Pop

Crítica de «Smile» de Katy Perry

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SmileLa casualidad ha querido que la hija que estaba esperando Katy Perry haya nacido precisamente un día antes del lanzamiento de su esperado nuevo álbum. Daisy Dove Bloom es el nombre de la primera hija de la cantante californiana, fruto de su relación intermitente con el actor Orlando Bloom, con quien se le relaciona desde el año 2016. Podríamos decir que el nacimiento de la hija de Katy Perry le va a deparar más alegrías que Smile, su sexto álbum de estudio, que promete convertirse en uno de los mayores flops de la temporada teniendo en cuenta el tibio desempeño comercial de los singles lanzados, algunos de los cuales sólo serán incluidos como ‘bonus track’ debido a su escaso apoyo por parte del público. «Smile» tenía previsto su lanzamiento el pasado día 14 de agosto, pero su fecha fue trasladada dos semanas más tarde por motivos de post-producción y finalmente ha sido el 28 cuando ha visto la luz, una maniobra poco acertada por parte de su sello discográfico ya que ha resultado ser un día de gran competencia con importantes trabajos discográficos a la venta. «Smile» está formado por 12 temas en su edición estándar (16 en la deluxe) encuadrados dentro del pop con influencias dance-pop y electropop, aunque resulta un álbum más orgánico y con menor componente electrónico que «Witness», el anterior trabajo de Katy. La artista de 35 años ha compuesto todos los temas de Smile con la ayuda de importantes nombres de la industria musical como StarGate, The Monsters & The Strangerz, Johan Carlsson, Ian Kirkpatrick o Charlie Puth entre otros y como curiosidad cabe destacar que su habitual colaborador Max Martin no forma parte de este proyecto, después de haber trabajado de manera extensa en sus discos Teenage Dream, Prism y Witness. Según Katy Perry, su nuevo disco narra los duros episodios vividos por la cantante tras la fatídica era «Witness», en la que su sobre-exposición en los medios de comunicación y sus polémicos comentarios, unidos al mediocre desempeño comercial del álbum, le pasaron factura tanto a nivel profesional como personal (incluyendo depresión e intento de suicidio) y con Smile «ha encontrado la luz al final del oscuro túnel» y recuperado la sonrisa perdida.

Para dar con el ‘supuesto’ primer single de este proyecto tenemos que remontarnos a mayo de 2019, cuando vio la luz Never Really Over, el cual se trataba de un alegre y animado tema electropop que contenía una interpolación de una canción de la artista noruega Dagny y estaba producido por Zedd, con quien Katy ya había colaborado anteriormente. Aunque ‘Never Really Over’ no resultó un hit de la talla de ‘California Gurls’ o ‘Roar’, sí supuso un importante avance con respecto al desempeño comercial de los singles de su anterior álbum y dio un respiro a la maltrecha situación comercial que vivía la cantante. ‘Never Really Over’ ocupó el top 10 en Australia o Canadá y alcanzó el top 20 en Reino Unido y Estados Unidos, aunque resultaba la posición más baja de un ‘lead single’ de Katy en tierras americanas, si es que podemos denominar así a este tema ya que por entonces no tenía intención de lanzar nuevo álbum. Unos meses después llegó Small Talk, un coqueto tema synth-pop producido por Johan Carlsson y Charlie Puth que resultaba un buen ‘album track’ pero no terminaba de funcionar como single y prueba de ello fue su mediocre desempeño comercial, con el que regresaba a los peores días de Witness. Durante el resto del año la cantante nacida en Santa Bárbara siguió lanzando singles para tantear el terreno y ver si contaba con suficiente apoyo por parte del público como para poder respaldar la publicación de su ‘hipotético’ nuevo álbum, como Harleys in Hawaii, un tema pop de aire veraniego con influencia reggae que no pasaba más allá de ser el track 10 de un álbum.

Ya en 2020 llegó Never Worn White, una insípida balada a piano en cuyo videoclip Katy desveló que estaba embarazada de su primera hija y meses después mientras el mundo se encontraba sumido en la pandemia del coronavirus lanzó Daisies, acompañado del típico videoclip grabado en el jardín de su casa debido al confinamiento. Daisies se trataba de un tema pop con guitarras acústicas producido por The Monsters & The Strangerz que recibió mejores críticas que sus últimos temas y consiguió un desempeño moderado en las listas de venta (fue top 40 en Reino Unido, Australia y Estados Unidos, su mejor posición desde ‘Never Really Over’). Un mes antes de la llegada del álbum, una embarazadísima Katy lanzaba como enésimo single el tema que da título al disco y resultaba una de las apuestas más comerciales y apropiadas de cara a apoyar un proyecto considerado para muchos ya insalvable. Smile es un alegre y marchoso tema pop up-tempo producido por Oligee en el que la cantante agradece todos los cambios ocurridos en su vida recientemente y que le han permitido volver a sonreír, lo que lo convierte en un himno de superación personal. El avanzado estado de embarazo de Katy Perry no ha impedido la grabación de un videoclip promocional para Smile, en el que por primera vez adopta la temática circense presente en el álbum y la vemos, tanto en persona como de manera animada, disfrazada de ‘payasa’ con diferentes atuendos.

Entre las canciones más destacadas de «Smile» encontramos ‘Cry About It Later’, un bailable tema dance-pop en cuyos créditos aparece Oscar Holter, artífice de los últimos éxitos de The Weeknd, ‘Not The End of The World’, un adictivo tema electropop con influencia Trap y melodía enigmática que recuerda a su hit ‘E.T.’, ‘Teary Eyes’, uno de los temas más up-tempo del álbum que cuenta con sonido electropop y dance-pop reminiscencia de Witness y en el que Katy afirma seguir bailando mientras llora (una metáfora de seguir adelante a pesar de los problemas) o ‘Tucked’, en el que podemos apreciar guitarras sintetizadas y cierto toque pop/rock que nos devuelve a la era Teenage Dream. También merece la pena mencionar los momentos más calmados del álbum, como ‘Resilient’, un bonito tema mid-tempo producido por el dúo noruego Stargate, nuevamente con temática de ser fuerte y seguir adelante, o ‘What Makes a Woman’, que comienza como una balada pop casi acústica para convertirse en un tema electropop más rítmico y destaca por sus letras dedicadas a su hija, en las que le desea que durante su vida logre conseguir sus sueños sin límites de ningún tipo. Como se intuía debido a su mínimo impacto comercial, ‘Small Talk’ y ‘Never Worn White’ forman parte de la edición deluxe del álbum junto a varios remixes de ‘Daisies’.

