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Crítica de «Secrets» de Toni Braxton

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SecretsTras formar parte de un grupo junto a sus cuatro hermanas, la cantante Toni Braxton debutó en solitario en el mundo de la música en el año 1993 con su disco de título homónimo, que vendió más de 6 millones de copias en Estados Unidos y contó con tres singles muy exitosos, los cuales ocuparon el top 10 en la lista americana y también tuvieron buena acogida en el mercado internacional. Además de su excelente resultado comercial, este álbum recibió buenas opiniones de los expertos musicales por la impecable técnica vocal de la cantante y ganó tres premios Grammy. Tres años más tarde, Toni Braxton publicó su segundo álbum de estudio, titulado Secrets, con el que consiguió incluso superar el gran recibimiento logrado por su debut y amplió su popularidad en el resto del mundo, convirtiéndose en una de las figuras más importantes del panorama R&B durante los años 90. «Secrets» está formado por 12 temas, principalmente baladas y medios tiempos, encuadrados dentro del sonido R&B/Soul y que cuentan con la producción del legendario Babyface, con quien ya trabajó de manera intensa en su primer álbum, aunque también participaron importantes productores de la talla de David Foster, SoulShock & Karlin o R.Kelly. Aunque su papel en el proceso creativo fue limitado, cabe destacar que la mayor de las Braxton compuso una de las canciones del álbum.

Los dos primeros singles extraídos del álbum resultaron muy exitosos en la lista americana y también triunfaron en el resto del mundo. You’re Makin’ Me High, el single presentación de «Secrets», se trataba de un medio tiempo R&B muy sexy que se convirtió en el primer single #1 de Toni Braxton en Estados Unidos y también ocupó el top 10 en Australia, Reino Unido o Canadá. You’re Makin’ Me High recibió grandes elogios de la crítica y ganó un premio Grammy a mejor actuación vocal femenina de R&B. Tras él llegó Un-Break My Heart, que se convertiría en el tema más conocido y representativo de toda su carrera. Esta dramática balada fue escrita por la famosa compositora Diane Warren, quien ofreció la canción a L.A. Reid (CEO de su discográfica) y éste se la presentó a Toni, la cual rechazó inicialmente el tema al no gustarle nada, sin embargo Reid logró convencer a la cantante para que la grabara. Afortunadamente lo hizo, ya que esta fantástica balada donde Toni despliega todo su talento vocal resultó un gran éxito mundial y alcanzó el #1 en la lista americana, posición en la que permaneció durante 11 semanas. Gracias a sus remixes dance, ‘Un-Break My Heart’ también fue uno de los temas más famosos en las pistas de baile de 1997 y alcanzó el #1 en el componente Dance/Club de la lista Billboard. El tercer single lanzado fue I Don’t Want To, una balada sobre desamor producida por R.Kelly, que si bien no cosechó tanto éxito como los anteriores singles, también obtuvo buena acogida en Estados Unidos, donde ocupó top 20. Como cara B del single ‘I Don’t Want To’ se encontraba la bonita balada R&B I Love Me Some Him, producida por el dúo danés SoulShock & Karlin.

Entre los temas más interesantes de «Secrets» se encuentran el tema mid-tempo ‘Come On Over Here’, que supone uno de los momentos más rítmicos del álbum, o la emotiva balada mid-tempo ‘There’s No Me Without You’. Secrets obtuvo unas ventas superiores a los 6 millones de copias en Estados Unidos y fue certificado 8 veces platino en tierras americanas, al igual que su primer álbum. A nivel internacional «Secrets» sin embargo experimentó mayor éxito que su debut, fue top 10 en Alemania o Reino Unido y acabó vendiendo más de 15 millones en todo el mundo. Este álbum mostró al mundo la grave y distintiva voz de Toni Braxton, la estableció como una de las grandes divas del R&B y todavía hoy permanece como el álbum más representativo y exitoso de toda su carrera profesional. Temas imprescindibles: Un-Break My Heart, You’re Makin’ Me High, I Don’t Want To y There’s No Me Without You. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Reality Show» de Jazmine Sullivan

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Reality ShowReality Show, el tercer álbum de estudio de la cantante Jazmine Sullivan se publicó en enero de este año, y al igual que sus anteriores discos, recibió críticas muy positivas por parte de los expertos musicales, que alabaron la gran calidad vocal de la cantante y sus habilidades como compositora. Tras más de tres años de ausencia en el mundo de la música debido a una relación abusiva que le hizo imposible escribir o grabar nuevas canciones, Jazmine regresó este 2015 para alegría de sus fans y de los amantes de la música negra en general. Aunque Jazmine declaró tras su segundo álbum que dejaba el mundo del música, cuando la cantante de Philadelphia se sintió con fuerzas y recuperada de su ruptura sentimental, comenzó a grabar nuevos temas, centrados en el desamor y en experiencias personales que ha vivido durante estos años. Reality Show es un álbum de estilo R&B y Soul que sigue la estela musical de sus dos primeros discos, Fearless y Love Me Back, y aunque es similar en muchos aspectos, no engancha tanto como éstos últimos, pero tras varias escuchas va ganando puntos. «Reality Show» está producido principalmente por Key Wane, aunque también participan Salaam Remi, quien ya ha trabajado anteriormente con la cantante en sus dos anteriores álbumes, o Chuck Harmony. El álbum debutó en el #12 de la lista americana, ha conseguido un moderado éxito y debido al tiempo que Jazmine ha estado apartada del mundo de la música, ha sido intensamente promocionado por parte de la cantante en diversos programas de TV además de una gira que le ha llevado por todo Estados Unidos.

