el top 5 en la lista americana y ‘Swish Swish’, que se volvió viral debido al famoso baile que aparecía en su videoclip aunque apenas pasó de un top 50. Un resultado francamente decepcionante para una artista de la talla de Katy Perry, la cual venía de conseguir dos sencillos #1 con ‘Prism’ y de encadenar 5 singles #1 con su legendario álbum ‘Teenage Dream’. Tras la gira mundial de ‘Witness’ y debido al desgaste mental sufrido durante la promoción del álbum, la cantante californiana decidió retirarse temporalmente del mundo de la música y una vez que estuvo recuperada comenzó a grabar nuevos temas pero declaró que en esta nueva etapa iba a lanzar canciones «no para los charts sino para el corazón» quedando implícito que su discográfica ya no aspiraba a repetir los éxitos del pasado por lo que daba la libertad a Katy de lanzar las canciones que verdaderamente le gusten, además aseguró que no iba a seguir el estresante patrón de single-álbum-tour del pasado sino que se iba a tomar las cosas con calma y lanzar nuevas canciones una vez que terminara de grabarlas sin intención de publicar disco en próximas fechas.
Tras varias colaboraciones con otros artistas, en mayo de 2019 Katy Perry puso fin a su sequía musical y lanzó Never Really Over, el ‘supuesto’ single anticipo de su nuevo proyecto, todavía sin fecha de publicación ni título definitivo. Se trataba de un alegre tema electropop que contenía una interpolación de una canción de la artista noruega Dagny y estaba producido por Zedd, con quien Katy había colaborado recientemente. Aunque ‘Never Really Over’ no resultó un hit de la talla de ‘California Gurls’ o ‘Roar’, sí supuso un importante avance con respecto al desempeño comercial de los singles de su anterior álbum y dio un respiro a la maltrecha situación comercial que vivía la cantante. ‘Never Really Over’ ocupó el top 10 en Australia o Canadá y alcanzó el top 20 en Reino Unido y Estados Unidos, aunque resultaba la posición más baja de un ‘lead single’ de Katy en tierras americanas, si es que podíamos denominar así a este tema. Unos meses después llegó Small Talk, un coqueto tema synth-pop producido por Johan Carlsson y Charlie Puth que resultaba un buen ‘album track’ pero no terminaba de funcionar como single y prueba de ello fue su mediocre desempeño comercial, con el que regresaba a los peores días de ‘Witness’. Durante el resto del año Katy Perry siguió lanzando singles para tantear el terreno y ver si contaba con suficiente apoyo por parte del público como para poder respaldar la publicación de su ‘hipotético’ nuevo álbum, como Harleys in Hawaii, un tema pop de aire veraniego con influencia reggae que no pasaba más allá de ser el track 10 de un álbum. Ya en 2020 llegó Never Worn White, una insípida balada a piano en cuyo videoclip Katy desveló que estaba embarazada de su primer hijo y meses después mientras el mundo se encontraba sumido en la pandemia del coronavirus lanzó Daisies, acompañado del típico videoclip grabado en el jardín de su casa debido al confinamiento. Daisies se trataba de un tema pop con guitarras acústicas producido por The Monsters & The Strangerz que recibió mejores críticas que sus últimos temas y consiguió un desempeño moderado en las listas de venta.
Esta misma semana, Katy Perry ha revelado que su nuevo álbum de estudio se llamará Smile, será publicado a mediados de agosto y ha desvelado su portada, en la que la cantante aparece como un payaso triste en contraposición con el alegre título del álbum, una imagen que a priori no presagia nada bueno (al igual que cuando presenciamos la horrible carátula de ‘Witness’) sobre el futuro de esta nueva era y nos hace preguntarnos si resultará tan caótica y controvertida como la anterior. En primer lugar la estética circense ha sido explotada hasta la saciedad en el mundo del pop: ejemplos memorables son ‘Circus’ de Britney Spears, ‘Funhouse’ de Pink o ‘Back To Basics’ de Christina Aguilera, y por otra parte, esta estética rompe con la imagen hippy, retro y maternal que Katy nos ha presentado en los singles Never Really Over, Small Talk y Daisies respectivamente, si es que estos temas finalmente pasan a formar parte del ‘track list’ del disco. Después de numerosos singles sin un apoyo masivo por parte del público y una estrategia promocional tan poco centrada y coherente, no sé que le deparará esta era a Katy Perry por lo que tendremos que esperar al 14 de agosto, fecha en que verá la luz Smile, para escuchar el resto del contenido del álbum.
