El pasado mes de octubre vio la luz el quinto álbum de estudio de la artista sueca Tove Lo, titulado Dirt Femme, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del sonido synth-pop y electropop y compuestos por la propia Tove, en los que celebra su feminidad tras muchos años en los que no se sentía cómoda con su lado femenino, pero ahora al fin se siente a gusto con la mujer que es. En la portada del álbum luce un tatuaje en forma de vagina en el muslo y una cola robótica de escorpión (una referencia a escorpio, su signo del zodiaco) porque se aproxima a su visión de la feminidad en el álbum y le gusta «el hecho de que la hembra de escorpión se come al macho después del apareamiento» porque siempre le han dicho que tiene una personalidad fuerte y «consume a los hombres», aunque actualmente se encuentra felizmente casada. La cantante nacida en Helsingborg es conocida como «la chica más triste de Suecia» por su habitual temática de desengaños amorosos y su estilo oscuro y en este álbum trata temas como las relaciones amorosas, las rupturas sentimentales, la sexualidad y por primera vez se siente cómoda para hablar de sus desórdenes alimenticios. «Dirt Femme» es el primer álbum de Tove como artista independiente y en el que ha podido sentirse libre y asumir todo el control creativo de su música ya que el pasado mes de mayo creó su propio sello discográfico, Pretty Swede Records, tras abandonar la multinacional a la que pertenecía hasta entonces.
A principios de año llegó el single How Long, que se trata de un tema mid-tempo de estilo electropop que formó parte de la segunda temporada de la serie de drama adolescente ‘Euphoria’ y cuyas letras hacen referencia a un triángulo amoroso. Tras crear su sello discográfico, llegó el verdadero single presentación del álbum, No One Dies from Love, que se trata de un fantástico tema electropop y synth-pop en el que la cantante relata cómo se ha deteriorado su relación hasta romperse y se pregunta qué ha pasado y de quién ha sido la culpa, pero al final se da cuenta que «nadie muere de amor». ‘No One Dies from Love’ es sin duda uno de los más sobresalientes del álbum y guarda muchas similitudes con el estilo presente en «Body Talk» de su compatriota sueca Robyn. Pese a que la mayor parte del álbum está formado por temas up-tempo también hay cabida para canciones más lentas en las que Ebba Tove Elsa Nilsson (el verdadero nombre de Tove Lo) muestra su lado más vulnerable, como la dramática balada synth-pop True Romance, cuyo título está inspirado en la película del mismo nombre y que relata una historia de amor turbulenta y destructiva.
Los siguientes sencillos promocionales del álbum fueron 2 Die 4, un pegadizo tema dance-pop y electropop que samplea la melodía instrumental de la canción ‘Popcorn’ o Grapefruit, en el que trata el tema del ‘body positive’ o el odio que sentía hacia su cuerpo y habla por primera vez del trastorno alimenticio que sufrió hace años y que a punto estuvo de hacerle perder la voz, la bulimia. Dentro del álbum destacan canciones como ‘Suburbia’, que se trata de un marchoso tema dance-pop y electropop en el que la cantante sueca declara que no quiere hijos ni formar una familia tradicional y destaca por la referencia que hace a las mujeres de Stepford (una novela que habla de esposas perfectas) o ‘Call on Me’, un tema dance-pop y electropop producido por SG Lewis que supone el momento más up-tempo del álbum. El tema de la sexualidad es otro de los tratados en el álbum y está presente en ‘Pineapple Slice’, en el que Tove le describe a su amante lo que tiene que hacer en la cama para satisfacerla. En resumen, «Dirt Femme» ha sido uno de mis grandes descubrimientos de este año ya que no había prestado excesiva atención hasta ahora a Tove Lo pese a que soy seguidor de muchos artistas suecos como Robyn, con la que precisamente guarda muchas similitudes en cuanto a estilo musical. Tove Lo derrocha talento y originalidad como compositora y artista y «Dirt Femme» es uno de los álbumes de electropop más sólidos y cohesionados lanzados durante este año, por lo que sin duda formará parte del repaso a los mejores álbumes que realizaré en el blog Mister Music a final de año. Temas imprescindibles: No One Dies from Love, Grapefruit, Suburbia, How Long, Call on Me y 2 Die 4. Puntuación: 8/10.
