Crítica de «Fine Line» de Harry Styles

Fine LineUna semana después de que Liam Payne publicara su álbum debut en solitario, su compañero de One Direction Harry Styles ha publicado su segundo álbum de estudio, titulado Fine Line. Tras la separación de la famosa ‘boy band’, el primer álbum como solista de Harry Styles vio la luz en 2017 y en él se distanció del pop manufacturado que hacía junto a One Direction para adentrarse de lleno en el pop/rock y mostrar su propia personalidad como artista. «Harry Styles» resultó un gran éxito a nivel mundial, debutó en el #1 de las listas de ventas de Reino Unido, Australia, Canadá o Estados Unidos entre otros y recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales. Sin abandonar totalmente el estilo pop/rock y folk de su álbum debut, «Fine Line» es un álbum más variado con influencias Soul, funk e indie pop. El álbum cuenta con la producción sus habituales colaboradores Tyler Johnson y Jeff Bhasker, además de Kid Harpoon o Greg Kurstin y ha sido compuesto en su totalidad por Harry Styles, quien pese a la gran popularidad que ha alcanzado a lo largo de los años nos muestra su vulnerabilidad y la otra cara de la fama como es la soledad y la tristeza tras un periodo de descubrimiento personal. «Fine Line» ha logrado un gran éxito comercial y ha alcanzado el #1 en Estados Unidos, Canadá o Australia o #2 en su Reino Unido natal.

El single presentación del álbum fue Lights Up, un original tema indie pop con influencias R&B/Soul y del soft-rock de los años 70 cuyas letras hacen referencia al auto-descubrimiento y la aceptación de la identidad de uno mismo. ‘Lights Up’ alcanzó el #3 en la lista de ventas de Reino Unido, su segunda mejor posición hasta la fecha. Como aperitivo a la publicación del álbum se lanzó como segundo single Adore You, un tema mid-tempo pop, funk y Soul producido por Kid Harpoon que habla de los primeros momentos de una relación. ‘Adore You’ también ha tenido un buen desempeño comercial y ha ocupado el top 10 en Reino Unido y Estados Unidos. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran Watermelon Sugar, un tema indie pop con influencias Soul/funk y sensuales letras que hacen referencia al sexo oral femenino, ‘Golden’, un marchoso tema folk y pop/rock en el que habla de su temor a la soledad, ‘She’, una poderosa balada Soul con ciertos toques Rock que recuerda a Prince y recupera el sonido de los años 70 o ‘Sunflower’, un original tema folk compuesto por Greg Kurstin.

Mientras que su ex-compañero de grupo Zayn Malik profundizó en el R&B alternativo y adoptaba el papel de ‘alma atormentada’ del grupo y Liam Payne ha probado suerte con un urban-pop comercial, desde sus inicios como artista en solitario Harry Styles se ha decantado por un sonido alejado de las modas que inundan la música hoy en día y ha ofrecido un álbum que resulta atemporal. Pese a una intensa promoción, el álbum debut de Liam Payne ha tenido un tibio resultado comercial, sin embargo «Fine Line» promete ser uno de álbumes más exitosos del 2019 que pronto va a acabar y sin duda seguirá dándole muchas alegrías a Harry Styles el año que viene. En definitiva, aunque no es el tipo de música que suelo escuchar, tras darle una oportunidad a «Fine Line» debo reconocer que contiene canciones interesantes que no siguen las modas imperantes ni se parecen a lo que suena actualmente en las radios y muestra una gran madurez y talento por parte de Harry Styles, quien no sólo es un gran vocalista sino un gran compositor y artista. Temas imprescindibles: Watermelon Sugar, Adore You y Lights Up. Puntuación: 7/10.

Crítica del álbum «Shawn Mendes»

00105111479993____1__640x640El tercer álbum de estudio del cantante Shawn Mendes, de título homónimo, se puso a la venta en mayo del pasado año y debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos y de su Canadá natal, convirtiéndose en el artista más joven de la historia de la música en conseguir que sus tres primeros trabajos fueran #1 en la lista de ventas americana. «Shawn Mendes» ha sido certificado platino en Estados Unidos gracias a sus altas cifras de streaming (fue el segundo disco pop con mayor streaming del año pasado por detrás de «Man of the Woods» de Justin Timberlake). En el resto del mundo, el cantante canadiense también demostró su éxito entre el público adolescente y logró el #1 en Australia y España o el top 3 en Reino Unido y Alemania. El tercer trabajo de Shawn Mendes es un álbum de pop con influencias pop/rock o R&B y está compuesto y co-producido por el joven cantante de ascendencia portuguesa. El single anticipo del álbum fue In My Blood, un tema pop/rock en el que relata los problemas de ansiedad que sufrió en el pasado, fue nominado a mejor canción del año en los premios Grammy y ganó el galardón en la misma categoría en los Juno Awards (los Grammy de Canadá). Este single logró un éxito moderado en las listas de venta: en Estados Unidos fue #11 y ocupó el top 10 en Reino Unido, Alemania, Canadá y Australia. Como segundo single, Shawn Mendes lanzó Lost in Japan, un bailable tema funk/R&B que recuerda al estilo de Justin Timberlake y muestra la variedad musical presente en el álbum.

