The Weeknd fue uno de los artistas que se arriesgó a publicar álbum cuando la pandemia del coronavirus empezaba a asolar el planeta, sin embargo este hecho no evitó que After Hours se convirtiera en uno de los trabajos discográficos más importantes del año gracias al excepcional desempeño comercial de Blinding Lights, que alcanzó el #1 en las listas de venta de todo el mundo y ha pasado a formar parte de los singles más vendidos de la historia de la música, además de otros singles de notable éxito como Heartless, In Your Eyes o Save Your Tears, que también han acumulado cifras de reproducción muy altas en las plataformas musicales. After Hours ha demostrado una gran longevidad en las listas de venta y después de más de un año de su lanzamiento todavía se encuentra entre las primeras posiciones de la lista de ventas de Estados Unidos y dos de sus singles, Save Your Tears y Blinding Lights, aún se mantienen fuertes y ocupan el top 20 de la lista americana. Pese al tremendo éxito de la era After Hours, el cantante canadiense ha decidido cerrar esta etapa y ha desvelado que su nuevo proyecto musical verá la luz muy pronto. Hace apenas unos días llegó Take My Breath, el single anticipo de su nuevo álbum de estudio, el cual parece que llevará por título ‘The Dawn’ si tenemos en cuenta las pistas que ha ofrecido The Weeknd a través de sus redes sociales últimamente. Take My Breath sigue la estela musical de las canciones up-tempo de su anterior álbum y se trata de un enérgico tema synth-pop y dance-pop de corte retro con influencia Disco e inspiración de la música de baile de los años 80. Para este nuevo tema, el cantante nacido en Toronto ha vuelto a confiar en su habitual colaborador Max Martin y Oscar Holter, responsables de los hit singles Blinding Lights, In Your Eyes y Save Your Tears, por lo que el éxito de Take My Breath es más que probable. La nueva canción de The Weeknd recuerda al estilo del productor musical Giorgio Moroder, «el padre del sonido Disco» y resulta muy pegadiza y marchosa, sin embargo no sorprende tanto como sus últimos singles ya que sigue inspirándose en la música electrónica de sonido retro, por lo que el factor sorpresa del tema es menor. Desde el blog MiSTeR MuSiC seguiremos muy atentos a los siguientes pasos de The Weeknd, quien en los últimos años ha pasado de ser un cantante de R&B alternativo cuyo éxito se reducía a Estados Unidos a convertirse en uno de los artistas masculinos más importantes e influyentes de la música actual.
Dance
Los mejores álbumes del 2021 (1ª parte)
Pese a que el 2020 fue un año para olvidar debido a la pandemia del coronavirus y sus graves consecuencias sociales y económicas, hay que admitir que en lo musical resultó de lo más fructífero y se publicaron varios álbumes muy interesantes y exitosos que todavía hoy siguen sonando con fuerza, como por ejemplo «Future Nostalgia» de Dua Lipa o «After Hours» de The Weeknd y en menor medida «Disco» de Kylie Minogue, ‘Heaven & Hell’ de Ava Max, «Chromatica» de Lady Gaga o «Confetti» de Little Mix, todos los cuales coloqué en los primeros puestos de la lista de lo mejor del año. Sin embargo en lo que llevamos de 2021 no se han producido lanzamientos tan destacados como los mencionados anteriormente y se ha caracterizado por ser un año bastante mediocre musicalmente hablando. A continuación comentaré los que en mi opinión son los mejores álbumes publicados hasta el mes de junio.
5. Better Mistakes de Bebe Rexha.
Bebe Rexha hizo su debut en el año 2018 con el álbum «Expectations», que estaba encuadrado dentro del pop y electropop con influencia R&B, contó con un sólo single, el infravalorado ‘I’m a Mess’ y tuvo un desempeño moderado en las listas de venta alrededor del mundo. El año pasado, la cantante neoyorquina nos presentó el single presentación de su segundo trabajo, Baby I’m Jealous, que se trataba de un pegadizo tema pop de sonido urbano compuesto junto a Justin Tranter que contaba con la colaboración de la rapera de moda, Doja Cat. Baby I’m Jealous recibió buenas opiniones de los expertos musicales pero tuvo un recibimiento muy tibio por parte del público y apenas ocupó el top 60 en la lista americana. El segundo single lanzado fue Sacrifice, un marchoso tema dance-pop de sonido oscuro producido por Burns en el que la cantante trata de seducir a un hombre al que quiere toda la noche pero sin compromiso y resulta el tema más bailable y pegadizo del álbum. El tercer single fue Sabotage, una balada pop producida por Greg Kurstin en la que Bebe reconoce que cuando las cosas le van bien en la vida, sabotea los momentos más preciados y declara ser la peor enemiga de sí misma. Esta bonita balada ofrece el lado más vulnerable y emotivo de la cantante y nos permite apreciar su amplio registro vocal. Como cuarto single del álbum se lanzó ‘Die For a Man’, un medio tiempo pop/R&B con uso prominente de guitarra acústica que cuenta con la participación del rapero Lil Uzi Vert y en el que ambos artistas hablan de las complicadas relaciones con sus parejas. En el mes de mayo vio la luz Better Mistakes, un álbum encuadrado dentro del pop/rock, electropop y dance-pop en el que la cantante de ascendencia albanesa trata temas como la salud mental, el amor propio y las complicadas relaciones amorosas a través de canciones de carácter mid-tempo que siguen la estela musical de su primer álbum aunque contiene un mayor número de temas up-tempo y resulta más animado y bailable. ‘Better Mistakes’ sigue tropezando con la misma piedra que «Expectations» y es que tanto la voz de Bebe Rexha como la temática de las canciones resultan genéricas y carentes de personalidad propia, por lo que podrían pertenecer a cualquier cantante pop. Aunque se puede apreciar una cierta evolución en cuanto al sonido con respecto a su anterior álbum, la mayor parte de los temas resultan muy similares ya que abundan los medios tiempos con uso de guitarra al principio de la canción, siendo los más destacados del álbum los que se salen de la norma, como por ejemplo los primeros singles y los temas up-tempo. «Better Mistakes» apenas ha pisado el top 150 de la lista americana de álbumes y ha resultado uno de los fracasos más sonados del año, sin embargo nos encontramos ante un buen álbum pop, agradable de escuchar y bien cohesionado, por ello forma parte de este repaso a lo mejor del año 2021. Puntuación: 7/10.
4. Heaux Tales de Jazmine Sullivan.
Uno de los primeros álbumes que vio la luz en el 2021 fue Heaux Tales, el primer EP de la cantante Jazmine Sullivan pero que supone su cuarto trabajo discográfico en total. «Heaux Tales», cuyo título podríamos traducirlo como «historias de alguien que se ha acostado con muchas personas», recoge el testigo de ‘Reality Show’, su tercer álbum de estudio, el cual fue publicado hace 6 años, recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales por su talento como compositora y vocalista y fue nominado a varios premios Grammy, entre ellos mejor álbum R&B del año. «Heaux Tales» es un álbum conceptual formado por 14 temas (con varios interludios narrados por la propia Jazmine y usados como hilo conductor) que hablan sobre las relaciones entre los hombres y las mujeres desde una perspectiva feminista y se tocan temas tan diversos como la inseguridad, el sexo, el empoderamiento femenino o el sentimiento de pérdida. La cantante americana compuso ‘Heaux Tales’ para dar voz a todas las mujeres, las cuales merecen respeto tanto si son importantes empresarias como strippers, ya que cada mujer elige cómo quiere presentarse a sí misma ante el mundo, por tanto este trabajo habla sobre unidad, vulnerabilidad y confianza en uno mismo. Este EP está formado principalmente por baladas y medios tiempos R&B/Soul compuestos en su totalidad por la propia Jazmine y cuenta con la participación de tres artistas invitados, Ari Lennox, Anderson Paak y H.E.R. El single presentación del EP, ‘Lost One’, llegó en agosto del año pasado y se trataba de una melancólica balada R&B/Soul de sonido minimalista casi acústico en el que Jazmine muestra su vulnerabilidad al relatar la dolorosa ruptura con su ex-pareja. En noviembre fue lanzado como segundo single ‘Pick Up Your Feelings’, una balada R&B/Soul mid-tempo en el que la cantante de Philadelphia nos ofrece una perspectiva diferente de su ruptura y se muestra como una mujer empoderada y sin remordimientos que pasa página de su anterior relación y le recuerda a su ex que «no se olvide de recoger sus sentimientos» ya que no tiene espacio en casa para ellos. Coincidiendo con el lanzamiento del EP llegó el tercer single, ‘Girl Like Me’, una balada casi acústica con uso prominente de guitarra que cuenta con la participación de otra de las figuras más importantes del R&B contemporáneo, H.E.R. y en la que Jazmine intenta buscar el amor en una conocida aplicación de citas tras su desconsolada ruptura. «Heaux Tales» debutó en el #4 de la lista americana de álbumes, la mejor posición de toda su trayectoria profesional, superando incluso a su exitoso debut «Fearless». En resumen, la larga espera desde su anterior disco ha merecido la pena ya que Jazmine Sullivan ha regresado con un trabajo sólido, consistente y de carácter introspectivo en el que relata sus experiencias amorosas desde el punto de vista de las mujeres. Puntuación: 7’5/10.
