El cantante Liam Payne, conocido por formar parte de la famosa ‘boy band’ One Direction, ha fallecido a los 31 años al precipitarse por el balcón de un hotel de Buenos Aires, Argentina. Los reportes informan que un empleado del hotel, situado en el barrio porteño de Palermo, avisó a la policía debido al comportamiento errático y agresivo del cantante horas antes de su muerte. Se ha conocido que Liam Payne falleció a las 17 horas del 16 de octubre por una fractura en el cráneo provocada por su caída del tercer piso del hotel. El cantante tuvo una relación sentimental con la también cantante inglesa Cheryl Cole (conocida por pertenecer al grupo Girls Aloud) y juntos eran padres de un niño de 7 años llamado Bear Grey. One Direction es uno de los grupos musicales cuyos componentes han conseguido mayor éxito en sus carreras en solitario, aunque con notables diferencias entre ellos. Harry Styles podríamos considerarlo como el Justin Timberlake (o la Beyoncé) del grupo y es sin duda quien más ha triunfado en su trayectoria como solista hasta el punto de convertirse en uno de los cantantes con mayores ventas de los últimos años y poder presumir de tener una carrera incluso más sólida y consistente que la de su antiguo grupo. Sin llegar al nivel de Harry Styles y con unos logros más modestos, tanto Louis Tomlinson como Niall Horan se han labrado una digna carrera en solitario y tienen moderado éxito a ambos lados del Atlántico. Zayn, quien abandonó el grupo antes de su separación, también tuvo unos prometedores inicios en su carrera como solista aunque el globo de su éxito empezó a deshincharse con sus últimos lanzamientos. Pese a ser uno de los componentes más queridos y carismáticos del grupo, Liam Payne fue incapaz de igualar el éxito de sus compañeros en su carrera como solista y su primer álbum, LP1, publicado en 2019, recibió críticas negativas por parte de los expertos musicales y resultó un sonado fracaso comercial. El blog MiSTeR MuSiC fue una de las pocas publicaciones que valoró de manera positiva el álbum. Tras un largo lapso de tiempo que le sirvió para recuperarse de problemas físicos (fue diagnosticado de una infección renal grave), el cantante inglés regresó este 2024 con un nuevo single, Teardrops, que se trataba medio tiempo pop/R&B compuesto por Liam junto a JC Chasez (componente de N’Sync) y Jamie Scott cuyas letras hablaban de la vulnerabilidad del desamor y el desafío de superar los malos momentos hasta poder estar preparado para amar de nuevo. ‘Teardrops’ era el single adelanto de su segundo álbum, el cual todavía no se conoce si será publicado de manera póstuma. Desde el blog MiSTeR MuSiC mandamos nuestras condolencias a la familia y amigos del cantante. Descansa en paz Liam Payne.
R&B
Crítica de «While We Wait 2» de Kehlani
El pasado mes de junio Kehlani publicó su cuarto álbum de estudio, Crash, el cual fue valorado de manera muy positiva por parte del blog Mister Music y apareció en el top 10 de los mejores álbumes publicados en la primera mitad del 2024. Este álbum destacaba por su rico componente lírico (Kehlani repasaba sus duros comienzos hasta alcanzar la fama) y ponía de manifiesto su gran talento como vocalista y su versatilidad al explorar géneros musicales muy diversos. «Crash» ocupó el top 25 en la lista americana y contó con el single ‘After Hours’, el cual atrajo la atención del público y tuvo un buen desempeño comercial. Desde sus inicios en el mundo de la música Kehlani ha demostrado ser una prolífica artista y apenas un par de meses después de «Crash» ha lanzado la mixtape While We Wait 2, que supone una secuela de «While We Wait», la cual vio la luz en 2019 y recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus personales letras en las que hablaba de las complejidades en las relaciones amorosas. «While We Wait» contó con el magnífico single ‘Nights Like This’, su tema más escuchado en las plataformas musicales y que acumula 600 millones de escuchas en Spotify. Cabe destacar que «While We Wait» alcanzó el #9 en la lista americana, convirtiéndose en el segundo trabajo de la cantante californiana que ocupaba el top 10 en Estados Unidos. Mientras que «Crash» exploraba géneros tan diferentes como Country, folk, rock o Afrobeats, «While We Wait 2» se centra en el habitual sonido R&B de la cantante y está formado por 14 temas, principalmente medios tiempos, compuestos por la propia Kehlani bajo la producción de DJ Camper o Dixson, quienes ya participaron en su anterior álbum.
El single presentación del álbum ha sido When He’s Not Here, un sensual medio tiempo R&B que cuenta con la participación del cantante Lucky Daye y cuyas letras hacen referencia a la relación de Kehlani con otra mujer, la cual está siendo infiel a su pareja. Merece la pena reseñar ‘Love Like’, un tema de carácter rítmico influenciado por el R&B de los 90 en el que Kehlani habla de la intimidad física y emocional, ‘Ballin’, que describe un romance secreto con una persona con la que tiene una intensa conexión o ‘S.I.N.G.L.E.’, que recuerda al estilo de Brandy y en el que la cantante relata las carencias de su pareja y le hace preguntas tan directas como ‘¿qué has hecho por mí últimamente?’. Una de las canciones con letras más reveladoras es la balada ‘Border’, que habla de su salud mental y el deseo de abandonar California como metáfora de liberarse de su estado mental actual y buscar la estabilidad. Este trabajo incluye los remixes de dos temas originalmente pertenecientes a «Crash»: ‘8’, que cuenta con la colaboración del prometedor trío británico FLO y ‘After Hours’, en el que participa la cantante brasileña Ludmilla. En resumen, «While We Wait» fue una mixtape muy apreciada por los amantes del R&B y su secuela mantiene el buen nivel ya que está formada por un conjunto más que digno de canciones de letras muy personales acompañadas por la agradable voz de Kehlani. Pese a que no ofrece nada nuevo al panorama R&B ni resulta especialmente memorable, es de alabar la generosidad de Kehlani al ofrecer a sus seguidores dos álbumes en apenas dos meses, los cuales pasan a formar parte de su notable discografía. Puntuación: 7/10.
Crítica de «Revenge» de Muni Long
Antes de triunfar en su faceta como cantante, Muni Long se hizo un importante nombre en el panorama musical como compositora para artistas de la talla de Kelly Rowland, Mary J Blige, K. Michelle, Tamar Braxton o Ariana Grande entre otros. Sus créditos están detrás de singles tan populares como ‘California King Bed’ de Rihanna, ‘Worth It’ de Fifth Harmony, ‘Don’t Wake Me Up’ de Chris Brown o ‘Love So Soft’ de Kelly Clarkson. Priscilla Renea, el verdadero nombre de Muni Long, publicó su álbum debut en el año 2009 y su segundo trabajo en 2018, pero no fue hasta 2022 cuando saboreó las mieles del éxito gracias al single Hrs and Hrs, que se convirtió en un éxito viral en la red social TikTok, lo que le llevó a ocupar el #16 en la lista americana, destacando por su gran longevidad en el componente R&B de Billboard, donde alcanzó el top 5. ‘Hrs and Hrs’ es una sensual balada R&B en la que Muni Long habla de su voluntad para tener un encuentro íntimo con un hombre. ‘Hrs and Hrs’ fue incluido en Public Displays of Affection, su tercer álbum de estudio y el primero bajo el sobrenombre de Muni Long, el cual tuvo un impacto comercial mínimo. Durante los últimos meses, la artista nacida en Florida ha sido telonera de Chris Brown en la gira promocional de su álbum «11:11», lo que le ha dado una mayor exposición al gran público. En 2023 Muni Long regresó con el single presentación de su nuevo trabajo discográfico, Made for Me, que se trata de una balada R&B mid-tempo producida por Jermaine Dupri y Bryan-Michael Cox que recuerda a las famosas producciones de Dupri para Mariah Carey, entre ellas ‘We Belong Together’. Precisamente fue Mariah Carey la artista invitada en el remix de ‘Made for Me’. En este tema, Muni Long declara el amor que siente por su hombre y enfatiza en la compatibilidad que tienen ambos («nadie me conoce como tú, nadie me quiere tanto como tú»). Este single consiguió de nuevo gran viralidad en las redes sociales, alcanzó el top 20 en la lista americana y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. En Reino Unido alcanzó el top 40 de Reino Unido, la mejor posición de Muni en tierras británicas. Sin duda ‘Made for Me’ es uno de los mejores temas de R&B lanzados durante este 2024.
Como segundo single llegó Make Me Forget, que se trata de una tradicional balada R&B producida por Tricky Stewart en la que la cantante lucha contra la atracción de un hombre que no es el suyo y le pide a su corazón que le ayude a olvidar la tentación. ‘Make Me Forget’ samplea el famoso tema ‘Untitled (How Does It Feel)’ del artista americano D’Angelo. El tercer single lanzado fue Ruined Me, una desgarradora balada R&B con bajo marcado y uso prominente de violín en la que Muni Long relata una dolorosa ruptura que le deja sin la capacidad de volver a amar de nuevo. ‘Ruined Me’ es uno de los mejores singles lanzados por la artista americana hasta la fecha, sin embargo ha sido incapaz de repetir el éxito de ‘Made for Me’. El cuarto álbum de estudio de Muni Long tiene por título Revenge y está formado por 14 temas, principalmente baladas y medios tiempos R&B, compuestos por la propia cantante bajo la producción de Tricky Stewart, Jermaine Dupri, Bryan-Michael Cox, OG Parker, Tommy Brown o Jeff ‘Gitty’ Gitelman entre otros. El tema central del álbum son las complicadas relaciones con los hombres y las diferentes etapas que se viven en las relaciones, como los desengaños, el desamor, las rupturas y el proceso de curación posterior. Este trabajo ha resultado terapéutico para Muni Long ya que ha podido sacar fuera todos sus pensamientos y expresar las emociones que ha vivido durante estos últimos años.
