Funk

Crítica de «Vie» de Doja Cat

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Tras unos inicios musicales dentro de los géneros Hip Hop y R&B, Doja Cat desarrolló su faceta más pop en su tercer trabajo discográfico, Planet Her, con el que consolidó su fama internacional y se convirtió en una de las artistas más populares del panorama musical. «Planet Her» se convirtió en uno de los álbumes más exitosos del año 2021 gracias a hit singles como ‘Kiss Me More’, ‘Need to Know’ o ‘Woman’, que ocuparon los primeros puestos en las listas de venta y acumulan miles de millones de reproducciones en las plataformas musicales. Este álbum estaba formado por pegadizos temas R&B/pop con influencia Hip Hop en los que Doja Cat mostraba su versatilidad como cantante y rapera, sin embargo recibió algunas acusaciones de comprometer su integridad profesional y venderse al pop comercial. Pese a la gran longevidad comercial de «Planet Her» en las listas de venta y las incontables alegrías que le proporcionó, la artista californiana renegó tanto de este álbum como de «Hot Pink» y criticó a sus seguidores en las redes sociales «por apoyar álbumes tan mediocres», lo que demostraba muy poco respecto por su propio catálogo musical y una escasa integridad profesional. En el año 2023 la polémica artista publicó Scarlet, que abandonaba completamente el pop y se centraba en el sonido Hip Hop para demostrar su valía como rapera, que se había puesto en entredicho. Pese a contar con exitosos singles como ‘Paint the Town Red’ o ‘Agora Hills’, el álbum tuvo un desempeño comercial moderado y notoriamente inferior al conseguido por «Planet Her». Teniendo en cuenta que Doja Cat ha renegado de los álbumes que le han hecho famosa y muestra un desprecio reiterado hacia sus fans, es cuanto menos curioso que se encuentre entre los 40 artistas más escuchados a nivel mundial y supere los 50 millones de oyentes mensuales en Spotify.

El quinto álbum de estudio de Doja Cat tiene por título Vie y está formado por 15 temas en los que regresa a la música pop y explora temas como el amor, el sexo o el romance. El álbum contiene gran inspiración de la música de los años 80 (con guiños a artistas como Janet Jackson o Prince) e incorpora elementos funk, synth-pop, R&B, Disco o New Jack Swing, sin olvidar su faceta Hip Hop ya que todas las canciones presentes contienen su característico rap. «Vie» ha sido grabado durante los últimos años en la costa azul francesa, de ahí la influencia que tiene la cultura y el glamour francés en el álbum, incluido el título. Amala Dlamini (el verdadero nombre de Doja Cat) ha compuesto todas las canciones presentes en el álbum y ha contado con la producción del omnipresente Jack Antonoff, su habitual colaborador Y2K, Kurtis McKenzie, Jeff Gitelman o Rob Bisel entre otros.

El single anticipo del álbum fue Jealous Type, un tema synth-pop de sonido ochentero y con influencias Disco/funk producido por Y2K y Jack Antonoff. En este tema, Doja Cat se muestra confusa sobre el amor y las elecciones, se siente celosa y lucha contra la inseguridad dentro de una relación complicada con un hombre vanidoso e impaciente. ‘Jealous Type’ ha tenido un desempeño moderado en las listas de venta y ha ocupado el top 20 en Reino Unido y el top 40 en Estados Unidos, Canadá o Australia, lo que supone un notorio retroceso comercial con respecto a ‘lead singles’ anteriores como ‘Kiss Me More’. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Stranger’, que muestra el lado más vulnerable de Doja y contiene un sonido de saxofón muy ochentero o ‘Gorgeous’, cuyas letras hacen referencia a que la belleza atrae la envidia y ser juzgado por los demás, aunque también es fuente de poder y confianza en uno mismo. Quizás el tema más llamativo es ‘Aaahh Men!’, que samplea la sintonía de la mítica serie «El coche fantástico» y en el que Doja rapea con su habitual tono exagerado sobre buscar a su hombre ideal mientras que se divierte con unos y otros. La cantante SZA, quien colaboró en el hit ‘Kiss Me More’, es la única artista invitada en el álbum y participa en ‘Take Me Dancing’. El aroma de la música de los 80 se evapora en temas como ‘Act of Service’ o ‘Make It Up’, que suenan fuera de lugar dentro del álbum debido a su sonido más centrado en el R&B y el Trap.

Doja Cat no ha parado de dar bandazos a lo largo de su carrera sin encontrar su estilo propio y se ha movido del Hip Hop, con el que ha recibido buenas críticas por sus grandes habilidades como rapera y liricista, al pop más comercial, que le ha dado una mayor popularidad y rédito comercial, lo que muestra una escasa credibilidad como artista. «Vie» no es un álbum de baja calidad en absoluto ya que encontramos un puñado de temas interesantes y pegadizos, pero resulta largo, contiene excesivo relleno y en conjunto no ofrece nada nuevo al panorama musical (ya saturado de música inspirada en los años 80). La mayoría de las canciones presentes en el álbum siguen la misma fórmula (parte pop cantada y un pequeño rap al final) por lo que acaban resultando repetitivas y poco originales. Además, Doja Cat es una talentosa rapera pero no destaca especialmente en su faceta como cantante, ya que tiene un rango vocal muy limitado. Temas imprescindibles: Jealous Type, Stranger, Gorgeous, Aaahh Men!, Take Me Dancing y One More Time. Puntuación: 7/10.

