Synth-pop

Crítica de «Dawn FM» de The Weeknd

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Dawn FMThe Weeknd publicó su último álbum de estudio, After Hours, en marzo de 2020, cuando muchos países comenzaban el largo periodo de confinamiento por la pandemia del coronavirus, pero lejos de convertirse en un «trabajo maldito» por ser lanzado en tan fatídica fecha, resultó el disco más importante del año (con el permiso de «Future Nostalgia» de Dua Lipa) gracias al éxito descomunal de sus singles ‘Blinding Lights’, ‘In Your Eyes’ y ‘Save Your Tears’, que acabaron entre los más escuchados del 2020 y nos ayudaron a hacer más ameno el duro confinamiento. Durante el 2021 dichos singles continuaron su imparable éxito en las radios, plataformas musicales y listas de ventas de todo el mundo, por ello la discográfica del cantante de Toronto, en una maniobra muy astuta, aprovechó para publicar un álbum de grandes éxitos (o más bien un «After Hours» ampliado con algunos de sus hits anteriores) llamado «The Highlights», que resultó bastante exitoso pese al poco sentido que tienen en la actualidad este tipo de álbumes debido al auge de las playlist en las plataformas musicales. El pasado 7 de enero Abel Tesfaye publicó su quinto álbum de estudio, Dawn FM, convirtiéndose en uno de los trabajos más tempranos de este 2022 recién inaugurado y seguramente uno de los que más dará que hablar teniendo en cuenta el largo recorrido que tuvo su anterior trabajo discográfico. «Dawn FM» está compuesto por 16 temas encuadrados dentro del synth-pop y el dance-pop que siguen la estela musical de «After Hours» pero todavía se aprecian más las influencias de la música electrónica de los años 80, además de ciertos elementos funk, Disco o New Wave y destaca por el hecho de que abandona el sonido R&B que le ha acompañado desde sus inicios en el mundo de la música. Aparte de la clara influencia que ha tenido en el álbum la música de baile de los 80, se puede apreciar cómo el legado de Michael Jackson ha inspirado a The Weeknd, concretamente los discos «Off The Wall» y «Thriller».

«Dawn FM» supone una continuación de «After Hours» y se trata de un álbum conceptual en el que «el oyente viaja a través de un túnel oscuro mientras escucha sus canciones en la radio Dawn FM hasta llegar a la luz», lo que podríamos interpretar como que la oscuridad y los pensamientos atormentados y autodestructivos que el cantante tenía durante la era «After Hours» han terminado y ahora llega el «amanecer», que representa el comienzo de una nueva vida más alegre. Sin embargo, al igual que todos los álbumes concebidos y grabados durante la pandemia del coronavirus, se puede apreciar un cierto poso de angustia y melancolía. Para la creación de «Dawn FM» The Weeknd ha seguido confiando en Max Martin y Oscar Holter, que tantas alegrías le han dado (fueron responsables de todos los macro hits del álbum anterior) pero se ha unido a otros productores de la talla de Tommy Brown (conocido por su trabajo junto a Ariana Grande), Calvin Harris, Swedish House Mafia o Oneohtrix Point Never entre otros. El concepto de estar «escuchando la radio mientras viajas por el oscuro túnel» está presente a lo largo de todo el álbum, ya que contiene los típicos ‘jingles’ de las radios, además de varios ‘speeches’ de personajes famosos como el célebre músico Quincy Jones (cuya presencia no es casual, ya que fue el responsable de muchos de los éxitos de Michael Jackson, quien es una referencia para Abel en el álbum) o el actor Jim Carrey.

El single presentación del álbum, Take My Breath, llegó en agosto del año pasado y suponía la transición perfecta entre su anterior trabajo y «Dawn FM» ya que continúa el estilo bailable presente en singles como ‘Blinding Lights’ pero profundiza en el sonido psicodélico y el mayor uso de sintetizadores típicos de la música electrónica de los años 80. ‘Take My Breath’ es un tema up-tempo de estilo synth-pop, Disco y dance-pop con influencias de la música psicodélica de los 70, producido por Max Martin y Oscar Holter en el que el cantante relata una relación romántica que termina con una «asfixia erótica». Aunque no ha alcanzado las cotas de éxito de ‘Blinding Lights’ o ‘Save Your Tears’, ‘Take My Breath’ ha tenido un rendimiento comercial positivo y ocupó el top 10 en las listas de venta de Estados Unidos, Australia o Canadá. El hecho de haber sido lanzado cuando el remix de ‘Save Your Tears’ junto a Ariana Grande todavía estaba muy reciente y se encontraba en las primeras posiciones de las listas de venta, unido a las excesivas colaboraciones de The Weeknd en aquel momento han repercutido de manera negativa el desempeño de ‘Take My Breath’, que de haber sido lanzado en 2022 hubiera cosechado un mayor éxito. Además la presencia del cantante canadiense ha sido máxima y continua desde finales del 2019, lo que ha ‘saturado’ en cierta manera al público. Coincidiendo con el lanzamiento del álbum se ha lanzado como segundo single Sacrifice, un marchoso tema electropop y dance-pop con gran influencia funk/Disco producido por Max Martin, Oscar Holter y Swedish House Mafia que destaca por su riff de guitarra electro-funk y el hecho de que The Weeknd canta con varios acentos, entre ellos el británico (algo que sucede en otras canciones del álbum).

Tras darnos la bienvenida a la radio «Dawn FM» y al viaje que vamos a experimentar durante el álbum, llega la primera canción, ‘Gasoline’, que se trata de un tema electropop y dance-pop con un uso prominente de sintetizadores que le da un toque muy ochentero y en el que The Weeknd detalla una complicada relación con su pareja marcada por el abuso de drogas y cómo le ruega que no le abandone. Esta canción también destaca por el hecho de que Abel adopta nuevamente el acento británico al principio de los versos. Le sigue ‘How Do I Make You Love Me?’, otro marchoso tema dance-pop y electropop en el que Abel alterna su voz grave con el falsete y se pregunta qué tiene que hacer para que su amor dure. Uno de los temas más interesantes del álbum y con muchas posibilidades de convertirse en single es ‘Less Than Zero’, quizás la canción menos experimental y más comercial y accesible del álbum, que recuerda al estilo de los singles más famosos de su anterior álbum como ‘In Your Eyes’ o ‘Save Your Tears’. Este pegadizo tema synth-pop, dance-pop y New Wave con uso prominente de guitarra tiene el sello inconfundible de Max Martin y Oscar Holter y habla de cómo una antigua novia que tuvo ahora cree que él no vale nada. También merece la pena reseñar ‘I Heard You’re Married’, un tema synth-pop producido por Calvin Harris que cuenta con la participación del rapero Lil Wayne (la segunda colaboración entre ambos artistas) y en el que The Weeknd saca su orgullo propio al enterarse de que una chica con la que ha tenido una relación ahora está casada, o ‘Out of Time’, un tema mid-tempo pop/R&B de estilo retro en el que podemos apreciar una gran influencia de la música de Michael Jackson. Aunque la mayor parte del contenido de ‘Dawn FM’ es up-tempo y bailable, también hay espacio para temas más lentos, como por ejemplo ‘Is There Someone Else?’, que se trata de una balada mid-tempo producida por Tommy Brown que no abandona el uso de sintetizadores y el estilo electropop presente en el álbum o ‘Here We Go… Again’, una bonita balada que habla de lo difícil que resulta escapar del lado oscuro del amor y cuenta con una innecesaria aportación del rapero Tyler The Creator.

