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Crítica de «The One» de Trina

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trina-the-oneHan pasado 9 años desde la artista de Hip Hop Trina publicó Amazin’, su último álbum de estudio, el cual fue #13 en la lista de ventas americana y contó con los singles «That’s My Attitude» y «Million Dollar Girl» junto a Keri Hilson y Diddy. Durante este largo lapso de tiempo la rapera de Miami no ha parado de grabar nuevas canciones y ha lanzado varios mixtapes (entre ellos Dynasty 6 o Blue Magic), aunque también ha participado en otros proyectos no musicales, como el reality show «Love & Hip Hop: Miami», gracias al cual ha recuperado parte de su popularidad perdida. El pasado mes de junio, Katrina Taylor (el verdadero nombre de Trina) publicó The One, su sexto trabajo discográfico, tras numerosos retrasos en su lanzamiento, ya que este disco originalmente iba a ver la luz en 2017. Desde entonces varios singles han sido lanzados, como Fuck Boy, que es un auténtico himno contra los hombres de usar y tirar, está producido por Rico Love y se trata de un tema Hip-Hop/Trap de gran componente electrónico, o la balada Hip-Hop/R&B If It Ain’t Me que cuenta con la colaboración de la cantante K. Michelle y resulta muy similar a su clásico single «Here We Go» en un intento de repetir el éxito de este tema, el cual consiguió la mejor posición de Trina en las listas de venta. Durante este año, con antelación a la publicación de su sexto álbum de estudio, Trina ha seguido lanzando nuevos singles como «Mama», una emotiva balada R&B/Hip-Hop dedicada a su madre y que cuenta con la participación de la cantante de Gospel Kelly Price, «On His Face», un tema muy explícito sexualmente en el que colabora Lightskin Keisha, o el marchoso «BAPS» (el acrónimo de Bad Ass Pretty Sagittarius) junto a Nicki Minaj en el que Trina repasa los hombres que han pasado por su vida (French Montana, Lil Wayne o Tory Lanez). Entre las canciones más destacadas de este álbum se encuentran «Situation», que cuenta con la participación de su habitual colaborador y ex-pareja Lil Wayne, «New Thang» junto a 2 Chainz, o «Get Money», el único tema del álbum que no cuenta con ningún artista invitado. Uno de los puntos en contra es la inclusión de Fuck Boy en forma de remix con la participación de dos raperas desconocidas en vez de la versión original lanzada en 2017 interpretada sólo por Trina.

Con el lanzamiento de The One, Trina se convierte en la segunda rapera en tener seis álbumes de estudio a la venta, empatando con la legendaria Missy Elliott y haciendo de la rapera de Miami una de las artistas de Hip-Hop con una carrera más estable y consistente. El mundo del Hip-Hop ha cambiado mucho desde que Trina, Missy Elliott, Eve o Lil Kim triunfaban años atrás y hoy en día una nueva generación de jóvenes raperas dominan el Rap femenino como Cardi B o City Girls, sin embargo Trina es una de las pocas artistas de aquella época que continúa lanzando canciones de manera regular y sigue activa en el mundo de la música. En definitiva, aunque The One no es el álbum más sólido de Trina ni supera la gran calidad de sus icónicos trabajos «Da Baddest Bitch» y «Diamond Princess» o los más recientes «Still Da Baddest» y «Amazin», es un buen álbum de Hip Hop con varias canciones muy interesantes que demuestran que Trina sigue siendo una de las mejores raperas de su generación. Sin ser el mejor álbum de Trina, cualquier canción de este disco supera ampliamente al «Mumble Rap» que inunda las radios americanas hoy en día. Puntuación: 7/10.

trina-the-oneIt’s been 9 years since Miami-based rapper Katrina Taylor released her last studio album, Amazin’, which peaked at #13 on US charts and spawned the singles «That’s My Attitude», «Million Dollar Girl» and «Always». Since 2010, Trina hasn’t stopped working on new music, as she has released several mixtapes including Dynasty 6 and Blue Magic and also have starred the reality show «Love & Hip-Hop: Miami». Her sixth studio album, called The One, was supposed to be released in 2017, but since then the album has suffered continuous delays on its release date due to label conflicts. Several singles have been dropped from this project since 2017, like the Rico Love produced «Fuck Boy», which is an anthem against lame guys, the powerful R&B/Hip-Hop ballad «If It Ain’t Me» featuring singer K. Michelle or the Kelly Price assisted «Mama», a soulful ballad dedicated to Trina’s mother. The One features collaborations in every song of the album (Lil Wayne, 2 Chainz or Rico Love among others) with the exception of Get Money. With the release of The One, Trina become the only female rapper (alongside the legendary Missy Elliott) to have six studio albums in stores. After being delayed in multiple times and leaked onto internet, the track listing of «The One» have changed, as Trina recorded new songs for this album. The sexual explicit track «On His Face» and «BAPS» (Bad Ass Pretty Sags) have been chosen as the last singles before the album release, and features her fellow rapper Nicki Minaj. Hip Hop music has changed a lot since Trina, Missy, Eve and Lil Kim dominated the Rap charts on the last decade, and now a new generation of young rappers have conquered the Hip Hop market like Cardi B or City Girls, but Trina is one of the few artists who continues releasing new music and is still active nowadays. Even if «The One» isn’t one of Trina’s stronger efforts, and won’t be able to replicate the success of her signature albums «Da Baddest Bitch» and «Diamond Princess», is a good and very enjoyable album, and proves that Trina is still the raunchy and boss bitch of her beginnings and one of the best female rappers on the game. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Indigo» de Chris Brown

