Autor: deividtoxic

Crítica de «GIRL» de Pharrell Williams

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PharrellA principios de los 90, Pharrell Williams y Chad Hugo formaron The Neptunes, uno de los dúos de productores musicales más importantes y respetados dentro de la escena Hip-Hop y R&B durante la década del 2000. Su original sonido funk con influencia electrónica y el prominente uso de sintetizadores hizo su marca distintiva, además de las habituales colaboraciones que Pharrell hacía en muchos de los temas que producía, y lograron gran éxito de la mano de raperos como Jay Z, Busta Rhymes, Nelly o Snoop Dogg y con cantantes de R&B como Usher y Kelis. Más tarde, The Neptunes fueron solicitados por artistas pop de la talla de Justin Timberlake o Britney Spears, lo cual les abrió las puertas de un mayor público y gozaron de una gran acogida internacional. Junto a Darkchild y Timbaland, The Neptunes se convirtieron en los productores más famosos, solicitados y prestigiosos dentro de la música urbana de la década del 2000, además ganaron varios Grammys y otros importantes galardones como productores y por los temas que habían compuesto y producido.

Su trabajo para estrellas como Madonna, Mariah Carey, Usher, Beyonce o Shakira y más recientemente junto a Robin Thicke en «Blurred Lines», donde colabora y produce, le han puesto en primera fila de la música como artista en solitario, tras su etapa dentro de The Neptunes. Pharrell Williams es un artista multi-disciplinario y muy talentoso, que rapea, canta (y destaca por el uso de su famoso falsetto), compone temas para él y para gran variedad de artistas y toca varios instrumentos, además es un icono de la moda gracias a su personal y original estilo. 

En 2006, Pharrell inició su carrera de cantante en solitario al margen de The Neptunes con el disco «In My Mind», que logró moderado éxito en Estados Unidos y en otros países como Reino Unido o Australia. Pero ha sido en este 2014, 8 años después de su disco debut, cuando ha logrado el éxito definitivo, ya que su presencia en las radios y los medios de comunicación ha sido máxima, tanto por sus canciones como por los temas en donde ha colaborado y producido. GIRL es el título del segundo disco en solitario de Pharrell Williams, que se puso a la venta en el mes de marzo tras el tremendo éxito cosechado por el tema «Happy», primer single extraído del disco y que también formó parte de la banda sonora de la película «Despicable Me». Happy es un marchoso tema funk, con influencias soul y R&B, compuesto y producido por él mismo, que ha logrado el #1 en las listas de venta de todo el planeta, ha sonado sin cesar en las radios y ha vendido más de 10 millones de copias digitales, convirtiéndose en uno de los singles más vendidos de toda la historia de la música. Además Happy recibió una nominación a los premios Grammy como mejor canción original dentro de la banda sonora de una película, aunque no logró llevarse dicho premio.

GIRL es un trabajo completamente diferente a su disco debut, ya que mientras que In My Mind se encuadraba dentro del Hip-Hop y exploraba su lado de rapero, su más reciente disco destaca por su fuerte sonido Funk, Soul y R&B y por ser más marchoso, con melodías alegres y letras optimistas. GIRL, como su nombre indica, es un disco que está dedicado a las mujeres, y con él, Pharrell intenta apartar las acusaciones machistas y sexistas que surgieron en torno al tema Blurred Lines de Robin Thicke, el cual Pharrell compuso, colaboró y produjo. El disco ha sido top 10 en la mayoría de los mercados musicales importantes, destacando el #2 de Estados Unidos y el #1 en Reino Unido y Australia, y los siguientes singles, «Marilyn Monroe» y «Come Get It Bae», han gozado de buena acogida en las listas de venta.

Crítica de «A.K.A» de Jennifer Lopez

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jlo-aka-coverMe considero un gran seguidor de Jennifer Lopez desde sus comienzos en el mundo de la música en el año 1999, cuando nos sorprendió con el magnífico tema ‘If You Had My Love’, que todavía hoy se encuentra entre mis temas favoritos de la cantante. Desde entonces he disfrutado con su música y la he apoyado tanto en sus mejores momentos como en los más bajos, cuando su carrera inició una espiral descendiente de popularidad y éxito y parte del público se olvidó de ella. Álbumes como «On The 6», «J.Lo» o «Rebirth» se encuentran entre mis favoritos y es una de las pocas cantantes cuyos álbumes los puedo escuchar en su totalidad sin descartar apenas ninguna canción. Por tanto, el lanzamiento de un nuevo álbum de Jennifer Lopez siempre es motivo de alegría y más cuando la cantante neoyorquina prometió que volvería a sus raíces urbanas tras una temporada en la que se centró en el dance-pop y su música se volvió más comercial y accesible a todos los públicos. Sin embargo con su último trabajo, A.K.A., me ha ocurrido algo que nunca me había sucedido con un álbum de Jennifer Lopez y es que muchos de los temas no me llamaron la atención ni me sorprendieron tras la primera escucha. Es cierto que tras darle un tiempo y escucharlo nuevamente te llevas mejor sensación, pero no resulta tan pegadizo como «Love?», que está lleno de temas bailables y enérgicos. «A.K.A.» está compuesto principalmente por temas mid-tempo pop/R&B de moderna producción y con gran componente electrónico, aunque también encontramos varias baladas y un par de temas up-tempo de estilo dance-pop. El álbum tiene gran influencia Hip-Hop y cuenta con una gran participación de raperos como Rick Ross, Nas, French Montana, T.I. o Iggy Azalea. «A.K.A.» ha supuesto la vuelta de Cory Rooney como productor ejecutivo tras su ausencia durante varios años y se encarga de la composición y producción de la mayoría de las canciones, aunque también participan otros productores como Detail, Roccstar, Max Martin o Harmony Samuels. Destaca la ausencia de RedOne (responsable de los hits ‘On The Floor’ y ‘Dance Again’), quien iba a ser el productor ejecutivo durante los primeros estadios del álbum, pero finalmente fue apartado del proyecto cuando Cory Rooney quiso darle un toque más urbano al álbum.

