El panorama musical reciente, dominado por el streaming, la inmediatez en el consumo de música y el excesivo auge de las colaboraciones entre artistas, ha permitido que muchos cantantes sean famosos antes siquiera de publicar su primer álbum de estudio, un hecho que sería impensable hace unas décadas. Un ejemplo de este fenómeno ha sido la cantante neoyorquina Bebe Rexha, quien antes de debutar en el mundo de la música trabajó como compositora para otros artistas y mientras su presencia era muy solicitada por numerosos cantantes, lanzó tres EP’s entre los años 2015 y 2017, de los que destacó el último, «All My Fault Pt 2», que incluía el single ‘Meant To Be’ junto a Florida Georgia Line y se convirtió en el tema más exitoso de la carrera de Bebe Rexha ya que alcanzó el #2 en la lista americana (#1 en el componente Hot Country Songs durante más de 9 meses consecutivos) y ha superado los 10 millones de copias entre descargas digitales y streaming. Tras este gran hit, la cantante de ascendencia albanesa publicó en junio de 2018 su álbum debut, Expectations, que estaba encuadrado dentro del pop y electropop con influencia R&B, contó con un sólo single, el infravalorado ‘I’m a Mess’ y tuvo un desempeño moderado en las listas de venta alrededor del mundo. En octubre del año pasado, Bebe nos presentó el single presentación de su nuevo trabajo, Baby I’m Jealous, que se trata de un pegadizo tema pop de sonido urbano compuesto junto a Justin Tranter bajo la producción de su habitual colaborador Jussifer y que cuenta con la colaboración de la rapera de moda, Doja Cat. Baby I’m Jealous recibió buenas opiniones de los expertos musicales pero tuvo un recibimiento muy tibio por parte del público y apenas ocupó el top 60 en la lista americana. Ya en 2021 llegó el segundo single, Sacrifice, un marchoso tema dance-pop de sonido oscuro producido por Burns en el que la cantante trata de seducir a un hombre al que quiere toda la noche pero sin compromiso. Pese a ser un tema muy bailable, pegadizo y de los mejores que nos ha presentado la cantante hasta la fecha, fue incapaz de entrar en las listas de venta. El tercer single fue Sabotage, una balada pop producida por Greg Kurstin en la que Bebe reconoce que cuando las cosas le van bien en la vida, ella sabotea los momentos más preciados y declara ser la peor enemiga de sí misma. Esta bonita balada nos ofrece el lado más vulnerable y emotivo de la cantante y nos permite apreciar su amplio registro vocal. Como cuarto single del álbum se ha lanzado Die For a Man, un medio tiempo pop/R&B con uso prominente de guitarra acústica que cuenta con la colaboración del rapero Lil Uzi Vert en el que ambos hablan de las complicadas relaciones con sus parejas y guarda similitudes con el estilo presente en Expectations.
Esta semana ha visto luz el segundo álbum de estudio de Bebe Rexha, Better Mistakes, el cual está formado por 13 temas encuadrados dentro del pop, electropop, dance-pop y pop/rock, compuestos por la propia Bebe bajo la producción de Jussifer, Greg Kurstin, Burns o The Futuristics y cuenta con un gran número de artistas invitados de la talla de Doja Cat, Travis Barker, Ty Dolla Sign, Rick Ross o Lil Uzi Vert. En «Better Mistakes», la cantante trata temas como la salud mental, el amor propio y las complicadas relaciones amorosas a través de temas de carácter mid-tempo que siguen la estela musical de «Expectations», aunque este nuevo álbum contiene un mayor número de temas up-tempo y resulta más animado y bailable. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Break My Heart Myself’, un tema mid-tempo con uso prominente de guitarra eléctrica por parte de Travis Barker en el que Bebe habla de sus problemas mentales, ‘Better Mistakes’, un marchoso tema dance-pop y pop/rock compuesto junto a su habitual colaborador Justin Tranter en el que la cantante reconoce los errores que ha cometido en la vida, ‘Amore’ una bonita balada pop/R&B que describe todos los regalos, lujos y atenciones con los que le colma su pareja, cuenta con la participación del veterano rapero Rick Ross y contiene una interpolación de ‘That’s Amore’ de Dean Martin o ‘Mama’, una balada dedicada a su madre que samplea el estribillo del conocido clásico de Queen ‘Bohemian Rhapsody’. Este álbum destaca por profundizar en el sonido pop/rock en contraposición del más urbano «Expectations» y una de las canciones en las que apreciamos este cambio de dirección musical es ‘Death Row’, de carácter up-tempo y que cuenta con gran uso de guitarra eléctrica.