Throwback Review: «Control» de Janet Jackson

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Tras dos álbumes con un desempeño comercial infructuoso, Janet Jackson regresó en 1986 con su tercer álbum de estudio, Control, el cual está formado por 9 canciones encuadradas dentro del pop/R&B con influencias funk, Hip Hop, Soul, Disco o New Jack Swing que se alejaban del sonido ‘bubblegum pop’ de sus anteriores álbumes. Este cambio musical de la pequeña de los Jackson se produjo gracias a su trabajo con el legendario dúo de productores Jimmy Jam y Terry Lewis, conocidos por ser de los primeros en utilizar la icónica caja de ritmos Roland TR-808, que se convirtió en el sonido distintivo dentro del género Hip Hop. Janet viajó a Minneapolis (Minnesota), donde se encontraba el estudio de grabación del dúo, para pasar tiempo con ellos y conocerse. A lo largo de las 6 semanas que duró la grabación del álbum, Terry & Lewis crearon 9 canciones específicamente para ella basándose en su experiencias personales. «Control» supuso un punto de inflexión en la carrera de Janet ya que si este álbum no salía bien, tenía pensado volver a sus estudios de derecho comercial. Las letras de las canciones presentes resultan autobiográficas y exploran los cambios producidos en la vida de Janet y su camino a la independencia, como la reciente anulación de su matrimonio con James DeBarge o la separación de negocios con su padre y el resto de la familia Jackson. En un principio «Control» debutó en la parte baja de la lista americana de álbumes pero a raíz del éxito de los dos primeros sencillos fue ascendiendo hasta alcanzar el #1 y terminó siendo certificado quíntuple platino por ventas superiores a los 5 millones de copias en tierras americanas. A nivel internacional el álbum fue top 10 en Reino Unido o top 25 en Australia y superó los 10 millones de copias en todo el mundo. 7 de los 9 temas del álbum fueron lanzados como singles y 5 de ellos (‘What Have You Done For Me Lately’, ‘Nasty’, ‘When I Think of You’, ‘Control’ y ‘Let’s Wait Awhile’) alcanzaron el top 5 en la lista americana Billboard, lo que denota el mayúsculo nivel de éxito que logró «Control».

El single presentación del álbum fue What Have You Done for Me Lately, un tema R&B y funk de carácter up-tempo que habla de los sentimientos de Janet tras su reciente separación de James DeBarge y cuyas letras expresan su frustración en la relación con el cantante de R&B. ‘What Have You Done for Me Lately’ debutó tímidamente en la lista americana y meses después alcanzó el #4 en Billboard, convirtiéndose en el primer single top 5 de Janet. ‘What Have You Done for Me Lately’ recibió una nominación a mejor canción de Rhythm & Blues en los premios Grammy de 1987. Como segundo single se lanzó Nasty, un enérgico tema R&B y New Jack Swing cuyas letras se inspiran en la propia experiencia de Janet con el acoso callejero en Minneapolis por parte de un grupo de hombres que se encontraban fuera del hotel en el que residía durante la grabación del álbum. ‘Nasty’ es considerada como la canción más innovadora del álbum según la propia Janet y surgió como un sentimiento de autodefensa. ‘Nasty’ continuó la buena racha comercial de la cantante y alcanzó nuevamente el top 5 en la lista americana. El tercer single lanzado fue When I Think of You, un tema up-tempo que combina dance-pop, synth-pop, funk y R&B y cuyas letras hacen referencia a la búsqueda de diversión y alivio en su amante. ‘When I Think of You’ tuvo un gran desempeño comercial y se convirtió en el primero de los muchos singles #1 que conseguiría la hermana de Michael durante su carrera. 

Como cuarto single se lanzó la canción titular, Control, que se trata de un tema funk y synth-pop cuyas letras hablan de la búsqueda de independencia por parte de Janet y abandonar el férreo control ejercicio por su padre, Joe Jackson, a quien despidió como su mánager antes del álbum. ‘Control’ alcanzó el #5 en la lista americana. Cabe destacar que ‘Control’ ganó un premio Soul Train a mejor videoclip de R&B/Soul, batiendo a su hermano Michael o Whitney Houston. Tras 4 singles de carácter bailable llegó Let’s Wait Awhile, que se trata de una balada pop/R&B que muestra el lado más dulce y vulnerable de Janet. Las letras de ‘Let’s Wait Awhile’ hacen referencia a la conversación que tienen dos adolescentes de posponer las relaciones sexuales hasta que llegue el momento adecuado. ‘Let’s Wait Awhile’ ocupó el #2 en la lista americana y el #3 en la lista británica. Janet siguió desgranando el álbum y lanzó como sexto single The Pleasure Principle, un marchoso tema R&B, dance-pop y synth-pop que supone un himno de independencia femenina y tomar el control de una relación. ‘The Pleasure Principle’ tuvo un desempeño comercial inferior al de los singles anteriores y ocupó el top 15 en la lista Billboard. El séptimo y último single lanzado fue Funny How Time Flies (When You’re Having Fun), que se trata de una balada R&B/Soul que contiene varias frases en francés y cuyas letras hacen referencia a lo rápido que pasa el tiempo cuando estás disfrutando con tu pareja.

«Control» es considerado uno de los álbumes más icónicos e influyentes de la década de los 80 y que ayudó a sentar las bases del sonido New Jack Swing, un híbrido R&B, Hip Hop y dance-pop popularizado por productores como Teddy Riley y Jimmy Jam & Terry Lewis. Este álbum ha influenciado a una generación entera de cantantes femeninas posteriores como Britney Spears, Ciara o Beyoncé, que emularon el estilo de Janet. «Control» fue aclamado por la crítica musical y ha sido incluido en la lista de los 100 mejores álbumes de los años 80 de la prestigiosa publicación Rolling Stone, en la lista de los mejores álbumes de R&B y Hip Hop de Billboard o en la lista de álbumes esenciales del siglo XX de Vibe. Sin duda «Control» es uno de los trabajos clave en la carrera de Janet y en el que demostró que es una talentosa artista más allá de ser la hermana pequeña de Michael Jackson. Temas imprescindibles: The Pleasure Principle, When I Think of You, Let’s Wait Awhile, Nasty y What Have You Done for Me Lately. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «Funky Divas» de En Vogue

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Funky DivasEl grupo de R&B En Vogue se formó a finales de los años 80 mediante un casting que buscaba encontrar cantantes atractivas, de fuerte personalidad y con una poderosa voz en un intento de resucitar el espíritu de los clásicos grupos femeninos de Soul de los años 50 y 60. En Vogue estaba formado en sus comienzos por Terry, Cindy, Dawn y Maxine, las cuales se convirtieron en un referente de grupos femeninos de R&B posteriores como TLC, Destiny’s Child o 702 por la manera de armonizar sus voces, sus coreografías y sus carismáticas personalidades. En Vogue también fueron pioneras por los turbulentos cambios de integrantes durante su trayectoria profesional y el ego de sus componentes por ser la voz principal, algo que se ha repetido incesantemente en grupos femeninos posteriores como Destiny’s Child, Sugababes o Fifth Harmony. En Vogue publicaron en 1990 su álbum debut, Born to Sing, el cual recibió buenas críticas de los expertos musicales por la gran armonía vocal de sus componentes y su inconfundible estilo que fusionaba R&B, Hip Hop y New Jack Swing. El álbum debutó en un discreto top 25 de la lista americana pero fue certificado platino en Estados Unidos por vender más de un millón de copias y contó con el hit single ‘Hold On’. En 1992 llegó su segundo álbum de estudio, Funky Divas, el cual está encuadrado dentro del R&B, Hip Hop y New Jack Swing al igual que su predecesor pero incorpora elementos Soul, funk o doo-wop. El álbum, que contó con la producción de sus habituales colaboradores Denzil Foster & Thomas McElroy, consiguió una nominación a mejor actuación vocal de R&B de un grupo en los premios Grammy y ganó un galardón a mejor álbum R&B/Soul en los American Music Awards. «Funky Divas» debutó en el #8 de la lista americana (el primer álbum top 10 del grupo), fue certificado triple platino en Estados Unidos y se convirtió en uno de los álbumes de R&B más vendidos de aquel año en tierras americanas. A nivel internacional superó los 5 millones de copias vendidas y alcanzó el top 10 en la lista de Reino Unido.

