Crítica de «The Boy Is Mine» de Monica

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La cantante Monica nació en una familia muy relacionada con el mundo de la música ya que su madre cantaba Gospel en una iglesia y su primo era el famoso productor musical Polow da Don y desde una temprana edad empezó también a cantar en coros de iglesias. Tras ser descubierta por el productor Dallas Austin gracias a su gran talento como cantante, Monica Arnold hizo su debut en el mundo de la música a la temprana edad de 14 años con Miss Thang, el cual pese a ocupar una discreta posición en la lista americana de álbumes, contó con 4 singles muy exitosos que ocuparon el top 10 y acabó siendo certificado tres veces platino con ventas superiores al millón y medio de copias. Tras este álbum que recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su versatilidad vocal, la cantante de Atlanta participó en varias bandas sonoras de películas, entre ellas ‘Space Jam’, a la que contribuyó con la balada ‘For You I Will’, la cual tuvo un gran acogida en Estados Unidos, ocupó el top 5 en la lista de singles y se convirtió en uno de sus temas más populares. En 1998 Monica publicó su segundo álbum de estudio, The Boy Is Mine, el cual que está formado por un compendio de marchosos temas up-tempo, baladas y medios tiempos de estilo R&B con influencia pop, Hip Hop, Soul y Gospel. Este álbum está producido en su mayoría por su mentor Dallas Austin además de otros importantes nombres de la industria musical de la época como Jermaine Dupri, Darkchild, David Foster o Daryl Simmons. Precedido por el single del mismo nombre, «The Boy Is Mine» debutó en el #8 de la lista americana de álbumes, fue certificado triple platino y vendió más de 2 millones de copias en Estados Unidos.

El single presentación del álbum fue The Boy Is Mine, un dúo con la cantante Brandy, quien compuso el tema junto a Rodney ‘Darkchild’ Jerkins y su equipo. Este tema R&B mid-tempo contaba con una temática muy habitual en la música negra de los años 90: dos mujeres peleándose por el mismo hombre. Aunque Brandy decidió que quería colaborar con Monica en este tema, las sesiones de grabación no fueron demasiado bien y debido a las diferencias entre ambas acabaron grabándolo por separado (Monica terminó el tema en Atlanta junto a su colaborador Dallas Austin). Como ya comenté en la reciente crítica del álbum «Never Say Never» de Brandy, ‘The Boy Is Mine’ se convirtió en el single más exitoso del año 1998 y lideró la lista americana durante nada más y nada menos que 13 semanas. Este tema no sólo recibió buenas críticas de los expertos musicales y numerosos premios (entre ellos un Grammy a mejor actuación vocal R&B de un dúo/grupo) sino que sirvió de espaldarazo internacional a ambas promesas del R&B ya que gracias a este top 5 en las listas de venta de Australia, Reino Unido, Francia o Alemania, tanto Brandy como Monica vivieron su mejor momento profesional.

Tras el enorme impacto comercial de ‘The Boy Is Mine’, la joven cantante demostró que su éxito no era flor de un día y lanzó como segundo single The First Night, un pegadizo tema mid-tempo R&B con influencia Hip Hop/Soul producido por Jermaine Dupri, el cual le dio su habitual toque urbano. Este tema sampleaba la melodía del famoso tema ‘Love Hungover’ de Diana Ross y destacaba por sus letras, en las que Monica se debatía si tener o no relaciones sexuales con un chico en su primera cita. ‘The First Night’ resultó un gran éxito en Estados Unidos y se convirtió en el segundo single #1 de Monica en la lista americana (también lideró el componente R&B/Hip-Hop de Billboard) y ocupó el top 10 en Reino Unido. Como tercer single, Monica lanzó la bonita balada Angel of Mine, que se trataba de una versión del famoso tema del grupo británico Eternal pero en este caso producida por Darkchild. Mientras que la versión original tuvo una gran acogida en Europa (nunca fue lanzada en tierras americanas) Monica logró gran éxito en Estados Unidos, donde se convirtió en su tercer #1 consecutivo y también tuvo buen desempeño en Australia o Canadá. Como último single se lanzó Street Symphony, un medio tiempo R&B compuesto y producido por Dallas Austin que destaca por su larga introducción melódica y su uso prominente de violines. Pese a que ‘Street Symphony’ es uno de los temas más sobresalientes del álbum no tuvo un buen desempeño comercial y ni siquiera entró en la lista americana. Fuera de Estados Unidos se lanzó como último sencillo promocional Inside, que se trata de una gran balada R&B/Soul que mostraba el amplio rango vocal de Monica. Dentro del álbum destacan la magnífica rendición del tema ‘Misty Blue’ de Bob Montgomery o ‘Take Him Back’, un medio tiempo que samplea ‘Shape of My Heart’ de Sting y en el que Monica relata que debería dejar atrás su relación con un hombre que solo le causado dolor. 

«The Boy Is Mine» fue lanzado apenas un mes después de «Never Say Never», el segundo álbum de Brandy y que también contenía el hit ‘The Boy Is Mine’. Ambos álbumes entraron en competencia al ser publicados en fechas muy cercanas y por ser similares en cuanto a estilo y género musical, pero sin duda por la supuesta rivalidad que mantenían ambas cantantes según los medios de comunicación. Los dos resultaron muy exitosos: fueron certificados multiplatino y contaron con varios singles #1 en la lista americana (en concreto Monica tres y Brandy dos) y se han convertido en dos de los álbumes R&B más relevantes y destacados de finales de los años 90. Aunque ‘The Boy Is Mine’ es mi canción favorita de todos los tiempos, no escuché el álbum de Monica hasta un tiempo después ya que en esos momentos era seguidor de Brandy y me centré en «Never Say Never», sin embargo cuando le di la oportunidad al disco de Monica me sorprendió gratamente y suelo escucharlo regularmente ya que contiene temas muy interesantes, además fue el responsable de que empezara a descubrir el resto de la discografía de Monica. Temas imprescindibles: The Boy Is Mine, Street Symphony, Angel of Mine, The First Night, For You I Will y Misty Blue. Puntuación: 7’8/10.

Crítica de «Never Say Never» de Brandy

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Never Say NeverCon tan sólo 15 años, Brandy hizo su debut en el mundo de la música con su álbum de título homónimo, el cual recibió buenas críticas por su gran talento vocal y su madurez. Pese a debutar en una discreta posición de la lista americana, «Brandy» acabó vendiendo más de dos millones de copias en Estados Unidos y contó con tres singles top 10 en la lista Billboard. Este álbum estaba encuadrado dentro del R&B, pop y Hip Hop Soul característico de los años 90 y tanto la música como el estilo de la joven Brandy fue comparada con Janet Jackson o Aaliyah y muchos la consideraron ‘la nueva Mary J Blige’. Tras este álbum, Brandy Norwood desarrolló su faceta de actriz y participó junto a Whitney Houston en la adaptación de la película ‘Cinderella’ pero sin duda destacó por su papel protagonista en la serie adolescente ‘Moesha’, que resultó un éxito entre el colectivo afroamericano durante los años 90. En 1998, 4 años después de su disco debut, Brandy regresó al mundo de la música con su segundo álbum de estudio, titulado Never Say Never, en el que asumió un mayor papel sobre el control creativo de su música, compuso la mayoría de las canciones presentes y se unió a Rodney Jerkins (más conocido como Darkchild) y su equipo, LaShawn Daniels y su hermano Fred Jerkins III, además del afamado productor David Foster. «Never Say Never» está encuadrado dentro del R&B, pop y Soul, profundiza en el sonido ‘Adult Contemporary’ e incorpora numerosas baladas influenciadas por Mariah Carey y Whitney Houston, alejándose del estilo Hip Hop Soul de su álbum debut. Respaldado por varios singles de gran éxito, el segundo álbum de Brandy logró una gran acogida comercial en Estados Unidos, donde debutó en el #2 de la lista americana, se mantuvo durante meses en el top 20 y acabó siendo certificado cinco veces platino por ventas cercanas a los 5 millones de copias. A nivel internacional Brandy aumentó su popularidad en gran medida y el álbum ocupó el top 10 en Alemania y top 20 en Australia, Francia o Reino Unido y superó los 14 millones de ejemplares vendidos.

