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Crítica de «Cowboy Carter» de Beyoncé

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Cowboy CarterEn el año 2022 Beyoncé nos sorprendía con Renaissance, su séptimo álbum de estudio, que suponía el primer acto de una trilogía que grabó durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y en el que rendía homenaje a los pioneros afroamericanos de la música de baile. Este álbum profundizaba en los géneros Dance, Disco y House, pero se trataba de un trabajo muy variado que incorporaba elementos R&B, funk o Soul y contaba con numerosos samplers de famosas canciones. Tras el éxito de la gira promocional de «Renaissance», la cantante de Houston (Texas) ha regresado al panorama musical con el segundo acto de la trilogía, aunque fue el primero en ser grabado. En Cowboy Carter, su octavo trabajo discográfico, Beyoncé ha decidido recuperar sus raíces sureñas y profundizar en el género Country y la música tradicional americana. Mientras que en su anterior álbum rendía tributo a los pioneros afroamericanos de la música de baile, en esta ocasión celebra las raíces negras del Country. La cantante sólo había experimentado con dicho género anteriormente en el tema ‘Daddy Lessons’ perteneciente a su álbum «Lemonade». Beyoncé ha declarado que la inspiración de hacer un álbum de estilo Country proviene de su controvertida actuación de ‘Daddy Lessons’ junto a The Chicks en la gala de los Country Music Awards de 2016, en la cual sintió que no era aceptada por ser una mujer de color y se encontró fuera de lugar entre un público eminentemente blanco. Pese a que el Country es considerado un coto cerrado y un género reacio a aceptar a artistas que no encajan dentro de sus cánones, Beyoncé no es la primera cantante afroamericana que decide incursionar en él, ya que K. Michelle declaró hace tiempo su intención de abandonar la música R&B para entrar de lleno en el Country (que es el tipo de música que le influenció desde pequeña debido a su procedencia de Memphis) y tiene previsto publicar su debut dentro de dicho género este mismo año. «Cowboy Carter» se trata de un álbum muy extenso, formado por 27 temas encuadrados dentro del Country (con ciertos elementos R&B, pop/rock, folk, Soul o Blues) y producidos por The Dream, Raphael Saadiq, Swizz Beatz o Pharrell Williams entre otros. Entre los artistas invitados en «Cowboy Carter» encontramos a Post Malone, Miley Cyrus y jóvenes promesas del género como Brittney Spencer o Reyna Roberts, mientras que leyendas del Country como Willie Nelson, Dolly Parton o Linda Martell hacen su aparición en los interludios del álbum a modo de DJ’s de una radioemisora de música Country.

El pasado mes de febrero, siguiendo una fórmula similar a la utilizada en su álbum «I Am… Sasha Fierce», Beyoncé lanzó dos singles muy diferentes como adelanto de su nuevo trabajo discográfico. El primero de ellos fue Texas Hold ‘Em, un tema up-tempo Country-pop con influencias folk y Soul cuyo título hace referencia a una de las variaciones más populares del juego de póker y en el que Beyoncé celebra las raíces negras de la música Country y rinde homenaje a sus orígenes sureños. ‘Texas Hold ‘Em’ ha recibido buenas críticas de los expertos musicales por la versatilidad vocal de Beyoncé en el tema y ser el responsable de ampliar el público potencial de este tipo de música gracias a su éxito comercial. En mi opinión es un tema pegadizo pero que no aporta nada al género ni resulta innovador. Por su parte, 16 Carriages se trata de una balada de estilo Country en la que la cantante texana describe la vida de carretera durante las giras de conciertos, pero también da detalles de la relación de sus padres cuando era joven y describe sus experiencias de adolescente cuando formaba parte de Destiny’s Child. Mientras que ‘Texas Hold ‘Em’ ha ocupado el #1 en importantes listas de venta como Estados Unidos, Canadá o Reino Unido, supera los 200 millones de escuchas en Spotify y se ha convertido en uno de los éxitos de la temporada, ’16 Carriages’ ha despertado menos interés por parte del público y apenas ha alcanzado el top 50 en Estados Unidos o Reino Unido. Cabe destacar que ’16 Carriages’ ha ocupado el top 10 en el componente Hot Country Songs de la lista americana Billboard, que supone la segunda entrada de Beyoncé en dicha lista tras el #1 de ‘Texas Hold ‘Em’, lo cual se puede considerar un gran logro para una artista afroamericana. 

Es imposible reseñar todos los temas del álbum debido a su larga extensión, por lo que comentaré los más interesantes en mi opinión. Hay dos canciones con potencial para convertirse en futuros singles: ‘II Most Wanted’, un tema pop/rock y Country-pop de carácter downtempo que cuenta con la colaboración de Miley Cyrus y en el que ambas cantantes hablan de su estatus en la industria musical y ‘Levi’s Jeans’, en el que aparece Post Malone como artista invitado y cuyas letras se alejan de la habitual temática Country para mostrar el lado más sensual de la cantante, quien hace referencia a la famosa marca de pantalones vaqueros (de la que fueron imagen Destiny’s Child durante un tiempo). Uno de los temas más accesibles y pegadizos es ‘Bodyguard’, que deja a un lado el sonido tradicional presente en el álbum para sumergirse en una atmósfera más relajada y en cuyas letras Beyoncé le ofrece a su pareja la protección que podría darle un guardaespaldas. Merece la pena reseñar ‘Tyrant’, que llama la atención por su base de Trap, la melodía de armónica distorsionada y su sonido urbano, pero destaca por sus reveladoras letras en las que la cantante nuevamente hace referencia a la infidelidad de su marido y sigue exigiendo una disculpa por parte de la amante. Al igual que en «Renaissance», encontramos numerosos samplers y referencias a conocidos temas: ‘Blackbird’ es una versión del tema de los Beatles compuesto por John Lennon y Paul McCartney, ‘Ya Ya’ samplea el famoso tema ‘My Boots Are Made for Walkin’ de Nancy Sinatra y ‘Jolene’ es un cover del popular tema de Dolly Parton aunque con sus letras ligeramente modificadas.

A lo largo de su extensa trayectoria profesional, Beyoncé ha experimentado con géneros musicales tan diversos como el R&B, dance-pop, funk, Soul, Hip Hop o electropop y es de alabar su versatilidad como artista al aproximarse en esta ocasión al Country, pero en mi opinión no es el género que mejor se adapta a su voz, la cual encaja mejor dentro de la música negra. Además, el acercamiento de Beyoncé al Country no resulta genuino o auténtico, ya que pese a sus orígenes sureños nunca ha expresado verdadero interés por este género ni ha mencionado a artistas de Country entre sus referencias musicales. Los puntos fuertes de «Cowboy Carter» son la magnífica ejecución vocal de Beyoncé, la rica y variada instrumentación y su cuidada producción, sin embargo no es el mejor trabajo de su trayectoria ya que resulta excesivamente largo, contiene interludios innecesarios y en ciertos momentos resulta monótono y repetitivo. Esperaremos al tercer acto para descubrir la nueva re-invención de Beyoncé (presumiblemente dentro del rock). Temas imprescindibles: Tyrant, Bodyguard, Texas Hold ‘Em, 16 Carriages, II Most Wanted y Levi’s Jeans. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Las Mujeres Ya No Lloran» de Shakira