Entre los temas más destacados se encuentran «Dumb», que fue el primer single del disco, cuenta con la participación del rapero Meek Mill y en el que habla de las infidelidades de su ex-pareja, «Mascara» y las baladas «Forever Don’t Last» o «Masterpiece (Mona Lisa)», donde la cantante demuestra su impresionante talento vocal. Como bonus track del disco aparece el tema «If You Dare», que es el contrapunto al resto de las canciones de Reality Show (las cuales son principalmente baladas y medios tiempos), en cambio este tema es el más marchoso y up-tempo del disco, tiene influencias del sonido funk y suena muy al estilo de Janelle Monáe. Es muy de agradecer que en un tiempo en el que el R&B ha cambiado y evolucionado tanto, haya discos como «Reality Show», que se mantiene fiel al clásico sonido Soul y R&B de finales de los años 90, y voces tan maravillosas e inconfundibles como la de Jazmine Sullivan. Puntuación: 7’5/10.

Throwback Review: «Butterfly» de Mariah Carey

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Mariah ButterflyDurante sus primeros álbumes, la cantante Mariah Carey tuvo muy poco control sobre su música y a pesar de que componía y coproducía la mayor parte de sus canciones, el control creativo y el poder de decisiones lo tomaba Tommy Mottola (presidente de su discográfica y quien más tarde se convertiría en su marido) el cual decidía qué canciones componían sus discos, los singles que debía lanzar, con qué productores debía trabajar y el concepto general de sus álbumes. Mariah Carey logró un éxito sin precedentes con sus tres primeros discos de estudio, los cuales vendieron más de 75 millones de copias en todo el mundo y generaron 8 singles #1 en la lista americana, sin embargo sentía que no podía expresar sus verdaderas ambiciones musicales ni tomar sus propias decisiones. Durante la grabación de Daydream, su quinto álbum de estudio y al que podríamos denominar como un disco de transición, se agravaron las diferencias entre Mariah y su discográfica, y aunque siguió colaborando con su habitual productor Walter Afanasieff, la cantante neoyorquina empezó a trabajar con nuevos productores del mundo del Hip Hop como Jermaine Dupri, incorporó un mayor sonido R&B y tuvo un mayor control creativo de su música. Mientras grababa su siguiente álbum, la cantante se separó de su marido Tommy Mottola y pudo ejercer mayor presión hacia su discográfica y tomar las decisiones con respecto al nuevo álbum.

Butterfly, el sexto disco de estudio de Mariah Carey y publicado en 1997, es considerado el punto de inflexión de su carrera y es un álbum plenamente encuadrado dentro del género R&B con numerosas colaboraciones y productores del mundo del Hip Hop, como Puff Daddy, Trackmasters o Cory Rooney. Con Butterfly, Mariah asumió el control creativo de su música pero sus relaciones con Sony pasaron por sus peores momentos, lo que repercutió en su relación con Walter Afanasieff, con el que dejó de trabajar tras este álbum. Además del estilo musical, también es notorio el cambio de imagen que sufrió la cantante desde este disco, mostrando una imagen más sensual y provocativa en contraposición con sus primeros álbumes, donde mostraba una imagen dulce e ingenua. Butterfly debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, vendió casi 4 millones de copias en Estados Unidos y fue certificado 5 veces platino. En Butterfly podemos encontrar dos partes diferenciadas: las tradicionales baladas de Mariah producidas por Walter Afanasieff que recuerdan a sus anteriores trabajos y los nuevos temas con fuerte sonido R&B/Hip-Hop que mostraban las verdaderas ambiciones musicales de la cantante nacida en Long Island (New York).

El single anticipo del álbum fue Honey, un tema R&B producido por Puff Daddy que seguía los pasos del remix de ‘Fantasy’, su primera incursión en el verdadero sonido R&B. Honey es una canción crucial dentro de la carrera de Mariah Carey y que re-definió el sonido R&B de los años 90 y posteriores, además recibió buenas críticas de los expertos musicales y se convirtió en el duodécimo single #1 de Mariah en la lista americana y se mantuvo en lo más alto durante 3 semanas consecutivas. Honey destacó también por su espectacular videoclip grabado en Puerto Rico, donde Mariah mostró por primera vez su faceta más sexy y provocativa. Tres singles promocionales fueron lanzados del álbum, pero apenas recibieron promoción por parte de Sony debido a la tensa relación que mantenían con Mariah, por lo que no tuvieron un lanzamiento oficial y no pudieron entrar en la lista Billboard: Butterfly, una balada pop/R&B con influencia Gospel con letras muy personales que hablan de sus sentimientos tras la separación de su marido y es una de las canciones preferidas de Mariah y otros dos temas con gran componente urbano: The Roof (Back In Time), lanzado en el mercado europeo y ‘Breakdown’, producida por Puff Daddy y muy influenciada por el sonido Hip Hop. Sin duda uno de los puntos fuertes del álbum son las baladas y personalmente mi tema favorito de Butterfly es My All, que fue lanzado como último single del álbum, pero el segundo que recibió tratamiento oficial como single. ‘My All’ es una de las baladas producidas por Walter Afanasieff para el álbum y destaca por su distintivo sonido de guitarra española e influencia latina, unido a una producción R&B más convencional. Esta canción de amor recibió grandes críticas por parte de los expertos que lo consideraban uno de los temas más destacados de Butterfly y también tuvo un gran respuesta del público, logrando el decimotercer #1 de Mariah Carey en la lista americana y el top 10 en otros países como Reino Unido, Francia o España.