En julio de este año, «Shawn Mendes» fue re-editado con dos temas nuevos: If I Can’t Have You, un marchoso tema pop/rock de potente estribillo en el que Shawn usa su voz en falsetto y tuvo un gran impacto comercial en todo el mundo (ocupó el #2 en las listas americana y canadiense) y Señorita, un medio tiempo de estilo Latin-pop a dúo con Camila Cabello. No es la primera vez que el atractivo cantante colabora con la ex-componente de Fifth Harmony, ya que en el álbum debut de Shawn ambos artistas llevaron a cabo la misma táctica e hicieron un dueto en ‘I Know What You Did Last Summer’, el single presentación de la reedición de «Handwritten». Señorita, que recuerda al hit ‘Havana’ de la cantante de origen cubano, ha sido un auténtico éxito en las plataformas de streaming de todo el mundo, superando los 500 millones de reproducciones en Spotify, y ha alcanzado el #1 en las principales listas de venta de todo el mundo, incluyendo Estados Unidos, Reino Unido, Australia y Canadá. Este tema, que fue lanzado de manera muy acertada en el mes de junio, se ha convertido en una de las canciones del verano gracias a su aroma latino y la gran química entre ambos artistas. En resumen, el tercer álbum de Shawn Mendes muestra su evolución musical, madurez y crecimiento como artista, ya que ha pasado de ser un ídolo adolescente a uno de los artistas pop más completos y prometedores de los últimos años gracias a su talento como cantante, compositor y músico. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de «Diosa de la Noche» de Gloria Trevi

gloria_trevi_diosa_de_la_noche.jpg_423682103Diosa de la Noche es el duodécimo álbum de estudio de la cantante mexicana Gloria Trevi, que se puso a la venta a finales del pasado mes de mayo y toma el relevo a ‘Versus’, el cual fue publicado en 2017 y se trataba de un disco a dúo con su compatriota Alejandra Guzmán. «Diosa de la Noche» es un disco autobiográfico en el que Gloria nos relata sus experiencias personales y amorosas, está formado por un compendio de marchosos temas up-tempo y desgarradoras baladas y encuadrado dentro del Latin-pop y pop/rock con influencias electro-pop y reggaeton. La canción que abre el álbum es precisamente la que le da título, ‘Diosa de la Noche’, que se trata de un marchoso tema Disco y dance-pop dirigido a las pistas de baile en el que la cantante habla sobre el empoderamiento femenino y resulta uno de los temas más bailables del disco. Otro de los temas más llamativos del álbum es sin duda Ábranse Perras, un auténtico himno para subir el autoestima y que lanza un mensaje de sobreponerse a los malos momentos, levantarse y seguir adelante, algo que Gloria Trevi conoce a la perfección, ya que pasó casi 5 años en la cárcel por un delito del que finalmente fue absuelta. Este pegadizo tema mezcla pop/rock con Latin-pop y electropop, contiene un estribillo a lo ‘I Will Survive’ y resulta todo un himno para las mujeres y el público gay, el cual ha sido incondicional para la artista mexicana durante toda su carrera. Ábranse Perras es una canción que llama la atención desde el primer momento por el uso de varias palabras como ‘escándala’ y donde presume de tener «culazo, pelazo y cuerpazo». En la primera escucha este tema resulta un tanto extraño, sin embargo rápidamente se te pega su estribillo ya que resulta altamente adictivo. Aunque Gloria Trevi es fiel a su habitual estilo pop/rock latino, este álbum incorpora otros sonidos de moda como el reggaeton en los temas ‘Me Lloras’, donde la cantante demuestra que no tiene pelos en la lengua en frases como «soy una máquina del sexo y también una señora» o el sorprendente ‘Hijoepu*#’, que resulta muy llamativo por la sinceridad de sus letras, en las cuales tanto Gloria como Karol G (la artista invitada en el tema) se despachan a gusto contra sus ex-parejas.

Aunque «Diosa de la Noche» es un álbum dirigido a las pistas de baile también hay un gran número de baladas, las cuales permiten a la Trevi expresar sus sentimientos y deleitarnos con su potente y profunda voz, como por ejemplo Rómpeme el Corazón, que se trata de una balada rockera de desamor con influencia de la música tradicional mexicana y ha sido elegido como el último single promocional del disco, ‘Ellas Soy Yo’, una desgarradora balada con gran trasfondo social en la que trata el tema de la violencia de género y rinde un homenaje a las mujeres violadas y maltratadas o Vas a Recordarme, otra de las grandes baladas del álbum en la que nuevamente habla de desamor (a pesar de que Gloria está felizmente casada desde hace 10 años). 

La portada de «Diosa de la Noche» encaja perfectamente con el título del álbum ya que nos presenta a Gloria Trevi como una diva gay y diosa de la fiesta y nos recuerda la grandiosidad de la portada de su famoso álbum ‘Una Rosa Blu’. A pesar de que nunca he seguido a Gloria Trevi, con motivo de su visita a España por la celebración del Orgullo Gay en Madrid, la cantante mexicana hizo varias entrevistas promocionales y en ellas me sorprendió su simpatía, humanidad y humildad para ser una auténtica celebridad en Latinoamérica, por ello decidí darle una oportunidad a su música y escuchar su último disco y tengo que reconocer que «Diosa de la Noche» es un álbum interesante que merece la pena añadir a tu playlist veraniego. La Trevi prometió volver a pasar por España con su ‘Diosa de la Noche Tour’, con el que sin duda hará cantar y bailar a los asistentes con las canciones de su último álbum además de sus clásicos como ‘Todos Me Miran’ (su mayor éxito en nuestro país), ‘Pelo Suelto’ o ‘Psicofonía’. En definitiva, «Diosa de la Noche» es un álbum muy ecléctico en el que la diva mexicana se sincera y no tiene reparos en tratar todo tipo de temas, como el empoderamiento femenino, la exclusión social, las mujeres maltratadas o sus relaciones fracasadas, por ello la composición es uno de los puntos fuertes de este álbum. Sin embargo quienes más disfrutarán este disco son el colectivo gay y sus fans más acérrimos. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de «Taking Chances» de Céline Dion

