La nueva sensación del Hip Hop femenino es Cardi B,una joven rapera que ha ganado gran reconocimiento en los últimos meses debido a su continua presencia en las redes sociales y en los medios de comunicación, aunque su participación en 2015 en el reality-show «Love & Hip Hop: New York» fue clave para afianzar su popularidad. Cardi B tiene ascendencia de Trinidad por parte de madre y dominicana por parte de padre, y nació en el neoyorquino barrio del Bronx, donde se respira Rap por los cuatro costados, por ello no sorprende la gran cantidad de artistas de Hip Hop procedentes de este famoso barrio. Cardi B (cuyo nombre artístico proviene de su apodo de la infancia, Bacardi) fue bailarina exótica antes de debutar en el mundo de la música, aunque empezó a ser conocida por sus polémicos videos en internet convirtiéndose rápidamente en una celebridad en la red. Cardi B lanzó en 2016 su mixtape «Gangsta Bitch Music», el cual tuvo buena acogida dentro del circuito del Rap, gracias a su gran presencia en las redes sociales y a su participación en el famoso reality-show, que narra las vidas de varias mujeres relacionadas con el mundo del Hip Hop. Cardi B todavía no ha cumplido los 25 años y con su primer single oficial ha logrado igualar a Nicki Minaj como la rapera que ha ocupado la mejor posición en la lista americana de singles sin ninguna colaboración, ya que su single debut, Bodak Yellow, ha alcanzado el #2 en la lista Billboard y el #1 en el componente Hip Hop de dicha lista, lo cual puede considerarse un gran logro para una recién llegada al mundo de la música. En la letra de Bodak Yellow, Cardi B habla de su pasado como stripper y la relación abusiva que sufrió por parte de su ex-novio, y cómo afronta su carrera como artista de Rap. Este tema Hip Hop con influencia del sonido Trap guarda similitudes con No Frauds de Nicki Minaj, y ha recibido buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus habilidades como rapera y su flow. El estilo de rapear de Cardi B podemos compararlo con los iconos del Rap femenino Foxy Brown y Lil’ Kim, con las que comparte muchas similitudes como su actitud sin pelos en la lengua, sus letras muy explícitas y su provocativa imagen, aunque ha declarado que su gran inspiración fue la legendaria Missy Elliott. Estaremos muy pendientes de esta joven promesa del Hip Hop que puede convertirse en la gran rival de Nicki Minaj y desbancarla como la rapera femenina del momento, ya que aunque Nicki sigue estando omnipresente en las listas de venta por sus múltiples colaboraciones, desde marzo que no lanza música propia y esta más centrada en su faceta de modelo y empresaria, lo cual puede aprovechar Cardi B para ganar posiciones dentro del Hip Hop femenino.
Love So Soft
La cantante americana y ganadora de la primera edición de American Idol Kelly Clarkson publicó en 2015 su último disco de estudio, Piece By Piece, el cual debutó en el #1 de la lista americana de álbumes y contó con los hit singles Heartbeat Song y Piece By Piece. Para este álbum, Kelly abandonó su estilo musical habitual, el pop/rock acompañado de potentes y enérgicos temas up-tempo para adoptar un sonido pop más convencional con canciones melódicas acompañadas de orquesta además de varios temas de estilo electropop. En este 2017, Kelly Clarkson ha vuelto a sorprendernos con otro cambio de registro para demostrar que es una artista versátil y se adapta a diferentes géneros musicales, demostrando porqué es una de las cantantes más talentosas del panorama musical, pero también es una artista muy querida por el público americano, ya que a pesar del éxito que ha conseguido y los millones de fans que posee en todo el mundo, sigue siendo una persona cercana con el púbico, humilde y la típica «girl next door». Para su nuevo trabajo discográfico, Meaning of Life, el octavo de su trayectoria profesional, Kelly ha decidido dar un nuevo cambio musical y ha optado por un pop con gran influencia del Soul y el R&B más clásico. Kelly ha declarado que este es el álbum que siempre ha querido lanzar y el que todos esperaban cuando ganó el concurso American Idol y emprendió su carrera como solista. El single presentación del álbum es Love So Soft, un marchoso tema pop con gran influencia del estilo Motown y Soul que se adapta perfectamente a la potente voz de Kelly y sus matices negros. Este tema, producido por Jesse Shatkin, nos trae de vuelta a la Kelly de la era «Thankful», su disco debut, y a temas como Miss Independent, con el que comparte algunas similitudes, aunque Love So Soft tiene un toque más retro. Este tema también guarda cierto parecido a Rumor Has It, de Adele, y nos recuerda al estilo retro de Meghan Trainor, lo cual es una buena noticia, ya que es el tipo de música que necesitamos en la actualidad para dejar a un lado la corriente electrónica que inunda las radios actualmente. Este single está acompañado por un gran videoclip en el que vemos a Kelly como una auténtica diva del Soul, en el que quizás es el videoclip más espectacular de su carrera musical. Sin duda Love So Soft es una de las mejores canciones de la temporada y estaremos muy atentos al nuevo álbum de Kelly, que se pone a la venta en el mes de octubre y promete ser uno de los más interesantes de este otoño.