Aunque Butterfly es famoso por adentrarse en el sonido R&B y dirigirse al mercado urbano, dentro del álbum destacan las baladas, como por ejemplo ‘Whenever You Call’, una emotiva balada R&B que un año más tarde sería incluida en el disco #1’s con la colaboración del cantante Brian McKnight, ‘Fourth of July’ o ‘Close My Eyes’, una de sus canciones más personales en la que habla de sus experiencias negativas en el amor y que sin duda hace referencia a su separación de Tommy Mottola. Para los fans que empezaron a seguir a Mariah Carey desde sus inicios y están acostumbrados a álbumes llenos de baladas, Butterfly quizás les sorprendió por su evolución musical hacia el R&B y el Hip Hop pero resulta un disco innovador e interesante y que muestra una mayor madurez por parte de la cantante neoyorquina. Temas imprescindibles: My All, Honey, Butterfly, The Roof y Whenever You Call. Puntuación: 8’5/10.

La carrera musical de En Vogue

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Best of En VogueEl grupo femenino de R&B En Vogue se formó en 1989 mediante un casting que buscaba encontrar cantantes de fuerte personalidad, atractivas y con una poderosa voz, en un intento de resucitar el espíritu de los clásicos grupos femeninos de Soul de los años 50 y 60. En Vogue en un principio iba a ser un trío, lo más común hasta entonces dentro de las bandas femeninas, pero acabó teniendo 4 integrantes: Terry, Cindy, Maxine y Dawn. En muchos sentidos, En Vogue han sido unas pioneras dentro de los géneros Soul y R&B ya que la manera de armonizar sus voces, su estilo, sus coreografías y su puesta en escena han sido un referente para los grupos femeninos posteriores, como por ejemplo TLC, Destiny’s Child o 702. Sus turbulentos cambios de integrantes durante su trayectoria musical y el ego de sus componentes por ser la voz principal, han sido repetidos posteriormente en infinidad de grupos femeninos como Destiny’s Child o Sugababes. En Vogue publicaron en 1990 su primer álbum de estudio, Born To Sing, el cual logró gran éxito en la lista R&B de Billboard, fue certificado platino por vender más de un millón de copias en Estados Unidos y contó con un single top 10 en la lista americana: ‘Hold On’. Su segundo álbum Funky Divas, publicado dos años más tarde, las consagró como unas divas del R&B y el Soul gracias a temas tan famosos como ‘My Lovin’ (You’re Never Gonna Get It)’, la versión del tema de Aretha Franklin ‘Giving Him Something He Can Feel’ o el marchoso ‘Free Your Mind’, todos los cuales fueron top 10 en la lista americana y que también lograron un éxito internacional notable. Funky Divas acabó siendo certificado triple platino en Estados Unidos y vendió más de 5 millones en todo el mundo. Su colaboración con el trío de Hip Hop Salt-n-Pepa en el tema ‘Whatta Man’ resultó otro hit para En Vogue en Estados Unidos y en Europa. Para su siguiente álbum de estudio dejaron atrás a los productores de sus dos primeros discos para trabajar con Babyface o David Foster, quienes le dieron a su música un sonido más contemporáneo. ‘Don’t Let Go (Love)’ fue el single anticipo de dicho álbum y resultó otro éxito para el grupo, sin embargo este fue el último tema en el que participó Dawn, la cual abandonó el grupo de manera repentina, por lo que el resto de componentes tuvieron que re-grabar algunos de los temas del disco donde Dawn era la voz principal, pero la inminente publicación del álbum no permitió re-grabar todos los temas, dejando la voz de Dawn en muchos de ellos.

EV3, publicado en 1997, fue el tercer disco de En Vogue, con el grupo ya reducido a tres componentes. Este álbum también fue platino en Estados Unidos y el último en tener un notorio éxito comercial, ya que los siguientes lanzamientos resultaron un fracaso en las listas de venta y el grupo sufrió varios cambios de integrantes. En 1999 se publicó Best of En Vogue, el primer recopilatorio del grupo que recogía los mejores singles de sus tres primeros álbumes, cuando se encontraban en el apogeo del mundo de la música. En este disco podemos encontrar los temas anteriormente mencionados y que fueron un referente dentro de la música R&B, Soul y New Jack Swing de los 90, que inspiraron a otros grupos femeninos posteriores y gracias a los cuales En Vogue vendieron más de 20 millones de discos en todo el mundo y ganaron 7 premios MTV Video Music Awards y 5 premios Soul Train, los más importantes dentro de la música negra, además de 7 nominaciones a los Grammy. Un gran álbum en el que los amantes de la música negra disfrutaremos con lo mejor del R&B de los 90 y de las grandes voces de En Vogue. 