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Las Mujeres Ya No LloranNo suele ser habitual en el mundo de la música que una artista veterana como Shakira, con más de tres décadas de carrera a sus espaldas, protagonice un resurgimiento tan espectacular y viva uno de sus mejores momentos profesionales a los 45 años (teniendo en cuenta el edadismo presente en el panorama musical actual). Tras varios años siendo protagonista de la prensa del corazón por su sonada ruptura con Gerard Piqué, al cual le ha dedicado una sucesión de canciones que no le dejaban en buen lugar, este mes de marzo Shakira ha publicado su duodécimo álbum de estudio, titulado Las Mujeres Ya No Lloran en referencia a la icónica frase incluida en su famosa sesión junto a Bizarrap. El nuevo álbum de la cantante colombiana se trata de un trabajo musicalmente muy ecléctico que explora géneros tan diferentes como electropop, dance-pop, Latin-pop, reggaeton, pop/rock o música tradicional mexicana y está formado por 17 temas compuestos por la propia Shakira y en los que aparecen numerosos artistas invitados. Su último álbum de estudio, «El Dorado», vio la luz 2017, lo que supone el lapso más amplio entre dos álbumes dentro de la trayectoria de Shakira. En «Las Mujeres Ya No Lloran», la cantante de Barranquilla describe los altibajos personales y sentimentales que ha vivido durante estos últimos años y le han convertido en una mujer fuerte y empoderada. Según sus propias palabras, grabar este álbum ha resultado un proceso terapéutico que le ha servido para recomponerse y sanar las heridas emocionales, «convirtiendo las lágrimas en diamantes». Todos los singles que ha ido lanzando Shakira durante estos últimos años, además de sus colaboraciones con otros artistas, están incluidos en «Las Mujeres Ya No Lloran», por lo que en el momento del lanzamiento 7 de los 17 temas presentes ya eran conocidos por parte del público, lo cual limitaba en parte el factor sorpresa. En la segunda mitad del álbum aparecen recopilados todos los singles lanzados hasta la fecha, los cuales relatan los difíciles momentos por los que ha pasado la cantante colombiana a raíz de su divorcio con Gerard Piqué y muestran sentimientos de dolor, despecho, rabia y angustia tras la ruptura y el fin de su matrimonio. En la primera mitad encontramos los temas inéditos, en los que podemos apreciar que el tiempo va curando las heridas y desaparece el resentimiento en favor de canciones algo más optimistas con una Shakira abierta al amor y a rehacer su vida, aunque todavía encontramos un poso melancólico en sus letras.

Para dar con el primer single de este proyecto tenemos que retroceder a mediados del 2022, cuando vio la luz Te Felicito, un tema mid-tempo de estilo electropop y reggaeton que cuenta con la colaboración del puertorriqueño Rauw Alejandro. ‘Te Felicito’ suponía el primero de los tres temas dedicados a su ruptura con Gerard Piqué y le acusaba de tener doble cara y no haber sido sincero durante la relación. ‘Te Felicito’ resultó un éxito comercial: alcanzó las primeras posiciones en las listas de venta de Latinoamérica, llegó a penetrar en la lista Billboard y se ha convertido en una de las canciones de Shakira más populares en las plataformas musicales. El segundo single fue Monotonía, en cuyas letras la cantante culpa a la monotonía en su matrimonio y el narcisismo de Piqué como las causas del fin de su relación con el futbolista. En el aspecto musical, ‘Monotonía’ se trataba de una bachata con la participación de Ozuna como artista invitado. Tras la gran acogida de los dos primeros singles, Shakira participó en una de las famosas sesiones del productor argentino Bizarrap. En la sesión 53 de Bizarrap, la canción más explícita de la trilogía dedicada a su relación con Piqué, Shakira lanzaba dardos envenenados no sólo al futbolista, sino a su nueva pareja («tiene nombre de persona buena pero es igualita que tú») y a su madre («me dejaste de vecina a la suegra») y le acusaba de sus problemas con la hacienda española. Este tema, que contiene la famosa frase «las mujeres ya no lloran, las mujeres facturan», acaparó la atención del público y ocupó los titulares de la prensa del corazón por el carácter personal de las letras y las reveladoras confesiones sobre su ex, pero también recibió críticas negativas por su naturaleza vengativa y rencorosa. Este single resultó un auténtico éxito comercial y ocupó las primeras posiciones en las listas de venta (incluso fue top 10 en Estados Unidos) y alcanzó cifras astronómicas de streaming.

Shakira Las MujeresTras la exitosa sesión junto a Bizarrap llegó el dueto de Karol G y Shakira en TQG (‘Te Quedó Grande’), originalmente incluido en el último trabajo de Karol G y que se trata de un tema de reggaeton en el que las dos cantantes colombianas relatan cómo sus respectivas ex-parejas intentan volver con ellas, pero ya no están interesadas y muestran una cierta superioridad moral al declarar que no van a competir con sus nuevas novias por ellos. ‘TQG’ continuó la excelente racha comercial de Shakira: alcanzó el #1 en España, consiguió su segundo top 10 consecutivo en la lista americana y acumula casi mil millones de reproducciones en Spotify. Luego llegaron varios singles poco inspirados y que tuvieron un menor impacto comercial: Copa Vacía, un tema de reggeaton muy genérico que cuenta con la colaboración de Manuel Turizo y El Jefe, uno de los pocos temas que no habla de la relación con Piqué (aunque hace referencias a su ex-suegro) y se trata de una canción encuadrada en la música tradicional mexicana que habla de las condiciones salariales y las injusticias en el trabajo. Coincidiendo con el lanzamiento de «Las Mujeres Ya No Lloran» se ha lanzado como single Puntería, la canción que abre el álbum y se trata de un tema up-tempo de estilo electropop y dance-pop con ciertas influencias Disco que cuenta con la colaboración de la neoyorquina Cardi B, quien rapea y canta en español e inglés. En ‘Puntería’ encontramos a una Shakira más optimista que ha conocido a un nuevo hombre que está intentando tener algo con ella, aunque todavía no quiere una relación seria sino pasarlo bien, mientras que Cardi B, quien también está soltera tras haberse separado recientemente de su marido, habla de un pretendiente interesado en ella y su voluptuosa anatomía. Sin duda ‘Puntería’ es una de las canciones más destacadas del álbum por su naturaleza desenfadada y su pegadizo estribillo, pero tanto el tema como su videoclip recuerdan a ‘Kiss Me More’ de Doja Cat.

Si en ‘Puntería’ parecía que Shakira había pasado página de su anterior relación, en las dos siguientes canciones observamos que todavía se acuerda de su ex-pareja y sigue teniendo sentimientos hacia él. ‘La Fuerte’ es un enérgico tema electro-House producido por Bizarrap en el que Shakira sigue pensando en su ex aunque intenta hacerse la fuerte y olvidarle, mientras que ‘Tiempo Sin Verte’ tiene influencias pop/rock y es una de las pocas canciones del álbum que recuerda a la antigua Shakira que muchos de sus fans anhelan que regrese. Merece la pena reseñar la simpática pero genérica ‘Cohete’, que habla de encontrar una nueva pareja y supone la segunda colaboración de la colombiana con Rauw Alejandro, ‘Entre Paréntesis’, una canción de desamor que incursiona de nuevo en la música tradicional mexicana y cuenta con la participación de Grupo Frontera como artistas invitados o ‘Última’, una de las pocas baladas que encontramos en el álbum, que muestra el lado más vulnerable de Shakira y es la última canción que escribe sobre Piqué.

«Las Mujeres No Lloran» se une a la larga lista de álbumes recientes que parecen una playlist más que un álbum centrado y cohesivo debido a la inclusión de numerosos singles lanzados con mucha anterioridad. Las canciones inéditas, bastante variadas musicalmente pero poco innovadoras, me han sorprendido y elevan el nivel del álbum, el cual está lastrado por los excesivos temas de despecho hacia su ex-pareja que han acabado saturando al público. Este álbum, con sus fallos, supone un evidente paso adelante con respecto a «El Dorado», que se trataba de un trabajo mediocre inundado por insípidos temas de reggeaton. Pese a que es un ‘cajón de sastre’ con temas muy diferentes entre sí y resulta un proyecto poco centrado, «Las Mujeres No Lloran» es un álbum más que digno con el que Shakira ha logrado conectar con el público más joven y ampliar su base de fans. Temas imprescindibles: Tiempo Sin Verte, Puntería, La Fuerte, Entre Paréntesis, TQG y Te Felicito. Puntuación: 7/10. 