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800px-IndigoChrisBrownChris Brown es uno de los cantantes más prolíficos de los últimos tiempos, no sólo por la agilidad con que ha publicado álbumes desde su debut en el año 2005 sino por la extensión que han tenido sus recientes trabajos discográficos, los cuales superan los estándares actuales en el mundo de la música. Heartbreak on a Full Moon, su último disco de estudio, fue lanzado en 2017 y contaba con nada más y nada menos que 45 temas (algo completamente inusual hoy en día), lo que contribuyó a aumentar las ventas del disco debido al alto nivel de streaming acumulado por las canciones. Mientras que muchos artistas suelen lanzar álbumes de tan sólo 10 canciones, Chris Brown demuestra que es un talentoso compositor y para su noveno álbum de estudio, Indigo, nos ha vuelto a ofrecer un trabajo muy extenso, que cuenta con 29 temas (32 en la edición deluxe). Otra de las habituales señas de identidad del polémico cantante es lanzar numerosos singles como anticipo del álbum para crear expectación y en este caso no ha sido diferente ya que Chris nos ha ofrecido un total de 5 sencillos con anterioridad al lanzamiento de su nuevo disco. A nivel musical, Indigo sigue los pasos de «Heartbreak on a Full Moon» y se trata de un álbum de estilo R&B/pop con influencia Tropical House, R&B alternativo y Hip-Hop, y cuenta con una amplia nómina de productores, entre los que destacan Scott Storch (quien fue el responsable de su single debut Run It!), Soundz, JR Rotem, Boi-1da, Cardiak o Roccstar entre otros. Al igual que Chris Brown es uno de los cantantes de R&B más solicitados por otros artistas para participar en sus temas, también le gusta rodearse de un buen número de colaboradores en sus álbumes, e Indigo cuenta con artistas de Hip Hop de la talla de Nicki Minaj, Lil Wayne, Drake, Tyga, Gunna, G-Eazy o Juicy J. 

El single presentación del álbum fue Undecided, un pegadizo tema R&B/pop con influencia del sonido Tropical House producido por Scott Storch que ha recibido buenas críticas de los expertos musicales y ha logrado el top 20 en la lista de ventas de Reino Unido y el top 40 en Estados Unidos. Sin duda es uno de los temas más bailables y marchosos del álbum y personalmente mi favorito. Tras Undecided, el cantante lanzó en abril otros dos sencillos promocionales: Back To Love, un marchoso tema R&B/dance-pop también influenciado por el Tropical House en el que Chris declara que el amor le ha hecho ser mejor persona y Wobble Up, un tema Hip-Hop/R&B de naturaleza sexual que habla del twerking, y cuenta con la participación de los raperos G-Eazy y Nicki Minaj, quienes en sus respectivos versos dan la perspectiva masculina y femenina sobre el famoso movimiento de culo habitual en los clubs. A principios del mes de junio, Chris nos presentó otro single, No Guidance, el cual venía precedido de una gran expectación y polémica teniendo en cuenta el artista invitado que participa. Tanto el rapero canadiense Drake como el protagonista de este post tuvieron en el pasado una relación con Rihanna y a raíz de los malos tratos que sufrió la cantante de Barbados a manos de Chris, ambos iniciaron un ‘beef’ (término muy utilizado en el mundo del Hip-Hop para denominar una rivalidad o pelea entre artistas) aunque acabaron haciendo las paces el año pasado. Centrándonos en el aspecto musical, No Guidance es un medio tiempo de R&B alternativo que ha logrado la mejor posición de Chris en las listas de ventas desde ‘Loyal’ en 2013, y no sólo ha ocupado el top 10 en Estados Unidos, sino también en Canadá, Australia y Reino Unido. Un par de días antes de la publicación de Indigo, el cantante de Virginia nos presentó el single Don’t Check on Me, que se trata de una balada R&B/Soul de sonido casi acústico que cuenta con la colaboración del otro «enfant terrible» del pop americano, Justin Bieber.

Entre los temas más destacados del álbum se encuentran «Indigo», que da título a este trabajo y resume a la perfección el sonido mid-tempo R&B presente en la mayoría de canciones del disco, el marchoso tema R&B con influencia Tropical House ‘You Like That’, la balada ‘Girl of my Dreams’ donde Chris demuestra que es un gran vocalista, ‘Sexy’, que resulta un auténtico «bed-banger», cuenta con un gran uso del Auto-Tune y participa su amigo Trey Songz o el medio tiempo R&B ‘Heat’ junto al rapero Gunna. En resumen, aunque es digno de admirar el talento como compositor de Chris Brown, quien en 15 años de carrera musical ha publicado 9 discos (10 si tenemos en cuenta su álbum conjunto con Tyga) y su dedicación a la música y a sus fans, no se aprecia una gran evolución en sus últimos trabajos y apenas podemos distinguir «Indigo» de «Heartbreak», por lo que quizás lo más acertado para Chris sería descansar un tiempo, llenarse de inspiración y ofrecer un trabajo original y más arriesgado. Sin embargo no estamos ante un trabajo de baja calidad en absoluto, ya que podemos encontrar numerosas canciones muy interesantes, pero un álbum doble con más de 30 canciones se hace pesado y cuesta escucharlo en su totalidad. En definitiva, «Indigo» no pasará a la historia por ser el álbum más célebre de Chris Brown pero dentro de un año no muy boyante para el R&B, es uno de los mejores trabajos lanzados dentro de este género. Puntuación: 7’5/10. 

Crítica de «Da Real World» de Missy Elliott

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Da Real WorldHace unos días se han cumplido 20 años del lanzamiento de Da Real World, el segundo álbum de estudio de la legendaria artista Missy Elliott. Este álbum me trae grandes recuerdos ya que varias de las canciones que aparecen en él fueron responsables de que me interesara por el R&B y el Hip-Hop, los cuales se convirtieron en mis géneros musicales favoritos desde entonces. «Da Real World» debutó en el #10 de la lista americana de álbumes (#1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard) y acabó siendo certificado platino por ventas superiores al millón de copias en Estados Unidos, al igual que Supa Dupa Fly, el álbum debut de la rapera nacida en Virginia. Las críticas hacia este álbum fueron positivas ya que los expertos musicales alabaron la producción de Timbaland, que resultaba muy innovadora y vanguardista para aquellos años, además de las habilidades para rimar de Missy Elliott y su versatilidad como rapera y cantante. «Da Real World» contenía una perfecta combinación entre Hip Hop y R&B, tenía un sonido más oscuro que el álbum debut de Missy y contaba con una larga lista de artistas invitados, como Eminem, su protegida Aaliyah, Da Brat, Lil Kim, Redman, Lil Mo o Beyoncé, en uno de sus primeros pasos en solitario fuera de Destiny’s Child.