Crítica de «The Ultimate Collection» de Barry White

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1000004011338811The Ultimate Collection es uno de los numerosos discos de grandes éxitos que existen de la leyenda del R&B y el Soul Barry White, pero quizás es el más interesante ya que recoge sus canciones más conocidas de los años 70 y 80, durante su máximo apogeo en el mundo de la música. «The Ultimate Collection» fue publicado en el año 2000, tres años antes de su fallecimiento y está compuesto por 18 de los mejores temas del talentoso cantante, compositor y productor musical nacido en Texas, que se hizo un importante hueco en los géneros Rhythym & Blues, Soul y Funk. Este completo recopilatorio incluye sus dos singles más famosos y exitosos, en los que podemos apreciar perfectamente su inconfundible, elegante y grave voz de barítono: ‘You’re My First, My Last, My Everything’ y ‘Can’t Get Enough of Your Love, Babe’, ambos pertenecientes a su tercer álbum de estudio, «Can’t Get Enough», uno de los trabajos más aclamados de su trayectoria musical y que fue #1 en el componente R&B de Billboard y en la lista americana de álbumes. Estos dos singles, posiblemente los más recordados de la carrera de Barry White, lograron el #2 y #1 respectivamente en la lista americana de singles y también consiguieron gran éxito en la lista de ventas de Reino Unido. También se incluyen los temas ‘What Am I Gonna Do With You’ de su exitoso álbum «Just Another Way To Say I Love You» o ‘Let The Music Play’, perteneciente a su quinto disco de estudio de idéntico título y que ha sido parte de la banda sonora de las vidas de tantas personas durante los años 70 y 80. Barry White ganó tres premios Grammy a lo largo de su trayectoria musical y ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, por lo que su importancia en el mundo de la música es innegable. «The Ultimate Collection» es uno de los discos más interesantes, no sólo dentro de la carrera del legendario Barry White, sino de toda la historia de la música y particularmente dentro de los géneros Rhythym & Blues y Soul. 

Crítica de «1989» de Taylor Swift

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1989 TaylorEn 2012 la cantante americana Taylor Swift publicó su álbum ‘crossover’, Red, el cual marcaba una divergencia con respecto al sonido Country de sus primeros trabajos para incorporar un sonido pop de carácter comercial con el que conquistó un público más amplio. «Red» resultó un éxito comercial, alcanzó el #1 en las principales listas de venta y contó con hit singles de la talla de ‘We Are Never Ever Getting Back Together’ o ‘I Knew You Were Trouble’, sin embargo Taylor recibió algunas críticas de los expertos musicales por comprometer su integridad artística y ‘venderse’ al pop comercial en un intento por acceder a un público mayor. Tras la gran acogida de «Red» la cantante de Pennsylvania continuó con su objetivo de convertirse en una estrella internacional y deshacerse de su pasado Country. En 2014 vio la luz el quinto álbum de estudio de Taylor Swift, 1989, cuyo título hace referencia a su año de nacimiento y se trata de un trabajo eminentemente pop con influencias synth-pop, pop/rock, dance-pop y electropop. Para este álbum, Taylor Swift siguió confiando en Max Martin y Shellback, responsables de los mayores éxitos de «Red» y artífices de su viraje hacia el pop, pero se unió a nuevos productores de primer nivel como Ryan Tedder, Greg Kurstin o Jack Antonoff. Cabe destacar que su habitual colaborador Nathan Chapman disminuyó su participación de manera notoria. Las letras de las canciones presentes siguen el mismo patrón que en sus anteriores trabajos y exploran las relaciones amorosas de Taylor y sus romances fallidos, además de lidiar con la imagen que proyecta al público. «1989» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, superó el millón de copias en su primera semana a la venta y acabó despachando más de 6 millones en Estados Unidos, convirtiéndose en su trabajo más exitoso hasta la fecha. En el resto del mundo también resultó un éxito comercial: alcanzó el #1 en Australia, Canadá o Reino Unido y superó los 10 millones de ejemplares a nivel mundial.

El single presentación del álbum fue Shake It Off, un tema pop up-tempo con uso prominente de saxofón producido por Max Martin y Shellback en el que Taylor se enfrenta a sus detractores y muestra su indiferencia ante los ‘haters’ que la critican una vez que ha alcanzado el estrellato. ‘Shake It Off’ resultó un auténtico éxito y aumentó de manera considerable la popularidad de la cantante: debutó en el #1 en la lista americana (su segundo single ‘chart topper’ en Estados Unidos), también lideró la lista de Australia y ocupó el top 5 en Reino Unido o Alemania. El segundo single fue Blank Space, un tema synth-pop y electropop de carácter mid-tempo cuyas letras hacen referencia a la percepción que tiene el público de imagen de Taylor y el escrutinio de los medios de comunicaron sobre su vida privada y sus múltiples relaciones amorosas. ‘Blank Space’ continuó la excelente racha comercial de la cantante y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Australia o Canadá. Como tercer single llegó Style, un marchoso tema electropop y pop/rock en el que Taylor habla de la relación tumultuosa e intermitente de una pareja (inspirada en su propia relación con el cantante Harry Styles) y afirma que este tipo de relaciones tóxicas nunca pasarán de moda.