Crítica de «Rainbow» de Kesha
Tras un largo periodo de tiempo apartada del mundo de la música, aunque no de los medios de comunicación ya que su vida personal y profesional ha estado muy expuesta debido al publicitado enfrentamiento con su antiguo productor Dr. Luke, la cantante americana Kesha ha regresado este año con su tercer álbum de estudio, titulado Rainbow, que se puso a la venta el pasado mes de agosto. Gracias a las buenas críticas recibidas por los temas que hemos podido escuchar hasta el momento y al apoyo masivo por parte del público en su conflicto con Dr. Luke, «Rainbow» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el segundo trabajo discográfico de Kesha que llega a lo más alto de Billboard tras Animal, el debut de la cantante. Su anterior álbum Warrior fue #4 en la lista de ventas de Estados Unidos y obtuvo unas ventas significativamente más bajas que las de «Animal», aunque hay que tener en cuenta que Kesha siempre se ha caracterizado por ser una artista que vende más singles que discos. En el resto del mundo, «Rainbow» también ha recibido una gran respuesta comercial y ha ocupado buenas posiciones en las listas de venta, destacando el #1 en Canadá y el top 5 en Reino Unido o Australia. «Rainbow» supone un cambio radical en el estilo musical de Kesha con respecto a sus dos álbumes predecesores, los cuales estaban encuadrados en el electropop y el dance-pop (con una ligera influencia rock en «Warrior») y compuestos por marchosos y bailables temas up-tempo, sin embargo para este nuevo álbum, la cantante ha dejado atrás los sintetizadores y el abuso del Auto-Tune para dar forma a un álbum más orgánico e instrumental y encuadrado en el pop con influencias pop/rock, Country y folk. El cambio de estilo musical no ha sido el único punto de divergencia con respecto a los anteriores discos de Kesha, ya que la cantante ha dejado atrás su imagen de ‘party girl’ y sus habituales letras acerca de salir de fiesta y pasarlo bien para adoptar en este álbum un mensaje feminista, inspirador y de empoderamiento, con letras más emotivas y profundas que reflejan todos los acontecimientos que ha vivido Kesha en los últimos años.
El single presentación del álbum ha sido Praying, y desde el momento que lo escuchamos nos sorprendió por la enorme diferencia con respecto a los primeros singles de Kesha, ya que en este caso se trataba de una emotiva balada pop con influencia Soul y Gospel que recibió grandes críticas por su inspirador mensaje y su voz, que aparece más clara y nítida que nunca debido a la ausencia de Auto-Tune. Aparte de este single, Kesha lanzó varios sencillos y videoclips promocionales de otras canciones para mostrar la variedad de estilos que existían dentro del álbum, entre los que se encuentran el marchoso tema Woman, compuesto como respuesta a las famosas declaraciones misóginas de Donald Trump y que es un auténtico himno feminista, o Learn To Let Go, que contiene un mensaje de superar los problemas y obstáculos que se te presentan en la vida (en referencia a su batalla legal contra Dr. Luke), y resulta un tema recurrente en varias de las canciones del disco.
Desde que Kesha irrumpió en el mundo de la música, algunos supimos que su imagen alocada y extravagante desaparecería con los años y su evolución natural sería convertirse en una cantante Country (debido a la influencia que este tipo de música ha tenido en Kesha al haber vivido en Nashville, la cuna de este género musical) o encuadrada en un estilo más adulto, por ello no nos ha sorprendido que la cantante haya madurado y su música haya evolucionado hacia un sonido pop más convencional. En resumen, aunque Rainbow suponga su trabajo más maduro y sobrio hasta la fecha y en él muestre su verdadera personalidad, en mi opinión prefiero «Animal» (en concreto la re-edición Animal + Cannibal), que se trataba de un disco más divertido, bailable y lleno de pegadizas canciones con las que bailar y pasarlo bien, ya que como ‘party girl’ Kesha cumplía perfectamente. Puntuación: 7/10.
Crítica de «Back 2 Life» de LeToya
LeToya Luckett saltó a la fama por ser una de las componentes originales del famoso grupo femenino de R&B Destiny’s Child, del cual formó parte durante 3 años y participó en sus dos primeros álbumes, hasta que abandonó la formación en el año 2000 junto a LaTavia, otra de las componentes fundadoras, debido a diferencias con el manager de Destiny’s Chlid y padre de Beyoncé. Tras un fallido intento de crear otro grupo junto a su compañera LaTavia, LeToya hizo su debut en solitario en el año 2006 con el álbum de título homónimo, el cual recibió buenas críticas de los expertos musicales y tuvo un moderado éxito en Estados Unidos, gracias a la gran acogida que recibió el single presentación del álbum, Torn, que fue #2 en la componente R&B/Hip-Hop de Billboard y tuvo una gran rotación en las radios americanas. El álbum LeToya debutó en lo más alto de la lista americana, vendió más de medio millón de ejemplares en Estados Unidos y fue certificado platino. Cabe destacar que el resultado comercial de este álbum en Estados Unidos superó el de su ex-compañera Kelly Rowland, quien también debutó en solitario unos años antes y no logró el #1 que sí consiguió LeToya. Este álbum nos permitió descubrir a la verdadera LeToya, quien durante su etapa en Destiny’s Child pasó desapercibida debido al excesivo protagonismo de Beyoncé, la vocalista principal y Kelly, que también tenía una importante presencia en las canciones del grupo. Sin embargo gracias a ‘Torn’ y otras canciones de su álbum debut descubrimos que LeToya no era una mera comparsa de Beyoncé, sino que tenía una gran voz, componía sus propias canciones y era una artista versátil y talentosa que podía triunfar en solitario. Tras hacer sus pinitos como actriz y desarrollar su faceta de empresaria abriendo varias boutiques de ropa en su Houston natal, la cantante regresó en 2009 con su segundo álbum de estudio, llamado Lady Love. Este álbum debutó en el #12 de la lista americana, fue menos exitoso que el anterior y no logró tanta repercusión a pesar de la gran calidad que tenían tanto el álbum como los singles lanzados: ‘Not Anymore’, ‘She Ain’t Got…’ y ‘Regret’, siendo éste último el único single que consiguió entrar en la lista Billboard. Mientras que LeToya era un disco R&B con gran influencia del Hip-Hop (en concreto el Southern Hip-Hop debido a la procedencia de la cantante), su segundo álbum estaba más encuadrado en el R&B tradicional y el Soul y no contaba apenas con presencia de artistas del mundo del Rap.