Después de unos años de intenso trabajo en los que Britney Spears alcanzó la cima del mundo del pop gracias a tres álbumes de ventas millonarias, la cantante americana se tomó unos meses de descanso en 2002 tras la gira promocional de su tercer trabajo y la separación de su novio Justin Timberlake. Un año después vio la luz su cuarto álbum de estudio, In the Zone, el cual destacó desde un principio por su divergencia con respecto al sonido presente en sus primeros trabajos ya que se distancia de su clásico sonido ‘teen pop’ para adentrarse de lleno en la música electrónica, aunque es un álbum muy ecléctico que incluye influencias Dance, House, R&B o Hip Hop. Mientras que Britney Spears apenas participó en la composición de sus primeros álbumes, en «In the Zone» se involucró en mayor medida en el proceso creativo y compuso 9 de las canciones presentes en el álbum. «In The Zone» también destaca sin duda por la temática de las canciones, que muestran a una Britney más madura y cómoda con su propia sexualidad, ya que el sexo es uno de los temas principales en el álbum, además de las relaciones amorosas y es considerado el álbum más autobiográfico de la cantante hasta la fecha. Max Martin, quien fue pieza esencial en el éxito inicial de Britney Spears, no participó en este álbum por diferencias creativas y a su vez trabajó con un amplio rango de productores como el dúo noruego Bloodshy & Avant, Tricky Stewart, Guy Sigsworth, R.Kelly, Diddy o Moby entre otros. «In The Zone» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes (su cuarto álbum ‘chart topper’ consecutivo) con más de 600 mil copias en su primera semana, las segundas cifras más altas del año por parte de una artista femenina y acabó siendo certificado doble platino en Estados Unidos con ventas superiores a los tres millones de ejemplares. Aunque resultaban unas cifras claramente inferiores a las de sus primeros trabajos, todavía se puede considerar un éxito en mayúsculas y cabe destacar que Britney se convirtió en la segunda cantante femenina con más álbumes #1 consecutivos en la lista Billboard por detrás de Janet Jackson. En el resto del mundo, también supuso un éxito comercial y alcanzó el #1 en Francia y el top 10 en Australia, Canadá o Alemania, aunque en importantes mercados como Reino Unido y España apenas fue top 15. 
Tras alcanzar el éxito durante la década de los 80 con álbumes de ventas millonarias como «Like a Virgin» o «True Blue» que convirtieron a Madonna en la auténtica Reina del Pop, en los años 90 la popularidad de la cantante americana descendió notoriamente debido al polémico libro «Sex» y el álbum «Erotica», que observó un considerable bajón en ventas con respecto a sus anteriores trabajos por su naturaleza sexual. Con el álbum «Bedtime Stories» y su participación en la película Evita, la imagen de Madonna se suavizó y se mostró más serena y madura. En febrero de 1998 vio la luz el séptimo álbum de estudio de la cantante americana, Ray of Light, su trabajo más místico y espiritual hasta la fecha en el que se observa una clara influencia de su estudio de la Cábala y el reciente nacimiento de su hija Lourdes María en las letras de las canciones que lo componen. Madonna empezó a grabar el álbum en 1997 junto a su habitual colaborador Patrick Leonard o Babyface, pero las sesiones de grabación no resultaron fructíferas y se unió al productor inglés William Orbit, quien le dio una dirección más experimental al álbum y se adentró de lleno en la música electrónica. «Ray of Light» está compuesto por 13 temas, principalmente baladas y temas downtempo de gran componente electrónico con influencias del sonido Trip Hop, además de varios temas up-tempo de estilo dance-pop, Techno y House. Todos los temas presentes fueron compuestos por Madonna junto a Patrick Leonard, Rick Nowels y William Orbit, quien se encargó de la entera producción. «Ray of Light» recibió elogios por parte de los expertos musicales por la dirección musical tomada en el álbum, la arriesgada producción de William Orbit, la naturaleza misteriosa y enigmática de las canciones presentes y las habilidades de Madonna como compositora. El álbum recibió 6 nominaciones a los premios Grammy, de los que ganó 4, entre ellos mejor álbum pop. «Ray of Light» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes (por detrás de la imbatible banda sonora de la película Titanic) con más de 370 mil copias en la primera semana a la venta, convirtiéndose en la cifra más alta de ventas de una cantante femenina hasta la fecha y acabó siendo certificado cuádruple platino en Estados Unidos por ventas superiores a los 4 millones de copias. En el resto del mundo fue #1 en más de 15 países incluyendo Reino Unido, Australia, España, Alemania o Canadá y superó los 16 millones de copias, superando ampliamente las ventas de «Erotica» y «Bedtime Stories» e incluso las del exitoso «Like a Prayer». 
