Soul

Crítica de «The Boy Is Mine» de Monica

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La cantante Monica nació en una familia muy relacionada con el mundo de la música ya que su madre cantaba Gospel en una iglesia y su primo era el famoso productor musical Polow da Don y desde una temprana edad empezó también a cantar en coros de iglesias. Tras ser descubierta por el productor Dallas Austin gracias a su gran talento como cantante, Monica Arnold hizo su debut en el mundo de la música a la temprana edad de 14 años con Miss Thang, el cual pese a ocupar una discreta posición en la lista americana de álbumes, contó con 4 singles muy exitosos que ocuparon el top 10 y acabó siendo certificado tres veces platino con ventas superiores al millón y medio de copias. Tras este álbum que recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su versatilidad vocal, la cantante de Atlanta participó en varias bandas sonoras de películas, entre ellas ‘Space Jam’, a la que contribuyó con la balada ‘For You I Will’, la cual tuvo un gran acogida en Estados Unidos, ocupó el top 5 en la lista de singles y se convirtió en uno de sus temas más populares. En 1998 Monica publicó su segundo álbum de estudio, The Boy Is Mine, el cual que está formado por un compendio de marchosos temas up-tempo, baladas y medios tiempos de estilo R&B con influencia pop, Hip Hop, Soul y Gospel. Este álbum está producido en su mayoría por su mentor Dallas Austin además de otros importantes nombres de la industria musical de la época como Jermaine Dupri, Darkchild, David Foster o Daryl Simmons. Precedido por el single del mismo nombre, «The Boy Is Mine» debutó en el #8 de la lista americana de álbumes, fue certificado triple platino y vendió más de 2 millones de copias en Estados Unidos.

El single presentación del álbum fue The Boy Is Mine, un dúo con la cantante Brandy, quien compuso el tema junto a Rodney ‘Darkchild’ Jerkins y su equipo. Este tema R&B mid-tempo contaba con una temática muy habitual en la música negra de los años 90: dos mujeres peleándose por el mismo hombre. Aunque Brandy decidió que quería colaborar con Monica en este tema, las sesiones de grabación no fueron demasiado bien y debido a las diferencias entre ambas acabaron grabándolo por separado (Monica terminó el tema en Atlanta junto a su colaborador Dallas Austin). Como ya comenté en la reciente crítica del álbum «Never Say Never» de Brandy, ‘The Boy Is Mine’ se convirtió en el single más exitoso del año 1998 y lideró la lista americana durante nada más y nada menos que 13 semanas. Este tema no sólo recibió buenas críticas de los expertos musicales y numerosos premios (entre ellos un Grammy a mejor actuación vocal R&B de un dúo/grupo) sino que sirvió de espaldarazo internacional a ambas promesas del R&B ya que gracias a este top 5 en las listas de venta de Australia, Reino Unido, Francia o Alemania, tanto Brandy como Monica vivieron su mejor momento profesional.

Tras el enorme impacto comercial de ‘The Boy Is Mine’, la joven cantante demostró que su éxito no era flor de un día y lanzó como segundo single The First Night, un pegadizo tema mid-tempo R&B con influencia Hip Hop/Soul producido por Jermaine Dupri, el cual le dio su habitual toque urbano. Este tema sampleaba la melodía del famoso tema ‘Love Hungover’ de Diana Ross y destacaba por sus letras, en las que Monica se debatía si tener o no relaciones sexuales con un chico en su primera cita. ‘The First Night’ resultó un gran éxito en Estados Unidos y se convirtió en el segundo single #1 de Monica en la lista americana (también lideró el componente R&B/Hip-Hop de Billboard) y ocupó el top 10 en Reino Unido. Como tercer single, Monica lanzó la bonita balada Angel of Mine, que se trataba de una versión del famoso tema del grupo británico Eternal pero en este caso producida por Darkchild. Mientras que la versión original tuvo una gran acogida en Europa (nunca fue lanzada en tierras americanas) Monica logró gran éxito en Estados Unidos, donde se convirtió en su tercer #1 consecutivo y también tuvo buen desempeño en Australia o Canadá. Como último single se lanzó Street Symphony, un medio tiempo R&B compuesto y producido por Dallas Austin que destaca por su larga introducción melódica y su uso prominente de violines. Pese a que ‘Street Symphony’ es uno de los temas más sobresalientes del álbum no tuvo un buen desempeño comercial y ni siquiera entró en la lista americana. Fuera de Estados Unidos se lanzó como último sencillo promocional Inside, que se trata de una gran balada R&B/Soul que mostraba el amplio rango vocal de Monica. Dentro del álbum destacan la magnífica rendición del tema ‘Misty Blue’ de Bob Montgomery o ‘Take Him Back’, un medio tiempo que samplea ‘Shape of My Heart’ de Sting y en el que Monica relata que debería dejar atrás su relación con un hombre que solo le causado dolor. 

«The Boy Is Mine» fue lanzado apenas un mes después de «Never Say Never», el segundo álbum de Brandy y que también contenía el hit ‘The Boy Is Mine’. Ambos álbumes entraron en competencia al ser publicados en fechas muy cercanas y por ser similares en cuanto a estilo y género musical, pero sin duda por la supuesta rivalidad que mantenían ambas cantantes según los medios de comunicación. Los dos resultaron muy exitosos: fueron certificados multiplatino y contaron con varios singles #1 en la lista americana (en concreto Monica tres y Brandy dos) y se han convertido en dos de los álbumes R&B más relevantes y destacados de finales de los años 90. Aunque ‘The Boy Is Mine’ es mi canción favorita de todos los tiempos, no escuché el álbum de Monica hasta un tiempo después ya que en esos momentos era seguidor de Brandy y me centré en «Never Say Never», sin embargo cuando le di la oportunidad al disco de Monica me sorprendió gratamente y suelo escucharlo regularmente ya que contiene temas muy interesantes, además fue el responsable de que empezara a descubrir el resto de la discografía de Monica. Temas imprescindibles: The Boy Is Mine, Street Symphony, Angel of Mine, The First Night, For You I Will y Misty Blue. Puntuación: 7’8/10.