En definitiva, aunque en ‘Smile’ presenciamos una vuelta de Katy Perry a sus orígenes más pop y dentro de él podemos encontrar algunos temas bastante dignos que narran el arduo proceso de la cantante hasta recuperar la sonrisa, la mayoría de ellos no tienen ese ‘hit potential’ que sí existía en álbumes como «Teenage Dream», el cual resulta una sucesión ‘non stop’ de magníficas canciones. Si esta escasez de canciones verdaderamente arriesgadas y originales lo unimos a una desastrosa estrategia promocional, hacen de este álbum un proyecto un tanto disparatado y poco centrado. Hay varios puntos que restan credibilidad a «Smile»: en primer lugar está la estética circense que acompaña al disco, la cual ha sido explotada hasta la saciedad en el mundo del pop (ejemplos memorables son «Circus» de Britney Spears, «Funhouse» de Pink o «Back to Basics» de Christina Aguilera) y por otra, Katy no ha seguido un concepto claro a lo largo de sus lanzamientos, porque la estética de payasos rompe con la imagen hippy, retro y maternal que la cantante nos presentó en los singles ‘Never Really Over’, ‘Small Talk’ y ‘Daisies’ respectivamente, lo que evidencia una falta de cohesión y una cierta improvisación en su proceso de creación. En resumen, más que un proyecto verdaderamente centrado, «Smile» es una variada y agradable playlist que incluye todos los singles que Katy lleva lanzando durante estos últimos años, pero aún así lo considero un álbum superior a «Witness», que pese a incluir ciertos temas interesantes resultó un despropósito de era. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de «Spell My Name» de Toni Braxton

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Spell My NameA pesar de que el 2020 está resultando ser un año extraño en todos los sentidos y la crisis provocada por la pandemia del coronavirus ha perjudicado muchos sectores de la economía mundial, incluido el de la música, este hecho no ha evitado que algunos artistas hayan sacado adelante sus proyectos con mínimos medios y publicado sus nuevos álbumes en medio del confinamiento o durante los meses posteriores para alegría de sus seguidores. Toni Braxton es una de las artistas que ha seguido adelante con sus planes de publicar nuevo álbum aún cuando muchas partes del planeta siguen afectadas por la pandemia. La legendaria cantante de R&B acaba de lanzar su noveno álbum de estudio, titulado Spell My Name, dos años y medio después del breve pero notable Sex & Cigarettes, que recibió buenas críticas de los expertos musicales aunque tuvo un moderado impacto comercial. «Spell My Name» es el primer álbum de Toni dentro del sello discográfico Island Records y comparte muchos puntos en común con su predecesor, entre ellos la brevedad, ya que contiene únicamente 9 temas (10 con el bonus track) y está formado principalmente por baladas encuadradas dentro del R&B/Soul clásico por el que es conocida desde los años 90 cuando comenzó su carrera profesional. Toni Braxton ha compuesto todas las canciones presentes en el álbum bajo la producción de Antonio Dixon, quien ya participó en su anterior trabajo. El single presentación del álbum, Do It, llegó el pasado mes de abril y se trataba de una emotiva balada R&B con melodía de piano y violín en la que la cantante animaba a una amiga a abandonar una relación tóxica. Un par de meses después Toni presentó el remix oficial de ‘Do It’ junto a la icónica rapera Missy Elliott, quien también co-producía el tema. El remix de ‘Do It’ mantenía la esencia del tema original pero resultaba más rítmico, comercial y pegadizo y contaba con un fabuloso rap de Missy, quien siempre suma puntos extra a las canciones en las que colabora. Aunque no ha conseguido entrar en la lista americana, ‘Do It’ ha alcanzado el #1 en el componente Adult R&B Songs de Billboard, un dato muy positivo para la veterana cantante. En el mes de mayo Toni colgó en las plataformas musicales el remix de un tema llamado Dance pero no ha sido hasta agosto cuando le ha dado tratamiento oficial a su lanzamiento como single, aunque finalmente en su versión original. ‘Dance’ se trata de un marchoso tema dance-pop y Disco en el que la mayor de las hermanas Braxton nos anima a bailar como remedio para superar una ruptura. A diferencia de ‘Do It’, que no contó con videoclip oficial, Dance ha estado acompañado de un sencillo pero elegante videoclip en el que podemos ver a Toni bailando una coreografía, lucir diversos modelitos y presumir de un físico envidiable a sus 52 años de edad. Coincidiendo con el lanzamiento del álbum se ha lanzado como sencillo promocional ‘Gotta Move On’, una clásica balada R&B/Soul que cuenta con la colaboración de la prometedora cantante H.E.R.

Como en la mayoría de sus álbumes, el contenido de «Spell My Name» gira en torno a la angustia y melancolía producidas por los desengaños amorosos y en esta ocasión podemos adivinar a través de las letras de las canciones ciertos detalles de su tormentosa e intermitente relación con el rapero Birdman, con quien se le relaciona desde 2016. Entre las baladas más destacadas del álbum se encuentran ‘Saturday Night’, encuadrada dentro de un sonido más pop y ‘adult contemporary’ o Nothin’, que se trata de una magnífica balada mid-tempo R&B en la que podemos apreciar la maravillosa voz de contralto y el sensual tono grave de la cantante de Maryland, que sigue estando en muy buena forma. En resumen, «Spell My Name» podría tratarse perfectamente de un EP por su brevedad y su escaso ‘track listing’ pero es lo que se lleva en los tiempos actuales, donde imperan las reglas del streaming y el consumo de música tiende a la inmediatez. Pese a que Toni Braxton no ha pasado últimamente por sus mejores momentos personales (su hermana, la también cantante Tamar sufre depresión e intentó suicidarse hace unos meses) y tanto su éxito comercial como la viabilidad de su música han disminuido de manera notoria a lo largo de los años, nos ha ofrecido otro magnífico álbum de R&B que se suma a su gran catálogo musical. Aunque pasen los años, Toni sigue siendo una de las mejores voces del R&B contemporáneo y una de las mayores representantes de la música negra tradicional que muchos seguimos escuchando. Sin duda «Spell My Name» es uno de los mejores álbumes R&B del año y un excelente sucesor de «Sex & Cigarettes». Temas imprescindibles: Do It, Dance y Nothin’. Puntuación: 7’8/10.

Crítica de «Lioness Eyes» de Melody Thornton

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Lioness EyesMelody Thornton es conocida por ser una de las componentes del famoso grupo The Pussycat Dolls y destacaba por el hecho de que era junto con Carmit Bachar las dos únicas vocalistas reales además de Nicole Scherzinger, quien desde un principio fue catalogada como líder y fuerza creativa del grupo (ya que además de cantar la práctica totalidad de los temas también participaba en la composición y producción) pero también fue muy discutido su excesivo protagonismo en detrimento de las otras componentes. Desde los inicios musicales de The Pussycat Dolls se pudo observar claramente este exceso de protagonismo de Nicole Scherzinger pero cuando el grupo se separó definitivamente en 2010 pudimos tener acceso a nuevos datos que antes desconocíamos, como que las otras componentes no podían abrir la boca en las entrevistas promocionales y muchas veces tenían el micrófono apagado durante las actuaciones en directo o que Nicole prácticamente apenas hablaba con el resto de sus compañeras y viajaba en su propio bus durante las giras del grupo. En el último periodo de vida del grupo, Melody se mostró muy crítica con Nicole y denunció en público el excesivo protagonismo de su compañera y el injusto trato dado al resto de miembros, sin embargo la gota que colmó el vaso llegó durante la gira ‘Circus’ de Britney Spears, en la que el quinteto femenino actuaban como teloneras, cuando Melody en un arranque de rabia y llorando quiso agradecer a sus fans el apoyo recibido aunque «ella no apareciera en los créditos» (aludiendo a la portada del single ‘Jai Ho!’ donde podíamos leer The Pussycat Dolls featuring Nicole Scherzinger) ante la atónita mirada del resto de componentes y Nicole, quien continuó con el show como si nada hubiera ocurrido. Precisamente el hecho de que se acreditara a Nicole como artista solista en sus últimos lanzamientos fue uno de los detonantes que causaron el abandono de todas las componentes del grupo y el fin de The Pussycat Dolls. A finales de 2019, cuando las Dolls anunciaron su vuelta al mundo de la música, Melody decidió no formar parte del grupo porque quería centrarse en su carrera en solitario y a su vez Carmit Bachar, otra de las componentes originales que abandonó la formación durante el segundo álbum, volvió a participar durante esta esperada reunión. En varias entrevistas donde Melody fue preguntada sobre sus días en Pussycat Dolls reveló que era la más joven y ambiciosa de las componentes y guarda cariño a esa etapa porque le ha permitido hacer lo que verdaderamente ama, que es ser cantante, pero durante dicha época se sentía frustrada porque apenas podía cantar y su papel en el grupo era ser una mera bailarina y corista.

