Tras abandonar la formación que la hizo famosa, Camila Cabello inició una exitosa carrera en solitario gracias a la gran acogida de su primer single, Havana, el cual fue uno de los temas más importantes del 2017, ocupó el #1 de las listas de venta de medio planeta y batió récords de streaming. Su primer álbum como solista llegó a principios del año pasado y recibió buenas críticas por desvincularse del estilo musical de Fifth Harmony para dar a conocer su verdadera personalidad. «Camila» debutó en lo más alto de la lista americana, fue certificado platino y también resultó un éxito en el resto del mundo, sin embargo tras el boom inicial de Havana, los siguientes singles no recibieron excesiva atención ni destacaron en los charts. Durante estos últimos meses la presencia de Camila Cabello ha sido solicitada por varios artistas internacionales que no han querido desaprovechar el gran momento de popularidad que está viviendo la joven cantante, como por ejemplo Alejandro Sanz o Shawn Mendes, cuyo single “Señorita” ha sido uno de los temas más importantes de este año gracias al tirón que tiene la música latina últimamente. Estos últimos días Camila Cabello ha estado muy activa en sus redes sociales y ha publicado numerosas fotos y vídeos en los que revelaba varios detalles de su próximo álbum, que se llamará Romance. Esta semana se han lanzado no uno sino dos nuevos singles de la cantante de ascendencia cubana, los cuales serán el anticipo de su segundo disco de estudio y muestran la variedad musical de este trabajo. Shameless es un medio tiempo pop/rock y electropop de sonido oscuro que se aleja de lo que habíamos escuchado de Camila hasta la fecha, mientras que Liar es un marchoso tema Latin-pop con influencia reggae y uso prominente de saxofón. Aunque ‘Shameless’ y ‘Liar’ no son tan llamativos y originales como su hit ‘Havana’, resultan muy interesantes y tienen posibilidad de triunfar este otoño en las listas de venta. Por ahora parece que Camila se ha decantado más por la promoción de ‘Shameless’, cuyo videoclip ya ha sido desvelado y resulta de lo más curioso, ya que mezcla la temática religiosa con cierta influencia de la cultura latina dentro de un ambiente bastante oscuro y lúgubre. La ex-componente de Fifth Harmony no es una vocalista excesivamente talentosa, sin embargo se ha ganado al público con su simpatía y su carisma y ha sabido explotar sus raíces cubanas ante el auge que está viviendo la música latina hoy en día.
Pop
Crítica de «Growing Pains» de Mary J Blige
En el año 2005 la indiscutible reina del Hip Hop Soul Mary J Blige publicó uno de los discos más importantes de su carrera, The Breakthrough, el cual fue aclamado por la crítica como uno de sus trabajos más sólidos. El séptimo álbum de estudio de Mary J Blige recibió 8 nominaciones a los premios Grammy, de las cuales ganó 3: mejor álbum R&B del año y mejor canción R&B y mejor actuación vocal femenina de R&B por ‘Be Without You’, el exitoso primer single del disco. «The Breakthrough» debutó en el #1 en la lista de álbumes americana, fue certificado triple platino y acabó vendiendo más de 3 millones de ejemplares en Estados Unidos. Gracias a «The Breakthrough», que se convirtió en el álbum más exitoso de Mary J Blige, la cantante vivió uno de los mejores momentos profesionales de su extensa carrera musical. Tras este trabajo, la artista neoyorquina publicó su primer disco recopilatorio de grandes éxitos, «Reflections (A Retrospective)» y a finales de 2007 regresó con su octavo álbum de estudio, titulado Growing Pains. Pese a que este álbum sigue encuadrado dentro de su habitual estilo R&B, pierde el toque Hip Hop-Soul de sus anteriores trabajos y tiene un sonido más pop, acercando a Mary al mainstream. Un amplio rango de productores trabajaron junto a Mary J Blige para este álbum, como por ejemplo Tricky Stewart, Dre & Vidal, Stargate, Ne-Yo, Sean Garrett, The Neptunes, Neff-U o Bryan-Michael Cox. La temática del álbum siguen siendo las complicadas relaciones con los hombres y los malos momentos que todos pasamos a lo largo de la vida y nos enseñan a crecer, aunque tal y como declaró la cantante neoyorquina también podemos encontrar canciones más alegres que celebran su crecimiento personal. «Growing Pains» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes con unas espectaculares ventas (fue su segundo trabajo en vender más de 600 mil ejemplares en su primera semana) y una semana más tarde ascendió a la posición de honor en Billboard, obteniendo el cuarto disco #1 de la veterana cantante en Estados Unidos. «Growing Pains» fue certificado platino en tierras americanas y acabó vendiendo 1’7 millones de copias y también tuvo un buen desempeño comercial en Reino Unido, donde el álbum fue lanzado dos meses más tarde y ocupó el #6 en la lista de ventas.