Crítica de «Everything I Thought It Was» de Justin Timberlake

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Everything I Though I WasMientras que muchos artistas muestran una gran agilidad a la hora de publicar sus trabajos discográficos pero apenas ofrecen una evolución musical real debido al escaso margen temporal entre sus lanzamientos, Justin Timberlake suele tomarse su tiempo entre álbum y álbum, lo que le permite no sólo embarcarse en nuevos proyectos y compatibilizar su carrera de actor, sino madurar en profundidad sus nuevos trabajos. En 2018 llegó su último álbum de estudio, «Man of the Woods», en el que Justin ofrecía su lado más humano y familiar e incorporaba un cierto toque de música tradicional procedente de sus orígenes sureños como el Country o el Blues. Durante este amplio lapso de tiempo, el cantante de Memphis ha desarrollado su faceta de actor y ha colaborado en canciones de otros artistas y a finales del año pasado elevó la nostalgia colectiva cuando se reunió junto a sus compañeros de N’Sync para grabar el tema ‘Better Together’, perteneciente a la última película de la saga ‘Trolls’. 6 años después de «Man of the Woods» ha llegado Everything I Thought It Was, su sexto álbum de estudio, el cual está formado por 18 temas compuestos por el propio Justin Timberlake y producidos por importantes nombres de la industria musical como Cirkut, Louis Bell, Rob Knox, Danja, Ryan Tedder, Calvin Harris o su habitual colaborador Timbaland. El álbum está formado por un compendio de medios tiempos pop/R&B y temas up-tempo Disco/funk de corte retro. A diferencia de sus últimos trabajos, «Everything I Thought It Was» no se trata de un álbum conceptual (como «The 20/20 Experience») ni sigue una temática en particular («Man of the Woods») pero contiene la esencia de todos sus trabajos discográficos anteriores y profundiza en el amor y las relaciones sentimentales, aunque también hay espacio para temas más livianos como pasarlo bien y el sexo (reminiscencia de «FutureSex/LoveSounds»). Este álbum ha llegado en un momento complicado para Justin Timberlake, cuya reputación vuelve a estar en entredicho tras la publicación de las memorias de Britney Spears, en las que afirmaba que el cantante le fue infiel varias veces y le presionó para que abortara cuando se quedó embarazada de él. Tras las sorprendentes afirmaciones de Britney, los fantasmas de misoginia y machismo sobrevolaron de nuevo a Justin, reavivando el papel de villano del pop que le ha perseguido desde su infame actuación en la Super Bowl junto a Janet Jackson.

El single presentación del álbum ha sido Selfish, un tema mid-tempo pop/R&B en el que Justin Timberlake ofrece su lado más vulnerable y expresa la inseguridad que siente a ser reemplazado por otra persona, de ahí que se muestre celoso y egoísta en su relación. Desde sus inicios musicales, Justin ha confiado en Timbaland para producir la mayoría de sus canciones y ha sido el artífice de grandes éxitos como ‘Cry Me a River’, ‘Sexyback’ o ‘Mirrors’, sin embargo en ‘Selfish’ ha decidido trabajar con otros productores, en este caso Louis Bell y Cirkut, quienes han dado un toque fresco a su música pero sin alejarse demasiado a su estilo habitual. ‘Selfish’ ha supuesto un gran single de regreso por parte de Justin, sin embargo ha tenido un rendimiento comercial moderado y apenas ha ocupado el top 20 en Estados Unidos y el top 40 en importantes mercados como Canadá o Reino Unido. Unas semanas antes de la publicación del álbum se lanzó como sencillo promocional Drown, que se trata de un medio tiempo pop/R&B producido nuevamente por Louis Bell y Cirkut en el que Justin describe una relación obsesiva y tóxica en la que es traicionado por su pareja y se siente invadido por un sentimiento de desesperanza y decepción. Sin duda ‘Drown’ es una de las canciones más destacadas del álbum gracias a sus profundas letras, la versatilidad vocal de Justin y su elegante producción. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado el segundo single oficial, No Angels, que se trata de un marchoso tema up-tempo de sonido Disco/funk producido por Calvin Harris que sigue la fórmula de su hit ‘Can’t Stop the Feeling’ y en el que Justin juega el papel de casanova mientras hace uso de su conocido falsetto.

El álbum comienza con una auténtica declaración de intenciones por parte de Justin en ‘Memphis’, uno de los temas más honestos y en el que habla del lado negativo de la popularidad (como cansancio, dolor y soledad) y todo lo que tienes que sacrificar en el camino hacia la fama. Una de las canciones que a priori más curiosidad me causaba es ‘Paradise’, que cuenta con la participación de sus compañeros de N’Sync (principalmente JC Chasez), pero no se trata de un divertido tema de pop bailable como cabría esperar sino una balada con cierto aroma folk cuyas letras hablan del paso de tiempo y hacen referencia al largo viaje emprendido por dos personas hasta reencontrarse y estar por fin juntos. Entre los temas más interesantes encontramos ‘Fuckin’ Up the Disco’, la otra aportación de Calvin Harris al álbum y que se trata de un bailable tema de estilo Disco, ‘My Favorite Drug’, un pegadizo tema up-tempo Disco/funk o ‘Flame’, que destaca por su percusión inspirada en la marcha militar y contiene uno de los estribillos más adictivos del álbum. La excepcional química existente entre Timberlake y Timbaland no ha llegado a materializarse del todo en este trabajo y sus aportaciones no resultan especialmente llamativas u originales (los 7 minutos de ‘Technicolor’ nos remiten a «The 20/20 Experience» pero no llegan a su nivel), aunque merece la pena destacar el up-tempo ‘Infinity Sex’ o ‘What Lovers Do’, que contiene los efectos vocales tan característicos de Timothy Mosley y su melodía dispersa. Una de las baladas más destacadas es ‘Conditions’, el tema que cierra el álbum y está dedicada a su mujer, Jessica Biel, por amarle a pesar de sus defectos.

En resumen, «Everything I Thought It Was» supone un evidente paso adelante con respecto a «Man of the Woods» (en mi opinión el álbum más flojo de la discografía del artista de Tennessee) ya que está formado por un sólido conjunto de canciones que capturan a la perfección la esencia de Justin Timberlake y contienen elementos de sus mejores trabajos. Pese a ser un álbum bastante extenso y contar con varias canciones de larga duración que tanto le gustan a Justin, no encontramos apenas temas de relleno y resulta un trabajo ameno y agradable de escuchar por su acertada secuencia de canciones, que va alternando medios tiempos y temas up-tempo. En definitiva, «Everything I Thought It Was» es uno de los álbumes más interesantes del 2024 hasta la fecha y supone una gran adición a la magnífica discografía del cantante. Temas imprescindibles: Drown, Selfish, No Angels, Flame, My Favorite Drug y Paradise. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Eternal Sunshine» de Ariana Grande

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Eternal SunshineEl ritmo de trabajo de Ariana Grande durante sus primeros años en el mundo de la música fue frenético y en apenas un lapso de 8 años publicó hasta 6 álbumes de estudio, recuperando los tiempos que manejaba Rihanna durante su apogeo en el panorama musical en la década del 2000. Apenas 7 meses después del lanzamiento de «Sweetener» llegó «Thank U, Next» y año y medio más tarde vio la luz «Positions», lo que hizo que la cantante americana tuviera una presencia máxima en radios y listas de venta de todo el mundo y gozara de una tremenda popularidad, pero también llegó a saturar al público con lanzamientos muy cercanos en el tiempo, además de recibir algunas críticas por no mostrar una excesiva evolución musical debido al escaso margen de tiempo entre álbum y álbum. Por ello, tras la promoción de «Positions», Ariana Grande decidió tomarse un merecido descanso, que le ha servido para digerir la descomunal fama adquirida durante estos últimos años, superar el trauma que sufrió tras el ataque terrorista en uno de sus conciertos y lidiar con la muerte de un ser querido. Tras un tiempo alejada del panorama musical (durante el cual ha grabado un remake del musical «Wicked»), la cantante de Florida regresó el pasado mes de enero con el single Yes, And?, que hace un guiño a su famoso tema ‘Thank U, Next’ y en él responde a las numerosas críticas que ha sufrido durante los últimos tiempos por su cambio de apariencia, su gran pérdida de peso y su reciente divorcio, convirtiéndose en un himno de empoderamiento. ‘Yes, And?’ marca una divergencia con respecto al estilo pop/R&B de sus últimos trabajos y se adentra en un sonido Dance/House muy ochentero, reminiscencia de «Renaissance», el último trabajo de Beyoncé, aunque la verdadera inspiración de este tema ha sido el famoso tema ‘Vogue’ de Madonna y la música de baile de los años 80 y 90. Para este single Ariana ha confiado en sus habituales colaboradores Max Martin e Ilya. ‘Yes, And?’ debutó directamente en el #1 de la lista americana, convirtiéndose en el octavo single ‘chart topper’ de Ariana Grande (sexto que entra directo a lo más alto de la lista Billboard). En el resto del mundo también ha tenido un buen desempeño comercial y ha ocupado el top 10 en la listas de venta de Australia, Francia, Alemania o Reino Unido. Un mes más tarde se lanzó un remix de ‘Yes, And?’ con la colaboración de Mariah Carey, ídolo de Ariana desde sus inicios y cuya música inspiró su primer trabajo discográfico.