El cuarto single lanzado fue Bad Blood, un medio tiempo synth-pop cuyas letras hablan de la traición cometida por una amiga íntima (se especula que Taylor se refería a su ex-amiga Katy Perry). ‘Bad Blood’ fue lanzado en forma de remix con la participación del rapero Kendrick Lamar y supuso el tercer single #1 de «1989» en la lista americana y cuarto en total. El synth-pop de los años 80 inspiró varias de las canciones del álbum, entre ellas ‘Out of the Woods’, que describe la ansiedad de Taylor ante una relación frágil e inestable o ‘New Romantics’, cuyas letras hacen referencia a recuperar la esperanza tras un desengaño amoroso. Con «1989», Taylor Swift deja atrás definitivamente su pasado Country, profundiza en el pop comercial adoptado en su anterior trabajo y se reafirma en su posición de ‘pop star’ global, sin embargo este álbum no ofrece nada nuevo u original al panorama musical y sus letras resultan tremendamente genéricas y formulaicas. Puede que Taylor Swift haya conquistado al público adolescente, sin embargo su personalidad naif y el carácter casi infantil de las letras de sus canciones no ayuda en absoluto a conectar con ella ni su música. Temas imprescindibles: Out of the Woods, Style, Shake It Off, Blank Space y New Romantics. Puntuación: 6/10.

Crítica de «Rebel Heart» de Madonna

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Rebel Heart MadonnaMucha controversia y expectación se ha creado en torno al lanzamiento de Rebel Heart, el último disco de Madonna, ya que su publicación tuvo que ser adelantada por la filtración de todo su contenido en internet, por ello la discográfica de Madonna en un rápido y efectivo movimiento puso a la venta el álbum en iTunes de manera anticipada y quienes lo compraban en ‘pre-order’ podían descargarse inmediatamente las 6 primeras canciones del álbum, incluido el primer single, Living for Love. La promoción de «Rebel Heart» comenzó en febrero, cuando Madonna actuó en los premios Grammy e interpretó el sencillo presentación del disco en una temática muy similar a la del videoclip, inspirada en el mundo del toreo y con Madonna vestida de matador. La actuación de la reina del pop recibió grandes críticas por su puesta en escena, su coreografía y la buena ejecución vocal del tema, que fue interpretado en directo por parte de Madonna. Sin embargo en su siguiente actuación en los premios BRIT, muy similar a la anterior en cuanto a estética, la veterana cantante no corrió igual suerte, ya que durante la primera estrofa de la canción se encontraba en lo alto de en una escalera ataviada con una larga capa y al ser retirada ésta por parte de los bailarines, Madonna cayó hacia atrás dándose un buen golpe en la cabeza, pero haciendo gala de su profesionalidad se levantó y siguió cantando, y el público la ovacionó al finalizar la actuación. La ambición rubia siguió por Europa promocionando «Rebel Heart» y presentó en directo en el programa francés Le Grand Journal la versión remix de ‘Living for Love’ y un nuevo tema, ‘Ghosttown’, que será su siguiente single.

De las 6 primeras canciones que pudimos conocer del álbum destacan el pegadizo ‘Living for Love’ por su carácter optimista e inspirador y su influencia del sonido Gospel, ‘Devil Pray’, uno de los puntos fuertes del álbum y que tiene un toque folk que recuerda al álbum American Life, ‘Ghosttown’, que recuerda a otras grandes baladas de la carrera de Madonna como ‘Live to Tell’ y donde la voz de la cantante y la composición son los puntos fuertes o ‘Unapologetic Bitch’, que tiene influencia del sonido reggae y resulta muy pegadiza. Tras la actuación de Madonna en los Grammy otras 3 nuevas canciones fueron desveladas, de las cuales me sorprendió ‘Hold Tight’ y ya en marzo coincidiendo con la publicación del CD físico, el resto de canciones eran descargadas inmediatamente, completando los 14 temas de la versión estándar y los 19 de la versión deluxe. De las 3 entregas, sin duda me quedo con la primera por la gran calidad de sus canciones y por el factor sorpresa que supuso su lanzamiento.