El single presentación del álbum fue Just Fine, un tema R&B up-tempo con influencia Disco/funk que resultaba una de las canciones más marchosas y bailables lanzadas por la cantante neoyorquina. En este pegadizo tema, Mary J Blige cambiaba su habitual temática de desamor y su característico tono de rabia y angustia por un sentimiento más positivo, como celebrar los buenos momentos, lo que convertía a este tema en uno de los más ‘feel good’ y alegres de la cantante. ‘Just Fine’ tuvo un desempeño moderadamente exitoso en Estados Unidos, donde ocupó el #22 en la lista americana de singles y en Reino Unido el resultado comercial fue similar ya que debutó en el #16 de la lista británica. Como segundo single se lanzó Work That, un marchoso tema R&B producido Sean Garrett y Neff-U en el que Mary habla sobre la auto-aceptación e intentar ser la mejor versión de uno mismo. El tercer y último single extraído del álbum fue Stay Down, una balada R&B mid-tempo producida por Bryan-Michael Cox en la que la cantante relata una relación que hace aguas pero intenta recuperar el amor de su pareja. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Fade Away’, un emotivo tema pop/R&B up-tempo producido por Stargate que resulta una de las mayores aproximaciones de Mary al pop, ‘Hurt Again’, una emotiva balada R&B/Soul o ‘Roses’, un oscuro medio tiempo R&B producido por Tricky Stewart en el que la cantante se lamenta amargamente de su relación y le pide a su pareja que no le regale rosas para arreglar sus problemas. ‘Roses’ recibió excelentes opiniones de los críticos musicales, que la catalogaron como una de las mejores canciones de toda la carrera de Mary Jane.
«Growing Pains» tuvo el inconveniente de haber sido publicado tras el gran éxito comercial y de crítica que supuso «The Breakthrough» por lo que siempre estará a la sombra de éste, sin embargo nos encontramos ante uno de los mejores álbumes R&B contemporáneos de la pasada década. Su buena acogida comercial demostró que Mary J Blige es una de las cantantes con una carrera más sólida y consistente no sólo dentro del R&B sino de la música en general. No es fácil encadenar tantos trabajos de gran calidad seguidos pero la reina del Hip Hop Soul lo consiguió. En definitiva, «Growing Pains» es uno de los mejores álbumes dentro de la discografía reciente de Mary J Blige y en el que nos transmite un importante mensaje: tras el dolor sufrido hay que avanzar y crecer. Temas imprescindibles: Just Fine, Stay Down, Fade Away, Work That y Roses. Puntuación: 7’5/10.
Crítica del álbum «Shawn Mendes»
El tercer álbum de estudio del cantante Shawn Mendes, de título homónimo, se puso a la venta en mayo del pasado año y debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos y de su Canadá natal, convirtiéndose en el artista más joven de la historia de la música en conseguir que sus tres primeros trabajos fueran #1 en la lista de ventas americana. «Shawn Mendes» ha sido certificado platino en Estados Unidos gracias a sus altas cifras de streaming (fue el segundo disco pop con mayor streaming del año pasado por detrás de «Man of the Woods» de Justin Timberlake). En el resto del mundo, el cantante canadiense también demostró su éxito entre el público adolescente y logró el #1 en Australia y España o el top 3 en Reino Unido y Alemania. El tercer trabajo de Shawn Mendes es un álbum de pop con influencias pop/rock o R&B y está compuesto y co-producido por el joven cantante de ascendencia portuguesa. El single anticipo del álbum fue In My Blood, un tema pop/rock en el que relata los problemas de ansiedad que sufrió en el pasado, fue nominado a mejor canción del año en los premios Grammy y ganó el galardón en la misma categoría en los Juno Awards (los Grammy de Canadá). Este single logró un éxito moderado en las listas de venta: en Estados Unidos fue #11 y ocupó el top 10 en Reino Unido, Alemania, Canadá y Australia. Como segundo single, Shawn Mendes lanzó Lost in Japan, un bailable tema funk/R&B que recuerda al estilo de Justin Timberlake y muestra la variedad musical presente en el álbum.
En julio de este año, «Shawn Mendes» fue re-editado con dos temas nuevos: If I Can’t Have You, un marchoso tema pop/rock de potente estribillo en el que Shawn usa su voz en falsetto y tuvo un gran impacto comercial en todo el mundo (ocupó el #2 en las listas americana y canadiense) y Señorita, un medio tiempo de estilo Latin-pop a dúo con Camila Cabello. No es la primera vez que el atractivo cantante colabora con la ex-componente de Fifth Harmony, ya que en el álbum debut de Shawn ambos artistas llevaron a cabo la misma táctica e hicieron un dueto en ‘I Know What You Did Last Summer’, el single presentación de la reedición de «Handwritten». Señorita, que recuerda al hit ‘Havana’ de la cantante de origen cubano, ha sido un auténtico éxito en las plataformas de streaming de todo el mundo, superando los 500 millones de reproducciones en Spotify, y ha alcanzado el #1 en las principales listas de venta de todo el mundo, incluyendo Estados Unidos, Reino Unido, Australia y Canadá. Este tema, que fue lanzado de manera muy acertada en el mes de junio, se ha convertido en una de las canciones del verano gracias a su aroma latino y la gran química entre ambos artistas. En resumen, el tercer álbum de Shawn Mendes muestra su evolución musical, madurez y crecimiento como artista, ya que ha pasado de ser un ídolo adolescente a uno de los artistas pop más completos y prometedores de los últimos años gracias a su talento como cantante, compositor y músico. Puntuación: 6’5/10.
