Lady Gaga

Los mejores álbumes del 2025 (1ª parte del año)

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6. American Heart de Benson Boone.

En 2024 vio la luz «Fireworks & Rollerblades», el álbum debut de Benson Boone, el cual ocupó el top 10 en la lista americana de álbumes y fue certificado platino en Estados Unidos. Este álbum incluye el exitoso single ‘Beautiful Things’, que alcanzó el #2 en la lista americana y ha destacado por su gran longevidad en la misma, ya que después de un año y medio de su lanzamiento todavía ocupa el top 10 de la lista Billboard. Desde entonces la popularidad del joven cantante creció como la espuma entre el público joven no solo por sus pegadizas canciones sino gracias a sus enérgicas actuaciones en directo, sus llamativos atuendos y su carismática e irreverente personalidad. En febrero de este año llegó el single presentación de su nuevo álbum, Sorry I’m Here for Someone Else, que se trata de un enérgico tema up-tempo de estilo pop/rock y synth-pop producido por Jason Evigan cuyas letras hablan sobre pasar página de una antigua relación sin guardar rencor a tu ex-pareja. En ‘Sorry I’m Here for Someone Else’ Benson describe un incómodo encuentro en un restaurante con un antiguo amor mientras duda si decirle que está esperando a su nueva pareja para no hacerle daño. Este tema sin duda supone una gran elección como primer single debido a su ritmo contagioso, sus pegadizas letras y la magnífica ejecución vocal de Benson Boone. Como segundo single se lanzó Mystical Magical, un tema pop/rock y synth-pop de sonido retro que contiene una interpolación de ‘Physical’ de Olivia Newton-John y recuerda el estilo del último álbum de Harry Styles. Este tema producido por Evan Blair habla de vivir el momento y disfrutar al máximo el tiempo que pasas con tu amante porque no sabes cuánto tiempo va a durar. Como tercer single se lanzó Momma Song, una emotiva pero poco memorable balada en cuyas letras reflexiona sobre el paso del tiempo y habla del amor que profesa a su madre y anhela pasar más momentos junto a ella. El segundo álbum de Benson Boone tiene por título American Heart y está formado por 10 temas encuadrados dentro del pop/rock al igual que su predecesor, pero destaca por su influencia del sonido synth-pop y tiene un cierto toque retro. El joven cantante ha compuesto todos los temas presentes en el álbum junto a su habitual colaborador Jack LaFrantz y cuenta con la producción de Jason Evigan, Evan Blair, Malay y Jason Suwito, quienes ya participaron en su anterior trabajo. Benson Boone ha declarado que compuso todas las canciones del álbum en un periodo de tan solo 17 días y se inspiró en Bruce Springsteen y la música tradicional americana. Coincidiendo con la publicación del álbum se desveló el videoclip de Mr Electric Blue, que se trata de un marchoso tema pop/rock cuyas letras hablan de la admiración de Benson por su padre y cómo de pequeño le idolatraba como si fuera un superhéroe. Uno de los temas más destacados del álbum es ‘Young American Heart’, que refleja el espíritu joven, rebelde e indómito de Benson y cuyas letras hacen referencia a un accidente de coche que sufrió a los 16 años junto a un amigo, quien estuvo a punto de morir, lo que supuso un punto de inflexión en su vida y le hizo reflexionar sobre su futuro. «American Heart» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el segundo top 10 de Benson en Estados Unidos. En resumen, «American Heart» mantiene el buen nivel de su predecesor y está formado por un breve conjunto de canciones entretenidas y disfrutables pero que no muestran una excesiva evolución musical con respecto a «Fireworks & Rollerblades» debido a su escasa diferencia temporal. La ejecución vocal de Benson Boone es uno de los puntos fuertes del álbum: si bien no posee una voz especialmente distintiva, sí resulta potente y alcanza sin problema los tonos más agudos. Por otra parte, las canciones presentes no destacan por tener un componente lírico excesivamente profundo o elaborado, pero Benson tiene un gran futuro por delante para mejorar sus habilidades como compositor. Este álbum, más que recordar a la música de Bruce Springsteen, guarda ciertas similitudes con los últimos trabajos de Harry Styles y destaca por su sonido retro y su mayor componente synth-pop. Puntuación: 7/10.

5. Something Beautiful de Miley Cyrus.

Miley Cyrus vivió un gran momento profesional en 2023 gracias al tremendo éxito cosechado por el single ‘Flowers’, el cual alcanzó el #1 en las listas de prácticamente todo el mundo y consiguió cifras astronómicas de streaming. Dos años después de «Endless Summer Vacation» ha llegado el noveno trabajo discográfico de la cantante americana, Something Beautiful, que se trata de un álbum visual que contiene una temática existencial y se centra en el proceso de curación de los traumas y encontrar la belleza incluso en los rincones más oscuros de la vida. En el terreno musical, «Something Beautiful» es un álbum encuadrado dentro del pop que incorpora influencias dance-pop, pop/rock, synth-pop o Disco, sin embargo destaca por su carácter experimental y contiene cambios de ritmo y elementos disruptivos, por lo que podríamos denominarlo como pop progresivo. Miley ha participado en la composición de los 13 temas presentes y ha contado con la ayuda de un gran número de compositores y productores de la talla de Shawn Everett, Kid Harpoon, Michael Pollack, Jonathan Rado, Alec O’Hanley o BJ Burton entre otros. Las letras de las canciones hablan sobre el desamor, la muerte, la incertidumbre de la existencia y encontrar un punto de belleza en los momentos más difíciles de nuestra vida. El componente lírico es uno de los aspectos más destacados del álbum y muestra una gran madurez y evolución de Miley como compositora. El single presentación del álbum fue End of the World, un tema pop up-tempo de sonido retro que contiene influencias dance-pop y Disco y cuyas letras hablan de vivir la vida al máximo como si llegara el fin del mundo. Antes de la publicación del álbum se lanzaron varios sencillos promocionales: ‘Something Beautiful’, que se trata de una balada de R&B alternativo con elementos jazz y Soul (aunque durante el estribillo incorpora elementos experimentales y del rock progresivo acompañado de voces distorsionadas por parte de Miley) cuyas letras hacen referencia a la búsqueda de las cosas bonitas que ofrece la vida o ‘More to Lose’, una balada de rica instrumentación que habla de una relación fallida y muestra el lado más honesto y personal de Miley. Coincidiendo con la publicación del álbum llegó otro sencillo promocional, Easy Lover, que se trata de un tema pop/rock cuyas letras hablan de una complicada relación en la que Miley es incapaz de dejar a su pareja incluso cuando el amor se vuelve doloroso. En la primera parte del álbum se concentran los sencillos promocionales pero aparecen demasiados temas lentos y dos interludios innecesarios. La segunda parte resulta notablemente superior y encontramos canciones más bailables, divertidas y que destacan por su larga duración. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Golden Burning Sun’, un tema mid-tempo con cierto aroma pop/rock que habla del amor incondicional o ‘Walk of Fame’, un tema synth-pop de carácter up-tempo cuyas letras hacen referencia de los efectos que conllevan la fama y el estrellato. En resumen, «Something Beautiful» es un álbum elegante y bien producido que destaca por su componente lírico y su variedad de géneros presentes. Además de su labor como compositora, se aprecia una gran evolución como artista de Miley Cyrus. Mientras que «Endless Summer Vacation» contenía demasiado relleno y no resultaba un álbum especialmente memorable pero albergaba singles llamativos y de gran calidad, «Something Beautiful» es cohesivo, muestra un carácter experimental a la vez que resulta comercial y accesible, sin embargo no hay hits potenciales ni temas especialmente distintivos, aunque sí un conjunto digno de ‘album tracks’. Puntuación: 7/10.

4. Why Not More? de Coco Jones.

En 2022 la cantante Coco Jones publicó el EP What I Didn’t Tell You, su trabajo discográfico más ambicioso hasta la fecha, con el que se abrió a un mayor público y se hizo un importante hueco en el panorama R&B estadounidense. La reedición de «What I Didn’t Tell You» fue nominada a mejor álbum de R&B en los premios Grammy del año 2024 y ‘ICU’ se convirtió en su primer tema que entraba en la lista americana de singles y fue nominado a mejor actuación R&B en los Grammy del mismo año. Courtney Michaela Jones es conocida también por su faceta de actriz y ha protagonizado recientemente el remake de la famosa serie ‘El Príncipe de Bel-Air’, en la que interpretaba a Hilary Banks. En el mes de abril vio la luz el álbum debut de Coco Jones, Why Not More?, en el que muestra su crecimiento como mujer y artista durante los últimos años. El álbum está formado por 14 temas, principalmente baladas y medios tiempos R&B, compuestos por la propia cantante junto a importantes productores de la talla de London on da Track, Stargate, Cardiak, Eric Hudson o Cirkut. A lo largo de las canciones que forman parte del álbum Coco habla de amor y explora la complejidad de las relaciones. En mayo del año pasado llegó el single presentación del álbum, Here We Go (Uh Oh), que se trata de una balada R&B mid-tempo producida por Cardiak en cuyas letras Coco relata cómo su ex-pareja, un hombre inmaduro e incapaz de comprometerse, intenta volver con ella pero sus amigos le aconsejan que no lo haga y evite tener contacto con él. Ya en 2025 llegó Taste, un tema R&B mid-tempo producido por Stargate y Jasper Harris que samplea el estribillo del icónico ‘Toxic’ de Britney Spears y en cuyas letras Coco, al igual que la princesa del pop, habla de un amante del que no puede desengancharse. El single previo a la publicación del álbum ha sido You, una balada R&B producida por London on da Track en la que Coco deja a un lado el drama y las relaciones turbulentas y habla del gran momento de amor que está viviendo con su pareja. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘On Sight’, en cuyas letras Coco pide a su amante que sea sincero y no esconda sus sentimientos o ‘Keep It Quiet’, en el que explora los conflictos que surgen en las relaciones. En resumen, «Why Not More?» resulta cohesivo y destaca por su elegante producción y la magnífica ejecución vocal de Coco Jones. «Why Not More?» guarda similitudes con «Revenge» de Muni Long, uno de los mejores álbumes de R&B del año pasado, lo cual es un gran cumplido para la joven cantante de Tennessee. Los únicos puntos en contra del álbum son la gran abundancia de medios tiempos y baladas y el uso excesivo de samplers de famosas canciones. Coco Jones no resulta una vocalista distintiva o con una personalidad marcada que le haga diferenciarse del resto de competidoras, sin embargo es una artista talentosa a la cual le auguro un gran futuro en el mundo de la música y concretamente en el género R&B. Puntuación: 7’5/10.

3. Hurry Up Tomorrow de The Weeknd.

A finales de enero llegó el quinto álbum de estudio de The Weeknd, titulado Hurry Up Tomorrow y se trata de la tercera y última parte de una trilogía iniciada por el cantante canadiense con «After Hours», que representaba el infierno (la oscuridad, la vida disoluta de Abel y sus pensamientos atormentados y autodestructivos) y continuaba con «Dawn FM», el purgatorio (la madurez del artista y el comienzo de una nueva etapa más alegre en su vida). «Hurry Up Tomorrow» representa el paraíso y supone la cúspide creativa de este ambicioso y complejo proyecto creado por Abel Tesfaye, elaborado con temas existenciales y auto-referenciales. En «Hurry Up Tomorrow» seguimos encontrando las influencias ochenteras presentes en sus dos últimos trabajos a través de temas up-tempo de sonido synth-pop y electropop, sin embargo en esta ocasión existe un predominio de baladas y medios tiempos encuadrados dentro del sonido R&B. Abel Tesfaye ha compuesto los 22 temas presentes en el álbum y entre los productores implicados se encuentran importantes nombres como Mike Dean, Metro Boomin, Oneohtrix Point Never, Cirkut, Tommy Brown o Pharrell Williams entre otros. Cabe destacar que Max Martin y Oscar Holter, mano derecha de The Weeknd en sus últimos trabajos y los artífices de hits de la talla de ‘Blinding Lights’ o ‘Save Your Tears’, disminuyen notoriamente su presencia en este álbum. En septiembre del año pasado llegó el supuesto single presentación del álbum, Dancing in the Flames, que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop producido por Max Martin y Oscar Holter que sigue la estela musical de los anteriores singles de The Weeknd. Las letras de ‘Dancing in the Flames’ hablan a un amor apasionado que perdura en el tiempo a pesar del sentimiento de dolor y pérdida y en el que las referencias a los accidentes de conducción y llamas son una metáfora de una peligrosa e impredecible relación amorosa. ‘Dancing in the Flames’ fue descartado de la edición final del álbum debido a su escaso éxito comercial. Mientras que ‘Dancing in the Flames’ marcaba la transición perfecta entre los dos anteriores álbumes y «Hurry Up Tomorrow» debido a su sonido synth-pop y sus influencias ochenteras, los dos siguientes sencillos cambiaban radicalmente de estilo. Como segundo single se lanzó Timeless, un anodino tema mid-tempo de estilo Hip Hop y Trap que cuenta con la participación del rapero Playboi Carti. Este tema, producido por Mike Dean, Pharrell Williams y Ojivolta, explora temas como la auto-identidad o la transitoriedad de las relaciones amorosas dentro del vacío mundo de la fama. El siguiente single fue São Paulo, un extraño tema influenciado por el funk brasileño y que cuenta con la participación de la cantante brasileña Anitta. Uno de los temas más continuistas con respecto al sonido presente en los anteriores trabajos de The Weeknd es ‘Open Hearts’, que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop y electropop que mantiene las influencias ochenteras de ‘Dancing in the Flames’ y su naturaleza bailable. En este tema, uno de los pocos producidos por Max Martin y Oscar Holter, Abel habla sobre la lucha de dar otra oportunidad al amor tras una ruptura sentimental. En mi opinión, ‘Open Hearts’ es el tema más sobresaliente del álbum y sería un gran candidato a siguiente single. Las influencias de la música de los años 80 y el uso de sintetizadores están presentes en temas como ‘Wake Me Up’, en el que Abel reflexiona sobre sus luchas internas y explora temas como el existencialismo o la búsqueda de la autenticidad o ‘Cry for Me’, que contiene ciertas influencias Trap al final de la canción y en el que vuelve a mostrar su lado más atormentado y sus sentimientos de dolor y sufrimiento. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Give Me Mercy’, que se trata de otra de las producciones de Max Martin y en la que admite los errores cometidos y pide piedad o ‘Take Me Back To LA’, un tema synth-pop de carácter mid-tempo que pertenece a las sesiones de grabación del álbum «After Hours» y en el que muestra su sentimiento de redención. El resto del álbum navega en un mar de temas downtempo R&B que recuerdan a los orígenes musicales del cantante. Es un placer encontrar en «Hurry Up Tomorrow» un gran número de temas R&B que le sientan como un guante a su agradable y bonito timbre de voz, sin embargo se echan en falta más canciones up-tempo como ‘Open Hearts’ o ‘Dancing in the Flames’, que continúan la senda musical explorada en los anteriores trabajos de la trilogía. «Hurry Up Tomorrow» no logra igualar el gran nivel de «After Hours» y «Dawn FM» pero se trata de un álbum sólido, magníficamente ejecutado por Abel a nivel vocal, muy cohesionado líricamente y con una magistral producción. Los puntos en contra son su larguísima extensión, la omisión de ‘Dancing in the Flames’ en la edición final del álbum y la desacertada elección de los singles, que no representan la esencia del álbum y resultan los temas más flojos. «Hurry Up Tomorrow» ha cerrado con broche de oro esta trilogía, la cual le ha convertido a The Weeknd en el artista más exitoso de los últimos años y el más escuchado en las plataformas de streaming. Puntuación: 7’8/10.