No es difícil apreciar que el cantante canadiense ha ido reduciendo progresivamente la cuota de R&B alternativo (del que fue uno de sus mayores representantes) en sus últimos álbumes a la vez que incorporaba temas pop bailables y comerciales con los que ha ampliado su público y conseguido un éxito apabullante. Si en «After Hours» estaban presentes las dos facetas del cantante (el R&B más oscuro y el dance-pop comercial), en «Dawn FM» ha profundizado en ésta última y nos ha presentado un conjunto de canciones synth-pop del tipo ‘Blinding Lights’ con gran influencia de la música electrónica de los años 80. En resumen, «Dawn FM» destaca por su pulida y refinada producción y contiene un conjunto muy sólido de canciones que podría exprimirse con numerosos singles a lo largo de este año. Pese a no encontrar canciones de estilo R&B en «Dawn FM» debo reconocer que es uno de los mejores álbumes de su discografía y continúa el alto listón dejado por magníficos «Starboy» y «After Hours», lo cual es muy complicado. Temas imprescindibles: Take My Breath, Sacrifice, Less Than Zero, Gasoline y Out of Time. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Future Nostalgia» de Dua Lipa

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Future NostalgiaTeniendo en cuenta el gran éxito que cosechó el primer álbum de estudio de Dua Lipa, muchas expectativas estaban puestas en torno a su nuevo trabajo, Future Nostalgia, que ha visto la luz una semana antes de lo previsto después de haberse filtrado todo su contenido en internet. El debut de título homónimo de la cantante de ascendencia albanesa se puso a la venta en 2017 en Reino Unido y otros países europeos aunque no fue hasta un año después cuando Dua Lipa despuntó a nivel internacional gracias a ‘New Rules’, el sexto sencillo del álbum pero que se convirtió en el primer #1 de la cantante en su país y resultó un ‘auténtico grower’ en el resto del mundo ya que acabó ocupando incluso el top 10 en la lista americana de singles y su videoclip acumuló más de dos mil millones de visitas en YouTube. Tras la excepcional acogida comercial de ‘New Rules’ llegaron más singles de éxito como ‘IDGAF’ e importantes colaboraciones con otros artistas como es el caso de Calvin Harris en otro ‘monster hit’ como lo fue ‘One Kiss’. La estrategia comercial de Future Nostalgia ha sido diferente a la llevada a cabo con el disco debut de la cantante inglesa ya que una gran cantidad de singles fueron lanzados con anterioridad a la publicación de ‘Dua Lipa’, que acabó convirtiéndose en una playlist de los éxitos del 2017 y 2018 más que en un disco centrado (algo que les ha ocurrido también a otros jóvenes artistas británicos con sus discos debut) sin embargo con su segundo álbum ha llevado a cabo una estrategia más ‘tradicional’ de lanzar sólo un par de singles con antelación a su lanzamiento.

La principal diferencia de «Future Nostalgia» con respecto a su anterior disco es que abandona el EDM (electronic dance music) y Tropical House tan de moda hace unos años pero que llegó a saturar las radios para adentrarse en un sonido Disco, dance-pop y synth-pop más ‘retro’ que se inspira en la música de baile de los años 80 y 90. El objetivo de Dua Lipa con este álbum ha sido crear música atemporal y vanguardista en vez de regirse por las modas imperantes, algo que sí hizo en su anterior disco. La cantante inglesa ha compuesto los 11 temas presentes en este álbum bajo la producción de The Monsters and The Strangerz, Ian Kirkpatrick, Jason Evigan, Jeff Bhasker o Stuart Price (el responsable del aclamado álbum «Confessions on a Dance Floor» de Madonna) en un intento por encontrar su sonido deseado. En el mes de noviembre llegó el primer single, Don’t Start Now, que se trataba de un bailable tema dance-pop y synth-pop con influencia Disco que marcaba una transición perfecta entre el habitual estilo de Dua Lipa y el nuevo sonido ‘retro’ que nos muestra en este nuevo trabajo. En este tema, la joven cantante intenta explicarle a su ex-pareja que debe pasar página puesto que su relación ha terminado. La compositora Emily Warren y el productor Ian Kirkpatrick, los cuales se encuentran en los créditos de ‘Don’t Start Now’, ya fueron los artífices del hit ‘New Rules’ y han resultado nuevamente el equipo perfecto para hacer de este tema uno de los rotundos éxitos de lo que llevamos de año, ya que dicho single ha ocupado el top 5 en las listas de venta de Reino Unido, Australia, Canadá o Estados Unidos gracias a un altísimo nivel de streaming (acumula 600 millones de reproducciones en Spotify).