Crítica de «Welcome to the Dollhouse» de Danity Kane
En 2006 el quinteto femenino Danity Kane hizo su debut en el mundo de la música tras su paso por el talent show ‘Making the Band’, supervisado por el rapero y productor musical Diddy. El álbum de título homónimo tuvo un impacto comercial positivo y debutó en lo más alto de la lista de ventas de Estados Unidos, fue certificado platino y contó con el hit single ‘Show Stopper’, el cual ocupó el top 10 en la lista americana. Apenas año y medio después del lanzamiento de su álbum debut, Danity Kane regresaron al panorama musical con su segundo trabajo discográfico, titulado Welcome to the DollHouse y nuevamente bajo la producción ejecutiva de Diddy. Este álbum cuenta un amplio rango de productores de la talla de Danja, The Clutch, Bryan-Michael Cox, The Runners, Mario Winans o The Stereotypes. Durante la grabación del álbum se produjeron ciertas desavenencias entre Diddy y Danity Kane por la dirección musical que estaba tomando el disco, ya que las chicas querían evolucionar hacia un sonido pop más internacional mientras que Diddy deseaba continuar con el estilo urbano del primer álbum. «Welcome to the Dollhouse» está encuadrado dentro del pop/R&B al igual que su anterior trabajo, sin embargo pierde parte de su componente urbano y Hip Hop en favor de un sonido más dance-pop. «Welcome to the Dollhouse» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes al igual que «Danity Kane», convirtiendo al quinteto en el único grupo femenino cuyos dos primeros álbumes alcanzaban el #1 en la lista de Estados Unidos. El single presentación del álbum fue Damaged, un marchoso y pegadizo tema dance-pop y R&B producido por The Stereotypes, Diddy y Mario Winans cuyas letras expresan que las relaciones pasadas y las rupturas han dejado a las chicas emocionalmente marcadas o dañadas. Este tema recibió un buen recibimiento por parte del público y logró el segundo top 10 del grupo en la lista americana. Tras la buena acogida de ‘Damaged’, Danity Kane lanzaron como segundo single uno de los temas más destacados del álbum, Bad Girl, que cuenta con la producción de Danja y la colaboración de la legendaria rapera Missy Elliott. ‘Bad Girl’ es un enérgico tema dance-pop, electropop y R&B cuyas letras hablan de dejar salir tu ‘alter ego’ más atrevido y resulta un himno de empoderamiento femenino y confianza en una misma. Pese a su naturaleza bailable y sus pegadizas letras este single tuvo buen desempeño comercial y ni siquiera logró entrar en el Billboard Hot 100.
Mientras que la primera parte del álbum está formada por temas bailables de carácter up-tempo y profundiza en el nuevo sonido dance-pop y electropop adoptado por Danity Kane, la segunda mitad recuerda más a su primer álbum y contiene medios tiempos R&B. Dentro del primer grupo de canciones destaca ‘Pretty Boy’, un marchoso tema electropop y dance-pop producido por Danja en cuyas letras las chicas declaran su admiración por un hombre elegante, atractivo y seguro de sí mismo o ‘Sucka for Love’, otro pegadizo tema electropop que habla sobre ser adicto al amor y las relaciones apasionadas. Entre los temas más continuistas con el habitual estilo R&B del grupo se encuentran ‘Key to My Heart’, un medio tiempo de breve duración cuyas letras hacen referencia a las sospechas, inseguridad y miedo a la traición que se producen en una relación o ‘Ecstasy’ que cuenta con la colaboración del rapero Rick Ross y es el único tema con influencia Hip Hop presente en «Dollhouse». En resumen, pese a que el álbum debut de Danity Kane resulta más sólido y cohesivo, «Welcome to the Dollhouse» es un álbum más que digno que contiene un puñado de canciones muy interesantes y marca una evolución del grupo hacia el sonido dance-pop. La ejecución vocal de las componentes y sus perfectas armonías siguen siendo uno de los puntos positivos del álbum. En 2009, tras la promoción del álbum, Danity Kane se tomó un descanso como grupo y no regresaron hasta 2013 cuando publicaron su tercer álbum de estudio, el primero como trío, ya que las componentes D. Woods y Aundrea abandonaron la formación tras la separación temporal de Danity Kane. Temas imprescindibles: Damaged, Bad Girl, Sucka for Love, Pretty Boy, Lights Out y Poetry. Puntuación: 7/10.