A principios de 2014, la cantante neoyorquina lanzó dos sencillos promocionales previos a la publicación del álbum, ambos con fuerte sonido urbano: Girls, un tema R&B/Hip-Hop producido por DJ Mustard que contiene el mismo mensaje de «al final de la noche las chicas sólo quieren pasárselo bien» de la famosa canción de Cyndi Lauper y Same Girl, un medio tiempo R&B en el que J.Lo habla de recordar tus raíces y no olvidar de dónde provienes, tal y como lo hacía su hit ‘Jenny From The Block’. El single presentación del álbum fue I Luh Ya Papi, un marchoso tema que mezcla Hip Hop y electropop en el que Jennifer utiliza varios acentos diferentes y cuenta con la participación del rapero French Montana. ‘I Luh Ya Papi’ tuvo un desempeño comercial mediocre y se convirtió en el ‘lead single’ de Jennifer menos exitoso hasta la fecha. El segundo single lanzado fue First Love, un tema electropop con influencias R&B producido por Max Martin que habla de encontrar el verdadero amor y desear que hubiera llegado años antes para que se convirtiera en tu primer amor. ‘First Love’ resulta el tema más inmediato y ‘radio-friendly’ del álbum y recibió buenas criticas por parte de los expertos musicales. La voz de J.Lo destaca gratamente en las baladas ‘Emotions’, compuesta por Chris Brown y ‘Let It Be Me’ o el medio tiempo R&B ‘Worry No More’ junto a Rick Ross. Uno de los temas más bailables del álbum y reminiscencia de sus anteriores singles de sonido dance-pop es ‘Booty’, que cuenta con la enésima colaboración de Pitbull y en el que J.Lo habla de la parte más famosa de su anatomía.

El desempeño comercial del álbum ha sido muy mediocre y ha supuesto uno de los fracasos del año. «A.K.A.» debutó en el #8 de la lista americana con apenas 30 mil copias vendidas en su primera semana, marcando mínimos dentro de la carrera de Jennifer Lopez. En España ha alcanzado #13 (muy por debajo de Love?, que fue #3 o del recopilatorio «Dance Again: The Hits» que debutó en el #5) y apenas ha ocupado el top 40 en Australia, Canadá y Alemania. En resumen, aunque «A.K.A.» no se encuentra entre mis favoritos de la cantante ni supere la calidad de sus álbumes anteriores, no quiere decir que sea un álbum de baja calidad en absoluto, ya que muestra una mayor madurez por parte de la cantante y tiene varios temas interesantes, pero en su conjunto resulta poco llamativo y en algunos momentos algo aburrido. Por ello obtiene la puntuación más baja que le he dado a un álbum de Jennifer Lopez pero en ningún caso es una nota negativa. Temas imprescindibles: First Love, Same Girl, Expertease, Booty y Worry No More. Puntuación: 7/10. 

Say Yes, el gran acierto de Michelle Williams

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Say YesAunque el trío femenino de R&B Destiny’s Child se separaron oficialmente en el año 2006, las componentes se han reunido puntualmente en varias ocasiones. Una de ellas fue en el medio tiempo de la Super Bowl del año pasado, donde Beyoncé actuó y contó con la presencia de Kelly Rowland y Michelle Williams en una de las canciones. Anteriormente Beyoncé sorprendió a sus fans en uno de los conciertos que formaron parte de la gira ‘I Am… World Tour’ trayendo al escenario a sus dos ex-compañeras en un tema de Destiny’s Child. Para el disco ‘Love Songs’, que se trataba de un recopilatorio con las mejores canciones de amor del grupo, Destiny’s Child grabaron una canción inédita, ‘Nuclear’, pero no hicieron nunguna promoción ni videoclip, por lo que el tema no recibió mucha atención por parte del público. La segunda ocasión en la que el grupo volvió a juntarse en un estudio de grabación fue gracias a Kelly Rowland, que solicitó la presencia de Beyoncé y Michelle para una de las canciones de su cuarto disco ‘Talk a Good Game’, publicado el año pasado. La canción en cuestión era ‘You Changed’, que recuperaba el estilo del grupo y era uno de los temas más destacados del disco. Este año se ha producido la tercera reunión de las componentes del grupo en un estudio de grabación, en esta ocasión gracias a una canción de Michelle Williams llamada Say Yes, que será el tercer single de su nuevo álbum y en el que ha querido contar con sus ex-compañeras y amigas. ‘Say Yes’ se encuadra dentro del estilo Gospel y la música inspiracional por su composición y mensaje, pero en esta ocasión Michelle le ha dado un toque up-tempo y bailable al tema con el objetivo de abrirse a un mayor público. ‘Say Yes’ contiene el estribillo «Cuando Jesús dice Sí, nadie puede decir No» perteneciente a un famoso rezo nigeriano y gracias a la maravillosa voz de Michelle y la presencia de Beyoncé y Kelly Rowland hacen del tema uno de los más pegadizos y marchosos de la temporada dentro del género Gospel y sin duda uno de los mejores temas de toda la carrera de Michelle.