Double Round Review: «Animal» y «Cannibal» de Kesha
Tras iniciarse en el mundo de la música haciendo coros y componiendo para otros artistas, una jovencita llamada Kesha Sebert despuntó en la escena musical gracias a su participación en el single ‘Right Round’ del rapero FloRida, el cual alcanzó el #1 en los principales mercados musicales y supuso el espaldarazo definitivo para iniciar su carrera como cantante. Kesha estuvo trabajando en su debut durante años y publicó su primer álbum, titulado Animal, el 1 de enero de 2010, inaugurando la década de la mejor manera posible. La cantante nacida en Los Angeles se rodeó de importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke (el cual le fichó en su discográfica, se convirtió en su mano derecha y fue el responsable de la mayoría de las canciones), Max Martin, Shellback, Greg Kurstin, Ammo o Benny Blanco, quienes dieron forma a un álbum encuadrado dentro del sonido electropop y dance-pop con gran uso de sintetizadores. El single presentación del álbum fue TiK ToK, un tema electropop sumamente adictivo producido por Dr. Luke en el que Kesha destacaba por su técnica sing-rap y el uso desmedido de Auto-Tune, que se convertirían en la seña de identidad de la cantante durante los primeros años de su carrera. ‘TiK ToK’ sorprendió al público por sus pegadizas letras sobre pasarlo bien, vivir la vida y no dejar que nadie te pisotee mientras que relataba un sueño en el que se despertaba siendo un importante rapero rodeado de bellas mujeres y creyéndose una estrella de la música. ‘TiK ToK’ tuvo un enorme impacto comercial: lideró las listas de venta en más de 20 países de todo el mundo y se convirtió en uno de los temas con mayores ventas digitales de la historia de la música, superando los 10 millones de copias digitales.
Tras la tremenda acogida de ‘TiK ToK’, Kesha demostró que su éxito no era flor de un día y lanzó varios singles que ocuparon nuevamente los primeros puestos en las listas de venta como Your Love Is My Drug, un pegadizo tema dance-pop y electropop en el que la cantante habla de la ruptura con su ex-pareja y la relación de dependencia que sentía hacia él y que ocupó el top 5 en la lista americana o Take It Off, un potente tema electropop y dance-pop que resultaba uno de los momentos más up-tempo y bailables del disco. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran el divertido ‘Party at a Rich Dude’s House’ en el que Kesha contaba su experiencia cuando fue a una fiesta en la casa de Paris Hilton y acabó vomitando en su armario, ‘Dancing With Tears in My Eyes’, que destaca por su uso de instrumentos en vivo como la guitarra dentro de un disco dominado por los sintetizadores o ‘Hungover’, uno de los temas co-producidos por Max Martin en el que la cantante muestra su lado más emotivo y vulnerable y resultaba uno de los momentos más calmados del álbum. Desde un primer momento Kesha destacó por su excéntrica personalidad, su imagen descuidada de ‘party girl’ y sus polémicos comentarios pero sin duda cautivó al público joven gracias a unas canciones divertidas, desenfadadas y dirigidas a las pistas de baile, además fue una de las abanderadas del sonido electropop que tan de moda estuvo a principios de la década pasada. «Animal» no contiene canciones con un profundo componente lírico, sin embargo es un álbum debut sólido y que escuchar en su totalidad sin apenas saltar ningún tema. Puntuación Animal: 8/10.
Como segundo single llegó Blow, un marchoso tema electropop y dance-pop bajo la producción de Dr. Luke y Max Martin que continuaba con su habitual temática de pasarlo bien en la pista de baile. Dentro del nuevo EP destacaban ‘Cannibal’, un original y pegadizo tema en el que la cantante admite «sus instintos asesinos y de caníbal» con los hombres que conoce o ‘Sleazy’, un tema mid-tempo electropop con influencia Hip Hop coproducido por Bangladesh que fue lanzado como sencillo promocional y tuvo un buen desempeño comercial en la lista americana. En resumen, de la misma manera que «The Fame Monster» elevó el álbum debut de Lady Gaga a otro nivel, «Cannibal» fue un todo acierto por parte de Kesha ya que aumentó la gran calidad de «Animal» con nuevos temas muy interesantes. Quizás las letras de sus canciones fueran banales y poco profundas y su voz estaba tan distorsionada por los excesivos trucos de producción que apenas podíamos escuchar la voz real de la cantante californiana, sin embargo Kesha consiguió crear un álbum divertido, alegre y que representaba a la perfección el sonido electropop que triunfaba durante aquellos años y del cual Lady Gaga y Kesha fueron las máximas representantes. Puntuación Animal + Cannibal: 8/10.
