Uno de los álbumes más desconocidos dentro de la carrera de la legendaria cantante Whitney Houston y que merece ser rescatado del olvido es sin duda Just Whitney, el cual vio la luz en diciembre del 2002 tras ser renovado su multimillonario contrato con la discográfica Arista. «Just Whitney» tomó el relevo del magnífico My Love Is Your Love, que recibió grandes críticas de los expertos musicales e infinidad de galardones, fue un éxito comercial y contó con los hit singles ‘It’s Not Right But It’s Okay’ y ‘My Love Is Your Love’, los cuales ocuparon las primeras posiciones en las listas de venta. «Just Whitney» está formado por 10 temas, un compendio de temas up-tempo, baladas y medios tiempos de estilo pop/R&B bajo la producción de importantes nombres de la industria musical como Babyface, Missy Elliott, She’kspere, Teddy Bishop y su marido por entonces, Bobby Brown. «Just Whitney» debutó en el #9 de la lista americana de álbumes (su cuarto top 10 en Estados Unidos) y acabó siendo certificado platino por ventas superiores al millón de copias, unas cifras notoriamente inferiores a las de sus anteriores trabajos, por lo que fue visto como un fracaso comercial. El single presentación del álbum fue Whatchulookinat, un marchoso tema up-tempo R&B/pop producido por Bobby Brown en el que Whitney critica a los medios de comunicación por su intromisión en su vida privada y las informaciones inexactas e injustas vertidas en la prensa sobre ella y su familia. ‘Whatchulookinat’ destaca por ser la única canción compuesta por Whitney dentro del álbum y recibió feroces críticas de los expertos musicales, quienes manifestaron que la cantante de New Jersey «actúa en la canción como una pobre niña rica lloriqueando», además de considerarlo un ‘lead single’ poco memorable. En mi opinión ‘Whatchulookinat’ es un tema pegadizo, una gran elección como primer single y uno de mis temas up-tempo favoritos de Whitney. En el terreno comercial resultó un fracaso en tierras americanas, ya que apenas pisó el Hot 100 de la lista Billboard (aunque fue #1 en el componente Dance) sin embargo resultó un éxito alrededor del mundo y ocupó el top 10 en Canadá o España (donde presentó en vivo la canción en los premios MTV) y el #13 en Reino Unido.
El segundo single fue One of Those Days, un animado tema R&B producido por Kevin Briggs que samplea un clásico de The Isley Brothers y habla de escapar del estrés diario y pasarlo bien. A diferencia del primer single, ‘One of Those Days’ recibió buenas impresiones de los expertos musicales por su sonido ‘Old School’ y el acertado uso del sampler, sin embargo tuvo un desempeño comercial muy tibio en todo el mundo. Como tercer single se lanzó Try It On My Own, una bonita balada pop/R&B con influencia Soul y Gospel producida por Babyface cuyas letras hacen referencia a la superación de los miedos e inseguridades para avanzar en la vida y hacer las cosas por uno mismo. Para su lanzamiento como single se tituló simplemente ‘On My Own’ y recibió críticas muy positivas de los expertos musicales, quienes la catalogaron como la gran balada del álbum y en la que Whitney derrocha su enorme talento como vocalista. Como cuarto y último single se lanzó Love That Man, un marchoso tema dance-pop y R&B up-tempo con influencia del sonido funk/Soul de los años 80 producido por Babyface en el que declara su amor a Bobby Brown (pese a que años más tarde supimos que maltrataba a la cantante). Aunque tuvo un rendimiento comercial mediocre debido a su escasa promoción, ‘Love That Man’ destacó por ser el tercer single del álbum que alcanzaba el #1 en el componente Dance de la lista americana tras ‘Whatchulookinat’ y ‘On My Own’.
Entre los temas más interesantes de «Just Whitney» se encuentran ‘Unashamed’, un medio tiempo R&B reminiscencia del estilo de su anterior álbum cuyas letras contienen un poderoso mensaje de auto-aceptación y resiliencia al aceptar las decisiones y errores del pasado, ‘Tell Me No’, un pegadizo tema producido por Babyface que destaca por el prominente uso de guitarra al final de la canción o ‘You Light Up My Life’, una emotiva balada que se trata de una versión del tema principal de la película del mismo título y que demuestra porqué Whitney es una de las mejores vocalistas de todos los tiempos. Desde el blog Mister Music me gustaría reivindicar «Just Whitney», un álbum injustamente tratado por parte del público y la crítica pero que me parece un trabajo más que digno (sin llegar al excelente nivel de «My Love Is Your Love») repleto de buenas canciones que no tuvieron el éxito que merecían y han pasado al olvido. Temas imprescindibles: Try It On My Own, Whatchulookinat, Unashamed, One of Those Days, Tell Me No y You Light Up My Life. Puntuación: 7’5/10.