En resumen, «Better Mistakes» sigue tropezando con la misma piedra que «Expectations» y es que tanto la voz de Bebe Rexha como la temática de las canciones resultan genéricas y carentes de personalidad propia, por lo que podrían pertenecer a cualquier cantante pop. Por otra parte, se puede apreciar una cierta evolución musical en cuanto al sonido con respecto a su anterior álbum, sin embargo la mayor parte de las canciones resultan muy similares ya que abundan los medios tiempos con uso de guitarra al principio de la canción, siendo los más destacados del álbum los que se salen de la norma, como por ejemplo los primeros singles y los temas up-tempo. Pese a sus fallos, nos encontramos ante un buen álbum pop, agradable de escuchar, bien cohesionado y perfectamente diseñado para triunfar en las playlist de moda ya que la mayoría de canciones presentes no llegan a los tres minutos. Temas imprescindibles: Sacrifice, Baby I’m Jealous, Sabotage, Die For a Man, Better Mistakes y Amore. Puntuación: 7/10.
La cantante americana Kelly Clarkson, conocida por ser la ganadora de la primera edición del popular concurso American Idol, cosechó un tremendo éxito con «Breakaway», su segundo álbum de estudio, el cual vendió más de 6 millones de copias en Estados Unidos y contó con los singles ‘Since U Been Gone’, que alcanzó el #2 y se convirtió en uno de los mayores éxitos de su carrera, ‘Behind These Hazel Eyes’ o la poderosa balada ‘Because of You’, aclamada por la crítica y que a lo largo de los años se ha convertido en uno de los clásicos de la cantante texana. Tras la excepcional acogida de «Breakaway», en 2007 llegó su tercer álbum «My December», que cosechó bajas ventas y durante su proceso de grabación Kelly atravesó por numerosas diferencias creativas con su discográfica. En un intento por ofrecer un sonido ‘radio friendly’ más accesible a todos los públicos en contraposición con el oscuro «My December» y recuperar a los seguidores perdidos durante este álbum, Kelly Clarkson volvió a trabajar con los responsables de sus primeros álbumes como Max Martin, Dr. Luke, Sam Watters o Louis Biancaniello, además de otros como Ryan Tedder o Howard Benson, con quienes trabajaba por primera vez. En marzo de 2009 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Kelly Clarkson, All I Ever Wanted, que está encuadrado dentro del sonido pop/rock con influencias dance-pop y electropop. La cantante texana participó en la composición de 7 de las 14 canciones que conforman el álbum, el cual habla de la complejidad de las relaciones amorosas y trata temas como la dignidad, la resiliencia emocional, la independencia o el respeto a uno mismo. «All I Ever Wanted» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el segundo disco #1 de Kelly Clarkson tras su debut «Thankful» y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias, unas cifras superiores a las conseguidas por «My December» pero que se quedan lejos de las del exitoso «Breakaway». En el resto del mundo el álbum también tuvo una buena acogida comercial y ocupó el top 5 en Canadá, Reino Unido, Australia o Alemania.