2. Princess of Power de Marina.

Una gran parte de los seguidores de Marina Diamandis, anteriormente conocida como Marina and the Diamonds, llevan reclamando desde hace muchos años la vuelta de la artista al estilo presente en el álbum «Electra Heart», considerado por muchos como su obra maestra y mejor trabajo hasta la fecha. La cantante galesa mostró su lado más divertido, irreverente y desenfadado durante la promoción de este trabajo y al finalizar dicha etapa enterró al personaje Electra Heart y se entregó a otros proyectos que se centraban en su lado más serio, introspectivo y maduro. Pese a que «Electra Heart» supone una parte importante en sus giras de conciertos y Marina siempre interpreta sus temas más populares (‘Primadonna’, ‘Bubblegum Bitch’ o ‘How to Be a Heartbreaker’), nunca ha acabado de reconciliarse con ese personaje y ha preferido dejarlo como parte de su pasado. El sexto álbum de estudio de Marina tiene por título Princess of Power y está formado por 13 canciones, principalmente temas up-tempo de estilo electropop y synth-pop, compuestos por la cantante galesa junto a CJ Baran, quien se ha encargado de la entera producción. «Princess of Power» es un álbum conceptual en el que Marina reivindica el amor como un superpoder que nos empodera y celebra el liderazgo de la mujer en nuestra generación. La cantante de ascendencia griega ha declarado que para la creación de este álbum se inspiró escuchando música alegre y eufórica de bandas de los años 70 como ABBA o divas del pop contemporáneas de la talla de Madonna o Kylie Minogue. «Princess of Power» es el primer álbum de Marina publicado de manera independiente tras abandonar Atlantic Records y toma el relevo del notable «Ancient Dreams in a Modern Land», publicado hace 4 años. Como suele ser habitual, la elección de los singles por parte de Marina ha sido excepcional, ya que nos ha presentado su nuevo álbum con tres temas potentes, llamativos y originales. El single presentación del álbum fue Butterfly, que se trata de un tema de pop alternativo con elementos dance-pop y synth-pop cuyas letras representan el crecimiento personal y renacimiento espiritual de un individuo a través de la metáfora del ciclo de vida de las mariposas. En ‘Butterfly’, la cantante de ascendencia griega realiza sus habituales piruetas vocales y alterna el tono grave y agudo de su voz. Sin duda ‘Butterfly’ supone uno de sus ‘lead singles’ más solventes por la gran ejecución vocal de Marina y su componente lírico. Como segundo single se lanzó Cupid’s Girl, un enérgico tema electropop y synth-pop que recuerda al estilo presente en «Electra Heart» y en cuyas letras Marina pide a su amante que no le tenga miedo al amor y se entregue a la pasión. El tercer single lanzado fue Cuntissimo, un tema inspirado en las mujeres fuertes, valientes y seguras de sí mismas que disfrutan la vida al máximo y cuyas letras se centran en la búsqueda del placer, que según la cantante ha sido negado a lo largo de la historia a las mujeres debido al poder del patriarcado. Este tema supone un himno de empoderamiento femenino y celebración del poder de las mujeres. ‘Cuntissimo’ comienza con un sonido clásico y melodía de violines para convertirse más adelante en un enérgico tema up-tempo electropop con uso prominente de sintetizadores. Marina destaca en su papel como compositora en temas como ‘Princess of Power’, en el que reflexiona sobre cómo ha sobrevivido a los altibajos de la vida y ha conseguido superar el dolor causado por personas cercanas y relata su transformación hacia una princesa poderosa. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘I < 3 You’, un marchoso tema synth-pop con influencia Disco en cuyas letras la cantante afirma que le gustaría volver a la edad de oro de los 70 o ‘Everybody Knows I’m Sad’, en el que Marina se enfrenta a su sentimiento de soledad y se regodea en su propia tristeza y desesperanza. «Princess of Power» debutó en el #7 de la lista británica de álbumes, su quinto top 10 en Reino Unido y que supone una mejora con respecto al desempeño comercial de su último trabajo. Mientras que los anteriores álbumes de Marina resultaban irregulares (contaban con magníficos singles pero contenían excesivo relleno) y tropezaban en la misma piedra (un exceso de baladas insípidas y monótonas), en «Princess of Power» el número de temas lentos se reduce notoriamente y resulta el trabajo más bailable y marchoso de la cantante desde «Electra Heart». En definitiva, este álbum recupera el espíritu atrevido, desenfadado y divertido de «Electra Heart», además comparte sus letras sobre empoderamiento femenino y nos devuelve a la Marina que nos enamoró a principios de su carrera. Sin duda, «Princess of Power» se posiciona como uno de los trabajos más notables de la carrera de Marina y resulta uno de los mejores álbumes publicados durante este 2025. Puntuación: 8/10.

1. Mayhem de Lady Gaga.

Durante los últimos años, Lady Gaga se ha debatido entre seguir mostrando su lado más extravagante para complacer a sus leales ‘little monsters’ con el pop electrónico que ha sido su seña de identidad desde sus comienzos y desarrollar su lado más maduro y serio con álbumes de jazz o Country enfocados a un público más adulto y diverso. No sabemos qué camino escogerá la cantante americana en su futuro profesional (el éxito de ‘Die with a Smile’ junto a Bruno Mars podría hacerle decantarse por su perfil más serio y adulto) sin embargo lo que sí sabemos con certeza es que ha iniciado una nueva era en la que ha apostado por tirar de nostalgia y recuperar los mejores momentos de su glorioso pasado. El último álbum de Lady Gaga tiene por título Mayhem (que significa caos o desorden) y está formado por 14 temas compuestos por la propia Stefani Germanotta y producidos por Cirkut y Andrew Watt, con producción adicional de Gesaffelstein. Este álbum fue concebido una vez que la cantante neoyorquina se enfrentó al miedo de volver al pop de sus comienzos y que sus fans iniciales adoraban. Según Lady Gaga, «Mayhem» es un trabajo ecléctico y caótico que amalgama diferentes géneros, estilos y emociones, todo guiado por su profundo amor a la música. Los estilos predominantes en el álbum son el synth-pop ochentero reminiscencia de «The Fame» y el electropop, aunque también encontramos elementos del glam rock, dance-pop, funk y Disco. Lady Gaga declaró que la fuente de inspiración en la creación de este trabajo fue la música industrial (un género que fusiona la música electrónica con el rock y contiene sonidos duros, agresivos y transgresores) sin embargo este pop industrial apenas hace acto de presencia dentro del álbum. El single presentación del álbum fue Disease, un tema mid-tempo electropop y synth-pop de sonido oscuro y con una producción abrasiva e industrial que recuerda al estilo de algunas canciones presentes en el álbum «Born This Way». Este tema, compuesto por Lady Gaga junto a su novio Michael Polansky, destaca por sus letras en las que la cantante ofrece el antídoto a las enfermedades y males de su amante, con una temática oscura reminiscencia de la era «The Fame Monster» y temas como ‘Bad Romance’. Pese a ser un ‘lead single’ solvente y digno, ‘Disease’ tuvo un discreto desempeño comercial. El segundo single lanzado fue Abracadabra, un enérgico tema dance-pop y electropop cuyas letras hacen referencia a la lucha interna de elegir entre entre la oscuridad y la luz, además de enfrentarse a los miedos y dudas internas. Este tema cuenta con una dramática ejecución vocal por parte de Lady Gaga y unos ganchos (‘abracadabra amor uh na na, abracadabra morta uh gaga’) inspirados en temas como ‘Bad Romance’. Por su estilo y sonido, ‘Abracadabra’ podría tratarse de un tema perdido entre las eras «The Fame Monster» y «Born This Way» aunque también comparte el espíritu desenfadado de «Chromatica». Este tema ha recibido elogios de la crítica por su carácter bailable y su pegadizo estribillo y ha sido muy bien recibido por parte de sus fieles seguidores. ‘Abracadabra’ ha superado el desempeño comercial del anterior single y ha alcanzado el top 5 en Reino Unido o Alemania y el top 15 en Estados Unidos, Canadá o Australia. El álbum se puede escuchar prácticamente del tirón sin apenas saltar ninguna canción y encontramos varios temas con gran potencial como futuros singles. Dentro del álbum destacan ‘Garden of Eden’, un tema electropop que incluye referencias al pasaje bíblico del mismo nombre en el que Gaga representa la serpiente que ofreció la manzana a Eva, ‘Shadow of a Man’, que habla de su tortuoso camino hasta convertirse en la estrella del pop que es hoy y cómo tuvo que estar a la sombra de otros antes de triunfar o ‘Vanish into You’, un tema con influencias Disco y glam rock en el que Gaga celebra el descubrimiento del amor y desea fusionarse con su amante en una entidad conjunta. «Mayhem» ha resultado un notable éxito comercial y ha alcanzado el #1 en las listas de ventas de más de 20 países de todo el mundo. Quizás no encontremos en «Mayhem» demasiado del pop industrial que nos prometió, pero sí aparecen influencias del synth-pop de los años 80 y artistas como David Bowie (que ya fueron fuente de inspiración en «The Fame»), lo que supone un gran acierto. «Mayhem» resulta sólido y cohesivo pese a la mezcla de estilos presentes y supone un evidente paso adelante con respecto a «Chromatica», el cual era un trabajo interesante y más que digno pero demasiado genérico y formulaico. Es un verdadero placer presenciar a Lady Gaga volviendo a sus raíces y haciendo lo que mejor se le da: crear temas divertidos y bailables con estribillos pegadizos e inmediatos. En mi opinión nos encontramos ante el mejor álbum pop de lo que llevamos de 2025 y uno de los mejores trabajos de la discografía de Lady Gaga después de «The Fame» y «The Fame Monster», sin duda sus obras maestras. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Mayhem» de Lady Gaga

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Durante los últimos años, Lady Gaga se ha debatido entre seguir mostrando su lado más extravagante para complacer a sus leales ‘little monsters’ con el pop electrónico que ha sido su seña de identidad desde sus comienzos y desarrollar su lado más maduro y serio con álbumes de jazz o Country enfocados a un público más adulto y diverso. No sabemos qué camino escogerá la cantante americana en su futuro profesional (el éxito de ‘Die with a Smile’ junto a Bruno Mars podría hacerle decantarse por su perfil más serio y adulto) sin embargo lo que sí sabemos con certeza es que ha iniciado una nueva era en la que ha apostado por tirar de nostalgia y recuperar los mejores momentos de su glorioso pasado. El nuevo álbum de Lady Gaga tiene por título Mayhem (que significa caos, desorden o confusión) y está formado por 14 temas compuestos por la propia Stefani Germanotta y producidos por Cirkut y Andrew Watt, con producción adicional de Gesaffelstein. Este álbum fue concebido una vez que la cantante neoyorquina se enfrentó al miedo de volver al pop de sus comienzos y que sus fans iniciales adoraban (fue su novio quien le animó a regresar a la música de sus orígenes). Según Lady Gaga, «Mayhem» es un trabajo ecléctico y caótico que amalgama diferentes géneros, estilos y emociones, todo guiado por su profundo amor a la música. Los estilos predominantes en el álbum son el synth-pop ochentero reminiscencia de «The Fame» y el electropop, aunque también encontramos elementos glam rock, dance-pop, funk y Disco. Lady Gaga ha declarado que la fuente de inspiración en la creación de este trabajo ha sido la música industrial (un género que fusiona la música electrónica con el rock y contiene sonidos duros, agresivos y transgresores) sin embargo este pop industrial apenas hace acto de presencia dentro del álbum. 

En octubre del año pasado llegó el single presentación del álbum, Disease, que se trata de un tema mid-tempo electropop y synth-pop de sonido oscuro y con una producción abrasiva e industrial que recuerda al estilo de algunas canciones presentes en el álbum «Born This Way». Este tema, compuesto por Lady Gaga junto a su novio Michael Polansky, destaca por sus letras en las que la cantante ofrece el antídoto a las enfermedades y males de su amante, con una temática oscura reminiscencia de la era «The Fame Monster» y temas como ‘Bad Romance’. Pese a ser un ‘lead single’ solvente y muy digno, ‘Disease’ ha tenido un discreto desempeño comercial y ha ocupado el top 10 en Reino Unido, el top 25 en Estados Unidos y el top 40 en Australia o Canadá, unas posiciones bajas en comparación a la mayoría de sus primeros singles. Mientras que ‘Die with a Smile’ supera los dos mil millones de reproducciones en Spotify, ‘Disease’ apenas ha rebasado la barrera de los 150 millones de escuchas.