Crítica de «Never Say Never» de Brandy

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Never Say NeverCon tan solo 15 años, Brandy hizo su debut en el mundo de la música con su álbum de título homónimo, el cual recibió buenas críticas por su gran talento vocal y su madurez. Pese a debutar en una discreta posición de la lista americana, «Brandy» acabó vendiendo más de dos millones de copias en Estados Unidos y contó con tres singles top 10 en la lista Billboard. Este álbum estaba encuadrado dentro del R&B, pop y Hip Hop Soul característico de los años 90 y tanto la música como el estilo de la joven Brandy fue comparada con Janet Jackson o Aaliyah y muchos la consideraron ‘la nueva Mary J Blige’. Tras este álbum, Brandy Norwood desarrolló su faceta de actriz y participó junto a Whitney Houston en la adaptación de la película ‘Cinderella’ pero sin duda destacó por su papel protagonista en la serie adolescente ‘Moesha’, que resultó un éxito entre el colectivo afroamericano durante los años 90. En 1998, 4 años después de su disco debut, Brandy regresó al mundo de la música con su segundo álbum de estudio, titulado Never Say Never, en el que asumió un mayor papel sobre el control creativo de su música, compuso la mayoría de las canciones presentes y se unió a Rodney Jerkins (más conocido como Darkchild) y su equipo, LaShawn Daniels y su hermano Fred Jerkins III, además del afamado productor David Foster. «Never Say Never» está encuadrado dentro del R&B, pop y Soul, profundiza en el sonido ‘Adult Contemporary’ e incorpora numerosas baladas influenciadas por Mariah Carey y Whitney Houston, alejándose del estilo Hip Hop Soul de su álbum debut. Respaldado por varios singles de gran éxito, el segundo álbum de Brandy logró una gran acogida comercial en Estados Unidos, donde debutó en el #2 de la lista americana, se mantuvo durante meses en el top 20 y acabó siendo certificado cinco veces platino por ventas cercanas a los 5 millones de copias. A nivel internacional Brandy aumentó su popularidad en gran medida: el álbum ocupó el top 10 en Alemania y el top 20 en Australia, Francia o Reino Unido y superó los 14 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo.

El single presentación del álbum fue The Boy Is Mine, un medio tiempo R&B a dúo con la cantante Monica y producido por Darkchild, aunque la parte de Monica fue grabada de manera separada en Atlanta bajo la supervisión de su productor Dallas Austin. Inspirada por el dueto ‘The Girl Is Mine’ de Michael Jackson y Paul McCartney, Brandy compuso el tema pensando en dos chicas que se pelean por el mismo hombre y quiso colaborar con la prometedora cantante Monica, quien únicamente había visto en una ocasión pero también despuntó en el mundo de la música a la vez que Brandy. ‘The Boy Is Mine’ resultó uno de los temas más populares del año, alcanzó el #1 en la lista americana de singles y se mantuvo en la posición de honor durante 13 semanas, convirtiéndose en una de las canciones que más semanas permanecía en el #1 de la lista de singles. En una época en la que solo existía el formato físico, Brandy y Monica pueden presumir de haber vendido más de dos millones y medio de CD singles de ‘The Boy Is Mine’ en Estados Unidos y acabó convirtiéndose el single más vendido de 1998. En el resto del mundo este single también tuvo un gran impacto comercial y ocupó el #1 en Canadá, #2 en Reino Unido o Francia y top 5 en Alemania. Este tema recibió numerosos galardones, entre ellos un Grammy a mejor actuación vocal R&B de un dúo/grupo y fue nominado a mejor grabación del año, pero tuvieron la mala suerte de competir contra el hit ‘My Heart Will Go On’ de Céline Dion. Aunque nunca fue confirmado por ninguna de ellas, desde un principio se habló de una gran rivalidad y mala relación entre ambas artistas, ya que terminaron grabando el tema por separado debido a sus diferencias y solo realizaron una actuación juntas en los premios MTV, en la que se mostraron visiblemente distantes (según los rumores tuvieron una fuerte discusión antes de salir al escenario). Dicha rivalidad fue más allá cuando Monica tituló su segundo álbum «The Boy Is Mine», algo que molestó a Brandy, quien había compuesto la canción. 14 años más tarde Monica y Brandy volvieron a trabajar juntas en el tema ‘It All Belongs to Me’ y comentaron que durante aquella época eran jóvenes e inmaduras y aunque no sentían celos o envidia de la otra, «apenas podían estar juntas en la misma habitación», pero tras su reunión resolvieron sus diferencias.

Tras el éxito masivo de ‘The Boy Is Mine’, como segundo single internacional se lanzó Top of the World, un marchoso tema R&B y Hip Hop up-tempo que contaba con la colaboración del rapero Mase y resultaba el tema con mayor componente urbano del álbum. Este single no fue lanzado en tierras americanas pero en Reino Unido mantuvo el éxito de su predecesor y consiguió su segundo #2 en las listas de venta. El tercer single elegido fue Have You Ever?, una emotiva balada R&B/Soul escrita por la afamada compositora Diane Warren y producida por David Foster que recibió buenas críticas por su componente lírico y la magnífica ejecución vocal de Brandy. Esta romántica balada resultó muy popular en Estados Unidos y alcanzó el #1, convirtiéndose en el segundo #1 consecutivo de Brandy en la lista americana. Como cuarto single se lanzó Almost Doesn’t Count, una balada pop/R&B con uso prominente de guitarra española y ciertas influencias Country en cuyas letras Brandy habla de una relación de carácter intermitente con su pareja. ‘Almost Doesn’t Count’ fue producido por Fred Jerkins y Guy Roche (uno de los pocos temas del álbum sin crédito por parte de Darkchild) y tuvo una acogida muy positiva por parte del público ya que ocupó el top 20 en Reino Unido y Estados Unidos. El último single lanzado del álbum fue U Don’t Know Me (Like U Used To), un tema R&B up-tempo influenciado por el sonido Hip Hop que resulta uno de los temas más rítmicos y urbanos del disco y guarda similitudes con canciones de su primer álbum como ‘I Wanna Be Down’. Como sencillo promocional en tierras americanas se lanzó Angel In Disguise, un original tema R&B mid-tempo con una larga introducción instrumental en el que Brandy declara amar a su pareja pese a sus infidelidades. A lo largo de los años ‘Angel In Disguise’ se ha convertido en uno de los más populares de la cantante y pese a no contar con videoclip o promoción consiguió entrar al top 80 de la lista americana. Entre los temas más interesantes de «Never Say Never» se encuentran ‘Learn the Hard Way’, una balada R&B mid-tempo cuyas letras hablan sobre reconocer el maltrato en una relación, encontrar la fuerza para terminarla y aceptar las dolorosas lecciones aprendidas, ‘Happy’, un marchoso tema R&B up-tempo que describe el eufórico sentimiento de estar profundamente enamorado o ‘One Voice’, una emotiva balada producida por David Foster que destaca por la impresionante ejecución vocal de Brandy, cuenta con un coro Gospel al final de la canción y contiene unas inspiradoras letras sobre la unidad, la esperanza y la armonía social.

Personalmente le tengo un cariño especial a «Never Say Never» porque fue uno de los primeros álbumes que escuché dentro del género R&B e incluye ‘The Boy Is Mine’, mi canción favorita de todos los tiempos y una de las imprescindibles dentro del R&B. A raíz de este álbum, me convertí en gran seguidor de Brandy y varios de sus discos posteriores, como «Full Moon», «Afrodisiac» o «Human» se encuentran entre mis álbumes R&B preferidos. Sin duda, «Never Say Never» es uno de los mejores álbumes de la década de los 90 gracias a la magnífica producción de Darkchild, su sólido conjunto de canciones y el enorme talento vocal de Brandy. Temas imprescindibles: The Boy Is Mine, Top of the World, U Don’t Know Me, Have You Ever?, Angel In Disguise, Almost Doesn’t Count y Learn the Hard Way. Puntuación: 9/10.