Torn, el single que puede salvar a Ava Max
Durante el año pasado la cantante americana Ava Max pasó de ser una auténtica desconocida a convertirse en una de las artistas revelación del panorama pop gracias al éxito de su single Sweet but Psycho, el cual logró una gran acogida en todo el mundo (fue #1 en Alemania, Irlanda y Reino Unido durante 4 semanas) e incluso consiguió ocupar el top 10 del difícil mercado americano, que siempre ha sido muy reacio al bubblegum pop. Tras la asombrosa pero inesperada acogida comercial de «Sweet but Psycho», la cantante de ascendencia albanesa lanzó So Am I, un coqueto tema pop que resultaba un himno de auto-aceptación para los marginados y diferentes, y aunque no tuvo una acogida tan impresionante como su anterior single sí le salvó de convertirse en una artista one-hit-wonder ya que cosechó un moderado resultado comercial en Reino Unido o Australia, donde fue top 20. Pese a que se trataba de un tema bailable y pegadizo (y una de las mejores canciones del 2019 en mi opinión) So Am I recibió ciertas críticas negativas por sus letras al presentarse como una más entre los marginados e inadaptados cuando en realidad es una mujer blanca, atractiva y privilegiada. Para intentar mantener su popularidad, a principios de agosto Ava lanzó dos sencillos promocionales, «Blood, Sweat & Tears» y «Freaking Me Out», dos medios tiempos anodinos y sin gancho que diferían de sus anteriores singles de carácter bailable y marchoso. Tras el poco interés despertado por estos dos temas, la discográfica de Ava Max se apresuró en presentarnos otro single que pueda alargar el «momentum» que está viviendo la joven artista y evitar que desaparezca del panorama musical. Finalmente Torn ha sido elegido como tercer single y ha sido todo un acierto ya que se trata de un marchoso tema dance-pop con influencia Disco que nos devuelve a la Ava Max de «Sweet but Psycho». Torn es el más up-tempo de todos los temas presentados hasta ahora y en él se debate entre seguir con su pareja o dejarle en una relación que hace aguas. Desde sus inicios, la cantante de 25 años ha recibido comparaciones con Lady Gaga por su extravagante apariencia y sus temas pop ‘dosmileros’, y concretamente en la portada de Torn apreciamos un gran parecido con Lady Gaga, quien además es una de sus influencias musicales. Torn ha sido producido nuevamente por Cirkut, al igual que Sweet but Psycho y So Am I. Estos tres singles se incluirán en el álbum debut de Ava Max, del que todavía no sabemos ni fecha ni título definitivo, pero que debería ser publicado antes de que pase el momento de gloria de la cantante.
Crítica de «Lost & Found» de Jorja Smith
La cantante inglesa Jorja Smith ha sido una de las artistas revelación del panorama urbano británico durante los últimos años y aunque no ha despuntado a nivel global, desde sus inicios en el mundo de la música llamó la atención de Drake, quien la descubrió en Instagram y le dio una oportunidad para que actuara como su telonera, o Kendrick Lamar, con el que grabó una canción, lo que sin duda ayudó a incrementar la popularidad de la joven cantante en Estados Unidos. Tras lanzar un EP y varios singles durante estos últimos años, Jorja Smith debutó en junio del 2018 con su primer álbum de estudio, titulado Lost & Found. Su estilo musical es un R&B/Soul muy clásico con ciertas influencias pop y Hip-Hop, ya que la joven cantante creció escuchando a Lauryn Hill, Alicia Keys o Amy Winehouse, a quien considera una de sus mayores influencias y la inspiró para dedicarse al mundo de la música. Desde una edad temprana, Jorja Smith comenzó a escribir canciones inspiradas en sus humildes orígenes, sus reflexiones personales y sus relaciones. Lost & Found ha sido aclamado por la crítica por su personal voz, su estilo R&B clásico y sus habilidades como compositora, y ha recibido varias nominaciones entre ellas mejor artista femenina británica en los BRIT Awards y mejor artista revelación en los premios Grammy. El primer álbum de Jorja Smith peca de ser poco consistente ya que la joven cantante lleva trabajando en él desde hace varios años, por lo que ha habido una evolución en su faceta como compositora, y además ha recurrido a compositores y productores muy diferentes que han imprimido su propio estilo, lo cual hace que al disco le falte cierto sentido de unidad, aunque éste suele ser un defecto habitual entre los artistas noveles.
«Lost & Found» está compuesto en su mayoría por medios tiempos R&B/Soul llenos de instrumentación en vivo que le dan un sonido muy orgánico. Varios singles fueron lanzados con anterioridad a la publicación del álbum como Blue Lights, en la que Jorja trata temas sociales, en concreto cómo la policía acudía a su barrio cuando ocurrían altercados, denotando sus humildes orígenes, Teenage Fantasy, donde declara que necesita crecer y encontrarse a sí misma antes de dejar que otros le amen, lo que denota la reflexión de una Jorja adolescente o February 3rd, en la que habla de una relación que está agonizando. Pese a haber recibido excelentes criticas, estos singles han tenido un impacto comercial muy moderado, ya que sólo Blue Lights ha ocupado el top 40 en la lista británica de singles. «Lost & Found» debutó en el #3 de la lista británica de álbumes con unas ventas muy discretas pero acabó siendo certificado plata en Reino Unido y también logró unas posiciones moderadas en otras listas de ventas como Australia o Irlanda, donde fue top 20, e incluso consiguió el top 50 en Estados Unidos gracias a su aparición en la TV americana y al apoyo por parte de Drake entre otros. En definitiva, con su falta de dirección propia de un disco debut, «Lost & Found» es un buen álbum urbano que nos recuerda a la Alicia Keys de sus primeros años, y augura un futuro prometedor a Jorja Smith dentro del espectro R&B británico. Puntuación: 7/10.