Este single forma parte del séptimo álbum de estudio de Ariana Grande, que ha visto la luz tres años y medio después de «Positions», lo que marca el lapso de tiempo más largo entre dos álbumes de toda su carrera. Eternal Sunshine está formado por 13 temas compuestos por la propia Ariana bajo la producción de Max Martin e Ilya, quienes han sido los artífices de varios de sus mayores éxitos como ‘Problem’, ‘Into You’ o ‘Break Up with Your Girlfriend’. El álbum está formado principalmente por medios tiempos pop/R&B en la línea de sus últimos trabajos, pero a diferencia de «Positions», resulta un álbum más diverso y encontramos varios temas up-tempo de estilo dance-pop y synth-pop. El reciente divorcio de Ariana y el agente inmobiliario Dalton Gomez y el posterior proceso de curación han inspirado las letras de las canciones presentes en «Eternal Sunshine», el cual muestra el lado más vulnerable, sensible y personal de la cantante y lo convierte en una versión más sofisticada y elevada de sus álbumes anteriores. El título del álbum hace un guiño al film de drama romántico «Eternal Sunshine of Spotless Mind» (protagonizado por Jim Carrey y Kate Winslet), que es una de las películas favoritas de Ariana. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado el segundo single, We Can’t Be Friends (Wait for Your Love), que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop y electropop en cuyas letras Ariana habla sobre la difusa línea que existe entre la amistad y el romance, además de hacer referencia a la complicada relación de la cantante con el ojo público y la prensa. ‘We Can’t Be Friends’, que guarda ciertas similitudes con ‘Dancing On My Own’ de la cantante sueca Robyn, ha recibido excelentes críticas por parte de los expertos musicales por su naturaleza bailable, sus emotivas letras y la gran ejecución vocal de Ariana.

Junto a los dos singles lanzados, el otro tema up-tempo es ‘Bye’, que cuenta con influencia Disco y cuyas letras hacen referencia a su reciente divorcio y cómo no es la primera vez que se enfrenta a los sentimientos de pérdida y dolor emocional. La canción que a priori más expectación me causaba por su título era ‘The Boy Is Mine’ (una de mis canciones favoritas de todos los tiempos) pero por fortuna no se trata de la versión del icónico single de Brandy y Monica, sino un tema mid-tempo pop/R&B marca de la casa en el que Ariana confiesa que está tratando de resistir el impulso de estar con un hombre casado pero finalmente cede porque está enamorada de él y están destinados a estar juntos. El álbum abarca los diferentes estadios por los que ha pasado la artista durante los últimos años: en ‘Don’t Wanna Break Up Again’ le expresa a su amante el daño mutuo que se están haciendo en la relación y supone un himno de resiliencia y optimismo, en ‘True Story’ rechaza las falsas promesas que le hace su pareja y reafirma su independencia y respeto por sí misma y en ‘Supernatural’ afirma que se está recuperando de la ruptura sentimental y está preparada para amar de nuevo. También resulta interesante la canción titular, ‘Eternal Sunshine’, en la que Ariana hace frente al final de su relación y destapa una infidelidad por parte de su marido.

Sin alejarse demasiado del estilo habitual de Ariana Grande y manteniendo intacta su esencia, «Eternal Sunshine» resulta más variado y ameno de escuchar que «Positions» (el cual pecaba de ser monótono y lineal por su abundancia de medios tiempos) debido a la acertada secuencia de canciones y la inclusión de varios temas up-tempo. «Eternal Sunshine» supone un avance cualitativo con respecto al anodino «Positions» y sus puntos fuertes son el componente lírico, la magistral producción de Max Martin y la excelente ejecución vocal de la cantante, sin embargo no encontramos canciones especialmente llamativas o que destaquen sobre el resto, con la excepción de los dos singles. En palabras de la propia Ariana Grande, este álbum no estaba originalmente en sus planes y surgió de manera natural y espontánea durante unas breves sesiones de grabación junto a Max Martin una vez que acabó sus compromisos en «Wicked», pero en ningún caso se trata de un trabajo precipitado o mal acabado, ya que nos encontramos ante un sólido álbum post-divorcio cuyas canciones exploran su lado más vulnerable y sensible. Sin duda uno de los álbumes más destacados de este 2024 hasta la fecha. Temas imprescindibles: We Can’t Be Friends, Yes And?, The Boy Is Mine, Bye, Don’t Wanna Break Up Again y Supernatural. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Nu King» de Jason Derulo

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Nu KingJason Derulo se ha caracterizado por ser un artista especializado en singles más que en álbumes, ya que a lo largo de su trayectoria musical ha vendido más de 250 millones de singles en todo el mundo y cuenta con una decena de singles certificados multiplatino como ‘Whatcha Say’, ‘In My Head’, ‘Talk Dirty’ o ‘Want to Want Me’ entre otros, sin embargo las ventas de sus álbumes han sido bajas y no han destacado por tener un rendimiento comercial especialmente llamativo. Esto se debe a que la base de fans del cantante americano es un público joven que consume su música a través del streaming de sus temas en plataformas musicales y en menor medida por sus álbumes. En 2015 llegó su último álbum, Everything Is 4, el cual tuvo un impacto comercial moderado aunque contó con el hit single ‘Want to Want Me’, que alcanzó el #1 en Reino Unido y el top 5 en los principales mercados musicales y acaba de superar los mil millones de escuchas en Spotify. El cantante de Florida publicó en 2019 el EP «2Sides», que suponía la primera parte de un proyecto que finalmente no vio la luz y precipitó su salida de la discográfica Warner debido a diferencias creativas. Este mes de febrero Jason Derulo ha sido noticia por haber publicado su quinto álbum de estudio, Nu King, que sigue los pasos de Chris Brown (experto en álbumes de larga extensión) y está formado por un mastodóntico conjunto de 27 canciones que incluyen la mayoría de los singles lanzados durante estos últimos años. «Nu King» se trata de un álbum muy ecléctico que explora estilos tan diferentes como el dance-pop, R&B, electropop, Hip Hop, Trap o Dancehall, destaca por el uso de numerosos samplers de canciones famosas y cuenta con la participación de una larga lista de artista de invitados entre los que se encuentran Michael Bublé, Nicki Minaj, Adam Levine, Meghan Trainor, Gucci Mane, Quavo o French Montana entre otros.