3. Poster Girl de Zara Larsson.
Cuatro años después del lanzamiento del exitoso ‘So Good’, la cantante Zara Larsson ha regresado al panorama musical con su tercer álbum de estudio, Poster Girl, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del dance-pop, electropop y R&B con influencia Disco compuestos en su mayoría por la propia Zara bajo la producción de Mattman & Robin, Steve Mac, The Monsters & The Strangerz o Ian Kirpatrick entre otros. «Poster Girl» es un trabajo dirigido a las pistas de baile, compuesto en su mayoría por temas up-tempo, aunque también encontramos varios temas mid-tempo y destaca por la ausencia de baladas. Al igual que ocurrió con So Good, una gran cantidad de singles se han lanzado con anterioridad a la publicación de «Poster Girl» y para dar con el primer single tenemos que remontarnos a octubre del 2018, cuando vio la luz Ruin My Life, que se trataba de un tema mid-tempo pop/R&B compuesto por la propia Zara y producido por The Monsters & The Strangerz, en el que la cantante sueca muestra su lado más vulnerable relatando una relación tóxica. En 2019 la joven cantante lanzó como singles ‘Don’t Worry Bout Me’, un marchoso tema dance-pop y electropop con influencia Tropical House compuesto por ella misma y ‘All The Time’, un pegadizo tema synth-pop con influencias Disco, sin embargo pese a ser dos de sus mejores singles lanzados y haber obtenido buenas cifras de streaming en las plataformas musicales no han sido incluidos en la versión final de Poster Girl y únicamente aparecen en la edición japonesa del álbum. En verano de 2020 llegó Love Me Land, que posteriormente fue catalogado como el verdadero single presentación del álbum y se trata de un original tema electropop y dance-pop que destaca por su melodía enigmática y el uso de violines y está compuesto por la propia Zara junto a los afamados compositores Julia Michaels y Justin Tranter. Tras él fueron lanzados Wow, un pegadizo tema electropop de carácter mid-tempo producido por Marshmello y Talk About Love, un medio tiempo pop/R&B que cuenta con la participación del rapero americano Young Thug, habla sobre el momento que viven dos personas que se están conociendo y empiezan a tener sentimientos el uno por el otro y destacaba su divergencia en cuanto a sonido con respecto a los anteriores singles. Como sencillo promocional se lanzó el magnífico ‘Look What You’ve Done’, que se trata de un tema dance-pop con influencia Disco y uso prominente de violines producido por Steve Mac que recuerda a su colaboración con Clean Bandit en ‘Symphony’ y resulta una de los mejores canciones del álbum. Mientras que ‘So Good’ le ocurría lo mismo que al debut de Dua Lipa o el último álbum de Rita Ora y parecía más una playlist de éxitos que un disco centrado debido a la inclusión de tantos singles lanzados con anterioridad además de colaboraciones con otros artistas, «Poster Girl» resulta más cohesivo y consistente. Aunque no llega al nivel del disco debut de Ava Max, el nuevo trabajo de Zara Larsson también está destinado a ser escuchado en su totalidad sin apenas saltar ninguna canción ya que está formado pegadizas canciones pop con melodías muy accesibles y letras sencillas. En definitiva, «Poster Girl» es uno de los álbumes pop más interesantes publicados hasta la fecha y por ello merece formar parte de este repaso a lo mejor del año. Puntuación: 7’5/10.
2. Planet Her de Doja Cat.
En noviembre de 2019 vio la luz Hot Pink, el segundo álbum de estudio de Doja Cat, el cual debutó en una modesta posición de la lista americana y fue precedido de varios singles que no contaron con excesivo apoyo por parte del público. A principios del año pasado llegó el quinto single del álbum, Say So, que se trataba de un pegadizo tema de estilo Disco que se convirtió en viral gracias a la famosa red social TikTok y acabó alcanzando el #1 en la lista americana y convirtiéndose no sólo en el single más exitoso de la artista californiana sino en uno de los temas más relevantes del año 2020. Tras el éxito masivo de ‘Say So’, el álbum vivió una segunda juventud y alcanzó el top 10 en la lista de ventas de Estados Unidos. La última semana de junio se ha puesto a la venta el tercer álbum de estudio de Doja Cat, titulado Planet Her, el cual está formado por 14 temas encuadrados dentro del pop/R&B con influencia Trap y Hip-Hop compuestos por la propia Doja bajo la producción de Yeti Beats, Tizhimself o Dr. Luke entre otros. El concepto del álbum hace referencia a un mundo en el que «todas las razas y especies pueden convivir de manera armoniosa» y aunque varias de las canciones tienen naturaleza feminista, no se trata de un planeta exclusivamente para las mujeres como se podría interpretar por su título. «Planet Her» cuenta con varios artistas invitados de la talla de The Weeknd y Ariana Grande, con quienes ya colaboró anteriormente y le devuelven el favor en este trabajo, además de SZA o Young Thug. Mientras que «Hot Pink» era un ecléctico álbum de estilo urbano muy influenciado por el Hip Hop, el nuevo trabajo de Doja Cat se centra en el R&B, aunque sigue mostrando su gran versatilidad como artista, cantando y rapeando en muchos de los temas presentes. En el mes de abril llegó el primer single del álbum, Kiss Me More, que se trata de un tema Disco/R&B de corte retro muy similar a ‘Say So’ que cuenta con la participación de la cantante americana SZA y está compuesto por Doja Cat junto a Dr. Luke y producido por Yeti Beats. ‘Kiss Me More’ es un tema pegadizo y bailable, muestra la gran versatilidad de Doja Cat como artista y se ha convertido en uno de los temas más populares durante los últimos meses, ya que ha alcanzado el top 5 en las listas de ventas de Reino Unido, Australia o Estados Unidos. Tras ‘Kiss Me More’ se lanzó como sencillo promocional Need To Know, un tema mid-tempo electro-R&B con influencia Trap producido por su frecuente colaborador Dr. Luke en el que Doja busca un nuevo amante y trata de ver si tienen cosas en común para iniciar una relación. El segundo single oficial ha sido You Right, un medio tiempo R&B producido por Dr. Luke que cuenta con la colaboración de The Weeknd y en el que Doja hala de una relación que no funciona y se debate entre el amor de su pareja y el de un nuevo hombre, por lo que surgen sentimientos de auto-compasión. El álbum está formado principalmente por temas R&B de carácter mid-tempo como ‘I Don’t Do Drugs’, en el que participa Ariana Grande o ‘Payday’, que destaca por el uso de guitarra acústica y cuenta con la colaboración del rapero Young Thug, aunque también encontramos temas más rítmicos y bailables como ‘Woman’, un tema up-tempo de estilo Dancehall en el que Doja comenta los diferentes roles que tienen las mujeres y se convierte en un himno de empoderamiento femenino o ‘Get Into It (Yuh)’, de estilo Hip Hop y en el que Doja muestra su admiración por Nicki Minaj y le rinde tributo con un rap inspirado en su particular manera de rimar. Aunque personalmente hubiera preferido que Doja Cat explorara más su faceta como rapera e incluyera más temas de estilo Hip Hop, lo cierto es que el R&B le sienta de maravilla a su voz y ha sabido crear un álbum muy sólido que marca una clara evolución con respecto a su anterior trabajo. Dentro de un año con pocos lanzamientos interesantes, «Planet Her» es sin duda uno de los mejores álbumes publicados hasta la fecha y supone un soplo de aire fresco en el panorama musical actual. Puntuación: 7’5/10.