Uno de los álbumes de R&B más icónicos de la década del 2000 sin duda es Born to Do It, el disco debut del artista británico Craig David. Antes de publicar este álbum, el cantante nacido en Southampton participó en el tema ‘Re-Rewind’ del dúo inglés Artful Dodger, el cual se convirtió en un éxito a finales del 1999 en la lista británica de singles, donde alcanzó el #2 y dio el impulso definitivo a la carrera musical de Craig David. A raíz de su participación en este tema y sin tener contrato con ningún sello discográfico, Craig David empezó a trabajar en su primer álbum con uno de los miembros de Artful Dodger, Mark Hill, el cual se convertiría en su productor habitual y responsable de varios de sus posteriores éxitos. Impresionado por el talento como vocalista y compositor del joven cantante y su madurez, el jefe de Wildstar Records le fichó en su discográfica tras escuchar una maqueta con sus canciones y le dio la oportunidad de grabar su álbum debut. «Born to Do It» está formado por 12 temas compuestos en su totalidad por Craig David y Mark Hill y encuadrados dentro del R&B y el 2-Step, un subgénero del Garage (sonido típicamente británico nacido a finales de los 90) con influencia Hip Hop que trata temas como el amor, las relaciones y salir de fiesta. El álbum recibió excelentes críticas por su magnífica y rica producción, que destaca por su uso prominente de guitarra española, sus marcados bajos y la suave y agradable voz de Craig David, quien mostraba su versatilidad como artista rapeando en varios temas. 
El primer álbum de Madonna de la década del 2000 fue Music, el cual recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales, tuvo un desempeño comercial espectacular (fue #1 en más de veinte países y superó los 10 millones de copias en todo el mundo) y contó con hit singles de la talla de ‘Music’ o ‘Don’t Tell Me’. Tras la extensa gira ‘Drowned World Tour’, que promocionaba tanto «Music» como «Ray of Light» y se convirtió en la gira más exitosa del año 2001, Madonna publicó su segundo disco de grandes éxitos y retomó su faceta como actriz protagonista en la película ‘Swept Away’ (‘Barridos por la Marea’ en España) e hizo un pequeño papel en ‘Die Another Day’, perteneciente a la saga de James Bond. Además de participar en la película de 007, Madonna grabó una canción para su banda sonora, Die Another Day, que se trataba de un tema electropop y dance-pop producido por Mirwais Ahmadzaï que destacaba por su uso prominente de violines y la voz de Madonna muy distorsionada. ‘Die Another Day’ recibió críticas negativas por su desacertada elección como canción principal de una película de James Bond, ya que su sonido electrónico no encajaba con el habitual estilo presente en la saga, sin embargo recibió dos nominaciones a los premios Grammy (entre ellas mejor grabación Dance) y en el terreno comercial resultó un nuevo éxito para Madonna: fue #1 en España y Canadá, ocupó el top 5 en Australia, Reino Unido o Alemania y el top 10 en Estados Unidos. Una vez que terminó sus compromisos profesionales como actriz, la cantante de Michigan volvió al estudio de grabación para dar forma a su siguiente proyecto musical. En abril de 2003 vio la luz el noveno álbum de estudio de Madonna, American Life, que seguía la estela musical de su anterior trabajo «Music» y estaba formado por 11 temas encuadrados dentro del electropop y dance-pop con gran influencia del sonido folk y uso prominente de guitarras acústicas, reminiscencia de Music. Madonna compuso todos los temas del álbum junto con el productor francés Mirwais Ahmadzaï (responsable de 6 temas de «Music») quien se encargó de la entera producción del álbum, con pequeñas participaciones de otros productores como Stuart Price, Guy Sigsworth y Mike ‘Spike’ Stent. American Life es un álbum conceptual que trata temas como el materialismo y la búsqueda del ‘Sueño Americano’ y supone la respuesta de Madonna como ciudadana estadounidense ante trágicos acontecimientos sucedidos en los últimos años como el atentado a las Torres Gemelas de Nueva York y la guerra de Irak, que tuvieron un profundo efecto en la sociedad americana y crearon una sensación de desasosiego, paranoia y desolación entre la población. Las críticas de Madonna en contra del materialismo y la superficialidad presente en la actual sociedad suponían una divergencia con respecto a la reputación que se ganó la cantante durante los años 80 con canciones como ‘Material Girl’, apodo que se le daría a Madonna y cuyas letras citaban «porque estamos viviendo en un mundo material y yo soy una chica material», lo que chocaba con la opinión actual de la Reina del Pop. Durante la promoción de American Life, Madonna lució un look militar y revolucionario que encajaba con el mensaje del álbum y en la portada recreó la icónica foto del Che Guevara con su boina militar. Como dato curioso, Madonna lucía melena morena en la portada de un álbum por primera vez en 14 años, concretamente desde «Like a Prayer» (si bien no aparecía su cara en la portada del álbum, en las fotos promocionales sí lucía melena morena) aunque es cierto que durante la era «Ray of Light» también se tiñó de morena en varios de sus videoclips como ‘Frozen’, ‘Nothing Really Matters’ o ‘The Power of Good-Bye’. 
