Crítica de «J.Lo» de Jennifer Lopez

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J.LoJennifer Lopez debutó en el mundo de la música en el año 1999 con ‘If You Had My Love’, un tema pop/R&B producido por Rodney ‘Darkchild’ Jerkins (el artífice de muchos de los temas R&B que triunfaron a finales de los 90) que recibió críticas muy positivas de los expertos musicales por su sonido vanguardista y logró gran éxito en las listas de venta, ya que ocupó el #1 en las listas de venta de Estados Unidos, Canadá y Australia. Tanto este single como ‘Waiting For Tonight’ y ‘Let’s Get Loud’ formaban parte de su álbum debut, On the 6, el cual resultaba muy ecléctico y contenía gran influencia de la música latina que había escuchado durante su infancia por los orígenes puertorriqueños de sus padres pero también contaba con inspiración urbana proveniente del Bronx, el barrio neoyorquino donde creció Jennifer, donde el Hip Hop es el género dominante. «On the 6» resultó un gran éxito de ventas (fue certificado tres veces platino en Estados Unidos y vendió 8 millones de copias a nivel mundial) y superó ampliamente las expectativas puestas en él, por lo que la discográfica no dudó en dar continuidad a la faceta de Jennifer como cantante. En 2001, sin apenas un respiro, vio la luz J.Lo, el segundo álbum de la cantante neoyorquina. Pese a que al principio no le gustaba demasiado el apodo ‘J.Lo’ con el que se referían a ella sus fans y los medios de comunicación, Jennifer Lopez finalmente decidió titular de esta manera a su nuevo trabajo discográfico.

Jennifer Lopez participó en mayor medida en el proceso de creación de su segundo álbum y compuso varias de las canciones presentes. «J.Lo» es un álbum muy ecléctico encuadrado dentro del pop, R&B y Latin-pop, aunque también incorpora elementos dance-pop y electropop. Debido a la buena acogida que consiguieron los temas más urbanos de «On the 6», Jennifer Lopez profundizó en el sonido R&B para su segundo álbum y se unió a importantes productores de música negra. Cory Rooney, quien ya participó en su primer trabajo, aumentó su presencia en «J.Lo» y fue el responsable de muchos de los temas presentes, además de Darkchild, P. Diddy, Mario Winans, Ric Wake o Troy Oliver entre otros. La edición original de «J.Lo» contaba con dos temas originales en español (‘Si Ya Se acabó’ y el dueto junto a Chayanne en ‘Dame’) sin embargo para la edición que llegó a España y Latinoamérica se añadieron 3 versiones en español de temas originalmente grabados en inglés mientras que la edición internacional contaba con varios temas inéditos en inglés además del remix Hip Hop de ‘I’m Real’ junto a Ja Rule. Gracias al éxito del primer single, el álbum tuvo un gran debut en las listas de venta y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Canadá, Alemania y España entre otros países y ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. Las ventas de «J.Lo» se mantuvieron muy consistentes durante los siguientes meses debido a la buena aceptación de los sencillos extraídos. El álbum acabó siendo certificado 4 veces platino en Estados Unidos y vendió más de 8 millones de ejemplares en todo el mundo. Cabe destacar que la misma semana en que «J.Lo» alcanzaba la posición de honor en la lista de ventas de Estados Unidos, su película ‘The Wedding Planner’ se convertía en #1 de taquilla en los cines americanos, haciendo de Jennifer la única artista en conseguir de manera simultánea un álbum y una película #1.

El primer single de este ambicioso proyecto fue Love Don’t Cost a Thing, un pegadizo tema pop/R&B up-tempo producido por Cory Rooney y Ric Wake en el que Jennifer relata cómo su hombre intenta ganarse su amor con caros regalos pero ella confiesa que su amor no se compra con dinero. Muchos creyeron que dicho mensaje iba dirigido al rapero P. Diddy, su pareja por entonces y con el que rompió poco después del lanzamiento del disco. ‘Love Don’t Cost a Thing’ cosechó un gran éxito comercial: alcanzó el #1 en Reino Unido, Canadá, España e Italia y ocupó el top 5 en Estados Unidos y Australia y se ha convertido en una de sus canciones más representativas. El espectacular videoclip de ‘Love Don’t Cost a Thing’, rodado en una lujosa mansión de Miami, recibió varias nominaciones a los premios MTV Video Music Awards, disparó la imagen de ‘sex symbol’ de Jennifer y recibió gran atención por parte del público por el hecho de que uno de sus bailarines, Chris Judd, se convertiría meses después en el marido de la cantante. Tras el gran recibimiento de ‘Love Don’t Cost a Thing’ y su discutible versión en español ‘Amor Se Paga Con Amor’, en 2001 se lanzó como segundo single Play, uno de los temas con mayor componente electrónico del disco, compuesto por Cory Rooney y la cantante Christina Milian (la cual también participa haciendo los coros) en el que Jennifer pedía al DJ que le pusiera su canción favorita. Este tema electropop con toque funky y notoria presencia de guitarra eléctrica recibió algunas críticas negativas por parte de los expertos musicales. Personalmente creo que no fue acertada su elección como single y no era la mejor representación de «J.Lo» puesto que podíamos encontrar mejores canciones dentro del álbum. ‘Play’ obtuvo un rendimiento moderado en las listas de venta y ocupó el top 20 en Reino Unido, Australia y Estados Unidos aunque se comportó mejor en Canadá, donde fue top 5.

Como tercer single se lanzó Ain’t It Funny, un animado tema Latin-pop compuesto por la propia Jennifer junto a Cory Rooney cuyas letras describen la ironía de los giros inesperados que da la vida y habla de cómo las expectativas puestas en las relaciones amorosas se enfrentan frecuentemente a la realidad. ‘Ain’t It Funny’ cuenta con un sonido latino reminiscencia del álbum «On the 6» y fue grabado en español bajo el título de ‘Qué Ironía’. Sin duda ‘Ain’t It Funny’ resulta uno de los temas más destacados del álbum por su emotivo componente lírico, su sonido latino, rica instrumentación y la ágil ejecución vocal de Jennifer. Este single obtuvo una gran respuesta comercial en Europa y ocupó el top 10 en Reino Unido o España. Como cuarto single (tercero en tierras americanas) fue lanzado I’m Real, un marchoso tema pop/R&B up-tempo de sonido retro producido por Cory Rooney y Troy Oliver en cuyas letras Jennifer abraza su auténtico yo alejado de su imagen glamurosa y le dice a su hombre que no necesita impresionarla con riquezas, sino un amor genuino y real. Para la reedición del álbum se lanzó un remix de ‘I’m Real’ que contaba con un sonido Hip Hop más acusado y la colaboración del rapero Ja Rule. I’m Real (Murder Remix) tuvo una gran respuesta dentro del circuito urbano y acabó alcanzando el #1 en la lista americana, convirtiéndose en el segundo single ‘chart topper’ de Jennifer Lopez en Estados Unidos.

Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘I’m Gonna Be Alright’, un tema mid-tempo pop/R&B cuyas letras hablan de escapar de una relación poco saludable y darse cuenta que al final todo irá bien, ‘That’s the Way’, un original tema producido por Darkchild que combina percusión tribal con producción típica de R&B, el melodramático ‘That’s Not Me’, que cuenta con una épica producción por parte de P. Diddy y supone un himno de empoderamiento y liberación de una relación tóxica o ‘Walking on Sunshine’, un enérgico tema dance-pop y electropop que supone el momento más up-tempo del álbum y comparte similitudes con su anterior hit ‘Waiting for Tonight’. El álbum cuenta con dos temas originalmente compuestos en español, ‘Si Ya Se Acabó’ y el dueto con Chayanne en ‘Dame’, ambos encuadrados dentro del sonido Latin-pop y en los que Jennifer destaca por su solvente ejecución vocal. «J.Lo» se puede escuchar prácticamente en su totalidad y apenas sobra ninguna canción, quizás las únicas excepciones son las insípidas baladas ‘Come Over’ y ‘Secretly’.

Mientras que algunos expertos musicales opinaron que «J.Lo» estaba sobreproducido y criticaron la limitada voz de Jennifer Lopez como puntos negativos, personalmente creo que se trata de un álbum entretenido y disfrutable, formado por un sólido conjunto de canciones de carácter bailable y desenfadado. En mi opinión «J.Lo» es uno de los mejores álbumes publicados durante la década del 2000 y un ejemplo perfecto del sonido ‘urban pop’ que triunfó durante aquellos años en el panorama musical. «J.Lo» fue uno de los primeros CD’s que compré, por lo que le tengo un cariño especial, me trae muy buenos recuerdos y se ha convertido en uno de mis álbumes preferidos de todos los tiempos. Como gran seguidor de Jennifer Lopez desde sus inicios en el mundo de la música, muchos de sus álbumes como «On the 6», «This Is Me…Then» o «Rebirth» se encuentran entre mis favoritos, sin embargo considero que «J.Lo» es su trabajo más completo, variado y el más representativo dentro de su extensa trayectoria. Temas imprescindibles: Love Don’t Cost a Thing, Ain’t It Funny, I’m Real, Play, That’s Not Me, I’m Gonna Be Alright y That’s the Way. Puntuación: 9/10.

Crítica de «Future Nostalgia» de Dua Lipa

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Future NostalgiaTeniendo en cuenta el gran éxito que cosechó el primer álbum de estudio de Dua Lipa, muchas expectativas estaban puestas en torno a su nuevo trabajo, Future Nostalgia, que ha visto la luz una semana antes de lo previsto después de haberse filtrado todo su contenido en internet. El debut de título homónimo de la cantante de ascendencia albanesa se puso a la venta en 2017 en Reino Unido y otros países europeos aunque no fue hasta un año después cuando Dua Lipa despuntó a nivel internacional gracias a ‘New Rules’, el sexto sencillo del álbum pero que se convirtió en el primer #1 de la cantante en su país y resultó un ‘auténtico grower’ en el resto del mundo ya que acabó ocupando incluso el top 10 en la lista americana de singles y su videoclip acumuló más de dos mil millones de visitas en YouTube. Tras la excepcional acogida comercial de ‘New Rules’ llegaron más singles de éxito como ‘IDGAF’ e importantes colaboraciones con otros artistas como es el caso de Calvin Harris en otro ‘monster hit’ como lo fue ‘One Kiss’. La estrategia comercial de Future Nostalgia ha sido diferente a la llevada a cabo con el disco debut de la cantante inglesa ya que una gran cantidad de singles fueron lanzados con anterioridad a la publicación de ‘Dua Lipa’, que acabó convirtiéndose en una playlist de los éxitos del 2017 y 2018 más que en un disco centrado (algo que les ha ocurrido también a otros jóvenes artistas británicos con sus discos debut) sin embargo con su segundo álbum ha llevado a cabo una estrategia más ‘tradicional’ de lanzar sólo un par de singles con antelación a su lanzamiento.

La principal diferencia de «Future Nostalgia» con respecto a su anterior disco es que abandona el EDM (electronic dance music) y Tropical House tan de moda hace unos años pero que llegó a saturar las radios para adentrarse en un sonido Disco, dance-pop y synth-pop más ‘retro’ que se inspira en la música de baile de los años 80 y 90. El objetivo de Dua Lipa con este álbum ha sido crear música atemporal y vanguardista en vez de regirse por las modas imperantes, algo que sí hizo en su anterior disco. La cantante inglesa ha compuesto los 11 temas presentes en este álbum bajo la producción de The Monsters and The Strangerz, Ian Kirkpatrick, Jason Evigan, Jeff Bhasker o Stuart Price (el responsable del aclamado álbum «Confessions on a Dance Floor» de Madonna) en un intento por encontrar su sonido deseado. En el mes de noviembre llegó el primer single, Don’t Start Now, que se trataba de un bailable tema dance-pop y synth-pop con influencia Disco que marcaba una transición perfecta entre el habitual estilo de Dua Lipa y el nuevo sonido ‘retro’ que nos muestra en este nuevo trabajo. En este tema, la joven cantante intenta explicarle a su ex-pareja que debe pasar página puesto que su relación ha terminado. La compositora Emily Warren y el productor Ian Kirkpatrick, los cuales se encuentran en los créditos de ‘Don’t Start Now’, ya fueron los artífices del hit ‘New Rules’ y han resultado nuevamente el equipo perfecto para hacer de este tema uno de los rotundos éxitos de lo que llevamos de año, ya que dicho single ha ocupado el top 5 en las listas de venta de Reino Unido, Australia, Canadá o Estados Unidos gracias a un altísimo nivel de streaming (acumula 600 millones de reproducciones en Spotify).