Journey‘Say Yes’ pertenecerá a Journey To Freedom, el cuarto disco de estudio de Michelle Williams, que se pondrá a la venta en el mes de septiembre y estará producido en su mayoría por Harmony Samuels, quien se ha encargado de la composición y la entera producción del álbum. El primer single lanzado del álbum fue ‘If We Had Your Eyes’, una balada Gospel con influencia R&B/Soul con un gran mensaje inspirador que recibió muy buenas críticas de los expertos musicales, le siguió ‘Fire’, un medio tiempo R&B, que apenas tuvo repercusión y como tercer single ha sido elegido con gran acierto ‘Say Yes’, que puede dar un empujón extra al disco y abrir la música de Michelle a un mayor público, ya que hasta ahora era la componente más «desconocida» de Destiny’s Child.

Crítica de «Me. I Am Mariah… The Elusive Chanteuse» de Mariah Carey

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Me I Am MariahEl nuevo álbum de Mariah Carey tenía previsto ver la luz en 2012 tras el lanzamiento del single ‘Triumphant’, pero debido a su mediocre acogida por parte del público y las tibias críticas recibidas, finalmente no fue publicado. Tras numerosos retrasos en su lanzamiento y con cambio de título incluido, en mayo de 2014 ha visto la luz Me. I Am Mariah… The Elusive Chanteuse entre gran expectación por parte de los críticos musicales y sus numerosos fans. En sus estadios iniciales, este trabajo tuvo por título «The Art of Letting Go», que debía su nombre a una de las canciones que la cantante americana grabó junto a Darkchild y fue lanzado como single con grandes elogios de la crítica pero escaso éxito comercial. En este álbum Mariah Carey vuelve a trabajar con su habitual colaborador (y actual manager) Jermaine Dupri tras la ausencia de éste en su anterior álbum, «Memoirs of An Imperfect Angel», aunque un amplio elenco de productores han participado en este proyecto, como Hit-Boy, Darkchild, James Wright, Mike WiLL Made It o Bryan-Michael Cox, habitual de Carey y compañero de Dupri en muchas de sus canciones. «Me. I Am Mariah» está formado principalmente por baladas y medios tiempos de estilo R&B además de varios temas up-tempo con influencias Hip Hop o Disco. «Me. I Am Mariah» debutó en el #3 de la lista americana (el decimocuarto álbum top 5 consecutivo de su carrera) pero las ventas fueron muy bajas y acrecentaron la espiral decreciente en el éxito comercial de la cantante.

El single presentación del álbum fue #Beautiful, un tema mid-tempo R&B/Soul influenciado por el sonido Motown que cuenta con la participación del cantante americano Miguel y en el que ambos describen un romántico viaje en moto al atardecer mientras hablan de su relación y lo que les gusta del otro. ‘#Beautiful’ recibió críticas positivas por la gran química existente entre los dos cantantes, su sonido veraniego y su toque ‘Old School’. Con este single, Mariah Carey regresó a la parte alta de la listas de venta tras años de ausencia en las mismas y ocupó el top 15 en Estados Unidos, además del top 10 en Australia o el top 25 en Reino Unido. Como segundo single llegó The Art of Letting Go, una emotiva balada R&B con influencia Gospel producida por Darkchild cuyas letras hacen referencia a dejar marchar a los seres queridos de su vida y que demuestra su amplio rango vocal no ha disminuido con el paso de los años. Pese a ser una de las mejores canciones de Mariah de los últimos tiempos, este single no gozó de buena acogida y por ello sólo aparece en la edición deluxe del álbum. Como tercer single se lanzó You’re Mine (Eternal), una balada R&B producida nuevamente por Darkchild en la que Mariah recuerda a un amante del pasado. En mi opinión, ‘You’re Mine’ es una balada insípida que no resulta una elección acertada como single ya que hay temas muy superiores dentro de este trabajo.