Entre los temas más destacados del álbum se encuentra la canción titular, ‘Revenge’, en la que tras una complicada ruptura, la cantante declara que no busca venganza pese al daño que le ha hecho su pareja o ‘The Baddest’, cuyas letras hacen referencia a recuperar el autoestima tras haber sido engañada. También merece la pena reseñar ‘Superpowers’, una balada a piano en la que Muni había pensado en cerrar la puerta al amor hasta que encuentra a alguien especial o ’30s’, un medio tiempo en el que reflexiona sobre las expectativas que se puso a los 20 años y el miedo que tenía a estar sola durante sus 30. Pese a que las baladas dominan el álbum, también encontramos varios temas rítmicos como ‘Leave My Baby Tonight’, en el que aparece la rapera GloRilla como artista invitada y contiene un sonido R&B muy de los 90 que recuerda al estilo de «The Velvet Rope» de Janet Jackson o ‘Bessie’, que cuenta con una melodía influenciada por el Hip Hop, muestra la versatilidad de Muni como artista y rinde un homenaje a las mejores amigas, que pueden ser consideradas como hermanas.
Este álbum recupera el clásico sonido R&B de los años 90 y 2000 que ha desaparecido durante estos últimos años (debido a las influencias del Trap y el abuso de los sintetizadores) y en concreto guarda similitudes con el estilo de Mariah Carey o K. Michelle, con las que tiene muchos puntos en común. Muni Long es una poderosa vocalista y una experimentada compositora, lo que le convierte en una de las artistas más talentosas del panorama R&B actual. En mi opinión «Revenge» es el mejor álbum de R&B publicado durante este 2024 y podemos considerarlo como el punto de inflexión en la carrera de la cantante, ya que gracias al éxito de ‘Made for Me’ ha conseguido aumentar su popularidad y lograr el reconocimiento que merece por su innegable talento. Si te gusta el R&B tradicional y álbumes como «Rebelious Soul» de K. Michelle (Muni Long contribuyó a la composición del hit ‘V.S.O.P.’) sin duda debes dar una oportunidad a este interesante trabajo. Temas imprescindibles: Ruined Me, Made for Me, Revenge, The Baddest, Leave My Baby Tonight y Superpowers. Puntuación: 8/10.
Throwback Review: «Mary» de Mary J Blige
Se han cumplido 25 años del lanzamiento de uno de los álbumes imprescindibles dentro de la trayectoria profesional de Mary J Blige. Me refiero a Mary, el cuarto trabajo discográfico de la cantante americana, el cual fue publicado en agosto de 1999. Antes de la llegada de este álbum, Mary J Blige ya se había consolidado como una de las artistas más relevantes del R&B de los años 90 gracias al gran impacto de sus tres primeros álbumes (los icónicos «What’s the 411?», «My Life» y «Share My World»), los cuales lograron gran éxito comercial y recibieron excelentes críticas por parte de los expertos musicales debido a su inconfundible estilo y sus extraordinarias habilidades como compositora y vocalista. «Mary» muestra un movimiento por parte de la cantante desde el formato urbano al Adult Contemporary y destaca por su cambio de dirección musical del Hip Hop Soul presente en sus primeros trabajos a un R&B/Soul más clásico y con una composición más madura, siguiendo los pasos de su anterior trabajo, «Share My World». El álbum está formado principalmente por baladas y medios tiempos encuadrados dentro del R&B y Soul con elementos funk, jazz o Neo Soul y compuestos en su mayoría por la propia Mary bajo la producción de importantes nombres de la industria musical como Babyface, Terry Lewis & Jimmy Jam, Rich Harrison, Chucky Thompson, Lauryn Hill o Soulshock & Karlin entre otros. «Mary» continuó la buena racha comercial de sus anteriores trabajos: debutó en el #2 de la lista americana de álbumes (#1 en el componente R&B/Hip-Hop de Billboard) y acabó siendo certificado doble platino por ventas superiores a los dos millones de copias en Estados Unidos. En el resto del mundo el álbum resultó un éxito moderado y alcanzó el top 5 en Reino Unido, el top 10 en Canadá o el top 40 en Alemania. «Mary» fue aclamado por la crítica y recibió numerosos galardones, entre ellos un Soul Train Award a mejor álbum R&B/Soul del año y fue nominado a tres premios Grammy, entre ellos mejor álbum R&B del año.
El single presentación del álbum fue All That I Can Say, un tema R&B de carácter rítmico con influencias funk y Soul compuesto y producido por Lauryn Hill, quien estaba viviendo uno de sus mejores momentos profesionales en su andadura en solitario. Gracias a ‘All That I Can Say’, Mary J Blige consiguió su sexta nominación a mejor actuación vocal femenina de R&B en los premios Grammy. ‘All That I Can Say’ tuvo un desempeño comercial moderado y alcanzó el top 30 en la lista de ventas de Reino Unido y el top 50 en Estados Unidos. El segundo single lanzado fue Deep Inside, una balada mid-tempo R&B en la que Mary intenta mostrarnos su verdadera personalidad y supone toda una declaración de intereses por parte de la cantante neoyorquina. ‘Deep Inside’ samplea la melodía de piano de un conocido tema de Elton John. Como tercer single se lanzó Give Me You, una romántica balada R&B escrita por la prestigiosa compositora Diane Warren en la que Mary declara que no le interesan los regalos o los objetos materiales, sino el amor de su hombre. ‘Give Me You’ alcanzó el top 20 en la lista de ventas de Reino Unido. El último single lanzado fue Your Child, una balada Neo Soul que describe una complicada situación en que la pareja de Mary es padre de un niño con otra mujer y cómo intentan manejar este hecho de la manera más madura. ‘Your Child’ no logró entrar en el Hot 100 de la lista americana, sin embargo gracias a sus remixes alcanzó el #1 en el componente Dance Club Songs de Billboard.
El álbum incluye As, el dueto entre George Michael y Mary J Blige originalmente incluido en el recopilatorio de grandes éxitos del cantante británico. ‘As’ se trata de una versión del tema de Stevie Wonder, que habla del amor incondicional por su pareja y destaca por su magnífico estribillo Gospel. Este single resultó un éxito en Europa y ocupó el top 5 en las listas de venta de Reino Unido y España. ‘As’ no fue lanzado como single en Estados Unidos ni incluido en la versión americana del álbum «Mary» debido al arresto de George Michael por conductas lascivas en un baño público de Beverly Hills ocurrido meses atrás, en un intento de no dañar la reputación de Mary J Blige. Sin duda ‘As’ es uno de los duetos imprescindibles dentro del R&B de los 90 debido a su excelente estribillo Gospel, su adictivo ritmo y las poderosas voces de ambos artistas. Cabe destacar que George Michael es el único cantante blanco que ha colaborado con tres icónicas cantantes de R&B de la talla de Aretha Franklin, Whitney Houston y Mary J Blige.
Uno de los temas más destacados del álbum es ‘Don’t Waste Your Time’, una fantástica balada Soul a dúo con la legendaria Aretha Franklin y producida por Babyface en cuyas letras una amiga recomienda a otra que abandone una relación con un hombre que le engaña y no le trata como se merece. Dentro de un álbum repleto de baladas merece la pena reseñar ‘Sexy’, uno de los pocos temas que incorporan su habitual sonido Hip Hop Soul y cuenta con la colaboración del rapero Jadakiss o ‘Let No Man Put Asunder’, con influencias Disco/funk y que supone el tema más bailable del álbum. En «Mary», la cantante no solo hace gala de su extraordinario rango vocal, sino que muestra sus grandes habilidades como compositora relatando turbulentas relaciones amorosas llenas de traiciones e infidelidades, pero demuestra su fuerza y su capacidad para salir adelante. Sin duda, «Mary» continuaba el altísimo nivel de sus anteriores trabajos y posicionaba a Mary J Blige en una de las artistas de R&B más influyentes de la década de los 90. Temas imprescindibles: As, All That I Can Say, Deep Inside, Give Me You, Don’t Waste Your Time y Let No Man Put Asunder. Puntuación: 8/10.
Crítica de «Quantum Baby» de Tinashe
Desde sus inicios en el mundo de la música, la cantante americana Tinashe ha sido denominada frecuentemente como la ‘nueva promesa del R&B’ y la sucesora de Aaliyah, sin embargo han pasado los años y su carrera no acaba de despegar entre el público masivo, aunque puede presumir de ser una de las figuras más prominentes dentro del R&B contemporáneo. Cabe destacar que la cantante nacida en Kentucky únicamente ha hecho su aparición en el Billboard Hot 100 con el primer single de su álbum debut, ‘2 On’ y gracias a su colaboración en ‘Slumber Party’ de Britney Spears. En septiembre de 2023 vio la luz su último álbum de estudio, BB/Ang3l, el cual fue valorado positivamente por el blog Mister Music debido a las habilidades como compositora y vocalista de Tinashe y su sólido conjunto de pegadizos temas, entre los que se encontraban los singles ‘Talk to Me Nice’ o ‘Needs’. Durante los últimos meses Tinashe ha vivido un gran momento de popularidad gracias al éxito de Nasty, que se trata de un tema R&B de carácter rítmico y moderna producción en el que la cantante hace uso del sing-rap mientras habla de encontrar a una persona que tenga la misma energía sexual que ella y detalla una cita nocturna de alto voltaje entre ambos. Este tema producido por Ricky Reed ha recibido buenas críticas por su naturaleza desenfadada, su adictivo estribillo y la versatilidad vocal de Tinashe. ‘Nasty’ hizo su aparición en la parte baja de la lista americana pero tras hacerse viral en las redes sociales gracias a la sexy coreografía de Tinashe en el videoclip, el single aumentó su popularidad hasta alcanzar el #61 (top 20 en el componente R&B/Hip-Hop Songs), lo que supone su segunda entrada el Billboard Hot 100 con un tema propio y la primera desde que es una artista de carácter independiente al margen de una gran discográfica. ‘Nasty’ supera los 120 millones de escuchas en Spotify (uno de sus singles más escuchados en la plataforma musical) y ha sido lanzado posteriormente en forma de remix junto a la cantante Chlöe.