Tras lanzar varios EP’s que recibieron buenas opiniones por parte de los expertos musicales, la cantante americana Solana Rowe, más conocida como SZA, publicó en 2017 su álbum debut, Ctrl, el cual fue aclamado por la crítica por su talento como cantante y compositora y su sólido conjunto de canciones pertenecientes al R&B alternativo y el Neo Soul. En el terreno comercial «Ctrl» resultó un éxito en Estados Unidos, donde alcanzó el #3 en la lista de ventas y fue certificado triple platino por ventas superiores a los 3 millones de copias. Durante los siguientes años la cantante nacida en Missouri no ha estado alejada del panorama musical ya que ha colaborado con numerosos artistas (memorable ha sido su participación en ‘Kiss Me More’ de Doja Cat o ‘No Love’ de Summer Walker) sin embargo ha tardado más de 5 años en dar continuidad a «Ctrl». Uno de los últimos lanzamientos del 2022 ha sido el segundo álbum de estudio de SZA, SOS, el cual está formado por 23 temas, principalmente baladas y medios tiempos, encuadrados dentro del R&B y compuestos por la propia cantante bajo la producción de Bob Bisel, Darkchild, Babyface, Carter Lang, Benny Blanco, Shellback o Jeff Bhasker entre otros. Pese a estar vinculada al R&B, SZA ha declarado que no quiere estar encasillada exclusivamente en dicho género y en este álbum ha explorado otros estilos como folk, Country, pop/rock o Hip Hop. SZA siempre se ha caracterizado por sus letras autobiográficas en las que detalla sus relaciones con los hombres y la complejidad de sentimientos que se producen tras una ruptura o una relación que no funciona. 
A principios de los años 90, la cantante americana Mary J Blige se hizo un importante hueco en el género R&B/Soul con sus dos primeros álbumes, «What’s The 411?» y «My Life», los cuales se convirtieron en un gran éxito de crítica y público gracias a la poderosa voz de Mary, su inconfundible estilo urbano, la cuidada producción de Puff Daddy y su sólido conjunto de canciones pertenecientes al Hip Hop Soul, que combina el estilo R&B/Soul con bases rítmicas del Hip Hop. Ambos álbumes alcanzaron el top 10 en la lista americana y fueron certificados multi-platino en Estados Unidos. En 1997 la cantante neoyorquina publicó su tercer álbum de estudio, Share My World, el cual está formado principalmente por medios tiempos y baladas encuadradas dentro del R&B/Soul y destaca por el hecho de que se aleja en cierta manera del sonido Hip Hop Soul presente en sus dos primeros álbumes. Mary J Blige compuso la mayoría de los temas del álbum bajo la producción de importantes nombres de la industria musical como Darkchild, Jimmy Jam & Terry Lewis, R. Kelly, Babyface o Poke & Tone, quienes aportaron un sonido R&B más clásico en contraposición al Hip Hop Soul que imprimió Puff Daddy en sus dos primeros álbumes, cuya ausencia es notable en este álbum. Mientras que «What’s the 411?» y «My Life» tenían un sonido más oscuro debido a sus sombrías letras en las que hablaba de sus problemas con las adicciones y la relación abusiva que sufrió en manos de su pareja, «Share My World» tiene un contenido algo más ligero y resulta más animado y alegre. «Share My World» recibió buenas críticas de los expertos musicales y fue nominado en la categoría de mejor álbum de R&B en los premios Grammy. «Share My World» debutó en lo más alto de la lista americana, convirtiéndose en el primer álbum #1 de Mary J Blige en Estados Unidos y en el resto del mundo ocupó el top 10 en Canadá, Suecia y Reino Unido. 