Este álbum consagró a En Vogue como las divas del R&B de los 90 gracias a exitosos singles como ‘My Lovin’ (You’re Never Gonna Get It)’, ‘Give It Up, Turn It Loose’ o la versión del tema de Aretha Franklin ‘Giving Him Something He Can Feel’. Uno de los singles más populares del álbum fue el marchoso Free Your Mind, que marcaba una divergencia con el estilo R&B habitual del grupo y adoptaba un arriesgado sonido funk rock y uso prominente de guitarra eléctrica. Este tema llamó la atención por sus letras en contra del sexismo, el racismo y las desigualdades sociales. «Funky Divas» destaca por el hecho de que es el último álbum de En Vogue como cuarteto, ya que Dawn, una de las voces principales, abandonó la formación antes del lanzamiento del tercer álbum, «EV3», publicado en 1997. «Funky Divas» está formado por un sólido conjunto de canciones con el inconfundible sonido urbano de los años 90 y destaca por su gran producción y la magnífica ejecución vocal de sus componentes, que brillan tanto individualmente como en sus armonías conjuntas. Sin duda «Funky Divas» es uno de los álbumes más destacados del R&B de los 90. Temas imprescindibles: My Lovin’, Give It Up Turn It Loose y Free Your Mind. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Everything I Thought It Was» de Justin Timberlake

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Everything I Though I WasMientras que muchos artistas muestran una gran agilidad a la hora de publicar sus trabajos discográficos pero apenas ofrecen una evolución musical real debido al escaso margen temporal entre sus lanzamientos, Justin Timberlake suele tomarse su tiempo entre álbum y álbum, lo que le permite no sólo embarcarse en nuevos proyectos y compatibilizar su carrera de actor, sino madurar en profundidad sus nuevos trabajos. En 2018 llegó su último álbum de estudio, «Man of the Woods», en el que Justin ofrecía su lado más humano y familiar e incorporaba un cierto toque de música tradicional procedente de sus orígenes sureños como el Country o el Blues. Durante este amplio lapso de tiempo, el cantante de Memphis ha desarrollado su faceta de actor y ha colaborado en canciones de otros artistas y a finales del año pasado elevó la nostalgia colectiva cuando se reunió junto a sus compañeros de N’Sync para grabar el tema ‘Better Together’, perteneciente a la última película de la saga ‘Trolls’. 6 años después de «Man of the Woods» ha llegado Everything I Thought It Was, su sexto álbum de estudio, el cual está formado por 18 temas compuestos por el propio Justin Timberlake y producidos por importantes nombres de la industria musical como Cirkut, Louis Bell, Rob Knox, Danja, Ryan Tedder, Calvin Harris o su habitual colaborador Timbaland. El álbum está formado por un compendio de medios tiempos pop/R&B y temas up-tempo Disco/funk de corte retro. A diferencia de sus últimos trabajos, «Everything I Thought It Was» no se trata de un álbum conceptual (como «The 20/20 Experience») ni sigue una temática en particular («Man of the Woods») pero contiene la esencia de todos sus trabajos discográficos anteriores y profundiza en el amor y las relaciones sentimentales, aunque también hay espacio para temas más livianos como pasarlo bien y el sexo (reminiscencia de «FutureSex/LoveSounds»). Este álbum ha llegado en un momento complicado para Justin Timberlake, cuya reputación vuelve a estar en entredicho tras la publicación de las memorias de Britney Spears, en las que afirmaba que el cantante le fue infiel varias veces y le presionó para que abortara cuando se quedó embarazada de él. Tras las sorprendentes afirmaciones de Britney, los fantasmas de misoginia y machismo sobrevolaron de nuevo a Justin, reavivando el papel de villano del pop que le ha perseguido desde su infame actuación en la Super Bowl junto a Janet Jackson.

El single presentación del álbum ha sido Selfish, un tema mid-tempo pop/R&B en el que Justin Timberlake ofrece su lado más vulnerable y expresa la inseguridad que siente a ser reemplazado por otra persona, de ahí que se muestre celoso y egoísta en su relación. Desde sus inicios musicales, Justin ha confiado en Timbaland para producir la mayoría de sus canciones y ha sido el artífice de grandes éxitos como ‘Cry Me a River’, ‘Sexyback’ o ‘Mirrors’, sin embargo en ‘Selfish’ ha decidido trabajar con otros productores, en este caso Louis Bell y Cirkut, quienes han dado un toque fresco a su música pero sin alejarse demasiado a su estilo habitual. ‘Selfish’ ha supuesto un gran single de regreso por parte de Justin, sin embargo ha tenido un rendimiento comercial moderado y apenas ha ocupado el top 20 en Estados Unidos y el top 40 en importantes mercados como Canadá o Reino Unido. Unas semanas antes de la publicación del álbum se lanzó como sencillo promocional Drown, que se trata de un medio tiempo pop/R&B producido nuevamente por Louis Bell y Cirkut en el que Justin describe una relación obsesiva y tóxica en la que es traicionado por su pareja y se siente invadido por un sentimiento de desesperanza y decepción. Sin duda ‘Drown’ es una de las canciones más destacadas del álbum gracias a sus profundas letras, la versatilidad vocal de Justin y su elegante producción. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado el segundo single oficial, No Angels, que se trata de un marchoso tema up-tempo de sonido Disco/funk producido por Calvin Harris que sigue la fórmula de su hit ‘Can’t Stop the Feeling’ y en el que Justin juega el papel de casanova mientras hace uso de su conocido falsetto.