‘Don’t Start Now’ se ha convertido en un auténtico ‘grower’ a lo largo de este 2020 al igual que lo fue ‘New Rules’ años atrás y poco a poco ha ido ganando fuerza y ascendiendo en las listas de venta de muchos países, sin embargo a finales de diciembre Dua Lipa nos presentó el sencillo promocional Future Nostalgia, que se trata de un tema synth-pop ochentero con influencias funk y Disco en el que Dua Lipa utiliza la técnica sing-rap en varias partes de la canción. Como segundo single oficial del álbum se lanzó Physical, otro marchoso tema dance-pop y synth-pop con influencia Disco que contiene una interpolación de la famosa canción del mismo nombre de Olivia Newton-John. Pese a que su lanzamiento ha estado opacado por el creciente éxito de ‘Don’t Start Now’, ‘Physical’ ha logrado ocupar el top 10 en Reino Unido y continúa incrementando su streaming y presencia en las listas de venta de todo el mundo. Coincidiendo con el lanzamiento del álbum ha llegado el tercer single, Break My Heart, un bailable tema dance-pop y Disco producido por Andrew Watt y The Monsters and The Strangerz en el que la joven cantante duda en seguir adelante con una relación que no funciona o dejar que le rompan el corazón. Entre las canciones más destacadas se encuentran ‘Hallucinate’, un marchoso tema de estilo House/Dance cuyas letras hablan de cómo el amor nos vuelve locos como si de una alucinación se tratase, ‘Love Again’, un marchoso tema dance-pop que samplea la melodía del clásico de Al Bowlly ‘My Woman’ que contiene letras sobre rupturas sentimentales y crecimiento personal o ‘Levitating’ un coqueto tema de sonido retro con influencia Disco/funk cuyas letras describen la sensación de levitar cuando te enamoras y utiliza referencias al espacio exterior. También merece la pena reseñar ‘Boys Will Be Boys’, en el que Dua Lipa trata el tema del feminismo y rechaza los dobles estándares que existen en la sociedad y en ausencia de baladas es la canción más calmada del álbum.

«Future Nostalgia» es un álbum breve y conciso (sobretodo si lo comparamos a los 17 temas que tenía la edición deluxe de ‘Dua Lipa’) sin grandes pretensiones y dirigido a las pistas de baile en el que la cantante inglesa pretende sonar atemporal y actual pero sin atarse a las modas musicales pasajeras. Prácticamente no sobra ningún tema en el álbum ya que todos ellos son de carácter up-tempo, marchosos y de naturaleza bailable. En ausencia de grandes divas pop que le hagan competencia y pese a su poca presencia escénica y falta de carisma, Dua Lipa se ha convertido en una de las mayores representantes del pop durante los últimos años y ha logrado asentar su popularidad gracias a una sucesión de singles muy exitosos que han hecho que se sitúe entre los 10 artistas más escuchados de Spotify a nivel mundial. En definitiva, «Future Nostalgia» resulta uno de los álbumes pop más originales e interesantes de lo que llevamos de año ya que rescata el sonido Disco/Dance de los 80 y 90 (de ahí el carácter ‘nostálgico’) pero con un toque moderno y actual. Temas imprescindibles: Don’t Start Now, Break My Heart, Levitating, Physical, Love Again y Hallucinate. Puntuación: 8/10.

Crítica de «After Hours» de The Weeknd

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After HoursTras unos orígenes encuadrados dentro del R&B alternativo, The Weeknd fue introduciendo progresivamente elementos ‘mainstream’ en su música que le hicieron más accesible al público masivo hasta el punto de convertirse en la actualidad en uno de los cantantes más importantes del panorama musical (se encuentra en el top 5 de los artistas más escuchados de Spotify a nivel mundial). A finales del mes de noviembre The Weeknd lanzó dos singles para presentar su nuevo trabajo discográfico: el primero de ellos era Heartless, un medio tiempo R&B con influencia Trap en el que relataba cómo había vuelto a su vida disoluta de playboy tras la ruptura con sus últimas ex-parejas, la modelo Bella Hadid y la cantante pop Selena Gomez. Debido a su componente urbano, Heartless tuvo un rendimiento comercial muy positivo en Estados Unidos, donde se convirtió en el cuarto #1 de The Weeknd en dicho país y también ocupó el top 10 en las listas de venta de Reino Unido, Australia y Canadá. Un par de días después de ‘Heartless’, el cantante nacido en Toronto nos desveló otro tema muy diferente como anticipo de su nuevo álbum. Me estoy refiriendo a Blinding Lights, un bailable tema synth-pop y electropop con influencia de la música electrónica de los años 80 co-escrito y producido por el rey midas del pop, Max Martin junto con Oscar Holter. Mientras que ‘Heartless’ triunfó en el mercado americano, ‘Blinding Lights’ fue más del gusto internacional y se ha convertido en un auténtico ‘grower’ ya que durante las últimas semanas ha ido escalando posiciones en las listas de venta hasta alcanzar el #1 en más de 20 países de todo el mundo gracias al altísimo nivel de streaming (acumula más de 500 millones de reproducciones en Spotify). En el mes de febrero el cantante canadiense desveló otro sencillo promocional, After Hours, para hacer más corta la espera hasta el lanzamiento de su nuevo álbum, titulado de idéntica manera. Este larguísimo tema de 6 minutos comenzaba como una oscura balada de R&B alternativo con melodía dispersa para transformarse más tarde en un marchoso tema up-tempo de estilo electropop. ‘After Hours’ fue comparado con el material presente en sus primeras mixtapes, recibió buenas críticas de los expertos musicales y ocupó el top 20 en las principales listas de venta pese a ser sólo un sencillo promocional.

Con una gran expectación por escuchar el resto del contenido del álbum, finalmente ha visto la luz After Hours, el cuarto disco de estudio de The Weeknd que toma el relevo al exitoso «Starboy», el cual fue publicado en el año 2016 y ocupó el #1 en Estados Unidos, Canadá y Australia. «After Hours» está formado por 14 temas encuadrados dentro del R&B, synth-pop, electropop, Trap y R&B alternativo compuestos por el propio The Weeknd bajo la producción de Metro Boomin, Oscar Holter, Max Martin, Illangelo o Ricky Reed entre otros. Coincidiendo con la publicación de After Hours se ha lanzado el tercer single oficial, In Your Eyes, que se trata un marchoso pero melancólico tema synth-pop con gran componente electrónico que guarda similitudes con el estilo presente en varias canciones de «Starboy» y tiene influencias de la música de los 80 al igual que ‘Blinding Lights’, lo que no nos debería sorprender demasiado ya que los productores son los mismos: Max Martin y Oscar Holter. ‘In Your Eyes’, con su original instrumentación de guitarra y saxofón, es sin lugar a dudas uno de los temas más pegadizos y sobresalientes del disco y le auguro un gran éxito en las listas de venta durante los próximos meses.

Podemos establecer una clara divergencia entre los temas producidos por Metro Boomin, como por ejemplo ‘Escape From LA’ o ‘Faith’, de carácter mid-tempo, con un sonido más urbano y que profundizan en el R&B alternativo y el Trap, y las canciones más bailables que corresponden a la parte pop cuyos responsables han sido Max Martin y Oscar Holter, entre ellas ‘In Your Eyes’ o Save Your Tears, un original tema synth-pop que continúa con las influencias ochenteras de ‘Blinding Lights’ y explora el tema del desamor. De las baladas y temas mid-tempo que abundan en la primera parte del álbum destaca la bonita balada ‘Scared to Lonely’, que contiene la interpolación de un famoso tema de Elton John.