El single presentación del álbum fue The Boy Is Mine, un medio tiempo R&B a dúo con la joven cantante Monica y producido por Darkchild, aunque la parte de Monica fue grabada de manera separada en Atlanta bajo la supervisión de su productor Dallas Austin. Inspirada por el dueto ‘The Girl Is Mine’ de Michael Jackson y Paul McCartney, Brandy compuso el tema pensando en dos chicas que se pelean por el mismo hombre y quiso colaborar con la prometedora cantante Monica, quien únicamente había visto en una ocasión pero también despuntó en el mundo de la música a la vez que Brandy. ‘The Boy Is Mine’ resultó uno de los temas más populares del año, alcanzó el #1 en la lista americana de singles y se mantuvo en la posición de honor durante 13 semanas, convirtiéndose en una de las canciones que más semanas permanecía en el #1 de la lista de singles. En una época en la que solo existía el formato físico, Brandy y Monica pueden presumir de haber vendido más de dos millones y medio de CD singles de ‘The Boy Is Mine’ en Estados Unidos y acabó convirtiéndose el single más vendido de 1998. En el resto del mundo este single también tuvo un gran impacto comercial y ocupó el #1 en Canadá, #2 en Reino Unido o Francia y top 5 en Alemania. Este tema recibió numerosos galardones, entre ellos un Grammy a mejor actuación vocal R&B de un dúo/grupo y fue nominado a mejor grabación del año, pero tuvieron la mala suerte de competir contra el hit ‘My Heart Will Go On’ de Céline Dion. Aunque nunca fue confirmado por ninguna de ellas, desde un principio se habló de una gran rivalidad y mala relación entre ambas artistas, ya que terminaron grabando el tema por separado debido a sus diferencias y solo realizaron una actuación juntas en los premios MTV, en la que se mostraron visiblemente distantes (según los rumores tuvieron una fuerte discusión antes de salir al escenario). Dicha rivalidad fue más allá cuando Monica tituló su segundo álbum «The Boy Is Mine», algo que molestó a Brandy, quien había compuesto la canción. 14 años más tarde Monica y Brandy volvieron a trabajar juntas en el tema ‘It All Belongs to Me’ y comentaron que durante aquella época eran jóvenes e inmaduras y aunque no sentían celos o envidia de la otra, «apenas podían estar juntas en la misma habitación», pero tras su reunión resolvieron sus diferencias.

Tras el éxito masivo de ‘The Boy Is Mine’, como segundo single internacional se lanzó Top of the World, un marchoso tema R&B y Hip Hop up-tempo que contaba con la colaboración del rapero Mase y resultaba el tema con mayor componente urbano del álbum. Este single no fue lanzado en tierras americanas pero en Reino Unido mantuvo el éxito de su predecesor y consiguió su segundo #2 en las listas de venta. El tercer single elegido fue Have You Ever?, una emotiva balada R&B/Soul escrita por la afamada compositora Diane Warren y producida por David Foster que recibió buenas críticas por su componente lírico y la magnífica ejecución vocal de Brandy. Esta romántica balada resultó muy popular en Estados Unidos y alcanzó el #1, convirtiéndose en el segundo #1 consecutivo de Brandy en la lista americana. Como cuarto single se lanzó Almost Doesn’t Count, una balada pop/R&B con uso prominente de guitarra española en la que Brandy habla de una relación de carácter intermitente con su pareja. ‘Almost Doesn’t Count’ fue producido por Fred Jerkins y Guy Roche (uno de los pocos temas del álbum sin crédito por parte de Darkchild) y tuvo una acogida muy positiva por parte del público ya que ocupó el top 20 en Reino Unido y Estados Unidos. El último single lanzado del álbum fue U Don’t Know Me (Like U Used To), un tema R&B up-tempo influenciado por el sonido Hip Hop que resulta uno de los temas más rítmicos y urbanos del disco y guarda similitudes con canciones de su primer álbum como ‘I Wanna Be Down’. Como sencillo promocional en tierras americanas se lanzó Angel In Disguise, un original tema R&B mid-tempo con una larga introducción instrumental en el que Brandy declara amar a su pareja pese a sus infidelidades. A lo largo de los años ‘Angel In Disguise’ se ha convertido en uno de los más populares de la cantante y pese a no contar con videoclip o promoción consiguió entrar al top 80 de la lista americana. Entre los temas más interesantes de «Never Say Never» se encuentran ‘Happy’, un tema R&B up-tempo que resulta uno de los más marchosos y rítmicos del álbum o ‘One Voice’, una bonita balada producida por David Foster que destaca por la impresionante ejecución vocal de Brandy y cuenta con un coro Gospel al final de la canción.

Personalmente le tengo un cariño especial a «Never Say Never» porque fue uno de los primeros álbumes que escuché dentro del género R&B e incluye ‘The Boy Is Mine’, mi canción favorita de todos los tiempos y una de las imprescindibles dentro del R&B. A raíz de este álbum, me convertí en gran seguidor de Brandy y varios de sus discos posteriores, como «Full Moon», «Afrodisiac» o «Human» se encuentran entre mis álbumes preferidos de R&B. Sin duda, «Never Say Never» es uno de los álbumes de R&B más sólidos de la década de los 90 gracias a la magnífica producción de Darkchild y el enorme talento vocal de Brandy. Temas imprescindibles: The Boy Is Mine, Top of the World, U Don’t Know Me, Have You Ever?, Angel In Disguise, Almost Doesn’t Count y Happy. Puntuación: 9/10.

Crítica de «FanMail» de TLC

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5c268-tlcfanmailA finales de 1994 el trío femenino TLC publicó CrazySexyCool, su segundo álbum de estudio, el cual fue aclamado por los críticos musicales por el carácter social y reivindicativo de sus letras, resultó un auténtico éxito de ventas (9 millones de copias en Estados Unidos y más de 15 en todo el mundo) y contó con los hit singles ‘Creep’ y ‘Waterfalls’, que lideraron la lista americana y se convirtieron en dos de los temas más representativos de su carrera. Pese a haber publicado uno de los álbumes más vendidos de la historia, las componentes de TLC se declararon en bancarrota financiera debido a numerosos gastos que no podían asumir, como el pago del seguro de la mansión que incendió Left Eye o los gastos por la enfermedad de T-Boz, además del pago de salarios de productores, managers o abogados. En 1999 vio la luz el segundo álbum de estudio del grupo, Fanmail, el cual marcaba una gran evolución musical con respecto a su antecesor debido al lapso de más de 4 años entre ambos. Mientras que «CrazySexyCool» estaba encuadrado dentro del R&B y el Hip Hop Soul, «FanMail» viró hacia el pop futurista y el sonido electrónico, aunque en esencia era un álbum de estilo R&B. «FanMail» fue producido principalmente por Dallas Austin, aunque contaba con producción adicional de sus habituales colaboradores Jermaine Dupri y Babyface, además de She’kspere y el dúo formado por Jimmy Jam y Terry Lewis. Durante la grabación del álbum surgieron fricciones entre el grupo y Dallas Austin (quien además había sido pareja de Chilli y el padre de su hijo) debido a su alto salario que demandaba y su exigencia de asumir el control creativo del álbum. Además la presencia de Left Eye en el álbum fue escasa debido a su mala relación con Dallas Austin, el cual rechazó las canciones compuestas por Lisa por considerarlas de baja calidad. «FanMail» debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos, convirtiéndose en el primer disco del grupo en liderar la lista americana y acabó siendo certificado 6 veces platino con ventas superiores a los 5 millones y medio de ejemplares. TLC siempre se han caracterizado por tener un mayor impacto comercial en Estados Unidos que en el resto de mercados sin embargo el álbum consiguió ocupar el top 10 en Canadá, Alemania o Reino Unido y superó los 10 millones de copias en todo el mundo.