En noviembre del 2000, Spice Girls publicaron su tercer álbum de estudio, «Forever», el primero como cuarteto ya que Geri Halliwell abandonó la formación en mayo del 1998 tras la gira promocional de «Spiceworld» por Europa. «Forever» marcó una gran divergencia musical con respecto a sus anteriores trabajos y adoptaba un moderno sonido R&B gracias a la presencia de importantes productores americanos como Darkchild, además de mostrar una imagen más madura y sexy por parte de las componentes. El tibio resultado comercial de «Forever» hizo que su promoción cesara apenas unos meses después de su publicación y tras el lanzamiento de un solo single, ‘Holler/Let Love Lead The Way’, por lo que el grupo decidió tomarse un descanso indefinido en el que las 4 componentes de Spice Girls pudieron concentrarse en sus carreras en solitario. Siguiendo los pasos de Melanie C, que hizo su debut en solitario a finales del 1999 con el exitoso «Northern Star», Emma Bunton fue la segunda Spice Girl en publicar su primer álbum como solista. Durante este mes de abril se han cumplido 20 años del lanzamiento de A Girl Like Me, el álbum debut de la conocida como ‘Baby Spice’, por ello haré una crítica en retrospectiva de este trabajo, que es uno de mis favoritos de las componentes de Spice Girls en solitario. «A Girl Like Me» es un álbum pop que explora sonidos tan diversos como pop/rock, dance-pop o R&B y está formado por 12 temas compuestos en su mayoría por la propia Emma bajo la producción de un amplio rango de importantes nombres de la industria musical como Richard Stannard (productor de Spice Girls y responsable de hits de la talla de ‘Wannabe’, ‘2 Become 1’ o ‘Spice Up Your Life’), Julian Gallagher, Steve Mac, Andrew Frampton, Rhett Lawrence, Evan Rogers o Carl Sturken. «A Girl Like Me» debutó en el #4 de la lista británica de álbumes y acabó siendo certificado oro por más de 100 mil copias vendidas en Reino Unido, unas cifras muy inferiores a las conseguidas por Geri Halliwell y Melanie C, quienes lograron gran éxito con sus primeros álbumes en solitario, pero que superaron los datos de Mel B y Victoria Beckham.
La cantante anteriormente conocida como Marina and the Diamonds, ahora simplemente Marina, ha desvelado esta semana importantes detalles sobre su nuevo álbum de estudio, como su título, su portada y su ‘track listing’ además lanzar de un nuevo single que ya está disponible en las plataformas musicales. Para dar con el último disco de estudio de Marina Diamandis tenemos que remontarnos hasta abril del 2019, cuando vio la luz Love + Fear, un disco doble que hablaba sobre las complejidades del amor y los miedos e inseguridades que sufrió tras su depresión y que recibió críticas muy tibias por parte de los expertos y tuvo un desempeño comercial muy negativo. En noviembre del año pasado, la cantante galesa lanzó el single Man’s World, que se trataba de un tema pop mid-tempo de sonido alternativo que recordaba al estilo del álbum ‘Froot’ y en el que Marina critica la discriminación y el trato injusto que han recibido a lo largo de la historia las mujeres y los colectivos más discriminados (como el LGTB) convirtiéndose en un auténtico himno de empoderamiento femenino y de apoyo a las minorías más desfavorecidas. Pese a ser un tema muy interesante y original, Man’s World no obtuvo demasiado apoyo por parte de sus seguidores, fracasó en las listas de venta y apenas acumula 13 millones de reproducciones en Spotify. Marina Diamandis ha regresado esta misma semana con su nuevo single, Purge The Poison, que servirá de anticipo a su esperado quinto álbum de estudio, que tiene por título Ancient Dreams in a Modern Land. Purge The Poison es un tema pop/rock up-tempo con influencia punk producido por Jennifer Decilveo (también responsable de Man’s World) que recuerda a los momentos más rockeros de Marina como ‘Bubblegum Bitch’ de su álbum ‘Electra Heart’ y en el que nuevamente aborda la temática social (afirma que la humanidad vive un nuevo orden social y que la Madre Tierra ha enviado un virus para que los humanos aprendan) y lanza un mensaje feminista en contra del heteropatriarcado. ‘Ancient Dreams in a Modern Land’ estará formado por 10 temas compuestos por la propia Marina y aunque todavía no se conocen los productores y compositores implicados en este proyecto, la cantante de ascendencia griega reveló que se rodearía de un equipo completamente femenino tras su grata experiencia durante la grabación de Man’s World. Desde el blog MiSTeR MuSiC estaremos muy atentos al nuevo álbum de Marina, que por ahora nos está ofreciendo temas muy interesantes que recuerdan a la Marina más marchosa y divertida (reminiscencia de Electra Heart) pero con importantes mensajes sociales y de empoderamiento femenino. 