Tras un largo periodo de tiempo apartada del mundo de la música durante el cual no hemos sabido apenas nada de ella, en 2017 LeToya regresó con su esperado tercer álbum de estudio, titulado Back 2 Life, cuya grabación empezó en 2012 y su lanzamiento fue retrasado en múltiples ocasiones. Este álbum, que originalmente iba a llamarse «Until Then», está formado por 13 canciones, en su mayoría compuestas por la propia cantante, cuenta con la producción de D’Mile, Warryn Campbell y Andre Harris (la mitad del dúo de productores Dre & Vidal) y se trata del primer álbum de LeToya publicado de manera independiente. Después de varios sencillos promocionales que pasaron desapercibidos, LeToya lanzó en diciembre del año pasado el primer single oficial, titulado Back 2 Life, de idéntico título que el álbum. Se trata de un medio tiempo R&B de moderna producción en el que la cantante habla de una relación tóxica que resultó muy dolorosa para ella, tema recurrente en el álbum ya que LeToya se divorció de su marido durante la grabación del álbum. Este tema no logró llamar la atención del público y no consiguió entrar en la lista americana Billboard, algo que tampoco consiguieron los siguientes singles, Used To e In The Name, un inspirador tema mid-tempo encuadrado en el R&B/Soul más tradicional y que resulta uno de los temas más interesantes del álbum. El objetivo de LeToya con este álbum era recuperar el sonido R&B de los años 90, cuando este género pasaba por sus mejores momentos y se hacía música real y con sentimiento. Entre los temas que nos devuelven a esta época se encuentran ‘I’m Ready’ o ‘Grey’, un medio tiempo R&B que cuenta con la única colaboración del álbum, en concreto el rapero Ludacris.
El resultado comercial de este álbum ha sido muy negativo, convirtiéndose en uno de los mayores fracasos del 2016 dentro del género R&B y resultando una gran decepción para LeToya, quien ha trabajado en este álbum durante años. «Back 2 Life» es el ejemplo perfecto de la escasa viabilidad comercial que tiene el género R&B en la actualidad, ya que la dramática situación que vive la industria musical desde hace una década debido a la escasez de ventas de CD’s físicos unido al mínimo interés que despiertan para el público joven la música R&B/Soul convencional ha hecho que los artistas de este género que triunfaban durante la década del 2000, como Brandy, Monica, Ashanti, Keyshia Cole o nuestra protagonista LeToya, hayan pasado por una espiral decreciente en su éxito comercial y sus últimos trabajos hayan resultado sonados fracasos. Dejando a un lado el aspecto comercial, «Back 2 Life» supone un paso hacia atrás con respecto a trabajos tan interesantes como «Lady Love» o «LeToya», ya que resulta más monótono y no cuenta con canciones llamativas o distintivas. Puntuación: 6/10.
Crítica de «Piece By Piece» de Kelly Clarkson
La cantante americana Kelly Clarkson publicó en el año 2011 su quinto álbum de estudio, «Stronger» y gracias al éxito de los dos primeros singles, ‘Mr. Know It All’ y ‘Stronger (What Doesn’t Kill You)’, el álbum tuvo un desempeño comercial en los principales mercados musicales, como Estados Unidos, donde alcanzó el #2 y fue certificado platino por unas ventas superiores al millón de ejemplares o en Australia, Canadá y Reino Unido, donde fue top 5. Este álbum recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales por su moderno sonido pop/rock, sus enérgicos temas y las excelentes habilidades vocales de Kelly. Tras el éxito de «Stronger», el cual se convirtió en su tercer disco más vendido tras «Thankful» y Breakaway, la cantante texana publicó «Greatest Hits – Chapter One», un álbum recopilatorio que reunía sus temas más famosos y un disco navideño llamado «Wrapped In Red». Cuando terminaron sus compromisos laborales, Kelly se centró en su vida laboral y fue madre de una niña, fruto de la relación con Brandon Blackstock, su marido e hijo de su manager. En 2015, la cantante regresó al panorama musical con su séptimo álbum de estudio, Piece By Piece, que debutó en lo más alto de la lista americana y consiguió su tercer álbum #1 en Estados Unidos, tras «Thankful» y «All I Ever Wanted», aunque con unas ventas notoriamente más bajas. Este álbum destaca por el hecho de que Kelly abandona en cierta manera su habitual estilo pop/rock y el uso prominente de guitarra eléctrica a través de enérgicos temas up-tempo para adoptar un pop más convencional (con el acompañamiento orquestal en la mayoría de los temas) y electropop en forma de medios tiempos y baladas. «Piece By Piece» está producido en su mayoría por Greg Kurstin, responsable del hit ‘Stronger’, además de Jesse Shatkin o Jason Halbert y de los 16 temas presentes en la versión deluxe del álbum, 5 de ellos están compuestos por la propia Kelly Clarkson.