El álbum comienza con una auténtica declaración de intenciones por parte de Justin en ‘Memphis’, uno de los temas más honestos y en el que habla del lado negativo de la popularidad (como cansancio, dolor y soledad) y todo lo que tienes que sacrificar en el camino hacia la fama. Una de las canciones que a priori más curiosidad me causaba es ‘Paradise’, que cuenta con la participación de sus compañeros de N’Sync (principalmente JC Chasez), pero no se trata de un divertido tema de pop bailable como cabría esperar sino una balada con cierto aroma folk cuyas letras hablan del paso de tiempo y hacen referencia al largo viaje emprendido por dos personas hasta reencontrarse y estar por fin juntos. Entre los temas más interesantes encontramos ‘Fuckin’ Up the Disco’, la otra aportación de Calvin Harris al álbum y que se trata de un bailable tema de estilo Disco, ‘My Favorite Drug’, un pegadizo tema up-tempo Disco/funk o ‘Flame’, que destaca por su percusión inspirada en la marcha militar y contiene uno de los estribillos más adictivos del álbum. La excepcional química existente entre Timberlake y Timbaland no ha llegado a materializarse del todo en este trabajo y sus aportaciones no resultan especialmente llamativas u originales (los 7 minutos de ‘Technicolor’ nos remiten a «The 20/20 Experience» pero no llegan a su nivel), aunque merece la pena destacar el up-tempo ‘Infinity Sex’ o ‘What Lovers Do’, que contiene los efectos vocales tan característicos de Timothy Mosley y su melodía dispersa. Una de las baladas más destacadas es ‘Conditions’, el tema que cierra el álbum y está dedicada a su mujer, Jessica Biel, por amarle a pesar de sus defectos.

En resumen, «Everything I Thought It Was» supone un evidente paso adelante con respecto a «Man of the Woods» (en mi opinión el álbum más flojo de la discografía del artista de Tennessee) ya que está formado por un sólido conjunto de canciones que capturan a la perfección la esencia de Justin Timberlake y contienen elementos de sus mejores trabajos. Pese a ser un álbum bastante extenso y contar con varias canciones de larga duración que tanto le gustan a Justin, no encontramos apenas temas de relleno y resulta un trabajo ameno y agradable de escuchar por su acertada secuencia de canciones, que va alternando medios tiempos y temas up-tempo. En definitiva, «Everything I Thought It Was» es uno de los álbumes más interesantes del 2024 hasta la fecha y supone una gran adición a la magnífica discografía del cantante. Temas imprescindibles: Drown, Selfish, No Angels, Flame, My Favorite Drug y Paradise. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Special» de Lizzo

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SpecialLa cantante y rapera Lizzo publicó en 2019 su tercer álbum de estudio, Cuz I Love You, con el que pasó de ser una artista prácticamente desconocida por parte del público a alcanzar la fama mundial y convertirse en una de las artistas revelación del panorama musical gracias a una sucesión de exitosos singles. «Cuz I Love You» se trataba de un álbum urbano muy ecléctico que combinaba funk, R&B, Hip Hop o Soul. Gracias a esta mezcla de sonidos, la versatilidad para cantar y rapear de Lizzo y el conjunto de buenos temas presentes recibió grandes críticas de los expertos musicales y alcanzó el top 10 en las listas de venta de Estados Unidos y Canadá. Los dos singles lanzados del álbum fueron el marchoso tema Disco/funk ‘Juice’ y ‘Tempo’ junto a Missy Elliott, los cuales hablaban de positivismo sexual y lanzaban un mensaje sobre quererse a uno mismo, convirtiéndose en himnos de auto-aceptación y amor propio. Sin embargo Lizzo alcanzó el éxito con dos temas antiguos que se viralizaron en las redes sociales y se convirtieron en ‘sleeper hits’ hasta despuntar en las listas de venta. Gracias a su aparición en una película y su inclusión en la red social de moda entre los más jóvenes, TikTok, el tema Hip Hop y Trap ‘Truth Hurts’ poco a poco fue ascendiendo en la lista de ventas americana hasta alcanzar el #1 dos años después de su lanzamiento original como single. A raíz del éxito de ‘Truth Hurts’, que acumula más de 800 millones de reproducciones en Spotify, otra canción antigua de Lizzo, ‘Good as Hell’ (lanzada originalmente en 2016 y perteneciente al EP ‘Coconut Oil’) atrajo la atención del público y empezó a ganar streaming hasta alcanzar el #3 en la lista de Estados Unidos y el top 10 en Reino Unido, Australia o Canadá. Posteriormente ‘Good as Hell’ se incluyó en la edición deluxe del álbum y contó con un remix junto a Ariana Grande.

Tras la promoción de «Cuz I Love You», el cual ganó un premio Grammy a mejor álbum urbano contemporáneo y estuvo nominado a álbum del año, la rapera de Detroit se tomó un merecido descanso y en verano del 2021 regresó con Rumors, un pegadizo tema Hip Hop y funk producido por su habitual colaborador Ricky Reed y que contaba con la participación estelar de la rapera Cardi B. En ‘Rumors’ ambas artistas afrontan todos los chismes y rumores (falsos y verdaderos) que se han dicho sobre ellas en los medios de comunicación y hacen frente a los ‘haters’ que las critican en las redes sociales. El verso de Cardi B no tiene desperdicio y en él reconoce que «todos los rumores son verdaderos: mi culo y mis tetas son falsos». ‘Rumors’ tuvo un buen desempeño comercial en Estados Unidos: alcanzó el #4 (su tercer single top 5 en la lista americana) sin embargo en el resto del mundo su impacto fue menor y apenas ocupó el top 20 en Reino Unido, Canadá y Australia. Aunque ‘Rumors’ se encuentra entre las canciones más escuchadas de Lizzo en las plataformas musicales y ha conseguido buenas cifras de streaming lamentablemente no forma parte de su nuevo álbum.

Después de un parón de varios meses, Melissa Jefferson (el verdadero nombre de Lizzo) lanzó el single presentación de su nuevo álbum, About Damn Time, que se trata de un marchoso tema Disco/funk en el que la cantante expresa el buen momento personal y profesional que está viviendo y se muestra aliviada y emocionada por lanzar su nueva música. Pese a llegar un par de años tarde al ‘revival’ del sonido Disco, ‘About Damn Time’ recibió críticas positivas de los expertos musicales por su naturaleza desenfadada y su ritmo bailable y ha resultado un éxito comercial, ya que ha ocupado el top 5 en las listas de venta de Estados Unidos, Australia, Canadá o Reino Unido. Como sencillo promocional previo al lanzamiento de su nuevo trabajo, la curvilínea artista lanzó ‘Grrrls’, un tema Hip Hop y Trap que samplea una canción de Beastie Boys y cuyas letras causaron controversia por la inclusión de la palabra ‘spaz’ (que podría ser traducida como ‘espasmo’ pero contiene un componente peyorativo hacia las personas discapacitadas) por lo que tuvieron que ser cambiadas para su inclusión en el álbum.