1. Ancient Dreams In a Modern Land de Marina.
A principios de junio, Marina Diamandis publicó su esperado quinto álbum de estudio, Ancient Dreams In a Modern Land, el cual está formado por 10 temas compuestos por ella misma y encuadrados dentro del pop/rock, electropop y dance-pop en los que lanza un mensaje social para hacer de este mundo un lugar mejor y aborda temas como el capitalismo o el cambio climático, además de lanzar un mensaje feminista en contra de la opresión de heteropatriarcado. Para dar con el último álbum de la cantante galesa tenemos que remontarnos a abril del 2019 cuando vio la luz ‘Love + Fear’, un disco doble que hablaba sobre las complejidades del amor y los miedos e inseguridades sufridos tras su depresión y que recibió críticas muy tibias por parte de los expertos y tuvo un desempeño comercial muy negativo. A finales del año pasado llegó el single presentación del nuevo álbum, Man’s World, que se trataba de un tema pop mid-tempo de sonido alternativo en el que Marina critica la discriminación y el trato injusto que han recibido a lo largo de la historia las mujeres y los colectivos más discriminados, convirtiéndose en un auténtico himno de empoderamiento femenino y de apoyo a las minorías más desfavorecidas. En abril se lanzó Purge The Poison, un enérgico tema pop/rock y electropop con influencia punk que recuerda a los momentos más rockeros de Marina como ‘Bubblegum Bitch’ del álbum ‘Electra Heart’ y en el que nuevamente aborda la temática social y afirma que la humanidad vive un nuevo orden social y la Madre Tierra ha enviado un virus para que los humanos aprendan. En mayo llegó el tercer single, Ancient Dreams In a Modern Land, que se trata de un potente tema pop/rock, dance-pop y electropop en el que habla de la importancia de ser fiel a uno mismo y no perder tus valores por intentar encajar en la sociedad. Este tema destaca por sus similitudes con ‘Womanizer’ de Britney Spears y en él podemos apreciar las piruetas vocales que suele realizar la cantante de ascendencia griega, alternando su voz grave con la aguda. Como cuarto single se lanzó Venus Fly Trap, otro marchoso tema pop/rock y electropop que sigue la estela musical de los dos anteriores singles y habla de cómo muchas personas reprimen su verdadera personalidad para sentirse aceptados por los demás, lo que supone «una celebración de la confianza y alegría que se siente cuando eres realmente libre» y un auténtico himno de auto-empoderamiento. «Ancient Dreams» resulta un evidente paso adelante con respecto a ‘Love + Fear’ ya que está compuesto por un conjunto breve pero muy sólido de canciones que recuerdan a la Marina más bailable pero con importantes mensajes sociales para cambiar el mundo, concienciar del cambio climático y reivindicar el empoderamiento femenino. El talento vocal de Marina es indiscutible pero en esta ocasión destaca su papel como compositora, que es uno de los puntos fuertes del álbum y nos muestra a una Marina más auténtica, madura y consciente política y socialmente del mundo que le rodea, a diferencia del carácter más liviano y superficial de las letras presentes en «The Family Jewels» o «Electra Heart». El único punto en contra del álbum es que Marina sacó todos los tanques antes de su publicación y lanzó como singles las mejores canciones, que corresponden a los temas más up-tempo y pegadizos, por lo que el resto del álbum no resulta tan original y llamativo. En mi opinión, «Ancient Dreams» no sólo es el mejor álbum publicado en lo que llevamos de año sino que se trata de su trabajo más consistente desde el magnífico «Electra Heart», el cual situé como uno de los álbumes más importantes de la década del 2010. Puntuación: 7’8/10.
Crítica de «Blackout» de Britney Spears
En noviembre del 2004, la cantante americana Britney Spears publicó «Greatest Hits: My Prerogative», un álbum de grandes éxitos que incluía todos sus singles lanzados hasta la fecha y marcaba el final de una etapa extremadamente exitosa para la princesa del pop. Tras la publicación de este álbum recopilatorio, la cantante se tomó un descanso del mundo de la música, se centró en su vida personal y dio a luz a su segundo hijo, fruto de la relación con su marido, el bailarín Kevin Federline. Durante los años siguientes, Britney Spears fue acosada y perseguida de manera incesante por los medios de comunicación americanos debido a su publicitado divorcio con Kevin Federline y debido a su comportamiento errático fue ingresada en un centro de rehabilitación y perdió la custodia legal de sus hijos. En octubre del 2007 llegó su quinto álbum de estudio, Blackout, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del electropop y dance-pop con influencia R&B producidos por Danja (la mano derecha del legendario Timbaland), el dúo sueco Bloodshy & Avant o The Neptunes y destaca por el hecho de que Britney sólo participó en la composición de dos canciones. Aunque durante las sesiones de grabación Britney se encontraba embarazada de su segundo hijo y atravesaba uno de los momentos más complicados de su vida, todos los productores involucrados en este proyecto alabaron su profesionalidad y gran ética en el trabajo. El objetivo de Britney con «Blackout» era crear un álbum divertido, bailable, de carácter up-tempo y que celebrara su feminidad. «Blackout» profundizaba en el sonido electrónico iniciado en el álbum «In The Zone», pero añadía una gran influencia urbana además de una naturaleza oscura, ambiental y enigmática en muchas de las canciones. «Blackout» recibió críticas muy positivas por parte de los expertos musicales, quienes alabaron la dirección musical tomada en el álbum, su carácter progresivo, su arriesgada y moderna producción y lo consideraron el trabajo más sólido y consistente de toda su trayectoria profesional. La prestigiosa publicación americana Rolling Stone consideró «Blackout» como uno de los álbumes más influyentes de la historia del pop. Debido a un controvertido y repentino cambio en las reglas de contabilización de Billboard, Blackout debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer álbum de Britney que no ocupaba la posición de honor en Estados Unidos y fue certificado platino por ventas de un millón de copias, haciendo de él su álbum de estudio menos vendido hasta la fecha. Blackout resultó exitoso a nivel internacional: alcanzó el #1 en Canadá o Irlanda y el top 5 en Reino Unido, Francia y Australia pero apenas superó los 3 millones de copias, unas cifras muy inferiores a las de sus primeros álbumes. El single presentación del álbum fue Gimme More, un marchoso tema electropop y dance-pop con influencia urbana compuesto por la cantante Keri Hilson y producido por Danja que habla de la fascinación que tiene el público por la vida privada de Britney. Desde un primer momento, ‘Gimme More’ llamó la atención del público por sus pegadizas letras, sobretodo su estribillo y por la frase con la que empezaba la canción, «It’s Britney, bitch» que a lo largo de los años se ha convertido en una frase muy representativa de la cantante y forma parte de la cultura popular. ‘Gimme More’ recibió excelentes críticas de los expertos musicales y resultó un auténtico éxito durante el año 2007, ya que ocupó las primeras posiciones en las listas de ventas de todo el mundo, como el #1 en Canadá y el top 5 en Australia, Francia o Reino Unido. En Estados Unidos alcanzó el #3, convirtiéndose en la mejor posición de Britney en la lista americana tras el hit ‘…Baby One More Time’ y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. Britney interpretó ‘Gimme More’ en la entrega de los premios MTV del año 2007 y resultó una de las actuaciones más polémicas y comentadas de la noche ya que la cantante no se encontraba en su mejor momento físico y personal, y su desganada manera de bailar y errática presencia escénica recibieron numerosas críticas, sin embargo se ha convertido en una de las actuaciones más icónicas de la historia de la música. Durante varios años ‘Gimme More’ fue considerado el tema ‘maldito’ de Britney ya que se asociaba al fatídico periodo que atravesó debido a sus problemas personales y de salud y fue omitido en la gira de conciertos ‘The Circus Starring Britney Spears’, que sirvió de promoción a los álbumes «Blackout» y «Circus», sin embargo la cantante lo recuperó para la gira de ‘Femme Fatale’ y también formó parte de la residencia ‘Piece of Me’ de Las Vegas. ‘Gimme More’ no sólo resultó uno de los temas más populares y exitosos del 2007 sino que con el paso de los años ha ido ganando reconocimiento y se ha convertido en uno de sus temas más representativos de su carrera musical.