Tras el éxito viral de ‘Nasty’, como segundo single fue lanzado Getting No Sleep, que seguía la estela musical de su predecesor y se trata de un tema R&B de carácter rítmico producido por Nosaj Thing, un famoso DJ y productor californiano que fue responsable de su single ‘Talk to Me Nice’. En ‘Getting No Sleep’, Tinashe declara que tras una semana de duro trabajo, va a disfrutar el fin de semana junto a su amante sin perder el tiempo en dormir. Este single ha sido incapaz de repetir la buena racha comercial de ‘Nasty’ y no ha entrado en la lista americana ni acumula cifras de streaming tan altas. Este mes de agosto ha visto la luz Quantum Baby, el séptimo álbum de estudio de Tinashe y que supone la segunda parte de una trilogía iniciada con «BB/Ang3l», su anterior trabajo. «Quantum Baby» se trata de un álbum muy breve, formado por 8 temas de R&B con influencias pop y Trap compuestos por la propia Tinashe bajo la producción de Ricky Reed, Nosaj Thing o Zack Sekoff entre otros. Entre los temas más destacados se encuentran ‘No Simulation’, un tema de profundas letras en el que Tinashe busca la verdad y la realidad en un mundo confuso, ‘Thirsty’, que explora temas como la seducción, el deseo o la tentación y en el que la cantante intenta hacer balance entre la búsqueda de afecto y protegerse del dolor emocional o ‘No Broke Boys’, un tema R&B con melodía Trap que resulta un himno de empoderamiento y autoestima y en el que Tinashe establece estándares altos y se niega a conformarse con menos de lo que se merece.
En resumen, «Quantum Baby» está formado por un breve pero sólido conjunto de canciones de R&B de moderna producción que resultan pegadizas y bailables pero contienen un mensaje empoderador. Tinashe es una artista muy completa y podríamos considerarla como una de las herederas de Janet Jackson, ya que es una versátil vocalista, una buena compositora y una magnífica bailarina. Cabe destacar que «Quantum Baby» es el cuarto álbum de Tinashe como artista independiente al margen de una gran discográfica, por lo que tiene que asumir más riesgos que un artista convencional y le resulta más complicado llevar adelante sus proyectos. Este álbum mantiene el buen nivel de sus predecesores, pero Tinashe sigue sin entregarnos su obra maestra. Temas imprescindibles: Nasty, No Broke Boys, Thirsty, Getting No Sleep y No Simulation. Puntuación: 7’5/10.
Crítica de «Trouble in Paradise» de Chlöe
Tras formar parte del dúo Chloe x Halle junto a su hermana, Chlöe hizo su debut en solitario en 2023 con In Pieces, un álbum de R&B en el que la cantante americana relataba las complejidades de las relaciones amorosas pero también hablaba de espiritualidad y lanzaba un mensaje de empoderamiento femenino. «In Pieces» recibió críticas positivas por parte de los expertos musicales (incluido el blog Mister Music) por el gran talento de Chlöe como vocalista y compositora, pero tuvo un impacto comercial mínimo y ni siquiera logró entrar en el top 100 de la lista americana de álbumes, debido en parte por su disparatada estrategia promocional. El pasado mes de marzo Chloe Bailey lanzó el single adelanto de su nuevo álbum, FYS (las siglas de ‘Fuck Your Status’), que se trata de un tema mid-tempo de R&B alternativo producido por Bongo By the Way y Go Grizzly en el que la cantante habla de la capacidad de enamorarse de alguien no por sus posesiones materiales o su estatus económico sino por quién es como persona. ‘FYS’ destacaba por su mensaje de empoderamiento sin embargo no resultaba un buen candidato como primer single debido a su naturaleza poco comercial. Un mes después llegó el segundo single, Boy Bye, que se trata de un marchoso tema pop/R&B up-tempo producido por Yeti Beats y Carter Lang en el que Chlöe relata una relación tóxica en la que su hombre le ha sido infiel y no le ha tratado como se merece, por lo que intenta pasar página. ‘Boy Bye’, que recuerda al estilo de ‘Hey Ya!’ de Outkast, por el contrario resultaba una apuesta muy acertada como single debido a su ritmo pegadizo, su componente lírico y la destreza vocal de Chlöe, y supone no solo su mejor single hasta la fecha sino uno de los mejores temas de este 2024. Pese a su gran potencial, ‘Boy Bye’ tuvo un impacto comercial mínimo (apenas acumula dos millones de escuchas en Spotify) y no logró entrar en la lista americana.
Un año y medio después de la publicación de «In Pieces» ha visto la luz su segundo álbum de estudio, titulado Trouble in Paradise, el cual está formado por 16 temas encuadrados dentro del R&B/pop y compuestos por la propia Chlöe bajo la producción de Bongo By the Way, Yeti Beats, Go Grizzly, Carter Lang o SG Lewis entre otros. «Trouble in Paradise» sigue la estela musical de su anterior álbum pero destaca por contener un mayor número de temas up-tempo, los cuales están influenciados por sonidos de moda como el Afrobeats o Dancehall. El concepto principal de este trabajo es disfrutar de los dones que ofrece la juventud, pero también relata los altibajos que se producen en las relaciones como los desengaños amorosos o las traiciones. Entre los artistas invitados en el álbum se encuentran Ty Dolla Sign, Anderson Paak, YG Marley, Jeremih y su hermana Halle Bailey.
Dentro del álbum destacan ‘Temporarily Single’, un tema de letras muy sensuales que explora el escape emocional de la cantante mientras está soltera pero abierta a una aventura secreta con otra persona, ‘Favorite’, que habla del compromiso mutuo en la pareja y en el que colabora Anderson Paak, ‘Shake’, un marchoso tema pop/R&B up-tempo junto a Jeremih en el que ambos artistas relatan una noche de fiesta y diversión, ‘Redemption’, un tema muy breve que habla de las dinámicas en una relación como el perdón o la desilusión o ‘Never Let You Go’, un tema Afrobeats que cuenta con la colaboración de YG Marley (hijo de Lauryn Hill y nieto del legendario Bob Marley) y describe lo difícil que es dejar marchar a alguien que quieres. En este álbum se ha producido el esperado regreso de Chloe x Halle, ya que las hermanas Bailey cantan juntas en ‘Want Me’, una balada R&B que habla sobre amor no correspondido y en el que podemos observar la gran armonía en las voces de ambas cantantes.
«Trouble in Paradise» fue anunciado por Chlöe por sorpresa apenas unos días antes de su lanzamiento, sin un hit single que respalde su publicación y cuando el ‘hype’ por la música de la cantante se había desvanecido debido al largo lapso de tiempo sin un single nuevo. El desacertado ‘rollout’ (estrategia de lanzamiento y promoción) de este proyecto ha provocado que el álbum tenga un desempeño comercial muy negativo, al igual que su anterior trabajo. En resumen, «Trouble in Paradise» es un álbum de R&B correcto y digno al igual que su predecesor, con buena producción y agradable de escuchar, pero no aporta nada nuevo o distintivo al panorama musical. Chlöe es una ágil y versátil vocalista, una talentosa compositora y una de las figuras más prometedoras del R&B actual, sin embargo a su música le falta identidad y personalidad propia. Otro de los problemas a los que se enfrenta Chlöe es que su música tiene escasa viabilidad comercial y está dirigida a un nicho muy limitado, lo que le impide triunfar entre el público masivo. Temas imprescindibles: Boy Bye, Temporarily Single, Never Let You Go, Redemption, FYS y Want Me. Puntuación: 7/10.
Throwback Review: «Three» de Sugababes
En el año 2002 Sugababes publicaron su segundo álbum de estudio, Angels With Dirty Faces, el cual se convertiría en el más vendido de su trayectoria gracias a una excelente selección de singles, entre los que se encontraban ‘Freak Like Me’ y ‘Round Round’, ambos #1 en Reino Unido. «Angel With Dirty Faces» suponía el primer trabajo con Heidi Range como componente del grupo tras la marcha de Siobhan al terminar la promoción del primer álbum. Apenas un año después de «Angel With Dirty Faces» vio la luz el tercer álbum del grupo, titulado simplemente Three, el cual supuso una de las eras más populares y exitosas de Sugababes y consolidó la formación iniciada con la incorporación de Heidi. «Three» está formado por 12 temas encuadrados dentro del pop, R&B y dance-pop, compuestos en su mayoría por las componentes del grupo bajo la producción de Xenomania, Guy Sigsworth y Jony Rockstar. «Three» debutó en el #3 de la lista de ventas de Reino Unido, donde fue certificado doble platino por ventas superiores a las 600 mil copias y ocupó el top 10 en Irlanda, Holanda o Alemania. El single presentación del álbum fue Hole In the Head, un tema pop/R&B up-tempo producido por Xenomania (responsables de ‘Round Round’) en el que las chicas se lamentan por la marcha de su amante, el cual les ha dejado «un agujero en la cabeza». Este tema consiguió el tercer single #1 de Sugababes en la lista británica, también obtuvo una buena respuesta comercial en Europa y se convirtió en el primer single de Sugababes que lograba entrar en la difícil lista americana (aunque ‘Round Round’ ocupó el top 10 en el componente Dance de Billboard un año atrás).