‘Don’t Start Now’ se ha convertido en un auténtico ‘grower’ a lo largo de este 2020 al igual que lo fue ‘New Rules’ años atrás y poco a poco ha ido ganando fuerza y ascendiendo en las listas de venta de muchos países, sin embargo a finales de diciembre Dua Lipa nos presentó el sencillo promocional Future Nostalgia, que se trata de un tema synth-pop ochentero con influencias funk y Disco en el que Dua Lipa utiliza la técnica sing-rap en varias partes de la canción. Como segundo single oficial del álbum se lanzó Physical, otro marchoso tema dance-pop y synth-pop con influencia Disco que contiene una interpolación de la famosa canción del mismo nombre de Olivia Newton-John. Pese a que su lanzamiento ha estado opacado por el creciente éxito de ‘Don’t Start Now’, ‘Physical’ ha logrado ocupar el top 10 en Reino Unido y continúa incrementando su streaming y presencia en las listas de venta de todo el mundo. Coincidiendo con el lanzamiento del álbum ha llegado el tercer single, Break My Heart, un bailable tema dance-pop y Disco producido por Andrew Watt y The Monsters and The Strangerz en el que la joven cantante duda en seguir adelante con una relación que no funciona o dejar que le rompan el corazón. Entre las canciones más destacadas se encuentran ‘Hallucinate’, un marchoso tema de estilo House/Dance cuyas letras hablan de cómo el amor nos vuelve locos como si de una alucinación se tratase, ‘Love Again’, un marchoso tema dance-pop que samplea la melodía del clásico de Al Bowlly ‘My Woman’ que contiene letras sobre rupturas sentimentales y crecimiento personal o ‘Levitating’ un coqueto tema de sonido retro con influencia Disco/funk cuyas letras describen la sensación de levitar cuando te enamoras y utiliza referencias al espacio exterior. También merece la pena reseñar ‘Boys Will Be Boys’, en el que Dua Lipa trata el tema del feminismo y rechaza los dobles estándares que existen en la sociedad y en ausencia de baladas es la canción más calmada del álbum.

«Future Nostalgia» es un álbum breve y conciso (sobretodo si lo comparamos a los 17 temas que tenía la edición deluxe de ‘Dua Lipa’) sin grandes pretensiones y dirigido a las pistas de baile en el que la cantante inglesa pretende sonar atemporal y actual pero sin atarse a las modas musicales pasajeras. Prácticamente no sobra ningún tema en el álbum ya que todos ellos son de carácter up-tempo, marchosos y de naturaleza bailable. En ausencia de grandes divas pop que le hagan competencia y pese a su poca presencia escénica y falta de carisma, Dua Lipa se ha convertido en una de las mayores representantes del pop durante los últimos años y ha logrado asentar su popularidad gracias a una sucesión de singles muy exitosos que han hecho que se sitúe entre los 10 artistas más escuchados de Spotify a nivel mundial. En definitiva, «Future Nostalgia» resulta uno de los álbumes pop más originales e interesantes de lo que llevamos de año ya que rescata el sonido Disco/Dance de los 80 y 90 (de ahí el carácter ‘nostálgico’) pero con un toque moderno y actual. Temas imprescindibles: Don’t Start Now, Break My Heart, Levitating, Physical, Love Again y Hallucinate. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Up!» de Shania Twain

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Up!En 1997 fue publicado uno de los álbumes más importantes de la historia de la música y que se ha convertido en el álbum más vendido de una artista femenina de todos los tiempos y el de mayores ventas dentro del género Country. Sin duda me estoy refiriendo a Come On Over, el tercer álbum de estudio de la cantante canadiense Shania Twain, del cual se llegaron a lanzar hasta 12 singles, superó los 40 millones de copias en todo el mundo (más de 20 en Estados Unidos) y revolucionó el género Country por su sonido más accesible y cercano al pop. La vida comercial de «Come On Over» duró casi 3 años (algo impensable hoy en día) gracias al excepcional nivel de popularidad obtenido, por lo que podríamos considerarlo prácticamente un disco de grandes éxitos de Shania Twain al encontrar en él muchos de sus singles más conocidos como ‘That Don’t Impress Me Much’, ‘Man! I Feel Like a Woman!’ o ‘You’re Still The One’. Tras viajar por todo el mundo para inspirarse e influenciarse de diferentes culturas, a finales de 2002 vio la luz su cuarto álbum de estudio, Up!, el cual fue nuevamente compuesto por Shania Twain junto a su por entonces marido, Robert ‘Mutt’ Lange, quien se encargó también de la entera producción. Este álbum está formado principalmente por marchosos temas up-tempo de estilo Country-pop además de varias baladas y fue lanzado en tres ediciones diferentes, todas ellas con las mismas 19 canciones pero con un sonido distinto: una con arreglos pop, otra encuadrada en un sonido Country más tradicional y una tercera con influencias de la música folk e india. Como dato curioso, 9 de las canciones presentes en el álbum llevan un signo de admiración en su título, lo que se ha convertido en una señal de identidad de Shania como compositora a lo largo de su carrera.

«Up!» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con casi un millón de ejemplares en su primera semana a la venta, convirtiéndose en el primer álbum de Shania en ocupar la posición de honor en Estados Unidos y su tercer #1 en el componente Country de Billboard. El álbum superó los 5 millones de copias vendidas en tierras americanas y fue certificado 11 veces platino, lo que suponía un excelente resultado comercial pero inferior al de su predecesor, que alcanzó unas cifras de venta astronómicas. Gracias al éxito de «Up!», Shania Twain se convirtió en la única artista femenina en poseer tres discos certificados diamante en Estados Unidos. En su Canadá natal «Up!» supuso su segundo álbum #1 y superó el millón de ejemplares y en el resto del mundo fue #1 en Australia o Alemania y top 5 en Reino Unido o Francia. «Up!» se caracterizó también por su longevidad en las listas de venta (aunque sin llegar al nivel de «Come On Over») y hasta 8 singles fueron lanzados en los diferentes mercados.