Taking ChancesA principios de la década del 2000 Céline Dion vivió un gran momento de popularidad gracias al álbum «A New Day Has Come», el cual recibió buenas críticas de los expertos musicales y resultó un gran éxito comercial, con más de 12 millones de copias vendidas en todo el mundo. Apenas un año después llegó «One Heart», que seguía la estela musical de su predecesor y contenía varios descartes de las sesiones de grabación de aquel álbum, lo cual atrajo ciertas críticas negativas. Tras la promoción de este álbum, la cantante canadiense se embarcó durante más de cuatro años en una residencia de conciertos en Las Vegas, «A New Day», que se convirtió en la residencia más recaudadora de la historia en la ciudad del pecado. En 2007 Céline Dion hizo doblete y publicó dos álbumes de estudio: uno en francés, titulado «D’Elles», para cubrir las necesidades de su fiel público francófono y a finales de año vio la luz su décimo trabajo en inglés, Taking Chances, el cual está formado por un compendio de sus clásicas baladas y temas up-tempo pop/rock con ciertas influencias dance-pop y R&B. «Taking Chances» tuvo una respuesta comercial positiva: ocupó #1 en su nativa Canadá, alcanzó el top 5 en importantes mercados como Estados Unidos, Francia, Reino Unido o Alemania y acabó vendiendo más de 3 millones de copias a nivel mundial. Mientras que sus anteriores álbumes, «A New Day Has Come» y «One Heart», estaban encuadrados dentro del pop, dance-pop y R&B, «Taking Chances» profundiza en el sonido pop/rock y destaca por contar con un gran número de versiones de famosas canciones de rock. Una amplia variedad de compositores y productores estuvieron implicados en este álbum, entre ellos Linda Perry, John Shanks, Kara DioGuardi, Kristian Lundin, Ben Moody (componente del grupo Evanescence), Ne-Yo, Chuck Harmony o Tricky Stewart.

El single presentación fue el tema que daba título al álbum, Taking Chances, que se trataba de una poderosa balada mid-tempo de estilo pop/rock originalmente grabada por Kara DioGuardi y producida por John Shanks, pero que finalmente acabó formando parte del disco de Céline Dion. ‘Taking Chances’ tuvo un desempeño comercial positivo y alcanzó el top 10 en Canadá, Francia o Italia, aunque tuvo un impacto más moderado en Reino Unido y Estados Unidos. Como segundo single se lanzó la balada Alone, versión del tema del mismo nombre del grupo de rock Heart y que Céline hizo suya convirtiéndola en una de las mejores baladas del álbum. Una de las canciones más interesantes y que se distancia del sonido pop/rock que domina el álbum es Eyes On Me, que se trata de un tema pop/R&B mid-tempo con melodía influenciada por el sonido del Medio Oeste y producido por Kristian Lundin. Pese a ser uno de los temas más llamativos y pegadizos del disco, ‘Eyes On Me’ tuvo un impacto mínimo en la listas de venta debido a su ausencia de promoción y videoclip. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Fade Away’, el tema más up-tempo, de estilo pop/rock y dance-pop, ‘This Time’, un dramático medio tiempo influenciado por el estilo gótico de Evanescence (producido por Ben Moody) y cuyas letras hacen referencia a una mujer abusada que acaba liberándose o la emotiva balada ‘My Love’, producida por Linda Perry y que habla de amor incondicional. 

«Taking Chances» recibió críticas muy variadas por parte de los expertos musicales, los cuales sintieron que el álbum no era muy original y carecía de personalidad, por lo que algunos declararon que Céline Dion en realidad no había arriesgado demasiado, aludiendo al título del álbum. Ciertamente no resulta tan llamativo, sólido y completo como «A New Day Has Come» (en mi opinión el mejor álbum en inglés de la carrera de Céline Dion), sin embargo «Taking Chances» es un trabajo más que digno que destaca por adentrarse en el estilo pop/rock, el cual le sienta de maravilla a la voz de la cantante, aunque resulta demasiado largo, contiene letras impersonales y genéricas e incluye bastantes canciones de relleno. Los puntos fuertes son la acertada elección de los singles, la extraordinaria ejecución vocal de Céline y la cuidada producción. Temas imprescindibles: Eyes On Me, Taking Chances, Alone, This Time, Fade Away y My Love. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Hurts 2B Human» de Pink

Hurts 2B HumanTeniendo en cuenta la maratoniana gira en la que se encuentra inmersa Pink, con la que ha recorrido de manera extensa Estados Unidos y Australia para promocionar su anterior álbum «Beautiful Trauma», su regreso al panorama musical con nuevo trabajo discográfico ha llegado antes de lo que podríamos pensar. Hurts 2B Human es el título del octavo álbum de estudio de Pink, que se puso a la venta apenas un año y medio después del lanzamiento de «Beautiful Trauma», el cual recibió críticas muy variadas por parte de los expertos musicales pero obtuvo una gran respuesta comercial y alcanzó el #1 en las listas de venta de Estados Unidos, Reino Unido o Australia entre otros. «Hurts 2B Human» sigue la estela musical de su predecesor, está encuadrado dentro del pop e incorpora elementos dance-pop, electropop y Country. En lo que respecta a las letras, este álbum resulta más optimista que «Beautiful Trauma» y trata temas como las relaciones de pareja, el autoestima, la vida y la familia. El single presentación del álbum ha sido Walk Me Home, un tema pop de estilo muy similar a los que encontrábamos en su anterior disco y que contiene el característico estribillo de Pink con coro creciente. Este tema ha sido compuesto por Pink junto a Nate Ruess (quien ya colaboró en el single ‘Just Give Me a Reason’) y destaca por su mensaje inspirador y su naturaleza de himno, pero a diferencia de otros primeros singles de Pink no engancha tanto ni resulta original. En el terreno comercial, ‘Walk Me Home’ ha tenido un desempeño moderado y entre sus mejores posiciones se encuentra el top 10 en Reino Unido y el #11 en Australia, una puesto muy bajo teniendo en cuenta la excepcional acogida que tiene la cantante en dicho país.