El single presentación del álbum fue Heartbeat Song, un marchoso tema electropop y dance-pop producido por Greg Kurstin que guarda cierta similitud con otros enérgicos temas de la cantante como ‘Stronger (What Doesn’t Kill You)’ o ‘Catch My Breath’ y marca la perfecta transición entre las canciones presentes en el álbum «Stronger» y el nuevo álbum. ‘Heartbeat Song’ destaca por ser uno de los temas más up-tempo dentro de un álbum que contiene en su mayoría medios tiempos y baladas y recibió una moderada acogida en las listas de venta ya que únicamente alcanzó el top 30 en Estados Unidos y Canadá y obtuvo su mejor posición en Reino Unido, donde fue top 10. El segundo single lanzado fue Invincible, un tema mid-tempo de estilo synth-pop compuesto por Sia y producido por Jesse Shatkin que recibió buenas críticas por el carácter inspirador y de empoderamiento presente en sus letras, sin embargo debido a su escasa promoción no consiguió buena posiciones en las listas de venta y acabó siendo uno de los singles menos exitosos de la cantante. El álbum vivió una segunda juventud durante la promoción del tercer single, Piece By Piece, ya que Kelly Clarkson hizo una aparición en el programa que le vio triunfar, American Idol, donde realizó una rendición de dicha canción y recibió una tremenda ovación del público y como consecuencia de tan emotivo momento, el single alcanzó el #8 en la lista americana, convirtiéndose en el primer y único single top 10 del disco. El tema que da título al álbum originalmente se trataba de un medio tiempo electropop pero la versión que Kelly cantó en American Idol se transformó en una sentida balada y gracias al gran recibimiento que tuvo la actuación fue lanzada esta versión del tema, denominada ‘Idol version’.
Entre los temas más destacados del álbum se encuentran la versión del tema ‘Run Run Run’ de Tokio Hotel y que se trata de una emotiva balada a piano que cuenta con la participación del cantante John Legend, ‘Nostalgic’, un bailable tema electropop compuesto por Justin Tranter con gran uso de sintetizadores e influenciado de la música de los 80, ‘Dance With Me’, un marchoso tema dance-pop y pop/rock que cuenta con un uso prominente uso de guitarras eléctricas y resulta uno de los más up-tempo del álbum o ‘Bad Reputation’, perteneciente a la edición deluxe y que se trata de un original tema mid-tempo que combina pop/rock con sonido funk/R&B y recuerda al tema ‘Miss Independent’ de su primer disco. En resumen, aunque contiene algunos temas interesantes y podemos seguir deleitándonos con las impresionantes habilidades vocales de Kelly Clarkson, «Piece By Piece» resulta el álbum más flojo de su carrera musical y palidece especialmente si lo comparamos con álbumes tan sólidos como «Breakaway» o «Stronger». Puntuación: 6’5/10.
Crítica de «The Woman in Me» de Shania Twain
La cantante canadiense Eilleen Edwards, más conocida en el mundo de la música como Shania Twain, hizo su debut en el mundo de la música en el año 1993 con el álbum de título homónimo, el cual a pesar de que no tuvo una buena acogida cuando se publicó, tras el tremendo éxito que consiguió la cantante años más tarde, hizo que sus fans se interesaran por dicho álbum y acabó siendo certificado platino en Estados Unidos por ventas superiores al millón de copias. Shania Twain, nacida en Timmins (Ontario) siempre fue una gran seguidora de la música Country y tras hacer coros para otros cantantes y actuar en pequeños bares fue descubierta y llevada a Nashville, la cuna del Country, para grabar el que sería su primer álbum de estudio, el cual apenas tuvo input por parte de Shania ya que no compuso ninguna canción ni tuvo poder de decisión. Tras escuchar demos de sus canciones y verla actuar, el famoso productor y compositor Robert «Mutt» Lange se fijó en aquella talentosa joven de gran voz y decidió grabar canciones junto a ella. En poco tiempo se hicieron grandes amigos y acabaron casándose a finales de 1993. En el año 1995 se publicó el segundo álbum de estudio de Shania Twain, titulado The Woman in Me, el primero en el que participó activamente en la composición de las canciones, ya que fue la autora de todos los temas con la excepción de uno. Tras el excepcional recibimiento de los singles lanzados (un total de 8, todo un récord para una cantante Country por aquellos años) en las listas de venta, el álbum acabó vendiendo más de 4 millones de copias en Estados Unidos, siendo certificado disco de diamante por 12 millones de ejemplares distribuidos en aquel país. Aun cuando el género Country no era muy popular fuera de Norteamérica, «The Woman In Me» tuvo un buen recibimiento en Australia y Europa, alcanzó el top 10 en Reino Unido y acabó vendiendo 12 millones de copias a nivel mundial, convirtiendo a Shania en la primera cantante Country en lograr un disco de diamante, algo que se repetiría con sus dos siguientes álbumes, «Come On Over» y «Up!».