Para dar con el single más antiguo incluido en «Nu King» tenemos que remontarnos hasta el año 2017, algo totalmente insólito y sorprendente. Me refiero a Swalla, un marchoso tema Dancehall con melodía caribeña e influencias Hip-Hop que cuenta con la colaboración de Nicki Minaj y Ty Dolla Sign, quienes le dan un toque urbano a la canción. ‘Swalla’, producido por su habitual colaborador Ricky Reed, seguía la temática sexual y las letras de alto voltaje presentes en los recientes singles de Jason. Este single tuvo un buen desempeño comercial y se ha convertido en uno de sus temas más populares en las plataformas musicales (supera los mil millones de escuchas en Spotify). Tras ‘Swalla’ llegó Tip Toe, que cuenta con el rapero French Montana como artista invitado y seguía el sonido caribeño del anterior single, tan de moda durante aquellos años. Durante la pandemia, Jason nos animó con Take You Dancing, un marchoso tema dance-pop en el que nuevamente se mete en su papel de casanova mientras intenta llevar a la cama a una chica que le gusta. Este single resultó un tremendo éxito comercial: alcanzó el top 10 en las listas de venta de Reino Unido o Australia y se ha convertido en uno de los singles más exitosos de la discografía reciente del cantante, con 700 mil millones de reproducciones en Spotify. Jason siguió siendo el rey de las pistas de baile con Acapulco, otro tema up-tempo de sonrojantes letras que no ofrecía nada nuevo u original al panorama musical pero con el que siguió acumulando ingentes cifras de streaming.

El álbum incluye singles más recientes como Hands on Me, en el que participa Meghan Trainor (con quien ya trabajó en su anterior álbum), contiene un sonido doo-wop muy del estilo de la artista invitada y samplea el clásico ‘Stand By Me’. Previo a la publicación del álbum fue lanzado como single Spicy Margarita, que cuenta con una sorprendente e inesperada colaboración, Michael Bublé, quien a priori podría parecer que está en las antípodas del estilo de Derulo. Este llamativo tema combina el habitual sonido dance-pop de Jason con el estilo de crooner de Bublé y nuevamente hace uso de un famoso sampler, en este caso del famoso mambo ‘¿Quién Será?’ (conocido por su versión en inglés, ‘Sway’). En contraste con la naturaleza up-tempo y bailable de los singles lanzados, la mayor parte de los temas inéditos son de carácter mid-tempo o baladas, que nos recuerdan la esencia del Jason Derulo de sus primeros álbumes. Merece la pena reseñar la balada ‘U + I’, que describe una relación complicada que se desmorona, el tema mid-tempo ‘Lie to Me’, que muestra el lado más emotivo de Jason y nos permite apreciar su bonita voz o ‘Underwater’, una romántica balada que cuenta con la presencia no acreditada de la actriz y cantante Alexandra Shipp. Dentro de los temas up-tempo merece la pena reseñar ‘Slow Low’, un tema Latin-pop con uso prominente de guitarra española y trompeta que cuenta con varios cambios de ritmo, ‘Down’, un enérgico tema dance-pop producido por David Guetta que samplea el clásico de los 90 ‘Get Get Down’ o ‘Don’t Go Nowhere’, que cuenta con una interesante producción synth-pop muy ochentera.

«Nu King» no es un álbum de baja calidad, pero más que un proyecto centrado y coherente parece una playlist con todos los singles que ha ido lanzado el cantante de Florida durante estos últimos años. Los temas presentes en «Nu King» son tremendamente diferentes entre sí y han sido lanzados con muchos años de diferencia, por lo que no tienen una conexión ni siguen un concepto que los unan. En «Nu King» no vamos a encontrar letras profundas o brillantes composiciones, sino un conjunto de canciones entretenidas y bailables sin más pretensión que pasar un buen rato. Es innegable que Jason Derulo es un solvente vocalista además de un excelente bailarín y un gran showman, pero no ha demostrado demasiada integridad artística con su nuevo álbum al incluir temas de hace más de un lustro que acumulan reproducciones millonarias e incrementarán notablemente las ventas del álbum. Temas imprescindibles: Take You Dancing, Lie to Me, Don’t Go Nowhere, Hands on Me, Slow Low, Swalla, Tip Toe y Spicy Margarita. Puntuación: 7/10.

Crítica del álbum debut de Mariah Carey

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Mariah Carey albumEn cada generación aparecen un cierto número de artistas que sobresalen por encima del resto gracias a su excepcional talento y su música perdura a lo largo del tiempo. Una de ellas es sin duda Mariah Carey, quien conquistó al público de la década de los 90 gracias a su increíble voz y sus románticas baladas. Con apenas 19 años, Mariah empezó haciendo coros para la cantante Brenda K. Starr y tras grabar una demo con varias canciones llamó la atención del magnate musical Tommy Mottola, quien impresionado por sus excelentes habilidades vocales y su gran potencial se apresuró a ficharla en su discográfica. El álbum debut de la joven artista, titulado simplemente Mariah Carey, vio la luz en junio de 1990 y está formado por un compendio de baladas pop/R&B y varios temas up-tempo de estilo dance-pop. La cantante de Long Island (Nueva York) compuso las 11 canciones presentes en el álbum junto a Ben Margulies y contó con la producción de Ric Wake, Rhett Lawrence y Narada Michael Walden. Los 4 singles lanzados del álbum alcanzaron el #1 en la lista Billboard, convirtiendo a Mariah Carey en la primera artista desde el grupo The Jackson 5 en tener 4 sencillos de un mismo trabajo que llegaban a lo más alto de la lista americana. «Mariah Carey» debutó en la parte baja de la lista americana del álbumes pero meses más tarde, gracias al éxito de los tres primeros singles y la participación de la joven cantante en los premios Grammy, ascendió al #1 y permaneció durante 11 semanas en lo alto de la lista Billboard, todo un récord para una recién llegada al mundo de la música. El álbum vendió 5 millones de copias físicas en Estados Unidos y fue certificado 9 veces platino, convirtiéndose en el álbum más vendido en tierras americanas durante el 1991. En el resto del mundo no tuvo un impacto comercial tan espectacular pero alcanzó el top 10 en Australia, Suecia o Reino Unido y obtuvo unas ventas totales de 15 millones a nivel mundial.

El single presentación del álbum fue Vision of Love, una fantástica balada pop/R&B con influencias Soul y Gospel compuesta por Mariah Carey junto a Ben Margulies y producida por Rhett Lawrence y Narada Michael Walden. Esta canción destaca por el registro silbido y el uso de melisma por parte de artista neoyorquina, pero también por sus inspiradores letras en las que relata su sueño de triunfar pese a las adversidades por las que ha pasado y agradece a Dios por haber conseguido al fin sus sueños. ‘Vision of Love’ recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales por sus profundas letras y la magnífica ejecución vocal de la joven cantante, se ha convertido en una de las canciones más representativas del repertorio inicial de Mariah Carey y ha sido fuente de inspiración para numerosos artistas posteriores, que citan dicha canción como inspiración para dedicarse al mundo de la música. ‘Vision of Love’ debutó tímidamente en la parte baja de la lista americana pero finalmente ocupó el #1 durante 4 semanas consecutivas, convirtiéndose en una de las canciones más exitosas del año 1990. El segundo single lanzado fue Love Takes Time, la última adición al álbum y la única contribución del productor Walter Afanasieff, quien años más tarde se convertiría en la mano de derecha de Mariah y artífice de numerosos éxitos posteriores. ‘Love Takes Time’ es una balada pop/R&B encuadrada dentro del formato ‘Adult Contemporary’ en la que la cantante se lamenta por la pérdida de su amante y confiesa que el dolor de un amor tarda tiempo en curarse ya que sigue teniendo sentimientos por su ex-pareja. Este single repitió el éxito ‘Vision of Love’ y se mantuvo en el #1 de la lista americana durante tres semanas consecutivas.