El primer single lanzado del álbum fue She’s a Bitch, un tema Hip Hop up-tempo con gran componente electrónico que destaca por ser una de las primeras canciones que incluía la palabra ‘bitch’ no con un sentido peyorativo sino denotando a las mujeres fuertes, empoderadas y que no tienen miedo de decir lo que sienten. El futurista y espectacular videoclip de ‘She’s a Bitch’ fue dirigido por Hype Williams y costó dos millones de dólares de 1999, convirtiéndose en uno de los más caros de la historia de la música. Aunque era una de las canciones mejores del «Da Real World» y el single perfecto para presentar el álbum, She’s a Bitch no tuvo un gran impacto comercial y apenas ocupó la parte baja de la lista americana Billboard. Como segundo single, Missy ‘Misdemeanor’ Elliott eligió All n My Grill, un medio tiempo R&B en el que mostraba su faceta como vocalista y contaba con la participación de la cantante Nicole Wray, que aportaba las notas más altas a la canción, y el rapero Big Boi, perteneciente al dúo Outkast. Para el mercado europeo, se lanzó una versión diferente que incluía un rap en francés del artista MC Solaar, quien gracias a su flow más lento encajaba mucho mejor con la canción. ‘All n My Grill’ no sólo es una de mis canciones favoritas del álbum sino de toda la trayectoria musical de Missy Elliott. Este single superó el rendimiento comercial de ‘She’s a Bitch’ en Estados Unidos, donde fue top 20 en el componente R&B/Hip Hop de Billboard y también tuvo un buen desempeño en las listas de venta de Francia, Alemania y Reino Unido, sin embargo fue el siguiente single el que más éxito cosechó de los tres lanzados. Hot Boyz fue el primer tema de Hip-Hop que realmente me llamó la atención y gracias al que empecé a explorar en profundidad el Rap americano. En la versión del álbum, ‘Hot Boyz’ contaba únicamente con la participación de la cantante Lil Mo, pero fue lanzado en forma de remix con los raps adicionales de Eve y Nas. ‘Hot Boyz’ alcanzó el #5 en la lista americana, la mejor posición de Missy en Estados Unidos hasta el momento y permaneció en el #1 del componente Hot Rap Singles durante 18 semanas consecutivas, convirtiéndose en uno de los temas de Hip-Hop más exitosos del año. Sin duda un clásico de Hip-Hop que nunca pasará de moda.

En resumen, «Da Real World» fue una gran continuación a «Supa Dupa Fly», ya que es un álbum muy futurista, moderno y adelantado a su tiempo, cuenta con varias de las mejores producciones de Timbaland de toda su trayectoria, y además es el perfecto ejemplo de la estrecha relación que surgió entre el Hip Hop y el R&B a finales de los años 90, de la que Missy Elliott fue una de las precursoras. A este álbum le tengo un cariño especial porque fue el primer disco de Hip Hop que compré, gracias a él me aficioné a escuchar Rap americano y descubrí a una de las mejores artistas del género, Missy Elliott, quien no sólo es una gran rapera, sino también una magnífica compositora y productora musical, además de cantante. «Da Real World» es mi álbum favorito de Missy Elliott, aunque sus siguientes trabajos «Miss E… So Addictive» y «Under Construction» también se encuentran entre mis discos favoritos de Hip Hop de todos los tiempos. Cualquier canción de este álbum es mejor que lo que suena actualmente en las radios urbanas americanas. Temas imprescindibles: All n My Grill, Hot Boyz y She’s a Bitch. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Madame X» de Madonna

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4bc501f378850a5c3ef459c8baa19256.jpgLa era Rebel Heart no comenzó de la mejor manera posible ya que el decimotercer álbum de estudio de Madonna fue filtrado en internet varios meses antes de su lanzamiento, por lo que la discográfica de la veterana cantante en una rápida maniobra puso a la venta el álbum en iTunes de manera anticipada y quienes lo reservaban podían descargarse inmediatamente las 6 primeras canciones del disco. Por otra parte, ‘Living For Love’, el primer single del álbum, no obtuvo el éxito esperado y se convirtió en el primer «single anticipo» de Madonna que no entraba en la lista americana Billboard, a lo que hay que sumar que en una de las presentaciones en directo de este tema Madonna tuvo un problema con el vestuario y cayó varias escaleras abajo, aunque pese a este contratiempo supo continuar con la actuación de manera muy digna. Muchos tomaron esta caída como el presagio de lo que iba suceder con el álbum, ya que la era «Rebel Heart» había comenzado de una manera muy torcida. Sin embargo pese al traspiés inicial, «Rebel Heart» recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales ya que resultaba superior a sus últimos lanzamientos. Por su parte, Madame X, el nuevo álbum de la reina del Pop, ha generado gran expectación entre el público por el misterioso personaje que ha creado Madonna para este proyecto, sin embargo el single anticipo del disco, ‘Medellín’, ha despertado reacciones muy variadas por parte de los fans y los críticos musicales, y ha obtenido unas posiciones muy discretas en las listas de venta. Además la actuación de la cantante en el festival de Eurovisión resultó muy polémica por mostrar las banderas de Palestina e Israel (aún cuando estaba prohibida cualquier manifestación política durante el certamen), aunque lo más comentado de la noche fue la mediocre ejecución vocal de Madonna durante el tema ‘Like a Prayer’, que fue objeto de grandes críticas por desafinar en varias ocasiones, algo muy criticado teniendo en cuenta que la cantante cobró más de un millón de euros por actuar en Eurovisión (aunque su actuación fue sufragada por un millonario israelí). Por todo ello, podemos considerar que la era «Madame X» tampoco ha empezado de la mejor forma posible, aunque esto puede cambiar cuando el público escuche las canciones del disco y descubra el ambicioso proyecto en el que Madonna ha estado trabajando durante un largo tiempo. 

Antes del lanzamiento de «Madame X» hemos podido escuchar varios temas del álbum, como Medellín, un extraño tema Latin-pop y electropop con influencia del sonido reggaeton que cuenta con la colaboración del colombiano Maluma y en el que Madonna reflexiona sobre los problemas del pasado mientras sueña con hacer un viaje a Medellín. Pese a haber atraído la atención del público por la curiosa mezcla de ambos artistas, este single ha tenido un impacto comercial mediocre. Otros de los sencillos promocionales de «Madame X» han sido I Rise, una balada en la que Madonna pone voz a las personas marginadas y desfavorecidas y resulta todo un himno gracias a su mensaje inspirador, Crave, una insulsa balada mid-tempo con melodía de guitarra e influenciada por el sonido Trap en la que participa el artista Swae Lee o Future, que se trata de un medio tiempo de sonido reggae en el que participa el rapero Quavo y fue presentado en directo por primera vez en el festival de Eurovisión. Aunque en mi opinión es el mejor tema y el que más me ha gustado de todos los que nos ha adelantado Madonna debido a su mensaje y su influencia reggae, lo cierto es que la anodina aparición de Quavo no aporta nada al tema y es totalmente prescindible, y otro de los puntos negativos es el prominente uso del Auto-Tune en la voz de ambos artistas.