«Se Busca: ¿tienes entre 18 y 23 años, habilidades para cantar y bailar y eres extrovertida, ambiciosa y dedicada?». Esta nota de prensa apareció en el periódico británico The Stage en el año 1994 y al casting se presentaron más de 400 jovencitas que querían cumplir su sueño de formar parte de un grupo femenino de pop. Tras semanas de deliberación, los managers de talentos Bob y Chris Herbert escogieron a Melanie Brown, Victoria Adams, Geri Halliwell, Melanie Chisholm y Michelle Stephenson, las cuales se mudaron a un apartamento de Berkshire y durante meses estuvieron aprendiendo canto y baile. Debido a diferencias creativas y falta de compromiso con el grupo, Stephenson abandonó el proyecto y en su lugar entró Emma Bunton, la más joven de las 5 chicas. Así se formó Spice Girls, que se convertiría en el grupo femenino más importante de todos los tiempos. En julio de 1996, lanzaron su primer single, ‘Wannabe’, en el que las chicas declaraban que valoraban más la amistad de sus amigas que una posible relación con un hombre, convirtiéndose en el eje de la filosofía del ‘Girl Power’ que abanderaron Spice Girls y lo que hoy llamaríamos empoderamiento femenino. Este single alcanzó el #1 en las listas de venta de más de 20 países de todo el mundo, vendió 7 millones de copias y se convirtió en el single de un grupo femenino más vendido de todos tiempos. Tras el éxito sin precedentes de ‘Wannabe’, llegaron otros singles que nuevamente triunfaron en todo el mundo y ocuparon posiciones muy altas en las listas de venta, como ‘Say You’ll Be There’, ‘2 Become 1’ o ‘Who Do You Think You Are’. Estos singles formaban parte de Spice, el álbum debut de Spice Girls, el cual alcanzó el #1 en 17 países y ha superado los 23 millones de copias desde entonces, formando parte de la élite de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. Un año después de su debut y casi sin un respiro, el quinteto británico regresó con su segundo álbum de estudio, Spiceworld, el cual estaba formado por 10 canciones (al igual que «Spice») encuadradas dentro del pop y el dance-pop con influencias Latin-pop, R&B o Disco y compuestas por las 5 componentes del grupo junto a sus habituales colaboradores Richard Stannard y Matt Rowe (responsables de ‘Wannabe’, ‘2 Become 1’ y ‘Mama’) y el dúo Absolute (quienes se encargaron de ‘Say You’ll Be There’ y ‘Who Do You Think You Are’). En las canciones que forman parte del álbum, Spice Girls abordaban las relaciones con los hombres, enviaban un mensaje de unión entre las personas y de vivir la vida al máximo y seguían reivindicando su filosofía del ‘Girl Power’. Spiceworld debutó en el #1 de la lista de ventas de Reino Unido y otros 10 países, fue top 5 en los principales mercados internacionales y supera los 14 millones de copias a nivel mundial.
El pasado mes de septiembre vio la luz Who I Am: My Story, el primer libro autobiográfico de Melanie C, en el que además de relatar su complicada infancia y sus días dentro del grupo femenino más importante de todos los tiempos, Spice Girls, cuenta los momentos más duros de su vida, como la depresión y los desórdenes alimenticios que sufrió tras el éxito cosechado por el quinteto inglés o sus problemas de salud mental. Sin duda unas memorias muy interesantes que nos permiten conocer de manera más profunda a una de las integrantes más carismáticas de Spice Girls, pero también una artista con entidad propia. Con motivo de la publicación de las memorias de Melanie C, realizaré una crítica en retrospectiva de uno de los álbumes más importantes de su carrera profesional, que recientemente ha cumplido su vigésimo tercer aniversario. Tras la maratoniana gira que tuvo lugar en 1998 para promocionar Spiceworld, el segundo álbum de Spice Girls, las componentes del grupo se tomaron un respiro el año siguiente y mientras Mel B y Victoria anunciaron sus respectivos embarazos a principios de 1999, Melanie C viajó a Los Angeles para grabar su primer álbum como solista, animada por su experiencia en solitario junto a Bryan Adams en el tema ‘When You’re Gone’. Melanie Chisholm se unió a importantes productores de la talla de Rick Nowels, Marius de Vries, Rick Rubin o William Orbit (quien fue el responsable del reciente éxito de «Ray of Light» de Madonna) para dar forma a un álbum que se alejaba radicalmente del sonido que hacía junto a Spice Girls. En octubre de 1999 vio la luz Northern Star, el álbum debut de Melanie C, con el que inició una exitosa carrera como solista que dura hasta nuestros días. «Northern Star» está formado por 12 temas compuestos por la propia Mel C y encuadrados dentro del pop/rock pero resulta un álbum muy ecléctico que toma influencias de sonidos tan distintos como el Dance, electropop, Trance o R&B. «Northern Star» debutó en el #4 de la lista de álbumes de Reino Unido y gracias al éxito de los singles lanzados y la extensa promoción por parte de Melanie C y su discográfica, gozó de una gran longevidad en la lista británica y acabó vendiendo 900 mil copias en Reino Unido y más de 4 millones en todo el mundo, convirtiéndose en el álbum más vendido de una Spice Girl en solitario, seguido por Schizophonic de Geri Halliwell, lanzado unos meses atrás y que contó con 3 singles #1 en las Islas Británicas. 