Para este trabajo, Pink ha contado con varios de sus habituales colaboradores, como Max Martin y Shellback, quienes han contribuido con ‘(Hey You) Miss You Sometime’, un tema dance-pop en cuyas letras la cantante echa de menos a una persona que le hizo daño en el pasado y en el que la voz de la Pink aparece muy sintetizada, Greg Kurstin, que ha producido ‘Courage’, un bonito medio tiempo pop que resulta uno de los momentos más emotivos o Billy Mann en la balada casi acústica que cierra el álbum, ‘The Last Song of Your Life’. En esta ocasión, Alecia Moore ha decidido trabajar por primera vez con otros productores como por ejemplo Ryan Tedder, que ha contribuido con ‘Can We Pretend’, un marchoso tema dance-pop cuyas letras hacen referencia a hacer uso de la nostalgia para escapar de la realidad o el desconocido Odegard, quien ha sido el responsable de ‘Hustle’, un marchoso tema pop con influencias Country en el Pink habla de una relación fallida en la que advierte a su ex que no podrá aprovecharse de ella otra vez. Uno de los pocos temas que conserva el característico estilo pop/rock de Pink es ‘We Could Have It All’, producido por Greg Kurstin y en el que Pink se arrepiente de haber arruinado una relación. «Hurts 2B Human» cuenta con varios artistas invitados, como la promesa del R&B Khalid, quien colabora en el tema que da título al álbum, Wrabel en ’90 Days’, una balada a piano casi acústica o Chris Stapleton, que participa en la balada Country ‘Love Me Anyway’, cuyas letras hacen referencia al compromiso en una relación.

Como gran seguidor de Pink que me considero desde sus inicios en el mundo de la música, cada vez que publica un nuevo álbum es motivo de alegría y en esta ocasión no ha sido menos ya que «Hurts 2B Human» cuenta con varias canciones muy interesantes, pero en su conjunto no ofrece nada nuevo ni original al panorama musical y repite la fórmula utilizada en «Beautiful Trauma», con varios temas up-tempo salpicados en una multitud de baladas. Definitivamente «Hurts 2B Human» no es el mejor álbum de su trayectoria sin embargo sí es una buena adición al amplio catálogo musical de Pink y lo cierto es que me ha gustado más que «Beautiful Trauma» en su primera escucha. En mi opinión, el estilo que mejor se adapta a Pink es el pop/rock comercial que la ha acompañado durante muchos años y numerosos discos, sin embargo en esta última etapa la hemos visto transitar por una senda más pop que a muchos no les ha acabado de convencer, pero es obvio que la cantante de 39 años y madre de dos hijos ha madurado y dejado atrás su lado más rebelde e inconformista. Temas imprescindibles: Hustle, Courage, Walk Me Home, Can We Pretend, Miss You Sometime y We Could Have It All. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Like a Prayer» de Madonna

Like a Prayer, uno de los discos más importantes de la historia del pop e imprescindible dentro de la carrera musical de Madonna, cumple 30 años este mes de marzo. «Like a Prayer» es el cuarto álbum de estudio de la reina del pop, publicado en 1989 tras el tremendo éxito que cosechó True Blue, el cual alcanzó el #1 en más de 20 países, superó los 25 millones de copias en todo el mundo y se convirtió en el álbum de Madonna más vendido, sólo superado años después por «The Immaculate Collection», su primer disco de grandes éxitos. Aunque «Like a Prayer» es el sucesor natural de «True Blue», lo cierto es que entre ambos discos Madonna publicó «Who’s That Girl», la banda sonora de la película del mismo nombre protagonizada por la cantante y «You Can Dance», un disco de remixes. «Like a Prayer» es uno de los discos más polémicos de la cantante por el uso de temática religiosa en la canción que da título al álbum, lo cual provocó un shock en la Iglesia Católica y numerosos colectivos conservadores de todo el mundo reaccionaron de manera negativa hacia el álbum. Además la controversia que rodeó a «Like a Prayer» hizo que Pepsi rompiera su contrato publicitario con Madonna. Pese a estas polémicas, lo cierto es que «Like a Prayer» es uno de sus discos más autobiográficos, en el que Madonna relata su complicada relación con un padre autoritario, la pérdida de su madre cuando era una niña o episodios violentos en su matrimonio con Sean Penn y su posterior divorcio. Madonna compuso todos los temas del álbum junto a Patrick Leonard (responsable de ‘Live to Tell’ o ‘La Isla Bonita’) y Stephen Bray, quien trabajó anteriormente con la Ciccone en los álbumes «Like a Virgin» y «True Blue».