Esta semana ha visto la luz el cuarto álbum de estudio de Lizzo, titulado Special, el cual está formado por un ecléctico conjunto de canciones que incluyen elementos funk, Disco, R&B, Hip Hop o Soul. Las 12 canciones presentes han sido compuestas por la propia Lizzo y cuentan con la producción de importantes nombres como Ricky Reed, Max Martin, Ian Kirkpatrick, Benny Blanco, The Monsters & The Strangerz o Kid Harpoon entre otros. Lizzo vuelve a tratar temas como la auto-aceptación y el amor propio, las relaciones y el positivismo sexual, ya presentes en su anterior trabajo. Lizzo nos da la bienvenida al álbum con ‘The Sign’, un marchoso tema funk en el que relata el tiempo que ha estado fuera de la música desde su último trabajo y le ha servido para recuperarse y «curar todas las heridas». Una las canciones más destacadas de «Special» sin duda es 2 Be Loved (Am I Ready), que se trata de un pegadizo tema dance-pop, funk y Disco producido por Max Martin en el que Lizzo declara que ha aprendido quererse a sí misma por lo que ya está preparada para ser amada por los demás. También merece la pena reseñar ‘Special’, una balada mid-tempo  R&B/Soul producida por Ian Kirkpatrick en la que Lizzo anima a valorarse, quererse a uno mismo y sentirse especial, ‘I Love You Bitch’, en el que agradece a su mejor amiga por apoyarle en los malos y buenos momentos o ‘Break Up Twice’, un medio tiempo R&B que samplea ‘Doo Wop’ de Lauryn Hill y en el que la cantante advierte a su pareja que le da una última oportunidad para salvar su relación. Uno de los temas más llamativos del álbum es ‘Everybody’s Gay’, un potente tema Disco en el que Lizzo relata una noche de fiesta (podemos interpretar que en una discoteca gay) donde uno puede desinhibirse, bailar, pasarlo bien y mostrar tu verdadera personalidad.

Lizzo es una de las artistas más completas y versátiles de los últimos tiempos ya que aparte de ser una gran vocalista y compositora, también rapea y es una virtuosa tocando la flauta, la cual incorpora en muchas de sus actuaciones en directo. En mi opinión, «Special» resulta un proyecto más consistente y centrado que «Cuz I Love You» (el cual carecía de dirección artística) y supone todo un acierto la incorporación del sonido Disco, que encaja a la perfección con la voz de la cantante de Detroit y no desentona con su habitual repertorio funk, R&B y Hip Hop. «Special» me ha sorprendido gratamente porque se puede escuchar de principio a fin sin apenas pasar ninguna canción ya que está formado por un conjunto muy sólido de canciones marchosas y bailables pero con importantes mensajes auto-aceptación, amor propio y positivismo sexual. Uno de los puntos en contra es la omisión de ‘Rumors’ en el ‘track listing’ del álbum. Temas imprescindibles: About Damn Time, 2 Be Loved, I Love You Bitch, Grrrls, Special, Everybody’s Gay y Break Up Twice. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Treat Myself» de Meghan Trainor

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75310390_10157064312498882_8741252307087261696_oTreat Myself, el tercer álbum de estudio de Meghan Trainor, tenía prevista su salida en agosto de 2018 tras el single ‘No Excuses’, sin embargo la moderada respuesta comercial de dicho tema y sobretodo el fracaso en las listas de venta de los posteriores singles hizo que la cantante americana cancelara su lanzamiento y entrara en el estudio de grabación para crear nuevos temas, seguramente presionada por su discográfica, preocupada por el poco interés por parte del público que despertaban sus recientes singles. Desde entonces, Meghan Trainor ha trabajado en otros proyectos como su participación como jueza en el talent-show de la TV americana The Four y ha colaborado con otros artistas, pero según ella misma declaró, no ha dejado de escribir nuevas canciones, de ahí que en febrero de 2019 lanzara el EP The Love Train inspirado en el amor y su reciente boda con Daryl Sabara. Este breve EP fue lanzado como aperitivo de su retrasado tercer álbum, el cual ha tenido numerosas fechas de lanzamiento pero por fin ha visto la luz el pasado 31 de enero en el que se han publicado otros importantes álbumes. Muy difícil lo va a tener la cantante de Massachusetts para recuperar el éxito y la popularidad no ya de su primer álbum «Title» (que incluía su famosísimo hit #1 ‘All About That Bass’) sino de su segundo trabajo «Thank You», con el que pese a una notable bajada de ventas todavía se mantuvo fuerte en las listas de venta. No podemos considerar a Meghan Trainor una artista ‘one-hit wonder’ ya que durante su trayectoria ha logrado que 6 de sus singles ocupen el top 15 en la lista americana, sin embargo tras «Thank You» la rubia cantante no ha dado pie con bola y todos sus singles han tenido un impacto comercial nulo en las listas de venta.

El single presentación de «Treat Myself» fue No Excuses, que se trata de un marchoso pop ciertas influencias R&B y doo-wop cuyas letras hacen referencia al sexismo que existe en la sociedad. Este tema no consiguió acaparar la atención del público y apenas ocupó el top 50 en su principal mercado, Estados Unidos. Durante el 2018 Meghan Trainor siguió presentando nuevos singles de su siguiente trabajo, sin embargo ni el prometedor tema dance-pop con influencias Disco Let You Be Right, que lo tenía todo para triunfar por su original sonido, ni la apuesta menos arriesgada que resultaba Can’t Dance pisaron el Hot 100 de Billboard. Las cosas se ponían feas para la cantante y en septiembre de 2019, coincidiendo con el anuncio de su participación como coach en el talent-show The Voice UK, desveló el nuevo ‘single presentación’ del álbum, ya con fecha de salida para enero del 2020. El tema en cuestión era Wave, el cual dejaba atrás su intento de volver a su habitual estilo retro y nos ofrecía un medio tiempo electropop de sonido más contemporáneo junto al poco conocido cantante Mike Sabath. El resultado comercial de Wave nuevamente fue muy negativo pese al esfuerzo de Meghan de presentar dicho single en varios programas de la TV americana. Desde finales del año pasado, Meghan Trainor ha lanzado a la desesperada varios sencillos promocionales en las plataformas musicales como Evil Twin o Blink para intentar remontar un proyecto que hace aguas desde hace tiempo. Unos días antes del lanzamiento de «Treat Myself» la cantante desveló el que sería el enésimo single presentación del álbum, Nice To Meet Ya, que se ha lanzado a las plataformas musicales coincidiendo con el álbum. Se trata de un tema pop/R&B de gran componente urbano que cuenta con la participación de la rapera Nicki Minaj, cuyo verso no destaca especialmente ni es de sus mejores intervenciones como artista invitada, además de mostrar poca conexión con Meghan o el resto del tema. 