Como segundo single se lanzó Piece of Me, un tema electropop de carácter mid-tempo producido por Bloodshy & Avant (responsables de su hit ‘Toxic’) que destacaba por el intenso uso de sintetizadores en la voz de Britney. Pese a no estar compuesto por la cantante, las letras de ‘Piece of Me’ son autobiográficas y hacen referencia al gran escrutinio público que sufrió durante aquel tiempo y la intromisión de los medios de comunicación en su vida privada, a los que responde con «queréis un pedazo de mí». ‘Piece of Me’ fue aclamado por la crítica por sus personales letras, la arriesgada producción y la desafiante voz de Britney y fue considerado no sólo uno de los mejores temas del año sino de toda la carrera de Britney y de la historia de la música. Aunque no logró igualar el enorme éxito del anterior single, ‘Piece of Me’ tuvo un desempeño comercial muy positivo y alcanzó el top 5 en Reino Unido, Canadá o Australia y el top 10 en Alemania. En Estados Unidos ocupó el #18, fue certificado platino y alcanzó el #1 en el componente Dance/Club de la lista americana. El tercer single lanzado fue Break the Ice, un tema up-tempo de carácter electropop con influencia R&B compuesto por Keri Hilson y producido por Danja que relata el encuentro sexual de Britney con su amante. Pese a ser uno de los temas más sobresalientes del álbum, ‘Break the Ice’ tuvo un desempeño comercial muy moderado por su nula promoción y apenas ocupó el top 20 en Reino Unido y el top 50 en Estados Unidos.
La discográfica de Britney firmó un contrato con Bloodshy & Avant por el que al menos dos temas producidos por el dúo se lanzarían como singles, sin embargo debido al complicado estado emocional de Britney en aquel momento y el abrupto cese en la promoción de Blackout no pudo lanzarse ningún single más. Por ello, Radar, originalmente pensado como último single del álbum, volvió a incluirse en su siguiente trabajo, ‘Circus’ y se lanzó como cuarto sencillo del álbum. Radar es un tema electropop que destaca por su gran uso de sintetizadores y la voz de Britney muy distorsionada y cuyas letras describen la obsesión que siente por un hombre, al cual «lo tiene en su radar». En «Blackout» podemos encontrar canciones tan interesantes como ‘Ooh Ooh Baby’, un tema dance-pop compuesto por Britney junto a Kara DioGuardi que habla del amor que se siente por un ser querido y destaca por el uso de guitarra española, ‘Toy Soldier’, un tema electropop y dance-pop de ritmo trepidante que destaca por su redoble de tambor militar y sus letras en las que la cantante busca un hombre de verdad, ‘Perfect Lover’, un tema up-tempo electropop y R&B de temática muy sexual producido por Danja o ‘Heaven on Earth’, un marchoso tema dance-pop con influencia Disco cuyas letras hacen referencia a que cuando estás enamorado crees que tu pareja es el ser más perfecto del mundo y cabe destacar que Britney lo considera su canción favorita del álbum. La aportación de The Neptunes (responsables de los hit singles ‘I’m a Slave 4 U’ y ‘Boys’) para el álbum fue ‘Why Should I Be Sad’, el tema más calmado del álbum, de estilo R&B y cuyas letras están dirigidas a su ex-marido Kevin Federline. Personalmente «Blackout» se encuentra entre mis discos favoritos de Britney Spears ya que está formado por un conjunto muy sólido de canciones bailables, pegadizas y adelantadas a su tiempo, cuyo estilo ha servido de inspiración a una generación posterior de artistas. Pese a haber llegado en el peor momento de su vida, Britney nos ofreció uno de los mejores trabajos de su trayectoria musical. Temas imprescindibles: Gimme More, Piece of Me, Break the Ice, Radar, Ooh Ooh Baby, Toy Soldier y Heaven on Earth. Puntuación: 9/10.
Ava Max regresa con el single EveryTime I Cry
Desde sus inicios en el mundo de la música, la cantante americana Ava Max se ha caracterizado por su agilidad a la hora de lanzar nueva música ya que no ha dejado de ofrecer singles de manera regular durante esos dos últimos años. Hasta 7 singles lanzados con anterioridad fueron a parar a su álbum debut, Heaven & Hell, el cual vio la luz en septiembre del año pasado y situé en el blog MiSTeR MuSiC como el mejor álbum lanzado durante el año 2020 debido a su carácter bailable y su conjunto muy sólido de canciones pop pegadizas y marchosas. Entre los singles más exitosos del álbum se encontraban ‘Sweet But Psycho’, su primer sencillo oficial lanzado en verano del 2018 y que supone el tema más exitoso de su carrera musical (alcanzó el #1 en más de 20 países de todo el mundo), el himno de los marginados ‘So Am I’ que tuvo un buen desempeño comercial o ‘Kings & Queens’, lanzado antes de que la pandemia asolara el planeta y que pese a sus modestos resultados iniciales se fue convirtiendo en un auténtico ‘grower’ hasta alcanzar el top 20 en los principales mercados musicales, incluido Estados Unidos, donde ha supuesto su segundo mayor éxito. Aunque obtuvieron un impacto comercial menor, también merece la pena mencionar los magníficos ‘Who’s Laughing Now’ y ‘OMG What’s Happening’, que fueron lanzados como aperitivo final antes del lanzamiento del álbum y considero dos de las mejores canciones de «Heaven & Hell». A finales del año pasado, la cantante de ascendencia albanesa lanzó un nuevo single al margen del álbum, pero que posteriormente pasó a formar parte de la edición digital de «Heaven & Hell». Me estoy refiriendo a My Head & My Heart, un potente tema dance-pop que samplea el estribillo del hit ‘Around The World’ del grupo alemán ATC que triunfó en las pistas de baile a principios de la década del 2000. ‘My Head & My Heart’ también fue calando poco a poco entre el público y ha acabado convirtiéndose en una de sus canciones más escuchadas en las plataformas musicales con más de 160 millones de escuchas en Spotify y ha tenido un buen rendimiento comercial, ya que ha ocupado el top 20 en Reino Unido y el top 50 en la lista americana. Después de unos meses de ausencia, Ava Max ha regresado al panorama musical con el single EveryTime I Cry, que se trata de otra deliciosa pieza de dance-pop y electropop producida por su habitual colaborador Cirkut e influenciada por la música de baile de los años 90, ya que la joven cantante se ha caracterizado desde sus inicios por su inclinación por las décadas de los 90 y el 2000. En ‘EveryTime I Cry’, Ava Max intenta pasar página de una relación fallida que la ha dejado hundida y mientras «llora se vuelve más fuerte». Aunque durante las primeras escuchas ‘EveryTime I Cry’ no tiene el gancho que sí poseía su anterior single, poco a poco va conquistando y resulta un tema muy pegadizo y bailable. Ava Max no sólo no ha lanzado ningún tema malo desde sus inicios, sino que puede presumir de contar con una sucesión de excelentes singles que muchas artistas pop envidiarían tener en su repertorio. Todavía no se conoce si ‘EveryTime I Cry’ formará parte de una re-edición del álbum o será un single suelto, ya que Ava ha declarado que no ha dado por finalizada la etapa «Heaven & Hell».