El pasado mes de octubre vio la luz el quinto álbum de estudio de la artista sueca Tove Lo, titulado Dirt Femme, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del sonido synth-pop y electropop y compuestos por la propia Tove, en los que celebra su feminidad tras muchos años en los que no se sentía cómoda con su lado femenino, pero ahora al fin se siente a gusto con la mujer que es. En la portada del álbum luce un tatuaje en forma de vagina en el muslo y una cola robótica de escorpión (una referencia a escorpio, su signo del zodiaco) porque se aproxima a su visión de la feminidad en el álbum y le gusta «el hecho de que la hembra de escorpión se come al macho después del apareamiento» porque siempre le han dicho que tiene una personalidad fuerte y «consume a los hombres», aunque actualmente se encuentra felizmente casada. La cantante nacida en Helsingborg es conocida como «la chica más triste de Suecia» por su habitual temática de desengaños amorosos y su estilo oscuro y en este álbum trata temas como las relaciones amorosas, las rupturas sentimentales, la sexualidad y por primera vez se siente cómoda para hablar de sus desórdenes alimenticios. «Dirt Femme» es el primer álbum de Tove como artista independiente y en el que ha podido sentirse libre y asumir todo el control creativo de su música ya que el pasado mes de mayo creó su propio sello discográfico, Pretty Swede Records, tras abandonar la multinacional a la que pertenecía hasta entonces. 
En 2002 una jovencita texana llamada Kelly Clarkson resultó la ganadora de la primera edición del ‘talent show’ American Idol gracias a su extraordinaria voz y su carismática personalidad y pudo cumplir su sueño de dedicarse al mundo de la música. Un año después llegó su álbum debut, Thankful, el cual estaba encuadrado dentro del pop/R&B y contó con un amplio rango de productores de la talla de Babyface, Evan Rogers, Carl Sturken, The Underdogs, Desmond Child o Steve Mac en un intento por parte de su discográfica por presentarnos a la ‘nueva Mariah Carey’. Este álbum recibió críticas principalmente positivas por las habilidades vocales de Kelly Clarkson aunque carecía de una falta de dirección típica de los primeros álbumes de jóvenes artistas. «Thankful» fue #1 en la lista americana de álbumes, vendió cerca de tres millones de copias en Estados Unidos y contó con el single ‘Miss Independent’ (originalmente grabado por Christina Aguilera para su álbum «Stripped»), que ocupó el top 10 en la lista Billboard. En 2004 llegó su segundo álbum de estudio, Breakaway, el cual está compuesto por un compendio de temas up-tempo, baladas y medios tiempos encuadrados dentro del pop/rock con ciertas influencias folk y Soul y marca una divergencia con el sonido pop/R&B presente en su álbum debut. Mientras que en «Thankful» tuvo una escasa participación en el proceso creativo, para su segundo álbum Kelly Clarkson tomó las riendas de su carrera, decidió el estilo musical que quería adoptar y participó en la composición de 6 de los 12 temas presentes. Entre los productores implicados en el álbum se encuentran Ben Moody y David Hodges (componentes de la banda de rock Evanescence), John Shanks, Kara DioGuardi y los ‘hitmakers’ Max Martin y Dr. Luke. Respaldado por el éxito de los singles lanzados, el segundo álbum de Kelly debutó en el #3 en la lista de ventas americana, destacó por su larga vida comercial y acabó siendo certificado seis veces platino por ventas superiores a los 6 millones de copias en Estados Unidos. En el resto del mundo «Breakaway» también tuvo un excelente desempeño comercial y ocupó el top 10 en Australia, Reino Unido, Alemania o Canadá y superó los 12 millones de copias, convirtiéndose en el álbum más vendido de una concursante de ‘American Idol’ a nivel mundial y uno de los más exitosos de la década del 2000.
Los componentes de One Direction han tenido una acogida por parte del público de lo más diversa en sus carreras en solitario: Harry Styles ha triunfado en todo el mundo con su música e incluso ha conseguido ampliar su número de seguidores gracias a una sucesión de pegadizos singles, Niall Horan ha conseguido un éxito moderado y Liam Payne, quien a priori lo tenía todo para triunfar ha visto como su álbum se convertía en un rotundo fracaso comercial. 