Crítica de «The Writing’s on the Wall» de Destiny’s Child

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Destiny's ChildDurante la década de los 90 cuatro jovencitas de Houston (Texas) que deseaban triunfar en el mundo de la música se conocieron en diferentes concursos de talentos y decidieron formar su propio grupo, llamado inicialmente Girl’s Tyme. Me estoy refiriendo a Beyoncé Knowles, Kelly Rowland, LeToya Luckett y LaTavia Roberson, quienes más tarde pasaron a llamarse Destiny’s Child bajo la supervisión del Matthew Knowles (el padre de Beyoncé y tutor legal de Kelly), quien se convirtió en el manager del grupo y les consiguió un contrato con la discográfica Columbia. En 1998, cuando todavía eran menores de edad publicaron su primer disco de estudio, titulado «Destiny’s Child», el cual tuvo un debut moderado en la lista americana pero acabó vendiendo un millón de copias de Estados Unidos y contó con el hit ‘No No No’, que alcanzó el #3. En julio de 1999, apenas un año más tarde de su álbum debut el cuarteto de Houston regresó con un proyecto mucho más ambicioso y maduro, llamado The Writing’s on the Wall, que se convertiría en el álbum más famoso y exitoso (también el más polémico) de toda su trayectoria. «The Writing’s on the Wall» está formado por un compendio de medios tiempos, temas up-tempo y baladas de estilo R&B, con influencias pop y Soul y que cuenta con el clásico sonido con el que asociamos al R&B de finales de los 90 y principios del 2000. Las 4 componentes del grupo participaron en la composición de la mitad de los temas presentes en el álbum y contaron con la producción de She’kspeare, Missy Elliott, Darkchild o Daryl Simmons entre otros. El productor americano She’kspeare y la compositora Kandi Burruss (cantante del grupo de R&B Xscape) tuvieron un papel esencial en álbum ya que se encargaron de 5 de los temas presentes e imprimieron su clásico sonido R&B al disco, además destacan por ser los responsables de otros importantes hits de la época como ‘No Scrubs’ de TLC o ‘There You Go’ de Pink. El segundo álbum de Destiny’s Child recibió buenas críticas de los expertos musicales y recibió 6 nominaciones a los premios Grammy, entre ellos mejor grabación del año, mejor canción R&B y mejor canción del año por ‘Say My Name’.

«The Writing’s on the Wall» debutó en un discreto #6 de la lista americana de álbumes y terminó la década de los 90 con unas ventas superiores al millón y medio de ejemplares, sin embargo tras el éxito de ‘Say My Name’ el álbum vivió una segunda juventud, sus ventas se dispararon y volvió a las primeras posiciones de la lista Billboard, alcanzando el #5. El segundo disco de Destiny’s Child destacó por su gran longevidad en las listas de venta ya que permaneció durante casi dos años en el top 40 y acabó siendo certificado 8 veces platino con unas ventas superiores a los 6 millones de copias en Estados Unidos. Aunque en el resto del mundo no alcanzó tal grado de éxito, también ocupó el top 5 en Australia o Canadá y el top 10 en Reino Unido, donde superó el millón de ejemplares. «The Writing’s on the Wall» fue uno de los álbumes de R&B más exitosos e importantes de la década del 2000 y ha superado los 12 millones de copias.

El single presentación del álbum fue Bills Bills Bills, una de las producciones de She’kspeare para el álbum y que se trataba de un pegadizo medio tiempo R&B de en el que relataban cómo sus hombres se aprovechan de todas sus posesiones pero son ellas las que pagan sus propias ‘facturas’. Este himno de auto-empoderamiento resultaba uno de los temas más destacados del álbum y se convirtió en el primer single #1 de Destiny’s Child en Estados Unidos. Gracias a este tema el grupo femenino comenzó a despuntar tímidamente en el resto del mundo y ocupó su mejor posición en Reino Unido, donde fue top 10. Además de recibir buenas impresiones de los expertos musicales y convertirse en uno de los temas más populares el año, ‘Bills Bills Bills’ consiguió dos nominaciones a los premios Grammy a mejor actuación vocal de dúo/grupo y a mejor canción R&B del año, nominación que volvería a conseguir ‘Say My Name’ un año más tarde. Desde un principio no pasó desapercibido para nadie el hecho de que tanto Beyoncé como Kelly acaparaban el protagonismo dentro del grupo y cantaban los ‘solos’ en todas las canciones, relegando a LeToya y LaTavia a meras coristas. Como segundo single del álbum se lanzó Bug a Boo, un tema R&B up-tempo compuesto por las 4 componentes del grupo junto a Kandi y She’kspeare que nuevamente trataba el tema de los ‘hombres parásitos’ que intentan aprovecharse de las mujeres. ‘Bug a Boo’ no fue tan popular como el single precedente y apenas ocupó el top 40 en la lista americana aunque nuevamente alcanzó el top 10 en Reino Unido.

Ya en el año 2000, Destiny’s Child regresaron con su tercer single, que resultaría uno de sus temas más icónicos y representativos de toda su carrera. Sin duda me refiero a Say My Name, un tema R&B mid-tempo con varios cambios de ritmo producido por Rodney Jerkins, más conocido como Darkchild, quien gracias a la popularidad del tema su fama se dispararía y se convertiría en uno de los productores más solicitados de la industria musical. ‘Say My Name’, gracias a su elevado ‘airplay’ y unas ventas muy altas de CD’s físicos ascendió en la lista de ventas americana hasta alcanzar el #1, posición en la que permaneció durante 3 semanas. A nivel internacional, ‘Say My Name’ supuso el mayor éxito de Destiny’s Child hasta el momento y alcanzó el #1 en Australia y el top 10 en Canadá, Francia o Reino Unido. En un principio, Beyoncé no quiso grabar el tema porque lo consideraba un ‘desastre’ sin embargo resultó uno de los temas más populares, exitosos y galardonados en la historia del grupo. Desde un principio ‘Say My Name’ me cautivó y se convirtió no sólo en mi canción favorita de R&B sino una de mis preferidas de todos los tiempos (junto a ‘The Boy Is Mine’ de Brandy & Monica). El lanzamiento de ‘Say My Name’ no estuvo exento de polémica ya que cuando se desveló su videoclip todos nos quedamos sorprendidos al ver que ni LeToya ni LaTavia participaban en él (a pesar de seguir apareciendo sus voces en el tema) y a su vez descubríamos que dos nuevas componentes formaban parte del grupo: Michelle Williams y Farrah Franklin. Más tarde LeToya y LaTavia anunciaron que habían abandonado Destiny’s Child y demandado a su manager por incumplimiento de contrato e impago de beneficios y le acusaron de favorecer a Beyoncé y Kelly. Durante esta época, el grupo fue sometido a un gran escrutinio por parte de los medios de comunicación y criticaron el exceso de protagonismo de Beyoncé. Pese a estas controversias, la nueva formación de Destiny’s Child continuó con la promoción del álbum y lanzaron el cuarto single, Jumpin’ Jumpin’, un marchoso tema R&B up-tempo con influencia Hip Hop que resultó otro éxito para el grupo y ocupó el #3 en Estados Unidos y el top 5 en Reino Unido o Australia. Pese a que el grupo vivía su mejor momento profesional y el álbum gozaba de un gran éxito comercial, la polémicas no cesaban en torno a Destiny’s Child y apenas unos meses después de su incorporación, Farrah abandonaba la formación al no poder soportar el estrés de la fama. Beyoncé, Kelly y Michelle continuaron adelante como trío, que se convertiría en la formación más estable y conocida de Destiny’s Child.