Tras su actuación en los premios Grammy, donde ganó un galardón a mejor actuación de pop de un dúo/grupo gracias a su exitoso tema ‘Die with a Smile’, Lady Gaga lanzó el segundo single de su nuevo álbum. Se trata de Abracadabra, un enérgico tema dance-pop con elementos electropop y House cuyas letras hacen referencia a la lucha interna de elegir entre entre la oscuridad y la luz, además de enfrentarse a los miedos y dudas internas. Este tema cuenta con una dramática ejecución vocal por parte de Lady Gaga y unos ganchos (‘abracadabra amor uh na na, abracadabra morta uh gaga’) inspirados en temas como ‘Bad Romance’. Por su estilo y sonido, ‘Abracadabra’ podría tratarse de un tema perdido entre las eras «The Fame Monster» y «Born This Way» aunque también comparte el espíritu desenfadado de «Chromatica». Este tema ha recibido elogios de la crítica por su carácter bailable y su pegadizo estribillo y ha sido muy bien recibido por parte de sus fieles seguidores. ‘Abracadabra’ ha superado el desempeño comercial del anterior single y ha alcanzado el top 5 en Reino Unido o Alemania y el top 15 en Estados Unidos, Canadá o Australia.

El álbum se puede escuchar prácticamente del tirón sin apenas saltar ninguna canción y encontramos varios temas con gran potencial como futuros singles. Reseñaré los que considero más interesantes. ‘Garden of Eden’ es uno de los pocos temas con cierta influencia del pop industrial e incluye referencias al pasaje bíblico del mismo nombre en el que Gaga representa la serpiente que ofreció la manzana a Eva. ‘Zombieboy’, que por su sonido podría ser una continuación del tema ‘Disco Heaven’ perteneciente a su álbum debut, está dedicado a un amigo de Gaga que falleció y representa la celebración de las noches de diversión que acaban haciéndote sentir como un zombi a la mañana siguiente. ‘Shadow of a Man’ es uno de los temas más bailables del álbum y habla de su tortuoso camino hasta convertirse en la estrella del pop que es hoy y cómo tuvo que estar a la sombra de otros antes de triunfar. Las referencias al estilo y temática de «The Fame» son evidentes en temas como ‘Perfect Celebrity’, que habla del lado oscuro de la fama al igual que lo hacía ‘Paparazzi’ pero carga su rabia y frustración contra la industria y ella misma. Por su parte ‘LoveDrug’, que tiene un título similar al fantástico tema ‘LoveGame’ de su debut, compara el amor con una adicción a la que se aferra Gaga para escapar del dolor de sentirse sola. ‘Don’t Call Tonight’ es un tema synth-pop y funk mid-tempo que contiene unos sintetizadores muy en la línea de The Weeknd o Daft Punk y en cuyas letras la cantante advierte a su amante que no le llame si lo único que quiere es tener sexo. En ‘Vanish into You’, un tema con influencias Disco y glam rock, Gaga celebra el descubrimiento del amor y desea fusionarse con su amante en una entidad conjunta.

Mientras que durante la era «Chromatica» pudimos observar a una Lady Gaga poco comprometida y cómoda desarrollando de nuevo su faceta pop y parecía tratarse más bien de un álbum impuesto por su discográfica que un proyecto genuinamente decidido por ella, en «Mayhem» por fin vemos a la cantante disfrutando verdaderamente de su regreso al pop. Es un verdadero placer presenciar cómo Lady Gaga vuelve a sus raíces y hace lo que mejor se le da: crear temas divertidos y bailables con estribillos pegadizos e inmediatos. Quizás no encontremos en «Mayhem» demasiado del pop industrial que nos prometió, pero sí aparecen influencias del synth-pop de los años 80 y artistas como David Bowie (que ya fueron fuente de inspiración en «The Fame»), lo que supone un gran acierto. «Mayhem» resulta sólido y cohesivo pese a la mezcla de estilos presentes y supone un evidente paso adelante con respecto a «Chromatica», el cual era un trabajo interesante y más que digno pero demasiado genérico y formulaico. En mi opinión nos encontramos ante el mejor álbum pop de lo que llevamos de 2025 y uno de los mejores trabajos de la discografía de Lady Gaga después de «The Fame» y «The Fame Monster», sin duda sus obras maestras. Temas imprescindibles: Disease, Abracadabra, Shadow of a Man, Garden of Eden, Zombieboy, LoveDrug y Vanish into You. Puntuación: 8/10.

Los mejores álbumes pop de la década del 2000 (2ª parte)

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Kylie Fever10. Fever de Kylie Minogue.

En el año 2000 Kylie Minogue protagonizó uno de los regresos más importantes del panorama musical con el álbum «Light Years», el cual le devolvió la popularidad perdida gracias al éxito de singles tan populares como ‘Spinning Around’ o ‘On a Night Like This’, con los que recuperó su estatus en el mundo del pop. Un año más tarde, la cantante australiana publicó su octavo álbum de estudio, Fever, el cual seguía la estela musical de su álbum predecesor y estaba encuadrado dentro del dance-pop con influencias Disco y synth-pop. El álbum superó todas las expectativas, se convirtió en el más vendido dentro de su larga carrera y superó los 6 millones de copias en todo el mundo. «Fever» alcanzó el #1 en Australia, Reino Unido o Alemania y ocupó el top 5 en la lista de ventas de Estados Unidos, la mejor posición de toda su carrera. Esta respuesta comercial tan positiva se debió sin duda al espectacular éxito del primer single lanzado, Can’t Get You Out of My Head, que se trata de un potente tema dance-pop, electropop y Nu-Disco compuesto por Cathy Dennis que destaca por su adictivo estribillo y en el que Kylie declara que está obsesionada con su amante y no puede sacárselo de la cabeza. Este single alcanzó el #1 en mas de 20 países de todo el mundo e incluso llegó al #7 en la lista americana, lo que podemos considerar un gran logro para la cantante ya que Estados Unidos siempre ha sido un mercado muy difícil para los cantantes pop. El futurista videoclip de la canción y la moderna imagen de Kylie Minogue contribuyeron al éxito de la canción, que se convirtió en una de las más escuchadas y populares del año 2001. Como segundo single se lanzó In Your Eyes, un tema dance-pop producido por sus habituales colaboradores Richard Stannard y Julian Gallagher que resulta uno de los temas más marchosos, bailables y pegadizos de «Fever». El tercer single lanzado fue Love at First Sight, un pegadizo tema dance-pop y Disco en el que Kylie describe su creencia en el amor a primera vista. Este single recibió una nominación a los premios Grammy y en el terreno comercial ocupó el top 5 en Reino Unido y Australia. Como último single se lanzó Come Into My World, un tema dance-pop nuevamente producido por Cathy Dennis y Rob Davis cuya producción compartía muchas similitudes con ‘Can’t Get You Out of My Head’ pero no resultó tan exitoso como los anteriores singles. «Fever» obtuvo ventas millonarias, buenas críticas de los expertos musicales y es el responsable de devolver a Kylie Minogue a los primeros puestos de las listas de venta y convertirla de nuevo en una de las cantantes de pop más importantes del momento gracias a su vanguardista y moderno sonido. Sin duda uno de los mejores trabajos dentro de su extensa discografía. Puntuación: 8’5/10.

The Fame9. The Fame de Lady Gaga.

Antes de que despuntara a nivel mundial y se convirtiera en una estrella del pop, Lady Gaga comenzó como bailarina en clubs y más tarde como cantante en pequeños bares de Nueva York hasta que fue descubierta por el cantante Akon, quien le ayudó a encontrar una discográfica. Luego conectó con varios DJ’s y productores como RedOne con los que empezó a grabar temas para su álbum debut y fueron clave en el éxito que conseguiría más adelante. Entre los artistas que inspiraron a la cantante de ascendencia italiana se encuentran estrellas del ‘glam rock’ como David Bowie, míticos grupos como Queen y artistas como Madonna, de los cuales Lady Gaga se ha influenciado tanto en su imagen como en su estilo y música. En 2008 vio la luz su el álbum debut, titulado The Fame, el cual está encuadrado dentro del electropop, synth-pop y dance-pop (con ciertas influencias R&B y Disco) y compuesto por la propia cantante bajo la producción de RedOne y Rob Fusari. El álbum debut de Lady Gaga contiene letras sobre su obsesión por alcanzar la fama y conseguir poder y dinero, pero también trata temas como el sexo, el feminismo, salir de fiesta y las relaciones con los hombres. «The Fame» debutó en unas posiciones muy discretas en las listas de venta, sin embargo acabó alcanzando el #1 en Reino Unido o Alemania y el top 5 en España o Australia. En Estados Unidos debutó en un discreto #17 en la lista americana con unas escasas ventas y tras fluctuar por la lista durante meses, alcanzó el #2 un año más tarde gracias al lanzamiento de su re-edición. En tierras americanas «The Fame» supera los 6 millones de copias vendidas y en todo el mundo más de 15 millones, convirtiéndose en uno de los álbumes más exitosos de las década del 2000. «The Fame» recibió 5 nominaciones a los premios Grammy (incluyendo álbum del año), de las que ganó en la categoría de mejor álbum electrónico/Dance y mejor grabación Dance por ‘Poker Face’. El single presentación del álbum fue Just Dance, un marchoso tema electropop producido por RedOne que habla sobre salir de marcha, beber y pasarlo bien en el club y fue compuesto por Lady Gaga, Akon y RedOne en apenas 10 minutos. ‘Just Dance’ fue elogiado por los expertos musicales por su naturaleza desenfada y sus pegadizas letras y fue nominado a los premios Grammy. ‘Just Dance’ es el perfecto ejemplo de ‘sleeper hit’ ya que debutó en la parte baja del Hot 100 y tras un lento ascenso, cinco meses después alcanzó el #1 y se mantuvo en lo más alto durante tres semanas consecutivas. ‘Just Dance’ fue #1 en los principales mercados internacionales y acabó vendiendo más de 10 millones de copias. Como segundo single se lanzó Poker Face, un potente tema electropop y dance-pop cuyas letras hacen referencia al sexo con metáforas referentes al juego y las apuestas en los casinos. ‘Poker Face’, gracias a su pegadizo ritmo y su adictivo estribillo, fue aclamado por los críticos musicales, quienes lo consideraron uno de los mejores singles del año y recibió varias nominaciones a los premios Grammy, de los que ganó a mejor grabación Dance. ‘Poker Face’ resultó otro ‘sleeper hit’ para la cantante neoyorquina y siguiendo los pasos de ‘Just Dance’, fue escalando posiciones en la lista americana hasta alcanzar el #1. Con ventas superiores a los 14 millones de copias por ‘Poker Face’ y 10 millones por ‘Just Dance’, Lady Gaga aparece por partida doble en la lista de canciones más vendidas de la historia de la música. El tercer single lanzado fue LoveGame, un tema synth-pop y electropop con cierta influencia R&B producido por RedOne cuyas letras hablan de un encuentro sexual con un extraño en un club y representa a la perfección la esencia del álbum al incorporar temas como sexo, amor y fama. Como cuarto single se lanzó Paparazzi, un tema electropop de carácter mid-tempo que describe a Gaga como una acosadora que persigue a alguien para llamar su atención y se enamore de ella, pero representa la incesante búsqueda de la fama y el éxito por parte de la cantante. «The Fame» está formado por un conjunto muy sólido de temas dirigidos a las pistas de baile y es el epítome del sonido electropop que resurgió a finales de la década del 2000 y se consolidó durante la siguiente década. Lady Gaga, con su inconfundible estilo, su versatilidad como artista y su derroche de originalidad, no ha dejado de ser imitada por numerosas artistas desde su aparición en el mundo de la música. Puntuación: 8’5/10.

American Life7. American Life de Madonna.

El primer álbum de Madonna de la década del 2000 fue Music, el cual recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales, tuvo un desempeño comercial espectacular y contó con hit singles de la talla de ‘Music’ o ‘Don’t Tell Me’. Tras la extensa y exitosa gira Drowned World Tour, Madonna publicó su segundo disco de grandes éxitos y retomó su faceta como actriz. Además de participar brevemente en la película ‘Die Another Day’, perteneciente a la saga de James Bond, la cantante americana grabó una canción para su banda sonora, ‘Die Another Day’, producida por Mirwais Ahmadzaï. En 2003 vio la luz su noveno álbum de estudio, American Life, que seguía la estela musical de su anterior trabajo «Music» y estaba formado por 11 temas encuadrados dentro del electropop y dance-pop con gran influencia del sonido folk y uso prominente de guitarras acústicas, reminiscencia de «Music». Madonna compuso todos los temas del álbum junto con el productor francés Mirwais Ahmadzaï, quien se encargó de la entera producción del álbum, con pequeñas participaciones de otros productores como Stuart Price, Guy Sigsworth y Mike ‘Spike’ Stent. «American Life» es un álbum conceptual que trata temas como el materialismo y la búsqueda del ‘Sueño Americano’ y supone la respuesta de Madonna como ciudadana estadounidense ante trágicos acontecimientos sucedidos en los últimos años como el atentado a las Torres Gemelas de Nueva York y la guerra de Irak, que tuvieron un profundo efecto en la sociedad americana y crearon una sensación de desasosiego, paranoia y desolación entre la población. Las críticas de Madonna en contra del materialismo y la superficialidad presente en la actual sociedad suponían una divergencia con respecto anteriores canciones como ‘Material Girl’, cuyas letras chocaban con la opinión actual de la Reina del Pop. El primer single fue American Life, en el que Madonna critica la cultura del ‘Sueño Americano’, la fama y la superficialidad de la vida moderna. Este tema está encuadrado dentro del electropop pero contiene gran influencia folk y uso de guitarra acústica durante el estribillo e incorpora un rap en el que Madonna relata todos los privilegios de los que goza pero que no le hacen ser feliz ni estar satisfecha y declara vivir fuera del ‘Sueño Americano’, además de declararse como no cristiana. ‘American Life’ recibió feroces críticas en Estados Unidos por sus polémicas letras, por ello muchas radios americanas no pincharon el tema, de ahí que apenas alcanzara el top 40 en Billboard, convirtiéndose en la peor posición de un ‘lead single’ de Madonna hasta el momento. En el resto del mundo tuvo un desempeño comercial positivo y ocupó el top 10 en las principales listas de venta. El segundo single lanzado fue Hollywood, un marchoso tema dance-pop y electropop en el que Madonna continuaba con su crítica al ‘Sueño americano’ y relataba cómo muchas personas intentan conseguir la fama viajando a Hollywood, al que califica como un mundo codicioso y de sueños efímeros. Debido al boicot en contra de Madonna en Estados Unidos y su escaso airplay en las radios, ‘Hollywood’ fue incapaz de entrar en la lista americana, convirtiéndose en su primer single en 20 años que no entraba en el Hot 100 de Billboard. Como tercer single se lanzó Nothing Fails, una balada mid-tempo pop/folk con uso prominente de guitarra acústica y coro Gospel al final de la canción que se distancia del mensaje anti-capitalista de los anteriores singles y se trata de una canción de amor. El cuarto single del álbum fue Love Profusion, un tema dance-pop y electropop con uso prominente de guitarra dedicado a Guy Ritchie, su marido por entonces y en el que Madonna nuevamente expresa su confusión con respecto a la cultura americana y cómo ha perdido la ilusión. Pese a la intensa polémica que provocó el lanzamiento del primer single, «American Life» debutó en el #1 en la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el quinto álbum ‘chart topper’ de Madonna en Estados Unidos y acabó siendo certificado platino por ventas cercanas al millón de ejemplares, lo que resultaban unas cifras muy inferiores a las de sus últimos álbumes. A nivel internacional alcanzó el #1 en más de 10 países del mundo, incluyendo Reino Unido, Francia o Alemania y superó los 5 millones de copias alrededor del mundo, menos de la mitad que «Music». Pese a que «American Life» es considerado como el álbum maldito de Madonna y fue muy criticado en el momento de su publicación, años después ha recibido el reconocimiento que merece. Puntuación: 9/10.