Una vez que escuchas «Rebel Heart» en su totalidad, la principal diferencia que se observa con respecto a sus anteriores álbumes es que, aunque sigue teniendo el toque electrónico típico de Madonna, no hay muchos temas de estilo Dance en el álbum, ya que en este nuevo trabajo predominan los medios tiempos y las baladas. Este moderno y actual toque electrónico lo han dado los jóvenes DJ’s y productores Diplo, Billboard o Avicii, quienes trabajan por primera vez con Madonna. Dentro de los pocos temas up-tempo destacan ‘Living for Love’ y ‘Bitch I’m Madonna’, en el que participa la rapera Nicki Minaj, quien ya colaboró con Madonna en el álbum «MDNA». Pero lo que sorprende gratamente del disco son las baladas, por ello es una gran decisión la elección de ‘Ghosttown’ como segundo single del álbum, uno de los temas más sobresalientes, además de ‘Messiah’ y ‘HeartBreakCity’, donde la Reina del Pop despliega todo su talento como compositora y cantante. Dentro de los medios tiempos electropop que abundan en «Rebel Heart» destacan ‘Iconic’, en el que colabora el prometedor artista Chance The Rapper o ‘Veni Vidi Vici’ donde también hay un toque de Hip Hop gracias a las rimas de legendario rapero Nas. También me han llamado la atención ‘Joan De Arc’ o el tema que cierra y titula el álbum, ‘Rebel Heart’, posiblemente los temas más pop del disco y que destacan por la nítida voz de Madonna en primer plano. En resumen, «Rebel Heart» es un buen álbum pop y supone un evidente paso adelante con respecto a «MDNA», ya que resulta más cohesivo y equilibrado que éste último, el cual tenía dos partes muy diferenciadas y no terminaba de enganchar. «Rebel Heart» está más centrado en la voz de la cantante y en las letras de las canciones que en resultar comercial y accesible al público joven como «MDNA». Aunque en un álbum tan largo hay varias canciones que sobran, no se hace muy pesado y posiblemente estemos ante uno de los mejores álbumes de Madonna de los últimos tiempos. Temas imprescindibles: Devil Pray, Living for Love, Ghosttown, Hold Tight, Iconic y Rebel Heart. Puntuación: 7’5/10. 

Crítica de «Trigga» de Trey Songz

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trey-songz TriggaAunque habitualmente escucho cantantes masculinos de R&B como Chris Brown, Usher o Ne-Yo, nunca había prestado excesiva atención a Trey Songz, cuyo éxito se reduce principalmente a Estados Unidos, sin embargo tras darle una oportunidad a su nuevo álbum tengo que reconocer que me ha sorprendido gratamente por lo que he seguido investigando en su discografía y he descubierto a un artista muy interesante. Cuando escuchas su música por primera vez, en ciertos momentos crees que está cantando Usher, ya que la voz de Trey Songz, aunque muy bonita y agradable, no resulta especialmente distintiva, y sus canciones perfectamente las podríamos encontrar en los últimos discos de Chris Brown o Usher. El sexto álbum de estudio del cantante de Virginia, titulado Trigga, está formado por 13 canciones (17 en la edición deluxe) compuestas por el propio Trey y entre la extensa nómina de productores implicados destacan DJ Mustard, Mike Will Made It, Da Internz, Soundz o D’Mile. «Trigga» está encuadrado dentro de la nueva corriente del R&B de moderna producción, con gran uso de sintetizadores y muy influenciado por el sonido Trap y Hip Hop y está compuesto principalmente por medios tiempos y temas slow-tempo. «Trigga» toma el relevo a ‘Chapter V’, publicado en 2012 y el cual alcanzó el #1 en la lista americana de álbumes (el primer trabajo ‘chart-topper’ del cantante) gracias a la buena acogida de singles como ‘Heart Attack’ o ‘2 Reasons’. Tras sus primeros álbumes, Trey Songz, cuyo verdadero nombre es Tremaine Neverson, pasó de ser el típico jovencito que resultaría el yerno ideal para las madres a convertirse en todo un ‘playboy’ de físico envidiable y rompecorazones que no deja de ligar con todas las chicas, y esa es la imagen en la que profundiza con su nuevo álbum, cuyas letras resultan muy explícitas y básicamente se centran en el sexo, las relaciones con las mujeres, infidelidades y pasarlo bien en el club, aunque en algunos momentos encontramos letras más profundas y emotivas. «Trigga» debutó en el #1 en la lista americana de álbumes (su segundo trabajo que llega a la posición de honor en Estados Unidos) y también tuvo un desempeño positivo en la listas de ventas de Gran Bretaña y Canadá, donde fue top 20. 

El single presentación del álbum fue Na Na, un pegadizo tema R&B/Hip-Hop con una base muy influenciada por el sonido Trap producido por DJ Mustard cuyo estribillo contiene una interpolación de la famosa canción ‘Fu-Gee-La’ de Fugees y cuenta con unas letras muy subidas de tono en las que Trey le dice a una chica con la que está ligando que su manera de bailar y contonearse le está despertando sus instintos más primarios. Na Na tuvo un buen rendimiento comercial y alcanzó el top 25 en Estados Unidos, Reino Unido o Francia. Otro de los singles más destacados del álbum fue Foreign, un tema R&B mid-tempo de producción dispersa e influencia Trap producido por Soundz en el que el rompecorazones de Virginia alaba las cualidades de chicas de diferentes nacionalidades y hace uso del famoso sing-rap que otros cantantes como Chris Brown usan habitualmente en sus canciones. Foreign, que se lanzó posteriormente en forma de remix junto al ‘enfant terrible del pop’ Justin Bieber, tuvo un mediocre rendimiento comercial en la lista americana. El último single desprendido del álbum fue Touchin Lovin, un marchoso tema R&B up-tempo con gran toque electrónico que cuenta con la colaboración de Nicki Minaj, con quien trabaja por segunda vez tras el hit single ‘Bottoms Up’, que se convirtió en el single más exitoso de toda la carrera de Trey Songz. ‘Touchin Lovin’, que resulta uno de los temas más pegadizos y adictivos del álbum, tuvo un desempeño comercial moderado y ocupó el top 50 en la lista americana.