Tras dos emotivas baladas, para mostrar la variedad presente en el álbum se lanzó como tercer single Someday, que se trata de un enérgico tema up-tempo pop/R&B que incorpora elementos del New Jack Swing y un uso prominente de guitarra eléctrica. ‘Someday’ es una de las canciones que formaban parte de la demo que grabó Mariah junto a Ben Margulies años atrás y en cuyas letras le advierte a su ex-novio que llegará un día en que le echará de menos y se arrepentirá de haberle dejado marchar. ‘Someday’ continuó la impresionante racha comercial de Mariah Carey y nuevamente alcanzó el #1 en la lista de singles de Estados Unidos (donde se mantuvo durante dos semanas), demostrando que también podía triunfar con canciones up-tempo. Como cuarto single se lanzó I Don’t Wanna Cry, una delicada balada pop/R&B con influencias Soul y uso prominente de guitarra española cuyas letras se centran en el desamor y el dolor tras una ruptura sentimental. ‘I Don’t Wanna Cry’ se convirtió en el cuarto #1 consecutivo de la cantante y se mantuvo dos semanas en lo más alto de la lista Billboard. ‘I Don’t Wanna Cry’ es quizás uno de los singles más desconocidos de Mariah por parte del público y durante muchos años no fue interpretado en directo por la cantante, quien declaró que ya no conectaba con él, hasta que fue rescatado en la residencia de conciertos de Las Vegas en la que repasaba sus singles #1 en la lista americana. Como último single internacional se lanzó There’s Got to Be a Way, un tema mid-tempo pop/R&B que destaca por ser una de las pocas canciones del repertorio de Mariah Carey que cuenta con un mensaje social y político. En este tema la cantante habla de la existencia de pobreza, racismo y guerra en el mundo, pero cree que existe esperanza si toda la raza humana se une y lucha contra estos problemas.

Una de las baladas más destacadas del álbum es ‘Vanishing’, en la que la cantante trae a su memoria los recuerdos de una relación pasada mientras que la imagen que tiene de su amante va desvaneciéndose. Pese a la abundancia de baladas en el álbum, también encontramos temas up-tempo como ‘You Need Me’, que contiene un uso prominente de guitarra eléctrica y sonido pop/rock poco habitual en Mariah o ‘Prisoner’, uno de los mejores temas up-tempo y en el que la cantante declara que ya no va a creer más en las mentiras de su amante ni ser prisionera de su amor. El álbum «Mariah Carey» supuso uno de los debuts más importantes de la década de los 90 debido a la magnífica selección de singles lanzados y el excepcional talento como vocalista y compositora de la joven neoyorquina. «Mariah Carey» se mantuvo 11 semanas en el #1 de la lista americana de álbumes y sus 4 singles lideraron la lista Billboard durante 11 semanas de 1990 y 1991, convirtiendo a la joven cantante en una de las artistas más prometedoras del mundo de la música. Este álbum, el single ‘Vision of Love’ y el uso del melisma por parte de Mariah han servido como fuente de inspiración para numerosas cantantes posteriores, como por ejemplo Beyoncé o Christina Aguilera, quienes citan a este trabajo como una gran influencia en su desarrollo como artistas. Temas imprescindibles: Vision of Love, Love Takes Time, There’s Got to Be a Way, Prisoner, I Don’t Wanna Cry, Someday y Vanishing. Puntuación: 8’5/10.

Crítica de «This Is Me… Now» de Jennifer Lopez

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This Is Me NowEn el año 2002 Jennifer Lopez publicó su tercer álbum de estudio y uno de los más emblemáticos de su carrera, This Is Me… Then, que supuso su consolidación en el mundo de la música tras el éxito de sus anteriores trabajos y su consagración como artista. Este álbum resultaba más maduro que los anteriores y estaba dedicado a su pareja por entonces, el actor Ben Affleck, por ello sus letras se centraban en el amor y estaba compuesto en su mayoría por medios tiempos pop/R&B con influencias Soul que marcaban una cierta divergencia con sus anteriores lanzamientos. «This Is Me… Then» ha sido precisamente la inspiración para el nuevo trabajo discográfico de Jennifer Lopez, el primero publicado en una década. Su último álbum, «A.K.A.» llegó en 2014, resultó un fracaso comercial y estaba por debajo de los estándares habituales de la diva del Bronx. Durante este amplio lapso de tiempo Jennifer Lopez no ha dejado de lanzar singles con mayor o menor acierto, pero también ha dado numerosos bandazos artísticos sin saber muy bien cómo enfocarse en un panorama musical muy diferente al de sus inicios en el mundo de la música. El noveno álbum de estudio de Jennifer Lopez tiene por título This Is Me… Now y está formado por 13 temas encuadrados dentro del pop/R&B que siguen la estela musical y el carácter mid-tempo de «This Is Me… Then». La artista neoyorquina ha participado en la composición de todos los temas presentes y ha contado con la producción de Rogét Chahayed, Jeff ‘Gitty’ Gitelman, Angel Lopez, Hit-Boy, Yeti Beats, Tay Keith o Bongo By the Way entre otros. Este álbum relata el viaje emocional y espiritual que ha experimentado Jennifer Lopez durante estas últimas dos décadas, como sonados romances, frustradas campanas de boda y el proceso de curación tras las ruptura sentimentales. Las letras de las canciones están inspiradas en su reconexión con Ben Affleck tras años de distanciamiento y su posterior boda. El actor americano fue protagonista de las románicas letras de «This Is Me… Then» y lo vuelve a ser ahora.

El single presentación del álbum ha sido Can’t Get Enough, un animado tema pop/R&B up-tempo que contiene una pequeña interpolación del tema ‘I’m Still in Love’ de Alton Ellis (popularizado por Sean Paul en el single ‘I’m Still in Love With You) y en el que la cantante expresa la gran atracción y conexión que siente por su pareja y afirma que no tiene suficiente de él. ‘Can’t Get Enough’ es uno de los pocos temas up-tempo que encontramos en el álbum y supone una vuelta al estilo presente en «This Is Me… Then» o «Rebirth», lo cual resulta un acierto. Este tema también fue lanzado en forma de remix con la colaboración de la prometedora rapera Latto, quien añade puntos extra a la canción. Tanto ‘Can’t Get Enough’ como su remix han tenido una tibia acogida por parte del público y sus cifras de streaming han sido bajas. Unas semanas antes de la publicación del álbum, la cantante neoyorquina desveló el tema titular, ‘This Is Me… Now’, que se trata de una balada R&B con melodía de arpa y flauta que resume a la perfección la esencia del álbum. En este tema Jennifer muestra su vulnerabilidad relatando el proceso de curación tras una ruptura sentimental, la búsqueda del amor y el posterior periodo de romance, lo que supone un tema recurrente en la discografía de la cantante. ‘This Is Me… Now’ cuenta con una pequeña interpolación de ‘Cry Me a River’ de Justin Timberlake al final de la canción.

This Is meEl álbum está compuesto principalmente por temas mid-tempo, una decisión coherente teniendo en cuenta que nos encontramos ante una secuela de «This Is Me… Then» (en el que abundaban los medios tiempos con melodías inspiradas en el estilo Soul y numerosos samplers) pero eso se traduce en que muchos de los temas presentes no son tan accesibles e inmediatos como los que aparecían en álbumes como «J.Lo» o «Love?». Uno de los temas que más recuerda a «This Is Me… Then» es ‘To Be Yours’, que comienza con un sampler de sonido retro y en el que Jennifer declara que ha merecido la pena el tiempo que han estado separados porque estarán juntos hasta el final de los tiempos. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Hearts and Flowers’, un potente tema R&B con influencias Hip Hop en el que hace referencia a su hit ‘Jenny from the Block’ y relata su camino hacia la fama, ‘Greatest Love Story Never Told’, un tema muy melódico y que destaca por la gran ejecución vocal de Jennifer al final de la canción o el medio tiempo ‘Rebound’, que contiene un sonido R&B reminiscencia de la década del 2000 y en el que admite que se refugió en los brazos de Ben Affleck para escapar del dolor que sufría. Uno de los pocos temas up-tempo que encontramos es ‘This Time Around’, influenciado por los ritmos tropicales pero con un cierto toque Hip Hop en su producción y en el que Jennifer declara que su relación ahora con Ben es más fuerte y ya no les afecta lo que digan los demás como les ocurrió hace años. En ‘Midnight Trip to Vegas’, la cantante relata su loca aventura hacia Las Vegas para casarse con Ben, en el que viajaban con los niños en la parte de detrás de un Cadillac rosa. Las baladas no suelen ser el punto fuerte de la artista, sin embargo merece la pena mencionar ‘Broken Like Me’, que cuenta con melodía de guitarra española y destaca por sus personales letras en las que Jennifer muestra su lado más vulnerable y se presenta como una mujer que ha sufrido en sus relaciones pasadas (concretamente en su ruptura con Marc Anthony) pero sigue creyendo en el amor. 