El single presentación del álbum fue I’m Gonna Getcha Good!, un enérgico tema Country-pop y pop/rock que cuenta con un estribillo muy pegadizo y resulta similar a los temas más famosos de su anterior álbum. Este tema recibió opiniones positivas de los expertos musicales y en el terreno comercial resultó un éxito comercial: alcanzó el #1 en Canadá, el top 10 en Reino Unido y el top 20 en Australia o Alemania. En Estados Unidos tuvo un recibimiento moderado y ocupó el top 40 aunque se comportó mejor en los componentes Country de la lista Billboard. Como segundo single en Norteamérica se lanzó el tema que daba título al álbum, Up!, que se trataba de un alegre y optimista tema up-tempo de estilo Country-pop que gozó de gran éxito en Canadá, donde alcanzó el #2. En el mercado internacional se lanzó a su vez Ka-Ching!, un medio tiempo que combina elementos pop, Country o R&B y cuyas letras hablan del materialismo y el consumismo en nuestra sociedad (una de las líneas reza «todo lo que queremos es más»). Este tema sin duda resulta uno de los temas más originales y llamativos del álbum por su pegadizo estribillo, sus exuberantes arreglos musicales y su componente lírico. ‘Ka-Ching!’ tuvo un gran desempeño comercial en las listas de venta de Reino Unido o Alemania, donde ocupó el top 10 y se convirtió en uno de los singles más populares de Shania en Europa. A mediados de 2003 llegó el tercer single, Forever and for Always, una balada mid-tempo Country-pop cuyas letras hablan del amor verdadero e incondicional. ‘Forever and for Always’ recibió dos nominaciones a los premios Grammy (mejor canción canción Country y mejor actuación vocal femenina de Country) aunque no consiguió llevarse ninguno y en el aspecto comercial logró el tercer single top 10 consecutivo de Shania en Canadá y Reino Unido y ocupó el top 20 en Estados Unidos, convirtiéndose en el single más exitoso del Up! en dicho país. Como cuarto single internacional se lanzó Thank You Baby! (For Makin’ Someday Come So Soon), que se trataba de un tema Country-pop con uso prominente de violines que recibió buenas críticas de los expertos aunque tuvo una acogida comercial moderada, mientras que para el mercado americano se eligió ‘She’s Not Just a Pretty Face’, un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que Shania alaba el enorme valor de las mujeres en la sociedad. Como quinto single internacional se lanzó When You Kiss Me, una emotiva balada romántica y la favorita de Shania dentro del álbum. Como último single en tierras americanas se lanzó It Only Hurts When I’m Breathing, la única balada de desamor presente en el álbum. 

Aunque el Country no se encuentra entre mis géneros favoritos, tanto «Come On Over» como «Up!» se encuentran entre mis álbumes preferidos de todos los tiempos, lo que me animó a escuchar los anteriores trabajos de Shania Twain, como por ejemplo «The Woman In Me» y otros discos dentro del género Country. Pese a ser un álbum muy largo, «Up!» en ningún momento resulta aburrido ni se hace pesado ya que está formado por un conjunto muy sólido de canciones que navegan entre un Country y un pop muy agradable de escuchar y accesible a todos los públicos. La magnífica producción de Robert ‘Mutt’ Lange y el innegable talento como vocalista y compositora de Shania Twain quedan patentes nuevamente a lo largo de este trabajo. Sin duda uno de los mejores álbumes de la década del 2000. Temas imprescindibles: Ka-Ching!, Thank You Baby!, Forever and for Always, I’m Gonna Getcha Good!, Up!, Juanita y (Wanna Get to Know You) That Good!. Puntuación: 9/10.

Crítica de «After Hours» de The Weeknd

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After HoursTras unos orígenes encuadrados dentro del R&B alternativo, The Weeknd fue introduciendo progresivamente elementos ‘mainstream’ en su música que le hicieron más accesible al público masivo hasta el punto de convertirse en la actualidad en uno de los cantantes más importantes del panorama musical (se encuentra en el top 5 de los artistas más escuchados de Spotify a nivel mundial). A finales del mes de noviembre The Weeknd lanzó dos singles para presentar su nuevo trabajo discográfico: el primero de ellos era Heartless, un medio tiempo R&B con influencia Trap en el que relataba cómo había vuelto a su vida disoluta de playboy tras la ruptura con sus últimas ex-parejas, la modelo Bella Hadid y la cantante pop Selena Gomez. Debido a su componente urbano, Heartless tuvo un rendimiento comercial muy positivo en Estados Unidos, donde se convirtió en el cuarto #1 de The Weeknd en dicho país y también ocupó el top 10 en las listas de venta de Reino Unido, Australia y Canadá. Un par de días después de ‘Heartless’, el cantante nacido en Toronto nos desveló otro tema muy diferente como anticipo de su nuevo álbum. Me estoy refiriendo a Blinding Lights, un bailable tema synth-pop y electropop con influencia de la música electrónica de los años 80 co-escrito y producido por el rey midas del pop, Max Martin junto con Oscar Holter. Mientras que ‘Heartless’ triunfó en el mercado americano, ‘Blinding Lights’ fue más del gusto internacional y se ha convertido en un auténtico ‘grower’ ya que durante las últimas semanas ha ido escalando posiciones en las listas de venta hasta alcanzar el #1 en más de 20 países de todo el mundo gracias al altísimo nivel de streaming (acumula más de 500 millones de reproducciones en Spotify). En el mes de febrero el cantante canadiense desveló otro sencillo promocional, After Hours, para hacer más corta la espera hasta el lanzamiento de su nuevo álbum, titulado de idéntica manera. Este larguísimo tema de 6 minutos comenzaba como una oscura balada de R&B alternativo con melodía dispersa para transformarse más tarde en un marchoso tema up-tempo de estilo electropop. ‘After Hours’ fue comparado con el material presente en sus primeras mixtapes, recibió buenas críticas de los expertos musicales y ocupó el top 20 en las principales listas de venta pese a ser sólo un sencillo promocional.