Coincidiendo con la publicación de «Me. I Am Mariah» se lanzó como sencillo promocional ‘Thirsty’, que se trata de un tema R&B y Hip Hop producido por Hit-Boy muy pegadizo cuyas letras hablan de cómo su amante está sediento de fama. ‘Thirsty’ ha recibido críticas muy variadas por parte de los expertos musicales ya que por un lado es uno de los temas más urbanos del álbum y hubiera sido una buena apuesta como primer single al estilo de ‘Obsessed’, sin embargo también lo han considerado como un intento desesperado por Mariah por captar la audiencia urbana y mantenerse vigente entre el público joven. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘You Don’t Know What to Do’, un marchoso tema Disco con influencias R&B y Hip Hop que cuenta con la colaboración del rapero Wale y es posiblemente el mejor tema up-tempo de la cantante en años, ‘Make It Look Good’, un magnífico medio tiempo R&B/Soul de sonido retro por Jermaine Dupri y Bryan-Michael Cox en el que la cantante habla de cómo un hombre intenta jugar con ella, ‘Meteorite’, de estilo dance-pop y Disco y que resulta el tema más bailable del álbum o ‘Dedicated’, que cuenta con la colaboración del rapero Nas y en el que Mariah recuerda con nostalgia algunas relaciones pasadas.

En resumen, «Me. I Am Mariah» es uno de los álbumes más sólidos de la discografía reciente de Mariah Carey y supone un claro paso adelante con respecto a su anterior trabajo «Memoirs of an Imperfect Angel», que resultaba plano y aburrido. «Me. I Am Mariah» es uno de los mejores álbumes de R&B publicados durante este año, ya que combina grandes baladas con letras muy personales en las que podemos apreciar su extraordinaria voz, con temas urbanos acompañados de raperos, muy del estilo de Mariah. La cantante ‘escurridiza’ demuestra no sólo que su carrera no está acabada, sino que es capaz de superarse a sí misma y publicar uno de sus mejores álbumes y consolidarse como una de las reinas indiscutibles del R&B contemporáneo. Temas imprescindibles: The Art of Letting Go, Make It Look Good, #Beautiful, Thirsty y You Don’t Know What to Do. Puntuación: 8/10.

Food, el regreso de Kelis

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kelis-food-coverLa cantante americana Kelis publicó Flesh Tone, su último disco de estudio, en 2010, en el cual se observó una divergencia musical con sus anteriores álbumes, que estaban orientados en el R&B y el Hip-Hop alternativo para centrarse en el dance-pop y la música electrónica. En este disco, Kelis se unió a importantes figuras del dance como David Guetta o Benny Benassi y el resultado fue un breve pero gran álbum electrónico que recibió grandes críticas y obtuvo buen resultado en Europa, sobretodo en Reino Unido (donde el primer single «Acapella» fue top 5), pero no cosechó tan buen recibimiento en Estados Unidos, donde los singles sólo entraron en el componente dance de la lista americana Billboard. Durante los últimos años, aparte de su faceta como cantante y madre, Kelis ha desarrollado otra de sus pasiones, la cocina, y tras estudiar en la prestigiosa escuela culinaria «Le Cordon Bleu» finalmente consiguió el título de chef. Dentro de su faceta como chef y experta en la materia, la cantante de «Milkshake» ha escrito un libro de cocina y ha lanzado su propia marca de salsas y especias, llamada «Feast».

Como muestra de su pasión por la cocina, la cantante neoyorquina ha titulado a su último disco de estudio Food. Kelis publicó su sexto álbum en el mes de abril bajo un sello discográfico independiente y de manera muy limitada, y debido al poco poder de publicidad y promoción del mismo, el resultado comercial del álbum ha sido mediocre, obteniendo su mejor posición en la lista de Reino Unido, donde ha sido top 20. En Estados Unidos «Food» entró en el top 75, convirtiéndose en uno de los álbumes de Kelis con peor recepción comercial en tierras americanas. Para este disco, la cantante ha abandonado el estilo musical de su anterior álbum, donde coqueteó con el dance y el house y ha vuelto a la música urbana, aunque con un sonido más retro al que nos tiene acostumbrados, ya que deja a un lado el Hip Hop de sus primeros álbumes y toma influencias del Soul, el funk y el R&B más clásico. «Food» ha recibido muy buenas críticas, entre ellas el mayor uso de instrumentos en vivo, el sonido orgánico del disco y la personal y rasgada voz de Kelis. La influencia de la pasión de Kelis por la cocina queda patente en este disco, ya que varios títulos de canciones, aunque no hablen de comida, tienen inspiración en esta faceta de la cantante, como «Breakfast», «Biscuits n Gravy» o «Jerk Ribs», el que ha sido el primer single del disco y es una de las mejores canciones de Food.