Como segundo single se lanzó Too Lost In You, una emotiva balada pop/R&B con influencias pop/rock compuesta por la afamada compositora Diane Warren que destaca por su sonido orquestal. Este tema, que formaba parte de la banda sonora de la película «Love Actually», recibió buenas críticas por su dramática producción, la excelente ejecución vocal de las componentes y su gran armonía conjunta. En terreno comercial ‘Too Lost In You’ anotó otro top 10 para el trío en la lista británica y alcanzó el top 15 en Alemania. El tercer single lanzado fue In the Middle, un pegadizo tema dance-pop con influencia funk producido por Xenomania cuyas letras hablan de encontrar un hombre tras una noche de fiesta. Este tema fue elogiado por la crítica por su gran producción, su naturaleza desenfadada y su ritmo pegadizo, y recibió una nominación a mejor single británico en los premios BRIT. ‘In The Middle’ continuó con la gran racha comercial del trío y alcanzó el #8 en la lista de singles de Reino Unido. Como cuarto y último single se lanzó Caught In a Moment, una emotiva balada pop/R&B con influencia Soul que destaca por su componente lírico, con letras acerca de melancolía y esperanza. ‘Caught In a Moment’ nuevamente fue top 10 en la lista británica, demostrando el buen momento que atravesaban Sugababes.
Para este álbum, cada componente grabó una canción en solitario: Keisha se encargó de ‘Whatever Makes You Happy’, Mutya dedicó ‘Maya’ a su hermana tristemente fallecida y Heidi se lucía vocalmente con la balada ‘Sometimes’. Merece la pena reseñar ‘Conversation’s Over’, un tema mid-tempo synth-pop y R&B que habla de una ruptura amorosa, ‘Million Different Ways’, un marchoso tema que cuenta con una original melodía Bhangra o ‘Twisted’, en el que cada componente del grupo habla de su personalidad. En comparación con los anteriores trabajos del grupo, «Three» tiene un sonido más comercial y está dirigido a un público más amplio, sin embargo no pierde el espíritu alternativo característico de trío londinense y mantiene el buen nivel de sus predecesores. Por su original sonido, su cuidada producción y las perfectas armonías de las chicas, «Three» es uno de los álbumes más destacados de la carrera de Sugababes. Temas imprescindibles: Too Lost In You, Hole In the Head, In the Middle, Caught In a Moment, Million Different Ways y Conversation’s Over. Puntuación: 7’5/10.
Throwback Review: «Back to Basics» de Christina Aguilera
Christina Aguilera se convirtió en una de las indiscutibles abanderadas del pop de finales de los 90 y principios de la década del 2000 gracias a sus pegadizas canciones y su voz privilegiada. Su álbum debut obtuvo ventas millonarias y atrajo a una legión de seguidores en todo el mundo. Christina alcanzó el pico de su carrera en 2002 con «Stripped», con el que se deshizo de su imagen de adolescente dulce para adoptar una actitud muy sexual y provocativa que le hizo ganarse ciertas críticas. «Stripped» se trataba de un álbum muy ecléctico que incorporaba diversos estilos como pop, R&B, Latin-pop, Soul, Hip Hop o pop/rock. Este álbum resultó un gran éxito comercial: vendió más de 12 millones de copias a nivel mundial y contó con los hit singles ‘Beautiful’, ‘Dirrty’ y ‘Fighter’. En 2006 vio la luz el cuarto álbum en inglés (quinto en total) de Christina Aguilera, titulado Back to Basics, el cual marca una divergencia con respecto a su anterior trabajo y se inspira en sonidos Old School como jazz, Soul o Blues y cantantes de la talla de Billie Holiday, Etta James o Ella Fitzgerald, aunque también encontramos influencias R&B, Hip Hop y funk más recientes. «Back to Basics» está formado principalmente por baladas, medios tiempos y temas up-tempo encuadrados dentro del pop/R&B pero se aleja del sonido contemporáneo presente en «Stripped» al incorporar influencias de la música de los años 50 y 60. «Back to Basics» es un álbum doble cuya primera parte está formada por temas influenciados por el sonido urbano y contiene numerosos samplers, mientras que la segunda parte resulta más clásica, profundiza en las baladas y está inspirada en la música retro. La cantante neoyorquina compuso todos los temas presentes en el álbum bajo la producción de DJ Premier, que se encargó de la mayor parte de las canciones del primer CD y Linda Perry (colaboradora esencial en «Stripped»), quien fue la productora del contenido del segundo CD. Cabe destacar que Scott Storch, artífice de varios hit singles de «Stripped» como ‘Fighter’ o ‘Can’t Hold Us Down’, decidió no participar en este álbum debido a discrepancias y diferencias creativas con Christina. Precisamente al famoso productor le dedica un tema lleno de reproches titulado ‘F.U.S.S.’ (el acrónimo de ‘Fuck You Scott Storch’). Las letras de las canciones de «Back to Basics» resultan autobiográficas y están inspiradas en experiencias personales de Christina como su reciente matrimonio con Jordan Bratman el año anterior, por lo que el amor es el tema dominante, aunque también habla de empoderamiento femenino y relata episodios de su infancia, como las relaciones con sus padres. «Back to Basics» alcanzó el #1 en las listas de venta de más de 10 países incluyendo Australia, Alemania, España o Reino Unido y superó los 4 millones de copias a nivel mundial. En Estados Unidos también ocupó el #1, se convirtió en el segundo álbum ‘chart topper’ de Christina Aguilera tras su debut de título homónimo y fue certificado doble platino por ventas superiores a los dos millones de ejemplares en tierras americanas.
El single presentación del álbum fue Ain’t No Other Man, un tema up-tempo R&B, pop y funk con uso prominente de saxofón e influencias jazz y Blues. Este marchoso tema producido por DJ Premier habla de las emociones que sintió Christina al conocer a su marido por entonces, Jordan Bratman y del amor incondicional que sentía por él. ‘Ain’t No Other Man’ recibió grandes críticas por su sonido retro, su ritmo bailable y sus pegadizas letras. En el terreno comercial resultó un éxito: alcanzó el #2 en Reino Unido y el top 10 en importantes mercados como Estados Unidos, Alemania, Australia o Canadá. Como segundo single se lanzó Hurt, una emotiva balada pop producida por Linda Perry cuyas letras hacen referencia a cómo lidiar con la muerte de un ser querido. ‘Hurt’ es una de las mejores baladas del álbum y destaca por su componente lírico y la excepcional ejecución vocal de la cantante. Este single continuó la buena racha comercial de Christina y ocupó el top 5 en las listas de Alemania, Francia o Australia y el top 20 en Estados Unidos o Reino Unido. El tercer single lanzado fue Candyman, un marchoso tema con influencias jazz, swing y Blues que destaca por su uso de numerosos instrumentos como trompeta o saxofón. A diferencia de las profundas letras presentes en la mayoría de temas presentes en el álbum, ‘Candyman’ resulta más liviano y contiene letras de naturaleza sexual. Este single resultó un éxito moderado y alcanzó el top 10 en Canadá o Australia y el top 25 en Reino Unido o Estados Unidos.
De manera limitada se lanzó como single Slow Down Baby, un tema R&B up-tempo con influencias Hip Hop, funk y Soul producido por Mark Ronson en cuyas letras la rubia cantante intenta frenar los avances de un pretendiente diciéndole que lleva puesto un anillo y no está interesada. Este tema R&B Old School y fuerte aroma urbano cuenta con varios samplers, entre ellos ‘So Seductive’ del rapero Tony Yayo. Como último single se lanzó Oh Mother, una emotiva balada pop/R&B a piano en cuyas letras Christina relata la violencia doméstica que vivió durante su infancia y la relación abusiva sufrida por su madre a manos de su padre. Las desgarradoras y personales letras de ‘Oh Mother’ guardan similitudes con las presentes en el tema ‘Oh Father’ de Madonna. Sin duda ‘Oh Mother’ es una de las baladas más sobresalientes del álbum.
Entre los temas más destacados del primer CD se encuentran ‘Understand’, una bonita balada con influencias Soul que recuerda al estilo de Gladys Night, ‘Back In the Day’, en el que hace un homenaje a la música Old School con la que creció o ‘Still Dirrty’, que supone una secuela de su icónico tema ‘Dirrty’ por sus letras sexuales pero cuenta con un estilo totalmente diferente e incorpora un sonido R&B de la vieja escuela con uso prominente de trompeta y saxofón. La segunda parte del álbum comienza con el tema ‘Enter the Circus’, que cuenta con la lúgubre melodía típica en la música de circo (recordemos que parte del artwork y algunos visuales tenían temática circense) y le sigue ‘Welcome’, en el que la cantante nos da la bienvenida a su particular show. Dentro de la parte producida por Linda Perry destacan las baladas ‘Mercy on Me’, en la que Christina pide a Dios que le perdone por la vida de pecado que ha llevado antes de la llegada de su marido a su vida, ‘The Right Man’, en el que imagina cómo su futura hija encontrará al hombre adecuado o ‘Save Me from Myself’, una balada acústica que se distancia del estilo del resto del álbum y se adentra en el folk y el Country.
Podemos considerar «Back to Basics» como el último gran álbum de Christina Aguilera ya que tras él inició una severa espiral decreciente en su éxito comercial y sus siguientes trabajos discográficos resultaron un fracaso de ventas. Este álbum supuso un soplo de aire fresco en el panorama musical de aquel momento al incorporar con gran acierto el sonido Old-School e influencias del jazz, Soul y Blues, que se adaptan perfectamente al registro vocal de la cantante americana. Los puntos fuertes del álbum son la magnífica selección de singles, el componente lírico de las canciones y la extraordinaria ejecución vocal de Christina. Uno de los pocos fallos que tiene el álbum es su larga extensión (hay más de 20 canciones entre los dos CD’s) por lo que encontramos unos cuantos temas de relleno. «Back to Basics» es uno de álbumes imprescindibles del repertorio musical de Christina Aguilera y en mi opinión su segundo trabajo más sólido tras «Stripped». Temas imprescindibles: Ain’t No Other Man, Oh Mother, Candyman, Hurt, Slow Down Baby, Still Dirrty y Understand. Puntuación: 7’5/10.