El single presentación del álbum fue No Scrubs, un pegadizo tema R&B compuesto por Kandi Burruss y She’kspere (quienes fueron responsables de otros hits de la época como ‘Bills Bills Bills’ de Destiny’s Child) y que contaba con su habitual sonido R&B tan típico de aquella época. ‘No Scrubs’ se convirtió en uno de los temas más populares del año 1999 y destacó por el uso de la palabra ‘scrub’, con la que se referían a un chico que no trabaja ni tiene aspiraciones en la vida e intenta aprovecharse de las mujeres. Este single ocupó el #1 en Estados Unidos durante 4 semanas (se convirtió en el tercer #1 de TLC en la lista americana) además de en Australia y Canadá y el top 10 en los principales mercados como Reino Unido, Francia o Alemania. ‘No Scrubs’ ganó dos premios Grammy: mejor canción R&B del año y mejor actuación R&B por un dúo/grupo. Como segundo single se lanzó Unpretty, un medio tiempo R&B con influencia pop/rock y sonido alternativo compuesto por T-Boz y producido por Dallas Austin. En ‘Unpretty’ TLC animaban a las mujeres a no ser tan exigentes con su propio físico para agradar a los hombres y resultaba un himno de auto-aceptación y empoderamiento. Este single también resultó un éxito y consiguió el cuarto #1 de TLC en Estados Unidos. Como tercer y último single se lanzó Dear Lie, una emotiva balada R&B compuesta nuevamente por T-Boz (e interpretada en su mayoría por ella) y producida por Babyface que tuvo un impacto comercial mínimo en Estados Unidos. En mi opinión no fue una decisión muy acertada elegir ‘Dear Lie’ como single ya que dentro del álbum encontramos temas mucho más interesantes como ‘I’m Good at Being Bad’, la aportación de Jimmy Jam & Terry Lewis al álbum, con letras muy explícitas y que contenía rap por parte de Left Eye, ‘If They Knew’, un marchoso tema R&B up-tempo, ‘Silly Ho’, un extraño pero pegadizo tema electropop/R&B con letras feministas o la otra balada producida por Babyface ‘I Miss You So Much’.

«Fanmail» fue el último álbum de TLC como trío ya que en 2002, poco antes de que viera la luz el siguiente disco del grupo, Left Eye falleció en un accidente de tráfico en Honduras. Pese a la trágica desaparición de la carismática componente, Chilli y T-Boz siguieron adelante con el proyecto. En resumen, «FanMail» es un álbum muy interesante que marca una evolución con respecto a los anteriores trabajos de TLC (de carácter más urbano) al incorporar un sonido pop más futurista pero que capturaba la esencia del grupo y se convertía en uno de los álbumes R&B más destacados de finales de los 90. Temas imprescindibles: Unpretty, If They Knew, I’m Good at Being Bad, pero sobretodo No Scrubs, uno de los mejores temas R&B de todos los tiempos. Puntuación: 8/10.

Crítica de «The Writing’s on the Wall» de Destiny’s Child

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Destiny's ChildDurante la década de los 90 cuatro jovencitas de Houston (Texas) que deseaban triunfar en el mundo de la música se conocieron en diferentes concursos de talentos y decidieron formar su propio grupo, llamado inicialmente Girl’s Tyme. Me estoy refiriendo a Beyoncé Knowles, Kelly Rowland, LeToya Luckett y LaTavia Roberson, quienes más tarde pasaron a llamarse Destiny’s Child bajo la supervisión del Matthew Knowles (el padre de Beyoncé y tutor legal de Kelly), quien se convirtió en el manager del grupo y les consiguió un contrato con la discográfica Columbia. En 1998, cuando todavía eran menores de edad publicaron su primer disco de estudio, titulado «Destiny’s Child», el cual tuvo un debut moderado en la lista americana pero acabó vendiendo un millón de copias de Estados Unidos y contó con el hit ‘No No No’, que alcanzó el #3. En julio de 1999, apenas un año más tarde de su álbum debut el cuarteto de Houston regresó con un proyecto mucho más ambicioso y maduro, llamado The Writing’s on the Wall, que se convertiría en el álbum más famoso y exitoso (también el más polémico) de toda su trayectoria. «The Writing’s on the Wall» está formado por un compendio de medios tiempos, temas up-tempo y baladas de estilo R&B, con influencias pop y Soul y que cuenta con el clásico sonido con el que asociamos al R&B de finales de los 90 y principios del 2000. Las 4 componentes del grupo participaron en la composición de la mitad de los temas presentes en el álbum y contaron con la producción de She’kspeare, Missy Elliott, Darkchild o Daryl Simmons entre otros. El productor americano She’kspeare y la compositora Kandi Burruss (cantante del grupo de R&B Xscape) tuvieron un papel esencial en álbum ya que se encargaron de 5 de los temas presentes e imprimieron su clásico sonido R&B al disco, además destacan por ser los responsables de otros importantes hits de la época como ‘No Scrubs’ de TLC o ‘There You Go’ de Pink. El segundo álbum de Destiny’s Child recibió buenas críticas de los expertos musicales y recibió 6 nominaciones a los premios Grammy, entre ellos mejor grabación del año, mejor canción R&B y mejor canción del año por ‘Say My Name’.

«The Writing’s on the Wall» debutó en un discreto #6 de la lista americana de álbumes y terminó la década de los 90 con unas ventas superiores al millón y medio de ejemplares, sin embargo tras el éxito de ‘Say My Name’ el álbum vivió una segunda juventud, sus ventas se dispararon y volvió a las primeras posiciones de la lista Billboard, alcanzando el #5. El segundo disco de Destiny’s Child destacó por su gran longevidad en las listas de venta ya que permaneció durante casi dos años en el top 40 y acabó siendo certificado 8 veces platino con unas ventas superiores a los 6 millones de copias en Estados Unidos. Aunque en el resto del mundo no alcanzó tal grado de éxito, también ocupó el top 5 en Australia o Canadá y el top 10 en Reino Unido, donde superó el millón de ejemplares. «The Writing’s on the Wall» fue uno de los álbumes de R&B más exitosos e importantes de la década del 2000 y ha superado los 12 millones de copias.

El single presentación del álbum fue Bills Bills Bills, una de las producciones de She’kspeare para el álbum y que se trataba de un pegadizo medio tiempo R&B de en el que relataban cómo sus hombres se aprovechan de todas sus posesiones pero son ellas las que pagan sus propias ‘facturas’. Este himno de auto-empoderamiento resultaba uno de los temas más destacados del álbum y se convirtió en el primer single #1 de Destiny’s Child en Estados Unidos. Gracias a este tema el grupo femenino comenzó a despuntar tímidamente en el resto del mundo y ocupó su mejor posición en Reino Unido, donde fue top 10. Además de recibir buenas impresiones de los expertos musicales y convertirse en uno de los temas más populares el año, ‘Bills Bills Bills’ consiguió dos nominaciones a los premios Grammy a mejor actuación vocal de dúo/grupo y a mejor canción R&B del año, nominación que volvería a conseguir ‘Say My Name’ un año más tarde. Desde un principio no pasó desapercibido para nadie el hecho de que tanto Beyoncé como Kelly acaparaban el protagonismo dentro del grupo y cantaban los ‘solos’ en todas las canciones, relegando a LeToya y LaTavia a meras coristas. Como segundo single del álbum se lanzó Bug a Boo, un tema R&B up-tempo compuesto por las 4 componentes del grupo junto a Kandi y She’kspeare que nuevamente trataba el tema de los ‘hombres parásitos’ que intentan aprovecharse de las mujeres. ‘Bug a Boo’ no fue tan popular como el single precedente y apenas ocupó el top 40 en la lista americana aunque nuevamente alcanzó el top 10 en Reino Unido.