Crítica de «Sex and Love» de Enrique Iglesias

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Sex_and_LoveEn el año 2010 el cantante Enrique Iglesias publicó el álbum Euphoria y gracias a singles como ‘I Like It’ con Pitbull, ‘Heartbeat’ junto a Nicole Scherzinger o ‘Dirty Dancer’ con Usher, logró un gran éxito comercial y vendió más de 4 millones de álbumes y 15 millones de singles en todo el mundo. «Euphoria» era un disco bilingüe, compuesto por canciones en inglés, centradas en el sonido dance-pop y electropop bajo la producción de RedOne y canciones en español de estilo Latin-pop más del gusto del público latinoamericano, que incorporaban sonidos como bachata o merengue. El cantante español afincado en Miami re-editó «Euphoria» para incluir nuevos temas como Tonight (I’m Fuckin’ You), que nuevamente tuvo gran éxito y ocupó posiciones altas en las listas de venta de todo el mundo. Casi 4 años más tarde, Enrique Iglesias ha publicado su nuevo álbum, Sex and Love, el décimo de su larga trayectoria musical y que comparte muchas similitudes con «Euphoria», ya que nuevamente es un disco bilingüe con canciones en español e inglés, está dirigido a las pistas de baile y cuenta con numerosos artistas invitados. «Sex and Love» continúa explorando el sonido electropop que inició con su anterior trabajo aunque seguimos encontrando el característico estilo Latin-pop y dance-pop de Enrique. La única diferencia es que RedOne, el responsable de la mayor parte de «Euphoria», no participa en este proyecto, pero su lugar lo han ocupado The Cataracs, un grupo de músicos especializados en música electrónica que tienen un estilo muy parecido al del conocido productor de origen marroquí, además de su habitual colaborador Mark Taylor y DJ Frank E. «Sex and Love» ha tenido un rendimiento comercial positivo y ha alcanzado el #1 en España o México y el top 10 en Estados Unidos. 

A pesar de la larga diferencia temporal entre «Sex and Love» y su predecesor, Enrique ha estado muy activo musicalmente hablando, ya que ha lanzado varios singles previos al lanzamiento del nuevo álbum, como ‘Finally Found You’, ‘Turn the Night Up’ y ‘Heart Attack’, todos ellos anclados al estilo del momento, el electropop y que han logrado un éxito moderado en las listas de Estados Unidos o España. Ya en 2014 llegó el single presentación de «Sex and Love», I’m a Freak, que muestra el lado más divertido y fiestero del cantante español y cuenta con la producción de The Cataracs y la colaboración del omnipresente rapero Pitbull. ‘I’m a Freak’ es un tema dance-pop y electro-House que comparte similitudes con ‘I Like It’ y ha resultado muy exitoso en las listas española y británica, donde ha ocupado el top 10, al igual que en el componente dance de la lista americana Billboard, aunque en el resto del mundo ha tenido un rendimiento muy moderado.

Para el mercado hispanohablante, el hijo de Julio Iglesias ha lanzado varios temas en español: ‘Loco’, una bachata junto al cantante Romeo Santos, ‘El Perdedor’, que ha sido el tema principal de una telenovela mexicana y Bailando, un pegadizo tema Latin-pop y reggaeton que cuenta con la participación del grupo cubano Gente de Zona. ‘Bailando’ está logrando gran éxito en nuestro país y tiene posibilidades de convertirse en una de las canciones más importantes de este verano. «Sex and Love» cuenta con importantes colaboraciones como las de Jennifer Lopez en el marchoso tema dance-pop ‘Physical’, Kylie Minogue en la balada ‘Beautiful’ (que también aparece en el nuevo álbum de la australiana, «Kiss Me Once»), Pitbull en ‘I’m a Freak’ y ‘Let Me Be Your Lover’ o el rapero FloRida en ‘There Goes My Baby’. En resumen, «Sex and Love» sigue la estela musical de «Euphoria» y repite su misma fórmula, por lo que no resulta original o innovador, además el conjunto de canciones presente no es tan sólido, sin embargo no es un trabajo de baja calidad ya que cumple perfectamente su papel de animar las fiestas a través de canciones bailables y animadas. Temas imprescindibles: I’m a Freak, There Goes My Baby, Physical y Bailando. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de «Animal Ambition» de 50 Cent

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AnimlaUno de los raperos más famosos y exitosos dentro del género Hip Hop sin duda es Curtis Jackson, conocido como 50 Cent en el mundo de la música, ya que con sus dos primeros álbumes superó los 20 millones de copias a nivel mundial. Con unos mentores de la talla de Eminem y Dr. Dre, 50 Cent saltó a la fama con el single ‘In Da Club’, que rápidamente se convirtió en un éxito en todo el mundo, especialmente en Estados Unidos, donde fue #1 en la lista Billboard, posición que repitió durante 9 semanas consecutivas. Su álbum debut, Get Rich or Die Tryin’, recibió elogios por parte de los críticos musicales y tuvo un gran resultado comercial, con unas ventas superiores a los 8 millones de copias en Estados Unidos y más de 15 en todo el mundo. Su segundo álbum, The Massacre, nuevamente alcanzó el #1 en la lista americana de álbumes y se convirtió en el segundo álbum más vendido de 2005 en Estados Unidos, con más de 5 millones de copias. Este álbum incluye el single #1 ‘Candy Shop’. Su tercer trabajo discográfico, titulado Curtis, observó un bajón importante en ventas y entre los singles lanzados destacó ‘Ayo Technology’ junto a Justin Timberlake y Timbaland. Este descenso en la popularidad y éxito comercial de 50 Cent se acentuó con su último trabajo hasta la fecha, titulado Before I Self Destruct, que resultó un fracaso de ventas en comparación con sus discos predecesores y no contó con ningún single relevante. Junto a Eminem, Fifty fue de los raperos más reconocidos en la década del 2000 en Estados Unidos y Europa, mercados donde ha gozado de gran éxito y prestigio. 50 Cent tambin es conocido por sus altercados y disputas con otros raperos, lanzando mensajes directos e insultos a otros artistas a través de las letras de sus canciones, especialmente a Fat Joe, Ja Rule o Nas. Famoso también su enfrentamiento con The Game, rapero que también perteneció a G-Unit (el grupo de Rap fundado por Fifty) pero que abandonó por su decisión de querer colaborar con artistas que habían tenido disputas con 50 Cent. Aparte de ser conocido por su música, Curtis Jackson también ha desarrollado su faceta de actor y empresario.