En resumen, la espera de casi 4 años con respecto a «Starboy» (aunque durante este lapso de tiempo lanzó el EP My Dear Melancholy) ha merecido la pena ya que After Hours está formado por un conjunto sólido de canciones que mezclan las dos facetas diferentes de The Weeknd: la primera es una reminiscencia de sus primeras mixtapes de estilo R&B alternativo y la segunda corresponde a su lado más bailable y marchoso con el que ha conseguido abrirse a un mayor público, pero ambas comparten la misma temática de desamor, ya que relata sus últimas rupturas amorosas y cómo se ha convertido en un hombre desalmado que ha hecho de Las Vegas (a la que nombra en repetidas ocasiones bajo su pseudónimo ‘Sin City’) su segundo hogar. Sin duda «After Hours» es uno de los mejores álbumes R&B/pop de lo que llevamos de año y un más que digno sucesor del magnífico «Starboy». Temas imprescindibles: Heartless, Blinding Lights, In Your Eyes y Save Your Tears. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Love + Fear» de Marina

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marina-2Como ya comenté en la crítica de «Love», la cantante Marina tenía previsto publicar su cuarto álbum de estudio Love + Fear el 26 de abril, pero decidió liberar la primera parte del mismo a principios de dicho mes, tras el lanzamiento de varios singles que lograron una acogida muy tibia por parte del público. Y en la fecha originalmente establecida, la cantante galesa ha publicado el disco completo, para que podamos valorar el proyecto en su totalidad. «Love + Fear» es un disco doble con dos partes diferenciadas, y tras escuchar Love, que no ha acabado de enganchar a sus seguidores ni al público en general, ahora le toca el turno a Fear, que sin el acompañamiento de ningún sencillo promocional promete ser uno de los fracasos más sonados del año. Aunque «Love» contenía varias canciones interesantes, en conjunto resultaba poco arriesgado y original, sin embargo una vez que escuchas Fear, el álbum completo gana puntos y nos ofrece una visión más completa de este nuevo proyecto de la cantante de origen griego. Musicalmente, «Fear» sigue el patrón de «Love» y está compuesto principalmente por medios tiempos y baladas de estilo electropop, aunque podemos encontrar algún tema up-tempo de sonido dance-pop e influencia Tropical House, sin embargo en lo que respecta las letras de las canciones, mientras que «Love» se centraba en el amor y las relaciones, en «Fear» la cantante habla de los miedos e inseguridades por los que pasó durante su depresión, y cómo la fama y la popularidad tuvieron un efecto negativo sobre ella. 

Tras escuchar «Fear», puedo decir que me ha gustado más que la primera parte del álbum (olvidándome que ‘Baby’ forma parte de «Love», ya que Marina es la artista invitada) y dentro de las 8 canciones mis favoritas son ‘Karma’, un pegadizo tema que contiene influencia Latin-pop y sonidos tropicales y que resulta uno de los más pegadizos y accesibles del álbum, y ‘No More Suckers’, un medio tiempo electropop que supone un auténtico himno contra los haters. También destacan ‘Emotional Machine’, el único tema up-tempo dance-pop del álbum y ‘Soft To Be Strong’, la mejor balada del disco y en la que la cantante muestra su vulnerabilidad como persona. Aunque dentro de «Love + Fear» podemos encontrar buenas canciones y hay que destacar las habilidades de Marina como compositora y su personal voz, es un álbum difícil de digerir en la primera escucha y resulta poco comercial y accesible, convirtiendo a Marina en una artista de carácter indie. La cantante de 33 años, que nos conquistó cuando se apodaba Marina and the Diamonds y adoptaba diferentes alter-egos, ahora se muestra tal y como es, sin personajes ni artificios, pero parece que la estrategia no ha terminado de gustar al público, por lo que quizás es hora de que vuelva a recuperar los diamantes y nos ofrezca trabajos tan sobresalientes como «Electra Heart», su mejor disco hasta la fecha en mi opinión. Aún con todo, «Love + Fear» es un trabajo más que digno que merece la pena darle una oportunidad. Temas imprescindibles: No More Suckers, Emotional Machine y Karma. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Honey» de Robyn

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robyn honeyNada más y nada menos que 8 años han pasado desde que Robyn publicó Body Talk, su último álbum de estudio. Desde entonces apenas hemos sabido nada de la cantante sueca aunque lo cierto es que no ha estado completamente alejada del mundo de la música ya que durante esta larga ausencia ha lanzado dos EP’s, uno junto al dúo noruego de música electrónica Royksopp, y otro junto al grupo La Bagatelle Magique, compuesto por la propia Robyn, el productor Christian Falk y otro componente menos conocido. De los dos EP’s que lanzó Robyn destacó el primer de ellos, titulado «Do It Again», el cual recibió buenas opiniones de los expertos musicales, resultó bastante exitoso en Europa y Estados Unidos, donde alcanzó el #1 en el componente Dance de la lista Billboard e incluso fue nominado a un premio Grammy a mejor álbum Dance/electrónico. El segundo EP, «Love Is Free», fue publicado en el año 2015 y pasó más desapercibido entre el público, y desde entonces no hemos tenido apenas noticias de Robyn ya que tras la muerte de Christian Falk (gran amigo suyo) y una ruptura sentimental, la cantante pasó por una depresión y se mantuvo alejada del mundo de la música. Una vez que estuvo recuperada de estos malos momentos personales, Robyn empezó a grabar su nuevo álbum de estudio, el octavo de su trayectoria discográfica. 