Ya en el año 2000, Destiny’s Child regresaron con su tercer single, que resultaría uno de sus temas más icónicos y representativos de toda su carrera. Sin duda me refiero a Say My Name, un tema R&B mid-tempo con varios cambios de ritmo producido por Rodney Jerkins, más conocido como Darkchild, quien gracias a la popularidad del tema su fama se dispararía y se convertiría en uno de los productores más solicitados de la industria musical. ‘Say My Name’, gracias a su elevado ‘airplay’ y unas ventas muy altas de CD’s físicos ascendió en la lista de ventas americana hasta alcanzar el #1, posición en la que permaneció durante 3 semanas. A nivel internacional, ‘Say My Name’ supuso el mayor éxito de Destiny’s Child hasta el momento y alcanzó el #1 en Australia y el top 10 en Canadá, Francia o Reino Unido. En un principio, Beyoncé no quiso grabar el tema porque lo consideraba un ‘desastre’ sin embargo resultó uno de los temas más populares, exitosos y galardonados en la historia del grupo. Desde un principio ‘Say My Name’ me cautivó y se convirtió no sólo en mi canción favorita de R&B sino una de mis preferidas de todos los tiempos (junto a ‘The Boy Is Mine’ de Brandy & Monica). El lanzamiento de ‘Say My Name’ no estuvo exento de polémica ya que cuando se desveló su videoclip todos nos quedamos sorprendidos al ver que ni LeToya ni LaTavia participaban en él (a pesar de seguir apareciendo sus voces en el tema) y a su vez descubríamos que dos nuevas componentes formaban parte del grupo: Michelle Williams y Farrah Franklin. Más tarde LeToya y LaTavia anunciaron que habían abandonado Destiny’s Child y demandado a su manager por incumplimiento de contrato e impago de beneficios y le acusaron de favorecer a Beyoncé y Kelly. Durante esta época, el grupo fue sometido a un gran escrutinio por parte de los medios de comunicación y criticaron el exceso de protagonismo de Beyoncé. Pese a estas controversias, la nueva formación de Destiny’s Child continuó con la promoción del álbum y lanzaron el cuarto single, Jumpin’ Jumpin’, un marchoso tema R&B up-tempo con influencia Hip Hop que resultó otro éxito para el grupo y ocupó el #3 en Estados Unidos y el top 5 en Reino Unido o Australia. Pese a que el grupo vivía su mejor momento profesional y el álbum gozaba de un gran éxito comercial, la polémicas no cesaban en torno a Destiny’s Child y apenas unos meses después de su incorporación, Farrah abandonaba la formación al no poder soportar el estrés de la fama. Beyoncé, Kelly y Michelle continuaron adelante como trío, que se convertiría en la formación más estable y conocida de Destiny’s Child.

«The Writing’s on the Wall» está lleno de temazos como ‘So Good’, otra de las producciones de She’kspeare para el álbum y que se trata de un alegre y pegadizo tema pop/R&B, la sensual balada Soul/R&B ‘Temptation’ o el marchoso ‘Hey Ladies’, uno de los temas más up-tempo del álbum y que cuenta con una moderna y trepidante producción. «The Writing’s on the Wall» también incluye ‘Get on the Bus’, un tema R&B producido por Timbaland que formó parte de la banda sonora de una conocida película americana y fue lanzado de manera limitada como single a finales de 1998. En resumen, «The Writing’s on the Wall» no sólo fue uno de los primeros CD’s que compré sino que se ha convertido en mi álbum favorito de R&B de todos los tiempos y el responsable de que me interesara por dicho género y empezara a escuchar otros cantantes y grupos de música negra. Además lo considero uno de los mejores de los discos de los años 90 y la década del 2000 e imprescindible dentro del género R&B. Temas imprescindibles: Say My Name, Bills Bills Bills, So Good, Jumpin’ Jumpin’, Bug a Boo, Where’d You Go y Hey Ladies. Puntuación: 9/10.

Crítica de «Confessions on a Dance Floor» de Madonna

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ConfessionsMadonna es conocida dentro del mundo de la música por su capacidad para reinventarse con cada álbum y ofrecer al público un estilo diferente y una imagen totalmente opuesta a la anterior, algo que muchas cantantes han intentado imitar posteriormente. En 2005 la reina del pop resurgió de sus cenizas como el ave fénix con su décimo álbum de estudio, titulado Confessions on a Dance Floor, que tomaba el relevo a «American Life», publicado dos años atrás con críticas y ventas mediocres. «Confessions» marcó una gran divergencia con respecto al sonido de su anterior álbum y en esta ocasión Madonna regresó a sus raíces más pop para ofrecernos un trabajo dirigido a las pistas de baile. Con la ayuda de Stuart Price (el cual se convirtió en una pieza indispensable del éxito del álbum) y la producción adicional de su colaborador habitual Mirwais Ahmadzaï y el dúo sueco Bloodshy & Avant, Madonna creó un álbum encuadrado dentro del dance-pop y electropop con gran influencia del sonido Disco de los años 70 e inspirado en la música de ABBA, Donna Summer o Pet Shop Boys. «Confessions» se aleja totalmente de «American Life» tanto en el componente visual como lírico, ya que éste último resultó muy polémico y controvertido en Estados Unidos por su crítica al ‘sueño americano’ y el materialismo presente en su sociedad y estaba encuadrado en el sonido electropop con un acusado toque acústico e influencia folk. «Confessions» se puede escuchar de principio a fin porque el relleno se reduce al mínimo y las 12 canciones presentes estaban encadenadas unas con otras como si de una sesión de DJ se tratase. Tras el fracaso comercial que resultó «American Life», el cual apenas vendió 5 millones de copias en todo el mundo y se convirtió en el disco menos vendido de su carrera, «Confessions» aumentó de manera considerable la popularidad de Madonna y resultó un auténtico éxito, ya que alcanzó el #1 en más de 20 países de todo el mundo y superó los 10 millones de copias a nivel mundial. Este álbum no sólo tuvo un enorme impacto comercial sino que recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales, quienes se reconciliaron con Madonna tras sus negativas opiniones hacia «American Life» y consiguió un premio Grammy al mejor álbum electrónico/Dance.

Es conocido el hecho de que los componentes del mítico grupo sueco ABBA son muy reticentes a la hora de dejar que otros artistas versionen o utilicen sus canciones sin embargo permitieron a Madonna samplear la melodía de su conocido hit ‘Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)’ para su nuevo single. Dicho tema resultó ser Hung Up, el single presentación de «Confessions» y que se trata de un bailable tema dance-pop con influencia Disco y House producido por Stuart Price cuyas sencillas letras reflejan el carácter de mujer fuerte e independiente de Madonna. ‘Hung Up’ superó todas las expectativas posibles y ocupó el #1 en más de 40 países de todo el mundo, pasando a formar parte de las canciones más exitosas de todos los tiempos, con ventas superiores a los 9 millones de copias, incluyendo formato físico y digital. Aunque ‘Hung Up’ supuso el mejor resultado de Madonna en Estados Unidos en años, cabe destacar que apenas ocupó el #7 en la lista de ventas, posiblemente una de las ‘peores’ posiciones del single alrededor del mundo, aunque fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. Tras el éxito de ‘Hung Up’, como segundo single se lanzó Sorry, otro de los ‘highlights’ del álbum y que recibió alabanzas de los expertos musicales por su carácter pegadizo y bailable. ‘Sorry’ destaca por incluir las palabras ‘lo siento’ y ‘perdóname’ en varios idiomas como español, francés o italiano. Este tema dance-pop y Disco compartía muchas similitudes con el single precedente aunque tenía contenía más profundidad en las letras y en ellas Madonna declaraba sentirse harta de oír excusas por parte de su amante, el cual no paraba de disculparse por sus errores. En Estados Unidos ‘Sorry’ tuvo un desempeño comercial moderado debido a su bajo nivel de airplay, sin embargo en el resto del mundo tuvo una acogida muy superior y ocupó el top 5 en Australia, Canadá o Alemania y alcanzó el #1 en España, Italia o Reino Unido.