Gracias al gran éxito del primer single, «Animal» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes y destacó por su alto porcentaje de ventas digitales, que superaron ampliamente las copias físicas, lo que denotaba cómo el mundo de la música estaba cambiando hacia la era digital. «Animal» terminó el 2010 con más de un millón de ejemplares vendidos en Estados Unidos. En el resto del mundo también tuvo una buena acogida comercial: fue #1 en Canadá y alcanzó el top 10 en Reino Unido, Australia o Alemania y obtuvo con unas ventas a nivel mundial de 9 millones de copias, en su mayoría de formato digital. Gracias a la buena acogida de los 4 singles lanzados, todos los cuales ocuparon el top 10 en la lista americana, «Animal» siguió obteniendo buenas ventas durante el 2010 y a finales de año fue reeditado con un segundo disco compuesto por nuevas canciones inéditas, llamado Cannibal, el cual se puso a la venta como EP independiente en tierras americanas y como parte de la reedición bajo el nombre «Animal + Cannibal» en el resto del mundo. «Cannibal» seguía la estela musical de «Animal» y está formado por 9 temas de estilo electropop en los que la cantante continuaba con su peculiar técnica sing-rap y su abuso del Auto-Tune. Kesha siguió confiando en la producción de sus habituales colaboradores Dr. Luke, Benny Blanco, Ammo y Max Martin. El single presentación de «Cannibal» fue We R Who We R, un pegadizo tema electropop de sonido futurista en el que Kesha reivindicaba su excéntrica personalidad y resultaba un himno de auto-aceptación y empoderamiento. Este tema producido por Dr. Luke recibió buenas opiniones de los expertos por su carácter desenfadado y bailable aunque también le llovieron críticas por resultar muy similar a sus anteriores singles. ‘We R Who We R’ tuvo un gran impacto comercial en Estados Unidos y se convirtió en el segundo #1 de Kesha como solista tras ‘TiK ToK’ y en el resto del mundo también tuvo una gran acogida y lideró las listas de venta en Australia o Reino Unido.
Crítica de «King of R&B» de Jacquees
Tras participar en numerosos talent shows y lanzar varios EP’s y mixtapes en un intento por conseguir su sueño de ser un cantante famoso, Jacquees hizo su debut con «4275», su primer álbum de estudio, en el que se rodeó de importantes nombres de la industria musical como Chris Brown, Trey Songz o Jermaine Dupri, ocupó el top 40 en la lista Billboard y contó con el single ‘You’, con el que alcanzó su mejor posición en la lista americana de singles. Meses después, el cantante de Decatur (Georgia) causó gran revuelo en los medios de comunicación y redes sociales debido a unas controvertidas declaraciones en las que se auto-denominaba el ‘Rey del R&B’ de su generación, lo que provocó numerosas reacciones, críticas y burlas del público y sus compañeros de profesión por tal atrevimiento. Tras estos polémicos comentarios, el joven cantante prosiguió con su carrera musical y a finales del 2019 publicó su segundo álbum de estudio, titulado precisamente King of R&B, el cual está formado por 18 canciones compuestas por el propio Jacquees encuadradas dentro de un R&B contemporáneo con influencia Hip Hop que abandona las tendencias actuales y al igual que su anterior trabajo cuenta con un gran número de artistas invitados entre los que se encuentran los raperos T.I., Lil Baby, Future, Quavo, Young Thug o Gunna y los cantantes Tory Lanez y Summer Walker. Aunque las letras siguen estando centradas principalmente en el sexo, destaca el hecho de que Jacquees intenta profundizar en el tema del amor y las relaciones, por lo que «King of R&B» resulta más maduro que sus anteriores trabajos. El single presentación fue ‘Your Peace’, un marchoso tema R&B up-tempo que cuenta con la participación de Lil Baby y como segundo sencillo se lanzó ‘Verify’, un tema mid-tempo con uso prominente de guitarra en el que aparecen Young Thug y Gunna. Dentro de ‘King of R&B’ destaca el tema que abre el álbum, ‘King’, muy influenciado por el Hip-Hop y con la colaboración de T.I. en el que Jacquees rinde homenaje a «todos los reyes» que le han precedido y se presenta a sí mismo como el último de una larga línea de miembros dentro de la realeza del R&B. Otros interesantes temas son la balada mid-tempo ‘Superstar’ en la que participa la prometedora cantante Summer Walker o el animado ‘Risk It All’ junto a Tory Lanez que recuerda al estilo de Chris Brown.