Crítica de «True Blue» de Madonna
Puede parecer increíble pero se han cumplido 35 años del lanzamiento de uno de los álbumes más importantes de la historia del pop e icónico dentro de la extensa carrera musical de Madonna. Me estoy refiriendo a True Blue, el tercer álbum de estudio de la Reina del Pop y que tomó el relevo al exitoso «Like a Virgin», el cual vio la luz dos años atrás y contó con hit singles de la talla de ‘Material Girl’ o el tema que daba título al álbum. True Blue está formado por 9 temas encuadrados dentro del pop y el dance-pop con influencias pop/rock y Latin-pop compuestos por la propia Madonna bajo la producción de Patrick Leonard y Stephen Bray, quien ya participó en varios temas de su anterior álbum. True Blue incorporaba letras sobre amor, perseguir sus sueños o las relaciones con su familia y está dedicado a su marido por entonces, el actor Sean Penn. El tercer disco de Madonna fue aclamado por la crítica por su sólido conjunto de canciones pegadizas y bailables, su mayor madurez como compositora, sus mejoradas habilidades como vocalista y supuso un importante avance cualitativo con respecto a sus dos últimos álbumes. En un intento por llegar a un público de mayor edad, Madonna incorporó a sus canciones una instrumentación más clásica, usó un tono de voz menos agudo y se alejó en cierta manera de la imagen juvenil presentada durante la era «Like a Virgin». Respaldado por varios singles muy exitosos, «True Blue» debutó en el #1 en las listas de venta de 20 países en todo el mundo, incluyendo importantes mercados como Reino Unido, Australia, Canadá, Alemania o España. En Estados Unidos se convirtió en el segundo #1 de Madonna, fue certificado 7 veces platino por ventas superiores a los 7 millones de copias aunque no logró superar las cifras de «Like a Virgin», el cual fue certificado diamante al vender más de 10 millones de ejemplares en tierras americanas. «True Blue» superó los 25 millones de copias a nivel mundial, convirtiéndose en uno de los álbumes más exitosos de los años 80 y permanece como el álbum de estudio de Madonna más vendido, sólo superado por el recopilatorio «The Immaculate Collection», publicado en 1990 y que superó los 30 millones de ejemplares alrededor del mundo.
El primer single del álbum fue Live To Tell, una emotiva balada pop producida por Patrick Leonard con gran componente orquestal cuyas letras hablan sobre ser fuerte y sobreponerse al engaño y la desconfianza en las relaciones, inspirada en la complicada relación con sus padres. Live To Tell marcó un claro viraje de Madonna hacia el formato Adult Contemporary, recibió buenas opiniones de los expertos musicales por sus personales letras, la madurez y serenidad mostrada en el tema y fue considerada como una de las mejores baladas dentro de la carrera de Madonna. Live To Tell obtuvo un gran apoyo por parte del público, alcanzó el #1 en las listas de venta de Estados Unidos o Canadá y fue top 5 en Reino Unido. Como segundo single se lanzó Papa Don’t Preach, un tema pop up-tempo que destacaba por su gran uso de instrumentos musicales, incluyendo violín, piano o guitarra. Mientras que la mayoría de canciones presentes en el álbum hablan de amor, en ‘Papa Don’t Preach’ Madonna trata el tema del embarazo durante la adolescencia y cómo una joven católica afronta su decisión sobre abortar o tener el bebé, además del complicado momento de contarle su situación a un padre religioso y conservador. Esta canción generó gran controversia entre la conservadora sociedad americana de los años 80 por su mensaje anti-aborto y provocó el primer conflicto de Madonna (de los muchos que tendría con el paso de los años) con el Vaticano, sin embargo fue aclamado por la crítica experta, que lo consideró uno de los temas más sobresalientes del disco. ‘Papa Don’t Preach’ fue nominado a un premio Grammy a mejor actuación vocal femenina de pop, tuvo un extraordinario desempeño comercial y lideró las listas de venta de Reino Unido, Australia, Canadá o Estados Unidos.
El tercer single lanzado fue la canción que daba título al álbum, True Blue, que se trataba de un tema pop de corte retro con influencia doo-wop, inspirado en el sonido Motown de los años 60 que Madonna escuchaba durante su juventud y cuyas letras están dedicadas al amor que sentía por Sean Penn. En el videoclip de ‘True Blue’ Madonna lucía una imagen más conservadora, recatada y femenina que se oponía a su habitual imagen rebelde y sexy mostrada hasta el momento. True Blue alcanzó el #1 en Reino Unido, #3 en Estados Unidos y ocupó el top 10 en la mayoría de los mercados musicales más importantes. Como cuarto single llegó Open Your Heart, un tema pop up-tempo con uso prominente de percusión originalmente concebida como una canción rock para Cindy Lauper pero transformada en un tema dance-pop por Patrick Leonard y Madonna para ser incluido en «True Blue». En esta canción de amor, Madonna rogaba a su amante que abriera su corazón y le expresaba sus deseos más íntimos, convirtiéndose en el tema del álbum con una temática más sexual. ‘Open Your Heart’ tuvo un desempeño comercial inferior al de los anteriores sencillos alrededor del mundo pero alcanzó el #1 en la lista americana y fue top 5 en Reino Unido. El quinto y último single fue La Isla Bonita, un pegadizo tema Latin-pop cuya melodía cuenta con varios instrumentos de origen hispano como la guitarra española, castañuelas o maracas, está inspirado en la pasión de Madonna por la cultura latina e incorpora varias palabras cantadas en español. Este tema recibió grandes críticas por su original melodía de inspiración latina y sus letras sobre soñar con el paraíso como vía de escape de la aburrida vida cotidiana y con el paso de los años se ha convertido en uno de los temas más icónicos de la carrera de Madonna e interpretado en la mayoría de sus giras de conciertos. ‘La Isla Bonita’ resultó extremadamente exitoso en Europa, donde alcanzó el #1 en Reino Unido, Francia, Canadá o Alemania y ocupó el top 5 en Estados Unidos, continuando la impresionante racha comercial de los singles lanzados de True Blue. El inesperado éxito de ‘La Isla Bonita’ fue responsable de que Madonna continuara por la senda Latin-pop en su siguiente single ‘Who’s That Girl’, perteneciente a la banda sonora de la película del mismo título protagonizada por la cantante americana en 1987.
Aunque los 5 singles lanzados resultaban las mejores canciones del álbum, todavía quedaban temas muy interesantes dentro de True Blue como ‘Love Makes The World Go Round’, un marchoso tema dance-pop con influencia Latin-pop que abordaba la temática de que «el amor mueve el mundo» pero también lanzaba un mensaje en contra de la guerra y la pobreza, ‘Where’s The Party’, un bailable tema synth-pop y pop/rock de sonido muy ochentero o el marchoso ‘Jimmy Jimmy’, que se trataba de un marchoso tema synth-pop y dance-pop en el que Madonna habla de su predilección por los «chicos malos y rebeldes» del vecindario que le recordaban a su ídolo James Dean. En resumen, en su momento de lanzamiento, «True Blue» supuso el trabajo más maduro de la carrera de Madonna y mostraba una evidente evolución musical que la convertía en una artista más completa tanto a nivel de compositora como vocalista, además la elección de los singles de este álbum es posiblemente la mejor de toda la trayectoria de la Reina del Pop. El impacto comercial del álbum fue espectacular: se ha convertido en el álbum de estudio más exitoso de Madonna, uno de los más vendidos de la historia de la música y cabe destacar que todos sus singles alcanzaron el #1 bien en Estados Unidos o en Reino Unido. Personalmente «True Blue» es mi álbum favorito de Madonna de su primera etapa ya que está compuesto por un conjunto muy sólido de canciones pop tremendamente marchosas, alegres y pegadizas. Temas imprescindibles: La Isla Bonita, Papa Don’t Preach, Open Your Heart, Live To Tell, True Blue y Love Makes The World Go Round. Puntuación: 9/10.