Los mejores álbumes del 2024 (1ª parte)
10. Cowboy Carter de Beyoncé.
En 2022 Beyoncé publicó su séptimo álbum de estudio, Renaissance, que suponía el primer acto de una trilogía que grabó durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y en el que rendía homenaje a los pioneros afroamericanos de la música de baile. Este álbum profundizaba en los géneros Dance, Disco y House, pero se trataba de un trabajo muy variado que incorporaba elementos R&B, pop o Soul y contaba con numerosos samplers de famosas canciones. Tras el éxito de la gira promocional de «Renaissance», la cantante de Houston (Texas) ha regresado al panorama musical con el segundo acto de la trilogía, aunque fue el primero en ser grabado. En Cowboy Carter, su octavo trabajo discográfico, Beyoncé ha decidido recuperar sus raíces sureñas y profundizar en el género Country y la música tradicional americana. Mientras que en su anterior álbum rendía tributo a los pioneros afroamericanos de la música de baile, en esta ocasión celebra las raíces negras del Country. La cantante sólo había experimentado con dicho género anteriormente en el tema ‘Daddy Lessons’ perteneciente al álbum «Lemonade». Beyoncé confesó que la inspiración de hacer un álbum de estilo Country proviene de su controvertida actuación de ‘Daddy Lessons’ junto a The Chicks en la gala de los Country Music Awards de 2016, en la cual sintió que no era aceptada por ser una mujer de color y se encontró fuera de lugar entre un público eminentemente blanco. «Cowboy Carter» se trata de un álbum muy extenso, formado por 27 temas encuadrados dentro del Country (con ciertos elementos R&B, pop/rock, folk, Soul o Blues) y producidos por The Dream, Raphael Saadiq, Swizz Beatz o Pharrell Williams entre otros. En febrero Beyoncé lanzó dos singles como anticipo del álbum. Uno de ellos fue Texas Hold ‘Em, un tema up-tempo Country-pop con influencias folk y Soul cuyo título hace referencia a una de las variaciones más populares del juego de póker y en el que Beyoncé celebra las raíces negras de la música Country y rinde homenaje a sus orígenes sureños. ‘Texas Hold ‘Em’ recibió buenas críticas por su naturaleza desenfadada y la versatilidad vocal de Beyoncé y fue considerado el responsable de ampliar el público potencial de la música Country gracias a su éxito comercial. ‘Texas Hold ‘Em’ ha ocupado el #1 en las principales importantes listas de venta y supera los 350 millones de escuchas en Spotify. Por su parte, 16 Carriages se trata de una balada de estilo Country en la que la cantante texana describe la vida de carretera durante las giras de conciertos, pero también da detalles de la relación de sus padres cuando era joven y describe sus experiencias de adolescente cuando formaba parte de Destiny’s Child. Como siguiente single se lanzó II Most Wanted, un tema pop/rock y Country-pop de carácter downtempo que cuenta con la colaboración de Miley Cyrus y en el que ambas cantantes hablan de su estatus en la industria musical. A lo largo de su extensa trayectoria profesional, Beyoncé ha experimentado con géneros musicales tan diversos como el R&B, pop, funk, Soul, Hip Hop o electropop y es de alabar su versatilidad como artista al aproximarse en esta ocasión al Country, pero en mi opinión no es el género que mejor se adapta a su voz, la cual encaja mejor dentro del género R&B. Además, el acercamiento de Beyoncé al Country no resulta genuino o auténtico, ya que pese a sus orígenes sureños nunca ha expresado verdadero interés por este género ni ha mencionado a artistas de Country entre sus referencias musicales. Los puntos fuertes de «Cowboy Carter» son la magnífica ejecución vocal de Beyoncé, la rica y variada instrumentación y su cuidada producción, sin embargo no es el mejor trabajo de su trayectoria ya que resulta excesivamente largo, contiene interludios innecesarios y en ciertos momentos resulta monótono y repetitivo. Puntuación: 7/10.
9. Megan de Megan Thee Stallion.
Durante los últimos años, Megan Thee Stallion se ha convertido en una de las figuras más destacadas del Hip Hop femenino y ha tenido una gran presencia en las radios y listas de venta estadounidenses gracias a sus singles y las colaboraciones con otros artistas. En noviembre del año pasado llegó el single presentación de su nuevo álbum, Cobra, que marcaba una divergencia con respecto al habitual estilo Hip Hop de Megan y exploraba el sonido Rap rock. Las letras de ‘Cobra’ resultan muy honestas y muestran la vulnerabilidad de la rapera al narrar los difíciles momentos que ha vivido durante los últimos años, como la muerte de su madre y su abuela en apenas un mes, su ruptura con Pardison Fontaine o el disparo que sufrió en el pie por parte del cantante Tory Lanez. Según Megan Thee Stallion, las cobras son un ejemplo de auto-suficiencia y coraje, ya que se enfrentan a sus rivales poniéndose de pie y se muestran feroces ante las amenazas. Este single fue aclamado por la crítica por sus vulnerables y honestas letras, el cambio de dirección musical y el ágil flow de Megan. ‘Cobra’ tuvo un rendimiento moderado en la lista americana y alcanzó el top 40. El segundo single lanzado fue Hiss, un tema Hip Hop carente de estribillo en el que Megan se enfrenta a sus haters y dispara dardos envenenados a todos los artistas que han hablado negativamente de ella, como Nicki Minaj. En las letras de ‘Hiss’, Megan hace referencia a una ley federal americana por la que las personas con antecedentes penales deben notificar los cambios de domicilio, una clara alusión al marido de Nicki Minaj, culpable de una violación años atrás. En el terreno comercial ‘Hiss’ resultó un notable éxito: debutó en el #1 de la lista americana, ocupó el top 40 en Reino Unido y acumula más de 80 millones de escuchas en Spotify. Siguiendo la temática de las serpientes, como tercer single se lanzó Boa, un tema Hip Hop y Trap que samplea el conocido tema ‘What You Waiting For?’ de Gwen Stefani y resulta toda una declaración de intereses por parte de Megan, ya que habla de su estatus en el mundo de la música (se refiere a sí misma como la reina del Hip Hop) y nuevamente se enfrenta a sus rivales, principalmente Nicki Minaj. El tercer álbum de estudio de la rapera texana tiene por título Megan y supone un renacimiento para la artista y utiliza la temática de las serpientes para dar muestra no solo de su ferocidad y fuerza frente a las adversidades, sino para demostrar que con este trabajo ‘ha mudado de piel’ y muestra su verdadera personalidad. «Megan» mantiene el buen nivel de los anteriores trabajos de Megan Thee Stallion, explora nuevos géneros sin perder su esencia y sigue poniendo de manifiesto sus grandes habilidades como rapera y liricista, lo que le sitúa en una posición dominante dentro del Hip Hop femenino. Pese al innegable talento para rimar de la artista texana, las letras de las canciones presentes en «Megan» no evolucionan demasiado con respecto a las de sus anteriores trabajos, ya que siguen haciendo referencia a su atractivo físico, su riqueza y sus logros conseguidos en el mundo de la música, aunque también hay espacio para temas con letras más profundas y vulnerables en las que habla de las situaciones traumáticas que ha vivido durante los últimos años. Con sus aciertos y sus defectos (básicamente la falta de evolución en la composición y su larga extensión) «Megan» es uno de los álbumes de Hip Hop más destacados del año. Puntuación: 7’5/10.
8. Coming Home de Usher.
Durante un tiempo, Usher consideró hacer una secuela de su legendario álbum Confessions, el cual recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales, vendió más de 10 millones de copias en tierras americanas y se convirtió en el álbum R&B más exitoso de la década del 2000 en Estados Unidos. Muchas expectativas estaban puestas en torno a la segunda parte de «Confessions» e incluso fueron reclutados los productores principales de dicho álbum: Jermaine Dupri, Bryan-Michael Cox y Lil Jon. Tras la tibia acogida de los singles lanzados, Usher decidió abandonar este proyecto y no ‘ensuciar’ el buen nombre de su icónico álbum con una segunda parte que podría resultar un fracaso comercial. El cantante de Atlanta cambió de opinión con respecto a la secuela de «Confessions» pero siguió trabajando en su nuevo álbum mientras se encontraba inmerso en su exitosa residencia de conciertos en Las Vegas. Unos días antes de su participación en el intermedio de la Super Bowl, el veterano artista publicó su noveno álbum de estudio, Coming Home, el primero lanzado dentro de una discográfica independiente tras su salida de RCA, el sello discográfico al que estuvo unido durante más de una década. Su último álbum, el poco memorable «Hard II Love», fue publicado en 2016, lo que supone el lapso más largo entre dos álbumes dentro de la larga trayectoria de Usher. «Coming Home» está formado por 20 temas encuadrados dentro del R&B con influencias pop y Hip Hop compuestos por el propio Usher bajo la producción de algunos de los nombres más importantes de la industria musical como The Dream, Tricky Stewart, D’Mile, Jermaine Dupri, Bryan-Michael Cox, Hit-Boy o Rico Love entre otros. «Coming Home» cuenta con numerosos artistas invitados entre los que se encuentran Summer Walker, Latto, 21 Savage, Burna Boy, Pheelz, The Dream y H.E.R. «Coming Home» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes (el octavo top 5 de Usher en Estados Unidos) y ha obtenido unas ventas superiores a las de su anterior álbum. El año pasado llegó el single presentación del álbum, Good Good, que se trata de un tema R&B con influencia Trap y Hip Hop producido por Mel & Mus que cuenta con la colaboración de Summer Walker (con quien ya trabajó en el single ‘Come Thru’ de la cantante) y el rapero 21 Savage. En este tema, Usher habla sobre una relación fallida y le desea lo mejor a su ex-pareja, mientras que Summer Walker ofrece la perspectiva femenina y reafirma haber terminado la relación en buenos términos y 21 Savage expresa la voluntad de apoyar a su ex de cualquier manera pese a haber finalizado la relación. El segundo single lanzado fue Ruin, un tema influenciado por el sonido Afrobeats en el que Usher relata una ruptura sentimental y le reprocha amargamente a su pareja que pese a haberse mantenido fiel y comprometido en la relación, ella no ha sabido valorarle. «Coming Home» ha supuesto un importante avance cualitativo en comparación a sus últimos álbumes y nos presenta a un Usher en la madurez, pero que no ha perdido ni un ápice de su enorme talento y sigue siendo un gran vocalista, compositor y showman. Durante el 2024 no sólo se cumple el vigésimo aniversario del icónico «Confessions» sino que también han pasado 30 años del lanzamiento de su álbum debut de título homónimo, con el que inició una impecable carrera dentro el mundo de la música, convirtiéndose en el rey del R&B contemporáneo. «Coming Home» es el trabajo más sólido de la discográfica reciente de Usher y uno de los mejores álbumes R&B publicados durante este año. Puntuación: 7’5/10.