Motivation, el debut de Normani
Desde la separación de Fifth Harmony todas las componentes del famoso cuarteto femenino han hecho sus pinitos en solitario en un intento de repetir el éxito de su ex-compañera Camila Cabello y también han realizado varias colaboraciones con otros artistas, sin embargo no han logrado despuntar como la intérprete de ‘Havana’. Ally Brooke y Lauren Jauregui han colaborado en temas de otros cantantes y lanzado varios singles sin demasiado éxito, sin embargo ha sido Normani la que ha conseguido mayor popularidad y credibilidad como artista gracias a sus acertadas colaboraciones con el prometedor artista de R&B Khalid en ‘Love Lies’ y con Sam Smith en ‘Dancing with a Stranger’, las cuales han ocupado el top 10 en la lista americana, dando a la joven cantante su momento de gloria. Tras estas exitosas colaboraciones, la ex-integrante de Fifth Harmony ha lanzado su primer single oficial en solitario, aunque ya nos había ofrecido otros temas que no acabaron de cuajar. Motivation es un marchoso tema pop/R&B con uso prominente de saxofón compuesto por Ariana Grande, Max Martin y su habitual equipo de colaboradores, Savan Kotecha e Ilya en el que Normani quiere mantener interesado a su amante teniéndolo ‘motivado’. Este tema pertenece a las sesiones de grabación de «Thank U, Next» de Ariana Grande y tras no formar parte de este álbum fue ofrecido a Normani, quien ha sido la telonera de Ariana en la parte americana del «Sweetener World Tour». Este tema nos transporta al urban pop y R&B que dominaba a principios de la década del 2000 y recuerda al estilo de Destiny’s Child o la Beyoncé de sus primeros años, lo cual es un gran acierto por parte de Normani y un soplo aire fresco en el actual escenario musical inundado por reggaeton y Trap de baja calidad. El videoclip de Motivation está inspirado en varios videoclips de los finales de los 90 y 2000 muy populares e icónicos, como ‘Crazy In Love’ de Beyoncé, ‘…Baby One More Time’ de Britney Spears o ‘I’m Real’ de Jennifer Lopez y Normani demuestra que no sólo es una gran vocalista, sino también una gran bailarina que recuerda mucho a Beyoncé en sus primeros años en solitario. ‘Motivation’ resulta una gran apuesta como primer single por parte de la joven de Atlanta, quien tiene un fututo muy prometedor por delante.
Like The Way I Do
El verano es una de las épocas más fructíferas para el trío alemán Cascada, compuesto por la cantante Natalie Horler y los DJ’s Yanou y Manian, ya que suelen dar numerosos conciertos por toda Europa y participan en festivales musicales, por lo que son uno de los grupos más solicitados para amenizar las noches veraniegas en las discotecas más famosas de todo el continente. Este 2019 no ha sido una excepción, y Cascada no han parado de dar conciertos en Alemania, Suecia o en nuestro país, donde han visitado importantes discotecas de Mallorca o Ibiza cantando sus grandes éxitos. Además, para alegría de sus seguidores, Cascada han lanzado esta misma semana nuevo single, Like The Way I Do, poniendo fin a su sequía musical. Este tema dance-pop recupera el habitual estilo musical del grupo tras haber pasado por un periodo comercialmente infructuoso donde cambiaron de sonido y perdieron gran parte del apoyo de sus fans. Like The Way I Do ha sido promocionado por Natalie en sus redes sociales y ha sido acompañado por un modesto pero efectivo videoclip que ayudará a incrementar el streaming. Sin duda es uno de los temas Dance más destacados de la temporada y el mejor single de Cascada en años gracias a la maravillosa voz de Natalie y su pegadizo estribillo.
En 2011 Cascada lanzaron su cuarto álbum de estudio, Original Me, el cual se caracterizó por el distanciamiento musical con respecto a su habitual sonido Dance y Trance para profundizar en el sonido electro-pop y urban-pop. Original Me es el último disco lanzado hasta la fecha por el trío alemán y resultó un fracaso en las listas de venta en comparación con sus anteriores trabajos, aunque contó con varios singles de moderado éxito, como Pyromania y San Francisco. Tras este álbum Cascada representaron a Alemania en el festival de Eurovisión con el tema Glorious, el cual pese a quedar entre los últimos puestos del certamen consiguió un buen recibimiento en la lista alemana de singles, donde ocupó el #6 y se convirtió en una de las mejores posiciones de Cascada en su país nativo. Desde entonces, el grupo publicó varios álbumes recopilatorios con sus grandes éxitos, se centraron en dar conciertos por toda Europa y lanzaron singles de manera esporádica, como Madness o Reason, aunque declararon que no tenían intención de publicar un nuevo álbum de estudio en un futuro cercano. Además, Natalie participó como jurado en un concurso de la TV alemana y fue madre de su primer hijo.