A finales de octubre llegó el sexto álbum de estudio de Robyn, titulado Honey, el cual está compuesto por 9 temas compuestos por la propia artista sueca (quien ha participado en mayor medida en el proceso creativo) y producidos por Joseph Mount y su habitual colaborador Klas Ahlund. Este trabajo está encuadrado dentro de su característico sonido electropop e incorpora elementos synth-pop, dance-pop, House o post-Disco, pero a diferencia de su anterior trabajo destaca por su tono melancólico y su estilo íntimo, maduro e introspectivo. Además este nuevo trabajo difiere del anterior en cuanto a la estrategia promocional llevada a cabo, ya que «Body Talk» se trataba de un original proyecto precedido por dos mini álbumes llamados «Body Talk Part 1» y «Body Talk Part 2» para concluir en un disco que estaba compuesto por las mejores canciones de ambos álbumes, sin embargo en el caso de «Honey», la cantante se ha decantado por una estrategia más tradicional. En agosto llegó el single presentación, Missing U, que se trata de un tema electropop y dance-pop con influencias Disco cuyas letras están dirigidas a su fallecido amigo Christian Falk, al cual le dedica unas bonitas palabras diciéndole lo mucho que le echa de menos y las cosas que les quedaron por hacer juntos. Pese a ser un tema bailable y up-tempo, Robyn canta de una manera muy emotiva y sentimental, como si de una balada se tratase. Como segundo single, la cantante sueca lanzó la canción titular, Honey, que se trata de un tema dance-pop y electropop interpretado por Robyn de una manera muy lánguida y melancólica y cuyas letras navegan por el placer, el dolor y la recuperación emocional después de un período difícil.

Además de componer los 9 temas que forman parte de «Honey», la cantante nacida en Estocolmo también ha participado en la producción de varias de las canciones, junto a su habitual colaborador Klas Ahlund o Joseph Mount, con quien trabaja por primera vez. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Human Being’ un medio tiempo electrónico o el hipnótico ‘Baby Forgive Me’. El álbum «Honey» ha alcanzado el #1 en su nativa Suecia, sin embargo ha obtenido un recibimiento muy tibio en el resto del mundo debido a una escasa promoción, aunque es notorio mencionar su entrada en el top 40 en Estados Unidos. En resumen, «Honey» es el álbum más personal de Robyn hasta la fecha, ya que es fruto de una mala época en la que ha sufrido importantes pérdidas y duros momentos personales, sin embargo en su conjunto palidece en comparación a «Body Talk», el cual estaba compuesto por un conjunto muy sólido de temas bailables pero con un profundo componente lírico. Sin duda, su larga espera ha merecido la pena ya que es un buen trabajo de electropop ejecutado de una manera muy elegante. Temas imprescindibles: Missing U, Honey, Human Being y Baby Forgive Me. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Make a Scene» de Sophie Ellis-Bextor

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En el año 2001, la cantante británica Sophie Ellis-Bextor publicó «Read My Lips», su primer álbum de estudio en solitario, que incluía los éxitos ‘Murder on the Dancefloor’, el cual fue #2 en la lista británica de singles y ‘Get Over You’, que también tuvo una gran respuesta por parte del público europeo. El álbum alcanzó el #2 en la lista de ventas de Reino Unido y vendió más de 2 millones de copias en todo el mundo. «Read My Lips» estaba encuadrado dentro del sonido electropop, dance-pop y Disco y destacaba por su divergencia con respecto a la música indie y alternativa que hacía junto a su grupo The Audience. Su segundo trabajo discográfico, «Shoot From The Hip» no fue capaz de repetir el éxito de su álbum debut y tuvo un desempeño muy discreto en las listas de venta, ya que apenas ocupó el top 20 en Reino Unido. En 2007, Sophie publicó «Trip The Light Fantastic», su tercer álbum de estudio, el cual alcanzó el top 10 de la lista británica y contó con el éxito ‘Catch You’, que tuvo una gran respuesta por parte del público. Durante los años 2009 y 2010, la cantante inglesa realizó diversas colaboraciones con importantes Dj’s, como el dúo británico Freemasons en Heartbreak (Make Me a Dancer), un marchoso tema que combina dance-pop, Disco y House que recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales por la maravillosa ejecución vocal de Sophie y su elegante producción. Este single gozó de una gran promoción por parte de la artista londinense y tuvo un buen rendimiento comercial en la lista de ventas de Reino Unido, donde ocupó el puesto #13. Unos meses más tarde, la cantante siguió colaborando con Dj’s como el francés Junior Caldera en el tema Disco/House Can’t Fight The Feeling. El siguiente single, anticipo de su nuevo trabajo musical, ya sin colaboraciones con otros artistas fue Bittersweet, un pegadizo tema dance-pop, House y Disco que recordaba a su hit ‘Heartbreak’ y no es casual el parecido ya que estaba producido por el dúo inglés Freemasons, responsables también de aquel tema. Bittersweet tuvo un rendimiento comercial moderado y fue #25 en la lista británica. Tras este single, Sophie realizó otra colaboración, en este caso con el Dj holandés Armin van Buuren en Not Giving Up On Love, que se trataba de un elegante y melódico tema Dance/Trance en el que Sophie declara que los sentimientos que tiene por su pareja son muy fuertes. 

Tras numerosos retrasos en su publicación, en 2011 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Sophie Ellis-Bextor, titulado Make a Scene y el primero lanzado de manera independiente bajo su propio sello discográfico. Todos los singles anteriormente lanzados por la sofisticada cantante de ojos azules fueron incluidos en este trabajo discográfico. Después de sus tres primeros álbumes, Sophie tenía pensado publicar un disco de grandes éxitos con ‘Heartbreak’ como single presentación, sin embargo las sesiones de grabación fueron tan fructíferas que finalmente decidió publicar un nuevo álbum de estudio. «Make a Scene» está formado por temas up-tempo de estilo dance-pop, electropop, House y Disco producidos por grandes Dj’s y productores de la industria musical europea como Calvin Harris, Richard Stannard, Greg Kurstin, Freemasons, Liam Howe o Richard X entre otros. «Make a Scene» es un álbum dirigido a las pistas de baile, pero no por ello vacío de contenido como otros discos de género Dance ya que tiene unas letras profundas y muestra el gran talento vocal y como compositora de Sophie, ya que todos los temas están compuestos por ella. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Off & On’ y ‘Starlight’, que se tratan de dos interesantes temas synth-pop y dance-pop, pero ninguno de ellos consiguió atraer la atención del público. El álbum fracasó en las listas de venta, aunque este desempeño tan mediocre se debió a que fue publicado de manera muy limitada en pocos países y sin apenas promoción en el momento del lanzamiento.