Los títulos honoríficos en el mundo de la música suelen ser ‘otorgados’ después de muchos años de éxito debido a un arduo trabajo y son fruto del reconocimiento por parte del público y los expertos musicales, por lo que un cantante prácticamente desconocido como Jacquees se atribuya el título de ‘Rey del R&B’ que ostentan artistas consagrados de la talla de Usher o R. Kelly demuestra no sólo su gran ambición (algo que no tiene porqué ser visto como negativo) sino que resulta muy pretencioso por su parte ya que su carrera apenas ha despegado todavía y no ha destacado especialmente dentro del género R&B. En resumen, sin tener el carisma y la voz de R. Kelly, un físico imponente como el de Trey Songz, las tablas de Usher como ‘show man’ o el talento como compositor de Chris Brown, Jacquees no destaca especialmente en ninguna de estas facetas pero ha sido capaz de crear un buen álbum de R&B, que sin ser una obra maestra es un trabajo más que digno que puede competir con los recientes trabajos de sus compañeros de profesión. Además es digno de admirar que haya intentado presentarnos un R&B actual pero con gran uso de instrumentos en vivo y desprovisto del abuso de sintetizadores y el sonido Trap que ha inundado el género durante los últimos tiempos. Puntuación: 7/10.
Crítica de «Translation» de Black Eyed Peas
Tras un largo tiempo desaparecidos de la escena musical, Black Eyed Peas han regresado este mes de junio con su octavo álbum de estudio, titulado Translation, el cual toma el relevo a «Masters of the Sun», lanzado en 2018 de manera muy limitada, sin apenas promoción y que pasó totalmente inadvertido entre el público a diferencia de sus anteriores trabajos discográficos. «Masters of the Sun» era un álbum de Hip Hop de carácter político y social inspirado en la novela del mismo nombre creada por los miembros del grupo y resultaba el primer álbum de Black Eyed Peas como trío tras la marcha de la vocalista Fergie en 2017. Dicho álbum regresaba al estilo Hip Hop de sus orígenes y marcaba una gran divergencia musical con respecto a «The E.N.D.» y «The Beginning», los cuales estaban encuadrados dentro del sonido EDM y dance-pop y contaban con marchosos temas up-tempo de la talla de ‘Boom Boom Pow’, ‘I Gotta Feeling’ o ‘The Time (Dirty Bip)’ que triunfaron en todo el mundo. A priori, el regreso de Black Eyed Peas no presagiaba nada bueno ya que después de 10 años de su último éxito y sin la presencia de Fergie, quien fue responsable de revitalizar la carrera del grupo, podríamos pensar que el trío no encajaría en el actual panorama musical, sin embargo han decidido subirse al carro del éxito que vive la música latina hoy en día para intentar recuperar su momento de gloria del pasado. «Translation» es un álbum muy ecléctico que fusiona su habitual sonido Hip-Hop y dance-pop con géneros tan populares actualmente como el Latin-pop, Trap o reggaeton, ‘fusila’ sin piedad grandes temas del pasado a través de samplers y cuenta con una desproporcionada cantidad de artistas latinos de moda como Maluma, J Balvin, Shakira, Nicky Jam, Ozuna o Becky G, además de otros encuadrados dentro del Hip Hop como French Montana o Tyga. Para no ser acusados de apropiación cultural y subirse tarde y mal al estilo musical del momento, Black Eyed Peas han sacado a relucir los «orígenes latinos» de algunos de sus componentes, que se limitan básicamente a que los padres de Taboo son mexicanos y él habla español, puesto que el miembro más famoso del trío, Will.I.Am (compositor, productor y la voz principal del grupo) es afro-americano nacido en Los Angeles y Apl.de.ap es filipino y lo único latino que tiene es su nombre real, de origen español.