Con una gran expectación por escuchar el resto del contenido del álbum, finalmente ha visto la luz After Hours, el cuarto disco de estudio de The Weeknd que toma el relevo al exitoso «Starboy», el cual fue publicado en el año 2016 y ocupó el #1 en Estados Unidos, Canadá y Australia. «After Hours» está formado por 14 temas encuadrados dentro del R&B, synth-pop, electropop, Trap y R&B alternativo compuestos por el propio The Weeknd bajo la producción de Metro Boomin, Oscar Holter, Max Martin, Illangelo o Ricky Reed entre otros. Coincidiendo con la publicación de After Hours se ha lanzado el tercer single oficial, In Your Eyes, que se trata un marchoso pero melancólico tema synth-pop con gran componente electrónico que guarda similitudes con el estilo presente en varias canciones de «Starboy» y tiene influencias de la música de los 80 al igual que ‘Blinding Lights’, lo que no nos debería sorprender demasiado ya que los productores son los mismos: Max Martin y Oscar Holter. ‘In Your Eyes’, con su original instrumentación de guitarra y saxofón, es sin lugar a dudas uno de los temas más pegadizos y sobresalientes del disco y le auguro un gran éxito en las listas de venta durante los próximos meses.

Podemos establecer una clara divergencia entre los temas producidos por Metro Boomin, como por ejemplo ‘Escape From LA’ o ‘Faith’, de carácter mid-tempo, con un sonido más urbano y que profundizan en el R&B alternativo y el Trap, y las canciones más bailables que corresponden a la parte pop cuyos responsables han sido Max Martin y Oscar Holter, entre ellas ‘In Your Eyes’ o Save Your Tears, un original tema synth-pop que continúa con las influencias ochenteras de ‘Blinding Lights’ y explora el tema del desamor. De las baladas y temas mid-tempo que abundan en la primera parte del álbum destaca la bonita balada ‘Scared to Lonely’, que contiene la interpolación de un famoso tema de Elton John.

En resumen, la espera de casi 4 años con respecto a «Starboy» (aunque durante este lapso de tiempo lanzó el EP My Dear Melancholy) ha merecido la pena ya que After Hours está formado por un conjunto sólido de canciones que mezclan las dos facetas diferentes de The Weeknd: la primera es una reminiscencia de sus primeras mixtapes de estilo R&B alternativo y la segunda corresponde a su lado más bailable y marchoso con el que ha conseguido abrirse a un mayor público, pero ambas comparten la misma temática de desamor, ya que relata sus últimas rupturas amorosas y cómo se ha convertido en un hombre desalmado que ha hecho de Las Vegas (a la que nombra en repetidas ocasiones bajo su pseudónimo ‘Sin City’) su segundo hogar. Sin duda «After Hours» es uno de los mejores álbumes R&B/pop de lo que llevamos de año y un más que digno sucesor del magnífico «Starboy». Temas imprescindibles: Heartless, Blinding Lights, In Your Eyes y Save Your Tears. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Roulette» de Blue

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Blue RouletteTras tres álbumes que consiguieron gran éxito en Reino Unido y una carrera musical de apenas 5 años, la ‘boy band’ inglesa Blue anunció en 2005 su separación temporal. Durante los siguientes años, los componentes de Blue aprovecharon para descansar, formar una familia y lanzarse como artistas en solitario hasta que en 2011 el cuarteto se volvió a reunir para representar a su país en el festival de Eurovisión. El tema elegido para participar en dicho certamen fue I Can, con el que Blue quedaron en un buen puesto #11 pero apenas ocupó el top 20 en la lista británica de singles, aunque este modesto rendimiento comercial no torció los planes de Blue de entrar en el estudio de grabación para dar forma a su nuevo álbum. ‘I Can’ estaba escrito por los componentes Duncan y Lee y destacaba por el hecho de que perdía el toque urbano de la mayoría de los temas de Blue e incorporaba un estilo electropop. En 2013, prácticamente una década después del lanzamiento de «Guilty» vio la luz Roulette, el cuarto álbum de estudio de Blue, el cual estaba formado por 12 temas, 8 de los cuales compuestos por los miembros del grupo inglés bajo la producción de Cutfather, BeatGeek o Lucas Secon. Llama la atención que Stargate, sus habituales colaboradores y artífices de sus mayores éxitos, no participaron en la producción de este álbum. «Roulette» se diferenciaba de los anteriores trabajos de Blue por el hecho de que abandonaba en cierta manera su típico toque urbano para profundizar en el sonido electropop que tan de moda estaba durante aquellos años, aunque todavía podíamos encontrar algún tema con aroma pop/R&B.

El single presentación del álbum fue Hurt Lovers, una balada un tanto insípida que a diferencia de la mayoría de los sencillos de Blue no enganchaba y en mi opinión resultaba el sencillo más flojo de toda su carrera musical. ‘Hurt Lovers’ fue elegida la canción principal de una famosa película alemana y por ello en dicho país el single ocupó el top 10, sin embargo en su nativo Reino Unido resultó un fracaso y ocupó la peor posición de un single de Blue en la lista británica. Como segundo single en Alemania y otros países de Centroeuropa se eligió Without You, un bonito tema mid-tempo pop y electropop compuesto por todos los miembros del grupo junto a Wayne Hector (responsable de varios éxitos de Westlife) y producido por Cutfather en el que gran parte del tema recaía en Simon, quien cantaba el estribillo y hacía su típico rap. Cabe destacar que es la segunda vez que encontramos un tema de Blue llamado ‘Without You’ ya que en el álbum «One Love» aparecía una canción titulada de la misma manera. Uno de los mejores temas del álbum, Break My Heart, fue elegido como siguiente sencillo pese al mediocre recibimiento de los últimos singles. ‘Break My Heart’ se trataba de un marchoso tema electropop y dance-pop que mostraba el nuevo sonido adoptado por Blue en este álbum. La balada mid-tempo ‘Broken’ fue lanzada como último sencillo pero apenas contó con promoción por parte del grupo.

«Roulette» rompió la impresionante racha de sus tres primeros álbumes, los cuales fueron #1 en la lista británica y obtuvo un moderado puesto #13 (incluso su disco recopilatorio «Best of Blue» fue top 10 en UK), lo cual fue visto como un fracaso y un síntoma del poco interés que estaba despertando entre el público la reunión de Blue. Aunque «Roulette» no es un álbum de baja calidad en absoluto pierde el toque R&B y urban pop tan característico de la música de Blue desde sus inicios y suena más a los últimos álbumes de Westlife (lo cual no es algo negativo) pero en su conjunto resulta predecible, poco original y menos sólido que «One Love» o «Guilty». Con Colours, el quinto álbum de Blue publicado en 2015, se acentúo la espiral decreciente en el éxito comercial de la ‘boy band’ inglesa y desde entonces no hemos tenido música nueva de ellos. Temas imprescindibles: Break My Heart, Without You, Broken y Hurt Lovers. Puntuación: 7/10.