En 2016 Craig David protagonizó uno de los regresos más esperados del panorama musical británico con el lanzamiento de su sexto álbum de estudio, Following My Intuition, tras más de un lustro de silencio musical. Este álbum fusionaba el sonido Garage con el R&B tal y como hizo el cantante inglés en sus inicios y fue precedido por numerosos singles y colaboraciones con otros artistas, entre ellos ‘When the Bassline Drops’, con el que volvió a anotar un top 10 en la lista de singles británica tras un periodo comercial infructuoso. «Following My Intuition» debutó en el #1 de la lista de ventas de Reino Unido, convirtiéndose en el segundo álbum ‘chart topper’ de Craig David tras su icónico debut «Born To Do It». En 2018, el cantante nacido en Southampton publicó su séptimo álbum, The Time Is Now, que incorporaba sonidos de moda por aquel entonces como el Tropical House o el Trap a su característico estilo Garage y R&B. «The Time Is Now» también tuvo un buen rendimiento comercial en Reino Unido, donde alcanzó el #2 y contó con el hit single ‘I Know You’, con el que anotó su primer top 5 en más de una década. Durante el año siguiente Craig David siguió activo en el panorama musical y lanzó varios singles sueltos como ‘When You Know What Love Is’ o ‘Do You Miss Me Much’. En 2021 regresó con el single anticipo de su nuevo álbum, Who You Are, que se trata de un tema R&B y Garage compuesto junto al cantante y productor inglés MNEK (responsable de éxitos de Little Mix o Zara Larsson), quien también participa cantando el estribillo. ‘Who You Are’ destaca por sus letras sobre aceptar a las personas tal y como son, convirtiéndose en un himno sobre la diversidad, tanto de raza, como de género u orientación sexual. Este single ha tenido un desempeño comercial moderado y ha alcanzado el top 40 en la lista británica.
El pasado mes de agosto se produjo uno de los regresos musicales más esperados de los últimos años, ya que Elton John solicitó la presencia de Britney Spears para su nuevo single tras años apartada del panorama musical. En 2021, el icónico cantante británico publicó ‘The Lockdown Sessions’, grabado durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y que se trataba de un álbum colaborativo junto a numerosos y variados cantantes como Dua Lipa, Stevie Wonder, Charlie Puth, Nicki Minaj o Stevie Nicks entre otros. Este trabajo incluyó el single ‘Cold Heart’, un marchoso tema Disco/pop que incorporaba interpolaciones de canciones famosas de Elton John como ‘Rocket Man’ o ‘Sacrifice’ y contaba con la participación de Dua Lipa. ‘Cold Heart’ ha resultado un auténtico éxito comercial durante el pasado año y el presente: acumula más de 1000 millones de reproducciones en Spotify, alcanzó el #1 en Australia, Canadá o Reino Unido y fue top 10 en Estados Unidos, Francia o Alemania. Tras numerosos rumores y especulaciones, el pasado mes de agosto Sir Elton John anunció en sus redes sociales que tenía una nueva canción junto a una artista muy especial, que era nada más y nada menos que Britney Spears, quien no lanza nueva música desde el año 2016, cuando vio la luz su último álbum de estudio ‘Glory’. El tema en cuestión que ha unido a estas dos leyendas del mundo de la música es Hold Me Closer, un pegadizo tema dance-pop y Disco/funk con melodía de piano que sigue la fórmula de ‘Cold Heart’ e incorpora interpolaciones de conocidas canciones de Elton John, en este caso ‘Tiny Dancer’ y ‘The One’ y es cantada de manera nostálgica por parte de ambos artistas (la parte de Elton no es nueva sino tomada de las versiones originales). Este tema ha tenido una recepción muy variada por parte de los expertos musicales y mientras algunos lo consideraron todo un acierto y alabaron la ejecución vocal de Britney, que sonaba «libre y auténtica» como no lo hacía desde hace años, otros criticaron la sobre-producción del tema, que ahogaba las