El primer single de «Translation» fue Ritmo, un despropósito de canción que samplea descaradamente el famoso himno Dance de los 90 ‘The Rhythm of the Night’ de Corona y cuenta con la participación del artista de reggaeton J Balvin. ‘Ritmo’, originalmente titulada como ‘Ritmo (Bad Boys for Life)’ debido a su inclusión en la banda sonora de la película de idéntico título protagonizada por Will Smith, es un tema que mezcla Hip Hop, Latin-pop y reggaeton donde J Balvin recurre a los tópicos de las canciones reggateton y menciona a la cantante española Rosalía. Ritmo ha logrado una gran acogida en todos los países de Sudamérica, España o Italia aunque en el mercado anglosajón no ha logrado tal nivel de éxito, sin embargo apenas alcanzó el top 40 en Estados Unidos. Tras ‘Ritmo’ llegó Mamacita, un tema reggaeton que samplea el clásico de Madonna ‘La Isla Bonita’ y en el que participa el cantante puertorriqueño Ozuna. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado como tercer single el extraño tema No Mañana, que se trata de un híbrido que mezcla Dancehall, reggeaton y Hip Hop y resulta irritante debido a la desagradable voz de El Alfa, el artista invitado. Dentro de Translation podemos reseñar ‘Girl Like Me’, un marchoso tema Dancehall que participa Shakira (cuya ejecución vocal es de lo más discutible) y en el que los componentes del grupo establecen su preferencia por las mujeres latinas como la cantante colombiana, ‘Feel The Beat’, que cuenta con la participación de Maluma y samplea el hit de los 80 ‘Can You Feel The Beat’ o ‘Vida Loca’ junto a Nicky Jam y el rapero Tyga en el que los Black Eyed Peas se superan y fusilan el clásico ‘U Can’t Touch This’ de MC Hammer y otro tema de Rick James.
El hecho de que 10 de los 15 temas que componen «Translation» cuenten con artistas invitados, diluyendo en gran medida la verdadera personalidad de Black Eyed Peas, el uso y abuso de samplers tan famosos como ‘La Isla Bonita’ de Madonna o ‘The Rhythm of the Night’ de Corona, unas letras vacías de contenido con un spanglish que chirría y la producción desfasada por parte de Will.I.Am son razones más que suficientes para convertir a este álbum en uno de los más flojos lanzados durante este 2020. Sin embargo las jóvenes generaciones que escuchan reggaeton y siguen a artistas como J Balvin, Becky G, Ozuna o Maluma estarán encantados con este tipo de canciones y al ser los que más música consumen en la actualidad han conseguido que Black Eyed Peas vuelvan a posiciones altas en las listas de ventas que no habrían logrado sin subirse al carro de la música latina. El único punto a favor del álbum es su carácter entretenido, marchoso y apropiado para las pistas de baile, pero no para escuchar en tu día a día. Puntuación: 4/10.
Crítica de «City on Lock» de City Girls
El pasado sábado fue publicado por sorpresa el segundo álbum de estudio de City Girls, titulado City on Lock, tras haberse filtrado todo su contenido en internet, por ello el dúo de raperas de Florida decidieron adelantar su lanzamiento antes de lo que tenían pensado. City on Lock recoge el testigo de Girl Code, el cual fue lanzado en noviembre de 2018 mientras una de dos las componentes, Jatavia Johnson (más conocida como JT) se encontraba en prisión por fraude en tarjetas de crédito. «Girl Code» recibió buenas críticas de los expertos musicales y contó con los exitosos singles ‘Twerk’ y ‘Act Up’, los cuales ocuparon el top 30 en la lista de singles americana y fueron certificados platino en Estados Unidos. Debido al encarcelamiento de JT, la otra componente del dúo, Yung Miami cogió las riendas de City Girls y se esforzó en promocionar el álbum, realizar videoclips y presentar las canciones de «Girl Code» en directo pese a no contar con la presencia de su compañera y amiga. La buena acogida de «Girl Code» dentro del circuito urbano americano aumentó notablemente la popularidad del grupo y sobretodo la de Yung Miami, cuya presencia fue solicitada por numerosos artistas, incluso cuando se encontraba en un avanzado estado de embarazo. En octubre del año pasado, una vez que JT salió de prisión, City Girls entraron en el estudio de grabación para dar forma a «City on Lock», su segundo álbum de estudio y tercer trabajo discográfico, ya que a principios del 2018 lanzaron la mixtape Period. «City on Lock» está formado por 15 canciones de estilo Hip-Hop y Trap con una duración de apenas 2 minutos compuestas por ambas artistas y cuenta con la participación de importantes nombres de la escena Hip Hop como Lil Baby, Yo Gotti, Lil Durk o la prometedora cantante y rapera Doja Cat.