Double Round Review: «All Rise» y «One Love» de Blue

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Durante los últimos años se han producido importantes regresos de icónicos grupos que habían estado alejados del panorama musical durante un gran lapso de tiempo y debido al fenómeno de nostalgia que vive el público por la música de los 90 y 2000, muchos de estos grupos han decidido reunirse de manera temporal o definitiva para realizar giras de conciertos con las que deleitar a sus seguidores con sus grandes éxitos. En la década del 2000 una de las ‘boy bands’ más importantes procedentes de Reino Unido fueron sin duda Blue, un grupo formado por 4 jóvenes ingleses (Duncan, Lee, Antony y Simon) que tuvieron una vida comercial breve pero exitosa en Europa y Australia. Cabe destacar que aunque Lee y Antony se conocieron en los castings de un programa de la TV británica para formar un grupo musical, Blue se formó años más tarde al unirse a ellos dos amigos que también querían probar suerte en el mundo de la música, por tanto Blue no es un ‘grupo prefabricado’, término se utiliza frecuentemente de manera peyorativa pese a que muchos grupos famosos han tenido sus orígenes mediante un casting o por formar parte de un concurso de televisión. El primer álbum de estudio del grupo, All Rise, llegó en 2001 y estaba compuesto por temas up-tempo y baladas de estilo pop/R&B y en comparación con otras ‘boy bands’ surgidas durante esta época tenían un toque urbano muy acusado con ciertas influencias Hip Hop. Los componentes de Blue participaron en la composición de 6 de las 12 canciones que formaban parte del álbum bajo la producción de StarGate, Ray Ruffin o Cutfather entre otros. El single presentación fue All Rise, un marchoso y pegadizo tema up-tempo de estilo pop/R&B co-escrito por Stargate junto a Simon (el cual también realiza un rap a final de la canción) que resultó un gran éxito durante el año 2001 y ocupó el top 5 en Reino Unido y Australia. Como segundo single se lanzó Too Close, que se trataba de una versión de la famosa canción del grupo americano Next que se convirtió en el primer single #1 de Blue en la lista de ventas británica. A finales de año llegó el tercer single, If You Come Back, una balada mid-tempo pop/R&B que nuevamente alcanzó la posición de honor en UK. Como cuarto y último single del álbum se lanzó una nueva versión del tema ‘Fly By’, denominada Fly By II, que contaba con un toque más urbano y moderno en su producción. ‘Fly By’, con la producción de Stargate y la aportación de Simon en la composición, era sin duda uno de los mejores temas del disco y nuevamente ocupó el top 10. Entre los temas más interesantes de «All Rise» se encuentran ‘Bounce’, un pegadizo tema con melodía de violines e influencias urbanas o ‘This Temptation’, que representa el sonido R&B que triunfó durante la época. «All Rise» debutó en lo más alto de la lista británica de álbumes, vendió más de un millón de ejemplares en Reino Unido y fue uno de los debuts más sólidos de una ‘boy band’ durante los primeros años de la década del 2000. Sin duda un gran álbum formado por canciones muy interesantes que cuentan con las excelentes voces de los 4 componentes. Temas imprescindibles: All Rise, Fly By, Bounce, If You Come Back y This Temptation. Puntuación: 8/10.

One LoveBlue se caracterizaron por su gran agilidad publicando álbumes y apenas un año más tarde del lanzamiento de «All Rise» llegó One Love, el segundo álbum de estudio del cuarteto inglés. El dúo noruego Stargate, responsables de dos de los singles de «All Rise» aumentaron su presencia en «One Love» y los componentes de Blue también participaron en mayor medida en el proceso de composición de los temas presentes en este trabajo. «One Love» resultaba muy parecido al debut de Blue en cuanto a estilo musical ya que estaba formado por temas up-tempo y baladas de estilo pop/R&B pero en su conjunto resultaba un proyecto más ambicioso y maduro que «All Rise». En una táctica comercial muy similar a la llevada a cabo con All Rise, Blue lanzaron como primer single el tema que daba título al disco, One Love, un marchoso tema pop/R&B que contaba con un mayor toque urbano y un sonido más americano para intentar atraer la atención del público del otro lado del Atlántico. Aunque no lograron penetrar en el difícil mercado americano, ‘One Love’ tuvo gran éxito en Reino Unido, donde ocupó el #3. Como segundo single se lanzó la versión del clásico de Elton John Sorry Seems to Be the Hardest Word, interpretada junto al veterano cantante inglés. Este tema recibió buenas críticas por mantenerse fiel a la versión original aunque añadía un toque R&B más moderno y destacó por el hecho de que en muchos países (incluido Reino Unido donde fue #1) resultó más exitosa que la versión de Elton John. Como último single de One Love se lanzó U Make Me Wanna, un tema mid-tempo pop/R&B con melodía de violines y sonido veraniego que nuevamente ocupó el top 5 en la lista británica. Pese a que sólo se lanzaron tres singles había bastantes temas en «One Love» con gran potencial como el enérgico ‘Ain’t Got You’, uno de los temas up-tempo del álbum más influenciados por el sonido Hip Hop, ‘Supersexual’, un tema mid-tempo pop/R&B con cierto toque reggae que fue lanzado en España como último sencillo promocional o el pegadizo ‘Without You’, compuesto por Lee y en el que reconocen que podrían vivir sin su móvil, su tarjeta de crédito o su 4×4 pero no sin su pareja. «One Love» debutó nuevamente en lo más alto de la lista de álbumes de Reino Unido y logró igualar las altas ventas de All Rise (más de un millón de copias). Pese a que «All Rise» era un gran debut, el conjunto de canciones que forman parte de «One Love» es superior y muestra un sonido más urbano, arriesgado y moderno, por ello lo considero uno de los mejores álbumes dentro del estilo ‘urban pop’ que triunfó en la década del 2000. Temas imprescindibles: One Love, Ain’t Got You, Sorry Seems to Be the Hardest Word, Supersexual, Without You, U Make Me Wanna y Privacy. Puntuación: 8’5/10.