Su perfecta pronunciación y dicción británica y su elegancia natural son las señas de identidad de esta carismática cantante, poco conocida por el público masivo pero que ha gozado de gran éxito en su Reino Unido natal y otros países europeos. En resumen, podríamos pensar que «Make a Scene» es una recopilación de los singles que Sophie lanzó durante los años anteriores a su publicación más que un álbum centrado y cohesivo, pero nada más lejos de la realidad, ya que es un trabajo discográfico sólido y de gran calidad. Sin duda uno de los mejores álbumes de estilo dance-pop lanzados durante la década del 2010. Temas imprescindibles: Heartbreak (Make Me a Dancer), Bittersweet, Off & On, Starlight, Homewrecker y Dial My Number. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Body Language» de Kylie Minogue

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Kylie Body LanguageTras el éxito logrado con «Fever», el cual consiguió ventas millonarias y contó con el hit single ‘Can’t Get You Out of My Head’ que alcanzó el #1 en las listas de venta de todo el mundo, Kylie Minogue regresó al panorama musical en 2003 con Body Language, uno de sus trabajos más maduros hasta la fecha y que marcaba una divergencia musical con respecto a sus anteriores álbumes. «Body Language» se distancia del dance-pop con influencia Disco de sus dos últimos álbumes para profundizar en el electropop, el synth-pop de los años 80 y el R&B. Este álbum es el noveno en la larga discografía de la cantante australiana y está compuesto principalmente por temas mid-tempo y varios temas dance-pop, pero en su conjunto no contiene tantas canciones up-tempo bailables como sus anteriores trabajos. Líricamente, el álbum contiene letras sobre seducción, romance y desamor. «Body Language» recibió en su mayoría opiniones positivas por parte de los expertos musicales, quienes alabaron la constante capacidad de reinvención de Kylie y su nuevo sonido, pero también hubo ciertas críticas hacia el contenido del álbum por la ausencia de temas pegadizos y ‘radio friendly’ con potencial para ser singles. Durante la era «Body Language», Kylie ofreció una imagen más retro y sofisticada inspirada en la figura de Brigitte Bardot. Este álbum debutó en el #2 en de la lista de ventas de Australia y fue top 10 en Reino Unido, sin embargo las ventas fueron notoriamente inferiores a las obtenidas por «Fever». El single presentación del álbum fue Slow, un medio tiempo electropop y synth-pop de letras muy sugerentes en las que Kylie anima a su amante a bailar con ella de manera lenta. Este single recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales, recibió una nominación a los premios Grammy en la categoría de mejor grabación Dance y tuvo buena acogida por parte del público ya que alcanzó el #1 en Australia, Reino Unido y España. El título del álbum viene precisamente de unas líneas de este tema: ‘read my body language’.

El segundo single lanzado fue Red Blooded Woman, un pegadizo tema mid-tempo R&B y synth-pop en cuyas letras Kylie afirma que no teme tomar la iniciativa ni expresar su atracción física, convirtiéndose en un himno de empoderamiento sexual. ‘Red Blooded Woman’ representa a la perfección la esencia R&B del álbum y es uno de los temas más sobresalientes de «Body Language». Este single ocupó el top 5 en Reino Unido y Australia, pero en el resto del mundo tuvo un desempeño moderado en las listas de venta. Como tercer y último single se lanzó Chocolate, un tema mid-tempo R&B con ciertas influencias Disco/funk cuyas letras utilizan el chocolate como una metáfora central para describir una obsesión romántica y la adicción al amor. ‘Chocolate’ tuvo una respuesta comercial muy tibia, aunque alcanzó el top 10 en Reino Unido y el top 20 en su nativa Australia. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Secret (Take You Home)’, un tema electropop y dance-pop que contiene un pequeño rap por parte de Kylie y resulta el momento más up-tempo y bailable, ‘Promises’, un tema mid-tempo con influencias funk que habla sobre cómo lidiar con las secuelas de una relación rota y se centra en temas como traición y desamor o ‘Loving Days’, una romántica balada pop/R&B cuyas letras hacen referencia al escapismo y describen el deseo de perderse en la relación, lejos del resto del mundo.

Pese a que Kylie Minogue perfectamente podría haber replicado la fórmula de «Fever» y publicado otro álbum de dance-pop dirigido a las pistas de baile, se arriesgó cambiando de estilo musical y mostrando una nueva imagen, lo cual es de alabar y agradecer. En definitiva «Body Language» no se encuentra entre los mejores álbumes de la discografía de Kylie, sin embargo es un álbum digno que pone de manifiesto su habilidad para permanecer vigente en el panorama musical y contiene un conjunto de temas R&B que encajan bien con la personalidad sexy de Kylie. Temas imprescindibles: Slow, Red Blooded Woman, Chocolate, Secret (Take You Home), Promises y Obsession. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Fever» de Kylie Minogue

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Kylie FeverTras un periodo comercial infructuoso a finales de los años 90, la cantante Kylie Minogue protagonizó su gran ‘comeback’ en el año 2000 con el álbum Light Years, el cual le devolvió la popularidad perdida y le llevó a los primeros puestos de las listas de venta gracias a hit singles de la talla de ‘Spinning Around’ y ‘On a Night Like This’. Casi sin un respiro, la cantante australiana regresó al panorama musical en 2001 con su octavo álbum de estudio, Fever, con el que consolidó su presencia en el panorama pop y le convirtió en una de las cantantes más importantes del momento. «Fever» sigue la estela musical de su álbum predecesor y está encuadrado dentro del estilo dance-pop aunque tiene un sonido más moderno y vanguardista e incorpora elementos electropop, synth-pop y Disco. Kylie Minogue compuso 5 de los 12 temas presentes en el álbum y contó con la producción de Richard Stannard y Julian Gallagher (responsables de varios temas de «Light Years»), Steve Anderson, Rob Davis o Cathy Dennis entre otros. El álbum superó todas las expectativas puestas en él, se convirtió en el más vendido dentro de la larga carrera de la cantante y superó los 6 millones de copias en todo el mundo. «Fever» alcanzó el #1 en Australia, Reino Unido o Alemania y ocupó el top 5 en la lista de ventas de Estados Unidos. Esta respuesta comercial tan positiva se debió sin duda al espectacular éxito del primer single lanzado, Can’t Get You Out Of My Head, que se trata de un potente tema dance-pop, electropop y Nu-Disco de sonido futurista compuesto por Cathy Dennis que destaca por su adictivo gancho «la la la» y en el que Kylie declara que está obsesionada con su amante y no puede sacárselo de la cabeza. Este single alcanzó el #1 en mas de 20 países de todo el mundo e incluso llegó al #7 en la lista americana, lo que podemos considerar un gran logro para la cantante ya que Estados Unidos siempre se le ha resistido y es un mercado muy difícil para los cantantes pop. El videoclip futurista de la canción y la imagen moderna y sexy de Kylie sin duda contribuyeron al éxito de la canción, que se convirtió en una de las más escuchadas y populares del año 2001. Como segundo single se lanzó In Your Eyes, un marchoso tema dance-pop producido por Richard Stannard y Julian Gallagher en el que Kylie habla sobre las tentaciones que puedes encontrarte en la pista de baile. Las letras de ‘In Your Eyes’ hacen referencia a su hit ‘Spinning Around’ y resulta uno de los temas más bailables y pegadizos de «Fever». Este single alcanzó nuevamente el #1 en Australia y ocupó el top 10 en España y Reino Unido. En Estados Unidos fue lanzado ‘In Your Eyes’ pero fue #11 en Canadá.