Como tercer single se lanzó Get Together, un potente tema electropop y dance-pop con influencia Disco y House que habla sobre encontrar el amor en la pista de baile y cuya promoción fue mínima porque Madonna se encontraba de gira con el exitoso ‘Confessions Tour’, pero aún así fue #1 en España (el tercero consecutivo del álbum) y top 10 en Reino Unido, los cuales se convirtieron en los dos mercados musicales más receptivos en la era «Confessions». El cuarto y último single lanzado fue Jump, un tema dance-pop y synth-pop que destaca por el hecho de que Madonna hace uso de su registro más bajo de la voz y hablaba sobre pasar página de una relación. ‘Jump’, que resultaba un himno de auto-empoderamiento, recibió escasa promoción aparte de su videoclip y tuvo un rendimiento comercial moderado, aunque alcanzó el top 10 en España, Reino Unido e Italia. Entre mis canciones favoritas del álbum se encuentran ‘Let It Will Be’, un pegadizo tema Disco con uso prominente de violines que habla del éxito y la fama o ‘Forbidden Love’, un tema electropop y dance-pop de carácter mid-tempo cuyas letras hacen referencia a cómo el amor trasforma nuestras creencias y afecta a las relaciones con los demás. También destacan las aportaciones de Bloodshy & Avant en ‘Like It or Not’, un tema electropop que resulta menos up-tempo que el resto del contenido del álbum y Mirwais en el electrónico ‘Future Lovers’, cuyas letras hablan del amor como una fuerza poderosa que trasciende en el tiempo.

«Confessions on a Dance Floor» siempre será recordado por su carácter discotequero y bailable, los icónicos looks de Madonna ensayando frente al espejo y haciendo ‘posturitas’ en el videoclip de ‘Hung Up’ y ha servido de inspiración a numerosos artistas pop, los cuales empezaron a adoptar el estilo dance-pop y la música electrónica tras el éxito de este álbum. En los últimos tiempos el álbum ha vuelto a estar de actualidad gracias al revival que vive la música Disco y álbumes como «Future Nostalgia» de Dua Lipa están influenciados en gran medida por el estilo presente en «Confessions». Sin duda «Confessions on a Dance Floor» es uno de los álbumes de pop más icónicos e influyentes de la década del 2000 y que destaca por su sólido conjunto de canciones bailables, la ausencia de relleno, su magnífica selección de singles y la excepcional producción de Stuart Price. Temas imprescindibles: Hung Up, Sorry, Forbidden Love, Let It Will Be, Get Together y Jump. Puntuación: 9/10.

Stupid Love, el regreso de Lady Gaga

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Stupid LoveTras participar en la película ‘A Star Is Born’ y su respectiva banda sonora, con las que recibió buenas críticas por parte de los expertos, logró gran éxito comercial y nos mostró su lado más serio y maduro, Lady Gaga prometió que volvería a sus raíces musicales más pop. Y así ha sido ya que hace unas semanas nos presentó Stupid Love, el primer single de su sexto álbum de estudio, titulado Chromatica. Se trata de un tema electropop y dance-pop con influencia Disco compuesto por Lady Gaga junto a Max Martin (quien trabaja con ella por primera vez), producido por BloodPop y que conecta con el estilo de sus discos ‘Born This Way’ y ‘Artpop’. Stupid Love ha recibido opiniones principalmente positivas de los críticos musicales, los cuales elogiaron el regreso de Lady Gaga a sus orígenes pop y sus pegadizas letras sin embargo otros lo han considerado un tema ‘olvidable’, anodino y que no aporta nada novedoso al panorama musical. Stupid Love ha tenido un rendimiento comercial muy variado y mientras que ha ocupado el top 10 en Estados Unidos, Australia y Reino Unido, en otros importantes mercados musicales como Francia, Alemania o España ha tenido un comportamiento mediocre y apenas ha ocupado el top 50. En mi opinión, Stupid Love falla al no ofrecernos un tema original y arriesgado y creo que como ‘lead single’ resulta francamente decepcionante. Chromatica iba a ver la luz el 10 de abril pero debido a la pandemia mundial provocada por el coronavirus su lanzamiento ha sido retrasado indefinidamente, un gesto que me parece poco generoso ya que en estos duros momentos los artistas deberían lanzar nueva música para entretener a sus fans y hacerles más fácil el confinamiento en vez de pensar en la posible bajada de ventas que puede sufrir el álbum por estar cerradas las tiendas de medio mundo.

Crítica de «Daydream» de Mariah Carey

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album-daydreamDurante los años 90 la cantante americana Mariah Carey logró el estrellato gracias a una sucesión de álbumes tremendamente exitosos que la convirtieron en una de las artistas femeninas más importantes de la década. Su prodigiosa voz con un rango de 5 octavas y sus habilidades como compositora fueron aclamadas por la crítica, aunque algunos expertos se mostraron ambivalentes hacia el contenido ‘blando’ de sus trabajos. Tras la espectacular acogida de su tercer disco Music Box, el cual superó los 25 millones de copias en todo el mundo y produjo clásicos como ‘Dreamlover’, ‘Hero’ o ‘Without You’, la joven cantante neoyorquina lanzó su primer disco navideño «Merry Christmas», el cual se convirtió en el álbum navideño más vendido de la historia y contó con el hit ‘All I Want For Christmas Is You’. En 1995, ya convertida en una super estrella de la música, Mariah Carey regresó con su quinto álbum de estudio, titulado Daydream, el cual marcó una evolución en el estilo musical de la cantante ya que añadió cierto componente urbano y R&B a su habitual estilo pop. Durante el proceso de composición y grabación de «Daydream», Mariah Carey tuvo muchas diferencias creativas con su discográfica, especialmente con Tommy Mottola, su marido y dueño del grupo Sony Music, a la que pertenecía su discográfica Columbia. Intentando salvaguardar a su ‘gallina de los huevos de oro’, la discográfica quiso repetir la fórmula utilizada en «Music Box» y seguir con sus románticas baladas pop, sin embargo Mariah Carey deseaba expresar sus verdaderas aspiraciones como artista y decantarse por un estilo R&B más moderno. Aunque en «Daydream» continuó trabajando con Walter Afanasieff, el artífice de sus mayores éxitos y responsable de todas las baladas del álbum, Mariah se aproximó a productores del circuito R&B/Hip-Hop como Jermaine Dupri y su habitual colaborador Manuel Seal.

El single presentación del álbum fue Fantasy, un marchoso tema up-tempo pop/R&B con influencias funk y Hip Hop producido por Dave Hall (el responsable de ‘Dreamlover’) en el que Mariah Carey declara todo su amor a su pareja. Este tema fue aclamado por la crítica por sus pegadizas letras y la ejecución vocal de Mariah y logró un tremendo éxito en Estados Unidos: debutó directamente en el #1 y lideró la lista durante 8 semanas, convirtiéndose en el segundo single más exitoso del año 1995 en el país. En contra de la opinión de su discográfica, Mariah decidió lanzar un remix de ‘Fantasy’ con un gran toque Hip-Hop dirigido a las radios urbanas con la colaboración del rapero Ol’ Dirty Bastard. En el resto del mundo, ‘Fantasy’ también tuvo un gran impacto comercial: fue #1 en Australia y Canadá y top 5 en Reino Unido. Tras la gran acogida de ‘Fantasy’, como segundo single se lanzó One Sweet Day, una balada R&B que cuenta con la colaboración del grupo masculino Boyz II Men y cuyas letras hablan de la pérdida de un ser querido. Este tema fue aclamado por los expertos musicales por sus inspiradoras letras y las harmonías vocales entre Mariah y el grupo americano. Si parecía complicado superar el éxito del single precedente, ‘One Sweet Day’ consiguió liderar la lista americana durante 16 semanas consecutivas, un récord de permanencia en la lista Billboard que duró casi dos décadas hasta la llegada del infame ‘Despacito’.