Meghan Trainor ha compuesto todas las canciones de «Treat Myself» con la ayuda de su hermano Ryan Trainor o Mike Sabath y cuenta con la producción del propio Mike Sabath y Tyler Johnson, dejando a un lado a su habitual colaborador Andrew Wells, responsable de los temas grabados durante el estadio inicial del álbum como ‘No Excuses’, ‘All The Ways’ y ‘Treat Myself’ (estos dos últimos relegados a la edición deluxe del disco). El álbum está formado por temas de estilo pop/R&B con influencia funk, Soul y electropop combinado con su habitual estilo doo-wop. Más interesante que ‘Wave’ y ‘Nice To Meet Ya’, los dos singles presentación del proyecto, resulta ‘Genetics’, que tiene todas las papeletas para ser lanzado como próximo sencillo debido a su bailable ritmo y el buen rollo que transmite. Este marchoso tema dance-pop de sonido futurístico cuenta con la colaboración de Pussycat Dolls (o más bien su voz principal Nicole Scherzinger) que están de plena actualidad por su reciente reunión tras años apartadas del mundo de la música y en él habla de que su cuerpo es natural y lo acepta tal y como es (en una temática similar a la de su hit ‘All About That Bass’). También destacan ‘Funk’, un marchoso tema de sonido funk/Dance que recuerda el estilo de «Thank You», ‘Lie To Me’, que mezcla electropop con su habitual estilo doo-wop o ‘Evil Twin’, un pegadizo tema con influencia Disco en el que Meghan declara que «su lado más salvaje» le hace cometer malas decisiones. Aunque no suele ser el punto fuerte de Meghan, hay una gran cantidad de baladas en el álbum como ‘Babygirl’ en la que recurre a su habitual tema de la auto-aceptación o ‘After You’ que cuenta con la colaboración del cantante AJ Mitchell.

Personalmente me da pena el poco interés que despierta la música de Meghan Trainor en la actualidad ya que la considero una cantante y compositora talentosa con mucho potencial pero que ha perdido la conexión que tenía con el público años atrás. Pese al descalabro comercial de los últimos singles lanzados, la autora de ‘Dear Future Husband’ tiene una base de fans fiel que hará que el proyecto en su totalidad no sea el flop que muchos predicen. Cabe destacar que ‘Let You Be Right’ y ‘Can’t Dance’ han sido descartados del ‘track listing’ final del álbum, algo imperdonable ya que el primero de ellos es muy superior a varios de los temas que se incluyen en «Treat Myself», sin duda otro error más en la disparatada estrategia comercial que ha llevado a cabo la discográfica de Meghan durante esta era. Definitivamente «Treat Myself» no logra superar el gran nivel de «Thank You» y sobretodo «Title» pero no se trata de un trabajo de baja calidad en absoluto. El principal problema es que parece más una playlist variada con los temas que ha ido lanzado la cantante durante los últimos años que un proyecto centrado. Temas imprescindibles: No Excuses, Genetics, Evil Twin, Nice To Meet Ya y Wave. Puntuación: 7/10.

Medicine, el regreso de Jennifer Lopez

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jennifer-lopez-french-montana-medicine-new-singleComo ya he comentado en varias ocasiones, la estrategia promocional de Jennifer Lopez durante estos últimos años ha sido un tanto confusa ya que la cantante neoyorquina ha lanzado varios singles en español influenciados por el sonido reggaeton, los cuales originalmente iban a formar parte de su segundo álbum en nuestro idioma, pero también nos ha ofrecido singles en inglés sin quedar claro si su nuevo trabajo discográfico va a ser en inglés, en español o un compendio de temas en ambos idiomas. Durante los últimos tiempos, especialmente desde el auge del streaming, la importancia de los discos ha disminuido en favor de los singles, ya que desde la era digital el público consume más singles independientes por lo que la clásica táctica de lanzar un single como presentación de un disco ha quedado obsoleta, y Jennifer ha abandonado dicha estrategia que utilizaba durante los inicios de su carrera musical para adoptar la actual táctica de lanzar numerosos singles con anticipación al lanzamiento de un disco. Hace casi un año Jennifer Lopez lanzó Dinero, un prometedor single en el que estaban puestas muchas expectativas debido a la participación de Cardi B, sus llamativas letras y su original fusión de ritmos latinos con Hip-Hop y Trap, sin embargo este tema obtuvo un impacto comercial muy moderado y ocupó posiciones bastante bajas en las listas de venta. En un intento por recuperar su credibilidad en el mercado anglosajón tras una temporada centrada en el mercado latino, Jennifer Lopez ha regresado con un tema en inglés que nos trae de vuelta la versión más urbana de la cantante. Medicine es un marchoso tema funk, jazz y Hip Hop con uso prominente de trompetas que nos recuerda a temas anteriores de la cantante como ‘Do It Well’ o ‘Get Right’, en los que dominaba la percusión. En este tema J.Lo declara que ella es la medicina que necesita su amante y le va a dar una pequeña muestra de lo que él se está perdiendo. ‘Medicine’ está producido por el dúo noruego StarGate y cuenta con la colaboración del rapero French Montana, con el que Jennifer ya ha trabajado anteriormente en dos temas, ‘I Luh Ya Papi’ y el remix de ‘Same Girl’. ‘Medicine’ ha contado con un videoclip ambientado en un circo en el que domina el color blanco y cuenta con una espectacular producción a la altura de los mejores videoclips de la cantante de origen puertorriqueño. Sin duda ‘Medicine’ es la canción que los seguidores ‘Old School’ de J.Lo estábamos esperando ya que es un tema muy pegadizo y urbano que nos trae de vuelta a la Jennifer de Rebirth o Brave (musicalmente hablando) y con el que la diva pretende recuperar el espacio que ha perdido dentro del género pop/R&B durante estos últimos años.