Up!6. Up! de Shania Twain.

En 1997 se puso a la venta uno de los álbumes más exitosos de la historia de la música y que se ha convertido en el álbum más vendido de una artista femenina de todos los tiempos y el de mayores ventas dentro del género Country. Me refiero a Come On Over, el tercer álbum de Shania Twain, del cual se llegaron a lanzar hasta 12 singles, superó los 40 millones de copias en todo el mundo (más de 20 en Estados Unidos) y revolucionó el género Country por su sonido más accesible y cercano al pop. La vida comercial de «Come On Over» duró casi 3 años gracias al excepcional nivel de popularidad que obtuvo por lo que podríamos considerarlo prácticamente un disco de grandes éxitos de Shania Twain al encontrar en él muchos de sus singles más conocidos como ‘That Don’t Impress Me Much’, ‘Man! I Feel Like a Woman!’ o ‘You’re Still The One’. Tras viajar por todo el mundo para inspirarse e influenciarse de diferentes culturas, a finales de 2002 la cantante canadiense publicó su cuarto álbum de estudio, Up!, el cual fue nuevamente compuesto por la propia Shania junto a su por entonces marido, Robert «Mutt» Lange, quien se encargó también de la entera producción. Este álbum está formado principalmente por marchosos temas up-tempo de estilo Country-pop con influencias pop/rock además de varias baladas. «Up!» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con casi 900 mil ejemplares en su primera semana a la venta, convirtiéndose en el primer álbum de Shania en ocupar la posición de honor en Estados Unidos (aunque era su tercer #1 en el componente Country de Billboard) y acabó siendo certificado 11 veces platino por más de 11 millones de copias vendidas, que aunque eran inferiores a las astronómicas cifras conseguidas por su anterior disco todavía se podía considerar un éxito descomunal. Gracias al éxito de «Up!», Shania Twain se convirtió en la única artista femenina en poseer tres discos certificados diamante en Estados Unidos. En su Canadá natal «Up!» supuso su segundo álbum #1 y en el resto del mundo fue #1 en Australia o Alemania y top 5 en Reino Unido. «Up!» se caracterizó también por su longevidad en las listas de venta y hasta 8 singles fueron lanzados en los diferentes mercados. El single presentación fue I’m Gonna Getcha Good!, un enérgico tema Country-pop y pop/rock que resultaba similar a sus temas más famosos, recibió opiniones positivas de los expertos musicales y logró el #1 en Canadá, el top 10 en Reino Unido y el top 20 en Australia y Alemania. En Estados Unidos tuvo un recibimiento moderado y ocupó el top 40 aunque se comportó mejor en los componentes Country de la lista Billboard. Como segundo single en Norteamérica se lanzó el tema que daba título al álbum, Up!, que se trata de un alegre y optimista tema up-tempo de estilo Country-pop que gozó de gran éxito en Canadá, donde alcanzó el #2. En el mercado internacional se lanzó a su vez Ka-Ching!, un pegadizo medio tiempo pop/R&B con ciertos elementos Country que habla del materialismo y el consumismo en nuestra sociedad y resultaba uno de los temas más originales del álbum. ‘Ka-Ching!’ tuvo un gran desempeño comercial en las listas de venta de Reino Unido o Alemania, donde ocupó el top 10 y se convirtió en uno de los singles de Shania más exitosos en Europa. A mediados de 2003 llegó el tercer single, Forever and for Always, una balada mid-tempo Country-pop que habla del amor verdadero. ‘Forever and for Always’ recibió dos nominaciones a los premios Grammy (mejor canción canción Country y mejor actuación vocal femenina de Country) aunque no consiguió llevarse ninguno y en el aspecto comercial logró el tercer single top 10 consecutivo de Shania en Canadá y Reino Unido y ocupó el top 20 en Estados Unidos, convirtiéndose en el single más exitoso del Up! en dicho país. Como cuarto single internacional se lanzó Thank You Baby!, que se trataba de un bonito tema Country-pop con uso prominente de violines que recibió buenas críticas de los expertos aunque tuvo una acogida comercial moderada, mientras que para el mercado americano se eligió ‘She’s Not Just a Pretty Face’, un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que Shania alaba el enorme valor de las mujeres en la sociedad. Como quinto single internacional se lanzó When You Kiss Me, una de las baladas más destacadas de álbum y en concreto la favorita de Shania. Como último single en tierras americanas se extrajo ‘It Only Hurts When I’m Breathing’, la única balada de desamor del álbum. «Up!» está formado por un conjunto muy sólido de canciones pegadizas y alegres acompañadas de la maravillosa voz de Shania. Pese a ser un álbum muy largo, en ningún momento resulta aburrido ya que apenas encontramos temas de relleno. Puntuación: 9/10.

63c1e-jennifer_lopez_-_j-lo5. J.Lo de Jennifer Lopez.

En 1999 Jennifer Lopez hizo su debut en el mundo de la música con el álbum On The 6, el cual contenía influencias de la música latina que escuchaba durante su infancia por los orígenes puertorriqueños de sus padres pero también cierto toque urbano debido a que Jennifer creció en el barrio neoyorquino del Bronx, donde el Hip Hop es el género dominante. «On the 6» contó con singles tan populares como ‘If You Had My Love’ o ‘Waiting For Tonight’, resultó un gran éxito de ventas y superó ampliamente las expectativas tanto de Jennifer Lopez como de su discográfica por lo que no dudaron en darle continuidad a su faceta como cantante. En 2001 vio la luz su segundo álbum, J.Lo, cuyo título provenía del apodo con el que se referían a ella sus fans y los medios de comunicación. «J.Lo» podemos encuadrarlo dentro del pop/R&B pero es un álbum muy ecléctico con influencias Latin-pop, dance-pop y electropop. Cory Rooney, quien ya participó en su primer trabajo, aumentó su presencia en «J.Lo» y fue el responsable de muchos de los temas presentes, además de P. Diddy, Darkchild, Ric Wake o Troy Oliver. «J.Lo» tuvo un gran debut en las listas de venta y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Canadá, Alemania y España entre otros países y ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. Las ventas de «J.Lo» se mantuvieron muy consistentes durante los siguientes meses debido a la buena aceptación de los sencillos extraídos y el álbum acabó siendo certificado 4 veces platino en Estados Unidos y vendió más de 8 millones de ejemplares en todo el mundo, convirtiéndose en el trabajo más exitoso de Jennifer Lopez y pasados los años ha sido considerado como el mejor trabajo de toda su trayectoria. El primer single del álbum fue Love Don’t Cost a Thing, un pegadizo tema pop/R&B up-tempo producido por Cory Rooney y Ric Wake en el que Jennifer relata cómo su hombre intenta ganarse su amor con caros regalos pero ella confiesa que su amor no se compra con dinero. Muchos creyeron que dicho mensaje iba dirigido al rapero P. Diddy, su pareja por entonces y con el que rompió poco después del lanzamiento del disco. ‘Love Don’t Cost a Thing’ cosechó un gran éxito comercial y se ha convertido en una de sus canciones más representativas. Como segundo single se lanzó Play, un tema electropop con notoria presencia de guitarra eléctrica compuesto por Cory Rooney y la cantante Christina Milian (quien también participa haciendo los coros) en el que Jennifer pedía al DJ que le pusiera su canción favorita. Como tercer single se lanzó Ain’t It Funny, un marchoso tema Latin-pop compuesto por la propia Jennifer y que comenzaba con la frase en español «estoy loca, enamorada de ti». Este tema recibió buenas opiniones de los expertos, los cuales la consideraron una reminiscencia del lado latino de «On The 6» y obtuvo una gran respuesta comercial en Europa. Como cuarto single se eligió I’m Real, un marchoso tema pop/R&B up-tempo producido por Cory Rooney y Troy Oliver, sin embargo para la re-edición del disco se grabó un remix de dicho tema con mayor sonido Hip Hop junto al rapero Ja Rule, el cual también fue lanzado como single y alcanzó el #1 en la lista americana. Mientras que algunos expertos musicales opinaron que «J.Lo» estaba sobreproducido y criticaron la limitada voz de Jennifer, personalmente considero que es uno de los mejores álbumes de principios de la década del 2000 y el trabajo más sólido y completo de la carrera de Jennifer Lopez. Puntuación: 9/10.

A New Day Has Come4. A New Day Has Come de Céline Dion.

Durante la década de los 90 la cantante Céline Dion publicó tres álbumes tremendamente exitosos que la catapultaron a la cima de las listas de venta y la convirtieron en una de las cantantes más importantes del mundo del pop. Dichos álbumes son «The Colour of My Love», que vendió 20 millones de copias y «Falling Into You» y «Let’s Talk About Love», que superaron la barrera de los 30 millones de ejemplares en todo el mundo, han entrado en la lista de los álbumes más exitosos de todos los tiempos y se han convertido en clásicos indiscutibles de la música contemporánea. En 2002 la cantante canadiense regresó con otro de sus discos más icónicos, A New Day Has Come, que suponía su séptimo álbum de estudio en inglés y el primero de la década del 2000. Siguiendo la estela musical de ‘That’s The Way It Is’, uno de los temas inéditos del recopilatorio «All The Way… A Decade of Songs» en el que adoptaba un sonido más actual y moderno, Céline Dion se rodeó de importantes compositores y productores como Andreas Carlsson, Kristian Lundin, Robert ‘Mutt’ Lange, Ric Wake o Walter Afanasieff para crear un conjunto de canciones up-tempo de estilo pop, dance-pop y R&B, convirtiéndose en su trabajo más bailable y marchoso hasta la fecha, aunque también podemos encontrar sus clásicas baladas. «A New Day Has Come» fue considerado como el gran regreso de la cantante de Quebec tras un tiempo alejada del panorama musical en el que fue madre, de ahí que varios de los temas presentes traten su nueva faceta como madre, el amor en todas sus vertientes y la superación de las adversidades. Como single presentación se lanzó A New Day Has Come, el tema que da título al trabajo y que se trata de una balada mid-tempo de naturaleza inspiradora sobre superar las dificultades que se nos presentan en la vida. Céline celebra el nacimiento de su hijo tras numerosos problemas en su concepción debido a la avanzada edad y enfermedad de su marido René Angélil. ‘A New Day Has Come’ se convirtió en uno de los singles más importantes del año y ocupó el top 10 en Reino Unido o Alemania y el top 25 en Estados Unidos. El segundo single fue I’m Alive, un tema pop up-tempo compuesto y producido por Andreas Carlsson y Kristian Lundin, responsables de su hit ‘That’s The Way It Is’. En este tema alegre e inspirador, Céline declara sentirse libre, viva y realizada como madre y a lo largo de los años se ha convertido en uno de sus temas más representativos, siendo interpretado en la mayoría de sus giras de conciertos posteriores. Como último single del álbum se lanzó Goodbye’s (The Saddest Word), una emotiva balada producida por Robert ‘Mutt’ Lange en la que Céline habla sobre el incondicional amor de las madres a sus hijos y la pérdida de los seres queridos. Sólo se lanzaron 3 singles del álbum y no se realizó una extensa promoción del álbum ya que en 2003 la cantante se embarcó en su residencia de Las Vegas ‘A New Day…’, la cual se mantuvo durante casi 5 años de continuo éxito y se ha convertido en la residencia más rentable de la historia de la ciudad del pecado. «A New Day Has Come» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el cuarto trabajo de Céline Dion que alcanza el #1 en Estados Unidos y fue certificado triple platino por ventas superiores a los tres millones de copias. A nivel mundial también tuvo un desempeño comercial muy positivo: ocupó el #1 en más de 15 países de todo el mundo como Canadá, Francia o Reino Unido y acabó vendiendo más de 12 millones de copias. «A New Day Has Come» es uno de los mejores álbumes de Céline Dion por su compendio de baladas en las que apreciamos su maravillosa voz y temas up-tempo que nos muestran el lado más marchoso y bailable de la cantante. Puntuación: 9/10.

Oops3. Oops!… I Did It Again de Britney Spears.