voces de ambos cantantes y el excesivo Auto-Tune. Andrew Watt, el productor del tema, ha destacado la profesionalidad y excepcional ética del trabajo de Britney tras años sin pasar por un estudio de grabación. ‘Hold Me Closer’ ha resultado un notable éxito comercial: acumula más de 30 millones de reproducciones en Spotify en apenas unas semanas y ha debutado en el #1 de la lista de singles de Australia (el sexto ‘chart topper’ de Britney y primero desde ‘Everytime’ en 2004), ha ocupado el #3 en Reino Unido (su mejor posición desde ‘Scream & Shout’ en 2012) y ha sido top 10 en Canadá o Irlanda. En Estados Unidos, ‘Hold Me Closer’ ha alcanzado el #6, que supone el decimocuarto single top 10 de Britney en la lista americana y convierte a la Princesa del Pop en una de las pocas artistas que acumulan singles top 10 en cuatro décadas diferentes: los 90, la década del 2000, 2010 y 2020. Sin duda, ‘Hold Me Closer’ se ha convertido en una de las grandes sorpresas de este verano y resulta uno de los temas más interesantes lanzados durante el año, lo que unido a su buen desempeño comercial, espero que anime a Britney a retomar su carrera musical ahora que ha sido liberada de la injusta tutela a la que fue sometida por parte de su padre, algo que todos sus seguidores deseamos.
Tras la buena acogida de su álbum debut, «Read My Lips», propiciada por el éxito en las listas de venta de varios de sus singles como ‘Murder on the Dancefloor’ o ‘Get Over You’, la cantante inglesa Sophie Ellis-Bextor se tiñó el pelo de rubia y regresó en 2003 con su segundo álbum de estudio, «Shoot from the Hip», el cual tuvo un desempeño moderado en Reino Unido y contó con dos singles top 10 (‘Mixed Up World’ y ‘I Won’t Change You’), sin embargo las ventas fueron notoriamente inferiores que las de su álbum debut y en el resto del mundo pasó totalmente inadvertido. «Shoot from the Hip» recibió críticas variadas por parte de los expertos musicales: mientras unos afirmaron que el álbum era una respetable y digna colección de temas dance-pop y alabaron los dos singles lanzados, otros consideraron que el álbum no estaba a la altura de «Read My Lips» ni contenía canciones tan distintivas y originales. Afortunadamente Sophie dejó su etapa de rubia en el pasado, que no le deparó demasiadas alegrías y volvió a su habitual melena morena. En 2007, la cantante londinense regresó con su tercer álbum de estudio, titulado Trip the Light Fantastic, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro de su habitual sonido dance-pop y electropop con influencias 
Durante los últimos años Beyoncé ha estado presente en el mundo de la música gracias al álbum colaborativo junto a su marido Jay-Z bajo el nombre The Carters o por su contribución a la banda sonora del remake de la película ‘The Lion King’, sin embargo tenemos que remontarnos hasta el año 2016 para dar con su último álbum de estudio. «Lemonade» se trataba de un álbum conceptual en el que Beyoncé relataba su viaje emocional tras enterarse de una infidelidad por parte de su marido y recibió críticas muy positivas de los expertos musicales por su temática sobre el empoderamiento femenino y la celebración de sus raíces afroamericanas y por la variedad de estilos presentes, entre los que encontrábamos R&B, Hip Hop, Soul, Country, reggae o rock. Más de 6 años han transcurrido desde «Lemonade», lo que supone el mayor periodo entre álbum y álbum de toda su carrera profesional. Tras haber sido filtrado unos días antes de su lanzamiento oficial, esta misma semana ha visto la luz el séptimo álbum de estudio de Beyoncé, titulado Renaissance, aunque ha sido referido como «Act I: Renaissance», ya que es el primer acto de un proyecto formado por tres álbumes, tal y como ha confirmado la propia artista. El concepto del álbum fue concebido durante la pandemia del coronavirus y supone un himno al hedonismo, ya que tras la angustia y tristeza provocadas por el confinamiento, es hora de bailar y disfrutar de la vida. Aparte de sus hijos y su marido, la cantante nacida en Houston dedica este álbum a su primo fallecido, conocido como ‘tío Jonny’, el cual le introdujo en la música de baile y la cultura de club. «Renaissance» está formado por 16 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del sonido Dance, Disco y House, pero se trata de un álbum muy ecléctico que incorpora elementos R&B, funk, Gospel o Soul. Este trabajo tiene como