El tercer single lanzado fue Love at First Sight, un pegadizo tema dance-pop y Disco compuesto por la propia Kylie bajo la producción de Julian Gallagher y Richard Stannard que habla del amor a primera vista. Este tema obtuvo críticas positivas, recibió una nominación a los premios Grammy y ocupó el top 5 en las listas de Reino Unido y Australia. Como cuarto y último single se lanzó Come Into My World, un tema dance-pop producido por Cathy Dennis y Rob Davis cuya producción compartía muchas similitudes con ‘Can’t Get You Out Of My Head’ y en el que Kylie ruega a su amante que entre en su mundo. ‘Come Into My World’ no tuvo un desempeño comercial tan positivo como los anteriores singles debido a la sombra alargada del éxito de ‘Can’t Get You Out Of My Head’ pero nuevamente fue top 10 en Reino Unido y Australia. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘More More More’, un tema dance-pop con influencia Disco reminiscencia de «Light Years» que hubiera sido un gran candidato a single, ‘Fever’, un tema electropop de carácter mid-tempo o ‘Your Love’, con uso prominente de guitarra española e influencias latinas que recordaba a ‘Please Stay’ de su anterior álbum. En resumen, «Fever» es un sólido álbum de pop que destaca por su vanguardista y moderna producción y su excelente conjunto de canciones de naturaleza bailable y desenfadada. Este álbum contó con una magnífica selección de singles y fue el responsable de devolver a Kylie Minogue a los primeros puestos de las listas de venta y convertirla de nuevo en una de las cantantes de pop más importantes del momento. Sin duda «Fever» no solo es uno de los mejores trabajos dentro de la extensa discografía de Kylie Minogue sino que resulta innegable su influencia en el pop de la década del 2000. Temas imprescindibles: In Your Eyes, Can’t Get You Out Of My Head, Love at First Sight, Fever, More More More, Come Into My World y Your Love. Puntuación: 8’5/10.

Crítica de «Electra Heart» de Marina and the Diamonds

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1461417085034La cantante galesa Marina and the Diamonds hizo su debut en el mundo de la música en el año 2010 con «The Family Jewels», que recibió buenas críticas de los expertos musicales por sus originales canciones, sus extravagantes letras y la personal voz de Marina, que le permite llegar a registros muy diferentes. El segundo disco de Marina llegó en 2012 y se trataba de un álbum conceptual muy complejo y original acerca de las diferentes vertientes que tiene una mujer y en el que el personaje principal es Electra Heart, que reúne los estereotipos femeninos de la cultura del Sueño Americano y tiene elementos de la tragedia griega debido a los altibajos que tiene toda mujer, como las rupturas amorosas y las complejas relaciones con los hombres. Cada diferente personalidad o estado de ánimo corresponde a una canción, como Primadonna, Homewrecker o Bubblegum Bitch. El personaje de Electra Heart está influenciado en Marilyn Monroe, Madonna y otras importantes mujeres del mundo del espectáculo. Durante la promoción de este álbum, Marina lució una estética retro y «girlie», que representaba la imagen de Electra Heart. Con respecto a su anterior disco, ‘The Family Jewels’, la principal diferencia de su segundo trabajo discográfico es la evolución musical, ya que Electra Heart profundiza en el sonido electropop, tan de moda durante esos años, con cierta similitud a «The Fame» de Lady Gaga o «Animal» de Kesha, aunque Marina tiene un sonido más indie y alternativo, con influencias pop/rock y de la música electrónica de los años 80 y 90. Este sonido más comercial se debió a la colaboración de Marina con algunos de los mejores productores musicales del panorama musical como Rick Nowels, Dr. Luke o Greg Kurstin, quienes le dieron al disco un toque más bailable y marchoso aunque además de enérgicos temas electropop también podemos encontrar varias baladas que muestran el lado más vulnerable y emotivo de la cantante.

La elección de los singles no pudo ser más acertada ya que los tres sencillos lanzados son los temas más sobresalientes de este proyecto tan original. El primer single lanzado fue Primadonna, un marchoso tema dance-pop y electropop producido por Dr. Luke que está basado en las propias experiencias amorosas de Marina y en la imagen que su ex-pareja tenía de ella. Este magnífico tema destaca por el amplio registro vocal de Marina, que alterna registros muy altos en el estribillo y bajos durante las estrofas de la canción. ‘Primadonna’ resultó el single más exitoso del álbum y alcanzó el #11 en Reino Unido y el top 25 en Australia y Alemania. El segundo single fue Power & Control, que se trataba de un tema electropop producido por Greg Kurstin que habla sobre la superioridad entre los miembros de la pareja, recibió grandes elogios por parte de los expertos musicales y fue considerado el mejor tema del álbum. Como tercer y último single se lanzó How To Be a Heartbreaker, un pegadizo tema pop/rock y electropop que cuenta con unas letras muy originales acerca de cómo ser el perfecto rompecorazones. Este tema es la otra contribución de Dr. Luke al álbum y no pudo aparecer en la edición europea de «Electra Heart» porque fue la última canción en ser grabada por lo que se incluyó en la edición americana del álbum.