Crítica de «Now… Us!» de No Angels
Vanessa, Nadja, Jessica, Sandy y Lucy resultaron las ganadoras de la primera edición del concurso musical Popstars en Alemania, que tenía el objetivo de crear una banda femenina similar a Spice Girls. Al final de la competición las cinco jovencitas, bajo el nombre de No Angels, fueron fichadas por una importante discográfica y grabaron su primer álbum, que vio la luz en 2001, en plena fiebre del fenómeno fan y con importantes grupos de chicos y chicas dominando las listas de venta de todo el mundo. Elle’ments resultó un gran éxito comercial en Alemania, donde lideró la lista de álbumes durante tres semanas, superó el millón de copias, acabó como el álbum más vendido del 2001 en dicho país y contó con los hit singles ‘Daylight In Your Eyes’, ‘There Must Be an Angel’ y ‘Rivers of Joy’. Un año después de «Elle’ments», el quinteto alemán publicó su segundo álbum de estudio, titulado Now… Us!, el cual está formado principalmente por temas up-tempo de estilo pop y dance-pop con influencias R&B, Latin-pop y pop/rock y destaca por el hecho de que cada una de las componentes del grupo compuso e interpretó en solitario un tema del álbum. «Now… Us!» debutó en el #1 de la lista alemana de álbumes al igual que su predecesor y ocupó el top 5 en Austria y Suiza. El single presentación del álbum fue Something About Us, un marchoso tema pop/R&B up-tempo con influencia Latin-pop y melodía de guitarra española compuesto por Vanessa. En este tema, el grupo respondía a las injustas críticas recibidas por los medios de comunicación relacionadas con los clichés y prejuicios que existen en los grupos denominados como ‘prefabricados’. Este single recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su naturaleza bailable y su poderoso mensaje, lo catalogaron como un digno sucesor de hits anteriores del grupo y fue nominado a mejor single pop del año en los premios alemanes ECHO. En el terreno comercial, ‘Something About Us’ resultó un gran éxito y alcanzó el #1 en la lista de ventas de Alemania, convirtiéndose en el tercer single del grupo en alcanzar la posición de honor.
Como segundo single se lanzó Still In Love With You, un bonito tema mid-tempo de estilo Latin-pop con uso prominente de guitarra española en el que las chicas de No Angels hablan de una relación que se ha terminado por la distancia pero siguen echando de menos a su pareja. ‘Still In Love With You’, cuyo videoclip se grabó en Almería (España), recibió grandes críticas por sus influencias latinas y su melancólico sonido y tuvo un gran desempeño comercial ya que ocupó el #2 en Alemania. El tercer single lanzado del álbum fue la versión remix de Let’s Go to Bed, producido por el famoso DJ alemán Mousse T y que se trataba de un enérgico tema dance-pop con influencia funk que se alejaba del sonido Europop de sus anteriores singles. Pese a recibir buenas opiniones de los expertos musicales por su divergencia con el habitual estilo de No Angels, se convirtió en el primer single del grupo que no alcanzaba el top 10 en Alemania (fue #11) y su lanzamiento menos exitoso hasta la fecha.
Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Say Goodbye’, un marchoso tema R&B y Latin-pop que se trataba de la canción de Sandy en solitario, ‘Like Ice in the Sunshine’, un bailable tema dance-pop o ‘Lovestory’, un moderno tema R&B up-tempo. En resumen, nos encontramos ante un álbum más que digno, formado por un conjunto de canciones pop bailables y pegadizas, sin apenas relleno y que cuenta con las agradables y solventes voces de las 5 componentes de No Angels. «Now… Us!» junto con «Elle’ments» son los dos mejores álbumes del grupo alemán y resultan notablemente superiores a sus siguientes trabajos discográficos. Temas imprescindibles: Something About Us, Still In Love With You, Say Goodbye, Like Ice in the Sunshine y Lovestory. Puntuación: 7’5/10.
Crítica de «American Life» de Madonna
El primer álbum de Madonna de la década del 2000 fue Music, el cual recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales, tuvo un desempeño comercial espectacular (fue #1 en más de veinte países y superó los 10 millones de copias en todo el mundo) y contó con hit singles de la talla de ‘Music’ o ‘Don’t Tell Me’. Tras la extensa gira ‘Drowned World Tour’, que promocionaba tanto «Music» como «Ray of Light» y se convirtió en la gira más exitosa del año 2001, Madonna publicó su segundo disco de grandes éxitos y retomó su faceta como actriz protagonista en la película ‘Swept Away’ (‘Barridos por la Marea’ en España) e hizo un pequeño papel en ‘Die Another Day’, perteneciente a la saga de James Bond. Además de participar en la película de 007, Madonna grabó una canción para su banda sonora, Die Another Day, que se trataba de un tema electropop y dance-pop producido por Mirwais Ahmadzaï que destacaba por su uso prominente de violines y la voz de Madonna muy distorsionada. ‘Die Another Day’ recibió críticas negativas por su desacertada elección como canción principal de una película de James Bond, ya que su sonido electrónico no encajaba con el habitual estilo presente en la saga, sin embargo recibió dos nominaciones a los premios Grammy (entre ellas mejor grabación Dance) y en el terreno comercial resultó un nuevo éxito para Madonna: fue #1 en España y Canadá, ocupó el top 5 en Australia, Reino Unido o Alemania y el top 10 en Estados Unidos. Una vez que terminó sus compromisos profesionales como actriz, la cantante de Michigan volvió al estudio de grabación para dar forma a su siguiente proyecto musical. En abril de 2003 vio la luz el noveno álbum de estudio de Madonna, American Life, que seguía la estela musical de su anterior trabajo «Music» y estaba formado por 11 temas encuadrados dentro del electropop y dance-pop con gran influencia del sonido folk y uso prominente de guitarras acústicas, reminiscencia de Music. Madonna compuso todos los temas del álbum junto con el productor francés Mirwais Ahmadzaï (responsable de 6 temas de «Music») quien se encargó de la entera producción del álbum, con pequeñas participaciones de otros productores como Stuart Price, Guy Sigsworth y Mike ‘Spike’ Stent. American Life es un álbum conceptual que trata temas como el materialismo y la búsqueda del ‘Sueño Americano’ y supone la respuesta de Madonna como ciudadana estadounidense ante trágicos acontecimientos sucedidos en los últimos años como el atentado a las Torres Gemelas de Nueva York y la guerra de Irak, que tuvieron un profundo efecto en la sociedad americana y crearon una sensación de desasosiego, paranoia y desolación entre la población. Las críticas de Madonna en contra del materialismo y la superficialidad presente en la actual sociedad suponían una divergencia con respecto a la reputación que se ganó la cantante durante los años 80 con canciones como ‘Material Girl’, apodo que se le daría a Madonna y cuyas letras citaban «porque estamos viviendo en un mundo material y yo soy una chica material», lo que chocaba con la opinión actual de la Reina del Pop. Durante la promoción de American Life, Madonna lució un look militar y revolucionario que encajaba con el mensaje del álbum y en la portada recreó la icónica foto del Che Guevara con su boina militar. Como dato curioso, Madonna lucía melena morena en la portada de un álbum por primera vez en 14 años, concretamente desde «Like a Prayer» (si bien no aparecía su cara en la portada del álbum, en las fotos promocionales sí lucía melena morena) aunque es cierto que durante la era «Ray of Light» también se tiñó de morena en varios de sus videoclips como ‘Frozen’, ‘Nothing Really Matters’ o ‘The Power of Good-Bye’.
El single presentación fue el tema que daba título al álbum, American Life, en el que Madonna critica la cultura del ‘Sueño Americano’, la fama y la superficialidad de la vida moderna. Este tema está encuadrado dentro del electropop pero contiene gran influencia folk y uso de guitarra acústica durante el estribillo e incorpora un rap en el que Madonna relata todos los privilegios de los que goza («tengo un abogado, un manager, un agente, un chef, tres niñeras y un asistente») pero que no le hacen ser feliz ni estar satisfecha y declara vivir fuera del ‘Sueño Americano’, además de declararse como no cristiana. American Life recibió numerosas y feroces críticas en Estados Unidos por sus polémicas letras, por ello muchas radios americanas dejaron de pinchar el tema, de ahí que apenas alcanzara el top 40 en Billboard, convirtiéndose en la peor posición de un ‘lead single’ de Madonna hasta el momento. En el resto del mundo sin embargo tuvo un desempeño comercial muy positivo y fue #1 en Canadá, #2 en España o Reino Unido y el top 10 en Italia, Francia o Alemania. El videoclip original de ‘American Life’, de temática militar y con un contenido muy violento y agresivo (en el que incluso tiraba una granada al presidente Bush) finalmente no vio la luz por expresa decisión de Madonna debido al inestable clima político en Estados Unidos por la reciente guerra de Irak, por ello se grabó un segundo videoclip más inofensivo en el que cantaba delante de banderas de todo el mundo.