«The Writing’s on the Wall» está lleno de temazos como ‘So Good’, otra de las producciones de She’kspeare para el álbum y que se trata de un alegre y pegadizo tema pop/R&B, la sensual balada Soul/R&B ‘Temptation’ o el marchoso ‘Hey Ladies’, uno de los temas más up-tempo del álbum y que cuenta con una moderna y trepidante producción. «The Writing’s on the Wall» también incluye ‘Get on the Bus’, un tema R&B producido por Timbaland que formó parte de la banda sonora de una conocida película americana y fue lanzado de manera limitada como single a finales de 1998. En resumen, «The Writing’s on the Wall» no sólo fue uno de los primeros CD’s que compré sino que se ha convertido en mi álbum favorito de R&B de todos los tiempos y el responsable de que me interesara por dicho género y empezara a escuchar otros cantantes y grupos de música negra. Además lo considero uno de los mejores de los discos de los años 90 y la década del 2000 e imprescindible dentro del género R&B. Temas imprescindibles: Say My Name, Bills Bills Bills, So Good, Jumpin’ Jumpin’, Bug a Boo, Where’d You Go y Hey Ladies. Puntuación: 9/10.

Crítica de «All Monsters Are Human» de K. Michelle

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All Monsters Are HumanEn la actualidad K. Michelle es una de las pocas cantantes que podemos encuadrar dentro del R&B más tradicional y clásico ya que dicho género se ha visto influenciado durante los últimos años por la música electrónica y el desmedido uso de los sintetizadores y ha perdido parte de su esencia y sus orígenes, sin embargo Kimberly Michelle Pate se ha mantenido fiel al R&B de los años 90 y 2000 y es una de las escasas representantes del ‘verdadero R&B’ que ha ido desapareciendo a lo largo de los años para desgracia de los amantes de la música negra entre los que yo me encuentro. El 31 de enero (un día de extrema competencia con numerosos e importantes lanzamientos) la cantante de Tennessee ha publicado su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters All Human, que toma el relevo a Kimberly: The People I Used To Know, el cual vio la luz en diciembre del 2017, lo que supone el lapso de tiempo más amplio entre disco y disco dentro de su carrera, ya que desde sus inicios en el mundo de la música K. Michelle se ha caracterizado por su gran agilidad al lanzar álbumes. Durante este tiempo la voluptuosa cantante se ha sometido a varias operaciones para quitarse unos implantes que le estaban afectando a su salud y ahora luce una figura más natural. Centrándonos en el aspecto musical, «All Monsters Are Human» está formado por baladas y medios tiempos de estilo R&B/Soul compuestos por la propia Kimberly bajo la producción de Lil Ronnie o Jazze Pha entre otros y destaca por el hecho de que es su primer trabajo como artista independiente tras dejar su antigua discográfica por los resultados tan mediocres que cosechó su último disco. En varias entrevistas recientes K. Michelle ha declarado que tras este álbum va a probar suerte dentro del Country, género que le inspiró desde que era pequeña debido a sus orígenes sureños (nació en Memphis) y que sigue escuchando en la actualidad. No sabemos que le deparará a Kimberly dentro del Country pero lo que no podemos negar es su importancia en el género R&B/Soul ya que es una de las cantantes más talentosas surgidas en la pasada década y se ha ganado un importante hueco en el panorama musical urbano gracias a varios álbumes aclamados por la crítica y que han cosechado un notorio éxito dentro de dicho género (sus tres primeros discos fueron top 10 en la lista de ventas de Estados Unidos).

El single anticipo de «All Monsters Are Human» (en realidad era un ‘street single’) fue Supahood, un marchoso tema R&B/Hip-Hop con influencia Trap que cuenta con la participación de las raperas y Kash Doll y Young Miami de City Girls y en el que la cantante muestra su lado más urbano mientras relata su predilección por los hombres ‘de barrio’. Como siguiente single se lanzó The Rain, una fantástica balada mid-tempo producida por Jazze Pha que nos devolvía el ‘R&B real’ a nuestros días y ha resultado todo un acierto su elección como single ya que es una de las mejores canciones del disco y personalmente mi favorita. Debido al gran potencial de ‘The Rain’, K. Michelle ha promocionado el single en varias ocasiones: primero lo interpretó en los prestigiosos Soul Train Awards y más recientemente en un famoso ‘talk show’ de la TV americana y gracias a esta exposición en los medios ‘The Rain’ ha ocupado el top 10 en el componente Adult R&B Songs de la lista Billboard. Uno de los temas más interesantes de «All Monsters Are Human» es precisamente el que abre el álbum, ‘Just Like Jay’, que se trata de un medio tiempo pop/R&B con cierta influencia Country, aunque la inspiración de dicho género se aprecia más que en la canción en la temática y look de K. Michelle en el videoclip promocional del tema, el cual fue desvelado un día antes del lanzamiento del álbum. Muy revelador es el contenido de ‘Just Like Jay’, en el que la cantante relata lo duro que le resultó componer y grabar este álbum y donde habla de las razones por las que dejó su antigua discográfica: «me fui de Atlantic porque querían que fuera Mary J (Blige) y todo el tiempo estaba pensando: ¿y qué pasa con K (Michelle)?». En ‘Just Like Jay’ la carismática cantante también revela que a estas alturas de su carrera lo que verdaderamente le importa es hacer canciones desde el corazón, más que hacer canciones para triunfar en las listas de venta. Sin duda un gran tema para abrir el álbum. Dentro de las clásicas baladas R&B/Soul por las que es conocida K. Michelle destacan ‘That Game’, ‘All The Lovers’ o ‘Something New’ donde podemos apreciar su enorme talento vocal y sus profundas letras. También merece la pena reseñar ‘Love On Me’, un animado tema pop/R&B que supone el momento más up-tempo del álbum. 

Dentro de la excelente discografía de K. Michelle sólo podemos encontrar un pequeño tropiezo, su anterior álbum «Kimberly: The People I Used To Know», el cual era excesivamente largo (contenía más de 20 temas), algo aburrido y resultaba menos sólido y consistente que sus magníficos tres primeros discos, sin embargo con «All Monsters Are Human» la cantante ha recuperado su habitual gran nivel y nos encontramos ante un trabajo de alta calidad en el que no sobra ningún tema y donde podemos disfrutar de la maravillosa voz de Kimberly y sus habilidades como compositora en las que relata todas las vivencias y experiencias por las que ha pasado durante estos últimos años. En definitiva, «All Monsters Are Human» comparte muchos puntos en común con sus primeros trabajos, «Rebellious Soul» y «Anybody Wanna Buy a Heart?» y se pone a su nivel en cuanto a calidad, lo cual es el mejor cumplido que se le puede hacer ya que son dos de los álbumes R&B más destacados de la pasada década. Aunque el 2020 acaba de comenzar, el nuevo álbum de K. Michelle consigue la mejor nota de todos los discos publicados durante el mes de enero y es mi favorito de lo que llevamos de año. Temas imprescindibles: The Rain, Just Like Jay, Love On Me, That Game y Supahood. Puntuación: 8/10. 