En el año 1999 vio la luz el primer álbum de estudio de Britney Spears, …Baby One More Time, el cual llegó a vender 14 millones de copias en su país natal y más de 25 millones en todo el mundo, todo un récord para una cantante recién llegada al panorama musical. Gran parte de este éxito se debió a la excepcional acogida del primer single de idéntico título y que lideró las listas de venta de todo el mundo. Este single sigue manteniéndose después de más de 20 años como el mayor éxito de su trayectoria y su videoclip ha marcado historia dentro del mundo del pop y siempre será recordado por una Britney con coletas y vestida de colegiala. Tras el éxito del primer single llegaron ‘Sometimes’ y ‘(You Drive Me) Crazy’, otros de sus temas más representativos de los inicios de su carrera y que también gozaron de buena acogida en las listas de venta de todo el mundo. Gracias a ‘…Baby One More Time’, Britney Spears estuvo nominada a los premios Grammy como mejor artista revelación, pero le fue arrebatado el galardón por su ami-enemiga y rival Christina Aguilera. Tras el inmenso éxito de su álbum debut y sin apenas un respiro, en mayo de 2000 llegó su segundo álbum de estudio, Oops!… I Did It Again, el cual debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos con más de 1’3 millones de copias en su primera semana, la mayor cifra de ventas de una cantante femenina en la historia de la música y que sólo fue superada quince años después por Adele. «Oops!» fue certificado diamante en tierras americanas con más de 10 millones de ejemplares vendidos y a nivel internacional ocupó el #1 en más de 10 países de todo el mundo y superó los 20 millones a nivel mundial. «Oops!… I Did It Again» está compuesto por un compendio de marchosos temas de estilo pop y dance-pop y varias baladas que mostraban que el rango vocal de Britney era superior a lo que muchos creían. El compositor y productor sueco Max Martin, quien fue responsable de ‘…Baby One More Time’ y ‘Crazy’, asumió un papel muy importante en el segundo álbum de Britney Spears y se encargó de la mayoría de canciones presentes junto a su habitual colaborador Rami y otros músicos asociados a ‘Cheiron Studios’ como Alexander Kronlund, Jörgen Elofsson o Kristian Lundin. El productor Robert ‘Mutt’ Lange y la afamada compositora Diane Warren también contribuyeron con una canción cada uno para este álbum y la propia Britney compuso un tema, ‘Dear Diary’. En una estrategia comercial muy similar a la utilizada con su álbum debut, el single presentación de su segundo trabajo discográfico fue el tema que daba título al álbum. Oops!… I Did It Again, es un tema pop compuesto y producido por Max Martin y Rami que guardaba muchas similitudes con ‘…Baby One More Time’ aunque Britney declaraba que «ya no era tan inocente» como antes y en este caso jugaba con los sentimientos de su amante, el cual confunde su ‘flirteo’ con un interés romántico real. ‘Oops!’ no logró despuntar en la lista americana como hizo ‘…Baby’ y sólo ocupó el top 10 en Estados Unidos sin embargo en el resto del mundo el desempeño fue muy superior y alcanzó el #1 en más de 15 países. El videoclip de ‘Oops’, ambientado en el planeta Marte y con el icónico traje rojo de látex de Britney también se ha convertido en un clásico de la década del 2000. El segundo single lanzado fue Lucky, un tema mid-tempo pop de pegadizas letras y con una producción muy similar a la de ‘Oops!’ ya que los responsables seguían siendo Max Martin y Rami. ‘Lucky’, que relata la vida de una estrella del cine que lo tiene todo en la vida pero en realidad se siente sola y desdichada, recibió buenas críticas de los expertos musicales, muchos de los cuales creyeron que la letra de la canción estaba inspirada en su propia vida. Como tercer single llegó Stronger, un potente tema pop up-tempo que recibió grandes críticas por sus letras de auto-empoderamiento y su declaración de independencia sobre abandonar al amante que te ha engañado y por la ágil ejecución vocal de Britney en el tema. ‘Stronger’ resultaba un tema muy moderno gracias a su producción vanguardista y adelantada a su tiempo y se convirtió en uno de los ‘fan favorite’ del álbum. Como último single se lanzó Don’t Let Me Be The Last To Know, una balada compuesta por Shania Twain y el productor Robert ‘Mutt’ Lange que contenía ciertas influencias de música Country-pop. Cuando muchos segundos álbumes de artistas que han cosechado gran éxito con su debut suponen una importante caída de ventas o son un sonoro fracaso, no fue éste el caso de Britney, ya que sin superar el éxito sin precedentes de «…Baby One More Time», obtuvo unas cifras de venta muy altas y casi cercanas. «Oops!… I Did It Again» es un disco más completo y sólido que su debut y aunque no se aprecia excesiva evolución en la música de Britney debido a su proximidad en sus fechas de publicación, es uno de los álbumes más importantes de la década del 2000 y en mi opinión uno de los mejores dentro de su trayectoria musical. Puntuación: 9/10.

Confessions2. Confessions on a Dance Floor de Madonna.

Madonna es conocida dentro del mundo de la música por su capacidad para reinventarse con cada álbum y ofrecer al público un estilo y una imagen totalmente opuesta a la anterior, algo que han imitado muchas cantantes posteriores. En 2005 la reina del pop resurgió de sus cenizas como el ave fénix con su décimo álbum de estudio, titulado Confessions on a Dance Floor, que tomaba el relevo a «American Life», publicado dos años atrás con críticas y ventas mediocres. «Confessions» supone una gran divergencia en cuanto a sonido con respecto a su anterior álbum ya que Madonna regresó a sus raíces pop para ofrecernos un trabajo dirigido a las pistas de baile. Con la ayuda de Stuart Price y la producción adicional de su colaborador habitual Mirwais Ahmadzaï y Bloodshy & Avant, Madonna creó un trabajo encuadrado dentro del dance-pop y el electropop con gran influencia del sonido Disco de los años 70 y 80 e inspirado en la música de ABBA, Donna Summer o Pet Shop Boys. «Confessions» se podía escuchar de principio a fin porque el relleno se reducía al mínimo y las 12 canciones presentes estaban encadenadas las unas con las otras como si de una sesión de Dj se tratase. Tras el fracaso comercial que resultó «American Life», el cual tan sólo vendió 5 millones de copias en todo el mundo y se convirtió en el disco menos vendido de su carrera, «Confessions» supuso no sólo un importante repunte en su popularidad sino un tremendo incremento en las ventas, que fueron superiores a los 10 millones de copias a nivel mundial y logró el #1 en más de 20 países. Este álbum recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales, quienes se reconciliaron con Madonna tras sus negativas opiniones hacia «American Life» y consiguió un premio Grammy al mejor álbum electrónico/Dance. El single presentación del álbum fue Hung Up, un bailable tema dance-pop con influencia Disco y House producido por Stuart Price que samplea el hit ‘Gimme! Gimme! Gimme!’ de ABBA. ‘Hung Up’ superó todas las expectativas posibles y ocupó el #1 en más de 40 países de todo el mundo, pasando a formar parte de las canciones más exitosas de todos los tiempos, con ventas superiores a los 9 millones de copias. En Estados Unidos fue #7, el mejor resultado de Madonna en años, aunque resultó una de las posiciones más bajas del single alrededor del mundo. El segundo single lanzado fue Sorry, un tema dance-pop y Disco en el que Madonna declaraba sentirse harta de oír excusas por parte de su amante, el cual no paraba de disculparse por sus errores. ‘Sorry’ destaca por incluir las palabras «lo siento» y «perdóname» en varios idiomas como español, francés o italiano. Como tercer single se lanzó Get Together, un potente tema electropop y dance-pop con influencia Disco y House que habla sobre encontrar el amor en la pista de baile y cuya promoción fue mínima porque Madonna se encontraba de gira con el exitoso ‘Confessions Tour’, pero aún así fue #1 en España y top 10 en Reino Unido. El cuarto y último single lanzado fue Jump, un tema dance-pop y synth-pop que destacaba por el hecho de que Madonna hace uso de su registro más bajo de la voz y hablaba sobre pasar página de una relación. Este álbum siempre será recordado por su carácter discotequero y los icónicos looks de Madonna ensayando frente al espejo y haciendo posturitas en el videoclip de ‘Hung Up’. La música Disco ha vivido un ‘revival’ durante los últimos años, sin embargo Madonna ya recuperó este sonido en «Confessions», el cual ha sido fuente de inspiración para numerosas cantantes de pop posteriores. Sin duda, «Confessions» es uno de los mejores álbumes de la carrera de Madonna y un justo merecedor de ocupar la parte alta de esta lista a los mejores álbumes de la década del 2000. Puntuación: 9/10.

Blackout1. Blackout de Britney Spears.

Tras la publicación de un recopilatorio de grandes éxitos, Britney Spears se tomó un descanso del mundo de la música, se centró en su vida personal y dio a luz a su segundo hijo, fruto de la relación con su marido Kevin Federline. Durante los años siguientes, la cantante fue acosada y perseguida de manera incesante por los medios de comunicación americanos debido a su publicitado divorcio con Kevin Federline y debido a su comportamiento errático fue ingresada en un centro de rehabilitación y perdió la custodia legal de sus hijos. En 2007 llegó su quinto álbum de estudio, Blackout, el cual está encuadrado dentro del electropop y el dance-pop con ciertas influencias R&B y cuenta con la producción de Danja, Bloodshy & Avant o The Neptunes. Aunque durante las sesiones de grabación Britney se encontraba embarazada de su segundo hijo y atravesaba uno de los momentos más complicados de su vida, todos los productores involucrados en este proyecto alabaron su profesionalidad y gran ética en el trabajo. El objetivo de Britney con «Blackout» era crear un álbum divertido, bailable, de carácter up-tempo y que celebrara su feminidad. El álbum recibió críticas muy positivas por parte de los expertos musicales, quienes alabaron la dirección musical tomada en el álbum, su carácter progresivo, su arriesgada y moderna producción y lo consideraron el trabajo más sólido y consistente de toda su trayectoria profesional. La prestigiosa publicación americana Rolling Stone consideró «Blackout» como uno de los álbumes más influyentes de la historia del pop. «Blackout» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer álbum de Britney que no ocupaba la posición de honor en Estados Unidos y fue certificado platino por ventas de un millón de copias, haciendo de él su álbum de estudio menos vendido hasta la fecha. A nivel internacional alcanzó el #1 en Irlanda y el top 5 en Reino Unido o Australia y apenas superó los 3 millones de copias, unas cifras muy inferiores a las de sus primeros álbumes. El single presentación del álbum fue Gimme More, un marchoso tema electropop y dance-pop con influencia urbana compuesto por Keri Hilson y producido por Danja que habla de la fascinación que tiene el público por la vida privada de Britney. ‘Gimme More’ llamó la atención del público por sus pegadizas letras y la frase con la que empezaba la canción, «It’s Britney, bitch» que a lo largo de los años se ha convertido en una frase muy representativa de la cantante y forma parte de la cultura popular. ‘Gimme More’ resultó un auténtico éxito comercial y ocupó el top 5 en las principales listas de venta. Durante varios años ‘Gimme More’ fue considerado el tema maldito de Britney ya que se asociaba al fatídico periodo que atravesó debido a sus problemas personales y fue omitido en la gira del álbum «Circus». ‘Gimme More’ no sólo resultó uno de los temas más populares del 2007 sino que con el paso de los años ha ido ganando reconocimiento y se ha convertido en uno de sus temas más representativos de su carrera musical. Como segundo single se lanzó Piece of Me, un tema electropop de carácter mid-tempo producido por Bloodshy & Avant que destacaba por el intenso uso de sintetizadores en la voz de Britney. Pese a no estar compuesto por la cantante, las letras de ‘Piece of Me’ son autobiográficas y hacen referencia al gran escrutinio público que sufrió durante aquel tiempo y la intromisión de los medios de comunicación en su vida privada. Este single fue aclamado por la crítica por sus personales letras, la arriesgada producción y la desafiante voz de Britney y fue considerado no sólo uno de los mejores temas del año sino de toda la carrera de Britney y de la historia de la música. El tercer single lanzado fue Break the Ice, un tema up-tempo de carácter electropop con influencia R&B compuesto por Keri Hilson y producido por Danja que relata el encuentro sexual de Britney con su amante. «Blackout» está formado por un conjunto muy sólido de canciones bailables, pegadizas y adelantadas a su tiempo, cuyo estilo ha servido de inspiración a una generación posterior de artistas. Pese a haber llegado en el peor momento de su vida, Britney nos ofreció uno de los mejores trabajos de su trayectoria musical y el álbum pop más influyente de la década del 2000. Puntuación: 9/10.

Crítica de «The Fame Monster» de Lady Gaga

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The Fame MonsterEn el año 2008 Lady Gaga protagonizó uno de los debuts más importantes del mundo de la música con The Fame, el cual se convirtió en un auténtico éxito de ventas gracias a una excelente selección de singles entre los que se encontraban ‘Just Dance’, ‘Poker Face’ o ‘LoveGame’. Con más de 10 millones de copias vendidas, infinidad de premios y una popularidad al alza, la cantante neoyorquina publicó en noviembre de 2009 una reedición de su primer álbum, titulada The Fame Monster, que se lanzó como EP independiente en Estados Unidos y como doble álbum junto a la edición original de «The Fame» en el resto del mundo. «The Fame Monster» sigue la estela musical del primer álbum y está compuesto por 8 temas encuadrados dentro del sonido electropop y synth-pop bajo la producción de RedOne (responsable del éxito de «The Fame»), además de Rodney ‘Darkchild’ Jerkins, Ron Fair y Fernando Garibay. Este álbum trata el lado más oscuro de la fama e incorpora numerosas referencias a los diferentes ‘monstruos’ que tenemos en nuestro interior, como el miedo a la muerte, al sexo o a las relaciones. El primer single de la re-edición fue Bad Romance, un enérgico tema electropop y dance-pop producido por RedOne e inspirado en el sonido Techno/House alemán en el que Lady Gaga habla sobre su atracción por las relaciones amorosas complicadas y representa a la perfección el tono oscuro y sombrío presente en «The Fame Monster». Desde un primer momento, ‘Bad Romance’ fue aclamado por la crítica y resulta uno de los singles más adictivos de la cantante gracias a los pegadizos ganchos vocales utilizados y su poderoso estribillo y pasó a formar parte de los singles más representativos de su carrera. Este single recibió numerosos premios, entre ellos un Grammy a mejor actuación femenina vocal de pop. Con la popularidad de Lady Gaga en su mejor momento, ‘Bad Romance’ resultó un auténtico éxito comercial: alcanzó el #1 en más de 20 países en todo el mundo (en Estados Unidos y Australia fue #2) y acabó superando los 12 millones de copias, convirtiéndose en su segundo single más vendido por detrás de ‘Poker Face’ y entrando en la élite de los singles más vendidos de todos los tiempos.