El single presentación del álbum ha sido Jobs, un tema Hip Hop mid-tempo con gran influencia Trap cuya base recuerda a ‘Throw It Back’ de Missy Elliott y en el que hablan de que debido a su éxito en el mundo de la música ya no tendrán que realizar trabajos precarios. En el videoclip del tema, desvelado el mismo día que salió el álbum, Yung Miami y JT son despedidas de su trabajo en una cadena de comida rápida y deciden ganarse la vida creando una cuenta en OnlyFans. En ‘City on Lock’ encontramos sus habituales letras muy explícitas acerca de los hombres sin blanca que intentan acercarse a ellas por su fama y dinero como en ‘Broke Niggas’ donde participa Yo Gotti, reivindicando su sexualidad como en ‘Pussy Talk’ en la que aparece Doja Cat o demostrando que son unas mujeres empoderadas y seguras de si mismas, como en ‘Flewed Out’, con la colaboración de Lil Baby, con quien ya trabajaron en su anterior álbum. Dentro de un año en el que las grandes figuras del Hip Hop han estado ausentes y su lugar lo han ocupado raperos de poca monta sin habilidades para rapear y crear rimas de calidad, es de agradecer que aparezcan álbumes como «City on Lock», que resulta uno de los álbumes de Hip Hop más interesantes del año. Sin embargo JT y Yung Miami tendrán que competir con otras mujeres raperas que vienen pisando muy fuerte como Megan The Stallion o Doja Cat, las cuales han logrado el #1 en la lista americana en fechas recientes, lo que demuestra que el 2020 está siendo el año del Hip Hop femenino. Temas imprescindibles: City on Lock, Jobs, Pussy Talk, Broke Niggas y Flewed Out. Puntuación: 7/10.
Los mejores álbumes del 2020 (1ª parte)
El 2020 está siendo un año extremadamente inusual debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus, la cual ha afectado a todos los sectores de la economía, que se han tenido de adaptar a la profunda crisis que han provocado los meses de confinamiento y el parón de la actividad industrial. El sector del ocio ha sido uno de los más afectados y si nos centramos en la industria musical podemos afirmar que ésta ha sufrido una caída brutal en sus principales fuentes de ingresos, por todos los conciertos y festivales de música que han sido cancelados y la ausencia de ventas de discos en formato físico. Algunos artistas que tenían pensado lanzar sus álbumes durante esta primavera decidieron posponer la fecha de publicación hasta que las condiciones sanitarias «volvieran a la normalidad» y pudieran realizar promoción, mientras que otros valientes siguieron con sus planes originales y lanzaron disco pese a la extraña situación que hemos vivido, algo que es de agradecer y alabar. Aunque este año haya sido atípico desde mediados de marzo y el número de lanzamientos se haya reducido de manera considerable, hemos sido testigo de la publicación de varios álbumes muy interesantes que nos han acompañado durante los duros momentos del confinamiento. Desde el blog MiSTeR MuSiC haré un repaso de los mejores álbumes que se han lanzado durante la primera mitad de este 2020.
4. Chromatica de Lady Gaga.
En su habitual línea de dar pena sacando a la luz enfermedades y traumas pasados, Lady Gaga se ha vendido a sí misma como una de las grandes afectadas por la pandemia del coronavirus al tener que aplazar el lanzamiento de su nuevo álbum, sin embargo no lo ha sido tanto ya que pudo haber lanzado el disco en las fechas originales sin mayor problema puesto que otros cantantes lo han hecho con gran éxito (como Dua Lipa) pese a la disminución de la promoción debido a razones obvias. Lady Gaga tenía previsto publicar su sexto disco de estudio, Chromatica el pasado 10 de abril pero decidió posponer su lanzamiento hasta que las circunstancias fueran más propicias, sin embargo en un arranque muy coherente por su parte el álbum vio la luz a finales de mayo, cuando la pandemia sacudía fuertemente a Estados Unidos, el mercado más importante para la polémica cantante. Dejando a un lado esta incoherente estrategia comercial, nos encontramos ante uno de los discos más esperados del año ya que tras su coqueteo con el Country y el pop/rock de ‘Joanne’ y su participación en la banda sonora de ‘A Star Is Born’, donde continuó con su imagen de artista seria y madura, con su nuevo álbum Lady Gaga ha regresado a sus raíces pop y ha rescatado de nuevo su imagen extravagante. Chromatica abandona las baladas dramáticas como ‘Shallow’ para centrarse exclusivamente en temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House. Aprovechando el momento nostálgico que vive el pop actualmente y al igual que Dua Lipa se inspiró en el sonido Disco de los años 70 y 80, Lady Gaga se ha influenciado del Dance y House que triunfaban en los 90 para dar forma su nuevo trabajo, que reduce el relleno al mínimo y está formado por temas dirigidos a las pistas de baile aunque la temática vaya más encaminada a mostrarnos cómo ha superado las adversidades y los duros momentos del pasado. El primer single del álbum, ‘Stupid Love’ llegó en febrero y aunque resultaba marchoso y pegadizo no dejaba de ser un tema poco arriesgado e innovador que muchos tacharon de básico y menos eficaz que sus habituales primeros singles. Tras la tibia acogida de ‘Stupid Love’ (que fue un éxito en ciertos países pero marcó mínimos en la carrera de Lady Gaga en otros importantes mercados) y coincidiendo con la publicación del álbum, la artista neoyorquina sacó todos los tanques y nos ofreció su esperada colaboración con Ariana Grande en ‘Rain On Me’, un bailable tema dance-pop y House que esta vez sí la devolvió al #1 en las listas de ventas. Chromatica contiene grandes temas que pueden pueden ser singles muy potentes como Replay, Free Woman, Fun Tonight o 911 y supera ampliamente la calidad de Joanne y Artpop, de ahí que lo considere uno de los mejores discos del año, aunque se tiene que conformar con el cuarto puesto. Puntuación: 7’5/10.