«Madame X» es un disco introspectivo y personal, pero también cargado de mensajes sociales y políticos, donde las letras de las canciones toman más fuerza que la voz de Madonna y destaca por el hecho de contar con Mirwais como productor principal (quien fue responsable de su exitoso Music o el polémico «American Life»), aunque también han participado otros importantes nombres como Diplo, Billboard o Mike Dean. Musicalmente hablando Madame X es un disco muy ecléctico y diverso, ya que el largo período que vivió Madonna en Portugal le sirvió para conocer la cultura del país, su influencia en África y su conexión con España y el resto de Europa. El conocimiento de la cultura portuguesa y su acercamiento a músicos y artistas de aquel país inspiraron a la veterana cantante a incorporar a su nuevo trabajo la música latina, los ritmos tribales africanos e incluso el fado, fusionándolos con su habitual sonido pop y electropop. Madame X está formado en su mayoría por baladas y medios tiempos, que conectan mejor con el mensaje inspirador y reivindicativo que pretende difundir Madonna, como por ejemplo ‘Dark Ballet’, una oscura balada que contiene un fragmento de la pieza clásica El Cascanueces y es uno de los mejores temas de Mirwais del álbum o ‘Killers Who Are Partying’, quizás el tema con mayor inspiración de la cultura portuguesa, que comienza como una balada con melodía de fado para luego transformarse en un medio tiempo electropop y destaca por su gran carga política y social. Aunque dentro del álbum dominan los temas down-tempo también podemos encontrar varias canciones más rítmicas, como ‘Bitch I’m Loca’, un marchoso tema Latin-pop con influencia reggaeton en el que colabora nuevamente Maluma y donde Madonna se atreve a cantar en español, o la versión de ‘Faz Gostoso’, otro de los temas influenciados por la música latina y quizás el más marchoso y bailable, en el que Madonna canta el estribillo en portugués y cuenta con la participación de la joven cantante brasileña Anitta. Sin duda son las dos canciones más pegadizas del álbum y que resultarán las más accesibles al público en general. Otros de los temas más llamativos del álbum y que merecen la pena comentar son ‘God Control’, que comienza como una balada pero acaba convirtiéndose en un tema Disco o ‘I Don’t Search I Find’, el más up-tempo de «Madame X», de naturaleza experimental y que recuerda a la era Erotica por su sonido dance y electrónico. 

Mientras que muchos seguidores de la cantante esperaban un disco del tipo «Confessions» con canciones bailables y marchosas, Madonna nos ha ofrecido por contra un álbum íntimo, experimental, con gran conciencia social y política y que no está dirigido a las listas de baile ni resulta comercial, ya que en este punto de su carrera Madonna prefiere hablar de los temas que le preocupan como la libertad, el feminismo y la igualdad. Esto hace que en la primera escucha cueste digerir varias de las canciones presentes, debido a su ritmo lento y su carácter introspectivo. Por esta razón, las letras de las canciones son el punto fuerte de «Madame X», por encima de la voz de Madonna, que no destaca especialmente y hace uso de un registro bastante limitado. Probablemente «Madame X» sea uno de los álbumes de Madonna con menos viabilidad comercial, pero gracias a la enorme y leal base de fans que tiene la Reina del Pop, ha conseguido en su primer día a la venta ocupar el #1 en iTunes en más de 50 países, lo cual es todo un éxito para una artista que lleva casi 4 décadas en el mundo de la música.

El álbum ha recibido opiniones muy variadas por parte de los fans y los expertos musicales, ya que mientras algunos consideran «Madame X» el mejor disco de Madonna de esta década, otros han sido muy críticos con el álbum y catalogan ‘Medellín’ como el peor single que ha lanzado la cantante en toda su trayectoria. En mi opinión, «Madame X» cuenta con varias canciones muy interesantes pero en la primera escucha cuesta asimilarlo porque en general no resulta muy accesible ni es tan comercial como sus trabajos anteriores, sin embargo cuando le das otra oportunidad va ganando puntos y permite entender mejor las diferentes facetas del personaje «Madame X». Otro de los puntos negativos es que la voz de Madonna aparece muy sintetizada a lo largo del álbum y hay un claro abuso del Auto-Tune, haciendo que Madonna brille en esta ocasión por su faceta como compositora y no como vocalista. «Madame X» recupera en cierto modo el toque experimental e intimista que tenía «American Life», pero sobretodo es el reflejo de la madurez de una artista que ya lo ha conseguido todo en el mundo de la música y sólo pretende enviar su mensaje sobre temas que considera fundamentales como la discriminación, el feminismo, la libertad y la igualdad entre las personas. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «9 Lives» de Kat DeLuna

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81lMXOv7hXL._SS500_Kat DeLuna es una cantante americana de ascendencia dominicana que inició su carrera musical en solitario en 2007 tras formar parte de un grupo cuando era una adolescente. Kat DeLuna guarda muchas similitudes con Jennifer Lopez ya que ambas crecieron en el neoyorquino barrio del Bronx, tienen ascendencia latina y se han influenciado del sonido urbano que se respira en el Bronx y de la música latina proveniente de sus raíces hispanas. El álbum debut de Kat DeLuna se titula 9 Lives, fue compuesto en su totalidad por la propia cantante y producido por RedOne, quien por entonces era un desconocido para el gran público pero años más tarde triunfaría en todo el mundo gracias a su trabajo para Lady Gaga o Jennifer Lopez. «9 Lives» es un disco muy ecléctico que está formado principalmente por temas up-tempo de estilo dance-pop, R&B y Latin-pop con influencias Dancehall, electropop y Hip-Hop. El single presentación del álbum fue Whine Up (la pronunciación caribeña de la palabra ‘Wind Up’ que significa movimiento de caderas en la pista de baile), que se trataba de un marchoso tema Dancehall en el que colaboraba el artista jamaicano Elephant Man. ‘Whine Up’ alcanzó el top 30 en la lista americana de singles, obtuvo el premio a mejor tema Latin/Dance en los Billboard Music Latin Awards y se convirtió en el mayor éxito de su carrera. En el resto del mundo también tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 20 en Canadá, Australia y Francia. El siguiente single fue Run the Show, un bailable y enérgico tema que combinaba R&B/Hip-Hop con sonido reggeaton, contaba con la colaboración del rapero Busta Rhymes y resultaba muy pegadizo, convirtiéndose en uno de los temas más destacados del álbum y quizás el más emblemático dentro de la carrera de Kat DeLuna. Pese a que tuvo un buen desempeño en el componente Dance y Latin de la lista Billboard, no consiguió entrar en el Hot 100, aunque resultó un éxito en países europeos como Francia o Bélgica. En un principio estaba previsto que se lanzara Am I Dreaming como segundo single, pero fue cancelado su lanzamiento en favor de ‘Run the Show’, sin embargo el tema fue lanzado como parte de la re-edición del álbum en forma de remix junto al cantante senegalés Akon. Mientras que los anteriores singles eran up-tempo, ‘Am I Dreaming’ se trataba de un romántico tema mid-tempo que mezclaba R&B y Latin-pop, concretamente melodía de bachata. Como último single se lanzó In The End, otro bailable tema dance-pop y electropop (esta vez sin el componente latino de sus predecesores) que resultaba muy similar a las producciones que usaría años más tarde RedOne para Lady Gaga o J.Lo.