La cantante americana Carrie Underwood publicó en 2018 su sexto álbum de estudio, Cry Pretty, el cual recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus extraordinarias habilidades como vocalista y compositora y su sólido conjunto de canciones Country, aunque como novedad incorporaba ciertas influencias R&B. «Cry Pretty» debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos y fue certificado platino, convirtiéndose en el cuarto álbum de Carrie que lideraba la lista americana Billboard. Tras ser madre de su segundo hijo en 2019, la cantante nacida en Oklahoma publicó en los años posteriores un álbum navideño, «My Gift» y un álbum de temática Gospel y Country cristiano, «My Savior», los cuales debutaron en el top 10 de la lista americana. El pasado mes de junio vio la luz su noveno álbum de estudio, Denim & Rhinestones, el cual está formado por 12 canciones, principalmente temas up-tempo y baladas, encuadradas dentro del Country y el pop/rock y compuestas en su mayoría por la propia Carrie Underwood, en las que trata su habitual temática de las complicadas relaciones con los hombres y las rupturas sentimentales (a pesar de que está felizmente casada con el jugador de hockey sobre hielo Mike Fisher), aunque también podemos encontrar canciones más alegres y divertidas. «Denim & Rhinestones» debutó en el #10 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el noveno trabajo (décimo si incluimos su «Greatest Hits») de la atractiva cantante en alcanzar el top 10 en Estados Unidos. El single presentación del álbum fue Ghost Story, una balada Country-pop de desamor compuesta por sus habituales colaboradores David García y Hillary Lindsey (destaca por ser la única canción del álbum no compuesta por Carrie) que ha recibido grandes críticas por su tono dramático y la excelente ejecución vocal por parte de Carrie. 
Durante los últimos años, el Hip Hop femenino está viviendo uno de sus mejores momentos ya que varias raperas han alcanzado el ‘mainstream’ y han dominado las listas de ventas, como por ejemplo Cardi B, Megan Thee Stallion, Doja Cat, Latto o la protagonista de este post, Saweetie, quien ha pasado de ser una relativa desconocida a aumentar su presencia de manera considerable dentro del género y se ha convertido en una de las figuras más prometedoras dentro del Hip Hop femenino. Diamonté Harper, el verdadero nombre de Saweetie, empezó a componer letras desde la adolescencia y una vez que terminó sus estudios decidió centrarse en su sueño de ser una rapera. Tras colgar videos suyos en las redes sociales mostrando sus habilidades como rapera y que se convirtieron en virales, llamó la atención de varias discográficas y su presencia como modelo en la colección de cosmética de Rihanna también le ayudó en su carrera musical. En 2018, la artista californiana lanzó su primer EP, «High Maintenance» dentro del sello discográfico Warner y un año después llegó otro EP, «Icy», que incluía el single ‘My Type’, con el que hizo su primera aparición en la lista americana de singles, donde ocupó el #21, además de alcanzar el top 10 en el componente Hip-Hop/R&B de Billboard. Tras el éxito de este single, la presencia de Saweetie fue solicitada por otra prometedora rapera, Latto, en el remix de ‘Bitch from da Souf’, en el que también participaba la veterana artista Trina. Para dar con el primer single de su álbum debut tenemos que retroceder hasta verano de 2020, cuando la pandemia asolaba tierras americanas. Me refiero a Tap In, que se trata de un tema Hip Hop up-tempo de apenas dos minutos producido por Dr. Luke que samplea el famoso tema ‘Blow The Whistle’ del rapero Too Short. ‘Tap In’ recibió buenas críticas de los expertos musicales por su naturaleza marchosa y su sonido ‘Bounce’ y ocupó el #20 en la lista americana, convirtiéndose en su single más exitoso hasta el momento. A nivel internacional, ‘Tap In’ tuvo un desempeño moderado en las listas de venta y alcanzó el top 50 en Canadá, Australia y Reino Unido. Tras él llegó Back To The Streets, un tema Hip-Hop con influencia R&B y melodía de piano producido por Timbaland que contaba con la participación de la cantante de R&B alternativo Jhené Aiko. ‘Back To The Streets’ hablaba de la relación de Saweetie con un hombre antes de pasar al siguiente, tuvo un desempeño inferior a ‘Tap In’ y apenas ocupó el top 60 en la lista americana (aunque fue #1 en el componente Rhythmic de Billboard). 