Entre los temas más destacados se encuentran ‘Bubblegum Bitch’, un potente tema pop/rock y electropop con influencia punk y que se trata de uno de los temas más up-tempo y enérgicos, la balada electrónica ‘Lies’, producida por Dr. Luke y que supone uno de los momentos más profundos y emotivos del disco, ‘Living Dead’ y ‘Homewrecker’, que resumen perfectamente el estilo electropop del álbum o ‘The State of Dreaming’, que comienza de manera lenta para convertirse en un tema up-tempo. Este álbum fue intensamente promocionado por parte de Marina en numerosos programas de TV, se embarcó en la extensa gira ‘The Lonely Hearts Club Tour’ que la llevó por toda Europa y Estados Unidos e incluso grabó videoclips de todos los temas presentes en el disco. Con «Electra Heart», Marina alcanzó el #1 en la lista de ventas británica y aunque su rendimiento fue moderado en el resto del mundo, este álbum logró entrar en el top 40 de la lista americana, un dato muy positivo para una artista británica de pop. En resumen, «Electra Heart» es uno de los mejores álbumes que he escuchado recientemente y Marina and the Diamonds se ha convertido en mi gran descubrimiento del año, ya que además de ser una gran cantante con una voz inconfundible y con infinidad de matices, es una gran compositora que siempre sorprende con unas letras originales e imaginativas y su estilo en general no deja indiferente a nadie, por ello a pesar de haber escuchado este disco un tiempo después de su lanzamiento, ha merecido la pena descubrir a esta artista en mayúsculas. Temas imprescindibles: Primadonna, Power & Control, Bubblegum Bitch, How To Be a Heartbreaker, Lies, Living Dead y Homewrecker. Puntuación: 9/10.

Throwback Review: «Body Talk» de Robyn

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Robyn es una cantante y compositora sueca que alcanzó su mayor cota de popularidad en el año 1996 con su álbum debut, titulado «Robyn Is Here», que contaba con los singles ‘Show Me Love’ y ‘Do You Know (What It Takes)’, los cuales lograron bastante éxito en las listas de Reino Unido o Estados Unidos y convirtieron a la cantante una de las más populares durante la época dorada del pop de finales de los 90. Max Martin, compatriota de Robyn, fue el responsable de estos dos singles, que se convirtieron en los primeros de los muchos éxitos que crearía este productor durante su larga carrera musical. «Robyn Is Here» estaba compuesto por marchosas canciones de estilo pop y dance-pop, recibió buenas críticas de los expertos musicales y acabó vendiendo un millón de copias en Estados Unidos, todo un logro para una artista sueca. Su segundo y tercer álbum, «My Truth» y «Don’t Stop The Music», en los que coqueteaba con el R&B, solo fueron publicados en su Suecia natal, pero lograron buena acogida y ocuparon el top 3 en la lista de ventas. Con «Robyn», su cuarto disco de estudio y publicado bajo su propio sello discográfico, se alejó del sonido urbano de sus últimos álbumes y volvió al dance-pop, aunque con gran influencia del sonido electropop. Durante esta época Robyn recuperó su popularidad ya que el álbum fue publicado en muchos países de Europa y triunfó gracias a singles como ‘With Every Heartbeat’, que fue #1 en Reino Unido, o ‘Be Mine!’, que ocupó el top 10 en Suecia y Reino Unido.

Tras varios años en silencio, Robyn regresó en 2010 con un ambicioso y original proyecto que consistía en tres mini álbumes o EP’s que componen una trilogía y culminan en un álbum que contenía las mejores canciones de dichos mini álbumes. Body Talk está formado por 15 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del sonido electropop, synth-pop y dance-pop, compuestos por la propia Robyn y producidos principalmente Klas Ahlund, con producción adicional de Max Martin, Patrik Berger, Billboard o Diplo. En junio de 2010 se puso a la venta el primer mini-álbum, ‘Body Talk Part I’, que incluía el single Dancing on My Own, el cual se convertiría en uno de sus temas más famosos y su primer single #1 en la lista de ventas de Suecia, además de ocupar el top 10 en Reino Unido, Dinamarca y Noruega. ‘Dancing on My Own’ es un tema electropop y synth-pop compuesto por Robyn y Patrik Berger cuyas letras hablan de la soledad de la cantante en la pista de baile mientras observa a su ex-pareja bailar con otra mujer. ‘Dancing on My Own’ recibió buenas críticas por su tono melancólico y el talento de Robyn como vocalista y compositora y es el ejemplo perfecto del estilo electropop que triunfaba en el año 2010. Este primer EP estaba producido en su mayoría por el músico sueco Klas Ahlund, quien fue responsable de temas como ‘Dancehall Queen’ o ‘Fembot’, incluidos posteriormente en «Body Talk».

Tres meses después llegó ‘Body Talk Part II’, con Hang With Me como single presentación, que se trataba de un tema electropop que no logró despuntar en el resto del mundo como ‘Dancing On My Own’, pero alcanzó el #2 en su nativa Suecia. Esta segunda entrega contenía un sonido más electrónico, resultaba más marchosa que la primera parte e incluía grandes temas como ‘Love Kills’ o ‘U Should Know Better’, con influencia Hip Hop y que contaba con la participación del rapero Snoop Dogg. En noviembre llegó el álbum completo, «Body Talk», que recogía los singles y las mejores canciones de las dos primeras entregas y 5 nuevos temas, que también se pusieron a la venta el mismo día de manera separada como el EP ‘Body Talk Part III’. El single presentación del álbum fue Indestructible, un tema synth-pop y electropop cuyas letras hablan de una conexión amorosa en la que Robyn toma malas decisiones. Sin duda ‘Indestructible’ es una auténtica joya synth-pop que ya apareció previamente en versión acústica dentro de la segunda entrega. Entre los temas nuevos destaca el magnífico ‘Time Machine’, que supuso la colaboración de Robyn con su viejo conocido Max Martin y resulta uno de los temas más ‘radio friendly’ o Call Your Girlfriend, que se lanzó como segundo single y se trata de un marchoso tema electropop y dance-pop en el que Robyn ruega a su nueva pareja que rompa con su novia de la manera más suave posible.

Para este álbum, la cantante sueca mostró su lado más extravagante, con unos videoclips muy atrevidos e impactantes y un look original y desenfadado. En resumen, «Body Talk» se trata de un proyecto sumamente original y ambicioso, formado por un conjunto muy sólido de canciones bailables y marchosas que representan a la perfección el sonido electropop que triunfó durante la década del 2010 y destacan por su honestas y vulnerables letras. Los puntos fuertes son la ausencia de relleno (el álbum se puede escuchar de principio a fin sin apenas saltar ninguna canción), la elegante producción de Klas Ahlund y el gran talento de Robyn como compositora y vocalista. Sin duda «Body Talk» es uno de los mejores álbumes electropop de todos los tiempos, de ahí que haya conseguido una de las mejores notas que ha otorgado el blog Mister Music. Temas imprescindibles: Dancing on My Own, Indestructible, Time Machine, Call Your Girlfriend, Love Kills, Hang With Me y Get Myself Together. Puntuación: 9/10.