Entre los temas más destacados de «Trigga» se encuentran ‘Cake’, un tema down-tempo que abre el álbum y en el que el cantante usa metáforas de comer pastel con el sexo, ‘Late Night’, un medio tiempo R&B/Hip-Hop de melodía muy adictiva que cuenta con la colaboración del rapero Juicy J y en el que Trey hace gala de su soltería y promiscuidad y afirma que no quiere una relación seria o ‘Disrespectful’, en el que participa la cantante Mila J (con la que se le relacionó sentimentalmente a Trey) y cuyas letras resultan muy sorprendentes al relatar sin pelos en la lengua que Mila le está poniendo los cuernos a su pareja con Trey y él, ni corto ni perezoso, no duda en utilizar la ropa del novio e incluso usar sus preservativos. La mayoría de los temas del álbum son rítmicos, pese a su naturaleza mid-tempo, aunque encontramos una balada, ‘Smartphones’, en la que Trey se muestra por primera vez arrepentido al ser pillado en una infidelidad por su pareja mientras habla por teléfono con otra chica. Merece la pena reseñar ‘Change Your Mind’, un animado tema up-tempo que supone la mayor aproximación al pop del álbum y ‘What’s Best for You’, perteneciente a la versión deluxe del álbum y que se trata de un tema R&B/Soul de sonido más convencional en el que luce especialmente la magnifica voz de Trey. En resumen, tras escuchar «Trigga» tengo que reconocer que me ha sorprendido gratamente, ya que se trata de un buen álbum dentro de la nueva corriente del R&B y compuesto por un conjunto muy sólido de canciones, aunque quizás las letras resultan poco originales y repetitivas. Sin duda Trey Songz lo tiene todo para triunfar: posee una bonita voz, compone sus canciones y además es atractivo ¿qué más se puede pedir?. Temas imprescindibles: Na Na, Touchin Lovin, What’s Best for You, Late Night y Change Your Mind Puntuación: 8/10.

Crítica de «1000 Forms of Fear» de Sia

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1000 FormsDesde hace varios años que Sia Furler es una compositora muy solicitada por cantantes de la talla de Rihanna, Christina Aguilera, Beyoncé, Britney Spears o Celine Dion, sin embargo en 2014 pasó de ser una artista minoritaria y desconocida por el gran público a convertirse en una de las cantantes más importantes del mundo de la música y ocupar las primeras posiciones en las listas de venta. En verano de 2014 vio la luz el sexto álbum de estudio de la excéntrica artista australiana, 1000 Forms of Fear, el cual está formado por 12 temas, principalmente baladas y medios tiempos, encuadrados dentro del electropop y compuestos por la propia Sia bajo la producción de Greg Kurstin en los que relata la batalla contra su adicción a las drogas y el alcohol y cómo sobrelleva el síndrome bipolar que le fue diagnosticado. «1000 Forms of Fear» debutó en el #1 de la lista de álbumes de Estados Unidos, Australia o Canadá y ocupó el top 10 en los importantes mercados como Reino Unido y Francia, aunque debutó tímidamente en Alemania o España. Gran parte del buen desempeño comercial que tuvo este trabajo se debió al inesperado éxito del single presentación del álbum, Chandelier, que alcanzó el top 5 en Australia, Francia o España y el top 10 en Estados Unidos, Alemania o Reino Unido, con unas cifras superiores a los 5 millones de copias digitales en todo el mundo. ‘Chandelier’ es una balada mid-tempo de estilo electropop con ciertas influencias R&B y reggae en la que Sia detalla de manera melancólica el sentimiento de abandono y liberación que sentía cuando salía de fiesta y consumía alcohol, así como el dolor y el vacío que provocan el alcoholismo. ‘Chandelier’ fue aclamado por la crítica por sus personales letras y la excelente ejecución vocal de Sia y recibió 4 nominaciones a los premios Grammy, entre ellos mejor canción y mejor grabación del año. Uno de los detalles más llamativos dentro de la promoción del álbum es que Sia no mostró su cara (pese a que ya conocíamos cómo es) y en todas sus actuaciones en directo utilizaba pelucas imposibles que le cubrían la mayor parte de su rostro y apenas mostraba su boca. En vez de enseñar su cara, toda la atención recaía en su poderosa voz y dejaba el protagonismo a la joven bailarina Maddie Ziegler, que fue la cara visible de sus videoclips y actuaciones gracias a su talento para el ballet y el baile clásico. 