Durante todo este tiempo apenas hemos sabido nada de Melody Thornton, pero lo cierto es que no ha estado desaparecida completamente del ojo público ya que en 2012 lanzó una mixtape llamada «Piss On Your Black List», en la que se distanciaba de la imagen sexy que lucía dentro de Pussycat Dolls y abandonaba el estilo urbano y el sonido dance-pop y electropop característico del grupo y más tarde participó en la undécima temporada del famoso show televisivo ‘Dancing on Ice’. Este mismo mes de agosto, 8 años después de su último proyecto en solitario, Melody Thornton ha regresado con su nuevo EP, titulado Lioness Eyes, que está compuesto por 7 canciones compuestas por ella misma y encuadradas dentro de un R&B/Soul de corte muy clásico que siguen la estela musical de su primera mixtape. El objetivo de Melody con «Lioness Eyes» ha sido mostrar su verdadera identidad como artista y contar una historia y mandar un mensaje al público a través de sus canciones, tal y como lo hacían los álbumes de los años 90, cuando la música era más honesta y real. Durante estos últimos meses Melody nos ha presentado varios temas como aperitivo de este proyecto, como la emotiva balada ‘Love Will Return’ inspirada en el Soul de los años 60/70 y en la que habla de amor y desamor o el single presentación, Phoenix Rise, una preciosa balada mid-tempo R&B/Soul de corte retro que destaca por su mensaje social muy apropiado a nuestros días, en los que vivimos un gran malestar y agitación social, sobretodo en Estados Unidos por los recientes incidentes de racismo y brutalidad contra la población negra. Sin duda «Phoenix Rise» es uno de los temas más destacados del EP y se convierte en un auténtico himno de esperanza e integración social en tiempos de confusión e incertidumbre.

Pese a que la mayoría de los temas que componen «Lioness Eyes» son de carácter downtempo encontramos dos excepciones en ‘Goodbye to Happiness’, un tema más rítmico aunque no pierde el toque retro y Soul del resto del EP o ‘Sing About You’, que se trata de un marchoso tema R&B/pop que resulta la canción más up-tempo, bailable y comercial de este trabajo. Otros temas destacados son ‘Pray for Me’ que contiene elementos de la música del Medio Oeste en su melodía y producción o la poderosa balada de amor ‘I Will Wait’, que supone un ‘throwback’ a la música Soul de los años 60 y 70. Los puntos fuertes de este EP son el carácter retro de las canciones y su maravillosa producción, la naturaleza honesta de sus letras y sobretodo la magnífica voz de Melody, que ya brillaba durante sus pequeñas intervenciones en las canciones de The Pussycat Dolls, donde era conocida por su uso del melisma y su alto rango vocal. En resumen, me ha sorprendido muy gratamente el nuevo trabajo de la cantante de Arizona, quien durante estos años ha madurado y cambiado radicalmente de sonido e imagen y nos ha ofrecido un magnífico EP que nos retrotrae a la música R&B/Soul de décadas anteriores cuando lo verdaderamente importante era una voz cargada de personalidad y unas letras profundas. Puntuación: 7’5/10.

Ava Max regresa con Who’s Laughing Now y anuncia nuevo álbum

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Heaven & HellLa escena del pop en sentido estricto (también llamado bubblegum pop, por dirigirse al público adolescente) que triunfó durante los años 90 y principios de la década del 2000 gracias al fenómeno fan y artistas de la talla de Spice Girls, Aqua, Backstreet Boys, Britney Spears o Christina Aguilera, en la actualidad se encuentra prácticamente desierta ya que la nueva generación de jóvenes (que son los que más música consumen) en su mayoría han dejado de escuchar este tipo de pop comercial para decantarse por otros géneros populares hoy en día como el Trap o el reggaeton. Debido a este cambio de tendencia, muchas de las grandes figuras pop que triunfaron durante aquella época, e incluso otros artistas que iniciaron su carrera posteriormente (como Kesha o Katy Perry) han iniciado una espiral decreciente en su éxito y la viabilidad comercial de su música está prácticamente reducida a sus más fieles seguidores. Una de las pocas artistas encuadrada actualmente dentro del pop más «puro» es la protagonista de este post, Ava Max, quien desde que lanzó en 2018 Sweet But Psycho, el cual alcanzó el #1 en más de 20 países de todo el mundo y la situó como una de las cantantes más prometedoras del panorama musical, ha seguido ofreciéndonos fantásticos singles pero que no han logrado conseguir el nivel de éxito del primero. Tras Sweet But Psycho (que acumula casi 1000 millones de reproducciones en Spotify) en 2019 llegaron So Am I, que por el efecto arrastre fue moderadamente exitoso en Reino Unido o Australia pero no obtuvo posiciones tan altas en las listas de venta, el pegadizo Torn o el sencillo promocional Salt, el único que no contó con videoclip promocional, sin embargo la cantante de ascendencia albanesa fue posponiendo ‘sine die’ el lanzamiento de su álbum debut, haciendo que el ‘hype’ por ella se desvaneciera y su popularidad fuera disminuyendo. Ya en 2020 Ava Max continuó desvelando nuevos singles, como el magnífico Kings & Queens, que recuperaba el sonido dance-pop y electropop típico de los comienzos de Lady Gaga (con la que ha sido comparada hasta la saciedad tanto por su música como por su imagen) y gracias al cual anotó su tercer top 20 en las Islas Británicas, uno de los mercados mas receptivos para la cantante nacida en Wisconsin. Hace tan sólo unos días Ava Max por fin ha desvelado que su primer álbum de estudio verá la luz el próximo mes de septiembre, nada más y nada menos que dos años después de Sweet but Psycho, bajo el título de Heaven & Hell. Este álbum incluirá los 5 sencillos anticipo que la cantante de 26 años ha ido lanzando durante estos últimos tiempos además de un nuevo single, Who’s Laughing Now, que se trata de otra fabulosa pieza de pop que cuenta con un particular sonido de silbido y está nuevamente producido por su habitual colaborador Cirkut. Este tema nos recuerda al pop de fabricación sueca que triunfó durante los años dorados del pop de finales de los 90 de grupos como Ace of Base y en cuyas letras hace frente a quienes la criticaron y no la apoyaron en sus inicios y ahora es ella «la que ríe la última». Aunque muchos encuentren a Ava Max un producto desfasado y genérico que no tiene cabida en la música de hoy en día y hayan criticado su anticuada imagen, desde el blog MiSTeR MuSiC he apoyado a la joven cantante desde sus comienzos porque ha lanzado una sucesión de singles de gran calidad que muchos artistas pop envidiarían y nos transportan al pop de hace dos décadas que personalmente considero el mejor de la historia de la música. 