Crítica de «Dirty Computer» de Janelle Monáe

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15193209489599En el año 2014, Janelle Monáe publicó su segundo álbum de estudio, The Electric Lady, que se trataba de un complejo y original proyecto en el que la artista de Atlanta continuaba con el argumento iniciado en su EP «Metropolis» y su primer álbum de estudio «The ArchAndroid», y consistía en un mundo futurista protagonizado por el androide mesiánico Cindi Mayweather (el alter ego de Janelle), el cual libera a los ciudadanos de Metropolis de una sociedad secreta que ha prohibido la libertad y el amor. En el aspecto musical se trataba de un disco que mezclaba temas up-tempo funk/R&B y baladas Soul, aunque podíamos encuadrarlo dentro del sonido Soul psicodélico, al que también pertenecen otros cantantes como Miguel y Frank Ocean. The Electric Lady resultaba un proyecto muy original, innovador y arriesgado, y recibió grandes elogios de la crítica, convirtiéndose en uno de los discos más aclamados por los expertos musicales durante esta década. Durante los últimos años, Janelle Monáe se ha centrado en su faceta de actriz y ha participado en dos películas que han logrado gran repercusión y éxito, Hidden Figures y Moonlight, en donde su participación como atriz ha sido alabada por los críticos de cine.

Tras un tiempo en el que ha estado parcialmente apartada de la música (aunque ha contribuido con canciones a las películas en las que ha participado) Janelle Monáe ha regresado este año con su tercer disco de estudio, llamado Dirty Computer y que se puso a la venta el pasado mes de abril. A pesar de que también se trata de un álbum conceptual, se aleja de la trilogía protagonizada por Cindi Mayweather ambientada en Metropolis y es un disco que habla del empoderamiento femenino y la aceptación de uno mismo y trata temas como el amor, el sexo y la manera en qué es vista por la sociedad. Tal y como ha comentado la propia Janelle, es su disco más personal y en el que se ha acercado más a su auténtico ser a través de las 14 canciones que lo componen. Al igual que su anterior trabajo discográfico, «Dirty Computer» es un álbum muy ecléctico que cuenta con una amplia y agradable mezcla de R&B, funk, Hip Hop y Soul, pero en este caso ofrece un sonido más comercial y accesible a un mayor público y contiene un toque funk/Soul menos acusado que en «The Electric Lady».

«Dirty Computer» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes y nuevamente ha recibido grandes críticas de los expertos musicales al igual que sus anteriores discos. El single presentación del disco fue Make Me Feel, un tema funk/Soul que recuerda a la música de su mentor y admirado Prince y como segundo single se lanzó Django Jane, un tema Hip Hop en el que la cantante nacida en Kansas explora su lado como rapera y muestra su gran versatilidad y amplitud vocal. El tercer single ha sido Pynk, uno de los temas más destacados de «Dirty Computer» y en el que Janelle habla del empoderamiento de las mujeres y la aceptación de su propia sexualidad con metáforas acerca de la vagina como la artífice de la creación y la humanidad, algo que también muestra en el colorido videoclip del tema. En resumen, «Dirty Computer» es uno de los álbumes más originales e interesantes de este 2018, lo que demuestra que Janelle Monáe sigue siendo una de las artistas más versátiles, vanguardistas y menos convencionales del panorama R&B/Soul actual. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «24K Magic» de Bruno Mars

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bruno-mars-24k-magic-tracklist-album-coverDesde sus comienzos en el mundo de la música, Bruno Mars ha demostrado ser un artista tremendamente talentoso, tanto vocalmente como en su faceta de compositor, bailarín, productor musical e instrumentalista. Gracias a su gran éxito comercial y las buenas críticas que han recibido tanto su música como sus actuaciones, podríamos considerarlo el Michael Jackson de su generación, con permiso de Ne-Yo. Tras varias colaboraciones con otros artistas, Bruno Mars hizo su debut musical en el año 2010 con el álbum Doo-Wop & Hooligans, que contó con los singles #1 ‘Grenade’ y ‘Just The Way You Are’, los cuales lograron un gran éxito en todo el mundo y pasaron a formar parte de los singles más vendidos de la historia de la música. Dicho álbum recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su combinación de pop, R&B y Soul, y en el terreno comercial alcanzó el #1 en Reino Unido y el #3 en tierras americanas, donde vendió dos millones y medio de copias y más de 6 en todo el mundo. Dos años más tarde, el cantante hawaiano de ascendencia filipina y puertorriqueña publicó su segundo álbum, Unorthodox Jukebox, con el que repitió el éxito comercial y de crítica, gracias a los singles #1 ‘Locked Out of Heaven’ y ‘When I Was Your Man’. Este álbum resultaba más up-tempo y enérgico que su anterior trabajo, profundizó en el sonido funk aunque tomó influencias de varios estilos como reggae, rock, Soul y Disco. Tras la exitosa gira que acompañó este a disco y su gran colaboración con Mark Ronson en ‘Uptown Funk’, el tema que le dio el empujón definitivo hacia la fama mundial, Bruno Mars se tomó un descanso del mundo de la música.

En 2016 vio la luz su tercer álbum de estudio, titulado 24K Magic, el cual debutó en el #2 de la lista de ventas de Estados Unidos, y aunque no logró llegar a lo más alto de Billboard a diferencia de su anterior álbum, desde su lanzamiento ha demostrado una gran consistencia en la lista de ventas americana ya que ha permanecido en la parte alta de Billboard desde su publicación y ha gozado de sólidas ventas cada semana, logrando ser certificado platino por cifras superiores al millón de copias. A nivel internacional, el álbum también ha gozado de una gran acogida, ocupando el top 5 en Reino Unido, Canadá, Australia o España, donde Bruno Mars se ha convertido en uno de los artistas de R&B más populares y el mayor representante de la música negra actual. Mientras que mantiene el sonido funk y Soul característico de Bruno, este trabajo incorpora una mayor influencia del R&B de los años 80 y 90, que según el cantante hawaiano es el tipo de música que ha escuchado desde pequeño y la razón por la que empezó a cantar. Bruno Mars ha compuesto todos los temas presentes en este álbum y también lo ha producido junto a su nuevo grupo Shampoo Press & Curl, formado por los productores Christopher Brody Brown y Philip Lawrence (quien ya formaba parte de The Stereotypes, el antiguo grupo de producción de Bruno).