El single presentación del álbum fue Like a Prayer, un tema pop/rock con influencia de la música Gospel que destacaba por el uso prominente de guitarra eléctrica, órgano y los coros Gospel. Madonna utilizó metáforas religiosas y alusiones a su pasado católico en sus letras, mezclándolas con temas de amor y relaciones, lo cual fue visto como un sacrilegio para la moral conservadora de los años 80. El videoclip de ‘Like a Prayer’, ambientado en una iglesia católica, resultó muy polémico y aumentó si cabe la popularidad de la canción, debido al uso de una temática religiosa, incluyendo la aparición de un Cristo negro o cruces ardiendo. Este single fue aclamado por la crítica, resultó un tremendo éxito comercial ya que ocupó el #1 en las listas de venta de todo el mundo (salvo algunas excepciones como Francia o Alemania, donde fue #2) y pasó a formar parte de los singles más exitosos de todos los tiempos. En Estados Unidos se convirtió en el séptimo single #1 de Madonna en la lista Billboard y fue certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares. Tras el éxito de ‘Like a Prayer’, en mayo de 1989 se lanzó como segundo single Express Yourself, un marchoso tema dance-pop que se convirtió en un himno de empoderamiento femenino en el que Madonna se desprende de su imagen frívola y superficial iniciada con el tema ‘Material Girl’ para declarar que no necesita anillos de diamantes para ser feliz. Su poderoso mensaje feminista de elegir al hombre que de verdad te conviene y no al que te llena de regalos fue fuente de inspiración a una generación entera de artistas como Spice Girls o Lady Gaga. Cabe destacar que el videoclip de Express Yourself es el tercero más caro de la historia de la música y costó más de 5 millones de dólares en 1989.

Para suavizar la imagen de Madonna de cara al público y evitar de nuevo la polémica, se decidió lanzar como tercer single un tema más comercial y menos controvertido. Cherish era un alegre tema pop con influencia doo-wop que recordaba a algunas canciones pertenecientes a «True Blue» y trataba el tema del amor y las relaciones con alusiones a Romeo y Julieta. ‘Cherish’ fue un éxito alrededor del mundo, logrando el #1 en Canadá, el #2 en Estados Unidos y el #3 Reino Unido. Como cuarto single Madonna eligió una de las canciones más personales y autobiográficas del álbum: Oh Father, en la que trata la complicada relación con su padre, que era un hombre dictador y autoritario. Esta dramática balada recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales pero no tuvo un gran impacto comercial ya que rompió su racha de singles top 5 en la lista americana iniciada con ‘Like a Virgin’ y tuvo que conformarse con ser top 20.

«Like a Prayer» es un trabajo muy ecléctico y más experimental que sus álbumes anteriores y para dar muestra de la variedad musical presente, Madonna lanzó como siguientes singles Dear Jessie, un extraño tema de estilo pop psicodélico en el que Madonna conecta con su niña interior y Keep It Together, un tema up-tempo de estilo pop/funk producido por Stephen Bray que trata de la relación de Madonna con su familia y pese a ser lanzado como sexto single y apenas contar con promoción ni videoclip su respuesta comercial fue bastante positiva ya que ocupó el top 10 en Estados Unidos y Canadá. Entre las canciones que no fueron singles pero merecen la pena ser mencionadas se encuentran ‘Pray for Spanish Eyes’, una bonita balada con inspiración latina, el marchoso ‘Till Death Do Us Apart’, donde Madonna habla sobre el final de su matrimonio con Sean Penn y su turbulenta relación o ‘Promise To Try’, una profunda balada que relata cómo se sintió la cantante tras la muerte de su madre.

Pese a no resultar tan exitoso como «Like a Virgin» o «True Blue» (los cuales superaron los 20 y 25 millones de copias respectivamente), «Like a Prayer» también tuvo un gran impacto comercial en todo el mundo: debutó en el #1 de las principales listas de venta, como Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Alemania o España y acabó vendiendo 15 millones de copias. En tierras americanas fue certificado 4 veces platino por ventas superiores a los 4 millones de ejemplares y en Reino Unido superó el millón de copias, aunque resultan cifras claramente inferiores a las de «True Blue», el mayor éxito de Madonna. Aunque «Like a Prayer» no se encuentra entre mis discos favoritos de Madonna (considero que «True Blue» es un trabajo más cohesivo y sólido) es innegable el tremendo impacto que tuvo este álbum en la historia del pop y en la discografía inicial de Madonna, ya que supuso un punto de inflexión en su carrera y marcaba el primer disco de la Ambición Rubia en la treintena, mostrando una mayor madurez personal y musical, además de experimentar con nuevos sonidos y estilos. Temas imprescindibles: Like a Prayer, Express Yourself, Cherish, Oh Father y Keep It Together. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Rainbow» de Kesha

Kesha_-_Rainbow_(Official_Album_Cover)Tras un largo periodo de tiempo apartada del mundo de la música, aunque no de los medios de comunicación ya que su vida personal y profesional ha estado muy expuesta debido al publicitado enfrentamiento con su antiguo productor Dr. Luke, la cantante americana Kesha ha regresado este año con su tercer álbum de estudio, titulado Rainbow, que se puso a la venta el pasado mes de agosto. Gracias a las buenas críticas recibidas por los temas que hemos podido escuchar hasta el momento y al apoyo masivo por parte del público en su conflicto con Dr. Luke, «Rainbow» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el segundo trabajo discográfico de Kesha que llega a lo más alto de Billboard tras Animal, el debut de la cantante. Su anterior álbum Warrior fue #4 en la lista de ventas de Estados Unidos y obtuvo unas ventas significativamente más bajas que las de «Animal», aunque hay que tener en cuenta que Kesha siempre se ha caracterizado por ser una artista que vende más singles que discos. En el resto del mundo, «Rainbow» también ha recibido una gran respuesta comercial y ha ocupado buenas posiciones en las listas de venta, destacando el #1 en Canadá y el top 5 en Reino Unido o Australia. «Rainbow» supone un cambio radical en el estilo musical de Kesha con respecto a sus dos álbumes predecesores, los cuales estaban encuadrados en el electropop y el dance-pop (con una ligera influencia rock en «Warrior») y compuestos por marchosos y bailables temas up-tempo, sin embargo para este nuevo álbum, la cantante ha dejado atrás los sintetizadores y el abuso del Auto-Tune para dar forma a un álbum más orgánico e instrumental y encuadrado en el pop con influencias pop/rock, Country y folk. El cambio de estilo musical no ha sido el único punto de divergencia con respecto a los anteriores discos de Kesha, ya que la cantante ha dejado atrás su imagen de ‘party girl’ y sus habituales letras acerca de salir de fiesta y pasarlo bien para adoptar en este álbum un mensaje feminista, inspirador y de empoderamiento, con letras más emotivas y profundas que reflejan todos los acontecimientos que ha vivido Kesha en los últimos años.