El tercer single fue Always Be My Baby, un tema mid-tempo pop/R&B producido por Jermaine Dupri cuyas letras exploran la conexión duradera e inquebrantable entre antiguos amantes. Este single alcanzó nuevamente el #1 en la lista americana (su tercer #1 consecutivo del álbum y undécimo en total) y se ha convertido en uno de los temas más populares y característicos de la carrera de Mariah Carey. En el resto del mundo tuvo un desempeño moderado y únicamente alcanzó el top 5 en Reino Unido. Como tercer single fuera de Estados Unidos se lanzó la bonita balada Open Arms, que se trataba de una versión del famoso tema del grupo americano de rock Journey. Open Arms tuvo un gran desempeño comercial en Reino Unido, donde alcanzó el top 5. De manera muy limitada en algunas partes del mundo se lanzó como single Forever, una preciosa balada de amor con instrumentación retro en la que Mariah relata que aunque se haya terminado su relación, su pareja siempre vivirá en sus recuerdos. Como último sencillo promocional en tierras americanas se lanzó Underneath the Stars, una balada R&B/Soul de sonido retro que Mariah considera una de sus canciones más personales y favoritas del álbum. En las letras de ‘Underneath the Stars’ la cantante recuerda un romance veraniego fugaz y apasionado y los recuerdos agridulces que quedan. La segunda contribución de Jermaine Dupri al álbum era ‘Long Ago’, encuadrada dentro del sonido R&B/Hip-Hop que Mariah quería incorporar a este álbum y en cuyas letras la cantante reflexiona sobre una relación pasada en la que su amante era un manipulador y mentiroso.

«Daydream» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado diamante con unas ventas superiores a los 8 millones de copias, convirtiéndose en su tercer álbum #1 y su trabajo más vendido en Estados Unidos. En el resto del mundo también resultó un éxito con mayúsculas: alcanzó el #1 en Reino Unido, Alemania y Australia y el top 10 en el resto de los principales mercados musicales. A pesar de que no logró igualar el tremendo éxito de «Music Box», superó los 20 millones de copias a nivel mundial y se convirtió en su segundo álbum más vendido de su trayectoria. «Daydream» tiene una gran importancia dentro de la carrera inicial de Mariah Carey ya que supone un punto de inflexión y marca la transición hacia el sonido R&B que deseaba incorporar a su música. En «Daydream» se encuentran algunas de mis baladas favoritas de Mariah como ‘Forever’, ‘When I Saw You’ y ‘Open Arms’, que es la única versión que podemos encontrar en el álbum. En resumen, «Daydream» es uno de los álbumes más sólidos dentro de la primera etapa musical de la legendaria cantante ya que contiene un compendio perfecto entre sus clásicas baladas y los temas rítmicos de sonido urbano. Sin duda uno de los mejores discos de los años 90 e imprescindible para los amantes del pop y el R&B. Temas imprescindibles: Fantasy, Forever, Always Be My Baby, Underneath the Stars, Open Arms y One Sweet Day. Puntuación: 9/10.

Crítica de «Oops!… I Did It Again» de Britney Spears

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Hace unos días se cumplía el vigésimo aniversario de una de las canciones más famosas e icónicas de Britney Spears, por lo que realizaré una reseña del álbum al que pertenece dicha canción y que forma parte de la lista de mis discos favoritos de todos los tiempos. A principios del año 1999, cuando Britney todavía era una adolescente inocente e ingenua, vio la luz su primer álbum de estudio, …Baby One More Time, el cual alcanzó el #1 en Estados Unidos y en otros países como Canadá o Alemania y llegó a vender 14 millones de copias en su país natal y más de 25 millones en todo el mundo, todo un récord para una cantante recién llegada al panorama musical. Gran parte de este éxito se debió a la excepcional acogida del primer single de idéntico título, que lideró las listas de venta de todo el mundo. Este single sigue manteniéndose después de más de 20 años como el mayor éxito de su trayectoria y su videoclip ha marcado historia dentro del mundo del pop y siempre será recordado por una Britney con coletas y vestida de colegiala. Tras el éxito del primer single llegaron ‘Sometimes’, que mostraba su lado más sensible y emotivo o ‘(You Drive Me) Crazy’, otro de los temas más representativos de los inicios de su carrera y que también gozaron de buena acogida en las listas de venta de todo el mundo. Gracias a ‘…Baby One More Time’, Britney Spears estuvo nominada a los premios Grammy como mejor artista revelación, pero le fue arrebatado el galardón por su ami-enemiga y rival Christina Aguilera.

Tras el inmenso éxito de su debut y sin apenas un respiro, en mayo de 2000 Britney Spears publicó su segundo álbum de estudio, Oops!… I Did It Again, el cual debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos con más de 1’3 millones de copias en su primera semana, la mayor cifra de ventas de una cantante femenina en la historia de la música y que sólo fue superada quince años después por Adele. Con la popularidad de Britney en su mejor momento, «Oops!» fue certificado diamante en tierras americanas con más de 10 millones de ejemplares vendidos y a nivel internacional también tuvo un gran impacto comercial: ocupó el #1 en más de 10 países de todo el mundo incluyendo Canadá, Alemania, Francia o España. En importantes mercados musicales como Reino Unido y Australia el álbum debutó en el #2 pero obtuvo ventas altísimas y superó los 20 millones a nivel mundial. «Oops!» está compuesto por un compendio de marchosos temas de estilo pop y dance-pop y varias baladas que mostraban que el rango vocal de Britney era superior a lo que muchos creían. A pesar de ser un disco eminentemente pop, contiene ligeras influencias funk o R&B y cuenta con dos versiones de temas famosos. El compositor y productor sueco Max Martin, quien fue responsable de ‘…Baby One More Time’, ‘Crazy’ y otra canción de su disco debut, incrementó su participación en el proceso creativo y asumió un papel muy importante en el segundo álbum de Britney Spears y no sólo fueron obra suya los tres primeros singles del disco sino que se encargó de varias canciones más junto a su habitual colaborador Rami y otros músicos suecos asociados al legendario ‘Cheiron Studios’ como Alexander Kronlund, Jörgen Elofsson o Kristian Lundin. El productor Robert ‘Mutt’ Lange y la afamada compositora Diane Warren también contribuyeron con una canción cada uno para este álbum y la propia Britney compuso ‘Dear Diary’, la última canción del álbum.

En una estrategia comercial muy similar a la utilizada con su álbum debut, el single presentación de su segundo trabajo discográfico fue el tema que daba título al álbum. Hace 20 años vio la luz Oops!… I Did It Again, el cual ha pasado a la historia como uno de los singles más representativos de la carrera de la cantante de Louisiana. ‘Oops’ estaba compuesto y producido por Max Martin y Rami, guardaba muchas similitudes con ‘…Baby One More Time’ aunque Britney declaraba que «ya no era tan inocente» como antes y en este caso jugaba con los sentimientos de su amante, el cual confunde su ‘flirteo’ con un interés romántico real. ‘Oops!’ no logró despuntar en la lista americana como hizo ‘…Baby’ y sólo ocupó el top 10 en Estados Unidos sin embargo en el resto del mundo el desempeño fue muy superior: alcanzó el #1 en más de 15 países incluyendo Australia, Canadá, España o Reino Unido (donde se convirtió en su tercer single #1). El videoclip de ‘Oops’, ambientado en el planeta Marte y con el icónico traje rojo de látex de Britney también se ha convertido en un clásico de la década del 2000 y en la actualidad supera los 250 millones de visualizaciones en YouTube. Tras el tremendo éxito cosechado por ‘Oops!’ se lanzó como segundo single Lucky, un tema pop de pegadizas letras y con una producción muy similar a la de ‘Oops!’ ya que los responsables seguían siendo Max Martin y Rami. ‘Lucky’, que relata la vida de una estrella del cine que lo tiene todo en la vida (dinero, fama y belleza) pero en realidad se siente sola y desdichada, recibió buenas críticas de los expertos musicales, muchos de los cuales creyeron que la letra de la canción estaba inspirada en su propia vida. ‘Lucky’ logró un éxito moderado en Estados Unidos, donde apenas ocupó el top 25, pero como es costumbre en el resto del mundo tuvo una mejor acogida y fue #1 en Francia y Alemania y top 5 en Reino Unido, Canadá y Australia.