3. All Monsters Are Human de K. Michelle.
El 31 de enero resultó ser un día de extrema competencia en el mundo de la música ya que se produjeron numerosos lanzamientos de discos de importantes artistas como Kesha, Meghan Trainor, Louis Tomlinson o nuestra protagonista, K. Michelle. La cantante nacida en Memphis publicó su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters Are Human, que tomaba el relevo a «Kimberly: The People I Used To Know», lanzado en 2017, lo que supuso el lapso de tiempo más amplio entre disco y disco dentro de su carrera, ya que desde sus inicios en el mundo de la música se ha caracterizado por su gran agilidad al lanzar álbumes. En la actualidad K. Michelle es una de las pocas cantantes que podemos encuadrar dentro del R&B más tradicional y clásico puesto que dicho género se ha visto influenciado durante los últimos años por la música electrónica y el desmedido uso de los sintetizadores y ha perdido parte de su esencia y sus orígenes, sin embargo la cantante de Tennessee se ha mantenido fiel al R&B de los años 90 y 2000 y es una de las escasas representantes del ‘verdadero R&B’ que ha ido desapareciendo a lo largo de los años. «All Monsters Are Human» está formado por 13 temas compuestos por la propia Kimberly y destaca por el hecho de que es su primer trabajo como artista independiente tras dejar su antigua discográfica por los resultados tan mediocres que cosechó su último disco. Dentro del álbum podemos encontrar las clásicas baladas R&B/Soul por las que es conocida K. Michelle como ‘That Game’ o ‘The Worst’ además de otros originales temas como ‘Just Like Jay’, que se trata de un medio tiempo pop/R&B con cierta influencia Country o ‘Love On Me’, un animado tema pop/R&B que supone el momento más up-tempo del álbum. El primer single del álbum fue ‘Supahood’, un marchoso tema R&B/Hip-Hop con influencia Trap que contaba con la participación de las raperas City Girls y Kash Doll y donde la cantante mostraba su lado más urbano y tras él llegó ‘The Rain’, una fantástica balada mid-tempo producida por Jazze Pha que nos trae de vuelta la verdadera esencia del R&B. Tras el pequeño tropiezo que supuso su anterior disco «Kimberly: The People I Used To Know», el cual era excesivamente largo, algo aburrido y resultaba menos sólido y consistente que sus tres magníficos primeros discos, con «All Monsters Are Human» la cantante ha recuperado su habitual nivel y nos encontramos ante un trabajo de gran calidad en el que no sobra ningún tema y donde podemos disfrutar de la maravillosa voz de Kimberly y sus habilidades como compositora en las que relata todas las experiencias por las que ha pasado durante estos últimos años. Puntuación: 8/10.