7. Tyla de Tyla.
La cantante sudafricana Tyla alcanzó el reconocimiento del gran público gracias a ‘Water’, el single presentación de su primer álbum. Water es un tema up-tempo que combina R&B, pop y amapiano (una variante del Deep House que emergió en África durante la década del 2010) y contiene unas letras muy sensuales en las que Tyla expresa a su amante su deseo de tener un encuentro íntimo y apasionado. ‘Water’ ha resultado un éxito comercial: ha alcanzado el #7 en la lista americana (el primer top 10 de un artista de origen sudafricano en décadas) y ha ocupado el top 10 en importantes mercados como Reino Unido, Suecia o Australia. ‘Water’ fue aclamado por la crítica, ha recibido un premio Grammy a mejor actuación de música africana y ha obtenido varias nominaciones a los Soul Train Awards o los Brit Awards. El álbum debut de la joven cantante, titulado simplemente Tyla, está formado por un conjunto de canciones que combinan pop y R&B contemporáneo con sonidos tradicionales africanos como el Afrobeats y el amapiano. Durante los últimos años, el Afrobeats se ha vuelto muy popular entre los artistas urbanos y se trata de un sonido de origen africano de naturaleza bailable que se caracteriza por su uso prominente de percusión y ritmos tribales. Las mayores influencias musicales de la joven cantante son artistas de la talla de Michael Jackson, Aaliyah, Rihanna o Britney Spears y según sus propias palabras su sueño sería convertirse en la primera artista sudafricana que triunfa a nivel global. Tyla ha participado en la composición de las 14 canciones presentes en el álbum, las cuales tratan temas como el sexo, las relaciones sentimentales o el empoderamiento femenino. «Tyla» fue publicado el pasado mes de marzo y debutó en el #24 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en la mejor posición conseguida por una artista femenina sudafricana en la historia de la música. Tras ‘Water’ llegó Truth or Dare, otra deliciosa pieza de amapiano y Afrobeats combinado con sonido R&B en cuyas letras Tyla deja las cosas claras a un amante que quiere volver con ella e intenta frenar su acercamiento. Los siguientes singles lanzados fueron Art, en el que Tyla declara que su cuerpo es digno de estar en una galería de arte y Jump, el tema de carácter más urbano del álbum, que cuenta con la colaboración del rapero Gunna y en el que la cantante habla sobre su ascenso a la fama y nombra su ciudad natal. En resumen, Tyla se ha convertido en una de las artistas revelación de este año gracias a sus canciones pegadizas y bailables, su bonita voz y su original sonido. «Tyla» es un álbum debut más que digno que nos ha dado a conocer a una artista muy prometedora y talentosa que dará mucho que hablar en el futuro. El único defecto del álbum es que acaba resultando repetitivo porque la mayoría de las canciones suenan muy parecidas debido a que los temas de estilo Afrobeats y amapiano tienen un tempo y un ritmo similar y no presentan excesivas variaciones. Puntuación: 7’5/10.
6. Crash de Kehlani.
Durante los últimos años Kehlani se ha convertido en una de las figuras más destacadas dentro del género R&B junto a otras prometedoras cantantes como SZA, Tinashe o Summer Walker, quienes demuestran que este género no está acabado en absoluto y sigue teniendo viabilidad comercial en el mercado americano. En 2022 llegó el último álbum de estudio de la cantante californiana, Blue Water Road, en el cual alcanzaba su madurez artística gracias a un sólido conjunto de canciones cuyas letras giraban en torno a temas como el amor, la sexualidad, la espiritualidad o la claridad emocional. El tercer álbum de Kehlani resultaba más ligero de contenido con respecto a It Was Good Until It Wasn’t, el cual fue publicado en plena pandemia del coronavirus y hablaba de sus turbulentas relaciones sentimentales, el lado oscuro de la fama o las complicaciones que supone la maternidad. El pasado mes de abril llegó el single presentación de su nuevo álbum, After Hours, que se trata de un marchoso tema R&B up-tempo muy influenciado por el sonido Afrobeats y Dancehall en el que la cantante le pide al ligue que ha conocido en la discoteca que se quede con ella para pasar más rato juntos. Este tema, que samplea el hit dosmilero ‘Move Ya Body’ de Nina Sky, ha tenido un mayor impacto comercial que los últimos singles de Kehlani y logrado entrar en la parte baja de la lista americana, lo que supone su primera aparición en el Billboard Hot 100 con un single propio desde ‘Can I’, lanzado en 2020. Sin duda ‘After Hours’ resulta un gran acierto como primer single del álbum debido a su naturaleza bailable y desenfadada y supone la apuesta más comercial de Kehlani hasta la fecha. Como segundo single se ha lanzado Next 2 U, un hipnótico tema R&B mid-tempo en cuyas letras Kehlani habla sobre proteger a una persona querida por encima de todo. En el videoclip de ‘Next 2 U’, la cantante californiana muestra su apoyo a Gaza en su conflicto con Israel y luce varias banderas palestinas. El cuarto álbum de estudio de Kehlani Parrish tiene por título Crash y supone un punto de inflexión en su carrera ya que con él pretende mostrar su evolución artística y su gran versatilidad como cantante y compositora. El álbum está encuadrado dentro del R&B/pop al igual que sus anteriores trabajos, pero resulta musicalmente más ecléctico e incorpora elementos Soul, Afrobeats, Country, folk o rock. «Crash» destaca por el hecho de que no incide tanto en los momentos oscuros de su vida, resulta más alegre y positivo que sus anteriores trabajos y destaca por contener un mayor número de temas up-tempo de carácter bailable. «Crash» es uno de los mejores álbumes dentro de la trayectoria de Kehlani ya que muestra a la perfección su versatilidad artística, su gran talento como compositora y sus excelentes habilidades vocales. Puntuación: 7’5/10.
5. Timeless de Meghan Trainor.
La cantante americana Meghan Trainor se apuntó un importante tanto en 2022 con el single ‘Made You Look’, que destacó por su viralidad en las redes sociales y le devolvió a los primeros puestos de ventas tras unos años en los que no pasaba por su mejor momento de popularidad. ‘Made You Look’ se ha convertido en su tema más popular en las plataformas musicales (acumula más 700 millones de escuchas en Spotify) y a nivel comercial ocupó el top 10 en importantes listas de venta como Australia, Canadá o Reino Unido y el #11 en Estados Unidos. Este single formaba parte del álbum Takin’ It Back, en el que regresaba (con gran acierto) al sonido doo-wop que tantos éxitos le dio en el pasado y es el que mejor se adapta a su voz y su personalidad dulce y naïf. Desde su debut en 2015, Meghan Trainor ha sido la responsable de traer al mainstream el doo-wop y el sonido retro, lo que supuso un soplo de aire fresco en un panorama pop saturado por la música electrónica y el abuso de sintetizadores. Tras ser madre por segunda vez, la cantante de Massachussets lanzó el pasado mes de marzo el single presentación de su nuevo álbum, Been Like This, que se trata de un marchoso tema doo-wop con influencias del sonido swing y big band de los años 20 y que cuenta con la participación del rapero T-Pain, uno de los ídolos de Meghan. ‘Been Like This’ es un himno de auto-aceptación y de confianza en uno mismo en el que Meghan enumera cosas positivas de ella y habla de su estatus en el mundo de la música («soy pop star pero también soy madre»). Pese a su gran potencial, ‘Been Like This’ ha sido incapaz de repetir el éxito de ‘Made You Look’ y apenas ha ocupado el top 40 en Reino Unido y ha tenido un impacto mínimo en las principales listas de venta, sin embargo acumula más de 40 millones de reproducciones en Spotify. El segundo single lanzado fue To the Moon, en el que continúa con su habitual estilo doo-wop pero añade influencias electrónicas y se convierte en una apuesta más moderna y actual por parte de Meghan. En este tema, la rubia cantante habla del amor incondicional que profesa a su marido mientras utiliza metáforas referentes al espacio exterior. El sexto álbum de estudio de Meghan Trainor tiene por título Timeless y está formado por 16 temas encuadrados dentro de su habitual sonido doo-wop con elementos de la música contemporánea como pop, R&B, Disco, synth-pop o Soul. Meghan ha participado en la composición de todas las canciones presentes en álbum (que hablan de empoderamiento, independencia, auto-aceptación, además del amor incondicional que siente por su pareja) y cuentan con la producción de Federico Vindver, Grant Boutin, Jason Evigan o Gian Stone. La primera parte del álbum está formada por temas up-tempo de estilo doo-wop reminiscencia de «Title», mientras que la segunda es más musicalmente más diversa. Meghan Trainor no ha arriesgado demasiado con «Timeless» ni ofrece nada nuevo u original, ya que sigue anclada al estilo doo-wop que tan buenos resultados comerciales le ha dado durante su carrera, pero lo adapta a nuestros días introduciendo algunos sonidos más actuales. A lo largo de su trayectoria profesional, Meghan ha tenido sus aciertos y sus fallos (seguimos encontrando composiciones poco inspiradas en este trabajo), sin embargo no ha publicado ningún álbum malo o de baja calidad y «Timeless» no es una excepción, ya que está formado por un conjunto de temas divertidos y disfrutables acompañados por su dulce y bonita voz. Puntuación: 7’5/10.