Mientras que los singles lanzados de «9 Lives» eran en su mayoría enérgicos temas up-tempo con gran influencia urbana y latina, en el resto del álbum podemos encontrar canciones más tranquilas en las que dominaban el sonido R&B/pop, como la romántica balada ‘Love Me, Leave Me’ o ‘You Are Only Mine’, que recuerda al estilo de Toni Braxton y cuenta con inspiración latina, o los magníficos medios tiempos ‘Love Confusion’ y ‘Feel What I Feel’, que demuestran que Kat es una buena vocalista. En los inicios de su carrera musical, Kat DeLuna tenía un prometedor futuro y un gran potencial, puesto que era una cantante, compositora y bailarina talentosa que podría haber triunfado como lo hizo J.Lo, sin embargo «9 Lives» tuvo una recepción muy tibia por parte del público y debutó en el top 60 de la lista americana con unas bajas ventas. Su segundo álbum Inside Out vio la luz en 2010, aunque fue publicado de manera limitada en varios países europeos y tuvo un impacto comercial muy reducido. Contó con varios singles destacados como ‘Unstoppable’ junto al rapero Lil Wayne o el polémico Party O’Clock, producido por RedOne, quien tras el relativo fracaso del tema, lo transformó en ‘On The Floor’, el exitoso single que devolvió a Jennifer Lopez al #1 en todo el planeta tras un periodo comercial infructuoso. Siendo más que obvias las similitudes de ‘On The Floor’ con ‘Party O’Clock’, Kat DeLuna se quejó en varias entrevistas de cómo los artistas consagrados roban las ideas y la visión artística a los cantantes emergentes. Tras este segundo álbum, la cantante latina desapareció del panorama musical y apenas hemos sabido nada de ella, pero merece la pena rescatar del olvido a «9 Lives», el pcual lo considero un álbum más que digno. Temas imprescindibles: Run the Show, In The End, Whine Up, Love Confusion y Am I Dreaming. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Cuz I Love You» de Lizzo

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lizzo_cuz-i-love-youLa cantante Lizzo ha publicado anteriormente dos álbumes de estudio, sin embargo su tercer disco supone el primero dentro de una gran discográfica, lo que sin duda le ha proporcionado un aumento considerable en su popularidad gracias a una mayor promoción. Cuz I Love You es el título del nuevo álbum de estudio de Lizzo, que vio la luz el pasado mes de abril y está formado por 11 temas (14 en la edición deluxe) que van del R&B/Soul al Hip Hop pasando por el funk, lo que lo convierte en un álbum urbano muy ecléctico. Todos los temas del álbum están compuestos por Lizzo y producidos por Oak, X Ambassadors o Ricky Reed (conocido por su trabajo junto a Jason Derulo o Meghan Trainor). Antes de ser conocida, Lizzo formó parte de varios grupos de Hip-Hop/R&B en su nativa Minneapolis, e hizo su debut en solitario en 2013 con el álbum Lizzobangers. Lizzo, cuyo verdadero nombre es Melissa Jefferson, luce sin complejos sus curvas en la portada de su nuevo álbum, ya que la cantante ha afirmado en varias ocasiones que está feliz, segura de sí misma y no le importan sus kilos de más. «Cuz I Love You» debutó en el #6 de la lista americana y vendió 40 mil copias durante su primera semana, convirtiéndose en el trabajo más exitoso de Lizzo y el primero que entra en la lista Billboard. El single presentación del álbum fue Juice, un marchoso tema funk de sonido retro que muestra la variedad musical del álbum y su versatilidad como artista ya que Lizzo rapea y canta. Este pegadizo y bailable tema producido por Ricky Reed ha recibido opiniones muy positivas por parte de los expertos musicales por su temática sobre aceptarse a uno mismo y aunque no ha entrado en la lista americana de singles, sí ha obtenido un buen rendimiento en el componente R&B de Billboard, donde ha sido top 10.

Uno de sencillos promocionales del álbum fue Tempo, un tema que combina sonido electrónico con Hip Hop, en el que Lizzo muestra su faceta de rapera y cuenta con la participación de Missy Elliott, cuyo rap recuerda mucho al que proporcionó a Janet Jackson en ‘Burn It Up!’. Tempo, en el que la cantante reivindica su cuerpo y arremete contra las chicas delgadas, es sin duda otro de los puntos fuertes de «Cuz I Love You» y resulta muy curioso que colabore con la legendaria artista Missy Elliott, ya que ambas comparten muchos puntos en común, no sólo porque las dos se llamen Melissa, sino que ambas son raperas y cantantes, saltaron a la fama cuando eran ‘gorditas’ y son muy talentosas. En la edición deluxe del álbum se incluye otro sencillo promocional, ‘Boys’, un marchoso tema funk con influencia Hip Hop en el que Lizzo muestra su faceta como rapera y ‘Truth Hurts’, un medio tiempo R&B que fue lanzado como single en 2017 pero gracias a su incursión en una conocida serie de TV ha aumentado enormemente su popularidad (está entre los temas más escuchados en Spotify), por lo que fue añadido in extremis al tracklisting de «Cuz I Love You». En el álbum, Lizzo trata temas como la auto-aceptación y la confianza en uno mismo o su relación con los hombres, y entre las canciones más destacadas se encuentran ‘Cuz I Love You’, una desgarradora balada Soul/Jazz en la que Lizzo habla de la soledad y la depresión que ha sufrido, ‘Soulmate’, un marchoso tema electropop y R&B en el que declara que ella misma es su alma gemela y nuevamente afronta su soledad, ‘Like a Girl’, un himno feminista en el que nombra a importantes mujeres del R&B como Lauryn Hill, Chaka Khan o TLC e incluye la hilarante frase «estoy sola en casa como Macaulay Culkin» o ‘Jerome’, un medio tiempo R&B/Soul de sonido retro en el que la curvilínea artista se despacha a gusto contra su ex.