Como tercer single llegó Stronger, un potente tema dance-pop que recibió grandes críticas por sus letras de auto-empoderamiento («soy más fuerte que ayer») y su declaración de independencia sobre abandonar al amante que la ha engañado. ‘Stronger’ se convirtió en uno de los ‘fan favorite’ del álbum ya que contaba con un estribillo muy pegadizo, una producción moderna y vanguardista y Britney brillaba por su ágil ejecución vocal. En el terreno comercial ‘Stronger’ resultó un éxito moderado y ocupó el #11 en Estados Unidos o el top 10 en Alemania y Reino Unido. Para mostrar la variedad presente en el álbum, como cuarto y último single se lanzó Don’t Let Me Be the Last to Know, una balada compuesta por Shania Twain y su por entonces marido, el productor Robert ‘Mutt’ Lange, que contenía ciertas influencias Country-pop. Este tema recibió buenas opiniones de los expertos y la consideraron como una de sus mejores baladas, sin embargo a nivel comercial resultó el primer fracaso de Britney en Estados Unidos y fue incapaz de entrar en el Hot 100 de la lista Billboard. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Don’t Go Knockin’ on My Door’, un marchoso tema pop/R&B con cierto toque funk cuyas letras hablan sobre pasar página tras una ruptura, ‘Can’t Make You Love Me’, un enérgico tema dance-pop que habla sobre el amor verdadero, ‘What U See (Is What U Get)’, en cuyas letras Britney exige respeto a un amante celoso o la emotiva balada ‘Where Are You Now’, en la que encontramos quizás la mejor ejecución vocal de Britney de toda su carrera. En la edición internacional podíamos encontrar ‘Girl in the Mirror’, una bonita balada mid-tempo que se encuentra entre mis favoritas del álbum. Uno de los temas peor recibidos por los críticos fue la versión de ‘(I Can’t Get No) Satisfaction’ de Rolling Stones, a la que Darkchild le dio un toque más funk en lugar de su estilo rock original.

Cuando muchos segundos álbumes de artistas que han cosechado gran éxito con su debut suponen una importante caída de ventas o son un sonoro fracaso, no fue éste el caso de Britney Spears, ya que sin superar el éxito sin precedentes de «…Baby One More Time», su segundo trabajo obtuvo unas cifras muy altas y casi cercanas. Además sin desmerecer a su álbum debut, al que le guardo gran cariño por ser el primer CD que compré, en mi opinión «Oops!… I Did It Again» es un disco más completo y superior y aunque la música de Britney no mostró excesiva evolución musical debido a su proximidad en sus fechas de publicación es uno de los álbumes más importantes de la historia del pop, de la década del 2000 y en mi opinión uno de los mejores dentro de la carrera de Britney Spears. Temas imprescindibles: Oops!… I Did It Again, Stronger, What U See (Is What U Get), Lucky, Where Are You Now, Don’t Go Knockin’ on My Door y Girl in the Mirror. Puntuación: 9/10.

Crítica de «A New Day Has Come» de Céline Dion

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A New Day Has ComeTras triunfar con sus álbumes en francés, Céline Dion hizo su debut en inglés en 1990 y durante dicha década publicó sus tres álbumes más exitosos que la catapultaron a la cima de las listas de venta y la convirtieron en una de las cantantes más importantes del mundo del pop. Sin duda me estoy refiriendo a «The Colour of My Love», que vendió 20 millones de copias y «Falling Into You» y «Let’s Talk About Love», que superaron la barrera de los 30 millones de ejemplares en todo el mundo, han entrado en la lista de los álbumes más exitosos de todos los tiempos y se han convertido en clásicos indiscutibles de la música contemporánea. En 2002 la cantante canadiense regresó con otro de sus discos más icónicos, A New Day Has Come, que suponía su séptimo álbum de estudio en inglés y el primero de la década del 2000. Siguiendo la estela musical de ‘That’s The Way It Is’, uno de los temas inéditos del recopilatorio «All The Way… A Decade of Songs» y que mostró un sonido más actual y moderno, Céline Dion se rodeó de importantes compositores y productores como Andreas Carlsson, Kristian Lundin, Anders Bagge, Robert ‘Mutt’ Lange, Ric Wake o Walter Afanasieff para crear un conjunto de canciones up-tempo de estilo pop, dance-pop y R&B, convirtiéndose en el trabajo más bailable y marchoso de la cantante hasta la fecha, aunque también podíamos encontrar sus clásicas baladas. «A New Day Has Come» fue considerado como el gran regreso de la cantante de Quebec tras un tiempo alejada del panorama musical en el que fue madre, de ahí que varios de los temas presentes traten su nueva faceta como madre, el amor en todas sus vertientes y la superación de las adversidades.

Como single presentación se lanzó A New Day Has Come, el tema que da título al trabajo y que se trata de una balada mid-tempo de naturaleza inspiradora sobre superar las dificultades que se nos presentan en la vida. Céline celebra el nacimiento de su hijo tras numerosos problemas en su concepción debido a la avanzada edad y enfermedad de su marido René Angélil. Este tema producido por Walter Afanasieff en su versión original y Ric Wake en el caso del ‘radio edit’ que se lanzó como single, fue aclamado por la crítica por su carácter inspirador y la magistral interpretación de la cantante. ‘A New Day Has Come’ se convirtió en uno de los singles más importantes del año y ocupó el top 10 en Reino Unido, Alemania o Canadá y el top 25 en Estados Unidos. El segundo single fue I’m Alive, un tema pop up-tempo compuesto y producido por Andreas Carlsson y Kristian Lundin, responsables de su hit ‘That’s The Way It Is’. En este tema alegre e inspirador, Céline declara sentirse libre, viva y realizada como madre y a lo largo de los años se ha convertido en uno de sus temas más representativos, siendo interpretado en la mayoría de sus giras de conciertos posteriores. ‘I’m Alive’ resultó un éxito moderado en las listas de venta y ocupó el top 10 en Alemania y Francia y el top 20 en Reino Unido y España. Como tercer y último single del álbum se lanzó Goodbye’s (The Saddest Word), una emotiva balada producida por Robert ‘Mutt’ Lange (el marido de Shania Twain y responsable de todos sus éxitos) en la que Céline Dion habla sobre el incondicional amor de las madres a sus hijos y la pérdida de los seres queridos. 

Pese al gran potencial que tenía el álbum, Céline Dion sólo lanzó 3 singles y no realizó una extensa promoción del álbum a excepción de los primeros meses ya que en 2003 la cantante se embarcó en su residencia de Las Vegas ‘A New Day…’, la cual se mantuvo durante casi 5 años de continuo éxito y se ha convertido en la residencia más rentable de la historia de la ciudad del pecado. Mi tema favorito de «A New Day Has Come» y que debería haber sido lanzado como single es ‘I Surrender’, la balada más sobresaliente del álbum (posiblemente una de las mejores de toda su trayectoria) y que incluye una ejecución vocal excepcional por parte de Céline Dion. Esta balada orquestal compuesta por Louis Biancaniello y Sam Watters destaca por el dramatismo en la interpretación de Céline y proclama su amor incondicional hacia su pareja. Otros de los temas más destacados del álbum son ‘When The Wrong One Loves You Right’, un marchoso y pegadizo tema pop/R&B en el que Céline declara que cuando la persona equivocada te ama de la manera adecuada no puedes dejar escapar ese amor y que es mi canción up-tempo preferida, ‘Sorry For Love’, un tema dance-pop muy del estilo de Cher, ‘Super Love’, un coqueto tema mid-tempo R&B o ‘Aún Existe Amor’, la versión en español de la clásica balada de ‘L’amour Existe Encore’. Merece la pena comentar que la emotiva balada a piano ‘Have You Ever Been In Love’ fue incluida posteriormente en su siguiente álbum en inglés «One Heart» y lanzada como segundo single.