4. Eternal Sunshine de Ariana Grande.
La escasa diferencia temporal entre los álbumes «Sweetener», «Thank U, Next» y «Positions» hizo que Ariana Grande tuviera una presencia máxima en radios y listas de venta de todo el mundo y gozara de una tremenda popularidad, pero también llegó a saturar al público con lanzamientos muy seguidos. Además recibió ciertas críticas negativas por no mostrar una evolución musical debido al escaso margen de tiempo entre álbum y álbum. Por ello, tras la promoción de «Positions», la cantante americana decidió tomarse un merecido descanso, que le ha servido para digerir la descomunal fama adquirida durante estos últimos años, superar el trauma que sufrió tras el ataque terrorista en uno de sus conciertos y lidiar con la muerte de un ser querido. Tras un tiempo alejada del panorama musical, la cantante de Florida regresó en enero con el single Yes, And?, que hace un guiño a su famoso tema ‘Thank U, Next’ y en él responde a las numerosas críticas que ha sufrido durante los últimos tiempos por su cambio de apariencia, su gran pérdida de peso y su reciente divorcio, convirtiéndose en un himno de empoderamiento. ‘Yes, And?’ marca una divergencia con respecto al estilo pop/R&B de sus últimos trabajos y se adentra en un sonido Dance/House muy ochentero, reminiscencia de «Renaissance», el último trabajo de Beyoncé, aunque la verdadera inspiración de este tema ha sido el famoso tema ‘Vogue’ de Madonna y la música de baile de los años 80 y 90. ‘Yes, And?’ debutó directamente en el #1 de la lista americana, convirtiéndose en el octavo single ‘chart topper’ de Ariana Grande. El séptimo álbum de estudio de Ariana Grande ha visto la luz tres años y medio después de «Positions», lo que marca el lapso de tiempo más largo entre dos álbumes de toda su carrera. Eternal Sunshine está formado por 13 temas compuestos por la propia Ariana bajo la producción de Max Martin e Ilya, quienes han sido los artífices de algunos de sus mayores éxitos. El álbum está formado principalmente por medios tiempos pop/R&B en la línea de sus últimos trabajos, pero a diferencia de «Positions», resulta un álbum más diverso y encontramos varios temas up-tempo de estilo dance-pop con influencias House y Disco. El reciente divorcio de Ariana con el agente inmobiliario Dalton Gomez y el posterior proceso de curación han inspirado las letras de las canciones presentes en «Eternal Sunshine», el cual muestra el lado más vulnerable, sensible y personal de la cantante y lo convierte en una versión más sofisticada y elevada de sus álbumes anteriores. Coincidiendo con la publicación del álbum llegó el segundo single, We Can’t Be Friends (Wait for Your Love), que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop que recuerda a su hit ‘Into You’ y en el que Ariana canta sobre la difusa línea que existe entre la amistad y el romance. ‘We Can’t Be Friends’ ha resultado un tremendo éxito (fue nuevamente #1 en Estados Unidos) e incluso ha superado el desempeño comercial del primer single. Como tercer single se lanzó The Boy Is Mine, que se trata de un tema mid-tempo R&B en el que la cantante confiesa que está tratando de resistir el impulso de estar con un hombre casado pero finalmente cede porque está enamorada de él y están destinados a estar juntos. ‘The Boy Is Mine’ se ha lanzado en forma de remix junto a Brandy y Monica, intérpretes del clásico ‘The Boy Is Mine’, tema en el que se inspira el single de Ariana. Sin alejarse demasiado del estilo habitual de Ariana y manteniendo intacta su esencia, «Eternal Sunshine» resulta más variado y ameno de escuchar que «Positions» y destaca por la acertada secuencia de canciones y la inclusión de varios temas up-tempo. Sus puntos fuertes son el componente lírico y la excelente ejecución vocal de la cantante, sin embargo no encontramos canciones especialmente llamativas o que destaquen sobre el resto, con la excepción de los primeros singles. Este álbum no estaba originalmente en los planes de Ariana Grande y surgió de manera natural y espontánea pero en ningún caso es un trabajo precipitado o mal acabado en absoluto, ya que nos encontramos ante un sólido álbum post-divorcio cuyas canciones exploran su lado más vulnerable y sensible. Puntuación: 7’5/10.
3. This Is Me… Now de Jennifer Lopez.
En 2002 Jennifer Lopez publicó uno de los álbumes más emblemáticos de su carrera, This Is Me… Then, que supuso su consolidación en el mundo de la música tras el éxito de sus anteriores trabajos y su consagración como artista. Este álbum resultaba más maduro que los anteriores y estaba dedicado a su pareja por entonces, el actor Ben Affleck, por ello sus letras se centraban en el amor y estaba compuesto en su mayoría por medios tiempos pop/R&B con influencias Soul que marcaban una cierta divergencia con sus anteriores lanzamientos. «This Is Me… Then» ha sido precisamente la inspiración para el nuevo trabajo discográfico de Jennifer Lopez, el primero publicado en una década. Su último álbum, «A.K.A.» llegó en 2014, resultó un fracaso comercial y estaba por debajo de los estándares habituales de la diva del Bronx. Durante este amplio lapso de tiempo Jennifer Lopez no ha dejado de lanzar singles con mayor o menor acierto, pero también ha dado numerosos bandazos artísticos sin saber muy bien cómo enfocarse en un panorama musical muy diferente al de sus inicios en el mundo de la música. El noveno álbum de estudio de la cantante neoyorquina tiene por título This Is Me… Now y está formado por 13 temas encuadrados dentro del R&B/pop que siguen la estela musical y el carácter mid-tempo de «This Is Me… Then». Este álbum relata el viaje emocional y espiritual que ha experimentado Jennifer Lopez durante estas últimas dos décadas, como sonados romances, frustradas campanas de boda y el proceso de curación tras las ruptura sentimentales. Las letras de las canciones están inspiradas en su reconexión con Ben Affleck tras años de distanciamiento y su posterior boda. El single presentación del álbum ha sido Can’t Get Enough, un animado tema pop/R&B up-tempo que contiene una pequeña interpolación del tema ‘I’m Still in Love’ de Alton Ellis (popularizado por Sean Paul en el single ‘I’m Still in Love With You) y en el que la cantante expresa la gran atracción y conexión que siente por su pareja y afirma que no tiene suficiente de él. ‘Can’t Get Enough’ es uno de los pocos temas up-tempo que encontramos en el álbum y quizás el tema más comercial, pero ha tenido un impacto mínimo en las listas de venta. El álbum está compuesto principalmente por temas mid-tempo, una decisión coherente teniendo en cuenta que nos encontramos ante una secuela de «This Is Me… Then» (en el que abundaban los medios tiempos con melodías inspiradas en el estilo Soul y con numerosos samplers) pero eso se traduce en que muchos de los temas presentes no son tan accesibles e inmediatos como los que aparecían en álbumes como «J.Lo» o «Love?». Con este álbum Jennifer Lopez ha cerrado un círculo, ya que ha regresado con su antiguo amor y recupera el estilo presente en «This Is Me… Then», el álbum que le dedicó a Ben Affleck hace dos décadas. «This Is Me… Now» debutó en el top 40 de la lista americana (la peor posición de toda su carrera) y sus ventas se han visto lastradas por un bajo nivel de streaming. Dejando a un lado el aspecto comercial, este álbum supone un evidente paso adelante con respecto al poco memorable «A.K.A.» y se pone al nivel de «This Is Me… Then», pero falla en los mismos puntos que éste último, como la naturaleza demasiado almibarada de las letras, su carácter mid-tempo y la ausencia de hits de la talla de ‘Jenny from the Block’. Definitivamente Jennifer Lopez no ha arriesgado demasiado y ha apostado por lo seguro con sonidos R&B de la década del 2000, pero esto no tendría porqué ser un problema ya que durante dicha época firmó sus mejores álbumes. «This Is Me… Now» es un trabajo más que digno y supone uno de los regresos más importantes del año, por ello ocupa la medalla de bronce en este repaso. Puntuación: 7’5/10.