En definitiva, «Cuz I Love You» es álbum muy ecléctico en el que Lizzo muestra su variedad musical y su versatilidad como artista y aunque sea el tercer álbum de la artista nacida en Detroit, podría parecer su debut, ya que cuenta con una falta de dirección habitual en los primeros álbumes, pero también resulta interesante y original. Además, este trabajo ha permitido al gran público conocer a una cantante peculiar y polémica pero muy talentosa que seguro que seguirá dando que hablar en el futuro dentro de los género R&B y Hip Hop. Temas imprescindibles: Juice, Tempo, Truth Hurts y Cuz I Love You. Puntuación: 7/10.

Throwback Review: «Jackie» de Ciara

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ciara-jackie-coverLa cantante americana Ciara recuperó parte de su popularidad y éxito perdidos con su quinto álbum de estudio, titulado de manera homónima, ya que aunque no logró unas ventas espectaculares, sí supuso un importante avance en comparación con «Basic Instinct» y contó con el single ‘Body Party’, que alcanzó su mejor posición en la lista americana tras varios años de ausencia en la parte alta de la lista Billboard. Tras «Ciara», la cantante de Atlanta fue madre de un niño, fruto de su relación con Future, sin embargo poco después la pareja rompió tras descubrir Ciara las infidelidades del rapero. Mientras se centraba en cuidar a su hijo, Ciara comenzó a grabar su nuevo álbum, inspirado en su ruptura con Future y en su faceta como madre. En mayo de 2015, la cantante publicó su sexto disco de estudio, titulado Jackie en honor a su madre. Tras su maternidad, Ciara recuperó el escultural físico que tenía antes de su embarazo y realizó una intensa promoción del álbum, apareciendo en numerosos programas de televisión americanos y demostrando una gran voz en directo mientras interpretaba el primer single. I Bet es una emotiva balada R&B que trataba su relación con Future, estaba compuesta por la propia Ciara y producida por Harmony Samuels. Aunque en un principio ‘I Bet’ podría parecer que no era la mejor opción como single presentación del álbum por ser una balada de carácter íntimo y autobiográfico, el resultado comercial fue bastante positivo, ya que ocupó el top 50 en la lista americana y el top 20 en el componente R&B de dicha lista, logrando la mejor posición de Ciara en Billboard desde ‘Body Party’. Tras la promoción de ‘I Bet’, Ciara anunció que se embarcaría en una gira por Estados Unidos, la primera de la cantante en muchos años y que recorrió las principales ciudades americanas.

Tras la buena acogida de ‘I Bet’ Ciara lanzó como segundo single Dance Like We’re Making Love, un magnífico tema pop/R&B mid-tempo que recibió muy buenas críticas por parte de los expertos musicales por su ejecución vocal (muy similar a la de Janet Jackson) y la elegante producción de Dr. Luke. La elección de los singles fue todo un acierto ya que eran dos de los mejores temas del álbum y mostraban una faceta más centrada en las habilidades vocales de Ciara que en su talento como bailarina cuando lanza singles más marchosos. «Jackie» está compuesto principalmente por temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop, y resulta uno de los trabajos más bailables de la cantante, aunque también podemos encontrar sus habituales baladas R&B. Ciara participó en la composición de varias de las canciones que forman parte de Jackie y contó con la producción de importantes nombres como Polow da Don y Dr. Luke (quienes ya trabajaron con la cantante en el disco Fantasy Ride), además de otros como Harmony Samuels o The Underdogs. Pese a que Ciara declaró en los estadios iniciales del disco que iba a trabajar con el productor Mike WiLL Made It, responsable de varios temas de su anterior álbum, finalmente no se incluyó ningun tema de Mike WiLL en Jackie.

Dentro de los temas up-tempo que forman parte de Jackie destacan la colaboración de Missy Elliott y Pitbull en ‘That’s How I’m Feelin’, uno de los más bailables y pegadizos del álbum o ‘Give Me Love’, que se trata de un potente tema dance-pop y House dirigido a las pistas de baile, y que destaca por el uso del tono más grave y profundo de la voz de Ciara. Cabe destacar que en el track listing de Jackie se incluye «One Woman Army», canción que originalmente se iba a incluir en su anterior trabajo y le daba título al álbum antes de que decidiera a cambiarlo simplemente por «Ciara». Jackie debutó en un modesto #17 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en la segunda peor posición de Ciara en Billboard tras “Basic Instinct” y acabó vendiendo apenas 65 mil copias en Estados Unidos, la cifra más baja de ventas de un álbum de la cantante en toda su trayectoria musical. Aunque la elección de los singles fue acertada y podemos encontrar canciones interesantes en Jackie, gran parte álbum no acaba de enganchar y resulta menos sólido y consistente que su anterior disco. Temas imprescindibles: I Bet, Dance Like We’re Making Love, That’s How I’m Feelin’ y Give Me Love. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de «Beauty Marks» de Ciara