Supa Hood y The Rain, los esperados singles de regreso de K. Michelle

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1568963867_cfc9a401e57f92f18c872c65f45ee341Kimberly Michelle Pate, más conocida como K. Michelle dentro del mundo de la música, es una de cantantes más destacadas del R&B contemporáneo de los últimos años ya que no sólo goza de una voz privilegiada, tiene un rango vocal muy amplio y destaca por su gran versatilidad, sino que además es una talentosa compositora y ha demostrado una agilidad publicando álbumes sólo comparable a los mejores años de Rihanna, Chris Brown o Ariana Grande. La cantante de Memphis debutó en el 2003 con el magnífico trabajo Rebellious Soul y desde entonces ha lanzado otros tres álbumes que han logrado buenos resultados comerciales dentro del mundo del R&B y han sido alabados por la crítica (en el blog MiSTeR MuSiC valoré con 8/10 sus tres primeros discos, algo muy destacable) por lo que se ha convertido en una de mis cantantes favoritas dentro de este género. Su último trabajo «Kimberly: The People I Used To Know» quizás fue el menos consistente y sólido dentro de su discografía, pero tras 3 álbumes de una calidad tan alta era complicado mantener ese nivel teniendo en cuenta el ágil ritmo de trabajo que ha demostrado tener K. Michelle.

1571984990_75ff2a7be436e1c2a0ed1e3a78700c10En este 2019 la carismática cantante, que ganó gran popularidad por su participación en varios reality shows como «Love & Hip Hop», ha regresado al panorama musical con nuevas canciones que pertenecerán a su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters Are Human, cuya fecha de publicación todavía no se conoce pero llegará antes de que termine el año. A finales de septiembre Kimberly nos presentó Supa Hood, que no se trataba del primer sencillo del disco sino un «street single» con el que abrir boca antes de que fuera lanzado el verdadero single presentación de su nuevo álbum. Supa Hood es un marchoso tema R&B/Hip-Hop que cuenta con la participación de dos mujeres muy prometedoras dentro del mundo del Rap como Yung Miami (de City Girls) y Kash Doll. Este pegadizo tema es más rítmico de lo que nos tiene acostumbrados la cantante de Tennessee y en mi opinión es la mejor canción up-tempo de su discografía. En Supa Hood, tanto K. Michelle como las artistas invitadas alaban las cualidades de los hombres «hood» (término que se utiliza para indicar una procedencia de barrio similar a «ghetto» pero sin la connotación peyorativa de éste último) y dentro de las letras altamente explícitas destacan «cuanto más hood mejor» o «cuanto más rico es el negro más se humedece mi c***». Tras este sencillo dirigido a las radios urbanas, K. Michelle ha lanzado The Rain, el primer single «oficial» de su inminente álbum, en el que regresa a su habitual zona de confort y nos ofrece una bonita balada R&B mid-tempo en la que muestra su amplio rango vocal y su lado más romántico. Este tema ha sido producido por Jazze Pha y samplea el clásico «Can’t You Stand The Rain» del grupo New Edition. Tanto Supa Hood como The Rain son dos grandes apuestas por parte de la curvilínea cantante, que recientemente se ha quitado los implantes ilegales que llevaba en su voluptuoso trasero y le estaban empezado a afectar a la salud y ahora muestra una figura más equilibrada.

Crítica de «Sketchbook» de Fantasia

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fantasia-thatgrapejuice-interview-2019-sketchbook-2En 2016 Fantasia publicó su quinto álbum de estudio The Definition of… el cual recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por las excelentes habilidades vocales de la cantante y el dramatismo en su interpretación. Además debutó en el #6 de la lista americana, lo que lo convirtió en el cuarto álbum de Fantasia en ocupar el top 10 en Estados Unidos, aunque con unas ventas muy inferiores a las de sus anteriores trabajos. A finales del 2017 la ganadora de la tercera temporada de American Idol lanzó un disco navideño llamado ‘Christmas After Midnight’ dentro de un nuevo sello discográfico, ya que los pobres resultados comerciales de su último álbum propiciaron su salida de la discográfica RCA. Durante este año la cantante de Carolina del Norte se vio envuelta en una gran polémica por las declaraciones que hizo en una entrevista, en la que afirmaba que «las mujeres no deberían dirigir sus hogares, sino los hombres» y «la razón por la que las mujeres están solteras es porque tratan de ser las que mandan en la relación, una posición que debería corresponder al hombre». Teniendo en cuenta que las mujeres del mundo del entretenimiento se están uniendo para defender su igualdad ante los hombres y los movimientos a favor del empoderamiento femenino se están multiplicando en todo el mundo durante los últimos tiempos, que una importante figura del mundo de la música como Fantasia realice unas declaraciones tan desafortunadas no ha hecho sino lloverle las críticas y más cuando la cantante tuvo unos humildes orígenes, fue violada por un compañero de clase, abandonó el colegio a una temprana edad por sentirse avergonzada al quedar embarazada y fue madre adolescente. Esta actitud tan sumisa y pasiva por parte de Fantasia no deja de sorprenderme ya que tras una juventud muy dura y complicada todos la teníamos por una mujer luchadora y fuerte a quien la música y su participación en el famoso concurso ‘American Idol’ le salvaron la vida. La vida de Fantasia no ha sido fácil ya que es analfabeta funcional e incapaz de leer sus propios contratos, su padre le demandó por difamarle en unas memorias, se declaró en bancarrota y tuvo que vender varias de sus posesiones. 