Durante varios años 50 Cent estuvo componiendo y grabando su supuesto quinto álbum, «King Street Immortal» e incluso dos exitosos singles fueron lanzados, ‘New Day’ y ‘My Life’, sin embargo su lanzamiento fue aplazado en varias ocasiones y finalmente el rapero apartó este proyecto y empezó a grabar nuevos temas para otro álbum completamente diferente. El rapero abandonó las discográficas de Eminem y Dr. Dre a las que pertenecía desde sus inicios y publicó su nuevo álbum bajo su propio sello G-Unit Records. En 2014 vio la luz Animal Ambition, que supone el quinto álbum de estudio de Fifty y resume su espíritu indómito, luchador y ambicioso. Este álbum está formado por 11 temas (14 en la edición deluxe) encuadrados dentro del Hip Hop y que cuentan con la producción de Frank Dukes, Ty Fyffe o Jake One y cabe destacar que su habitual colaborador Dr. Dre solo se encarga de un tema. Entre los artistas invitados de «Animal Ambition» se encuentran los raperos Jadakiss, Yo Gotti, Styles P o Kidd Kidd y el cantante Trey Songz. «Animal Ambition» ha estado precedido de una gran cantidad de singles promocionales, entre ellos ‘Don’t Worry Bout It’, ‘Pilot’ o ‘Hustler’, los cuales han sido acompañados por su videoclip correspondiente. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Smoke’, producido por Dr. Dre y que cuenta con la participación de Trey Songz. «Animal Ambition» debutó en el #4 de la lista americana pero cosechó unas ventas muy bajas, marcando un dramático declive comercial para el rapero neoyorquino. «Animal Ambition» supone un evidente paso atrás con respecto a los anteriores álbumes de 50 Cent ya que no resulta tan sólido ni contiene temas especialmente llamativos o innovadores. Temas imprescindibles: Smoke y Don’t Worry Bout It. Puntuación: 6/10.

Crítica de «Flesh Tone» de Kelis

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flesh-tone-cms-sourceDurante su carrera profesional, siempre hemos relacionado a la artista americana Kelis con el R&B más alternativo, ya que no es una cantante de R&B en el sentido más estricto de la palabra y ha mezclado este estilo musical con Hip-Hop, Neo-Soul y un fuerte componente electrónico. Además, su alocada melena rizada, su particular tono de voz que le permite llegar a diversos registros, y su ecléctico y alternativo estilo, han hecho que Kelis no pase desapercibida dentro del panorama urbano ni resulte comparable a ninguna compañera de profesión. Kelis es una de las pocas cantantes de R&B que ha tenido más popularidad y reconocimiento fuera de Estados Unidos que en su propio país, ya que en tierras europeas y sobretodo en Reino Unido ha tenido una gran acogida con sus singles, sin embargo en Estados Unidos varios de sus singles han logrado moderado éxito, pero en general ha sido una artista muy minoritaria y de escaso éxito comercial. Kelis debutó en el mundo de la música con el tema «Caught Out There», que destaca por el tono de rabia y agresividad y los gritos de la cantante. Los productores The Neptunes fueron los responsables de los tres primeros álbumes de la cantante e imprimieron su particular estilo en la música de Kelis. Con su tercer disco, Tasty, gracias a su sonido más comercial y accesible, Kelis logró moderadas ventas en todo el mundo y gozó de gran éxito especialmente en Reino Unido y Australia con varios de sus singles, entre ellos «Milkshake», que se ha convertido en el mayor éxito de toda su carrera. «Kelis Was Here» fue su cuarto álbum de estudio, que tuvo escasas ventas y poca notoriedad a pesar de ser un proyecto muy ambicioso con gran cantidad de famosos productores. Aunque fue top 10 en Estados Unidos y tuvo un resultado inicial positivo gracias al single «Bossy», las ventas pronto disminuyeron y Kelis dejó la discográfica Jive que la había acompañado desde el principio de su carrera. Tras un periodo de descanso Kelis empezó a grabar su quinto de estudio mientras estaba embarazada de su primer hijo, fruto de su relación con el rapero Nas, quien ha colaborado varias veces en sus discos y con el que se casó en 2005. Además la cantante comenzó a componer y grabar nuevas canciones sin tener casa discográfica.