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Ciara-Beauty-Marks-album-coverEn el año 2015, la cantante americana Ciara publicó su sexto álbum de estudio, «Jackie», el cual resultó un fracaso de ventas y obtuvo críticas muy tibias, aunque contó con ‘I Bet’, que resultó moderadamente exitoso en el componente R&B de la lista americana de singles. Cuatro años más tarde, la atractiva cantante ha regresado al panorama musical con Beauty Marks, su séptimo trabajo discográfico. Desde el año pasado, Ciara ha lanzado numerosos singles como anticipo de su nuevo álbum, en una estrategia comercial muy similar a la que suele utilizar Chris Brown y que cada vez más cantantes llevan a cabo, ya que hoy en día se venden más singles que álbumes, debido al auge del streaming y las descargas digitales y la dramática bajada en las ventas de CD’s físicos. En julio del año pasado, como single presentación de su nuevo trabajo se lanzó Level Up, que se trataba de un enérgico tema dance-pop influenciado por el sonido Jersey Club que atrajo la atención del público y se convirtió en uno de los singles de Ciara más exitosos de los últimos tiempos. Este pegadizo tema producido por JR Rotem estuvo acompañado de un videoclip muy futurista en el que Ciara realizaba una compleja y original coreografía con la que demostraba que además de una buena cantante es una excepcional bailarina y posee un físico envidiable. La coreografía de Level Up se convirtió en viral en las redes sociales y ayudó sin duda a hacer de este tema uno de los más populares de la cantante. Tras la promoción de ‘Level Up’, la cantante de Atlanta lanzó como siguiente single Freak Me, un bailable tema dance-pop y Tropical House de sonido tribal, aunque a diferencia del anterior single no tuvo un buen desempeño en las listas de venta. Ciara siguió ofreciendo más singles como anticipo de su nuevo álbum y en septiembre del año pasado lanzó Dose, un tema R&B up-tempo con uso prominente de percusión producido por Darkchild cuyas letras hablaban de empoderamiento femenino. Ya en 2019, Ciara confirmó que su séptimo álbum de estudio vería la luz en mayo y lanzó nuevo single, Greatest Love, que rompía la racha de temas up-tempo para ofrecernos una balada R&B producida por su habitual colaborador Jasper Cameron, responsable de varios de sus hits. ‘Greatest Love’ nos mostraba el lado más sensual de la cantante y nos confirmaba que dentro de su nuevo trabajo, como es habitual en todos los trabajos de Ciara, podremos encontrar tanto marchosos temas dance-pop como sus habituales temas mid-tempo R&B de carácter sexy que resultan auténticos ‘bed bangers’.

A finales de marzo, como single previo al lanzamiento de «Beauty Marks», Ciara nos presentó Thinkin Bout You, un original tema pop/R&B con influencia Disco de inspiración ochentera que recuerda al estilo de Prince o Janet Jackson. Este single contrasta con el estilo de los primeros sencillos del álbum (los cuales eran potentes y enérgicos temas dance-pop con gran uso de sintetizadores) y resulta más orgánico y con mayor uso de instrumentación, lo que lo convierte en uno de los mejores temas del álbum y un gran acierto como single. «Beauty Marks» está formado por 11 temas, por lo que habiendo lanzado ya 5 singles, casi la mitad del contenido del disco ha sido desvelado, lo cual reduce en gran medida el factor el sorpresa del álbum, aunque dentro del resto de él todavía quedan temas muy interesantes que comentar. Una de las sorpresas del álbum es la colaboración de Ciara con Kelly Rowland en ‘Girl Bang’, un tema mid-tempo R&B que habla del empoderamiento femenino y demuestra el swagger que poseen las dos cantantes (ambas de procedencia sureña), aunque no es de los mejores temas presentes en el álbum. Mientras que la mayoría de los singles eran de estilo dance-pop, en el resto del disco dominan los medios tiempos R&B, como ‘Set’, un agresivo tema de corte urbano, ‘Trust Myself’ o ‘I Love Myself’, que cuenta con la colaboración del rapero Macklemore. Otros de los temas más destacados son ‘Na Na’, que cuenta con ritmos tropicales e influencia dancehall y resulta muy marchoso y ‘Beauty Marks’, la gran balada del álbum y el momento más emotivo en el que Ciara muestra su vulnerabilidad y explica «cómo podemos convertir nuestras cicatrices en marcas de belleza, y no hay mayor sentimiento que transformar las lágrimas de pena en lágrimas de alegría». El videoclip de esta bonita balada ha sido desvelado coincidiendo con la publicación del álbum y en él podemos ver a Ciara emocionarse y llorar mientras canta, además de alternarse con momentos de su boda con el jugador de fútbol americano Russell Wilson.

Uno de los puntos fuertes de «Beauty Marks» es duda la gran elección de los singles, que resultan muy pegadizos y están perfectamente elegidos para mostrarnos la variedad de sonidos presentes en el disco, aunque como punto en contra está la brevedad del álbum teniendo en cuanta el amplio lapso de tiempo que ha pasado desde su último álbum, y por otra parte es que el resto de los temas que conforman «Beauty Marks» no enganchan tanto como los singles. En definitiva, este trabajo supone un evidente paso adelante con respecto a su anterior disco «Jackie», irregular y que contaba con excesivo relleno, y nos encontramos en mi opinión ante el mejor álbum de Ciara de esta década. Con la publicación de su séptimo álbum, Ciara Princess Harris demuestra que se ha convertido en una auténtica superviviente entre las cantantes de R&B surgidas durante la década del 2000, ya que disco tras disco se ha labrado una carrera musical consistente y estable, pese a haber iniciado una espiral decreciente en su éxito comercial tras su tercer álbum. Ciara, con sus altos y sus bajos, intenta dar lo mejor de sí misma con cada álbum y es fiel a su estilo, lo cual es digno de admirar. Temas imprescindibles: Level Up, Dose, Thinkin Bout You, Greatest Love, Trust Myself y Set. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Love + Fear» de Marina

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marina-2Como ya comenté en la crítica de «Love», la cantante Marina tenía previsto publicar su cuarto álbum de estudio Love + Fear el 26 de abril, pero decidió liberar la primera parte del mismo a principios de dicho mes, tras el lanzamiento de varios singles que lograron una acogida muy tibia por parte del público. Y en la fecha originalmente establecida, la cantante galesa ha publicado el disco completo, para que podamos valorar el proyecto en su totalidad. «Love + Fear» es un disco doble con dos partes diferenciadas, y tras escuchar Love, que no ha acabado de enganchar a sus seguidores ni al público en general, ahora le toca el turno a Fear, que sin el acompañamiento de ningún sencillo promocional promete ser uno de los fracasos más sonados del año. Aunque «Love» contenía varias canciones interesantes, en conjunto resultaba poco arriesgado y original, sin embargo una vez que escuchas Fear, el álbum completo gana puntos y nos ofrece una visión más completa de este nuevo proyecto de la cantante de origen griego. Musicalmente, «Fear» sigue el patrón de «Love» y está compuesto principalmente por medios tiempos y baladas de estilo electropop, aunque podemos encontrar algún tema up-tempo de sonido dance-pop e influencia Tropical House, sin embargo en lo que respecta las letras de las canciones, mientras que «Love» se centraba en el amor y las relaciones, en «Fear» la cantante habla de los miedos e inseguridades por los que pasó durante su depresión, y cómo la fama y la popularidad tuvieron un efecto negativo sobre ella. 