Melanie C anuncia nuevo álbum

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Melanie-C-In-And-Out-Of-Love-1Melanie C ha demostrado ser la componente de Spice Girls más comprometida con el mundo de la música y la única que a lo largo de los años se ha labrado una sólida y exitosa carrera en solitario. Prueba de ello son los 7 álbumes de estudio que ha publicado desde 1999, haciendo de ella la Spice con más discos en el mercado y la única que en la actualidad sigue demostrando su pasión por cantar y crear nuevas canciones (con permiso de Emma Bunton, quien publicó álbum el año pasado). Tras la triunfal pero breve gira de Spice Girls del año pasado con la que recorrieron Reino Unido, Melanie Chisholm retomó su carrera como solista y viajó por todo el mundo participando en las celebraciones del ‘Orgullo Gay’ de Brasil, España, Suecia o Alemania junto al grupo de Drag Queens Sink The Pink, con quienes precisamente participó en el single High Heels, un marchoso y bailable tema dance-pop con el que animó a todos los asistentes de su ‘Pride World Tour’ y lanzó al mundo un mensaje de amor universal y a uno mismo. Este tema seguía la senda musical de su último álbum de estudio, Version of Me, publicado en octubre de 2016 y con el que abandonó su habitual sonido pop/rock para adentrarse en el sonido electrónico. Ya en 2020, Melanie C siguió presentándonos nuevos temas como Who I Am, que se trataba de un fantástico tema electropop y dance-pop muy pegadizo que mostraba a la perfección su talento vocal y como compositora y hablaba sobre la auto-aceptación. Who I Am estuvo acompañado de un original videoclip ambientado en un museo donde Melanie se paseaba observando esculturas y cuadros de ella en sus diferentes etapas musicales, incluyendo sus icónicos looks de ‘Northern Star’ o como Sporty Spice. En plena pandemia la cantante inglesa ha seguido muy activa en el panorama musical y en mayo lanzó su nueva propuesta: Blame It On Me, otro potente tema dance-pop y electropop con influencia Disco en el que relata una relación tóxica. Esta misma semana, Mel ha anunciado nuevo single y la publicación de su nuevo álbum para el próximo mes de octubre. Su octavo álbum de estudio se llamará simplemente Melanie C, cuyo título hace referencia a que las experiencias vividas durante estos últimos años le han servido para saber quién es como persona y artista. El álbum contendrá 10 canciones que hablan sobre auto-empoderamiento y aceptación de uno mismo e incluirá todos los singles que ha ido lanzando estos últimos meses además de In and Out of Love, que se pondrá a la venta en las plataformas digitales este viernes. Desde el blog MiSTeR MuSiC estaremos muy atentos al nuevo álbum de Sporty Spice, la más talentosa de todas las componentes del famoso quinteto pero cuya carrera ha estado muy infravalorada por el público en general pese haber lanzado una serie de singles más que dignos.

Throwback Review: «Miss Thang» de Monica

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MIss ThangHace unos días se han cumplido 25 años del lanzamiento del álbum debut de la cantante Monica, uno de los clásicos del R&B de los años 90, por lo que haré una crítica en retrospectiva de este legendario disco. Monica Arnold nació en una familia muy vinculada al mundo de la música ya que su madre cantaba en el coro de la iglesia y entre sus primos se encuentran el famoso rapero Ludacris y el productor musical Polow da Don, por lo que a nadie le sorprendió que decidiera formar parte de este mundo y a una temprana edad comenzó a cantar en el coro de la iglesia al igual que su madre. Con apenas 11 años Monica fue descubierta por el productor Dallas Austin mientras interpretaba el clásico de Whitney Houston ‘The Greatest Love of All’ en un auditorio de Atlanta y sorprendido por la magistral actuación de la joven y sus habilidades vocales decidió ficharle en su discográfica y darle la oportunidad de cumplir su sueño y grabar un disco. Su primer álbum Miss Thang vio la luz el 18 de julio de 1995 cuando Monica apenas tenía 14 años y fue alabado por la crítica por su madurez y versatilidad y aunque debutó en un discreto top 40 de la lista americana gracias a una acertada selección de singles el álbum tuvo unas ventas muy estables que le permitieron llegar al millón y medio de copias y fue certificado triple platino en Estados Unidos. Miss Thang está formado por medios tiempos, baladas y temas up-tempo encuadrados dentro del R&B clásico de los años 90 con gran influencia del Hip Hop-Soul, pop y el sonido ‘adult contemporary’. La mayor parte de la composición y producción corrió a cargo de Dallas Austin y sus colaboradores Tim & Bob con producción adicional de Soulshock & Karlin y Daryl Simmons y cabe destacar que la joven Monica participó en la composición de un tema del álbum. Desde sus inicios, los expertos musicales destacaron la madurez y confianza en sí misma de Monica pese su temprana edad y fue comparada con el estilo de Toni Braxton y Janet Jackson. 

El single presentación del álbum fue Don’t Take It Personal (Just One of Dem Days), un tema mid-tempo R&B y Hip Hop-Soul producido por Dallas Austin que sampleaba dos importantes canciones Hip Hop del rapero LL Cool J y el grupo Public Enemy. ‘Don’t Take It Personal’ resultó un éxito en Estados Unidos: alcanzó el #2 en la lista americana, lideró el componente R&B/Hip-Hop de Billboard y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. Como segundo single se lanzó Before You Walk Out of My Life, una balada mid-tempo R&B con uso prominente de saxofón en el que Monica mostraba su lado más vulnerable y sensible. ‘Before You Walk Out of My Life’ ocupó nuevamente el top 10 en la lista americana y logró el #1 en el componente R&B/Hip-Hop, haciendo de Monica la cantante más joven en la historia de la música en liderar dicho componente con sus dos primeros singles. Este tema se lanzó como single de doble cara A junto a Like This and Like That, uno de los temas up-tempo de influencia Hip Hop-Soul presentes en el álbum. Como último single de «Miss Thang» llegó Why I Miss You So Much, una balada de amor R&B/Soul que alcanzó nuevamente el top 10 en la lista americana y con los años se ha convertido en un clásico de la discografía de la cantante de Atlanta. La primera parte del álbum está compuesta por temas más rítmicos de estilo Hip Hop-Soul como ‘Miss Thang’, donde la cantante hacía toda una declaración de intenciones y la segunda contiene baladas R&B/Soul más convencionales como la versión de ‘Let’s Straighten It Out’ junto a un jovencito Usher que también comenzaba a dar sus primeros pasos en la música.