Tras el asombroso éxito de ‘Bad Romance’, como segundo single se lanzó Telephone, un tema dance-pop y electropop producido por Darkchild y con la participación de Beyoncé en el que Gaga declara que prefiere seguir en la pista de baile antes que responder a una llamada telefónica, aunque según la cantante dicha llamada representa su miedo a no haber trabajado lo suficiente como para triunfar. Cabe destacar que ‘Telephone’ fue originalmente compuesta para Britney Spears y su álbum «Circus», pero tras ser rechazado por la princesa del pop (y van ya unos cuantos hits que dejó escapar) fue grabado por la propia Gaga con la colaboración de Beyoncé. El videoclip de ‘Telephone’ daba continuación a la trama iniciada en el videoclip ‘Paparazzi’, en el que tras envenenar a su novio, Gaga es encarcelada y tras salir de prisión, Beyoncé va a recogerla y siguen haciendo fechorías juntas. ‘Telephone’ tuvo un excelente desempeño comercial y alcanzó el #1 en Reino Unido y el top 5 en los principales mercados musicales.

El tercer single de «The Fame Monster» fue Alejandro, un tema synth-pop de carácter mid-tempo con influencia Latin-pop que incorpora numerosas referencias a la cultura latina y varias palabras en español. En ‘Alejandro’, la cantante habla de su miedo a los hombres y relata las relaciones fallidas con sus novios latinos Alejandro, Roberto y Fernando. Este single continuó la imparable racha de éxitos de Lady Gaga y nuevamente tuvo una gran acogida por parte del público ya que ocupó el top 5 en Estados Unidos, Alemania, Australia o España y el top 10 en Reino Unido. Inicialmente Dance in the Dark iba a ser elegido como el tercer single pero Lady Gaga prefirió ‘Alejandro’, por lo que fue lanzado de manera limitada como cuarto single, pero debido a los compromisos de la cantante con su gira mundial y la ausencia de promoción o videoclip, apenas tuvo impacto en las listas de venta. ‘Dance in the Dark’ es una de las joyas de «The Fame Monster» (personalmente mi canción favorita) y se trata de un tema synth-pop de sonido retro producido por Fernando Garibay en el que Stefani Germanotta habla de una mujer que se siente insegura de su cuerpo y prefiere practicar sexo en la oscuridad. En la canción, Gaga también rinde homenaje a importantes mujeres de la historia que fallecieron de manera trágica como Diana de Gales o Marilyn Monroe. ‘Dance in the Dark’ recibió una nominación a mejor grabación Dance en los premios Grammy y sirvió de tema inicial en el la gira «The Monster Ball», a la que yo tuve el placer de asistir. 

Ciertamente se lanzaron como singles las mejores canciones de «The Fame Monster», sin embargo merece la pena reseñar ‘Monster’, que representa el miedo al sexo y las relaciones y se trata de un tema synth-pop en el que relata su atracción por los hombres mujeriegos y peligrosos de los que no puede escapar o ‘So Happy I Could Die’, otra de las aportaciones de RedOne y que habla sobre la liberación a través del alcohol y el sexo. El EP también incluye una de las baladas pop/rock que tanto le gustan a Gaga, ‘Speechless’, que representa el miedo a la muerte y está inspirado por la música de sus adorados Queen. En resumen, «The Fame Monster» no hizo sino incrementar la enorme popularidad que consiguió Lady Gaga durante su primer álbum y la consagró como la estrella pop del momento. Considero que este EP fue una gran adición al ya de por sí excelente álbum debut de Gaga y en mi opinión «The Fame Monster» representó la mejor era de la cantante antes de que sus extravagancias y excentricidades eclipsaran su música. Temas imprescindibles: Dance in the Dark, Bad Romance, Alejandro, Telephone y So Happy I Could Die. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «Artpop» de Lady Gaga

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ArtpopGracias al éxito de sus dos primeros álbumes, Lady Gaga se convirtió no sólo en una de las cantantes más exitosas e influyentes del panorama musical, sino en una de las figuras más controvertidas e icónicas del ‘show business’ debido a sus excéntricos atuendos, su carismática personalidad y su sentido del espectáculo. En noviembre de 2013 vio la luz el tercer álbum de estudio de la cantante americana, titulado Artpop, el cual está formado por 15 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del electropop y el dance-pop con influencias R&B, Techno o dupstep. Todas las canciones fueron compuestas por Lady Gaga bajo la producción de DJ White Shadow, quien ya participó en su anterior álbum y cuenta con producción adicional de Zedd, David Guetta o Nick Monson entre otros. Cabe destacar que RedOne, responsable de los mayores éxitos de Lady Gaga, no participó en la producción del álbum y sólo aparecen sus créditos en la composición de un tema. Las letras de «Artpop» giran alrededor del sexo, la fama, el feminismo y la adicción a las drogas y contiene numerosas referencias a la mitología griega y romana. «Artpop» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado platino por ventas cercanas al millón de copias, unas cifras notoriamente inferiores a las de sus anteriores trabajos ya que por ejemplo «Born This Way» en su primera semana ya superó el millón de ejemplares. En el resto de mundo alcanzó el #1 en Reino Unido (el tercer álbum ‘chart topper’ de Lady Gaga) y el top 5 en las principales listas internacionales. El single presentación del álbum fue Applause, un enérgico tema electropop y dance-pop producido por DJ White Shadow cuyas letras hacen referencia a la adoración que sienten sus fans por ella y cómo sus aplausos y reconocimiento le permiten seguir adelante. Este tema recibió críticas positivas por su naturaleza desenfadada, pero sobretodo por recuperar un estilo electropop similar al presente en su primer álbum «The Fame», aunque también surgieron voces que lo tacharon de genérico y no estar a la altura de sus anteriores singles. ‘Applause’ tuvo un rendimiento comercial muy positivo y alcanzó el top 5 en las principales listas de venta como Estados Unidos, Alemania, Reino Unido o Canadá, incluyendo el #1 en España.

Después de haber lanzado un single que recordaba el estilo de sus inicios, la cantante neoyorquina quiso que su siguiente single tuviera un sonido diferente e inusual para ella, por eso se lanzó Do What U Want, un tema synth-pop y R&B de carácter mid-tempo que incorpora sintetizadores típicos de la música electrónica de los años 80 y cuenta con la participación del cantante R.Kelly. Las letras de ‘Do What U Want’ tienen diferentes interpretaciones: por una parte puede representar los gustos sexuales de la cantante por la sumisión aunque también afirma que sus detractores y la prensa «pueden hacer lo que quieran con su cuerpo» porque sus sentimientos y sueños sólo le pertenecen a ella. ‘Do What U Want’ recibió opiniones positivas de los críticos musicales por sus pegadizas letras y la decisión de incorporar el sonido R&B y fue considerado uno de los temas más destacados del álbum. Este single obtuvo un éxito moderado y alcanzó el top 10 en España, Reino Unido o Canadá y el #13 en Estados Unidos.

Previo a la publicación del álbum se lanzaron dos sencillos promocionales: ‘Venus’, un tema dance-pop y synth-pop con aire ochentero que contiene numerosas referencias a la mitología griega y ‘Dope’, una balada pop autobiográfica que habla de la adicción de la cantante a las drogas que le aliviaban el dolor tras la operación de cadera que sufrió durante la gira promocional de «Born This Way». Ya en 2004 se lanzó como tercer single G.U.Y. (el acrónimo de ‘Girl Under You’), que se trata de un tema electropop y synth-pop con influencia R&B que cuenta con unas letras de naturaleza muy sexual sobre la dominación, la sumisión y los roles de género. ‘G.U.Y.’ apenas contó con promoción aparte de su espectacular videoclip y como consecuencia obtuvo un desempeño comercial muy negativo (apenas pisó el Hot 100 de la lista americana), convirtiéndose en el single de Lady Gaga menos exitoso hasta la fecha.

Una de las canciones más destacadas del álbum es ‘Gypsy’, un enérgico tema dance-pop y electropop con influencia House que habla de la soledad que viven los artistas y cómo los fans se convierten en su familia, destaca por ser la única contribución como compositor de RedOne al álbum y recuerda a anteriores singles como ‘The Edge of Glory’. También merece la pena reseñar ‘Sexxx Dreams’, un tema synth-pop con cierta influencia R&B que habla de las fantasías sexuales de Gaga o ‘Jewels n’ Drugs’, un tema de Hip Hop y Trap que cuenta con la participación de los raperos T.I., Twista y Too Short y nuevamente hace referencia al abuso de sustancias. En mi opinión, «Artpop» supone un evidente paso hacia atrás en comparación a «Born This Way» y sobretodo al magnífico «The Fame» ya que resulta poco cohesivo, contiene excesivo relleno y encontramos una Lady Gaga poco inspirada. «Artpop» recibió unas críticas muy tibias por parte de los expertos musicales y obtuvo unas bajas ventas, lo que evidenciaba que el globo de su éxito comercial empezaba a deshincharse, además fue considerado el álbum maldito de Lady Gaga, quien incluso renegó de él años más tarde ya que coincidió con una etapa muy oscura y depresiva de su vida. Temas imprescindibles: Do What U Want, Applause, G.U.Y., Venus, Gypsy y Sexxx Dreams. Puntuación: 6’5/10.

Los mejores álbumes del 2020 (1ª parte)

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El 2020 está siendo un año extremadamente inusual debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus, la cual ha afectado a todos los sectores de la economía, que se han tenido de adaptar a la profunda crisis que han provocado los meses de confinamiento y el parón de la actividad industrial. El sector del ocio ha sido uno de los más afectados y si nos centramos en la industria musical podemos afirmar que ésta ha sufrido una caída brutal en sus principales fuentes de ingresos, por todos los conciertos y festivales de música que han sido cancelados y la ausencia de ventas de discos en formato físico. Algunos artistas que tenían pensado lanzar sus álbumes durante esta primavera decidieron posponer la fecha de publicación hasta que las condiciones sanitarias «volvieran a la normalidad» y pudieran realizar promoción, mientras que otros valientes siguieron con sus planes originales y lanzaron disco pese a la extraña situación que hemos vivido, algo que es de agradecer y alabar. Aunque este año haya sido atípico desde mediados de marzo y el número de lanzamientos se haya reducido de manera considerable, hemos sido testigo de la publicación de varios álbumes muy interesantes que nos han acompañado durante los duros momentos del confinamiento. Desde el blog MiSTeR MuSiC haré un repaso de los mejores álbumes que se han lanzado durante la primera mitad de este 2020.

Chromatica4. Chromatica de Lady Gaga.

En su habitual línea de dar pena sacando a la luz enfermedades y traumas pasados, Lady Gaga se ha vendido a sí misma como una de las grandes afectadas por la pandemia del coronavirus al tener que aplazar el lanzamiento de su nuevo álbum, sin embargo no lo ha sido tanto ya que pudo haber lanzado el disco en las fechas originales sin mayor problema puesto que otros cantantes lo han hecho con gran éxito (como Dua Lipa) pese a la disminución de la promoción debido a razones obvias. Lady Gaga tenía previsto publicar su sexto disco de estudio, Chromatica el pasado 10 de abril pero decidió posponer su lanzamiento hasta que las circunstancias fueran más propicias, sin embargo en un arranque muy coherente por su parte el álbum vio la luz a finales de mayo, cuando la pandemia sacudía fuertemente a Estados Unidos, el mercado más importante para la polémica cantante. Dejando a un lado esta incoherente estrategia comercial, nos encontramos ante uno de los discos más esperados del año ya que tras su coqueteo con el Country y el pop/rock de ‘Joanne’ y su participación en la banda sonora de ‘A Star Is Born’, donde continuó con su imagen de artista seria y madura, con su nuevo álbum Lady Gaga ha regresado a sus raíces pop y ha rescatado de nuevo su imagen extravagante. Chromatica abandona las baladas dramáticas como ‘Shallow’ para centrarse exclusivamente en temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House. Aprovechando el momento nostálgico que vive el pop actualmente y al igual que Dua Lipa se inspiró en el sonido Disco de los años 70 y 80, Lady Gaga se ha influenciado del Dance y House que triunfaban en los 90 para dar forma su nuevo trabajo, que reduce el relleno al mínimo y está formado por temas dirigidos a las pistas de baile aunque la temática vaya más encaminada a mostrarnos cómo ha superado las adversidades y los duros momentos del pasado. El primer single del álbum, ‘Stupid Love’ llegó en febrero y aunque resultaba marchoso y pegadizo no dejaba de ser un tema poco arriesgado e innovador que muchos tacharon de básico y menos eficaz que sus habituales primeros singles. Tras la tibia acogida de ‘Stupid Love’ (que fue un éxito en ciertos países pero marcó mínimos en la carrera de Lady Gaga en otros importantes mercados) y coincidiendo con la publicación del álbum, la artista neoyorquina sacó todos los tanques y nos ofreció su esperada colaboración con Ariana Grande en ‘Rain On Me’, un bailable tema dance-pop y House que esta vez sí la devolvió al #1 en las listas de ventas. Chromatica contiene grandes temas que pueden pueden ser singles muy potentes como Replay, Free Woman, Fun Tonight o 911 y supera ampliamente la calidad de Joanne y Artpop, de ahí que lo considere uno de los mejores discos del año, aunque se tiene que conformar con el cuarto puesto. Puntuación: 7’5/10. 

All Monsters Are Human3. All Monsters Are Human de K. Michelle.