Crítica de «Heartbreak Weather» de Niall Horan

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Niall HoranEn octubre de 2017, Niall Horan se convirtió en el tercer componente de One Direction en publicar álbum en solitario tras el debut de Zayn, que abandonó el grupo un año antes de su separación y Harry Styles, que se lanzó como artista solista en mayo de 2017. Flicker era el título del primer disco de estudio del cantante irlandés tras su paso por la famosa ‘boy band’ y pese a la mayor popularidad de Harry Styles dentro del grupo, el debut de Niall Horan consiguió gran éxito y casi alcanzó las cifras del primer disco de su compañero. «Flicker» ocupó el #3 de la lista de ventas británica y todavía tuvo un mejor desempeño en Estados Unidos, donde logró #1 y fue certificado platino por ventas físicas y digitales superiores al millón de ejemplares. El debut de Niall Horan se encuadraba dentro del pop/rock y el folk y recibió críticas principalmente positivas de los expertos musicales por encontrar su propio estilo musical tras su paso por One Direction y la madurez alcanzada en solitario, además el conjunto de canciones presentes en y la elección de los singles resultó muy acertada. Por todo ello “Flicker” fue considerado como un debut sólido y consistente, lo que auguraba un gran futuro en solitario para el joven cantante. La agenda profesional de los ex-componentes de One Direction ha estado muy ocupada durante los últimos meses y tras los lanzamientos en diciembre de Liam Payne y Harry Styles y el debut en solitario de Louis Tomlinson a finales de enero, Niall Horan publicó el pasado 13 de marzo Heartbreak Weather, su segundo álbum de estudio tras una extensa campaña publicitaria y el lanzamiento de varios sencillos promocionales.

El single presentación de este trabajo, Nice to Meet Ya, llegó el pasado mes de octubre y se trata de un enérgico tema pop/rock y Britpop con uso prominente de guitarra eléctrica compuesto por Niall Horan junto a Ruth-Anne Cunningham, quien fuera la compositora de varios temas de «Flicker», entre ellos el hit ‘Slow Hands’, el cual ocupó el top 15 en Reino Unido y Estados Unidos. ‘Nice to Meet Ya’ recibió buenas opiniones por su carácter up-tempo y bailable y tuvo un desempeño comercial positivo en las principales listas de venta. En el mes diciembre llegó el segundo single, Put a Little Love on Me, en el que Niall cambiaba de registro y nos ofrecía una emotiva balada a piano casi acústica en la que mostraba su lado más sensible y relataba su ruptura con la actriz y cantante americana Hailee Steinfeld. En febrero llegó No Judgement, un pegadizo tema pop que resultaba una apuesta más comercial que los anteriores sencillos y vino acompañado de un simpático videoclip. Coincidiendo con la publicación del álbum, el cantante irlandés desveló el videoclip promocional del tema que da título al disco y que es precisamente uno de los mejores que encontramos en él.

«Heartbreak Weather» está compuesto en su mayoría por medios tiempos y temas up-tempo de estilo pop y pop/rock con influencia Britpop y folk compuestos por el propio Niall. Varias de las canciones que componen el álbum son de carácter triste y melancólico y se centran en el tema del desamor aunque también podemos encontrar otras más alegres y positivas. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran la balada intimista ‘Arms of a Stranger’, el marchoso ‘New Angel’, producido por Greg Kurstin y en el que Niall busca un nuevo amor que le permita salvarse de él mismo, ‘Cross Your Mind’, probablemente el tema más up-tempo y comercial del álbum o ‘Small Talk’, que comienza como una balada pero se transforma en un enérgico tema pop/rock. En resumen, «Heartbreak Weather» es un trabajo más sólido que «Flicker», muestra la madurez alcanzada por el joven cantante y se aprecia una mejora en sus habilidades como compositor, a lo que hay que sumar su agradable y potente voz, que es uno de los puntos fuertes del disco. El segundo álbum de Niall Horan me ha sorprendido de manera positiva y lo encuentro superior al debut de Louis Tomlinson, el álbum más próximo a «Heartbreak Weather» en cuanto a estilo musical. Temas imprescindibles: Nice to Meet Ya, Put a Little Love on Me, No Judgement y Cross Your Mind. Puntuación: 7/10.

Ava Max lanza su nuevo single, Kings & Queens

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Ava MaxLa industria musical no es conocida precisamente por su paciencia y un single que fracasa o un álbum con bajo rendimiento comercial puede ser todo lo que necesita un artista para que desaparezca de la escena musical o nunca se vuelva a saber de él. Tras los prometedores inicios de Ava Max a raíz de su hit global Sweet but Psycho, el ‘hype’ por la cantante americana se desvaneció debido a una sucesión de singles con escasa repercusión entre los que se incluían ‘So Am I’, ‘Torn’ o ‘Salt’. El público dejó de lado a la artista de origen albanés pese a la gran calidad de los singles lanzados y ahora me pregunto qué habría ocurrido si hubiera publicado su álbum debut después del lanzamiento de ‘Sweet but Psycho’, que alcanzó el #1 en más de 15 países de todo el mundo y acumula 850 millones de reproducciones en Spotify o tras ‘So Am I’, que todavía obtuvo un rendimiento moderado en los principales mercados musicales, sin embargo Ava Max se empeñó en seguir ofreciendo singles pertenecientes a su próximo disco sin ver que cada uno de ellos obtenía menor éxito que el anterior y su popularidad descendía a pasos agigantados. Esta misma semana ha visto la luz el enésimo single que Ava Max lanza como aperitivo de un álbum que nunca llega. La última apuesta de la joven cantante para intentar recuperar su ‘momentum’ es Kings & Queens, un marchoso tema electropop y dance-pop muy en la línea de sus anteriores sencillos compuesto por la propia Ava y producido por su habitual colaborador Cirkut (quien además es su pareja) junto a RedOne, conocido por ser el responsable del éxito inicial de Lady Gaga, con la cual precisamente ha sido comparada desde que irrumpió en el mundo de la música. Este bailable tema es un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que Ava «hace una llamada a los reyes para cuidar de sus reinas», destaca por el prominente uso de guitarra eléctrica a final de la canción y recuerda a las producciones de RedOne de hace una década. Sin duda ‘Kings & Queens’ es un gran tema como todos los que nos ha ofrecido hasta el momento la rubia cantante de melena asimétrica sin embargo no parece muy probable que vuelva a repetir el éxito que consiguió durante el año pasado. Muchos han criticado tanto el estilo musical como el sonido de Ava Max por resultar anticuado y una copia de la Lady Gaga del 2009, sin embargo desde el blog MiSTeR MuSiC seguiré apoyando a Ava Max por ser una de las pocas representantes del ‘pop en sentido estricto’ en la actualidad.