Con «This Is Me… Now», Jennifer Lopez ha cerrado un círculo, ya que ha regresado con su antiguo amor y recupera el estilo presente en «This Is Me… Then», el álbum que le dedicó a Ben Affleck hace dos décadas. En esta etapa de su vida, la cantante americana es una mujer madura, profundamente enamorada y que disfruta de su familia y lo que ha conseguido durante su trayectoria. Como seguidor de Jennifer Lopez desde sus inicios en el mundo de la música, este álbum ha sido un gran motivo de alegría y más teniendo en cuenta el amplio lapso de tiempo desde su último trabajo. «This Is Me… Now» supone un evidente paso adelante con respecto al poco memorable de «A.K.A.» y se pone al nivel de «This Is Me… Then», pero falla en los mismos puntos que éste último, como la naturaleza demasiado almibarada de las letras, su carácter mid-tempo y la ausencia de hits potenciales de la talla de ‘Jenny from the Block’. Definitivamente Jennifer Lopez no ha arriesgado y ha apostado por lo seguro con sonidos R&B de la década del 2000, pero esto no tendría porqué ser un problema ya que durante dicha época firmó sus mejores álbumes. En resumen, «This Is Me… Now» es un trabajo más que digno, compuesto por un conjunto solvente de canciones R&B y supone uno de los regresos más importantes del año. Temas imprescindibles: Can’t Get Enough, Rebound, Hearts and Flowers, Greatest Love Story Never Told, This Time Around y Midnight Trip to Vegas. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Slut Pop Miami» de Kim Petras

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Slut Pop Miami2023 fue un gran año para Kim Petras. Comenzó el año saboreando las mieles del éxito gracias a su colaboración con Sam Smith en el single ‘Unholy’, que pese a haber sido lanzado el año anterior continuaba en la parte alta de las listas de venta de todo el mundo y acumulaba más de mil millones de reproducciones en Spotify. En su mejor momento de popularidad gracias el éxito mastodóntico de ‘Unholy’, la cantante alemana publicó su album debut, Feed the Beast, que contenía canciones inéditas y descartes del que iba a ser su verdadero álbum debut, «Problématique», el cual no fue publicado en su momento y quedó en la oscuridad. El primer single del álbum, ‘Alone’, contaba con la colaboración de Nicki Minaj, sin embargo tuvo un impacto moderado en las listas de venta (todavía eclipsado por el éxito continuado de ‘Unholy’) y no fue el hit que a priori se esperaba. Pese a estar formado por un conjunto digno de temas dance-pop, «Feed the Beast» no corrió mejor suerte y pasó completamente desapercibido en las listas de venta de los principales mercados musicales, lo que suponía una decepción para Kim debido a las altas expectativas puestas en dicho trabajo y su notable aumento de popularidad. En septiembre del mismo año vio la luz Problématique, aunque en una versión diferente a la que originalmente estaba planeada, ya que varios de los temas grabados para este proyecto pasaron a formar parte de «Feed the Beast» y otros fueron omitidos, como el supuesto single presentación, ‘Future Starts Now’, por lo que el resultado final no era el esperado.

Tras la gira promocional de «Feed the Beast» por América, la cantante nacida en Colonia ha vuelto a la carga y ha lanzado nueva música para el deleite de sus incondicionales fans. Se trata de la mixtape Slut Pop Miami, que supone una secuela del EP Slut Pop lanzado en 2022 y que estaba compuesto por canciones de naturaleza sexual y letras muy explícitas. «Slut Pop Miami» está formado por 12 temas de menos de dos minutos de duración producidos por su habitual colaborador Dr. Luke y encuadrados dentro del sonido electropop. Esta mixtape no ofrece nada nuevo o diferente con respecto al material presente en «Slut Pop», ya que Kim Petras sigue describiendo con todo lujo de detalles sus fantasías sexuales y hace gala de su hipersexualidad en canciones con títulos tan explícitos como ‘Get Fucked’, ‘Rim Job’, ‘Whale Cock’, ‘Can We Fuck?’ o ‘Butt Slut’. Uno de los pocos temas salvables de este trabajo es ‘Head Head Honcho’, que con sus tres minutos de duración y su interesante producción synth-pop es el único tema con un mínimo de viabilidad comercial dentro de «Slut Pop Miami». En este tema, la polémica cantante declara que es la mejor practicando sexo oral de Miami a Toronto.

En resumen, «Slut Pop Miami» supone un evidente paso atrás con respecto a los anteriores trabajos de la cantante alemana, ya que esta mixtape está formada por un conjunto de temas mediocres y repetitivos, además resulta un proyecto poco inspirado e innecesario debido a la existencia de «Slut Pop», con una naturaleza idéntica. Definitivamente «Feed The Beast» y «Problématique» distaban mucho de ser álbumes perfectos y resultaban genéricos e impersonales, pero con sus fallos suponían una propuesta más solvente y competitiva por parte de Kim, ya que al menos contenían un puñado de temas muy interesantes como ‘Hit It from the Back’, ‘Feed the Beast’ o ‘King of Hearts’. Esperemos que Kim Petras, una cantante talentosa y original, recupere el norte artístico y nos ofrezca un proyecto más centrado en la próxima ocasión. Puntuación: 4/10.

Throwback Review: «Free Me» de Emma Bunton

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Free Me EmmaTras el moderado rendimiento comercial de «Forever», el tercer álbum de Spice Girls, algunas de las componentes del icónico grupo prosiguieron con sus trayectorias en solitario con mayor o menor éxito y otras debutaron por primera vez al margen de sus compañeras. Emma Bunton, conocida como Baby Spice, hizo sus pinitos en solitario en 1999 colaborando en el tema ‘What I Am’ del dúo inglés Tin Tin Out, pero no fue hasta después de «Forever» cuando publicó su álbum debut como solista. Como suele ser habitual en los primeros álbumes, A Girl Like Me no tenía una dirección musical clara y estaba formado por un conjunto ecléctico de canciones, desde temas pop/rock similares a los de Mel C, marchosos temas dance-pop o canciones con aroma R&B reminiscencia del último álbum de Spice Girls. «A Girl Like Me» debutó en el #4 de la lista de ventas de Reino Unido, tuvo unas ventas moderadas y contó con los hit singles ‘What Took You So Long?’, con el que conseguiría su único #1 en solitario en Reino Unido y ‘Take My Breath Away’, que fue top 5. Tras el tímido impacto de su álbum debut, Virgin rescindió el contrato a Emma y más tarde fichó por el sello discográfico de Simon Fuller, antiguo manager de Spice Girls.

En febrero de 2004 vio la luz el segundo álbum estudio de la cantante inglesa, Free Me, el cual marca una gran divergencia musical con respecto a su anterior trabajo y abandona el pop contemporáneo para adoptar un sonido retro inspirado en la música de los años 60, que destaca por incorporar elementos del sonido Motown, Soul, jazz, french pop o bossa nova y cuenta con un gran número de instrumentos musicales. Con «Free Me» Emma Bunton dejó atrás a Baby Spice y mostró una imagen más madura y sensual, además se implicó en mayor medida en el proceso creativo del álbum y participó en la composición de los 12 temas presentes junto a Mike Peden, Yak Bondy, Simon Ellis o Cathy Dennis entre otros. Al contrario que la mayoría de los álbumes en solitario de las componentes de Spice Girls, «Free Me» recibió críticas positivas de los expertos musicales, quienes alabaron su naturaleza retro y su original estilo. «Free Me» debutó en el #7 de la lista británica, contó con tres singles top 10 y superó el rendimiento comercial de «A Girl Like Me», convirtiendo a Emma en la única componente de Spice Girls que conseguía más éxito con su segundo álbum que con su debut y conseguía evitar la maldición del ‘temido segundo álbum’.