El single presentación del álbum ha sido Praying, y desde el momento que lo escuchamos nos sorprendió por la enorme diferencia con respecto a los primeros singles de Kesha, ya que en este caso se trataba de una emotiva balada pop con influencia Soul y Gospel que recibió grandes críticas por su inspirador mensaje y su voz, que aparece más clara y nítida que nunca debido a la ausencia de Auto-Tune. Aparte de este single, Kesha lanzó varios sencillos y videoclips promocionales de otras canciones para mostrar la variedad de estilos que existían dentro del álbum, entre los que se encuentran el marchoso tema Woman, compuesto como respuesta a las famosas declaraciones misóginas de Donald Trump y que es un auténtico himno feminista, o Learn To Let Go, que contiene un mensaje de superar los problemas y obstáculos que se te presentan en la vida (en referencia a su batalla legal contra Dr. Luke), y resulta un tema recurrente en varias de las canciones del disco.

Desde que Kesha irrumpió en el mundo de la música, algunos supimos que su imagen alocada y extravagante desaparecería con los años y su evolución natural sería convertirse en una cantante Country (debido a la influencia que este tipo de música ha tenido en Kesha al haber vivido en Nashville, la cuna de este género musical) o encuadrada en un estilo más adulto, por ello no nos ha sorprendido que la cantante haya madurado y su música haya evolucionado hacia un sonido pop más convencional. En resumen, aunque Rainbow suponga su trabajo más maduro y sobrio hasta la fecha y en él muestre su verdadera personalidad, en mi opinión prefiero «Animal» (en concreto la re-edición Animal + Cannibal), que se trataba de un disco más divertido, bailable y lleno de pegadizas canciones con las que bailar y pasarlo bien, ya que como ‘party girl’ Kesha cumplía perfectamente. Puntuación: 7/10.

Crítica de «The Truth About Love» de Pink

The Truth About LoveEn el año 2010, Pink publicó un álbum de grandes éxitos que incluía sus singles más famosos lanzados durante la década anterior, en la que fue una de las artistas pop más importantes y exitosas. Tras ser madre de una niña fruto de su relación con el motociclista Carey Hart, la cantante americana regresó en 2012 con su sexto álbum de estudio, titulado The Truth About Love y en el que no sólo aborda las diferentes perspectivas del amor y la turbulenta relación con su pareja, sino también otros temas como el empoderamiento femenino o la exclusión social. Pink dejó el listón muy alto con su último álbum de estudio, Funhouse, el cual recibió buenas críticas de los expertos musicales, obtuvo ventas millonarias y contó con los hit singles ‘So What’, ‘Sober’ o ‘Please Don’t Leave’, por lo que la cantante tenía un reto muy importante con este disco, sin embargo superó todas las expectativas y nos regaló posiblemente su trabajo más maduro y consistente hasta la fecha. «The Truth About Love» está formado por 13 temas encuadrados dentro del pop/rock con ciertos elementos electropop y dance-pop, compuestos por la propia Alecia Moore bajo la producción de Greg Kurstin, Billy Mann, Jeff Bhasker, Butch Walker o Max Martin entre otros. Este álbum es uno de los más personales de la carrera de Pink, ya que relata episodios ocurridos en la tumultuosa relación con su pareja y explora temas como la monogamia, el sexo o la confianza dentro de una relación. «The Truth About Love» lideró las listas de ventas de Australia, Canadá o Alemania, destacó por el hecho de que consiguió su primer #1 en Estados Unidos y acabó vendiendo más de 7 millones de copias en todo el mundo gracias a la magnífica acogida de los sencillos lanzados. El single presentación del álbum fue Blow Me (One Last Kiss), un marchoso tema electropop y pop/rock producido por Greg Kurstin que resulta un auténtico himno de desamor tras una ruptura sentimental. ‘Blow Me (One Last Kiss)’ tuvo un desempeño comercial muy positivo y alcanzó el #1 en Australia y ocupó el top 5 en Estados Unidos y Reino Unido.

La cantante de Pennsylvania siguió el mismo patrón que con sus últimos trabajos y tras un explosivo primer single llegó un tema más profundo y emotivo, en este caso Try, que se trata de un tema mid-tempo pop/rock cuyas letras hablan de tomar riesgos con el amor sin importar las consecuencias. ‘Try’ suponía uno de los puntos fuertes del álbum tanto por su composición como por la producción y la voz de la cantante. Como suele ocurrir habitualmente con Pink, la elección del tercer single escondía uno de los tesoros del álbum. Me refiero a Just Give Me a Reason, una preciosa balada pop a dúo con el cantante Nate Ruess que habla de una relación que se está desmoronando y mientras que uno de los dos comienza a dejar de sentir amor, el otro piensa que tan sólo es una mala racha y se aferra a sus sentimientos. ‘Just Give Me a Reason’ resultó un tremendo éxito en las listas de venta y alcanzó el #1 en Australia, Canadá, Alemania o Estados Unidos (su cuarto single ‘chart topper’), convirtiéndose en el single más exitoso de la cantante hasta la fecha. El cuarto single lanzado fue True Love, un tema pop/rock con influencia ska que cuenta con la participación de Lily Allen y destaca por su tono humorístico y sus divertidas letras en las que Pink le declara su amor a su marido aunque a veces tenga ganas de agarrarle del cuello, convirtiéndose en un himno del amor disfuncional. De manera limitada se lanzó como sencillo promocional ‘Walk of Shame’, un enérgico tema pop/rock con influencias electropop y New Wave producido por Greg Kurstin que habla sobre la vergüenza y el arrepentimiento que se siente después de una relación de una noche.