El segundo single fue Hollywood, un marchoso tema dance-pop y electropop en el que Madonna continuaba con su crítica al ‘Sueño americano’ y relataba cómo muchas personas intentan conseguir la fama viajando a Hollywood (que representa el negocio del espectáculo), al que califica como un mundo codicioso y de sueños efímeros. Debido al boicot en contra de Madonna en Estados Unidos y su escaso ‘airplay’ en las radios, ‘Hollywood’ fue incapaz de entrar en la lista americana, convirtiéndose en su primer single en 20 años que no entraba en el Hot 100 de Billboard, aunque alcanzó el #1 en el componente Dance Club Songs de Billboard. En el resto del mundo gozó de moderado éxito y alcanzó nuevamente el #2 en Reino Unido o España y top 5 en Canadá. Como tercer single se lanzó Nothing Fails, una balada mid-tempo pop/folk con uso prominente de guitarra acústica y coro Gospel al final de la canción que se distancia del mensaje anti-capitalista de los anteriores singles y se trata de una canción de amor. Este tema está compuesto junto a Guy Sigsworth y destaca por ser la única canción del álbum no escrita por Mirwais, aunque sí se encargó de la producción. ‘Nothing Fails’ contó con una escasa promoción y ni siquiera se grabó videoclip, de ahí que tuviera un desempeño comercial muy negativo (fue el segundo single del álbum que no entraba en la lista americana) aunque alcanzó el #1 en España, uno de los mercados más receptivos durante la era ‘American Life’. El cuarto y último single del álbum fue Love Profusion, un tema dance-pop y electropop con uso prominente de guitarra dedicado a Guy Ritchie, su marido por entonces y en el que Madonna nuevamente expresa su confusión con respecto a la cultura americana y cómo ha perdido la ilusión. Love Profusion resultaba la apuesta más comercial y ‘radio-friendly’ del álbum y se convirtió en el tercer single #1 del álbum en España, fue top 5 en Canadá o Italia y alcanzó el #11 en Reino Unido. Aunque no fue lanzado de manera oficial como single, Nobody Knows Me se usó como sencillo promocional en las radios americanas y varios de sus remixes aparecían en el CD-single de ‘Nothing Fails’. ‘Nobody Knows Me’ es un tema dance-pop y electropop, el más up-tempo del álbum y guarda similitudes con ‘Impressive Instant’, perteneciente al álbum «Music».
Entre las canciones más interesantes del álbum se encuentran ‘Intervention’, un tema electropop mid-tempo con gran uso de guitarra acústica en el que Madonna habla sobre el amor duradero, ‘X-Static Process’, una balada acústica que cuenta sólo con la voz de Madonna, un órgano y una guitarra, ‘Mother and Father’, un marchoso tema electropop y dance-pop en el que la cantante habla de la muerte de su madre cuando ella era una niña y cómo le afectó a su padre y a la relación entre ambos o ‘I’m So Stupid’ en el que expresa su desilusión por vivir en un sueño confuso y declara que es una estúpida. Pese a la intensa polémica que provocó el lanzamiento del primer single, «American Life» debutó en el #1 en la lista americana de álbumes con más de 240 mil copias en su primera semana, convirtiéndose en el quinto álbum #1 de Madonna en Estados Unidos y acabó siendo certificado platino por ventas cercanas al millón de ejemplares, lo que resultaban unas cifras muy inferiores a las de «Music» y «Ray of Light», que superaron los 3 y 4 millones de copias respectivamente. A nivel internacional, «American Life» alcanzó el #1 en más de 10 países del mundo, incluyendo Reino Unido, Canadá, Francia o Alemania y superó los 5 millones de copias alrededor del mundo, menos de la mitad que «Music». En resumen, aunque «American Life» es considerado como el álbum ‘maldito’ de Madonna y fue muy criticado en el momento de su publicación, años después ha recibido el reconocimiento que merece y personalmente es uno de mis favoritos y más escuchados dentro de su extensa carrera discográfica. Temas imprescindibles: American Life, Hollywood, Love Profusion, Nothing Fails, Intervention y Mother and Father. Puntuación: 9/10.
Crítica de «Poster Girl» de Zara Larsson
Con tan sólo 16 años, Zara Larsson publicó su primer álbum de estudio, el cual fue lanzado de manera limitada en su nativa Suecia y otros países escandinavos y antes de haber cumplido los 20 años ya había había visto la luz su segundo disco, el primero lanzado a nivel internacional. El álbum con el que conocimos a la joven cantante sueca, So Good, se trataba de un álbum pop y dance-pop muy influenciado por el sonido de moda durante aquellos años, el Tropical House, además de cierta influencia R&B e incluía varios éxitos como ‘Lush Life’, ‘Never Forget You’ o ‘I Would Like’, que alcanzaron posiciones muy altas en las listas de venta. «So Good» fue #1 en Suecia, alcanzó el top 10 en importantes mercados como Reino Unido o Australia y cabe destacar que ocupó el top 30 en la lista americana, tan reacia a productos eminentemente pop. Cuatro años después del lanzamiento de «So Good», Zara Larsson ha regresado al panorama musical con su tercer álbum de estudio, titulado Poster Girl, el cual está formado por 12 temas encuadrados dentro del dance-pop, electropop y R&B con cierta influencia Disco compuestos en su mayoría por la propia Zara bajo la producción de Mattman & Robin, Steve Mac, The Monsters & The Strangerz, Ian Kirpatrick o Mike Sabath entre otros. «Poster Girl» es un trabajo dirigido a las pistas de baile, compuesto en su mayoría por temas up-tempo, aunque también encontramos varios temas mid-tempo y destaca por la ausencia de baladas. Al igual que ocurrió con «So Good», una gran cantidad de singles se han lanzado con anterioridad a la publicación de «Poster Girl» y para dar con el primer single tenemos que remontarnos a octubre del 2018 cuando vio la luz Ruin My Life, un tema mid-tempo pop/R&B compuesto por la propia Zara y producido por The Monsters & The Strangerz, el dúo americano responsable de su hit ‘I Would Like’, en el que la cantante muestra su lado más vulnerable relatando una relación tóxica. ‘Ruin My Life’ recibió buenas críticas por su evolución musical y a nivel comercial alcanzó el #2 en Suecia, el top 10 en Reino Unido e incluso consiguió entrar en la parte baja de la lista americana. Tras más de dos años de ser lanzado, ‘Ruin My Life’ se ha posicionado como uno de los singles más exitosos de Zara y supera los 400 millones de reproducciones en Spotify. En 2019 la atractiva cantante lanzó como singles Don’t Worry Bout Me, un marchoso tema dance-pop y electropop con influencia Tropical House compuesto por Zara junto a la prometedora cantante sueca Tove Lo y All The Time, un alegre y pegadizo tema synth-pop con influencias Disco. Pese a ser dos de los mejores singles lanzados por Zara y haber obtenido buenas cifras de streaming en las plataformas musicales, ‘Don’t Worry Bout Me’ y ‘All The Time’ no han sido incluidos en la versión final de «Poster Girl» y únicamente aparecen en la edición japonesa del álbum.
En verano del año pasado se lanzó Love Me Land, que posteriormente ha sido catalogado como el verdadero single presentación del álbum y se trata de un original tema electropop y dance-pop que destaca por su melodía enigmática y el uso de violines y está compuesto por la propia Zara junto a los afamados compositores Julia Michaels y Justin Tranter. Love Me Land ha tenido un impacto mínimo a nivel mundial pero ha ocupado nuevamente el top 10 en la lista de Suecia. Tras él llegó Wow, un tema electropop de carácter mid-tempo producido por Marshmello que debido a su inclusión en la banda sonora de la película ‘Work It’ ha obtenido una mayor repercusión que el anterior single pese a su escasa promoción y la ausencia de videoclip y ha superado los 70 millones de reproducciones en Spotify. Ya en 2021 se ha lanzado Talk About Love, que cambia el estilo de los anteriores singles y se adentra en el sonido pop/R&B que ha explorado en temas como ‘Ruin My Life’. ‘Talk About Love’ cuenta con la participación del rapero y cantante americano Young Thug (el único artista invitado del álbum) y habla sobre el momento que viven dos personas que se están conociendo y empiezan a tener sentimientos el uno por el otro.