Dejando a un lado sus avatares personales y sus controvertidos comentarios y centrándonos en el aspecto musical, Fantasia ha regresado este año con su sexto álbum de estudio, titulado Sketchbook, el cual ha sido presentando por varios sencillos promocionales que no han recibido excesiva atención y no sabemos si se debe al hecho de que el público le ha dado la espalda por sus recientes polémicas o porque su música ya no despierta tanto interés como en los prometedores inicios de su carrera. Este nuevo trabajo ha sido lanzado bajo su propio sello discográfico, lo cual convierte a Fantasia en la enésima cantante de R&B que pasa a ser una artista independiente tras sufrir una espiral descendiente en su éxito comercial, al igual que otras de sus compañeras como Faith Evans, Keyshia Cole o Ashanti. En Sketchbook podemos encontrar los dos facetas habituales de la cantante: una espiritual que proviene de su influencia por la música Gospel que la inspiró de niña y otra más provocativa en la que habla de sexo, pero ambas se complementan bien en este trabajo sólido que combina R&B y Soul con influencia Gospel y varias incursiones en el Trap. El single presentación del álbum fue la balada Enough, en la que podemos apreciar su maravillosa voz acompañada por ese sonido que Fantasia ha comentado tantas veces que representa su música, el Rock-Soul, que no deja de ser un clásico R&B/Soul con un pequeño toque de guitarra. Coincidiendo con el lanzamiento del disco, la cantante de 35 años ha lanzado otro sencillo, Bad Girl, una dramática balada llena de sentimiento cuyas letras acerca del empoderamiento femenino («soy una mujer independiente y segura de mí misma») llaman la atención teniendo en cuenta sus controvertidas declaraciones acerca de las mujeres. Los temas más interesantes de Sketchbook son el pegadizo ‘Take Off’ que contiene una melodía muy caribeña o el marchoso ‘Holy Ghost’ donde podemos encontramos su lado más espiritual. En un intento por sonar actual, Fantasia ha añadido el moderno sonido Trap a varios de los temas del álbum, como por ejemplo ‘PTSD’ (las siglas de desorden sexual post-traumático) junto a T-Pain, aunque no hay nada menos actual que el desfasado e irritante Auto-Tune de dicho rapero. Pese a que «Sketchbook» ha recibido opiniones muy variadas por parte de los críticos musicales, yo me uno a los que consideran este trabajo un paso adelante con respecto a «The Definition of…» aunque no llega al nivel del magnífico «Side Effects of You». Aunque el hecho de que «Sketchbook» sea su primer trabajo de carácter independiente va a suponer un claro handicap en cuanto a su promoción y publicidad además de unas ventas inferiores, se trata de un sólido álbum R&B que nos recuerda porqué Fantasia fue la merecida ganadora de su edición de American Idol. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Real Life» de Emeli Sandé

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emeli-sande-real-lifeTras componer temas para un gran número de cantantes británicos y colaborar con varios artistas, Emeli Sandé hizo su debut en el mundo de la música en el año 2012 con el álbum Our Version of Events, el cual resultó un gran éxito de ventas (fue #1 en Reino Unido y superó los dos millones de copias) gracias a los singles ‘Next To Me’, ‘Daddy’ o ‘Clown’, que ocuparon el top 5 en la lista de ventas de UK e incluso hizo su aparición en la lista americana de singles con ‘Next To Me’. La maravillosa voz de la cantante británica fue comparada con la de Whitney Houston o Aretha Franklin y su gran talento como compositora hizo de Emeli Sandé una de las artistas revelación del año. Su primer álbum estaba encuadrado dentro del R&B/Soul más clásico, fue compuesto en su totalidad por Emeli y producido por Naughty Boy, con el que trabajó estrechamente desde sus inicios. Cuatro años después de este asombroso debut, la cantante de Sunderland regresó con su segundo disco, Long Live The Angels, el cual no recibió tanto apoyo por parte del público debido al amplio lapso de tiempo con respecto a su primer trabajo, además no recibió críticas tan positivas como éste. Cuando muchos ya la habían olvidado, Emeli Sandé ha regresado este mes de septiembre con su tercer álbum de estudio, Real Life, con el que pretende volver a conectar con el público que la apoyó en sus inicios en el mundo de la música. Este nuevo trabajo de Emeli sigue encuadrado dentro del R&B y pop/Soul típicamente británico con el que la conocimos y añade ciertos toques Gospel, pero lo que no cambian son sus excelentes habilidades vocales y como compositora. El disco está formado por 11 canciones compuestas por la propia Emeli bajo la producción de Troy Miller. Durante este tiempo la cantante no ha pasado por su mejor momento personal y esto le ha llevado a componer un disco dedicado a las personas que también han atravesado momentos difíciles, ya que con «Real Life» pretende motivar e inspirar a las personas que se sienten hundidas o marginadas. El single presentación ha sido Sparrow, una bonita balada Soul de carácter inspirador sobre superar las adversidades, y también han destacado otros singles como ‘Shine’, que se trata de un marchoso tema de influencia Gospel en el que Emeli nos anima a vivir la vida al máximo y brillar como el sol o ‘Extraordinary Being’, que comienza como balada R&B para transformarse en un tema up-tempo de estilo Disco.

Tanto el álbum (que ha debutado en el #6 de la lista de Reino Unido con unas cifras de venta bastante bajas) como los singles promocionales no han conseguido llamar la atención del público y el resultado comercial ha marcado mínimos en la carrera de Emeli Sandé. La cantante de ascendencia zambiana por parte de padre se ha caracterizado por tomarse demasiado tiempo entre álbum y álbum y esto la ha perjudicado a nivel comercial ya que cuando se logra una tremenda acogida con el primer trabajo no hay que tardar en exceso en ofrecer material nuevo al público para seguir presente en el panorama musical, aunque el éxito es todo un misterio ya que Adele (una artista muy similar en cuanto a estilo) también suele tomarse mucho tiempo entre disco y disco y cuando regresa, triunfa de manera espectacular. Sin embargo muchas veces la popularidad y el éxito dependen más de la conexión que el publico tiene con las canciones y el carisma del artista, que se tiene o no se tiene. En definitiva, «Real Life» palidece si lo comparamos con «Our Version of Events» ya que Emeli Sandé no ha estado tan inspirada como compositora y el conjunto de canciones no es tan redondo. Puntuación: 6/10. 

Crítica del álbum «Aaliyah»

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AaliyahAaliyah debutó en el mundo de la música siendo una adolescente y grabó su primer álbum, Age Ain’t Nothing But a Number, con tan sólo 14 años. El cantante R. Kelly fue el compositor y productor ejecutivo de este proyecto, el cual recibió buenas críticas por el gran talento de la joven, que contaba con una madurez impropia de su edad y una voz privilegiada. A pesar de que el álbum ocupó un discreto top 20 en la lista Billboard, acabó siendo certificado doble platino, vendió más de 3 millones de copias y contó con dos exitosos singles top 10 en la lista americana. Con sólo 15 años, Aaliyah se casó con R. Kelly en una ceremonia que fue anulada posteriormente al declararse ilegal, ya que la rebelde cantante mintió diciendo que era mayor de edad. Tras su exitoso debut, Aaliyah dejó a R. Kelly y su antigua discográfica y empezó a trabajar con Timbaland y Missy Elliott, quienes comenzaban a dar sus primeros pasos como productores y compositores en la industria musical. Su segundo álbum de estudio, One In a Million, fue publicado en 1996 y nuevamente fue elogiado por parte de la crítica por el talento vocal de la joven cantante, la gran producción del álbum y su combinación de R&B, Hip Hop, Soul y pop, haciendo de este trabajo uno de los más influyentes de la década de los 90. Aunque Timbaland y Missy Elliott se encargaron de la mayoría de los temas del álbum, la joven cantante trabajó con otros productores como Jermaine Dupri, Daryl Simmons o Darkchild, en la que sería su primera contribución como productor. 6 singles fueron extraídos del álbum (4 de ellos producciones de Timbaland), de los que destacaron ‘If You Girl Only Knew’ y la balada ‘The One I Gave My Heart To’. «One In a Million» apareció en numerosas listas de los mejores álbumes R&B del año, fue certificado nuevamente doble platino en Estados Unidos y vendió más de tres millones de ejemplares, sin embargo Aaliyah incrementó su popularidad en el resto del mundo, donde obtuvo unas ventas superiores a los 8 millones.