El 31 de enero resultó ser un día de extrema competencia en el mundo de la música ya que se produjeron numerosos lanzamientos de discos de importantes artistas como Kesha, Meghan Trainor, Louis Tomlinson o nuestra protagonista, K. Michelle. La cantante nacida en Memphis publicó su quinto álbum de estudio, titulado All Monsters Are Human, que tomaba el relevo a «Kimberly: The People I Used To Know», lanzado en 2017, lo que supuso el lapso de tiempo más amplio entre disco y disco dentro de su carrera, ya que desde sus inicios en el mundo de la música se ha caracterizado por su gran agilidad al lanzar álbumes. En la actualidad K. Michelle es una de las pocas cantantes que podemos encuadrar dentro del R&B más tradicional y clásico puesto que dicho género se ha visto influenciado durante los últimos años por la música electrónica y el desmedido uso de los sintetizadores y ha perdido parte de su esencia y sus orígenes, sin embargo la cantante de Tennessee se ha mantenido fiel al R&B de los años 90 y 2000 y es una de las escasas representantes del ‘verdadero R&B’ que ha ido desapareciendo a lo largo de los años. «All Monsters Are Human» está formado por 13 temas compuestos por la propia Kimberly y destaca por el hecho de que es su primer trabajo como artista independiente tras dejar su antigua discográfica por los resultados tan mediocres que cosechó su último disco. Dentro del álbum podemos encontrar las clásicas baladas R&B/Soul por las que es conocida K. Michelle como ‘That Game’ o ‘The Worst’ además de otros originales temas como ‘Just Like Jay’, que se trata de un medio tiempo pop/R&B con cierta influencia Country o ‘Love On Me’, un animado tema pop/R&B que supone el momento más up-tempo del álbum. El primer single del álbum fue ‘Supahood’, un marchoso tema R&B/Hip-Hop con influencia Trap que contaba con la participación de las raperas City Girls y Kash Doll y donde la cantante mostraba su lado más urbano y tras él llegó ‘The Rain’, una fantástica balada mid-tempo producida por Jazze Pha que nos trae de vuelta la verdadera esencia del R&B. Tras el pequeño tropiezo que supuso su anterior disco «Kimberly: The People I Used To Know», el cual era excesivamente largo, algo aburrido y resultaba menos sólido y consistente que sus tres magníficos primeros discos, con «All Monsters Are Human» la cantante ha recuperado su habitual nivel y nos encontramos ante un trabajo de gran calidad en el que no sobra ningún tema y donde podemos disfrutar de la maravillosa voz de Kimberly y sus habilidades como compositora en las que relata todas las experiencias por las que ha pasado durante estos últimos años. Puntuación: 8/10. 

After Hours2. After Hours de The Weeknd.

Aunque The Weeknd publicó su cuarto álbum de estudio After Hours el 20 de marzo, cuando comenzaba el confinamiento en varios países europeos y la pandemia avanzaba a pasos agigantados, gran parte de la promoción del mismo se había producido los meses anteriores y los dos singles lanzados ya llevaban un tiempo en los primeros puestos de las listas de venta, por lo que su publicación en una fecha tan arriesgada no le pasó factura a las ventas del mismo. After Hours debutó en el #1 de la lista americana con más de 400 mil unidades vendidas (incluyendo más de 250 ejemplares de ventas puras, es decir en formato físico y digital) convirtiéndose en uno de los debut más importantes del año en Estados Unidos y su tercer disco #1 consecutivo. Gran parte del éxito logrado por el álbum se debió a la excepcional respuesta por parte del público de los dos primeros singles, que vieron la luz en noviembre del año pasado. Primero llegó ‘Heartless’, un enigmático medio tiempo R&B/Trap en el que el artista canadiense admitía que tras la ruptura con su ex-pareja había vuelto a su vida disoluta de soltero desalmado. Este single de sonido urbano encajaba mejor con los gustos americanos y debutó en el #1 de la lista de singles de Estados Unidos (su cuarto ‘chart topper’) sin embargo The Weeknd tenía guardado otro as en la manga de cara al mercado internacional. Un par de días después de lanzar ‘Heartless’ llegó ‘Blinding Lights’, un marchoso tema synth-pop y dance-pop de corte retro inspirado en el estilo new-wave de los años 80 y producido por el rey Midas del pop Max Martin. ‘Blinding Lights’ recuperaba el carácter up-tempo y comercial de su hit ‘Can’t Feel My Face’, recibió grandes críticas de los expertos por su naturaleza bailable, superó todas las expectativas y se ha convertido en uno de los temas más importantes de lo que llevamos de año. ‘Blinding Lights’ sigue liderando actualmente la lista de singles más vendidos a nivel mundial y ha alcanzado el #1 en más de 20 países incluyendo Estados Unidos, Australia, Francia, Alemania, Reino Unido o España. El tercer single, ‘In Your Eyes’, llegó una semana después del lanzamiento del álbum y se trataba de otro marchoso tema synth-pop de sonido retro influenciado por la música Disco. «After Hours» combina las dos facetas musicales que posee el cantante: por una parte el R&B alternativo con influencia Trap al que estamos acostumbrados los seguidores originales de The Weeknd y por otra el sonido dance-pop y synth-pop a través de temas más comerciales de carácter up-tempo con los que amplió su popularidad y conquistó a un público masivo. Aunque con su anterior álbum «Starboy» The Weeknd había puesto el listón muy alto, «After Hours» sigue manteniendo su gran calidad y por ello ocupa la medalla de plata en este repaso a los mejores álbumes lanzados durante la primera mitad del 2020. Puntuación: 8/10.

Future Nostalgia1. Future Nostalgia de Dua Lipa.

Una de las artistas que más se ha visto afectada por la inusual situación que vivimos ha sido sin duda Dua Lipa, la cual tenía pensado lanzar su esperado segundo álbum de estudio a principios del mes de abril, pero debido a la filtración de todo su contenido en internet su discográfica decidió adelantar una semana su publicación y finalmente vio la luz el 27 de marzo, cuando el coronavirus estaba en su peor momento en Europa y muchos de los países cerraban fronteras para detener la pandemia. A través de sus redes sociales, una Dua Lipa rota y llorando comunicaba a sus seguidores que el álbum se iba a publicar una semana antes de lo previsto en pleno inicio de la pandemia, pero lo que no sabía en ese momento es que Future Nostalgia se beneficiaría en gran medida de ser una de las pocas artistas que lanzaba nueva música durante aquellas fechas. «Future Nostalgia» debutó en el #2 de la lista británica casi empatada en cifras con el grupo 5 Seconds of Summer, quienes consiguieron llevarse el gato al agua, sin embargo gracias al alto nivel de streaming en su segunda semana a la venta ascendió al #1 convirtiéndose en el primer disco de la cantante de ascendencia albanesa que conseguía llegar al puesto de honor en Reino Unido. En el resto del mundo Future Nostalgia fue un auténtico éxito y ocupó el top 5 en todos los mercados importantes incluyendo Estados Unidos, donde alcanzó el #4, su mejor posición hasta la fecha. El segundo álbum de estudio de Dua Lipa se alejaba del EDM (Electronic Dance Music) y el Tropical House de su primer álbum para profundizar en un sonido Disco, dance-pop y electropop inspirado en la música de baile de los años 80 y 90 de artistas como Kylie Minogue o Madonna. «Future Nostalgia» es un álbum muy breve de sólo 11 canciones y apenas media hora de duración pero no contiene ningún relleno y está formado por temas up-tempo de corte retro con el objetivo de sonar atemporal y fuera de las modas imperantes. «Future Nostalgia» fue aclamado por la crítica por su carácter bailable y desenfadado y se ha convertido en uno de los discos con mejores críticas de lo que llevamos de año. «Future Nostalgia» se merece el puesto de honor en este repaso a los mejores álbumes lanzados hasta la fecha ya que incluye joyas pop como los tres primeros singles, ‘Don’t Start Now’, Physical o Break My Heart y otras canciones tan interesantes como ‘Love Again’ o ‘Levitating’ que tienen todas las papeletas para ser futuros singles por su gran calidad. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Chromatica» de Lady Gaga

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ChromaticaLa pandemia del coronavirus ha afectado a muchos sectores de la economía, entre ellos la industria musical, que ha visto cómo desaparecía su principal fuente de ingresos: las giras de conciertos, las cuales desde hace años superan ampliamente las ganancias provenientes de la venta de discos. Una de las artistas que se ha visto afectada por la pandemia global ha sido Lady Gaga, quien el 10 de abril debía publicar su nuevo trabajo discográfico, Chromatica, sin embargo debido a las circunstancias decidió posponer su lanzamiento y finalmente confirmó que vería la luz el 29 de mayo. Los artistas que tenían previsto publicar álbumes durante la época del confinamiento o bien han optado por mantener las fechas de publicación actuando con gran valentía y generosidad de cara a sus fans (como Dua Lipa con «Future Nostalgia», que se ha beneficiado de ser una de las pocas cantantes pop en lanzar disco durante la pandemia) o por el contrario han pospuesto indefinidamente sus respectivos trabajos hasta que las circunstancias sean más propicias, sin embargo la decisión de Lady Gaga de retrasar el lanzamiento de su disco tan sólo un mes y medio después no deja de resultar contradictorio e incoherente ya que la situación sanitaria actual sigue siendo la misma (de hecho es peor en Estados Unidos, donde ahora se encuentra el principal epicentro de la pandemia) lo cual no facilita la promoción de su nuevo trabajo, por ello la opción más lógica hubiera sido lanzar «Chromatica» en su fecha original, antes de que el ‘hype’ por el primer single se desvaneciera y hubiera que sacar todos los tanques para acaparar la atención del público. Centrándonos en el aspecto musical, «Chromatica» destaca por el hecho de que la cantante neoyorquina vuelve al pop electrónico de sus inicios tras su participación en la banda sonora de «A Star Is Born» y su último disco de estudio «Joanne», en los que coqueteó con el Country y el pop/rock, por lo que tendríamos que remontarnos a 2013 con «Artpop» para dar con su último disco pop en sentido estricto. «Chromatica» está formado por 16 canciones up-tempo de estilo dance-pop y electropop con gran influencia del sonido House de los años 90 que nos devuelve a la Lady Gaga más alegre y divertida, reminiscencia de «Born This Way» o «The Fame». Como suele ser habitual, la controvertida artista ha compuesto todos los temas presentes en el álbum bajo la producción de BloodPop, Burns, Skrillex o Axwell. Cabe destacar que al igual que «Artpop» y «Joanne», «Chromatica» no cuenta con input por parte de RedOne, el responsable de sus mayores éxitos y que imprimió un vanguardista sonido electropop con el que triunfó en todo el mundo. 

El single presentación del álbum fue Stupid Love, un marchoso tema dance-pop y electropop con influencias House compuesto junto a Max Martin y producido por BloodPop. Este tema recibió opiniones muy variadas por parte de los expertos musicales: por una parte se alabó su naturaleza desenfadada y bailable y su vuelta al típico sonido de ‘Born This Way’ pero por otra se criticó el hecho de ser un tema muy genérico que no ofrecía nada nuevo al panorama musical. ‘Stupid Love’ tuvo un buen desempeño comercial en las listas de venta de Estados Unidos, Australia o Reino Unido, donde ocupó el top 10, sin embargo en otros importantes mercados como Francia, Alemania o España pasó muy desapercibido y estuvo muy lejos de las posiciones que suelen ocupar los primeros singles de Lady Gaga. Una semana antes del lanzamiento de Chromatica se ha lanzado el segundo single, Rain On Me, que se trata de la esperada colaboración con Ariana Grande que tanto se había rumoreado meses atrás. ‘Rain On Me’ es un tema dance-pop con influencia House y Disco que está compuesto por ambas artistas junto a Rami y producido por BloodPop y Burns en el que las dos cantantes hablan de superar las adversidades y todos los problemas a los que se han enfrentado (recordemos que Lady Gaga sufrió de fibromialgia y Ariana se enfrentó a una depresión tras el atentado terrorista en uno de sus conciertos). Este tema, que celebra «todas las lágrimas derramadas durante los malos momentos», no tiene demasiadas pretensiones ya que su objetivo es hacer bailar y disfrutar de dos de las voces más conocidas del mundo del pop, sin embargo nuevamente resulta un tema muy básico en el que no han arriesgado demasiado puesto que resulta similar a los temas dance-pop de Ariana como ‘Break Free’. Con toda seguridad ‘Rain On Me’ alcanzará el #1 en las principales listas de venta pero será gracias a la colaboración de la joven cantante de Florida, que está viviendo su mejor momento profesional desde ‘Thank U, Next’ y todo lo que toca lo convierte en oro, lo que no deja de resultar una medida un tanto desesperada por parte de Lady Gaga para conseguir el ansiado #1 que no logró con ‘Stupid Love’.

Un día antes del lanzamiento de «Chromatica» se desveló el sencillo promocional ‘Sour Candy’, que se trata de un potente tema House/Dance que cuenta con la colaboración del grupo femenino coreano Blackpink, recuerda a ‘Swish Swish’ de Katy Perry y tiene muchas posibilidades de convertirse en nuevo single por su pegadizo ritmo y sus letras. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Free Woman’, un bailable tema Dance/House en el que Lady Gaga nuevamente reivindica la independencia y libertad de ser lo que queramos ser, temática que ha utilizado en numerosas ocasiones durante su carrera, ‘911’, un enérgico tema electropop que podría encajar dentro de la atmósfera de «The Fame» por la manera de cantar y el efecto robotizado en su voz o ‘Enigma’, un tema Dance/House en el que declara que es una incomprendida y su personalidad todavía resulta un enigma. También merece la pena reseñar ‘Fun Tonight’, otro marchoso tema Dance que habla de una relación que hace aguas y en el que hace referencia a su disco «The Fame» («amas los Paparazzi, amas la fama») o el pegadizo ‘Replay’, que cuenta con gran influencia de la música House de los 90 y recuerda a la Madonna más bailable y discotequera de ‘Deeper and Deeper’. Uno de los temas más experimentales del álbum es ‘Sine From Above’, en el que participa su amigo Elton John y cuenta con los créditos de Axwell e Ingrosso (componentes de Swedish House Mafia) en la composición.