El primer single del álbum fue Whose Bed Have Your Boots Been Under?, un animado tema Country-pop en el que Shania confronta a su pareja sobre sus infidelidades y que resultaba el sencillo perfecto para presentar el disco debido a su naturaleza desenfadada. Este tema tuvo un buena acogida por parte del público norteamericano y alcanzó el #1 en Canadá, pero fue el segundo single, Any Man of Mine, con el que consiguió su primer hit #1 en la lista Country de Billboard, además de ser el primer single crossover de Shania y conseguir su mejor posición en lista americana de singles. Este tema Country-pop habla de las cualidades que busca la cantante en un hombre y ganó un premio Grammy al mejor single Country del año. ‘Any Man of Mine’ es una de las mejores canciones dentro del repertorio de Shania y se ha convertido en un clásico a lo largo de los años en los conciertos de la cantante y un favorito entre sus fans. Tras dos singles muy marchosos y bailables, la cantante mostró su lado más romántico y sensible con la preciosa balada The Woman in Me (Needs The Man In You), la cual demostraba que Shania es una talentosa vocalista y una gran compositora.
Para mantener su audiencia Country y atraer a un nuevo público, Shania y Lange trabajaron en un sonido que mezclara el pop/rock internacional con auténtico sonido Country y lo consiguieron perfectamente, ya que algunos de los singles fueron ‘crossover’, consiguieron traspasar las fronteras y tuvieron un moderado rendimiento en Europa y Australia. Un ejemplo de ello fueron los siguientes singles, (If You’re Not In It For Love) I’m Outta Here!, un poderoso tema Country-rock en el que Shania le advierte a su pretendiente que si no busca una relación seria no será suya y consiguió de nuevo ser un hit #1 en las listas Country y el primer éxito de la cantante en Australia o You Win My Love, el único tema no compuesto por Shania del disco, que se trataba de una marchosa canción de amor con gran influencia pop/rock que poseía el atractivo y potencial para encajar en el mercado internacional, y se convirtió en el tercer single #1 del álbum en la lista Country de Billboard. Otras de las canciones más destacadas del disco son No One Needs to Know, un bonito tema mid-tempo Country-pop que también consiguió ser #1 en las listas Country o el último single lanzado del disco, la emotiva balada ‘God Bless The Child’, dedicada a los padres de la cantante que fallecieron en un accidente de coche, cantada a capella y que cuenta con gran influencia de la música Gospel.
«The Woman In Me» se convirtió en el primer gran éxito de Shania Twain, aunque no logró la excepcional acogida que conseguiría su siguiente trabajo discográfico, «Come On Over» (su verdadero álbum ‘crossover’), con el que triunfó en todo el mundo. «The Woman In Me» resume perfectamente el espíritu Country: contiene una cuidada producción, una rica instrumentación y cuenta con la gran voz de Shania. Este álbum contiene un perfecto compendio de enérgicos temas de carácter bailable y emotivas baladas en las que la cantante canadiense muestra su lado más vulnerable. Además puede presumir de albergar 4 de sus singles más clásicos y famosos, los cuales han estado presentes en todas las giras de conciertos de Shania Twain y se encuentran entre los temas favoritos de sus más leales seguidores. Temas imprescindibles: Any Man of Mine, I’m Outta Here!, Whose Bed Have Your Boots Been Under?, You Win My Love y No One Needs to Know. Puntuación: 8/10.
Crítica del álbum «Fifth Harmony»
Fifth Harmony es el tercer álbum estudio del grupo de idéntico nombre, pero se trata del primer trabajo discográfico tras el abandono en diciembre del año pasado de Camila Cabello, una de las componentes más carismáticas de la famosa formación. Los seguidores de Fifth Harmony todavía no se han recuperado de la marcha de Camila y el grupo pasa por sus horas más bajas en cuanto a popularidad por el escaso interés que despierta su música, ya que sus últimos singles no han logrado buena acogida en las listas de venta, algo que no ocurría años atrás cuando eran el grupo femenino más importante del momento. A las chicas de Fifth Harmony les han salido unas duras competidoras, las británicas Little Mix, que están arrasando en Europa y tanto sus singles como su último álbum gozan de gran éxito. Muchas expectativas estaban puestas en el primer single de Fifth Harmony sin Camila, ya que sus seguidores estaban deseosos por escuchar cómo sonaba la nueva música del grupo y observar el cambio de dirección musical que podrían tomar. El single presentación del álbum ha sido Down, un tema pop/R&B con melodía a base de sintetizadores que cuenta con la colaboración del rapero Gucci Mane y en el que las chicas relatan lo que necesitan dentro de una relación amorosa, sin embargo también habla de las adversidades que han superado las componentes tanto individualmente como dentro el grupo. Es evidente que ‘Down’ sigue el patrón de ‘Work From Home’ aunque tiene menos gancho y no resulta tan pegadizo. Tras la moderada acogida de ‘Down’, que apenas ocupó el top 50 en la lista americana, Fifth Harmony decidieron lanzar un sencillo promocional antes de la llegada del álbum y del segundo single oficial, al igual que hicieron con su anterior trabajo. Me refiero a Angel, un tema de naturaleza más oscura y menos comercial que ‘Down’, que cuenta con influencias del Hip Hop y el Trap y en el que las componentes cantan de una manera cercana al rap acerca de una relación romántica basada en expectativas poco realistas.
Coincidiendo con el lanzamiento de «Fifth Harmony» se ha lanzado el segundo single oficial del álbum, He Like That, que se trata de un tema mid-tempo R&B con influencia reggae y Hip Hop producido por Ammo que contiene una interpolación del famoso tema ‘Pumps and a Bump’ de MC Hammer y en el que las chicas muestran su lado más sexy y provocativo mientras ligan con un hombre. El álbum está formado por 10 temas, 5 de ellos compuestos por las chicas de Fifth Harmony y cuenta con la producción de Ammo, The Monsters and The Strangerz, Ian Kirkpatrick, The Stereotypes o Harmony Samuels entre otros, dejando a un lado al dúo noruego Stargate, responsables de la mayor parte de su anterior álbum. «Fifth Harmony» está encuadrado dentro del pop/R&B al igual que sus anteriores trabajos, sin embargo encontramos influencias del sonido electropop, Hip Hop, Trap o Tropical House y destaca por contener menos canciones up-tempo que los dos anteriores álbumes del grupo ya que está compuesto en su mayoría por temas de carácter mid-tempo.