Tras la buena acogida del álbum, Aaliyah contribuyó a la BSO de la película «Dr. Dolittle» con el tema ‘Are You That Somebody?’, el cual recibió grandes críticas, consiguió su primera nominación a los premios Grammy y se convirtió en uno de los singles más exitosos de la cantante a nivel mundial (fue #11 en Reino Unido, su mejor posición hasta la fecha). En 1999 Aaliyah Dana Haughton protagonizó su primera película, «Romeo Debe Morir» y contribuyó con varias canciones a la BSO, entre ellas Try Again, un tema R&B up-tempo producido por Timbaland que marcaba una dirección más electrónica y moderna en la música de la joven cantante. Con este single, Aaliyah consiguió su primer #1 en la lista americana y despuntó a nivel internacional, ya que alcanzó el top 5 en Reino Unido, Alemania o Canadá. ‘Try Again’ no sólo resultó un éxito en las listas de venta, sino que consiguió una nominación a los mejor vocalista R&B en los Grammy y ganó varios premios MTV por su espectacular videoclip en el que Aaliyah demostraba que además era una gran bailarina. Debido al gran impacto comercial de ‘Try Again’ fue incluido en su siguiente álbum de estudio.

Tras «Romeo Must Die», Aaliyah protagonizó su segunda película, «Queen of Damned» (la cual recibió críticas negativas pero fue un moderado éxito comercial) y comenzó a trabajar en su nuevo disco junto a Missy Elliott y Timbaland. Debido a los compromisos de Aaliyah como actriz las sesiones de grabación de dicho álbum se alargaron más de un año y en julio de 2001 vio la luz su tercer trabajo discográfico, titulado de manera homónima. Aaliyah está encuadrado dentro del R&B y Neo Soul con influencias de la música electrónica, Hip Hop, funk o rock y es el trabajo más experimental y arriesgado de la cantante hasta la fecha. Desde un principio Aaliyah declaró que quería un sonido diferente al de «One In a Million», por lo que aparte de Timbaland y Missy Elliott, trabajó con nuevos colaboradores como Static Major, quien compuso la mayoría de los temas del álbum o Eric Seats, Rapture Stewart y Bud’da, que se encargaron de la producción del resto del álbum. «Aaliyah» llegó en un momento en el que el género R&B vivía su mejor momento y el Neo Soul estaba despuntando, por ello el álbum fue visto como uno de los más influyentes de su época debido a su vanguardista sonido y su carácter innovador. Como primer single del álbum se lanzó We Need a Resolution, un moderno tema R&B producido por Timbaland que contaba con una hipnótica melodía y el sonido futurista característico del famoso productor de Virginia, el cual también participaba como rapero en el tema. En las letras de ‘We Need a Resolution’, Aaliyah habla de una relación pasivo-agresiva en la que está harta de la actitud de su novio mientras que Timbaland evita la confrontación porque está cansado de discutir. Pese a su gran potencial como ‘lead single’ y el hecho de ser una de las canciones más impactantes de toda la trayectoria de Aaliyah, ‘We Need a Resolution’ tuvo un moderado rendimiento comercial y apenas ocupó el top 60 en la lista americana, aunque en Reino Unido alcanzó el top 20.

«Aaliyah» debutó en el #2 de la lista de ventas de Estados Unidos con unas discretas cifras de venta, lo que unido a la moderada acogida del primer single hizo que la cantante se apresurara a grabar los videoclips de dos nuevos singles (‘More Than a Woman’ y ‘Rock the Boat’) para intentar incrementar las ventas del álbum. Para acompañar el toque caribeño de ‘Rock the Boat’, Aaliyah viajó a las Bahamas para grabar su videoclip, en el que la atractiva cantante bailaba de manera sensual en las paradisiacas playas de las islas y a bordo de un catamarán. El 25 de agosto del 2001, cuando abandonaba las Bahamas, el avión en el que viajaba Aaliyah junto a otras 8 personas (entre ellas el piloto, la estilista de la cantante y su guardaespaldas, pero ningún familiar) se estrelló apenas unos minutos después de despegar debido a un exceso de peso y todo el pasaje murió en el acto. Así terminó tristemente la vida y la carrera de una de las cantantes más prometedoras del R&B contemporáneo.

El segundo single lanzado fue Rock the Boat, un medio tiempo R&B con influencias caribeñas en cuyas letras la cantante da instrucciones a su amante de cómo debe complacerla sexualmente. Este tema recibió una nominación a mejor actuación vocal femenina de R&B en los premios Grammy y en el terreno comercial resultó un éxito comercial: alcanzó el top 15 en las listas de singles de Reino Unido y Estados Unidos. Antes de fallecer, Aaliyah empezó a promocionar More Than a Woman en varias TV americanas (inicialmente fue elegido como segundo single) pero después de que ‘Rock the Boat’ empezara a ganar airplay en las radios, finalmente fue lanzado como tercer single. ‘More Than a Woman’ se trataba de una de las apuestas con mayor viabilidad comercial y el tema más ‘radio friendly’ del álbum. ‘More Than a Woman’ es un marchoso tema R&B/pop up-tempo con influencias electropop y funk producido por Timbaland cuyas letras resultan un himno de empoderamiento femenino y en las que Aaliyah declara a su pareja que es más que una simple mujer o amante. Este single tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 25 en la lista americana y el top 40 en Australia. El furor por Aaliyah tras su muerte y su sonido más pop hizo que este single alcanzara altas cotas de popularidad en Europa, donde se convirtió en el primer y único #1 de Aaliyah en Reino Unido y fue top 25 en Francia (lanzado como doble cara-A junto a ‘I Refuse’). Tras el trágico fallecimiento de la ‘Princesa del R&B’, las ventas del álbum se dispararon, «Aaliyah» ascendió al #1 de la lista Billboard y acabó superando los dos millones de ejemplares vendidos en Estados Unidos.

En las letras de las canciones presentes en el álbum, Aaliyah explora las complejidades del amor y las diferentes fases de una relación, desde el enamoramiento hasta la ruptura y el proceso de duelo posterior. También trata temas como el empoderamiento femenino y valorarse y respetarse a uno mismo. Dentro del álbum destacan ‘Never No More’, una balada retro Soul en la que Aaliyah declara no aguantar más los abusos de su ex-pareja, ‘Read Between the Lines’, un tema R&B up-tempo que contiene influencia de la música latina, ‘U Got Nerve’, que habla de una pareja infiel o ‘I Refuse’, una balada a piano con sonido experimental que conforme va avanzando el tema aparece mayor orquestación y termina de manera dramática. Merece la pena reseñar I Care 4 U, una emotiva balada Neo Soul compuesta por Missy Elliott y en cuyas letras Aaliyah trata de consolar a un amigo que tiene el corazón roto tras una dolorosa ruptura. Sin haber sido lanzado como single, ‘I Care 4 U’ tuvo un elevado airplay en las radios y ocupó el top 20 en la lista americana. Debido a que las sesiones de grabación del álbum resultaron muy fructíferas, varios de los descartes de «Aaliyah» fueron a parar a un disco recopilatorio póstumo, titulado «I Care 4 U» y publicado en 2002.