Al igual que ocurría con «Future Nostalgia» de Dua Lipa, el nuevo trabajo de Lady Gaga está formado por temas up-tempo dirigido a las pistas de baile donde no hay espacio para las baladas y cuenta con influencias ‘nostálgicas’ (en el caso de Dua Lipa el sonido Disco y en Gaga el House) pero actualizado a los tiempos que corren. Dejando a un lado la habitual tendencia de Lady Gaga a victimizarse por sus enfermedades y todos los problemas que ha sufrido en el pasado a través de sus letras y su intento de lanzar al mundo himnos de empoderamiento y auto-aceptación, estamos ante uno de los álbumes más sólidos, consistentes y cohesivos dentro de la carrera de la cantante y en conjunto resulta muy superior a «Artpop». En los últimos años, Lady Gaga se ha esforzado en ofrecernos una imagen de artista seria y madura en un intento por abrirse a un público más diverso y adulto (con álbumes como «Joanne» o su participación en «A Star Is Born») que está muy lejos de la imagen extravagante y polémica que nos mostró durante los inicios de su carrera, por lo que la vuelta a su antiguo sonido electrónico y los atuendos excéntricos resulta una táctica un tanto desesperada por contentar a sus ‘Little Monsters’ más que una evolución natural. Pese a todo, el álbum cuenta con un gran número de temas marchosos y divertidos para hacernos bailar y disfrutar, que es el punto fuerte de la artista y donde nunca nos decepciona. Temas imprescindibles: Rain On Me, Replay, Free Woman, Fun Tonight, 911, Enigma y Stupid Love. Puntuación: 7’5/10.

Stupid Love, el regreso de Lady Gaga

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Stupid LoveTras participar en la película ‘A Star Is Born’ y su respectiva banda sonora, con las que recibió buenas críticas por parte de los expertos, logró gran éxito comercial y nos mostró su lado más serio y maduro, Lady Gaga prometió que volvería a sus raíces musicales más pop. Y así ha sido ya que hace unas semanas nos presentó Stupid Love, el primer single de su sexto álbum de estudio, titulado Chromatica. Se trata de un tema electropop y dance-pop con influencia Disco compuesto por Lady Gaga junto a Max Martin (quien trabaja con ella por primera vez), producido por BloodPop y que conecta con el estilo de sus discos ‘Born This Way’ y ‘Artpop’. Stupid Love ha recibido opiniones principalmente positivas de los críticos musicales, los cuales elogiaron el regreso de Lady Gaga a sus orígenes pop y sus pegadizas letras sin embargo otros lo han considerado un tema ‘olvidable’, anodino y que no aporta nada novedoso al panorama musical. Stupid Love ha tenido un rendimiento comercial muy variado y mientras que ha ocupado el top 10 en Estados Unidos, Australia y Reino Unido, en otros importantes mercados musicales como Francia, Alemania o España ha tenido un comportamiento mediocre y apenas ha ocupado el top 50. En mi opinión, Stupid Love falla al no ofrecernos un tema original y arriesgado y creo que como ‘lead single’ resulta francamente decepcionante. Chromatica iba a ver la luz el 10 de abril pero debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus su lanzamiento ha sido retrasado indefinidamente, un gesto que me parece poco generoso ya que en estos duros momentos los artistas deberían lanzar nueva música para entretener a sus fans y hacerles más fácil el confinamiento en vez de pensar en la posible bajada de ventas que puede sufrir el álbum por estar cerradas las tiendas de medio mundo.

Crítica de «Joanne» de Lady Gaga

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eed1676c9dda497cc0ef5d45153f17fd.1000x1000x1A pesar de que Lady Gaga es una artista muy talentosa tanto vocalmente como a nivel instrumentista (ya que es una virtuosa del piano y también toca la guitarra) la imagen pública que ha ofrecido desde los inicios de su carrera debido a sus polémicas declaraciones, sus estrafalarios atuendos y demás controversias no le han beneficiado en absoluto y ha provocado que muchas personas no la tomen en serio como artista ni valoren su calidad como cantante y compositora. Además, sus fans más incondicionales, los Little Monsters, no le han ayudado precisamente a mejorar su imagen pública, ya que su fanatismo con la cantante y los insultos hacia otros artistas a través de las redes sociales no han hecho sino empeorar la percepción que el público tiene de Lady Gaga, quien ha pasado de ser una cantante que atraía a un público muy amplio en los comienzos de su carrera a ver reducida su popularidad y ser seguida únicamente por sus controvertidos Little Monsters. Por ello, para recuperar su credibilidad como artista y demostrar que puede ser una cantante seria, en 2014 grabó «Cheek to Cheek», un álbum de Jazz junto al legendario artista Tony Bennett y durante esta etapa profesional abandonó su imagen frívola y cambió de registro, ya que abandonó su habitual estilo electropop para cantar temas de Jazz. Sin embargo este cambio radical resultó muy forzado y a pesar de que permitió apreciar a la artista en otra vertiente y demostrar su versatilidad, no logró recuperar a los seguidores que ha ido perdiendo a lo largo de su carrera cuando sus excentricidades no hicieron sino eclipsar su credibilidad como artista.

El siguiente paso de Lady Gaga en su intento por recuperar su credibilidad ha sido Joanne, su cuarto disco de estudio (quinto trabajo discográfico si contamos «Cheek To Cheek») publicado el pasado mes de octubre. Joanne es el nombre de su tía por parte de padre, quien falleció muy joven tras una grave enfermedad y también es el segundo nombre de la artista ya que su verdadero nombre es Stefani Joanne Angelina Germanotta. Para este álbum, la cantante neoyorquina abandonó su habitual pop electrónico y el uso de sintetizadores para adoptar un estilo pop/rock y Country-pop con sonido acústico e instrumental en un intento porque sonara como si fuera en directo, aunque no abandonaba completamente su característico estilo dance-pop. Joanne cuenta con la producción de Mark Ronson y BloodPop, es su álbum más personal e introspectivo hasta la fecha y profundiza en las relaciones amorosas y sobretodo familiares, ya que la pérdida de su tía ha tenido un gran impacto en la composición del disco. Joanne debutó en el #1 de la lista americana, convirtiéndose en su cuarto álbum consecutivo que alcanza la posición de honor en Estados Unidos y aunque las cifras de venta en su primera semana fueron muy inferiores a las de «Born This Way» o «ArtPop», se convirtió en el segundo álbum más vendido en el 2016 de una artista femenina por detrás de «Lemonade» de Beyoncé.

El single presentación del álbum fue Perfect Illusion, un tema pop/rock up-tempo que marcaba una divergencia musical con respecto al estilo habitual de Lady Gaga y causó un gran impacto entre sus fans por el gran cambio musical y de imagen que experimentó la cantante. Este tema tuvo una moderada acogida en los principales mercados musicales y únicamente alcanzó el top 20 en Reino Unido, Australia, Canadá y Estados Unidos, obteniendo unas posiciones muy por debajo de las que han conseguido los primeros singles de sus anteriores álbumes, aunque alcanzó el #1 en las listas de España y Francia. Como segundo single, Lady Gaga nos ofreció su lado más sensible y emotivo con la balada Million Reasons, que es una de las canciones más profundas y mejor valoradas por los expertos musicales y los seguidores de la cantante. ‘Million Reasons’ es una balada pop/rock y Country cuyas letras hablan de un desengaño amoroso y ruptura, pero también en la esperanza y fe de encontrar una persona mejor. Este tema no ha tenido un buen rendimiento en las listas de venta y únicamente ocupó el top 5 en la lista americana.

Para promocionar el álbum y su mini-gira ‘Dive Bar Tour’, Lady Gaga lanzó el sencillo promocional A-Yo, que se trataba de un marchoso tema Country-pop con influencias pop/rock y funk que gracias a la buena respuesta por parte del público consiguió entrar en la lista Billboard. Stefani Joanne Germanotta también grabó el videoclip de ‘John Wayne’, un enérgico tema pop/rock con influencia Country y Disco que resultaba uno de los pegadizos y marchosos del disco. Como tercer single oficial del álbum se lanzó la canción que daba título al álbum, Joanne, que se trataba de una emotiva balada Country-pop dedicada a su difunta tía fallecida. En resumen, «Joanne» es el trabajo más maduro de Lady Gaga hasta la fecha y en él nos ofrece su lado más íntimo y personal, demostrando que es algo más que provocación y modelitos imposibles, pero acostumbrados a una Gaga polémica que nos trae canciones bailables y videoclips espectaculares, muchos se han sentido desilusionados con este cambio musical tan radical, pero no hay que preocuparse porque la cantante ha prometido que su nuevo trabajo regresará a sus raíces más pop. Temas imprescindibles: Million Reasons, John Wayne, Perfect Illusion y A-Yo. Puntuación: 6/10.

Crítica de «Born This Way» de Lady Gaga

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Born This WayEn el año 2008 vio la luz The Fame, el primer álbum de estudio de Lady Gaga, el cual se convirtió en el epítome del sonido electropop del aquella época y resultó un inesperado éxito en todo el mundo gracias a singles de la talla de ‘Poker Face’ o ‘Just Dance’, que ocuparon las primeras posiciones de las listas de venta de todo el mundo y catapultaron a la cantante americana a la cima del panorama pop. Un año más tarde se publicó una reedición del álbum, llamada The Fame Monster, que albergaba otro de sus mayores éxitos como ‘Bad Romance’ y disparó la popularidad y fama de Lady Gaga. Tras una maratoniana gira alrededor de todo el mundo, en 2011 llegó su esperado segundo álbum, Born This Way, el cual está formado principalmente por temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del electropop, synth-pop y el dance-pop al igual que «The Fame», pero se diferencia de su predecesor en que tiene un sonido más experimental y resulta más variado musicalmente al incorporar elementos rock, Techno, Disco, House o Heavy Metal. El responsable de la mayor parte de su primer álbum, RedOne, volvió a trabajar con Lady Gaga en «Born This Way», sin embargo su presencia en este álbum se reduce en favor de otros productores como Fernando Garibay y DJ White Shadow, que se encargan del grueso del álbum. El segundo trabajo de la cantante neoyorquina trata temas como el individualismo, el feminismo, la igualdad y libertad de las personas e incorpora referencias religiosas y personajes bíblicos como María Magdalena, Jesucristo o Judas Iscariote. «Born This Way» alcanzó el #1 en las listas de ventas de prácticamente todos los países donde fue publicado y superó los 6 millones de copias alrededor del mundo, unas cifras altas pero inferiores a los 15 millones de «The Fame». En Estados Unidos despachó más de un millón de copias en su primera semana a la venta, las cifras más altas desde «The Massacre» de 50 Cent y convirtió a Lady Gaga en la quinta cantante femenina de la historia que vendía más de un millón en su primera semana (tras «Oops!… I Did It Again» de Britney Spears entre otras).

El single presentación del álbum fue Born This Way, un tema electropop y dance-pop producido por Fernando Garibay y DJ White Shadow que habla del amor propio y quererse a uno mismo tal como es y resulta un himno de auto-empoderamiento y apoyo a las minorías más desfavorecidas y la comunidad LGTB. ‘Born This Way’ recibió críticas principalmente positivas por su pegadizo ritmo, su naturaleza desenfadada y sus letras empoderadoras, sin embargo algunos expertos musicales tacharon el tema de poco original y lo compararon con ‘Express Yourself’ de Madonna, con el que guarda numerosas similitudes de tempo, estilo y temática. ‘Born This Way’ alcanzó el #1 en más de 20 países de todo el mundo, supuso el tercer #1 de Lady Gaga en la lista americana y superó los 8 millones de copias digitales y físicas, convirtiéndose en uno de los singles más vendidos del año y la cuarta canción más exitosa de Lady Gaga por detrás de ‘Poker Face’, ‘Bad Romance’ y ‘Just Dance’. Como segundo single del álbum se lanzó Judas, un enérgico tema dance-pop y electro-House producido por su habitual colaborador RedOne, quien imprimó un sonido similar al de otras de sus creaciones como ‘Bad Romance’, con el que guarda cierto parecido y comparte muchos ganchos vocales. ‘Judas’ cuenta con unas letras autobiográficas que hablan de una mujer enamorada que ha sido traicionada por un hombre (de ahí su título, perteneciente al discípulo que traicionó a Jesucristo) y destaca por el acento jamaicano que adopta Lady Gaga durante los versos de la canción. ‘Judas’ fue incapaz de repetir el tremendo éxito del anterior single sin embargo logró un buen rendimiento comercial y alcanzó el top 10 en las principales listas de venta.

El tercer single lanzado fue The Edge of Glory, un tema dance-pop y synth-pop con influencia Disco producido por Fernando Garibay cuyas letras hacen referencia a los últimos momentos de vida y están inspiradas en la reciente muerte de su abuelo. ‘The Edge of Glory’ recibió elogios por parte de los críticos y se convirtió en el tercer single top 10 del álbum en la lista americana. Como cuarto single se lanzó You and I, una balada pop/rock y Country producida por Robert ‘Matt’ Lange (ex-marido de Shania Twain) que destaca por su uso prominente de guitarra electrica y se trataba del único momento relajado del álbum. ‘You and I’ recibió una nominación a mejor actuación vocal pop en los premios Grammy y alcanzó el #6 en la lista americana. El último single lanzado fue Marry the Night, un enérgico tema dance-pop y synth-pop con influencia House que habla de pasarlo bien mientras sales de marcha y rinde homenaje a la escena musical neoyorquina. Entre mis temas favoritos se encuentran ‘Hair’, un pegadizo tema dance-pop y Disco producido por RedOne que habla de tomar tu estilo personal (en este caso tu peinado) como seña de identidad y expresión de libertad, ‘Bloody Mary’, un tema electropop de carácter mid-tempo que habla del pasado de Lady Gaga como estudiante católica, hace referencias a personajes bíblicos como María Magdalena y contiene cantos gregorianos o ‘Electric Chapel’, un potente tema electro-rock y dance-pop que describe la necesidad de sentirse seguro como paso previo para encontrar el amor.

En resumen, «The Fame» fue uno de los álbumes debut más sólidos de un artista pop de los últimos tiempos por su cohesivo conjunto de canciones y su magnífica selección de singles. «Born This Way» no lograr alcanzar su gran nivel y resulta demasiado excesivo y rimbombante, sin embargo destaca por ser un trabajo más experimental, arriesgado y muestra una gran evolución musical por parte de Lady Gaga. Uno de los puntos a favor del álbum es la versatilidad y talento vocal de Stefani Germanotta y su capacidad de reinvención. Temas imprescindibles: Judas, Born This Way, The Edge of Glory, Marry the Night, Electric Chapel y Bloody Mary. Puntuación: 7’5/10.