2. Radical Optimism de Dua Lipa.
Future Nostalgia se convirtió en uno de los álbumes más escuchados de los años 2020 y 2021 y los singles lanzados, entre los que destacaban ‘Don’t Start Now’, ‘Break My Heart’ o ‘Levitating’, alcanzaron los primeros puestos de las listas de venta de todos el mundo y acumulan millones de reproducciones en las plataformas de streaming. La progresión de Dua Lipa en el mundo de la música ha sido imparable y tras unos tímidos comienzos con su álbum debut, la cantante tocó el techo de su carrera con «Future Nostalgia». A finales del año pasado llegó el single presentación del álbum, Houdini, que sin alejarse del estilo bailable de su último álbum y con la mirada puesta nuevamente en el pasado, marca una divergencia con el sonido presente en «Future Nostalgia» y profundiza en la música psicodélica de los años 60 y 70. Este tema utiliza la figura del famoso mago de origen húngaro como metáfora para hacerle saber a su amante que si no le trata como ella merece no estará por mucho tiempo y desaparecerá. ‘Houdini’ ha sido incapaz de repetir el tremendo éxito de los últimos temas de la cantante, pero ha tenido un desempeño comercial más que digno y supera los 500 millones de reproducciones en Spotify, lo cual se puede considerar un gran dato. Sin duda, ‘Houdini’ resultó una apuesta muy acertada y solvente como primer single debido a su inmediatez, su naturaleza desenfadada y su pegadizo estribillo. Como segundo single se lanzó Training Season, un tema dance-pop y Disco de ritmo galopante en el que la cantante inglesa declara que está cansada de los hombres que intentan ligar con ella pero no expresan sus emociones ni saben cómo ganarse su amor y advierte a sus candidatos a pareja que deben currárselo si quieren tener una relación con ella. Estas letras recuerdan a las de su hit ‘New Rules’, pero en esta ocasión, en vez de dar consejos a las mujeres, la cantante se dirige directamente a los hombres. El tercer single fue Illusion, en el que Dua Lipa explora el tema de la madurez en las relaciones sentimentales y habla de las ‘red flags’ o señales de advertencia que indican que tu pareja podría tener un comportamiento tóxico para tu salud emocional, por lo que confiesa que no se va a dejar engañar por ningún novio nunca más. ‘Illusion’, de estilo dance-pop con influencias House, es una de canciones que más se asemeja al sonido presente en «Future Nostalgia» y guarda similitudes con el single ‘Hallucinate’. El tercer álbum de Dua Lipa tiene por título Radical Optimism y está formado por 11 temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop con influencias Disco y House, pero destaca por incorporar ciertos elementos de la música psicodélica de los años 70. Las letras de las canciones tratan las diferentes fases de las relaciones sentimentales (como la superación de rupturas complicadas y la vulnerabilidad que se siente al empezar una nueva relación) pero la cantante londinense ha decidido elegir el optimismo como manera de superar las decepciones amorosas. Dua Lipa ha participado en la composición de todos los temas presentes en el álbum y ha confiado la entera producción a Danny L Harle y Kevin Parker. ‘Houdini’ prometía un cambio de dirección musical de Dua Lipa hacia la psicodelia de los años 70, sin embargo estas influencias se van diluyendo a lo largo de «Radical Optimism» y apenas son perceptibles en muchos de los temas presentes, que no se alejan demasiado del estilo bailable de «Future Nostalgia», aunque tienen un perfil más alternativo y menos comercial que éste último. El punto fuerte del álbum es sin duda la excelente selección de los singles lanzados, que resultan tremendamente efectivos e inmediatos, sin embargo el resto de temas no está al nivel de los singles. «Radical Optimism» es un álbum disfrutable, entretenido y tiene una secuencia de canciones muy acertada, pero en su conjunto no aporta nada nuevo u original al panorama musical. Aún con sus fallos, resulta un álbum sólido que merece ocupar la medalla de plata en este repaso a los mejores álbumes del año. Puntuación: 7’5/10.
1. Everything I Thought It Was de Justin Timberlake.
Justin Timberlake no está viviendo uno de sus mejores momentos de popularidad: recientemente fue detenido por conducir bajo la influencia del alcohol y tras la publicación de las memorias de Britney Spears su imagen no ha quedado muy bien parada. Sin embargo el 2024 ha sido testigo de la publicación de último trabajo del cantante de Tennessee, que supone una gran adición a su magnífica discografía. Seis años después de «Man of the Woods» ha llegado Everything I Thought It Was, su sexto álbum de estudio, el cual está formado por 18 temas compuestos por el propio Justin Timberlake y producidos por importantes nombres de la industria musical como Cirkut, Louis Bell, Danja, Ryan Tedder, Calvin Harris o su habitual colaborador Timbaland. El álbum está formado por un compendio de medios tiempos pop/R&B y temas up-tempo Disco/funk de corte retro. A diferencia de sus últimos trabajos, «Everything I Thought It Was» no se trata de un álbum conceptual ni sigue una temática en particular pero contiene la esencia de todos sus trabajos discográficos anteriores y habla del amor, el sexo, las relaciones sentimentales y pasarlo bien. El single presentación del álbum fue Selfish, un tema mid-tempo pop/R&B en el que Justin ofrece su lado más vulnerable y expresa la inseguridad que siente a ser reemplazado por otra persona, de ahí que se muestre celoso y egoísta en su relación. ‘Selfish’ ha supuesto un gran single de regreso por parte de Justin, sin embargo ha tenido un rendimiento comercial moderado y apenas ha ocupado el top 20 en Estados Unidos y el top 40 en importantes mercados como Canadá o Reino Unido. Unas semanas antes de la publicación del álbum se lanzó como sencillo promocional Drown, que se trata de un medio tiempo pop/R&B producido nuevamente por Louis Bell y Cirkut en el que Justin describe una relación obsesiva y tóxica en la que es traicionado por su pareja y se siente invadido por un sentimiento de desesperanza y decepción. ‘Drown’ es una de las canciones más destacadas del álbum gracias a sus profundas letras, la versatilidad vocal de Justin y su elegante producción. El segundo single fue No Angels, que se trata de un marchoso tema up-tempo de sonido Disco/funk producido por Calvin Harris que sigue la fórmula de su hit ‘Can’t Stop the Feeling’ y en el que Justin juega el papel de casanova mientras hace uso de su conocido falsete. «Everything I Thought It Was» debutó en el #4 de la lista americana, el sexto álbum top 5 consecutivo de Justin en Estados Unidos, sin embargo ha tenido unas ventas más notoriamente bajas que sus anteriores trabajos. Este álbum supone un evidente paso adelante con respecto a «Man of the Woods» ya que está formado por un sólido conjunto de canciones que capturan a la perfección la esencia de Justin Timberlake y contienen elementos de sus mejores trabajos. Pese a ser un álbum muy extenso y contar con varias canciones de larga duración que tanto le gustan a Justin, no encontramos apenas temas de relleno y resulta muy ameno y agradable de escuchar por su acertada secuencia de canciones, que va alternando medios tiempos y temas up-tempo. Aunque ha recibido opiniones muy diversas por parte de los críticos, según el blog Mister Music es el mejor de los álbumes publicados hasta la mitad del año. Puntuación: 8/10.
Crítica de «Crash» de Kehlani
Durante los últimos años Kehlani se ha convertido en una de las figuras más destacadas dentro del género R&B junto a otras prometedoras cantantes como SZA, Tinashe o Summer Walker, quienes demuestran que este género no está acabado en absoluto y sigue teniendo viabilidad comercial en el mercado americano. En 2022 llegó el último álbum de estudio de la cantante californiana, Blue Water Road, en el cual alcanzaba su madurez artística gracias a un sólido conjunto de canciones cuyas letras giraban en torno a temas como el amor, la sexualidad, la espiritualidad o la claridad emocional. El tercer álbum de Kehlani resultaba más ligero de contenido con respecto a It Was Good Until It Wasn’t, el cual fue publicado en plena pandemia del coronavirus y hablaba de sus turbulentas relaciones sentimentales, el lado oscuro de la fama o las complicaciones que supone la maternidad. «Blue Water Road» ocupó el #13 en la lista americana, lo que suponía una posición más baja que la de sus anteriores trabajos (que fueron top 5 en Estados Unidos) y no contó con ningún hit single. El pasado mes de abril llegó el single presentación de su nuevo álbum, After Hours, que se trata de un marchoso tema R&B up-tempo muy influenciado por el sonido Afrobeats y Dancehall en el que la cantante le pide al ligue que ha conocido en la discoteca que se quede con ella para pasar más rato juntos. Este tema, que samplea el hit dosmilero ‘Move Ya Body’ de Nina Sky, ha tenido un mayor impacto comercial que los últimos singles de Kehlani y logrado entrar en la parte baja de la lista americana, lo que supone su primera aparición en el Billboard Hot 100 con un single propio desde ‘Can I’, lanzado en 2020. Sin duda ‘After Hours’ resulta un gran acierto como primer single del álbum debido a su naturaleza bailable y desenfadada y supone la apuesta más comercial de Kehlani hasta la fecha.
Como segundo single se ha lanzado Next 2 U, un hipnótico tema R&B mid-tempo en cuyas letras Kehlani habla sobre proteger a una persona querida por encima de todo. En el videoclip de ‘Next 2 U’, la cantante californiana muestra su apoyo a Gaza en su conflicto con Israel y luce varias banderas palestinas. El cuarto álbum de estudio de Kehlani Parrish tiene por título Crash y supone un punto de inflexión en su carrera ya que con él pretende mostrar su evolución artística y su gran versatilidad como cantante y compositora. El álbum está formado por 12 temas en los que explora géneros tan diversos como R&B, Soul, Afrobeats, Country, folk o rock y destaca por el hecho de que no incide tanto en los momentos oscuros de su vida, resulta más alegre y positivo que sus anteriores trabajos y destaca por contener un mayor número de temas up-tempo de carácter bailable. «Crash» es un álbum musicalmente muy ecléctico y podemos apreciarlo en temas como ‘Better Not’, una balada Country/folk que describe una relación que está haciendo aguas debido a las infidelidades de su amante y Kehlani le advierte que será mejor que no vuelva a engañarle o ‘Crash’, que se trata de una potente balada Country-rock con uso prominente de guitarra eléctrica que habla del amor incondicional.
Dentro del álbum destacan temas como ‘Groove Theory’, encuadrado dentro del sonido Neo-Soul que tanto le influenció durante su juventud, ‘Deep’, en el que habla de su dura infancia y los difíciles comienzos en el mundo de la música, ‘Tears’, uno de los momentos más bailables del álbum o ‘What I Want’, un medio tiempo R&B que contiene una interpolación del estribillo de ‘What a Girl Wants’ de Christina Aguilera y es el tema que permanece más fiel al habitual estilo de Kehlani. Este álbum resulta más ameno y divertido que los anteriores trabajos de la cantante nacida en Oakland debido a su variedad de estilos, el mayor número de temas up-tempo y la ausencia de temas de relleno. «Crash» es uno de los mejores álbumes dentro de la trayectoria de Kehlani ya que muestra a la perfección su versatilidad artística, su gran talento como compositora y sus excelentes habilidades vocales. «Crash» es uno de los álbumes más destacados del año hasta la fecha y sin duda ocupará un puesto importante en el repaso a los mejores álbumes publicados en la primera mitad del 2024 que el blog Mister Music realizará próximamente. Temas imprescindibles: After Hours, Next 2 U, Crash, Deep y Better Not. Puntuación: 7’5/10.
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