El tercer álbum de la cantante neoyorquina redefinió el sonido R&B de la época, fue adelantado a su tiempo y puede considerarse el precursor del denominado R&B progresivo o alternativo. Aaliyah como artista influenció a una generación entera de cantantes posteriores como Ciara, Keyshia Cole, Rihanna, Beyoncé o Kelly Rowland. Personalmente sentí mucho la pérdida de Aaliyah, ya que era una de mis cantantes favoritas de R&B durante aquel tiempo y me considero un gran seguidor de su música, por lo que esta crítica es mi homenaje a ‘Baby Girl’, como solía llamarle su íntima amiga Missy Elliott. Sin duda «Aaliyah» es uno de los mejores álbumes del R&B de la década del 2000. Temas imprescindibles: We Need a Resolution, More Than a Woman, I Care 4 U, Never No More, I Refuse, U Got Nerve y Rock the Boat. Puntuación: 9/10.

Commitment, el regreso de Monica

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monica-commitment-tg-600x600La cantante de R&B Monica ha regresado este 2019 al panorama musical tras varios años en los que ha permanecido con un perfil muy bajo. En 2015, Monica Arnold publicó su octavo álbum de estudio, Code Red, que se trataba de un ambicioso proyecto en el que la veterana cantante quería recuperar el verdadero sonido R&B tras sentir que las canciones de este género que suenan actualmente en las radios han perdido pasión y alma. Para este disco Monica trabajó con importantes productores como Timbaland, Danja, Akon o Polow da Don (quien además es su primo), sin embargo recibió críticas muy tibias y resultó un fracaso comercial, obteniendo una de sus peores posiciones en la lista americana y las ventas más bajas de su extensa trayectoria. Tras los malos resultados comerciales de Code Red, la discográfica rompió el contrato con Monica por lo que la cantante de Atlanta se lanzó como artista independiente bajo su propio sello discográfico llamado MonDeenise (el segundo nombre de Monica es Denise) y empezó a grabar nuevos temas para su nuevo álbum. En los últimos tiempos la cantante no ha pasado por sus mejores momentos personales ya que a principios de año se divorció de Shannon Brown, su marido durante 8 años y padre de su hija. Todos los sentimientos que ha vivido Monica recientemente han sido plasmados en nuevas canciones, como por ejemplo Commitment, que será el single anticipo de su próximo trabajo. Commitment es un medio tiempo R&B de sonido retro e influencias Soul en el que Monica nos deleita con su gran voz y declara que «quiere a alguien que sea paciente y consistente» y que «lo que necesita es buen sexo y compromiso», lo que resulta un dardo envenenado a su ex-marido. Este tema no sólo ha recibido buenas críticas de los expertos musicales sino que ha logrado el #1 en el componente Adult R&B Songs de la lista Billboard. Además de componer y grabar nuevos temas, Monica ha participado en el reality-show «The Family Hustle» protagonizado por el rapero T.I. y Tiny (componente del grupo R&B Xscape y amiga íntima de Monica) en el que reveló algunos detalles de su nuevo álbum, el cual se titulará Chapter 38 (la edad de la cantante) y verá la luz a finales de este año.

Throwback Review: «Thankful» de Mary Mary

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0000001007Desde el blog Misterio Music me gusta rescatar del olvido a artistas que vivieron su momento de gloria hace tiempo o tuvieron importancia en el mundo de la música en un momento puntual pero hoy en día casi nadie les recuerda. Mary Mary es un dúo formado por las hermanas Erica y Tina Atkins-Campbell, las cuales disfrutaron de cierta popularidad a principios de la década del 2000 gracias a su single debut. El padre de las hermanas Atkins era pastor en una iglesia evangelista y su madre directora del coro de la iglesia, por tanto escucharon música Gospel desde pequeñas y acabaron cantando en el coro y en varios programas de TV antes de ser coristas de cantantes de la talla de Brandy. Mary Mary debutaron en el año 2000, cuando el R&B vivía su época dorada, con el single Shackles (Praise You), el cual se convirtió en un inesperado éxito en todo el mundo y logró el top 5 en las listas de venta de países como Australia, Holanda, Dinamarca o Reino Unido. En Europa fue donde este single gozó de una mayor acogida comercial, sin embargo en Estados Unidos resultó un éxito moderado y ocupó el top 30 en la lista americana, aunque logró el top 10 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard. Shackles era un marchoso y bailable tema que contenía letras inspiradoras de Gospel dentro de un moderno sonido R&B de principios del 2000. A través de esta canción Mary Mary agradecían a Dios por haberles liberado de los grilletes que les ataban los pies (que representan todos los problemas que nos encontramos en la vida) y así poder bailar, cantar y alabar al Señor.

Shackles pertenecía a su primer disco de estudio, Thankful, el cual estaba encuadrado dentro de un Gospel muy influenciado por la música urbana, especialmente el R&B, y producido por Warryn Campbell. La música de Mary Mary recibió varias críticas de los puristas del Gospel por tener un fuerte componente urbano y distanciarse del clásico sonido de este género además de mostrar una imagen más moderna y desenfadada, sin embargo es justo reconocer que las canciones de Mary Mary permitieron dar a conocer el Gospel a un mayor público, sobretodo fuera de Estados Unidos, donde es un género musical muy minoritario. Thankful debutó en un discreto top 60 de la lista americana de álbumes (aunque fue #1 en el componente Gospel de Billboard) pero pese a la baja posición acabó vendiendo más de un millón de copias y fue certificado platino en Estados Unidos. Tras el éxito de Shackles, las hermanas Atkins lanzaron otro single, I Sings, que nuevamente mezclaba Gospel, R&B y Hip-Hop/Soul, fue remezclado por Rodney «Darkchild» Jerkins para su versión como single y contaba con la participación del rapero BB Jay. Dentro del álbum destacan «Thankful», un tema R&B up-tempo en el que dan las gracias a Dios por todas las bendiciones que les ha dado, o «Good To Me», en el que participaban Destiny’s Child, quienes también vivieron el Gospel en primera persona durante su infancia. Aunque a nivel internacional Mary Mary son un claro ejemplo de artista one-hit-wonder porque sólo tuvieron un éxito en las lista de venta, en Estados Unidos se han hecho un importante hueco dentro del género Gospel y han publicado otros 5 álbumes de estudio (dos de ellos certificados oro y #1 en el componente Gospel de Billboard) y han gozado de otros temas conocidos, pero infinitamente menores que su gran éxito. Aunque hayan pasado casi dos décadas de su lanzamiento, Shackles sigue siendo una de mis canciones favoritas de R&B de aquella época gracias a las maravillosas voces de Erica y Tina, su pegadizo ritmo y sus inspiradoras letras de superación personal.