«Miss Thang» fue uno de los debut más sólidos del R&B de los 90 gracias a su magnífico compendio entre ‘slow jams’ de estilo R&B/Soul y temas rítmicos Hip Hop-Soul y por el indiscutible talento vocal de Monica y supuso el inicio de su exitosa carrera profesional, que alcanzaría años más tarde su punto álgido con el hit ‘The Boy Is Mine’ junto a Brandy, con la que sería comparada hasta la saciedad por parte de los expertos y medios de comunicación debido al paralelismo entre sus carreras y su supuesta rivalidad. Precisamente el debut de Brandy de título homónimo es otro de los álbumes de R&B más representativos de los años 90 y con el que «Miss Thang» guarda ciertas similitudes. Personalmente encuentro superior su siguiente álbum «The Boy Is Mine», sin embargo «Miss Thang» es un más que digno debut que nos retrotrae al magnífico sonido R&B de los 90 y contiene varios de los clásicos de Monica. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «What’s Your Pleasure?» de Jessie Ware

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Jessie WareDurante los últimos meses hemos presenciado un resurgimiento del sonido Disco y en general de la música de baile que triunfó en las décadas de los 80 y 90 gracias a artistas pop como Dua Lipa, The Weeknd o Lady Gaga, quienes con sus recientes trabajos discográficos han sido responsables de llevar al mainstream el clásico sonido discotequero y se han convertido en los cantantes más triunfadores durante los meses de confinamiento por la pandemia del coronavirus al lanzar importantes singles que se han colado en los puestos más altos de las listas de venta. Otra de las artistas que también se ha influenciado de esta corriente dentro del pop ha sido Jessie Ware, una cantante inglesa muy popular en Reino Unido, donde ha logrado el top 10 con sus tres primeros álbumes, aunque fuera de las Islas Británicas sigue siendo una gran desconocida. A finales del pasado mes de junio Jessie Ware puso fin a su sequía musical y publicó su cuarto álbum de estudio, titulado What’s Your Pleasure?, tras año y medio lanzando singles como anticipo del mismo. «What’s Your Pleasure» es un álbum muy ecléctico de sonido retro, compuesto principalmente de temas up-tempo que incorporan elementos Disco, dance-pop, funk, House, R&B y Soul. Este trabajo está formado por 12 temas compuestas por la propia Jessie Ware y toma el relevo a «Glasshouse», su tercer trabajo discográfico, el cual vio la luz en 2017 y vino marcado por su reciente maternidad y una mayor madurez como artista. A principios de 2019 la cantante londinense desveló el primer aperitivo de su nuevo álbum, Adore You, que se trata de una sofisticada pieza de synth-pop y dance-pop de producción minimalista que destaca por la suave y sensual voz de Jessie. Ya en 2020 llegó Spotlight, el single que realmente representaba la esencia del álbum y vino acompañado de un videoclip promocional grabado en un lujoso tren propiedad del antiguo presidente de Yugoslavia. Spotlight comienza como una dramática balada para transformarse rápidamente en un elegante tema Disco/House que nos transportaba a las pistas de baile del Nueva York de los años 80. En plena pandemia Jessie Ware siguió presentándonos nuevos singles como Oh La La, un marchoso tema Funk producido por James Ford o Save a Kiss, un pegadizo tema dance-pop y electropop con influencia Disco que resulta uno de los momentos más up-tempo y bailables del álbum.

«What’s Your Pleasure?» se puede escuchar en su totalidad sin saltar ningún tema ya que resulta muy equilibrado y aunque es un disco eminentemente up-tempo en la segunda parte el ritmo comienza a bajar y podemos encontrar un par de temas más calmados pero que no desentonan con el resto del álbum, como ‘The Kill’, un elegante tema electropop de carácter mid-tempo y sonido ambiental o la única balada presente, ‘Remember Where You Are’, que recupera el R&B/Soul de sus inicios y cierra el álbum. Entre mis temas favoritos se encuentran ‘What’s Your Pleasure?’, el tema que da título al disco y resulta un marchoso tema electropop de sensuales letras o ‘Soul Control’, un alegre y divertido tema Disco/funk. En resumen, pese al extraño año que estamos viviendo han aparecido grandes álbumes que nos han permitido evadirnos de la realidad y disfrutar de buena música de baile, como es el caso de What’s Your Pleasure?, un sofisticado y elegante álbum de pop que suena atemporal y fuera de las modas imperantes y está inspirado en el sonido electrónico y Disco de los años 70 y 80. Si te gustó el estilo eminentemente electropop de álbumes como «Electra Heart» de Marina o «Body Talk» de Robyn o eres seguidor de las cantantes Kylie Minogue y Sophie Ellis-Bextor en su versión más Disco, sin duda disfrutarás del nuevo trabajo de Jessie Ware, una cantante y compositora muy talentosa que todavía no ha logrado despuntar y sin duda merece más éxito del que ha tenido. En definitiva, «What’s Your Pleasure?» es uno de los mejores álbumes de lo que llevamos del año y profundiza en el sonido Disco que tan de moda se ha puesto recientemente. Temas imprescindibles: What’s Your Pleasure?, Save a Kiss, Soul Control, Spotlight, Ooh La La y The Kill. Puntuación: 8/10.

Katy Perry anuncia la salida de Smile, su nuevo álbum

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SmileLa era Witness resultó todo un despropósito: desde la horripilante portada del álbum, la disparatada estrategia comercial, la poco acertada elección de los singles, sus polémicas declaraciones y su sobreexposición en los medios de comunicación durante aquella época no sólo hicieron que Katy Perry obtuviese los peores resultados de su carrera y pasase por su momento más bajo de popularidad sino que hicieron mella en salud mental y la obligaron a desconectar durante en tiempo del mundo de la música para encontrar paz espiritual. Es cierto que «Witness» se convirtió en el tercer #1 de la cantante en Estados Unidos y obtuvo buenas cifras en su primera semana, sin embargo las ventas pronto se estancaron debido a la modesta acogida de los singles lanzados, de los cuales sólo destacaron ‘Chained To The Rhythm’, el cual alcanzó el top 5 en la lista americana y ‘Swish Swish’, que se volvió viral debido al famoso baile que aparecía en su videoclip aunque apenas pasó de un top 50. Un resultado francamente decepcionante para una artista de la talla de Katy Perry, la cual venía de conseguir dos sencillos #1 con ‘Prism’ y de encadenar 5 singles #1 con su legendario álbum ‘Teenage Dream’. Tras la gira mundial de ‘Witness’ y debido al desgaste mental sufrido durante la promoción del álbum, la cantante californiana decidió retirarse temporalmente del mundo de la música y una vez que estuvo recuperada comenzó a grabar nuevos temas pero declaró que en esta nueva etapa iba a lanzar canciones «no para los charts sino para el corazón» quedando implícito que su discográfica ya no aspiraba a repetir los éxitos del pasado por lo que daba la libertad a Katy de lanzar las canciones que verdaderamente le gusten, además aseguró que no iba a seguir el estresante patrón de single-álbum-tour del pasado sino que se iba a tomar las cosas con calma y lanzar nuevas canciones una vez que terminara de grabarlas sin intención de publicar disco en próximas fechas.