Dentro del álbum destacan ‘Sauced Up’, un pegadizo tema electropop con influencia del Tropical House producido por Harmony Samuels que habla de la socializar en una fiesta, ‘Deliver’, un tema mid-tempo R&B de sonido retro que recuerda al estilo de Destiny’s Child o ‘Don’t Say You Love Me’, de influencia Tropical House y que muestra el lado más vulnerable y melancólico de las componentes del grupo, que reprochan a su pareja su falta de compromiso y afecto dentro de la relación. En definitiva, «Fifth Harmony» resulta menos bailable, comercial y pegadizo que sus anteriores álbumes y engancha menos en sus primeras escuchas, sin embargo en su conjunto resulta más cohesivo y coherente, ya que no mezcla tantos estilos diferentes y muestra un lado más maduro por parte del cuarteto. Personalmente lo encuentro inferior a «7/27» y sobretodo a «Reflection», su álbum debut y el mejor trabajo de su carrera, pero no es un álbum de baja calidad en absoluto ya que contiene varias canciones interesantes. Temas imprescindibles: Down, He Like That, Don’t Say You Love Me, Deliver y Sauced Up. Puntuación: 7/10.
Crítica de «The Truth About Love» de Pink
En el año 2010, Pink publicó un álbum de grandes éxitos que incluía sus singles más famosos lanzados durante la década anterior, en la que fue una de las artistas pop más importantes y exitosas. Tras ser madre de una niña fruto de su relación con el motociclista Carey Hart, la cantante americana regresó en 2012 con su sexto álbum de estudio, titulado The Truth About Love y en el que no sólo aborda las diferentes perspectivas del amor y la turbulenta relación con su pareja, sino también otros temas como el empoderamiento femenino o la exclusión social. Pink dejó el listón muy alto con su último álbum de estudio, Funhouse, el cual recibió buenas críticas de los expertos musicales, obtuvo ventas millonarias y contó con los hit singles ‘So What’, ‘Sober’ o ‘Please Don’t Leave’, por lo que la cantante tenía un reto muy importante con este disco, sin embargo superó todas las expectativas y nos regaló posiblemente su trabajo más maduro y consistente hasta la fecha. «The Truth About Love» está formado por 13 temas encuadrados dentro del pop/rock con ciertos elementos electropop y dance-pop, compuestos por la propia Alecia Moore bajo la producción de Greg Kurstin, Billy Mann, Jeff Bhasker, Butch Walker o Max Martin entre otros. Este álbum es uno de los más personales de la carrera de Pink, ya que relata episodios ocurridos en la tumultuosa relación con su pareja y explora temas como la monogamia, el sexo o la confianza dentro de una relación. «The Truth About Love» lideró las listas de ventas de Australia, Canadá o Alemania, destacó por el hecho de que consiguió su primer #1 en Estados Unidos y acabó vendiendo más de 7 millones de copias en todo el mundo gracias a la magnífica acogida de los sencillos lanzados. El single presentación del álbum fue Blow Me (One Last Kiss), un marchoso tema electropop y pop/rock producido por Greg Kurstin que resulta un auténtico himno de desamor tras una ruptura sentimental. ‘Blow Me (One Last Kiss)’ tuvo un desempeño comercial muy positivo y alcanzó el #1 en Australia y ocupó el top 5 en Estados Unidos y Reino Unido.
La cantante de Pennsylvania siguió el mismo patrón que con sus últimos trabajos y tras un explosivo primer single llegó un tema más profundo y emotivo, en este caso Try, que se trata de un tema mid-tempo pop/rock cuyas letras hablan de tomar riesgos con el amor sin importar las consecuencias. ‘Try’ suponía uno de los puntos fuertes del álbum tanto por su composición como por la producción y la voz de la cantante. Como suele ocurrir habitualmente con Pink, la elección del tercer single escondía uno de los tesoros del álbum. Me refiero a Just Give Me a Reason, una preciosa balada pop a dúo con el cantante Nate Ruess que habla de una relación que se está desmoronando y mientras que uno de los dos comienza a dejar de sentir amor, el otro piensa que tan sólo es una mala racha y se aferra a sus sentimientos. ‘Just Give Me a Reason’ resultó un tremendo éxito en las listas de venta y alcanzó el #1 en Australia, Canadá, Alemania o Estados Unidos (su cuarto single ‘chart topper’), convirtiéndose en el single más exitoso de la cantante hasta la fecha. El cuarto single lanzado fue True Love, un tema pop/rock con influencia ska que cuenta con la participación de Lily Allen y destaca por su tono humorístico y sus divertidas letras en las que Pink le declara su amor a su marido aunque a veces tenga ganas de agarrarle del cuello, convirtiéndose en un himno del amor disfuncional. De manera limitada se lanzó como sencillo promocional ‘Walk of Shame’, un enérgico tema pop/rock con influencias electropop y New Wave producido por Greg Kurstin que habla sobre la vergüenza y el arrepentimiento que se siente después de una relación de una noche.