El single presentación del álbum fue 24K Magic, el tema que daba titulo a este trabajo y se trataba de un marchoso y bailable tema Funk/Disco con gran uso de sintetizadores e influencia Hip-Hop y R&B. 24K Magic ha resultado exitoso en las listas de venta de todo el mundo y ha ocupado el top 5 en Reino Unido, Canadá, Australia y Estados Unidos, además ha sido nominado a mejor grabación del año en los premios Grammy. El segundo single fue That’s What I Like, un medio tiempo R&B en el que Bruno muestra todo su poderío y cuenta a su chica su ostentoso gusto por el lujo, como limusinas o mansiones en Miami. Este single superó el éxito del tema anterior y logró el #1 en la lista americana, convirtiéndose en el quinto single #1 en solitario de Bruno. ‘That’s What I Like’ ha recibido tres nominaciones a los premios Grammy, a mejor canción R&B del año, mejor actuación de R&B y canción del año. Tras la gran acogida obtenida por los anteriores singles, Bruno Mars lanzó Versace On the Floor, una bonita balada mid-tempo R&B con inspiración del sonido de los 90 New Jack Swing y con clara influencia de la música de Michael Jackson. Este single no ha logrado tan buena acogida comercial y ha tenido un desempeño moderado en las listas de venta, a pesar de ser uno de los mejores temas del disco. Ya en el 2018, Bruno ha seguido desgranando temas de su álbum y ha optado por uno de los temas más marchosos y up-tempo de 24K Magic, Finesse, pero en la versión lanzada como single optó por un remix junto a la rapera del momento, la neoyorquina Cardi B. Gracias a la acertada colaboración y a su enérgico sonido funk ochentero, ‘Finesse’ ha conseguido un gran éxito en la lista de ventas americana, donde ha ocupado el #3 en Estados Unidos. El álbum ha vivido una segunda juventud gracias al lanzamiento de ‘Finesse’, que gracias a su éxito en la lista de singles ha aumentado si cabe la popularidad del disco.

Entre los temas más destacados del álbum (aparte de los singles, elegidos de manera muy acertada) se encuentran ‘Chunky’, uno de los más marchosos y up-tempo del álbum, que comparte el aroma funk del single 24K Magic o la bonita balada R&B ‘Too Good to Say Goodbye’, que muestra el lado más emotivo del diminuto cantante y su excepcional torrente vocal. Sin duda, «24K Magic» es uno de los mejores álbumes de R&B del año pasado (aunque fuera lanzado en 2016) y mi disco favorito del cantante, debido a la excepcional voz de Bruno Mars, sus mejoradas habilidades como compositor y el gran conjunto de canciones presentes, lo que hace de él uno de los trabajos más sólidos y consistentes dentro del R&B contemporáneo de los últimos años. La única pega que se le puede hacer al álbum es su brevedad, ya que sólo contiene 9 temas, muy escaso para el largo tiempo de espera desde su anterior trabajo e inferior a los actuales estándares dentro del mundo de la música. Temas imprescindibles: That’s What I Like, 24K Magic, Finesse, Chunky y Versace on the Floor. Puntuación: 8/10. 

Crítica de «Thank You» de Meghan Trainor

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Meghan-Trainor-Thank-You-2016-2480x2480-300x300Thank You es el título del segundo álbum de estudio de la cantante americana Meghan Trainor, que se ha puesto a la venta esta misma semana en todo el mundo, tanto en formato físico como en descarga digital. «Thank You» toma el relevo de su álbum debut, «Title», el cual se convirtió en un gran éxito de ventas en el año 2015 gracias a ‘All About That Bass’, que fue #1 en todo el mundo y se convirtió en una de las canciones más descargadas de la historia o ‘Lips Are Movin’ y ‘Dear Future Husband’, que también ocuparon posiciones muy altas en las listas de venta y tuvieron una gran rotación en las radios durante el año pasado. Este álbum destacó por su sonido retro, con influencias del estilo doo-wop de los años 60 y gracias a su original sonido y sus pegadizas canciones, recibió grandes críticas de los expertos musicales. En este 2016, la cantante ha regresado al panorama musical con el single No, con el que ha sorprendido al público por su espectacular cambio de imagen ya que ha abandonado su melena rubia, su estilo retro y sus vestidos color pastel para adoptar una imagen más madura, moderna y sexy. Además el tema ‘No’ también resultó muy llamativo por su divergencia con respecto a la música de su disco debut, al abandonar el estilo doo-wop para profundizar en el sonido pop/R&B. Este tema, que recupera el pop urbano de principios de la década pasada de cantantes como N’Sync, Britney Spears o Destiny’s Child, ha recibido críticas positivas y ha ocupado el #3 en la lista americana de singles y el top 10 en Canadá, Australia o España. Sin duda ‘No’ es uno de los mejores temas de este 2016 y ha sido una gran decisión por parte de Meghan recuperar el sonido urban-pop que triunfó en el 2000 y que considero una de las mejores épocas musicales. «Thank You» marca una evolución musical con respecto al primer trabajo de Meghan Trainor, ya que profundiza en el pop y el R&B de la década de 2000, aunque sigue incorporando el estilo doo-wop con el que se hizo famosa. La cantante de Massachussets ha compuesto todos los temas del álbum bajo la producción de Ricky Reed.

El segundo single lanzado ha sido Me Too, que se trata de un tema dance-pop con un gran componente electrónico que resulta uno de los momentos más bailables del álbum y con el que Meghan está confirmando su nueva dirección musical, que poco tiene que ver con la de su anterior trabajo discográfico. ‘Me Too’ resulta un himno de auto-aceptación en el que la cantante afirma confiar en su apariencia. Entre los temas más destacados de «Thank You» se encuentran ‘Better’, un medio tiempo R&B con influencia reggae que cuenta con la colaboración del rapero Yo Gotti y en el que la cantante habla de la relación con su ex-novio y asegura que se merece encontrar a alguien mejor que él, ‘Woman Up’, un marchoso tema funk en el que declara que las mujeres son fuertes e independientes y no necesitan a los hombres, ‘Champagne Problems’, un tema up-tempo con ritmos caribeños, ‘Dance Like yo Daddy’, que contiene sonido doo-wop o ‘Watch Me Do’, influenciado por el Hip Hop y que habla del empoderamiento femenino. En resumen, en «Thank You» la joven cantante nos ofrece un gran cambio con respecto a su primer álbum e incorpora con un sonido pop/R&B más contemporáneo y actual pero en esencia sigue siendo la misma Meghan, con sus letras feministas y su amplitud de registros vocales. Sin duda uno de los mejores álbumes del 2016. Temas imprescindibles: No, Me Too, Woman Up, Champagne Problems y Better. Puntuación: 8/10.