En 2009, mientras estaba en la recta final de su embarazo, Kelis se divorció de Nas y unos meses después nació su primer hijo, llamado Knight. Su embarazo, la maternidad y su condición de mujer son los temas presentes en el disco Flesh Tone, el sexto de la carrera musical de Kelis. Este álbum marca una evolución en la música de Kelis y una gran divergencia con el R&B de sus anteriores trabajos discográficos, ya que la cantante deja su habitual sonido urbano para adentrarse de lleno en la música electrónica. Kelis se unió a productores como el DJ David Guetta o Benny Benassi para lograr su sonido deseado, que incluye dance-pop, House y electropop. Este álbum, pese a sólo incluir 9 temas (muy por debajo de los estándares actuales en la música) recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales donde alabaron su evolución musical y la versatilidad de la cantante. 

La elección de los singles no pudo ser mejor, ya que Kelis escogió los temas más sobresalientes del disco: A Capella, producido por David Guetta fue el primer single y el más exitoso ya que logró el #5 en la lista británica y un moderado desempeño en el resto de Europa, tras él llegó ‘4th of July (Fireworks)’, que no logró replicar el éxito del primer single. Aunque no entraron en la lista Billboard, ambos singles tuvieron buen rendimiento en el componente dance de la lista americana. Los dos últimos singles, ‘Scream’ y ‘Brave’, pese a ser dos de los mejores temas del disco, no lograron buenas posiciones en las listas europeas. Kelis promocionó este álbum con la gira «All Hearts Tour» junto a la cantante sueca Robyn en Estados Unidos y Europa y mientras los resultados comerciales en tierras americanas de «Flesh Tone» fueron muy discretos, en Europa logró una mejor recepción ya que el sonido dance-pop y electro-House es más comercial y mejor recibido por el público europeo. Siempre hemos relacionado a Kelis con el R&B y el Hip Hop más alternativo, sin embrago con «Flesh Tone» descubrimos su lado más electrónico y bailable y creó un breve pero muy interesante disco. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Braveheart» de Ashanti

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ashantiCada vez más artistas deciden abandonar las grandes discográficas tras la mala gestión o escasa promoción dada a un álbum y el posterior fracaso en las ventas de los singles y el disco, por ello algunos cantantes deciden crear su propio sello discográfico o fichar por discográficas independientes, que tienen una menor influencia en cuestión de promoción y publicidad, pero son más económicas para los artistas en los actuales tiempos de crisis y contracción de la economía, y más teniendo en cuenta el declive que sufre el negocio de la música con la enorme bajada en las ventas de discos. Uno de estos artistas es Ashanti, que tras las bajas ventas de su último disco «The Declaration» y la escasa promoción por parte de su discográfica, decidió crear su propio sello discográfico, llamado Written Entertainment. El pasado mes de marzo vio la luz el quinto álbum de estudio de Ashanti, llamado Braveheart, cuyo lanzamiento se ha retrasado en múltiples ocasiones debido al fracaso del single presentación ‘The Woman You Love’, enviado a las radios americanas a finales de 2011 y que ni siquiera entró en la lista americana de singles ni tuvo apenas rotación pese a su gran potencial. Tras ‘The Woman You Love’, se lanzó otro sencillo promocional, ‘That’s What We Do’ junto a R.Kelly, pero todavía tuvo menor acogida por parte del público debido a la nula promoción de dicho tema y la ausencia de videoclip. Como resultado del fracaso de estos sencillos, Ashanti canceló la publicación de «Braveheart» y volvió al estudio de grabación para componer nuevos temas. Durante este tiempo, Ashanti también desarrolló su faceta de actriz y participó en la última temporada de la serie americana «Army Wives» y uno de sus nuevos temas, Never Should Have, apareció en dicha serie, además de lanzarse como single promocional de su nuevo álbum. ‘Never Should Have’ es una emotiva balada R&B con gran componente electrónico que recibió buenas críticas por parte de los expertos por su emotividad y la magnífica ejecución vocal de la cantante. Desde un principio tuvo claro que su nuevo álbum iba a llamarse «Braveheart» y a pesar de los numerosos retrasos en su publicación y los cambios que ha sufrido este proyecto, ha seguido apostando por este título, inspirado en la película de idéntico título y protagonizada por Mel Gibson. Ashanti compara a los guerreros escoceses y británicos de la película con las discográficas independientes, como la suya, con las grandes y poderosas casas discográficas. La metáfora que ha utilizado la cantante neoyorquina es que hay que ser valiente como los humildes guerreros escoceses y poner el alma en luchar por lo que quieres y conseguir tus metas, como ha hecho ella asumiendo mucho riesgo en este nuevo proyecto.

Una vez reanudada la promoción de «Braveheart» y con fecha de publicación definitiva, Ashanti hizo pequeños cambios en este proyecto, como desechar el antiguo artwork del disco (sacado del videoclip de ‘The Woman You Love’) y hacer una nueva sesión fotográfica, donde Ashanti luce muy bien. Como single presentación del definitivo «Braveheart» se escogió el tema I Got It, un pegadizo tema R&B que cuenta con la colaboración del veterano rapero Rick Ross. Este tema, intensamente promocionado por la sexy cantante, marca una evolución en el sonido de Ashanti y está muy en la línea del R&B actual, que incluye cada vez más un importante toque electrónico y uso de sintetizadores. A pesar de que ‘I Got It’ tampoco ha logrado entrar en la lista americana de singles, su mayor popularidad con respecto a los anteriores temas ha propiciado que «Braveheart» debute en el top 10 de la lista americana (su quinto álbum top 10) con unas ventas discretas pero satisfactorias para un artista independiente.