Crítica de «Hot Pink» de Doja Cat

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Doja CatAunque Hot Pink, el segundo álbum de estudio de Doja Cat, vio la luz a principios del pasado mes de noviembre, durante las últimas semanas la artista californiana ha vivido un gran momento profesional gracias al éxito de su reciente single ‘Say So’. Doja Cat hizo su debut en 2018 con el álbum Amala, el cual tuvo un rendimiento muy mediocre en Estados Unidos, sin embargo el videoclip de uno de los temas de este trabajo se volvió viral y aumentó la popularidad de la joven cantante. «Hot Pink» es un disco urbano muy ecléctico que mezcla R&B, Hip Hop, Soul y Funk, muestra la versatilidad de Doja Cat como cantante y rapera y trata temas como el amor, el sexo y la fama. Amala Diamini (el verdadero nombre de Doja Cat) ha compuesto todos los temas pertenecientes a «Hot Pink» y cuenta con la producción de Dr. Luke, aunque bajo el seudónimo Tyson Trax debido a su publicitada batalla legal con la cantante Kesha y la mala prensa que tiene el productor desde hace un tiempo. El single presentación del álbum fue Juicy, un tema Hip-Hop/R&B que cuenta con la colaboración del rapero Tyga. La versión original de Juicy apareció en la edición deluxe de «Amala» aunque la versión remix junto a Tyga fue añadida más tarde a Hot Pink y lanzada como primer single. Tras varios sencillos que lograron un impacto mínimo por parte del público como ‘Cyber Sex’, Doja Cat lanzó a principios de año Say So, el tema con el que la artista de Los Angeles ha logrado finalmente despuntar a nivel internacional. ‘Say So’ es un marchoso y pegadizo tema Disco con influencia del Funk de los 70 en el que Doja Cat muestra su versatilidad cantando durante la primera parte de la canción y rapeando hacia el final. «Hot Pink» debutó en el top 20 de la lista americana de álbumes con unas cifras de venta muy superiores a las del disco debut de Doja Cat y gracias al repentino éxito de ‘Say So’ el álbum ha vivido una segunda juventud y ha entrado en listas de ventas de países donde no lo hizo en el momento de su publicación. En Australia y Canadá «Hot Pink» ha ocupado el top 25 y en Reino Unido ha sido top 50. Podemos apreciar la variedad presente en Hot Pink en canciones tan dispares como ‘Rules’, un tema Rap en sentido estricto con influencia Trap, ‘Like That’, de estilo Hip-Hop/R&B y que cuenta con la participación del rapero Gucci Mane o la melancólica balada R&B ‘Streets’. En resumen, «Hot Pink» guarda similitudes con el álbum debut de Nicki Minaj, no sólo por el título y temática similar sino por su ecléctico contenido y su mezcla de Hip-Hop con sonidos R&B/pop más comerciales o con el reciente álbum de Lizzo, quien comparte la versatilidad de Doja Cat como cantante y rapera. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Suga» de Megan Thee Stallion

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MeganDurante las últimas semanas Megan Thee Stallion ha sido noticia por su batalla legal contra su discográfica, la cual le fichó hace dos años cuando era una desconocida para el gran público. La rapera de Texas quiso renegociar los términos de su contrato a raíz de la gran acogida obtenida por sus recientes singles y su discográfica le impidió lanzar nueva música, pero finalmente los jueces le han dado la razón a la joven artista y ha podido lanzar el día 6 de marzo su nuevo EP, llamado Suga. Megan Thee Stallion no es una recién llegada al mundo de la música ya que durante estos últimos años ha lanzado una mixtape y otros dos EP’s con los que ha ganado gran popularidad y ha recibido buenas críticas dentro del circuito Hip Hop americano. Suga está formado por 9 temas up-tempo encuadrados dentro de un Hip Hop clásico con reminiscencia de los años 90 que abandona la reciente influencia Trap que inunda el género y está producido por importantes nombres como The Neptunes, Timbaland o J. White. Aunque el Hip Hop es el género dominante de este EP, las dos últimas canciones pertenecen al R&B y muestran a Megan en su faceta como cantante. En marzo de 2019 la joven rapera perdió a su madre (y también manager) que padecía cáncer y ha querido dedicarle este trabajo que ha visto la luz justo un año después. Este trabajo destaca por el hecho de no incluir el single Hot Girl Summer, el cual fue lanzado el verano pasado y logró gran éxito (ocupó el #11 en la lista americana) en parte gracias a su colaboración con la omnipresente Nicki Minaj.

El single presentación de «Suga» ha sido B.I.T.C.H, un marchoso tema Hip Hop que rinde homenaje al legendario rapero Tupac e incluso samplea la canción ‘Ratha Be Ya Nigga’ de su icónico álbum All Eyez on Me. Este tema es un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que Megan Thee Stallion se define como una ‘boss bitch’ y nos presenta su nuevo alter-ego llamado Suga, el cual se suma a otros como Tina Snow, que además era el título de su última mixtape. ‘B.I.T.C.H.’ ha ocupado el top 40 en la lista americana de singles y es uno de los mejores temas de Hip Hop lanzados durante este año por su pegadizo ritmo y las habilidades de Megan como rapera, su ágil flow y su voz clara y limpia. Dentro de Suga destacan ‘Hit My Phone’ que cuenta con la colaboración de la cantante de R&B Kehlani, ‘Stop Playing’, producido por The Neptunes y con la participación del rapero Gunna, ‘What I Need’, un tema R&B en el que Megan muestra su versatilidad cantando o ‘Savage’, el único tema influenciado por el sonido Trap y bajo la producción de J. White. A la espera de que publique su álbum debut, Suga es un breve pero sólido y consistente trabajo que augura un futuro muy prometedor a la rapera de Houston. Megan Thee Stallion se ha convertido en una amenaza real a otras artistas femeninas de Hip Hop como Nicki Minaj o Cardi B debido a su imponente presencia, su seguridad en sí misma, sus habilidades para rimar y un estilo que vuelve a las raíces del ‘verdadero Hip Hop’. Puntuación: 7’5/10.