El single presentación del álbum fue la canción titular, Free Me, que se trata de una elegante balada mid-tempo con influencia de la bossa nova en la que Emma suplica a su amante que la libere y le ayude a dejar atrás el dolor que ha sufrido. ‘Free Me’ ponía de manifiesto la mayor madurez de Emma y por su estilo podría aparecer en la banda sonora de una película de James Bond. ‘Free Me’ tuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el #5 en la lista británica e incluso el top 5 en el componente Dance/electrónico de la lista americana con el remix del tema. El segundo single lanzado fue Maybe, un marchoso tema up-tempo que incorpora influencias de la bossa nova y el french pop y en cuyas letras la cantante inglesa habla de las decepciones que ha vivido en el amor y las oportunidades perdidas. ‘Maybe’ es quizás la mejor canción de Emma en solitario y recibió críticas muy positivas por su ritmo adictivo, su sonido sesentero y sus pegadizas letras. Gracias a su intensa promoción, ‘Maybe’ ocupó el #6 en la lista británica y resultó una de las canciones más populares del año.

Como tercer single se lanzó I’ll Be There, un irresistible tema mid-tempo inspirado en el sonido Motown y el Soul que habla del amor y apoyo incondicional hacia tu pareja. ‘I’ll Be There’ alcanzó el #7 en la lista británica, el tercer single top 10 del álbum en Reino Unido y que ponía de manifiesto el excelente momento profesional que estaba viviendo Emma. El cuarto y último single lanzado fue la versión de Crickets Sing for Anamaria, uno de los temas mas up-tempo del álbum y que incorpora sonidos brasileños como samba y bossa nova. No sólo los singles demostraron la gran calidad presente en «Free Me», sino que podemos encontrar joyas como ‘Tomorrow’, un precioso tema mid-tempo de letras románticas, ‘Breathing’, que destaca por su aroma latino y el uso guitarra española o ‘No Sign of Life’, en el que la voz de Emma brilla especialmente y cuenta con unos magníficos arreglos de cuerdas.

«Free Me» ha cumplido durante este mes de febrero su vigésimo aniversario y desde el blog MiSTeR MuSiC me gustaría rendirle mi pequeño homenaje a este álbum, desconocido para el gran público pero uno de los favoritos de todos los fans de Spice Girls entre los que yo me incluyo. En mi opinión, «Free Me» no sólo es el álbum más destacado de la discografía de Emma Bunton sino uno de los mejores trabajos de una Spice Girl en solitario, ya que está formado por un conjunto muy sólido de temas de sonido retro e inspirados en la música de los años 60 que le sientan de maravilla a la personalidad y voz de Emma. La cantante londinense, que vivió uno de sus mejores momentos profesionales con «Free Me», seguiría profundizando en el mismo estilo para su siguiente álbum, «Life in Mono». Temas imprescindibles: Maybe, Free Me, I’ll Be There, Breathing, Tomorrow y No Sign of Life. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Venus» de Zara Larsson

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Zara Larsson VenusA lo largo de su carrera musical, Zara Larsson ha contado con varios hit singles que han traspasado las fronteras de su Suecia natal y han triunfado en toda Europa, especialmente Reino Unido, sin embargo no ha alcanzado las cotas de fama o popularidad de otras ‘pop stars’ de estilo similar como Dua Lipa, pese a que cualidades no le faltan. La cantante sueca tiene en su haber álbumes tan entretenidos como «So Good» o «Poster Girl», que fueron valorados de manera muy positiva en el blog Mister Music, pero definitivamente merece un éxito mayor del que ha logrado. Tres años después del lanzamiento de «Poster Girl» ha visto la luz su cuarto álbum de estudio, que tiene por título Venus y está formado por 12 temas de estilo pop, dance-pop y synth-pop compuestos por la propia Zara Larsson bajo la producción de Rick Nowels, Danja, Austin Corona, David Guetta o el dúo sueco MTHR entre otros. La cantante nacida en Solna se ha implicado en mayor medida en el proceso creativo de «Venus» y ha declarado que se ha sentido más libre y con menos presión que durante la grabación de «Poster Girl», en el que las expectativas estaban muy altas debido al éxito de su primer trabajo. A principios del año pasado llegó el single presentación del álbum, Can’t Tame Her, que se trata de un enérgico tema synth-pop y dance-pop con melodía de sintetizadores típica de los 80 compuesto por Zara junto al famoso compositor británico MNEK y producido por MTHR y Danja. En este tema, la cantante sueca afirma que nadie puede domarla o controlarla excepto ella misma, por lo que se convierte en un himno de independencia y auto-empoderamiento. ‘Can’t Tame Her’ tuvo una buena acogida entre el público: ocupó el top 5 en la lista de Suecia o el top 25 en Reino Unido y acumula más de 130 millones de reproducciones en Spotify. La elección de ‘Can’t Tame Her’ como primer single ha resultado un gran acierto ya que contiene un ritmo adictivo, un estribillo de lo más pegadizo y nos muestra el excepcional rango vocal de Zara, aunque no resulta una canción muy original ya que supone la enésima repetición de ‘Blinding Lights’ de The Weeknd.

Como segundo single se lanzó End of Time, que comienza de manera pausada para transformarse más adelante en un enérgico tema dance-pop y synth-pop. Las letras de este tema describen un sentimiento tan profundo hacia su pareja que da un nuevo significado a su vida, por lo que Zara compara la naturaleza eterna de su amor con un fuego que arderá hasta el fin de los tiempos. Tras el moderado recibimiento de ‘End of Time’, a finales del año pasado llegó On My Love, un potente tema Dance/House producido por David Guetta en el que la cantante sueca habla de una relación de amor platónica con su hermana pequeña Hanna. ‘On My Love’ se ha convertido en un éxito comercial: ha ocupado el top 5 en Suecia y el #15 en Reino Unido (su primer top 20 desde ‘Ruin My Life’) y supera los 80 millones de escuchas en Spotify. Unas semanas antes de la publicación de «Venus» llegó un nuevo sencillo, You Love Who You Love, que se trata de un tema dance-pop que destaca por su irresistible sonido de cuerdas y en el que Zara aconseja a una amiga que deje atrás una relación tóxica en la que su pareja no le respeta. 

La primera parte de «Venus» resulta muy interesante y encontramos una sucesión de temas up-tempo pegadizos y bailables pero la segunda mitad va perdiendo fuelle y está repleta de baladas insípidas que no llaman tanto la atención, aunque muestran el lado más emotivo de la cantante y su impecable ejecución vocal. Entre los temas up-tempo más interesantes del álbum se encuentran la canción titular, ‘Venus’, en la que vuelve a recuperar el sonido synth-pop ochentero del primer single o ‘Ammunition’, que cuenta con cierto toque R&B (se nota la mano de Danja, creador de «Blackout» de Britney) y en cuyas letras Zara describe una turbulenta relación en la que su chico ha cometido muchos errores y no le ha tratado como merece. Una de las canciones más llamativas y arriesgadas del álbum es ‘None of These Guys’, que recuerda el estilo electrónico de su compatriota Robyn y en el que declara que su chico destaca por encima del resto de hombres.

En resumen, «Venus» destaca por su gran elección de singles y mantiene el buen nivel de sus últimos trabajos, pero definitivamente no es el mejor álbum de su trayectoria ya que está compuesto por canciones de naturaleza genérica e impersonal y contiene una serie de baladas aburridas que no aportan demasiado y lastran el resultado final. Si «Venus» hubiera seguido la fórmula de Ava Max y prescindiera de las baladas, nos encontraríamos ante uno de los álbumes pop más sólidos del año. Pese a sus fallos, merece la pena destacar que Zara Larsson ha asumido un mayor papel en el proceso creativo del álbum y nos ha ofrecido su trabajo más maduro hasta la fecha. Temas imprescindibles: Can’t Tame Her, You Love Who You Love, End of Time, On My Love y Ammunition. Puntuación: 7/10.