Después de unos años de intenso trabajo en los que Britney Spears alcanzó la cima del mundo del pop gracias a tres álbumes de ventas millonarias, la cantante americana se tomó unos meses de descanso en 2002 tras la gira promocional de su tercer trabajo y la separación de su novio Justin Timberlake. Un año después vio la luz su cuarto álbum de estudio, In the Zone, el cual destacó desde un principio por su divergencia con respecto al sonido presente en sus primeros trabajos ya que se distancia de su clásico sonido ‘teen pop’ para adentrarse de lleno en la música electrónica, aunque es un álbum muy ecléctico que incluye influencias Dance, House, R&B o Hip Hop. Mientras que Britney Spears apenas participó en la composición de sus primeros álbumes, en «In the Zone» se involucró en mayor medida en el proceso creativo y compuso 9 de las canciones presentes en el álbum. «In The Zone» también destaca sin duda por la temática de las canciones, que muestran a una Britney más madura y cómoda con su propia sexualidad, ya que el sexo es uno de los temas principales en el álbum, además de las relaciones amorosas y es considerado el álbum más autobiográfico de la cantante hasta la fecha. Max Martin, quien fue pieza esencial en el éxito inicial de Britney Spears, no participó en este álbum por diferencias creativas y a su vez trabajó con un amplio rango de productores como el dúo noruego Bloodshy & Avant, Tricky Stewart, Guy Sigsworth, R.Kelly, Diddy o Moby entre otros. «In The Zone» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes (su cuarto álbum ‘chart topper’ consecutivo) con más de 600 mil copias en su primera semana, las segundas cifras más altas del año por parte de una artista femenina y acabó siendo certificado doble platino en Estados Unidos con ventas superiores a los tres millones de ejemplares. Aunque resultaban unas cifras claramente inferiores a las de sus primeros trabajos, todavía se puede considerar un éxito en mayúsculas y cabe destacar que Britney se convirtió en la segunda cantante femenina con más álbumes #1 consecutivos en la lista Billboard por detrás de Janet Jackson. En el resto del mundo, también supuso un éxito comercial y alcanzó el #1 en Francia y el top 10 en Australia, Canadá o Alemania, aunque en importantes mercados como Reino Unido y España apenas fue top 15. 
Tras alcanzar el éxito durante la década de los 80 con álbumes de ventas millonarias como «Like a Virgin» o «True Blue» que convirtieron a Madonna en la auténtica Reina del Pop, en los años 90 la popularidad de la cantante americana descendió notoriamente debido al polémico libro «Sex» y el álbum «Erotica», que observó un considerable bajón en ventas con respecto a sus anteriores trabajos por su naturaleza sexual. Con el álbum «Bedtime Stories» y su participación en la película Evita, la imagen de Madonna se suavizó y se mostró más serena y madura. En febrero de 1998 vio la luz el séptimo álbum de estudio de la cantante americana, Ray of Light, su trabajo más místico y espiritual hasta la fecha en el que se observa una clara influencia de su estudio de la Cábala y el reciente nacimiento de su hija Lourdes María en las letras de las canciones que lo componen. Madonna empezó a grabar el álbum en 1997 junto a su habitual colaborador Patrick Leonard o Babyface, pero las sesiones de grabación no resultaron fructíferas y se unió al productor inglés William Orbit, quien le dio una dirección más experimental al álbum y se adentró de lleno en la música electrónica. «Ray of Light» está compuesto por 13 temas, principalmente baladas y temas downtempo de gran componente electrónico con influencias del sonido Trip Hop, además de varios temas up-tempo de estilo dance-pop, Techno y House. Todos los temas presentes fueron compuestos por Madonna junto a Patrick Leonard, Rick Nowels y William Orbit, quien se encargó de la entera producción. «Ray of Light» recibió elogios por parte de los expertos musicales por la dirección musical tomada en el álbum, la arriesgada producción de William Orbit, la naturaleza misteriosa y enigmática de las canciones presentes y las habilidades de Madonna como compositora. El álbum recibió 6 nominaciones a los premios Grammy, de los que ganó 4, entre ellos mejor álbum pop. «Ray of Light» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes (por detrás de la imbatible banda sonora de la película Titanic) con más de 370 mil copias en la primera semana a la venta, convirtiéndose en la cifra más alta de ventas de una cantante femenina hasta la fecha y acabó siendo certificado cuádruple platino en Estados Unidos por ventas superiores a los 4 millones de copias. En el resto del mundo fue #1 en más de 15 países incluyendo Reino Unido, Australia, España, Alemania o Canadá y superó los 16 millones de copias, superando ampliamente las ventas de «Erotica» y «Bedtime Stories» e incluso las del exitoso «Like a Prayer». 