‘Chandelier’ fue el único single oficial lanzado a nivel global, pero de manera limitada se lanzaron otros singles en diferentes territorios, como por ejemplo Big Girls Cry, que se trata de una balada synth-pop en la que Sia relata una ruptura sentimental y declara que las «chicas adultas también lloran». Pese a su limitado lanzamiento como single, ‘Big Girls Cry’ alcanzó el top 20 en Australia o Francia, que fue uno de los mercados más receptivos al álbum. Dentro de «1000 Forms of Fear» encontramos el tema Elastic Heart, que previamente formó parte de la banda sonora de la película «Los Juegos del Hambre» en una versión junto al cantante The Weeknd y que posteriormente fue incluida en el álbum en una versión cantada en su totalidad por Sia. ‘Elastic Heart’ es un tema mid-tempo electropop con influencia Trap producido por Diplo y Greg Kurstin en el que Sia relata cómo lidió con la enfermedad mental de su padre cuando apenas era una niña. La versión de ‘Elastic Heart’ cantada por Sia tuvo gran éxito y alcanzó el top 10 en Reino Unido, Australia o Canadá y el top 20 en Estados Unidos. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Fire Meets Gasoline’, en la que Sia compara una turbulenta relación con la reacción que se produce cuando el fuego toca la gasolina o ‘Eye of the Needle’, que relata una pérdida. Aunque dentro de «1000 Forms of Fear» dominan las baladas, encontramos un tema up-tempo, ‘Hostage’, que se trata de un marchoso tema pop/rock con influencia punk.

En su primera escucha «1000 Forms of Fear» no es un disco fácil de asimilar debido a la abundancia de baladas y el parecido entre muchos de sus temas, por lo que al principio puede resultar aburrido y monótono, sin embargo cuando le das otra oportunidad te acaba enganchando. Sin duda Sia se ha convertido en una de las artistas revelación del 2014 (pese a no ser una recién llegada al mundo de la música) y ha llamado la atención del público por su talento como vocalista y compositora, pero también por su excéntrica personalidad y sus shows, que se centraban en el aspecto visual de su arte mediante complejas coreografías por parte de Maddie Ziegler. Por su magistral y elegante producción, sus profundas letras que relatan los episodios más oscuros en la vida de la cantante y la originalidad de las canciones presentes, «1000 Forms of Fear» se convierte en uno de los mejores álbumes de los últimos años dentro del panorama musical. Temas imprescindibles: Chandelier, Fire Meet Gasoline, Big Girls Cry, Elastic Heart y Eye of the Needle. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Incomparable» de Faith Evans

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Faith-Evans-IncomparableMientras que la actual tendencia dentro del R&B es el uso de elementos de la música electrónica y la influencia del sonido dance-pop y electropop, sigue habiendo un grupo de cantantes de música negra que se mantienen fuera de esta tendencia que satura las radios y no han perdido la esencia de la verdadera música R&B. Una de estas artistas es Faith Evans, uno de los personajes más importantes del mundo de la música por ser la viuda del legendario rapero The Notorious B.I.G. y conocida como ‘The First Lady of R&B’ debido a la posición dominante que mantuvo dentro de este género durante los años 90 y la década del 2000 y su influencia en otros jóvenes artistas de R&B. A finales del año pasado, Faith Evans publicó su sexto álbum de estudio, Incomparable, que se trata del segundo que lanza de manera independiente tras abandonar su sello discográfico después de la publicación de su cuarto álbum. Pese a las bajas ventas que ha obtenido «Incomparable» y el carácter minoritario que ha tenido su lanzamiento, ha recibido buenas críticas por parte de los expertos musicales no sólo por la gran voz de la cantante sino porque con su música mantiene viva la auténtica esencia del R&B de los años 90. «Incomparable» supone un claro paso adelante en comparación con su último trabajo «R&B Divas», aunque no llega al nivel de «The First Lady», uno de los más valorados de su carrera musical.

El single presentación de «Incomparable» ha sido I Deserve It, que se trata de un marchoso tema R&B y Hip-Hop producido por Missy Elliott y que cuenta con su participación como artista invitada, además de la rapera Sharaya J. El álbum está formado por medios tiempos R&B entre los que destacan ‘Really Wanna Do’ o ‘Extraordinary’, temas up-tempo con influencia funk/Disco como ‘Paradise’ o ‘Incomparable’ y una gran variedad de interludios de temática Gospel. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Good Time’, muy influenciado por el sonido Hip Hop y que cuenta con la participación del rapero Problem o Fragile, que fue lanzado como último single promocional y del que Faith Evans grabó un sensacional videoclip inspirado en la serie de TV Scandal. ‘Fragile’ es uno de los temas más elogiados del álbum, se trata de un medio tiempo que captura perfectamente el sonido R&B/Soul de los años 90 y destaca por la emotividad en la voz de la cantante y sus profundas letras. Pese a que ha pasado más desapercibido que sus anteriores trabajos, «Incomparable» es un álbum de R&B más que digno que nos permite volver a escuchar una de las voces más importantes de este género desde hace dos décadas. «Incomparable» no es el mejor álbum de Faith Evans ya que resulta poco cohesivo en ciertos momentos y hay demasiados interludios, pero contiene un puñado de buenas canciones y lo considero uno de los discos R&B más importantes lanzados durante el 2014. Temas imprescindibles: Fragile, I Deserve It, Extraordinary y Really Wanna Do. Puntuación: 7/10.