Dentro de «The Truth About Love» destacan ‘Are We All We Are’, una canción protesta y de auto-empoderamiento cuyas letras hacen referencia a la desigualdad económica, ‘Slut Like You’, un himno feminista que habla del cambio de roles y supone la única contribución de Max Martin al álbum, ‘Here Comes the Weekend’, con influencia Hip Hop y que cuenta con la participación del rapero Eminem o ‘Where Did the Beat Go?’, con cierto aroma R&B y en el que Pink muestra su lado vulnerable relatando una relación que se desmorona y en la que ya no se siente deseada. A lo largo de su extensa carrera, Pink ha demostrado que es capaz de ofrecernos trabajos muy consistentes y «The Truth About Love» es un ejemplo de ello, ya que se encuentra entre los mejores álbumes de su discografía gracias a su sólido conjunto de canciones, su excelente selección de singles y sus personales letras sobre el amor y las relaciones monógamas. Temas imprescindibles: Blow Me (One Last Kiss), Try, Just Give Me a Reason, Where Did the Beat Go?, Walk of Shame, Are We All We Are y Slut Like You. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Joanne» de Lady Gaga

eed1676c9dda497cc0ef5d45153f17fd.1000x1000x1A pesar de que Lady Gaga es una artista muy talentosa tanto vocalmente como a nivel instrumentista (ya que es una virtuosa del piano y también toca la guitarra) la imagen pública que ha ofrecido desde los inicios de su carrera debido a sus polémicas declaraciones, sus estrafalarios atuendos y demás controversias no le han beneficiado en absoluto y ha provocado que muchas personas no la tomen en serio como artista ni valoren su calidad como cantante y compositora. Además, sus fans más incondicionales, los Little Monsters, no le han ayudado precisamente a mejorar su imagen pública, ya que su fanatismo con la cantante y los insultos hacia otros artistas a través de las redes sociales no han hecho sino empeorar la percepción que el público tiene de Lady Gaga, quien ha pasado de ser una cantante que atraía a un público muy amplio en los comienzos de su carrera a ver reducida su popularidad y ser seguida únicamente por sus controvertidos Little Monsters. Por ello, para recuperar su credibilidad como artista y demostrar que puede ser una cantante seria, en 2014 grabó «Cheek to Cheek», un álbum de Jazz junto al legendario artista Tony Bennett y durante esta etapa profesional abandonó su imagen frívola y cambió de registro, ya que abandonó su habitual estilo electropop para cantar temas de Jazz. Sin embargo este cambio radical resultó muy forzado y a pesar de que permitió apreciar a la artista en otra vertiente y demostrar su versatilidad, no logró recuperar a los seguidores que ha ido perdiendo a lo largo de su carrera cuando sus excentricidades no hicieron sino eclipsar su credibilidad como artista.

El siguiente paso de Lady Gaga en su intento por recuperar su credibilidad ha sido Joanne, su cuarto disco de estudio (quinto trabajo discográfico si contamos «Cheek To Cheek») publicado el pasado mes de octubre. Joanne es el nombre de su tía por parte de padre, quien falleció muy joven tras una grave enfermedad y también es el segundo nombre de la artista ya que su verdadero nombre es Stefani Joanne Angelina Germanotta. Para este álbum, la cantante neoyorquina abandonó su habitual pop electrónico y el uso de sintetizadores para adoptar un estilo pop/rock y Country-pop con sonido acústico e instrumental en un intento porque sonara como si fuera en directo, aunque no abandonaba completamente su característico estilo dance-pop. Joanne cuenta con la producción de Mark Ronson y BloodPop, es su álbum más personal e introspectivo hasta la fecha y profundiza en las relaciones amorosas y sobretodo familiares, ya que la pérdida de su tía ha tenido un gran impacto en la composición del disco. Joanne debutó en el #1 de la lista americana, convirtiéndose en su cuarto álbum consecutivo que alcanza la posición de honor en Estados Unidos y aunque las cifras de venta en su primera semana fueron muy inferiores a las de «Born This Way» o «ArtPop», se convirtió en el segundo álbum más vendido en el 2016 de una artista femenina por detrás de «Lemonade» de Beyoncé.

El single presentación del álbum fue Perfect Illusion, un tema pop/rock up-tempo que marcaba una divergencia musical con respecto al estilo habitual de Lady Gaga y causó un gran impacto entre sus fans por el gran cambio musical y de imagen que experimentó la cantante. Este tema tuvo una moderada acogida en los principales mercados musicales y únicamente alcanzó el top 20 en Reino Unido, Australia, Canadá y Estados Unidos, obteniendo unas posiciones muy por debajo de las que han conseguido los primeros singles de sus anteriores álbumes, aunque alcanzó el #1 en las listas de España y Francia. Como segundo single, Lady Gaga nos ofreció su lado más sensible y emotivo con la balada Million Reasons, que es una de las canciones más profundas y mejor valoradas por los expertos musicales y los seguidores de la cantante. ‘Million Reasons’ es una balada pop/rock y Country cuyas letras hablan de un desengaño amoroso y ruptura, pero también en la esperanza y fe de encontrar una persona mejor. Este tema no ha tenido un buen rendimiento en las listas de venta y únicamente ocupó el top 5 en la lista americana.