Tras varias colaboraciones con otros artistas, en mayo de 2019 Katy Perry puso fin a su sequía musical y lanzó Never Really Over, el ‘supuesto’ single anticipo de su nuevo proyecto, todavía sin fecha de publicación ni título definitivo. Se trataba de un alegre tema electropop que contenía una interpolación de una canción de la artista noruega Dagny y estaba producido por Zedd, con quien Katy había colaborado recientemente. Aunque ‘Never Really Over’ no resultó un hit de la talla de ‘California Gurls’ o ‘Roar’, sí supuso un importante avance con respecto al desempeño comercial de los singles de su anterior álbum y dio un respiro a la maltrecha situación comercial que vivía la cantante. ‘Never Really Over’ ocupó el top 10 en Australia o Canadá y alcanzó el top 20 en Reino Unido y Estados Unidos, aunque resultaba la posición más baja de un ‘lead single’ de Katy en tierras americanas, si es que podíamos denominar así a este tema. Unos meses después llegó Small Talk, un coqueto tema synth-pop producido por Johan Carlsson y Charlie Puth que resultaba un buen ‘album track’ pero no terminaba de funcionar como single y prueba de ello fue su mediocre desempeño comercial, con el que regresaba a los peores días de ‘Witness’. Durante el resto del año Katy Perry siguió lanzando singles para tantear el terreno y ver si contaba con suficiente apoyo por parte del público como para poder respaldar la publicación de su ‘hipotético’ nuevo álbum, como Harleys in Hawaii, un tema pop de aire veraniego con influencia reggae que no pasaba más allá de ser el track 10 de un álbum. Ya en 2020 llegó Never Worn White, una insípida balada a piano en cuyo videoclip Katy desveló que estaba embarazada de su primer hijo y meses después mientras el mundo se encontraba sumido en la pandemia del coronavirus lanzó Daisies, acompañado del típico videoclip grabado en el jardín de su casa debido al confinamiento. Daisies se trataba de un tema pop con guitarras acústicas producido por The Monsters & The Strangerz que recibió mejores críticas que sus últimos temas y consiguió un desempeño moderado en las listas de venta.  

Esta misma semana, Katy Perry ha revelado que su nuevo álbum de estudio se llamará Smile, será publicado a mediados de agosto y ha desvelado su portada, en la que la cantante aparece como un payaso triste en contraposición con el alegre título del álbum, una imagen que a priori no presagia nada bueno (al igual que cuando presenciamos la horrible carátula de ‘Witness’) sobre el futuro de esta nueva era y nos hace preguntarnos si resultará tan caótica y controvertida como la anterior. En primer lugar la estética circense ha sido explotada hasta la saciedad en el mundo del pop: ejemplos memorables son ‘Circus’ de Britney Spears, ‘Funhouse’ de Pink o ‘Back To Basics’ de Christina Aguilera, y por otra parte, esta estética rompe con la imagen hippy, retro y maternal que Katy nos ha presentado en los singles Never Really Over, Small Talk y Daisies respectivamente, si es que estos temas finalmente pasan a formar parte del ‘track list’ del disco. Después de numerosos singles sin un apoyo masivo por parte del público y una estrategia promocional tan poco centrada y coherente, no sé que le deparará esta era a Katy Perry por lo que tendremos que esperar al 14 de agosto, fecha en que verá la luz Smile, para escuchar el resto del contenido del álbum.

Double Round Review: «Animal» y «Cannibal» de Kesha

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AnimalTras iniciarse en el mundo de la música haciendo coros y componiendo para otros artistas, una jovencita llamada Kesha Sebert despuntó en la escena musical gracias a su participación en el single ‘Right Round’ del rapero FloRida, el cual alcanzó el #1 en los principales mercados musicales y supuso el espaldarazo definitivo para iniciar su carrera como cantante. Kesha estuvo trabajando en su debut durante años y publicó su primer álbum, titulado Animal, el 1 de enero de 2010, inaugurando la década de la mejor manera posible. La cantante nacida en Los Angeles se rodeó de importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke (el cual le fichó en su discográfica, se convirtió en su mano derecha y fue el responsable de la mayoría de las canciones), Max Martin, Shellback, Greg Kurstin, Ammo o Benny Blanco, quienes dieron forma a un álbum encuadrado dentro del sonido electropop y dance-pop con gran uso de sintetizadores. El single presentación del álbum fue TiK ToK, un tema electropop sumamente adictivo producido por Dr. Luke en el que Kesha destacaba por su técnica sing-rap y el uso desmedido de Auto-Tune, que se convertirían en la seña de identidad de la cantante durante los primeros años de su carrera. ‘TiK ToK’ sorprendió al público por sus pegadizas letras sobre pasarlo bien, vivir la vida y no dejar que nadie te pisotee mientras que relataba un sueño en el que se despertaba siendo un importante rapero rodeado de bellas mujeres y creyéndose una estrella de la música. ‘TiK ToK’ tuvo un enorme impacto comercial: lideró las listas de venta en más de 20 países de todo el mundo y se convirtió en uno de los temas con mayores ventas digitales de la historia de la música, superando los 10 millones de copias digitales.

Tras la tremenda acogida de ‘TiK ToK’, Kesha demostró que su éxito no era flor de un día y lanzó varios singles que ocuparon nuevamente los primeros puestos en las listas de venta como Your Love Is My Drug, un pegadizo tema dance-pop y electropop en el que la cantante habla de la ruptura con su ex-pareja y la relación de dependencia que sentía hacia él y que ocupó el top 5 en la lista americana o Take It Off, un potente tema electropop y dance-pop que resultaba uno de los momentos más up-tempo y bailables del disco. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran el divertido ‘Party at a Rich Dude’s House’ en el que Kesha contaba su experiencia cuando fue a una fiesta en la casa de Paris Hilton y acabó vomitando en su armario, ‘Dancing With Tears in My Eyes’, que destaca por su uso de instrumentos en vivo como la guitarra dentro de un disco dominado por los sintetizadores o ‘Hungover’, uno de los temas co-producidos por Max Martin en el que la cantante muestra su lado más emotivo y vulnerable y resultaba uno de los momentos más calmados del álbum. Desde un primer momento Kesha destacó por su excéntrica personalidad, su imagen descuidada de ‘party girl’ y sus polémicos comentarios pero sin duda cautivó al público joven gracias a unas canciones divertidas, desenfadadas y dirigidas a las pistas de baile, además fue una de las abanderadas del sonido electropop que tan de moda estuvo a principios de la década pasada. «Animal» no contiene canciones con un profundo componente lírico, sin embargo es un álbum debut sólido y que escuchar en su totalidad sin apenas saltar ningún tema. Puntuación Animal: 8/10.

CannibalGracias al gran éxito del primer single, «Animal» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes y destacó por su alto porcentaje de ventas digitales, que superaron ampliamente las copias físicas, lo que denotaba cómo el mundo de la música estaba cambiando hacia la era digital. «Animal» terminó el 2010 con más de un millón de ejemplares vendidos en Estados Unidos. En el resto del mundo también tuvo una buena acogida comercial: fue #1 en Canadá y alcanzó el top 10 en Reino Unido, Australia o Alemania y obtuvo con unas ventas a nivel mundial de 9 millones de copias, en su mayoría de formato digital. Gracias a la buena acogida de los 4 singles lanzados, todos los cuales ocuparon el top 10 en la lista americana, «Animal» siguió obteniendo buenas ventas durante el 2010 y a finales de año fue reeditado con un segundo disco compuesto por nuevas canciones inéditas, llamado Cannibal, el cual se puso a la venta como EP independiente en tierras americanas y como parte de la reedición bajo el nombre «Animal + Cannibal» en el resto del mundo. «Cannibal» seguía la estela musical de «Animal» y está formado por 9 temas de estilo electropop en los que la cantante continuaba con su peculiar técnica sing-rap y su abuso del Auto-Tune. Kesha siguió confiando en la producción de sus habituales colaboradores Dr. Luke, Benny Blanco, Ammo y Max Martin. El single presentación de «Cannibal» fue We R Who We R, un pegadizo tema electropop de sonido futurista en el que Kesha reivindicaba su excéntrica personalidad y resultaba un himno de auto-aceptación y empoderamiento. Este tema producido por Dr. Luke recibió buenas opiniones de los expertos por su carácter desenfadado y bailable aunque también le llovieron críticas por resultar muy similar a sus anteriores singles. ‘We R Who We R’ tuvo un gran impacto comercial en Estados Unidos y se convirtió en el segundo #1 de Kesha como solista tras ‘TiK ToK’ y en el resto del mundo también tuvo una gran acogida y lideró las listas de venta en Australia o Reino Unido.