Crítica de «High Expectations» de Mabel
Mabel se ha convertido en una de las cantantes revelación de este 2019, a pesar de que anteriormente ya había lanzado un EP y una mixtape, «Ivy To Roses», la cual logró buena acogida en Reino Unido y contó con su primer single top 10, ‘Finders Keepers’. Mabel McVey es nieta del famoso músico de jazz Don Cherry e hija de la rapera y cantante sueca Neneh Cherry y del compositor y productor británico Cameron McVey, responsable de muchos éxitos de Massive Attack, All Saints o Sugababes, por lo que la música ya corría por sus venas antes de nacer. Como dato curioso, Mabel nació en Málaga, creció en Estocolmo y actualmente vive en Londres, y tiene tanto nacionalidad española como británica y sueca. A principios de 2019 Mabel lanzó Don’t Call Me Up, un marchoso tema dance-pop y Tropical House compuesto por la famosa compositora británica Kamille y producido por Steve Mac. Esta canción de desamor fue compuesta por Mabel para pasar página tras una relación fallida, tiene una melodía que recuerda a la de ‘Shape of You’ de Ed Sheeran y comparte el mensaje de empoderamiento de ‘New Rules’ de Dua Lipa. ‘Don’t Call Me Up’ se ha convertido en un éxito en toda Europa (acumula más de 300 millones de reproducciones en Spotify) y ha ocupado el #3 en la lista británica de singles, además del top 20 en Francia, Australia, Suecia y Alemania. Aunque el pop británico no suele ser muy bien recibido en Estados Unidos (véase el caso de Little Mix) Mabel se esforzó en promocionar Don’t Call Me Up en tierras americanas y consiguió que el tema ocupara el top 70 en la lista Billboard, lo que se puede considerar un gran logro para una artista británica. Tras la gran acogida comercial de Don’t Call Me Up, Mabel demostró que su éxito no era flor de un día y regresó con otro tema que no tenía nada que envidiar a su anterior single ya que se trataba de una auténtica joya pop. El segundo single, Mad Love, es un pegadizo tema electropop compuesto junto a Kamille y nuevamente producido por Steve Mac en el que Mabel describe ese maravilloso sentimiento que se produce cuando le gustas a la persona que te gusta. Mad Love debutó en el #8 de la lista de ventas de Reino Unido, convirtiéndose en el tercer single top 10 de la malagueña. Tanto Don’t Call Me Up como Mad Love forman parte del primer álbum de estudio de Mabel, High Expectations, titulado de manera muy acertada debido a las altas expectativas que estaban puestas en su disco debut tras varios singles de éxito, aunque también por la herencia musical que trae consigo la joven cantante. Como sencillo promocional previo a la publicación del álbum, se lanzó ‘Bad Behaviour’, un tema dance-pop con influencias tropicales y urbanas que no supone un hit tan inmediato como los anteriores singles pero resulta marchoso y pegadizo.
El estilo musical de Mabel en sus inicios era el R&B sin embargo «High Expectations» podemos encuadrarlo dentro de un pop moderno y bailable que combina dance-pop, Tropical House, electropop y ciertas pinceladas R&B, y comparte ciertas similitudes con el estilo de Dua Lipa, Zara Larsson o Ava Max. La propia Mabel ha participado en la composición de todos los temas del álbum y la producción ha corrido a cargo de importantes nombres como Steve Mac, Tre Jean-Marie o Fraser T Smith además de jóvenes y prometedores productores como MNEK. Tras haber escuchado los primeros singles, el resto de «High Expectations» palidece en cierta manera, sin embargo podemos encontrar temas interesantes como ‘Selfish Love’ junto a Kamille, quien además de componer el tema también aparece como artista invitada, ‘OK (Anxiety Anthem)’ en el que Mabel relata su propia experiencia contra la ansiedad o ‘Put Your Name On It’, un bailable y marchoso tema de estilo Tropical House muy parecido a ‘Don’t Call Me Up’.
Hoy en día es muy habitual que antes de lanzar su álbum debut algunos jóvenes cantantes hayan colaborado en canciones de otros artistas, lanzado numerosos singles como anticipo de su disco o incluso varias mixtapes, por lo que todos esos temas acaban formando parte del álbum, que acaba pareciendo más una playlist de sus recientes hits que un disco centrado y coherente. Y esto es precisamente lo que les ha sucedido a Anne-Marie, Dua Lipa o a nuestra protagonista Mabel. «High Expectations» incluye como ‘bonus tracks’ varias canciones que pertenecían originalmente a su mixtape Ivy To Roses como ‘Finders Keepers’, su primer éxito que alcanzó el #8 en la lista de Reino Unido, ‘Fine Line’, una de sus canciones con mayor componente R&B y que también tuvo un buen desempeño comercia o su colaboración con el DJ Jax Jones en el pegadizo ‘Ring Ring’. En definitiva, «High Expectations», es un buen álbum pop, que cuenta con un sonido muy actual y contiene auténticos himnos como ‘Don’t Call Me Up’ o ‘Mad Love’, sin embargo el resto de temas no tienen el mismo potencial y resultan menos llamativos y originales. Aún así, «High Expectations» augura un futuro muy prometedor para la joven cantante, que ha pasado a jugar en la misma liga que Dua Lipa y se ha convertido en una de las cantantes británicas de pop más importantes de los últimos años a nivel internacional. Si te gustó el debut de Dua Lipa y en tu playlist favorita se encuentran los últimos singles de Ava Max o Zara Larsson, no dudes en darle una oportunidad a «High Expectations». Temas imprescindibles: Don’t Call Me Up, Mad Love, Selfish Love, Bad Behaviour y Put Your Name on It. Puntuación: 7’5/10.