«A New Day Has Come» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el cuarto trabajo de Céline Dion que alcanza el #1 en Estados Unidos (tras «Falling Into You», «Let’s Talk About Love» y «All The Way… A Decade of Songs») y fue certificado triple platino por ventas superiores a los tres millones de copias en Estados Unidos. A nivel mundial también tuvo un desempeño comercial muy positivo: ocupó el #1 en más de 15 países de todo el mundo incluyendo Canadá, Francia o Reino Unido y acabó vendiendo más de 12 millones de copias. En resumen, «A New Day Has Come» es uno de los álbumes más sólidos de la carrera de Céline Dion por su cuidada y elegante producción, su sonido más actual, la magnífica ejecución vocal de la cantante y su perfecto compendio entre sus clásicas baladas y temas up-tempo que nos muestran su lado más bailable. Temas imprescindibles: I Surrender, A New Day Has Come, When The Wrong One Loves You Right, I’m Alive, Super Love y Have You Ever Been In Love. Puntuación: 9/10.

Crítica de «FutureSex/LoveSounds» de Justin Timberlake

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futuresex-lovesounds-deluxe-editionDurante sus días en N’Sync, Justin Timberlake destacó por encima de sus compañeros por su gran carisma, simpatía y sus dotes como cantante, compositor y ‘showman’, por ello resultaba una evolución natural que se lanzara como artista en solitario. En noviembre de 2002 vio la luz el primer álbum de Justin como solista, titulado Justified, el cual recibió buenas críticas por su madurez y su nuevo sonido, tuvo un gran rendimiento comercial (superó los 10 millones de copias en todo el mundo) y ganó dos premios Grammy. Tras su polémica actuación junto a Janet Jackson en el intermedio de la Super Bowl de 2004 Justin desarrolló su faceta de actor y participó en varias películas y en 2006 publicó su segundo álbum de estudio, FutureSex/LoveSounds, cuatro años después de su disco debut. Mientras que «Justified» contaba con la producción de The Neptunes y Timbaland, para este nuevo trabajo el dúo formado por Chad Hugo y Pharrell Williams no pudo trabajar con el cantante de Memphis por problemas de agenda por lo que el disco fue principalmente producido por Timbaland junto a su habitual colaborador Danja, con producción adicional de Will.I.Am o Rick Rubin. «FutureSex/LoveSounds» está inspirado en la música de Prince o David Bowie (dos de sus mayores ídolos) y resulta un proyecto muy ambicioso ya que algunas de las canciones presentes contaban con interludios o preludios de similar instrumentación que hacían que superaran los 5 o 6 minutos de duración. Este álbum comparte el estilo pop/R&B presente en «Justified», sin embargo incorpora un sonido más vanguardista y arriesgado que incluye electropop y dance-pop además de influencias funk, Disco o Hip Hop. La primera parte del disco se centra en el tema del sexo y está compuesta por canciones up-tempo mientras que la segunda profundiza en la temática del amor y contiene en su mayoría baladas y medios tiempos. «FutureSex/LoveSounds» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con más de 680 mil copias vendidas en la primera semana, un gran incremento con respecto a su primer trabajo y acabó siendo certificado 4 veces platino en Estados Unidos con casi 5 millones de ejemplares vendidos. En el resto del mundo también cosechó un gran éxito: alcanzó el #1 en Reino Unido, Australia y Canadá y superó los 10 millones a nivel mundial, igualando el excepcional rendimiento comercial de «Justified».

El single presentación del álbum fue SexyBack, un enérgico tema electropop y dance-pop en el que la voz de Justin aparece sintetizada y prácticamente irreconocible y cuenta con la colaboración no acreditada de Timbaland. Este tema es una declaración de intenciones por parte de Justin de revitalizar la música pop con un sonido más provocador y destaca por sus letras sexualmente muy explícitas. ‘SexyBack’ se convirtió en el primer #1 del cantante en Estados Unidos y también obtuvo un éxito masivo en Australia y Reino Unido, donde llegó a lo más alto de las listas de venta. Como segundo single se lanzó My Love, un medio tiempo electro-R&B que destaca por la voz en ‘falsetto’ de Justin y cuenta con la colaboración del rapero T.I. En ‘My Love’ Justin muestra su vulnerabilidad en el amor y su deseo de un compromiso de por vida con su pareja. Este single tuvo un buen desempeño comercial y alcanzó nuevamente el #1 en la lista americana. El tercer single fue What Goes Around… Comes Around, un medio tiempo R&B de melodía hipnótica con la clásica producción de Timbaland y cuyas letras hablan sobre el karma, la traición y las consecuencias de la infidelidad en una relación, ya que explora la la idea de que el dolor que una persona inflige a los demás finalmente volverá a ellos. Pese a que ‘What Goes Around… Comes Around’ fue considerado como una secuela de su hit ‘Cry Me a River’, Justin afirmó que sus letras estaban inspiradas en la situación por la que pasó un amigo suyo. Este tema es uno de los más sobresalientes del álbum, dura más de 7 minutos y está compuesto por ‘What Goes Around’ y un preludio al final de la canción titulado ‘Comes Around’ con la participación de Timbaland. Al alcanzar este single el #1 en la lista americana, Justin se convirtió en el primer cantante desde Usher en lograr que los tres primeros singles de un álbum alcanzaran el #1 en Estados Unidos.

Ya en 2007 llegó el cuarto single, LoveStoned, que se trata de un marchoso tema R&B con elementos funk y dance-pop que cuenta con unas sugerentes letras en las que Justin compara el enamoramiento y la atracción por alguien que conoces en el club con estar bajo la influencia de las drogas. Coincidiendo con la reedición del álbum se lanzó como quinto single Until the End of Time en una nueva versión a dúo con Beyoncé. ‘Until the End of Time’ es una emotiva balada Soul y R&B que habla sobre encontrar refugio y consuelo en tu pareja en medio de un mundo caótico y oscuro. La canción se centra en el escapismo de las adversidades y problemas cotidianos y Justin promete amar a su pareja incondicionalmente hasta el final de los tiempos. Aunque originalmente no estaba planeado su lanzamiento como single, la buena acogida de Summer Love por parte del público hizo que ascendiera en las listas de venta de Estados Unidos (alcanzó el #6) y se lanzara como último single del disco. ‘Summer Love’ es un medio tiempo pop/R&B que cuenta con una variada instrumentación (teclado, batería, guitarra y piano) y habla del clásico amor de verano. La elección de los singles fue muy acertada ya que representan la esencia del álbum, sin embargo también merece la pena mencionar ‘Losing My Way’ un medio tiempo R&B que cuenta con un coro Gospel al final de la canción y cuyas letras exploran temas como la adicción, autodestrucción o pérdida de identidad personal, ‘Sexy Ladies’, un tema funk influenciado por el estilo de Prince que habla de admirar a mujeres atractivas en la pista de baile y o ‘Chop Me Up’, el tema más Hip Hop del álbum y que cuenta con la participación de Timbaland y el grupo de raperos Three 6 Mafia.

Los 6 singles que se lanzaron en Estados Unidos ocuparon el top 20 en la lista de ventas (tres de ellos #1), lo que denota el grado de éxito que cosechó el segundo álbum de Justin Timberlake. Además de recibir buenas críticas de los expertos musicales por su evolución musical y la gran producción de Timbaland, el álbum recibió 4 nominaciones a los premios Grammy y aunque perdió en categorías como mejor álbum del año y mejor actuación vocal pop, ganó el premio a mejor grabación Dance por ‘SexyBack’ y mejor colaboración rap/cantado por ‘My Love’. En 2008 volvió a recibir otras tres nominaciones en los Grammy y ganó dos premios: mejor actuación vocal pop por ‘What Goes Around…’ y mejor grabación Dance del año por ‘LoveStoned’. «FutureSex/LoveSounds» de Justin Timberlake supuso una fuente de inspiración para otros artistas pop por su moderno y ecléctico sonido urbano/electrónico y destaca por la gran química existente entre Timbaland y el cantante de Tennessee (juntos seguirían trabajando en otra obra maestra como «The 20/20 Experience»). Sin duda uno de los mejores álbumes de la década del 2000 y personalmente mi favorito dentro del excelente catálogo de Justin. Temas imprescindibles: What Goes Around… Comes Around, My Love, Summer Love, LoveStoned, SexyBack y Losing My Way. Puntuación: 9/10.