Dentro de «The Truth About Love» destacan ‘Are We All We Are’, una canción protesta y de auto-empoderamiento cuyas letras hacen referencia a la desigualdad económica, ‘Slut Like You’, un himno feminista que habla del cambio de roles y supone la única contribución de Max Martin al álbum, ‘Here Comes the Weekend’, con influencia Hip Hop y que cuenta con la participación del rapero Eminem o ‘Where Did the Beat Go?’, con cierto aroma R&B y en el que Pink muestra su lado vulnerable relatando una relación que se desmorona y en la que ya no se siente deseada. A lo largo de su extensa carrera, Pink ha demostrado que es capaz de ofrecernos trabajos muy consistentes y «The Truth About Love» es un ejemplo de ello, ya que se encuentra entre los mejores álbumes de su discografía gracias a su sólido conjunto de canciones, su excelente selección de singles y sus personales letras sobre el amor y las relaciones monógamas. Temas imprescindibles: Blow Me (One Last Kiss), Try, Just Give Me a Reason, Where Did the Beat Go?, Walk of Shame, Are We All We Are y Slut Like You. Puntuación: 8/10.
Throwback Review: «The Best of Baccara»
Baccara es un dúo español formado por Mayte Mateos y María Mendiola que triunfò a finales de los años 70 y en los 80 en toda Europa, y aunque sólo publicaron cuatro álbumes de estudio, su carrera musical ha durado décadas contando únicamente con un puñado de éxitos. Baccara comenzaron como bailarinas de flamenco y cantando para los turistas en hoteles durante el verano, pero más tarde fueron descubiertas y fichadas por una discográfica. María y Mayte fueron pioneras cantando en inglés ya que hasta entonces los cantantes y grupos españoles no solían cantar en este idioma debido a que durante esos años la mayor parte de la sociedad no hablaba inglés, sin embargo el famoso dúo inició una tendencia que siguieron muchos artistas desde entonces. A pesar de que su pronunciación era discutible, Baccara tienen gran mérito por cantar en inglés en una época en la que no era habitual cantar en dicho idioma (además de resultar muy exótico por entonces), pero aparte de en inglés, también grabaron canciones en español y francés. Su primer single fue Yes Sir, I Can Boogie, un pegadizo tema de estilo Disco lanzado en 1977 que conquistó no sólo al público español sino al europeo, ya que lograron el #1 en países como Gran Bretaña, Suecia, Alemania o Suiza, todo un triunfo para un grupo español. El segundo single fue Sorry I’m a Lady, otro tema Disco muy marchoso y bailable que volvió a repetir el éxito del anterior tema, logrando nuevamente el #1 en las listas de venta de Alemania, Holanda o Noruega, además del top 10 en Gran Bretaña y Suecia. Ambos temas son los mayores éxitos del grupo y pertenecían al álbum titulado de manera homónima, que gozó de buena acogida por toda Europa. Gracias al éxito conseguido con su primer álbum, en 1978 Baccara fueron elegidas para representar a Luxemburgo en el Festival de Eurovisión, cantando en francés el tema Parlez-Vous Français?. A pesar de partir como favoritas por ser las más famosas dentro de la competición y contar con la máxima puntuación de España, Italia y Portugal, acabaron séptimas, aunque fue uno de los temas más importantes del año y su tercer mayor éxito. Ese mismo año publicaron su segundo álbum, Light My Fire, que incluía su famoso tema eurovisivo en su versión en inglés o francés dependiendo del país, además de los hit-singles Darling y The Devil Sent You To Laredo, uno de los últimos grandes éxitos de Baccara y que fue grabado en español e inglés. En 1979 publicaron su tercer álbum, Colours, que no logró tanta repercusión aunque incluyó el hit «Ay, Ay Sailor», y en 1981 su cuarto álbum, llamado Bad Boys, el cual no consiguió la buena acogida de sus predecesores y fracasó en las listas de ventas debido a tendencia a la baja del estilo Disco, el cual fue eclipsado por los nuevos sonidos New Wave y Synth-pop. Debido a una disputa entre Mayte y María en el estudio de grabación por el protagonismo de sus voces en una canción hizo que el grupo se rompiera en 1981 y continuarán ambas cantantes por separado con el proyecto Baccara junto a nuevas compañeras, aunque sin grabar nuevo material y únicamente cantado sus grandes éxitos. Su peculiar pronunciación, sus originales coreografías, sus pegadizos temas de estilo Disco y la elegancia y sensualidad de ambas cantantes fueron la seña de identidad de Baccara, e hizo de ellas uno de los grupos más importantes en los 70 y 80, aunque durante las décadas posteriores han seguido teniendo una importante presencia cantando sus grandes éxitos en conciertos y actuaciones en programas de TV. La discografía del dúo original de Baccara incluye 4 álbumes de estudio y múltiples discos recopilatorios que incluyen sus mayores éxitos, de entre los cuales destaca The Best of Baccara, el cual nos trae de vuelta la nostalgia de los años 80 y cuenta con mis temas favoritos del más famoso dúo femenino español de la historia de la música: Sorry I’m a Lady, Yes Sir I Can Boogie y Parlez-Vous Français.