La carrera musical de Alcazar
Tras un hiato de 2 años en el que los componentes de Alcazar se tomaron un descanso y se dedicaron a otras actividades (Tess se convirtió en jugadora profesional de póker y Andreas participó en varios musicales) en 2008 regresaron como trío con nueva componente. ‘We Keep On Rockin’ fue el single adelanto de su tercer álbum de estudio, llamado Disco Defenders. Este es quizás el mejor título que podrían haber elegido para su nuevo trabajo, ya que la música de Alcazar siempre ha estado dirigida a las pistas de baile gracias a sus marchosas canciones dance-pop, supieron rescatar el sonido Disco de los años 70 para darle un toque moderno y son los mayores representantes del nuevo sonido Disco durante el nuevo milenio. ‘We Keep On Rockin’ se trataba de un marchoso tema dance-pop compuesto y producido por el responsable de su gran éxito ‘Crying at the Discoteque’ y obtuvo una buena recepción comercial en Suecia, donde ocupó el #4 en la lista de ventas. Como segundo single se lanzó Inhibitions, otro marchoso tema Eurodance que nuevamente tuvo un buen desempeño comercial, convirtiéndose en el séptimo single top 10 de Alcazar en la lista de ventas de Suecia. A pesar de que los dos primeros sencillos del álbum fueron populares, el siguiente single fue el más famoso gracias a la participación de Alcazar en el Melodifestivalen del año 2009. Stay the Night poseía ese estilo festivalero típico de Alcazar y gracias a su sonido Disco y Eurodance resultó un gran éxito en Suecia, donde fue #2, además de obtener un buen puesto en el festival previo a Eurovisión. «Disco Defenders» era un álbum doble compuesto por un CD con nuevas canciones y un segundo CD a modo de Greatest Hits con todos los temas más famosos del grupo, por lo que este trabajo resultaba de lo más interesante. «Disco Defenders» se puso a la venta en marzo del 2009 tras el éxito de ‘Stay the Night’ y debutó en el #6 de la lista de álbumes de Suecia aunque más tarde ocupó el #4. Como último single del álbum se lanzó Burning, otro tema up-tempo muy bailable y marchoso pero debido a una menor promoción por parte del grupo no gozó de una buena respuesta comercial como los sencillos anteriores.
Alcazar hizo su debut en el mundo de la música en el año 1999 con el tema ‘Shine On’, el cual tuvo un impacto comercial muy moderado en las listas de venta, al igual que el segundo single ‘Ritmo del Amor’, sin embargo la entrada en el nuevo siglo y milenio fue muy positivo para el grupo, ya que gracias a su tercer single Crying At The Discoteque (el primer lanzado de manera internacional) Alcazar despuntó en todo el mundo, convirtiéndose en una de las canciones más famosas del año 2001. Este pegadizo y bailable tema dance-pop con influencia de la música Disco de los 80 y 90 fue un gran éxito en Europa (alcanzó el top 10 en Alemania e Italia y el top 20 en España o Reino Unido) e incluso tuvo cierta rotación en las radios americanas, convirtiéndose en uno de los singles de un grupo sueco más exitosos a nivel mundial. Estos tres singles fueron incluidos en el álbum debut de Alcazar, llamado Casino, el cual vio la luz en Suecia en el año 2000 y fue lanzado a nivel mundial en 2002 tras el éxito de ‘Crying at the Discoteque’. Alcazar lanzó Sexual Guarantee como cuarto single (segundo internacional) y era uno de los temas inéditos en la re-edición de Casino. ‘Sexual Guarantee’ seguía el toque retro de su predecesor y nuevamente se trataba de un marchoso tema dance-pop y Disco, demostrando que la música de Alcazar estaba dirigida a las pistas de baile. El tercer single internacional fue otra de las canciones inéditas de la nueva edición de Casino, Don’t You Want Me, que era una versión del famoso tema de The Human League y de nuevo hizo su aparición en el componente Dance/Club de la lista americana Billboard.