Como segundo single llegó Blow, un marchoso tema electropop y dance-pop bajo la producción de Dr. Luke y Max Martin que continuaba con su habitual temática de pasarlo bien en la pista de baile. Dentro del nuevo EP destacaban ‘Cannibal’, un original y pegadizo tema en el que la cantante admite «sus instintos asesinos y de caníbal» con los hombres que conoce o ‘Sleazy’, un tema mid-tempo electropop con influencia Hip Hop coproducido por Bangladesh que fue lanzado como sencillo promocional y tuvo un buen desempeño comercial en la lista americana. En resumen, de la misma manera que «The Fame Monster» elevó el álbum debut de Lady Gaga a otro nivel, «Cannibal» fue un todo acierto por parte de Kesha ya que aumentó la gran calidad de «Animal» con nuevos temas muy interesantes. Quizás las letras de sus canciones fueran banales y poco profundas y su voz estaba tan distorsionada por los excesivos trucos de producción que apenas podíamos escuchar la voz real de la cantante californiana, sin embargo Kesha consiguió crear un álbum divertido, alegre y que representaba a la perfección el sonido electropop que triunfaba durante aquellos años y del cual Lady Gaga y Kesha fueron las máximas representantes. Puntuación Animal + Cannibal: 8/10.

Los mejores álbumes del 2020 (1ª parte)

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El 2020 está siendo un año extremadamente inusual debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus, la cual ha afectado a todos los sectores de la economía, que se han tenido de adaptar a la profunda crisis que han provocado los meses de confinamiento y el parón de la actividad industrial. El sector del ocio ha sido uno de los más afectados y si nos centramos en la industria musical podemos afirmar que ésta ha sufrido una caída brutal en sus principales fuentes de ingresos, por todos los conciertos y festivales de música que han sido cancelados y la ausencia de ventas de discos en formato físico. Algunos artistas que tenían pensado lanzar sus álbumes durante esta primavera decidieron posponer la fecha de publicación hasta que las condiciones sanitarias «volvieran a la normalidad» y pudieran realizar promoción, mientras que otros valientes siguieron con sus planes originales y lanzaron disco pese a la extraña situación que hemos vivido, algo que es de agradecer y alabar. Aunque este año haya sido atípico desde mediados de marzo y el número de lanzamientos se haya reducido de manera considerable, hemos sido testigo de la publicación de varios álbumes muy interesantes que nos han acompañado durante los duros momentos del confinamiento. Desde el blog MiSTeR MuSiC haré un repaso de los mejores álbumes que se han lanzado durante la primera mitad de este 2020.

Chromatica4. Chromatica de Lady Gaga.

En su habitual línea de dar pena sacando a la luz enfermedades y traumas pasados, Lady Gaga se ha vendido a sí misma como una de las grandes afectadas por la pandemia del coronavirus al tener que aplazar el lanzamiento de su nuevo álbum, sin embargo no lo ha sido tanto ya que pudo haber lanzado el disco en las fechas originales sin mayor problema puesto que otros cantantes lo han hecho con gran éxito (como Dua Lipa) pese a la disminución de la promoción debido a razones obvias. Lady Gaga tenía previsto publicar su sexto disco de estudio, Chromatica el pasado 10 de abril pero decidió posponer su lanzamiento hasta que las circunstancias fueran más propicias, sin embargo en un arranque muy coherente por su parte el álbum vio la luz a finales de mayo, cuando la pandemia sacudía fuertemente a Estados Unidos, el mercado más importante para la polémica cantante. Dejando a un lado esta incoherente estrategia comercial, nos encontramos ante uno de los discos más esperados del año ya que tras su coqueteo con el Country y el pop/rock de ‘Joanne’ y su participación en la banda sonora de ‘A Star Is Born’, donde continuó con su imagen de artista seria y madura, con su nuevo álbum Lady Gaga ha regresado a sus raíces pop y ha rescatado de nuevo su imagen extravagante. Chromatica abandona las baladas dramáticas como ‘Shallow’ para centrarse exclusivamente en temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House. Aprovechando el momento nostálgico que vive el pop actualmente y al igual que Dua Lipa se inspiró en el sonido Disco de los años 70 y 80, Lady Gaga se ha influenciado del Dance y House que triunfaban en los 90 para dar forma su nuevo trabajo, que reduce el relleno al mínimo y está formado por temas dirigidos a las pistas de baile aunque la temática vaya más encaminada a mostrarnos cómo ha superado las adversidades y los duros momentos del pasado. El primer single del álbum, ‘Stupid Love’ llegó en febrero y aunque resultaba marchoso y pegadizo no dejaba de ser un tema poco arriesgado e innovador que muchos tacharon de básico y menos eficaz que sus habituales primeros singles. Tras la tibia acogida de ‘Stupid Love’ (que fue un éxito en ciertos países pero marcó mínimos en la carrera de Lady Gaga en otros importantes mercados) y coincidiendo con la publicación del álbum, la artista neoyorquina sacó todos los tanques y nos ofreció su esperada colaboración con Ariana Grande en ‘Rain On Me’, un bailable tema dance-pop y House que esta vez sí la devolvió al #1 en las listas de ventas. Chromatica contiene grandes temas que pueden pueden ser singles muy potentes como Replay, Free Woman, Fun Tonight o 911 y supera ampliamente la calidad de Joanne y Artpop, de ahí que lo considere uno de los mejores discos del año, aunque se tiene que conformar con el cuarto puesto. Puntuación: 7’5/10. 

All Monsters Are Human3. All Monsters Are Human de K. Michelle.