Para promocionar el álbum y su mini-gira ‘Dive Bar Tour’, Lady Gaga lanzó el sencillo promocional A-Yo, que se trataba de un marchoso tema Country-pop con influencias pop/rock y funk que gracias a la buena respuesta por parte del público consiguió entrar en la lista Billboard. Stefani Joanne Germanotta también grabó el videoclip de ‘John Wayne’, un enérgico tema pop/rock con influencia Country y Disco que resultaba uno de los pegadizos y marchosos del disco. Como tercer single oficial del álbum se lanzó la canción que daba título al álbum, Joanne, que se trataba de una emotiva balada Country-pop dedicada a su difunta tía fallecida. En resumen, «Joanne» es el trabajo más maduro de Lady Gaga hasta la fecha y en él nos ofrece su lado más íntimo y personal, demostrando que es algo más que provocación y modelitos imposibles, pero acostumbrados a una Gaga polémica que nos trae canciones bailables y videoclips espectaculares, muchos se han sentido desilusionados con este cambio musical tan radical, pero no hay que preocuparse porque la cantante ha prometido que su nuevo trabajo regresará a sus raíces más pop. Temas imprescindibles: Million Reasons, John Wayne, Perfect Illusion y A-Yo. Puntuación: 6/10.

Crítica de «Change» de Sugababes

19877-sugababeschangeDurante la promoción de Taller In More Ways, el cuarto álbum de estudio de Sugababes, Mutya Buena, una de las componentes originales, abandonó el grupo alegando razones personales (sufrió depresión post-parto y quería pasar más tiempo con su hija) por lo que rápidamente se buscó a una sustituta, Amelle Berrabah, quien re-grabó con su voz varias de las canciones del cuarto álbum y continuó con su promoción. En una decisión un tanto extraña y polémica, Keisha, Heidi y Amelle (quien apenas llevaba unos meses en el grupo) lanzaron un disco de grandes éxitos llamado «Overloaded: The Singles Collection». En 2007 vio la luz el quinto álbum de estudio de Sugababes, titulado muy acertadamente Change, ya que aparte del cambio en una de las componentes, también hubo un cambio de dirección musical hacia el pop/rock, aunque este álbum no se aleja de su habitual sonido pop y electropop. «Change» debutó en el #1 de la lista británica de álbumes, convirtiéndose en el segundo álbum de Sugababes en alcanzar la posición de honor tras su anterior disco «Taller In More Ways» y fue certificado platino en Reino Unido. Las tres componentes de Sugababes participaron en la composición de la mayoría de las canciones y contaron con la producción de sus habituales colaboradores Xenomania, Jony Rockstar y Dallas Austin (quien ya participó en su anterior álbum) además de Dr. Luke, quien trabajó por primera vez con ellas y les aportó un sonido más internacional. El single presentación de «Change» fue About You Now, un potente tema electropop, pop/rock y dance-pop producido por Dr. Luke que recuerda a sus famosas producciones para Kelly Clarkson y en el que las chicas hablan de cómo echan de menos a una ex-pareja. Este marchoso y pegadizo tema fue un autentico éxito en las listas de venta del año 2007, ya que se convirtió en el sexto #1 del grupo en la lista británica y se mantuvo en dicha posición durante 4 semanas, convirtiéndose en el single más exitoso de Sugababes. ‘About You Now’ superó las 500 mil copias vendidas en Reino Unido y también tuvo buena acogida en otros países europeos como Alemania o Irlanda, donde ocupó el top 5. Este single no sólo tuvo una gran respuesta del público, sino que también recibió grandes críticas de los expertos musicales por su gran producción y la perfecta harmonía entre las voces del trío británico y fue elogiado como el mejor tema del álbum Change y una de las mejores canciones de Sugababes.

El segundo single extraído fue el tema titular del álbum, Change, que se trata de una balada mid-tempo de estilo synth-pop y pop/rock cuyas letras hacen referencia a mantenerse fuerte ante la marcha de un ser querido. Debido al continuado éxito del anterior single, ‘Change’ no ocupó posiciones tan altas en las listas de venta y apenas alcanzó el #13 en la lista británica. Como tercer y último single se lanzó Denial, un enérgico tema pop/rock y dance-pop con ciertas influencias Disco que habla del amor no correspondido. ‘Denial’ tuvo un rendimiento moderado en la lista de ventas de Reino Unido, donde fue #15, aunque cosechó más éxito en Alemania y Austria. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Never Gonna Dance Again’, un marchoso tema dance-pop producido por Xenomania que habla de la ruptura de una relación en la pista de baile, el brillante medio tiempo ‘Back When’ que recuerda al estilo original de Sugababes o ‘My Love Is Pink’, un bailable tema dance-pop y electropop que fue lanzado como sencillo promocional en Reino Unido. En resumen, «Change» es una buena adición al catálogo musical de Sugababes ya que está formado por un sólido conjunto de canciones electropop y pop/rock, sin embargo difiere del habitual sonido pop/R&B del trío y poco tiene que ver con las Sugababes de los primeros álbumes debido a la ausencia de Mutya, que era una de las componentes más carismáticas de la banda. Temas imprescindibles: About You Now, Change, Denial, Never Gonna Dance Again y Back When. Puntuación: 7/10.