«Braveheart» está compuesto principalmente por medios tiempos R&B y cuenta con varias colaboraciones de artistas de Hip Hop como French Montana, Beenie Man o Rick Ross. Aunque «Braveheart» es un disco sólido, con un moderno sonido R&B y una buena producción, no encontramos ningún tema especialmente llamativo ya que no hay canciones que impacten o sorprendan. El mejor tema del álbum es la preciosa balada ‘Never Should Have’, cargada de sentimiento y donde la voz de Ashanti luce especialmente, además es el único de los singles promocionales que ha permanecido en el ‘track listing’ de «Braveheart», ya que ‘The Woman You Love’ fue descartado de la edición final. También destacan ‘She Can’t’, uno de los temas que pertenecen a las primeras sesiones de grabación del álbum, ‘Braveheart’, que supone toda una declaración de intenciones o ‘Scars’, en el que habla de una dolorosa ruptura sentimental. En definitiva, «Braveheart» supone un paso adelante en comparación a su anterior álbum y resulta el trabajo más personal y maduro de Ashanti hasta la fecha. Temas imprescindibles: Never Should Have, I Got It, Braveheart y Scars. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Resurrection» de Anastacia

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ResurrectionNo hay duda de que la cantante Anastacia es una auténtica luchadora, ya que durante su vida ha padecido diversas enfermedades: de adolescente le fue diagnosticada la enfermedad de Crohn, que es un tipo de dolencia intestinal, también ha tenido problemas de corazón y en 2003, cuando gozaba de gran éxito gracias a su tercer álbum de título homónimo se le diagnosticó cáncer de pecho por lo que tuvo que parar todos sus proyectos profesionales y centrarse en recuperarse de la enfermedad. Por suerte Anastacia pudo superar la cruel enfermedad y prosiguió su carrera, aunque tras su exitoso álbum «Anastacia», la popularidad de la cantante disminuyó y su cuarto álbum, Heavy Rotation, supuso su primer fracaso comercial y unas ventas muy bajas. En 2012 se le volvió a detectar nuevamente cáncer de pecho, pero tras someterse a tratamiento el cáncer ha desaparecido, por lo que podemos decir que Anastacia es una auténtica superviviente. Ese mismo año la cantante Chicago publicó un álbum de versiones de temas de rock de artistas y grupos masculinos titulado It’s a Man’s World, pero se trató de un lanzamiento muy limitado que se publicó de manera digital y muy pocas unidades en formato físico fueron puestas a la venta, únicamente en países centroeuropeos donde Anastacia goza de más éxito, como Alemania, Austria o Bélgica. Tras varios retrasos en su publicación debido a su batalla contra el cáncer, en 2014 ha visto la luz su sexto álbum de estudio, titulado de manera muy apropiada Resurrection, ya que tras todos los problemas de salud que Anastacia ha sufrido, ha resurgido como un ave fénix y vuelve a hacer lo que más le gusta: crear nueva música y deleitarnos a sus seguidores con su poderosa voz. «Resurrection» está formado por 10 temas encuadrados dentro del pop/rock con ciertas influencias R&B o Soul y compuestos por la propia Anastacia bajo la producción de The Runaways (formado por sus habituales colaboradores Sam Watters y Louis Biancaniello), Jamie Hartman o John Fields entre otros. «Resurrection» es su primer álbum con canciones originales tras «Heavy Rotation» y marca el retorno de Anastacia a su habitual sonido ‘sprock’ (que ella misma definió como una mezcla de Soul, pop y rock) tras adentrarse en el sonido R&B con «Heavy Rotation».

El single presentación del álbum fue Stupid Little Things, es un tema pop/rock mid-tempo compuesto por Anastacia junto a Sam Watters y Louis Biancaniello y que resulta un himno de superación tras los malos momentos. ‘Stupid Little Things’ supone una apuesta muy acertada como single ya que contiene un estribillo muy pegadizo y resulta similar a su hit ‘Left Outside Alone’. ‘Stupid Little Things’ ha tenido un desempeño comercial moderado y ha ocupado el top 40 en Alemania, España o Italia, sus mercados más fieles desde sus comienzos en el mundo de la música. El segundo single lanzado fue Staring at the Sun, un tema pop/rock compuesto nuevamente por Sam Watters y Louis Biancaniello en el que la cantante relata la complicada relación que tiene con un hombre al que quiere pero ‘amarle es como mirar directamente al sol’, mostrando a través de su gran voz su innegable resiliencia. Como tercer single llegó Lifeline, una desgarradora balada que describe una tormentosa relación y en la que hace gala de su gran talento vocal. En resumen, Anastacia no tiene ningún álbum de baja calidad y «Resurrection» supone una buena adición a su repertorio musical ya que está formado por un conjunto digno de canciones que ponen de manifiesto su gran talento como vocalista y compositora. Temas imprescindibles: Stupid Little Things, Staring at the Sun y Lifeline. Puntuación: 7/10.