Mientras que Missy Elliott fue la artista de Hip Hop más solicitada por todo tipo de artistas durante la década del 2000 y Nicki Minaj hizo lo propio durante la siguiente década y se convirtió en la rapera omnipresente (incluso batió el récord de 100 apariciones en la lista americana Billboard gracias a sus múltiples colaboraciones), durante los últimos años Cardi B se ha convertido en el principal reclamo de muchos cantantes para lograr un mayor éxito en las listas de ventas, pero nuevas raperas le siguen de cerca, como Megan Thee Stallion, Doja Cat, City Girls o Saweetie, quienes han aumentado notablemente su presencia en los últimos meses. La protagonista de este post, Doja Cat, publicó a finales de 2019 su último álbum, Hot Pink, el cual al principio tuvo un mínimo impacto comercial pero gracias al ‘grower’ Say So, que alcanzó el #1 en la lista americana, logró un importante repunte de popularidad (terminó alcanzando el top 10) y aumentó sus ventas considerablemente hasta ser certificado oro. Desde entonces la popularidad de la artista californiana ha crecido como la espuma, su presencia ha sido solicitada en numerosas ocasiones y ha colaborado con artistas tan variados como The Weeknd en el remix de ‘In Your Eyes’, City Girls en ‘Pussy Talk’, Bebe Rexha en ‘Baby, I’m Jealous’, Ariana Grande en el remix de ’34+35′ junto a Megan Thee Stallion o Saweetie en ‘Best Friend’. Pero además de todas estas colaboraciones, Doja Cat no ha dejado de trabajar en el sucesor de Hot Pink, titulado Planet Her, que será su tercer álbum de estudio y cuyo lanzamiento está previsto para los próximos meses. Este mes de abril ha sido la fecha escogida para presentar el primer single de este proyecto, Kiss Me More, que se trata de un marchoso tema pop/R&B de corte retro con influencia Disco muy en la línea de su hit ‘Say So’ que cuenta con la participación de la cantante SZA y en el que ambas artistas muestran su versatilidad cantando y rapeando. Doja Cat ha seguido confiando en Dr. Luke (el productor de muchos de los temas de Hot Pink) como compositor en ‘Kiss Me More’, pero en esta ocasión ha sido producido por Yeti Beats, quien también fue responsable de varias canciones de dicho álbum. Kiss Me More es un tema muy pegadizo y bailable, muestra la gran versatilidad de Doja Cat como cantante y rapera, pero resulta muy similar a ‘Say So’ en un intento por triunfar de nuevo en las listas de venta, por lo que no muestra excesiva una evolución musical por parte de la artista de Los Angeles. Desde el blog Mister Music estaremos muy atentos a los siguientes pasos de Doja Cat, una de las raperas más prometedoras de los últimos años y al álbum «Planet Her», que según sus recientes declaraciones podría contar con la participación de The Weeknd y Ariana Grande, a los que devolvería el favor por sus anteriores colaboraciones, además del rapero Young Thug.