En 2003, una vez que Alcazar se había transformado en cuarteto y participado en el Melodifestivalen con el tema Not a Sinner, Not a Saint, publicaron su segundo disco de estudio, llamado Alcazarized y que contaba con las voces principales de los dos componentes masculinos del grupo. Debido al éxito de ‘Not a Sinner, Not a Saint’, el cual fue #1 en la lista de ventas de Suecia, fue incluido en el disco, aunque el primer single oficial fue Ménage à Trois, un polémico tema que contenía varias frases en francés. Aunque este tema resultaba original y pegadizo y contaba con un videoclip muy sexy ambientado en un hotel, no obtuvo una respuesta comercial muy positiva y apenas ocupó el top 20. «Alcazarized» debutó en el #2 de la lista de ventas de Suecia y fue re-editado en 2004 con varios temas inéditos como This Is The World We Live In, que se convirtió en el siguiente single del álbum. Se trataba de un marchoso tema dance-pop y Disco que alcanzó el #3 en la lista sueca (una de las mejores posiciones de Alcazar) y resultó el tema más exitoso del grupo en el resto de Europa desde ‘Crying At The Discoteque’. Como último single del álbum se lanzó otro de los temas inéditos, ‘Physical’, aunque resultó un fracaso en las listas de venta. A finales de 2004 Alcazar publicó un disco recopilatorio de grandes éxitos llamado Dancefloor Deluxe que contaba además con varios temas nuevos entre los que se encontraban ‘Here I Am’ o Start The Fire, con el que Alcazar anotó otro top 10 en la lista de singles de Suecia.
Originalmente Alcazar estaba formado por Andreas, el cantante principal, y dos chicas que hacían los coros y las segundas voces: la pelirroja Annika y la rubia Tess, sin embargo durante su trayectoria musical Alcazar ha sufrido varios cambios de integrantes. A finales de 2002, tras la promoción de «Casino», el trío pasó a ser cuarteto ya que se incorporó a la formación Magnus (el novio por entonces de Andreas), con el que grabaron su segundo álbum de estudio y una compilación de sus grandes éxitos. En 2005, Alcazar se separaron temporalmente y tanto Magnus como Annika abandonaron el grupo de manera definitiva. Cuando se reunieron en 2007, Andreas y Tess invitaron a una cantante amiga suya, Lina, a unirse a ellos durante una actuación y debido a la gran química en el escenario pasó a ser componente definitiva de Alcazar. Como trío, Alcazar publicó en 2009 su último disco de estudio.
Suecia siempre ha tenido una gran tradición musical y se ha tomado muy en serio su participación en el certamen de Eurovisión (el cual ha ganado en seis ocasiones) y prueba de ello es que el festival previo a Eurovisión donde se decide el candidato que representará al país nórdico, el Melodifestivalen, es un evento muy seguido por los suecos. Alcazar también han tenido un gran interés en Eurovisión ya que se han presentado nada más y nada menos que en 5 ocasiones, y aunque siempre han obtenido buenas posiciones en el festival previo, siempre se han quedado a las puertas de Eurovisión y no han podido representar a Suecia. Sus marchosas y bailables canciones de estilo Disco/dance-pop han encajado perfectamente con el tipo de música que suele triunfar en este festival y sus peculiares coreografías y original puesta en escena han hecho de Alcazar el epítome de grupo que participa en Eurovisión. Su primer intento fue en el año 2003 con el tema ‘Not a Sinner, Not a Saint’, el cual quedó en tercera posición del Melodifestivalen de aquel año pero se convirtió en el single más exitoso de todos los que participaron, obteniendo el primer single #1 del grupo Alcazar en Suecia. Este tema causó gran polémica (sobretodo en nuestro país) debido a su enorme parecido con la melodía del tema de Mónica Naranjo ‘No Voy a Llorar/I Ain’t Gonna Cry’, especialmente al principio de la canción. En 2005, Alcazar volvieron a intentarlo con Alcastar y aunque tampoco consiguieron su sueño de representar a su país, nuevamente quedaron en el tercer puesto del festival previo, y el single fue otro éxito para el grupo ya que lograron su segundo #1 en la lista de singles sueca. Alcazar no se rindieron y volvieron a presentarse al Melodifestivalen en los años 2009 y 2010 con los temas ‘Stay the Night’, el cual ya contaba con Lina como integrante del grupo tras la marcha de Annika, y que consiguió el #2 en Suecia y ‘Headlines’, quizás el tema menos memorable de todos los que ha llevado el grupo al Melodifestivalen pero que consiguió llegar al #10 en la lista de singles sueca.
El último intento de Alcazar por representar a Suecia en Eurovisión fue en 2014 con Blame It On the Disco, una de sus mejores apuestas y que nuevamente acabó en tercera posición y consiguió el #10 en la lista de singles de su país. Teniendo en cuenta que Alcazar se separaron el pasado 2018, podemos decir que no han conseguido su sueño de ir a Eurovisión (Andreas sí lo hizo como parte de otro grupo) aunque pueden estar orgullosos de haberlo intentado en numerosas ocasiones y haber obtenido siempre muy buenas posiciones. Aunque Alcazar están lejos del gran impacto que consiguieron sus compatriotas ABBA, también se han convertido en uno de los grupos suecos más importantes en el mundo de la música. La influencia de ABBA en la música y estilo de Alcazar es evidente e incluso comparten muchas similitudes con el famoso cuarteto, sobretodo en la época del 2002-2005 cuando el grupo estaba formado por 4 componentes, dos masculinos y dos femeninos.
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