2. After Hours de The Weeknd.
Aunque The Weeknd publicó su cuarto álbum de estudio After Hours el 20 de marzo, cuando comenzaba el confinamiento en varios países europeos y la pandemia avanzaba a pasos agigantados, gran parte de la promoción del mismo se había producido los meses anteriores y los dos singles lanzados ya llevaban un tiempo en los primeros puestos de las listas de venta, por lo que su publicación en una fecha tan arriesgada no le pasó factura a las ventas del mismo. After Hours debutó en el #1 de la lista americana con más de 400 mil unidades vendidas (incluyendo más de 250 ejemplares de ventas puras, es decir en formato físico y digital) convirtiéndose en uno de los debut más importantes del año en Estados Unidos y su tercer disco #1 consecutivo. Gran parte del éxito logrado por el álbum se debió a la excepcional respuesta por parte del público de los dos primeros singles, que vieron la luz en noviembre del año pasado. Primero llegó ‘Heartless’, un enigmático medio tiempo R&B/Trap en el que el artista canadiense admitía que tras la ruptura con su ex-pareja había vuelto a su vida disoluta de soltero desalmado. Este single de sonido urbano encajaba mejor con los gustos americanos y debutó en el #1 de la lista de singles de Estados Unidos (su cuarto ‘chart topper’) sin embargo The Weeknd tenía guardado otro as en la manga de cara al mercado internacional. Un par de días después de lanzar ‘Heartless’ llegó ‘Blinding Lights’, un marchoso tema synth-pop y dance-pop de corte retro inspirado en el estilo new-wave de los años 80 y producido por el rey Midas del pop Max Martin. ‘Blinding Lights’ recuperaba el carácter up-tempo y comercial de su hit ‘Can’t Feel My Face’, recibió grandes críticas de los expertos por su naturaleza bailable, superó todas las expectativas y se ha convertido en uno de los temas más importantes de lo que llevamos de año. ‘Blinding Lights’ sigue liderando actualmente la lista de singles más vendidos a nivel mundial y ha alcanzado el #1 en más de 20 países incluyendo Estados Unidos, Australia, Francia, Alemania, Reino Unido o España. El tercer single, ‘In Your Eyes’, llegó una semana después del lanzamiento del álbum y se trataba de otro marchoso tema synth-pop de sonido retro influenciado por la música Disco. «After Hours» combina las dos facetas musicales que posee el cantante: por una parte el R&B alternativo con influencia Trap al que estamos acostumbrados los seguidores originales de The Weeknd y por otra el sonido dance-pop y synth-pop a través de temas más comerciales de carácter up-tempo con los que amplió su popularidad y conquistó a un público masivo. Aunque con su anterior álbum «Starboy» The Weeknd había puesto el listón muy alto, «After Hours» sigue manteniendo su gran calidad y por ello ocupa la medalla de plata en este repaso a los mejores álbumes lanzados durante la primera mitad del 2020. Puntuación: 8/10.
1. Future Nostalgia de Dua Lipa.
Una de las artistas que más se ha visto afectada por la inusual situación que vivimos ha sido sin duda Dua Lipa, la cual tenía pensado lanzar su esperado segundo álbum de estudio a principios del mes de abril, pero debido a la filtración de todo su contenido en internet su discográfica decidió adelantar una semana su publicación y finalmente vio la luz el 27 de marzo, cuando el coronavirus estaba en su peor momento en Europa y muchos de los países cerraban fronteras para detener la pandemia. A través de sus redes sociales, una Dua Lipa rota y llorando comunicaba a sus seguidores que el álbum se iba a publicar una semana antes de lo previsto en pleno inicio de la pandemia, pero lo que no sabía en ese momento es que Future Nostalgia se beneficiaría en gran medida de ser una de las pocas artistas que lanzaba nueva música durante aquellas fechas. «Future Nostalgia» debutó en el #2 de la lista británica casi empatada en cifras con el grupo 5 Seconds of Summer, quienes consiguieron llevarse el gato al agua, sin embargo gracias al alto nivel de streaming en su segunda semana a la venta ascendió al #1 convirtiéndose en el primer disco de la cantante de ascendencia albanesa que conseguía llegar al puesto de honor en Reino Unido. En el resto del mundo Future Nostalgia fue un auténtico éxito y ocupó el top 5 en todos los mercados importantes incluyendo Estados Unidos, donde alcanzó el #4, su mejor posición hasta la fecha. El segundo álbum de estudio de Dua Lipa se alejaba del EDM (Electronic Dance Music) y el Tropical House de su primer álbum para profundizar en un sonido Disco, dance-pop y electropop inspirado en la música de baile de los años 80 y 90 de artistas como Kylie Minogue o Madonna. «Future Nostalgia» es un álbum muy breve de sólo 11 canciones y apenas media hora de duración pero no contiene ningún relleno y está formado por temas up-tempo de corte retro con el objetivo de sonar atemporal y fuera de las modas imperantes. «Future Nostalgia» fue aclamado por la crítica por su carácter bailable y desenfadado y se ha convertido en uno de los discos con mejores críticas de lo que llevamos de año. «Future Nostalgia» se merece el puesto de honor en este repaso a los mejores álbumes lanzados hasta la fecha ya que incluye joyas pop como los tres primeros singles, ‘Don’t Start Now’, Physical o Break My Heart y otras canciones tan interesantes como ‘Love Again’ o ‘Levitating’ que tienen todas las papeletas para ser futuros singles por su gran calidad. Puntuación: 8/10.
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