Crítica de «El Dorado» de Shakira
El pasado mes de mayo se puso a la venta el undécimo álbum de estudio de Shakira, titulado El Dorado, el primero que publica la cantante desde su disco homónimo, el cual se puso a la venta en 2014 y obtuvo una buena respuesta por parte del público gracias al éxito de los temas ‘Dare (La La La)’ y ‘Can’t Remember To Forget You’ junto a Rihanna. Tras este álbum, la cantante colombiana fue madre de su segundo hijo, fruto de su relación con el jugador del Fútbol Club Barcelona Gerard Piqué y sufrió el síndrome del bloqueo del escritor, (el cual muchos escritores y compositores han padecido en algún momento, por el que se pierde la capacidad de componer o escribir durante un tiempo) aunque tras la colaboración de Shakira con el cantante Carlos Vives en el tema La Bicicleta, permitió recuperar su faceta de compositora y le animó a grabar nueva música. La Bicicleta fue uno de los temas más importantes del verano de 2016, fue emitido hasta la saciedad en las radios de Latinoamérica y España, y consiguió buenas posiciones en las listas de venta de nuestro país, donde fue #1. A finales de ese mismo año, Shakira lanzó el single anticipo de su nuevo trabajo, por entonces sin título ni fecha de publicación. Dicho tema era Chantaje, un pegadizo tema Latin-pop y reggaeton a dueto con el artista latino de moda Maluma, también de procedencia colombiana como la rubia cantante. Este sensual tema recibió buenas criticas por parte de los expertos musicales que lo compararon con ‘La Tortura’, en el sentido de que podría a estar al nivel de este single para conseguir éxito fuera de Latinoamérica. Ciertamente obtuvo una gran acogida en España, donde fue nuevamente #1 en las listas de venta, al igual que en otros países mediterráneos como Francia o Italia, donde ocupó el top 20 o en Estados Unidos, donde tuvo un desempeño más que positivo para tratarse de un tema en español. El videoclip de ‘Chantaje’ recibió gran atención por parte del público gracias a la química entre Shakira y Maluma y sus reproducciones en YouTube subieron como la espuma hasta alcanzar más de 1000 millones. La presencia de Shakira fue requerida nuevamente por otro artista, en este caso Prince Royce, en su single Deja Vu, que se trataba de una bachata que logró un buen desempeño comercial en varios países latinoamericanos y posteriormente ha sido incluido en «El Dorado». El segundo single oficial, coincidiendo con el lanzamiento del álbum, fue Me Enamoré, otro tema del estilo reggaeton dedicado a su pareja en el que relata como se conocieron y que cuenta con frases tan llamativas como «Un mojito, dos mojitos, mira que ojitos bonitos, me quedo otro ratito». Pese a lo pegadiza y bailable que resulta la canción y su innegable éxito en las discotecas de nuestro país durante los últimos meses, no puedo dejar de comentar sus impagables letras cargadas de rimas fáciles como «mira que cosa bonita, que boca más redondita, me gusta esa barbita» refiriéndose al físico de Piqué.
El álbum está compuesto por 13 temas, la mayoría en español aunque hay 3 temas en inglés (destinados a sus fans anglosajones con el objetivo de no cerrarse a un mercado tan importante para ella) y sigue la estela musical de su último disco en español, «Sale El Sol», ya que está formado por temas de estilo pop y Latin-pop con influencia pop/rock, pero destaca por la abundancia de temas de estilo reggaeton, ya que Shakira, al igual que la mayoría de los artistas latinos, se han subido al carro del estilo musical del momento y que triunfa entre el público más joven en España y Latinoamérica. En este álbum conviven las dos personalidades de la cantante de Barranquilla: por una parte la Shakira más comercial y actual con bailables y pegadizos temas reggaeton, como Perro Fiel, que cuenta con la colaboración con de Nicky Jam y tiene muchas posibilidades de convertirse en single y por otra parte la Shakira más romántica y emotiva presente en temas tranquilos como la balada pop/rock ‘Nada’. De entre los temas en inglés destaca ‘When A Woman’, un medio tiempo pop que puede ser un gran candidato a single para el mercado anglosajón.
Más que un álbum en sentido estricto o un proyecto centrado y consistente, «El Dorado» es una recopilación de los últimos lanzamientos de la cantante colombiana y de las múltiples colaboraciones que ha realizado en los últimos meses junto a otros artistas latinos, por ello resulta un proyecto poco consistente y con un escaso factor sorpresa e impacto, ya que a fecha del lanzamiento del disco, la mitad del contenido había sido desvelado. Shakira no sólo es una de las cantantes más exitosas e importantes de los últimos años y la mayor representante de la música colombiana, sino un fenómeno global, conocida en cada rincón del planeta y que arrastra millones de seguidores en todo el mundo, por ello independientemente de la calidad de sus álbumes y canciones, con cada lanzamiento se asegura un éxito rotundo debido a la enorme base de fans que tiene repartidos por todo el mundo. A pesar de que Shakira presume de haber escrito y co-producido los 13 temas que forman parte del álbum, la composición no es el punto fuerte del disco ya que algunas de las letras son de una calidad discutible. «El Dorado» es el álbum indicado para pasarlo bien en las discotecas ya que está formado por los temas que hemos estado escuchando sin cesar los últimos meses y por su contenido marchoso y bailable, si embargo debo ser crítico con el tema de las colaboraciones ya que la gran cantidad de artistas invitados presentes en el álbum hace que la presencia de Shakira se diluya, además de que resulta un tanto desesperado recurrir a los artistas de moda entre los más jóvenes para mantenerse fresca en el panorama musical y seguir captando la atención del público, que tiende a olvidar a los cantantes veteranos en favor de las nuevas promesas. Puntuación: 6/10.
Blog Mister Music 