Tras unos orígenes encuadrados en la música ‘indie’ dentro del grupo The Audience, la cantante inglesa Sophie Ellis-Bextor hizo su debut en solitario en el año 2001 con el álbum «Read My Lips», en el que dejó atrás su pasado alternativo e hizo su incursión en el mainstream con pegadizos temas dance-pop y electropop con influencia de la música Disco. Los singles ‘Murder on the Dancefloor’ y ‘Get Over You’ resultaron un gran éxito y ocuparon el top 3 en la lista británica y también tuvieron buena acogida en el resto de Europa. Tras «Read My Lips», el cual alcanzó el #2 en Reino Unido, donde vendió más de 800 mil copias, llegaron otros álbumes como «Shoot From The Hip» y «Trip The Light Fantastic», que fueron incapaces de repetir el gran éxito de su debut pero contaron con varios hit singles con los que la cantante londinense mantuvo su presencia en el panorama musical. En 2011, llegó su cuarto álbum de estudio, «Make a Scene», el primero publicado de manera independiente a través de su propio sello discográfico y que estaba formado por enérgicos temas encuadrados dentro del sonido dance-pop, Disco y House como por ejemplo ‘Heartbreak (Make Me a Dancer)’ o ‘Bittersweet’, los cuales tuvieron un desempeño positivo en las listas de venta. Tras «Make a Scene», Sophie Ellis-Bextor experimentó un cambio drástico en su sonido y regresó a su estilo ‘indie’ y folk de sus orígenes con el álbum «Wanderlust» y contra todo pronóstico supuso un repunte en su popularidad y alcanzó el top 5 en Reino Unido, su mejor posición tras «Read My Lips». Su siguiente álbum «Familia», continuaba el estilo del anterior aunque resultaba más comercial. Durante el confinamiento por la pandemia, Sophie animó a sus fans con conciertos en vivo desde la cocina de su casa en los que interpretaba sus temas más conocidos además de versiones de canciones famosas e incluso lanzó posteriormente un álbum titulado «Songs From the Kitchen Disco», que incluía todos sus grandes éxitos y varias canciones que interpretó, como la versión de ‘Crying on the Discoteque’ de Alcazar. En este mes de julio la cantante inglesa ha regresado al panorama musical con su nuevo single, Hypnotized, con el que regresa a las pistas de baile y al estilo con el que todos la asociamos. ‘Hypnotized’ es un pegadizo tema dance-pop y electropop con influencia del sonido Disco producido por el Dj Wuh Oh en el que Sophie advierte a su amante que aunque «le tenga hipnotizada» nunca tendrá la llave de su corazón ya que está cansada de llorar por su culpa. En el videoclip de ‘Hypnotized’, muy sencillo pero tremendamente adictivo, Sophie aparece vestida como una curiosa mezcla entre dominatrix y profesora estricta tipo Señorita Rottenmeier y realiza una divertida coreografía delante de un gran número de bailarines que siguen sus movimientos. Sin duda, ‘Hypnotized’ es uno de los mejores singles lanzados durante este año y resulta todo un acierto la vuelta de Sophie al estilo discotequero, que es el que más alegrías le ha dado. Desde el año 2020 se ha producido un resurgimiento de la música de baile inspirada en los años 80 y muchos artistas han intentado subirse al carro del sonido Disco, sin embargo hay artistas como Kylie Minogue o Sophie Ellis-Bextor que han sido dignas representantes del sonido Nu-Disco desde hace décadas, por lo que es justo darles crédito.
Blog Mister Music 