Tras lanzar un álbum de rock cristiano bajo su verdadero nombre, «Katy Hudson», cuando apenas era una adolescente, la cantante americana Katy Perry hizo su debut internacional en 2008 con el álbum One of The Boys, el cual tuvo un desempeño comercial positivo gracias a una serie de hit singles que ocuparon las primeras posiciones en las listas de venta. Este álbum se alejaba completamente de la temática cristiana del anterior, ya que Katy mostraba una imagen más sexy y provocativa. «One of the Boys» estaba formado principalmente por marchosos temas pop/rock con influencias electropop y dance-pop, de entre los que destacaban ‘I Kissed a Girl’ y ‘Hot n Cold’, los cuales lograron un gran impacto comercial y ocuparon el top 5 en los principales mercados musicales. Desde un primer momento, la cantante californiana destacó por su imagen de ‘Lolita’ moderna, sus extravagantes atuendos y sus canciones de letras irónicas con gran sentido del humor, aunque también resultaron muy controvertidas las que hablaban sobre la homosexualidad, especialmente ‘I Kissed a Girl’ o ‘Ur So Gay’. En agosto de 2010 Katy Perry regresó al panorama musical con su tercer trabajo discográfico, Teenage Dream, que se trata de un álbum eminentemente pop que incorpora numerosos elementos electropop y dance-pop, estilos en los que profundizaría en sus trabajos posteriores, aunque también cuenta con influencias pop/rock reminiscencia de su anterior trabajo. Katy Perry compuso todas las canciones presentes en el álbum, que trataban temas como el amor adolescente, salir de fiesta o el auto-empoderamiento, bajo la producción de importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke, Max Martin, StarGate, Benny Blanco, Tricky Stewart o Greg Wells. Si por algo destacó «Teenage Dream» fue por su excelente elección de los singles lanzados, 5 de los cuales alcanzaron el #1 en la lista americana de manera consecutiva (además de otro #1 no consecutivo perteneciente a la re-edición del álbum) logrando un hito en la historia de la música, ya que hasta la fecha sólo Michael Jackson había conseguido 5 singles #1 de un mismo álbum. «Teenage Dream» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes y gracias al éxito de los singles acabó vendiendo 3 millones de copias en Estados Unidos. Alrededor del mundo también gozó de gran éxito: fue #1 en Australia, Canadá y Reino Unido y top 5 en España, Francia y Alemania y superó los 10 millones de copias a nivel mundial, convirtiéndose en uno de los discos más populares y vendidos de los años 2010 y 2011.
Uno de los álbumes más icónicos e imprescindibles dentro de la carrera musical de Céline Dion es sin duda Falling Into You, el cuarto álbum en inglés de la cantante canadiense y decimocuarto en total, el cual fue lanzado en marzo de 1996 y tomó el relevo al álbum en francés «D’eux», publicado un año atrás. El anterior álbum en inglés de Céline Dion, «The Colour of My Love», vio la luz en el año 1993 y resultó un auténtico éxito comercial ya que superó los 20 millones de copias en todo el mundo (el más vendido de la cantante hasta el momento) y contó con los hit singles ‘The Power of Love’ y ‘Think Twice’, que se han convertido en temas imprescindibles de su catálogo musical. No es un secreto que Céline Dion no compone sus canciones, por lo que siempre recurre a los mejores compositores y productores de la industria musical y para este disco trabajó con importantes nombres de la talla de Jean-Jacques Goldman (quien fue el responsable de D’eux), Jim Steinman, Rick Nowels, David Foster o Ric Wake entre otros. Falling Into You está formado por 14 temas en la edición americana y 16 en la edición internacional, en su mayoría baladas de estilo pop con influencia pop/rock y Gospel que destacan por su larga duración y el uso de un gran número de instrumentos en vivo como piano, violín, guitarra española, trombón o saxofón. Gracias a este álbum, Céline Dion consolidó su presencia internacional además de su hegemonía como reina del formato Adult Contemporary. «Falling Into You» recibió críticas muy variadas por parte de los expertos musicales y mientras muchos alabaron la impecable técnica vocal de Céline, la magistral producción y su sonido orquestal, otros criticaron el exceso de baladas, las numerosas versiones presentes y sus formulaicas letras románticas. El cuarto álbum de la cantante canadiense recibió numerosos premios, entre ellos dos premios Grammy a álbum del año y mejor álbum pop y tres World Music Awards incluyendo artista más vendedora del año.
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