Tras escuchar «Fear», puedo decir que me ha gustado más que la primera parte del álbum (olvidándome que ‘Baby’ forma parte de «Love», ya que Marina es la artista invitada) y dentro de las 8 canciones mis favoritas son ‘Karma’, un pegadizo tema que contiene influencia Latin-pop y sonidos tropicales y que resulta uno de los más pegadizos y accesibles del álbum, y ‘No More Suckers’, un medio tiempo electropop que supone un auténtico himno contra los haters. También destacan ‘Emotional Machine’, el único tema up-tempo dance-pop del álbum y ‘Soft To Be Strong’, la mejor balada del disco y en la que la cantante muestra su vulnerabilidad como persona. Aunque dentro de «Love + Fear» podemos encontrar buenas canciones y hay que destacar las habilidades de Marina como compositora y su personal voz, es un álbum difícil de digerir en la primera escucha y resulta poco comercial y accesible, convirtiendo a Marina en una artista de carácter indie. La cantante de 33 años, que nos conquistó cuando se apodaba Marina and the Diamonds y adoptaba diferentes alter-egos, ahora se muestra tal y como es, sin personajes ni artificios, pero parece que la estrategia no ha terminado de gustar al público, por lo que quizás es hora de que vuelva a recuperar los diamantes y nos ofrezca trabajos tan sobresalientes como «Electra Heart», su mejor disco hasta la fecha en mi opinión. Aún con todo, «Love + Fear» es un trabajo más que digno que merece la pena darle una oportunidad. Temas imprescindibles: No More Suckers, Emotional Machine y Karma. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Taking Chances» de Céline Dion

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Taking ChancesA principios de la década del 2000 Céline Dion vivió un gran momento de popularidad gracias al álbum «A New Day Has Come», el cual recibió buenas críticas de los expertos musicales y resultó un gran éxito comercial, con más de 12 millones de copias vendidas en todo el mundo. Apenas un año después llegó «One Heart», que seguía la estela musical de su predecesor y contenía varios descartes de las sesiones de grabación de aquel álbum, lo cual atrajo ciertas críticas negativas. Tras la promoción de este álbum, la cantante canadiense se embarcó durante más de cuatro años en una residencia de conciertos en Las Vegas, «A New Day», que se convirtió en la residencia más recaudadora de la historia en la ciudad del pecado. En 2007 Céline Dion hizo doblete y publicó dos álbumes de estudio: uno en francés, titulado «D’Elles», para cubrir las necesidades de su fiel público francófono y a finales de año vio la luz su décimo trabajo en inglés, Taking Chances, el cual está formado por un compendio de sus clásicas baladas y temas up-tempo pop/rock con ciertas influencias dance-pop y R&B. «Taking Chances» tuvo una respuesta comercial positiva: ocupó #1 en su nativa Canadá, alcanzó el top 5 en importantes mercados como Estados Unidos, Francia, Reino Unido o Alemania y acabó vendiendo más de 3 millones de copias a nivel mundial. Mientras que sus anteriores álbumes, «A New Day Has Come» y «One Heart», estaban encuadrados dentro del pop, dance-pop y R&B, «Taking Chances» profundiza en el sonido pop/rock y destaca por contar con un gran número de versiones de famosas canciones de rock. Una amplia variedad de compositores y productores estuvieron implicados en este álbum, entre ellos Linda Perry, John Shanks, Kara DioGuardi, Kristian Lundin, Ben Moody (componente del grupo Evanescence), Ne-Yo, Chuck Harmony o Tricky Stewart.

El single presentación fue el tema que daba título al álbum, Taking Chances, que se trataba de una poderosa balada mid-tempo de estilo pop/rock originalmente grabada por Kara DioGuardi y producida por John Shanks, pero que finalmente acabó formando parte del disco de Céline Dion. ‘Taking Chances’ tuvo un desempeño comercial positivo y alcanzó el top 10 en Canadá, Francia o Italia, aunque tuvo un impacto más moderado en Reino Unido y Estados Unidos. Como segundo single se lanzó la balada Alone, versión del tema del mismo nombre del grupo de rock Heart y que Céline hizo suya convirtiéndola en una de las mejores baladas del álbum. Una de las canciones más interesantes y que se distancia del sonido pop/rock que domina el álbum es Eyes On Me, que se trata de un tema pop/R&B mid-tempo con melodía influenciada por el sonido del Medio Oeste y producido por Kristian Lundin. Pese a ser uno de los temas más llamativos y pegadizos del disco, ‘Eyes On Me’ tuvo un impacto mínimo en la listas de venta debido a su ausencia de promoción y videoclip. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Fade Away’, el tema más up-tempo, de estilo pop/rock y dance-pop, ‘This Time’, un dramático medio tiempo influenciado por el estilo gótico de Evanescence (producido por Ben Moody) y cuyas letras hacen referencia a una mujer abusada que acaba liberándose o la emotiva balada ‘My Love’, producida por Linda Perry y que habla de amor incondicional. 

«Taking Chances» recibió críticas muy variadas por parte de los expertos musicales, los cuales sintieron que el álbum no era muy original y carecía de personalidad, por lo que algunos declararon que Céline Dion en realidad no había arriesgado demasiado, aludiendo al título del álbum. Ciertamente no resulta tan llamativo, sólido y completo como «A New Day Has Come» (en mi opinión el mejor álbum en inglés de la carrera de Céline Dion), sin embargo «Taking Chances» es un trabajo más que digno que destaca por adentrarse en el estilo pop/rock, el cual le sienta de maravilla a la voz de la cantante, aunque resulta demasiado largo, contiene letras impersonales y genéricas e incluye bastantes canciones de relleno. Los puntos fuertes son la acertada elección de los singles, la extraordinaria ejecución vocal de Céline y la cuidada producción. Temas imprescindibles: Eyes On Me, Taking Chances, Alone, This Time, Fade Away y My Love. Puntuación: 7’5/10.