El 31 de enero resultó ser un día de extrema competencia en el mundo de la música ya que se produjeron numerosos lanzamientos de discos de importantes artistas como Kesha, Meghan Trainor, Louis Tomlinson o nuestra protagonista, K. Michelle. La cantante nacida en Memphis publicó su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters Are Human, que tomaba el relevo a «Kimberly: The People I Used To Know», lanzado en 2017, lo que supuso el lapso de tiempo más amplio entre disco y disco dentro de su carrera, ya que desde sus inicios en el mundo de la música se ha caracterizado por su gran agilidad al lanzar álbumes. En la actualidad K. Michelle es una de las pocas cantantes que podemos encuadrar dentro del R&B más tradicional y clásico puesto que dicho género se ha visto influenciado durante los últimos años por la música electrónica y el desmedido uso de los sintetizadores y ha perdido parte de su esencia y sus orígenes, sin embargo la cantante de Tennessee se ha mantenido fiel al R&B de los años 90 y 2000 y es una de las escasas representantes del ‘verdadero R&B’ que ha ido desapareciendo a lo largo de los años. «All Monsters Are Human» está formado por 13 temas compuestos por la propia Kimberly y destaca por el hecho de que es su primer trabajo como artista independiente tras dejar su antigua discográfica por los resultados tan mediocres que cosechó su último disco. Dentro del álbum podemos encontrar las clásicas baladas R&B/Soul por las que es conocida K. Michelle como ‘That Game’ o ‘The Worst’ además de otros originales temas como ‘Just Like Jay’, que se trata de un medio tiempo pop/R&B con cierta influencia Country o ‘Love On Me’, un animado tema pop/R&B que supone el momento más up-tempo del álbum. El primer single del álbum fue ‘Supahood’, un marchoso tema R&B/Hip-Hop con influencia Trap que contaba con la participación de las raperas City Girls y Kash Doll y donde la cantante mostraba su lado más urbano y tras él llegó ‘The Rain’, una fantástica balada mid-tempo producida por Jazze Pha que nos trae de vuelta la verdadera esencia del R&B. Tras el pequeño tropiezo que supuso su anterior disco «Kimberly: The People I Used To Know», el cual era excesivamente largo, algo aburrido y resultaba menos sólido y consistente que sus tres magníficos primeros discos, con «All Monsters Are Human» la cantante ha recuperado su habitual nivel y nos encontramos ante un trabajo de gran calidad en el que no sobra ningún tema y donde podemos disfrutar de la maravillosa voz de Kimberly y sus habilidades como compositora en las que relata todas las experiencias por las que ha pasado durante estos últimos años. Puntuación: 8/10. 

After Hours2. After Hours de The Weeknd.

Aunque The Weeknd publicó su cuarto álbum de estudio After Hours el 20 de marzo, cuando comenzaba el confinamiento en varios países europeos y la pandemia avanzaba a pasos agigantados, gran parte de la promoción del mismo se había producido los meses anteriores y los dos singles lanzados ya llevaban un tiempo en los primeros puestos de las listas de venta, por lo que su publicación en una fecha tan arriesgada no le pasó factura a las ventas del mismo. After Hours debutó en el #1 de la lista americana con más de 400 mil unidades vendidas (incluyendo más de 250 ejemplares de ventas puras, es decir en formato físico y digital) convirtiéndose en uno de los debut más importantes del año en Estados Unidos y su tercer disco #1 consecutivo. Gran parte del éxito logrado por el álbum se debió a la excepcional respuesta por parte del público de los dos primeros singles, que vieron la luz en noviembre del año pasado. Primero llegó ‘Heartless’, un enigmático medio tiempo R&B/Trap en el que el artista canadiense admitía que tras la ruptura con su ex-pareja había vuelto a su vida disoluta de soltero desalmado. Este single de sonido urbano encajaba mejor con los gustos americanos y debutó en el #1 de la lista de singles de Estados Unidos (su cuarto ‘chart topper’) sin embargo The Weeknd tenía guardado otro as en la manga de cara al mercado internacional. Un par de días después de lanzar ‘Heartless’ llegó ‘Blinding Lights’, un marchoso tema synth-pop y dance-pop de corte retro inspirado en el estilo new-wave de los años 80 y producido por el rey Midas del pop Max Martin. ‘Blinding Lights’ recuperaba el carácter up-tempo y comercial de su hit ‘Can’t Feel My Face’, recibió grandes críticas de los expertos por su naturaleza bailable, superó todas las expectativas y se ha convertido en uno de los temas más importantes de lo que llevamos de año. ‘Blinding Lights’ sigue liderando actualmente la lista de singles más vendidos a nivel mundial y ha alcanzado el #1 en más de 20 países incluyendo Estados Unidos, Australia, Francia, Alemania, Reino Unido o España. El tercer single, ‘In Your Eyes’, llegó una semana después del lanzamiento del álbum y se trataba de otro marchoso tema synth-pop de sonido retro influenciado por la música Disco. «After Hours» combina las dos facetas musicales que posee el cantante: por una parte el R&B alternativo con influencia Trap al que estamos acostumbrados los seguidores originales de The Weeknd y por otra el sonido dance-pop y synth-pop a través de temas más comerciales de carácter up-tempo con los que amplió su popularidad y conquistó a un público masivo. Aunque con su anterior álbum «Starboy» The Weeknd había puesto el listón muy alto, «After Hours» sigue manteniendo su gran calidad y por ello ocupa la medalla de plata en este repaso a los mejores álbumes lanzados durante la primera mitad del 2020. Puntuación: 8/10.

Future Nostalgia1. Future Nostalgia de Dua Lipa.

Una de las artistas que más se ha visto afectada por la inusual situación que vivimos ha sido sin duda Dua Lipa, la cual tenía pensado lanzar su esperado segundo álbum de estudio a principios del mes de abril, pero debido a la filtración de todo su contenido en internet su discográfica decidió adelantar una semana su publicación y finalmente vio la luz el 27 de marzo, cuando el coronavirus estaba en su peor momento en Europa y muchos de los países cerraban fronteras para detener la pandemia. A través de sus redes sociales, una Dua Lipa rota y llorando comunicaba a sus seguidores que el álbum se iba a publicar una semana antes de lo previsto en pleno inicio de la pandemia, pero lo que no sabía en ese momento es que Future Nostalgia se beneficiaría en gran medida de ser una de las pocas artistas que lanzaba nueva música durante aquellas fechas. «Future Nostalgia» debutó en el #2 de la lista británica casi empatada en cifras con el grupo 5 Seconds of Summer, quienes consiguieron llevarse el gato al agua, sin embargo gracias al alto nivel de streaming en su segunda semana a la venta ascendió al #1 convirtiéndose en el primer disco de la cantante de ascendencia albanesa que conseguía llegar al puesto de honor en Reino Unido. En el resto del mundo Future Nostalgia fue un auténtico éxito y ocupó el top 5 en todos los mercados importantes incluyendo Estados Unidos, donde alcanzó el #4, su mejor posición hasta la fecha. El segundo álbum de estudio de Dua Lipa se alejaba del EDM (Electronic Dance Music) y el Tropical House de su primer álbum para profundizar en un sonido Disco, dance-pop y electropop inspirado en la música de baile de los años 80 y 90 de artistas como Kylie Minogue o Madonna. «Future Nostalgia» es un álbum muy breve de sólo 11 canciones y apenas media hora de duración pero no contiene ningún relleno y está formado por temas up-tempo de corte retro con el objetivo de sonar atemporal y fuera de las modas imperantes. «Future Nostalgia» fue aclamado por la crítica por su carácter bailable y desenfadado y se ha convertido en uno de los discos con mejores críticas de lo que llevamos de año. «Future Nostalgia» se merece el puesto de honor en este repaso a los mejores álbumes lanzados hasta la fecha ya que incluye joyas pop como los tres primeros singles, ‘Don’t Start Now’, Physical o Break My Heart y otras canciones tan interesantes como ‘Love Again’ o ‘Levitating’ que tienen todas las papeletas para ser futuros singles por su gran calidad. Puntuación: 8/10.