Previamente al lanzamiento del álbum se ha lanzado un nuevo sencillo promocional, ‘Look What You’ve Done’, que se trata de un marchoso tema dance-pop con influencia Disco y uso prominente de violines producido por Steve Mac que recuerda a su colaboración con Clean Bandit en ‘Symphony’ y podría formar parte del álbum de Ava Max por su estilo y pegadizas letras. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Need Someone’, un tema dance-pop con un toque retro Disco/funk y melodía de piano, ‘FFF’ (acrónimo de ‘Falling For a Friend’), un marchoso tema dance-pop con influencias del synth-pop de los años 80, ‘Poster Girl’, el tema que da título al álbum y tiene un toque retro Disco que encajaría a la perfección en el último álbum de Dua Lipa o ‘Stick With You’, en cuyos créditos se encuentra el mismísimo Max Martin y se trata de un medio tiempo pop/R&B con melodía de guitarra acústica que supone uno de los momentos más calmados del disco.
Como he comentado en numerosas ocasiones, a «So Good» le ocurría lo mismo que al debut de Dua Lipa o el último disco de Rita Ora (y a tantas otras cantantes británicas recientemente) y es que son álbumes repletos de hits pero resultan más bien una playlist de éxitos que un disco centrado debido a la inclusión de tantos singles lanzados con anterioridad además de colaboraciones con otros artistas, sin embargo «Poster Girl» pese a padecer más o menos de lo mismo, resulta más cohesivo y consistente que el anterior álbum de Zara Larsson. Aunque no llega al nivel del disco debut de Ava Max, este nuevo trabajo de la cantante sueca también está destinado a ser escuchado en su totalidad sin apenas saltar ninguna canción ya que esta formado por buenos temas pop, con melodías accesibles y letras sencillas pero que resultan pegadizos y bailables. Sin duda «Poster Girl» es uno de los mejores discos pop lanzados en este 2021 hasta la fecha, aunque hubiera ganado puntos si incluyera los singles descartados ‘Don’t Worry Bout Me’ y ‘All The Time’. Temas imprescindibles: Look What You’ve Done, Wow, Need Someone, Ruin Me, Love Me Land y FFF. Puntuación: 7’5/10.
Crítica de «Bang» de Rita Ora
La cantante Rita Ora publicó en noviembre de 2018 su esperado segundo álbum de estudio, Phoenix, después de nada más y nada menos que 8 años de diferencia con respecto a su disco debut debido a problemas con su discográfica que le impidieron lanzar nueva música. Phoenix se trataba de un álbum de estilo electropop y dance-pop que se distanciaba del sonido urbano de su debut y contó con los singles ‘Let You Love Me’ y ‘Anywhere’, los cuales gozaron de gran éxito y ocuparon el top 5 en la lista británica. Tras varias colaboraciones con otros artistas, en marzo de 2020, antes de que la pandemia del coronavirus llegara a nuestras vidas, la cantante de ascendencia albanesa regresó con el single ‘How to Be Lonely’, un tema pop mid-tempo compuesto por el cantante y compositor escocés Lewis Capaldi que iba a formar parte de su nuevo álbum de estudio pero su mediocre desempeño comercial puso en entredicho el futuro de este proyecto. Desde entonces apenas hemos sabido nada de ella hasta este mes de febrero, cuando Rita Ora ha regresado al panorama musical con Bang, un EP formado por 4 temas encuadrados dentro del sonido Dance/House bajo la producción del DJ y productor musical de Kazajistán Imanbek y que cuenta con la participación de dos artistas invitados: el rapero americano Gunna y el artista argentino de Trap Khea. En palabras de la cantante este EP es «una mezcla de pop moderno, cultura de club de los años 80/90 y House llenapistas» y supone el trabajo más up-tempo y dirigido a las pistas de baile de toda su trayectoria.
El primer tema del EP es ‘Big’, un enérgico tema Dance/House que cuenta con la producción adicional de David Guetta y la participación del rapero Gunna. Le sigue ‘Bang Bang’, que se trata de otro potente tema influenciado por el House de los años 90 y que destaca por samplear la tantas veces tarareada melodía instrumental de la famosa película ‘Superdetective en Hollywood’ protagonizada por Eddie Murphy. La tercera canción es ‘Mood’, que destaca por bajar el trepidante ritmo de los temas anteriores y adentrarse en sonidos electropop, Trap y Dubstep y cuenta con la participación de Khea, un cantante de Trap que añade sus versos en español a este tema, el más flojo de los 4 presentes en ‘Bang’. El último tema es ‘The One’, que recupera el sonido Dance/House de las dos primeras canciones y es posiblemente la más adictiva y pegadiza del EP gracias a sus letras en las que Rita relata cómo odia partir el corazón a alguien que ama. En resumen, «Bang» no aporta nada nuevo al panorama musical ni a la carrera de Rita Ora, aunque como aperitivo de su próximo álbum de estudio resulta interesante por su incursión en el sonido Dance/House y divergencia con respecto a su estilo habitual. Puntuación: 5/10.
Double Round Review: «Try This» y «I’m Not Dead» de Pink
Tras el gran éxito logrado con Missundaztood, el cual vendió más de 12 millones de copias en todo el mundo y contó con 4 populares singles, la cantante americana Pink se convirtió una de las figuras más importantes del pop de la década del 2000. En 2003 Alecia Moore participó en la banda sonora de una película ‘Charlie’s Angels: Full Throttle’ con la canción ‘Feel Good Time’, que se trataba un tema dance-pop con un toque psicodélico producido por William Orbit que tuvo un desempeño moderado en las listas de venta. Dos años después de «Missundaztood» Pink regresó con su tercer álbum de estudio, Try This, en el que profundizó en el sonido pop/rock iniciado en su anterior álbum y para ello trabajó con Tim Amstrong (perteneciente al grupo de rock Rancid) además de Linda Perry, quien contribuyó en varios temas de «Missundaztood» incluyendo el primer single. Aunque «Try This» es eminentemente un álbum pop/rock podemos encontrar influencias punk-rock, dance-pop y R&B en varias de las canciones. Con una promoción inferior a la de su anterior trabajo, «Try This» se convirtió en el álbum menos vendido de la cantante americana hasta el momento y en la actualidad permanece como uno de sus trabajos menos exitosos. «Try This» debutó en el top 10 de la lista americana de álbumes y vendió un millón de copias en Estados Unidos (una cifra notoriamente inferior a la de «Missundaztood», que superó los 5 millones) y en el resto del mundo alcanzó el top 5 en Reino Unido y Alemania y el top 10 en Australia. El single presentación del álbum fue Trouble, un enérgico tema pop/rock con influencia punk-rock producido por Tim Amstrong cuyas letras hacen referencia al espíritu rebelde e indómito de la cantante. ‘Trouble’ estuvo acompañado de un original videoclip ambientado en un pueblo del Oeste americano dominado por rufianes al que llega Pink para devolver el orden y la legalidad. ‘Trouble’ gozó de un gran éxito en Australia, Reino Unido, Alemania o Canadá, donde alcanzó el top 10, sin embargo en Estados Unidos tuvo un escaso impacto (apenas ocupó el top 70) y se convirtió el single menos exitoso de Pink hasta el momento. ‘Trouble’ ganó un premio Grammy a mejor actuación femenina de rock, el segundo Grammy que recibiría la cantante americana en su carrera tras su participación en el hit ‘Lady Marmalade’.
El segundo single lanzado fue God Is a DJ, un bailable tema pop/rock y dance-pop con un gran aire ‘ochentero’ producido por Billy Mann que destaca por sus originales letras «Si Dios es un DJ, la vida es una pista de baile, el amor es el ritmo y tu eres la música» en las que Pink anima a vivir la vida al máximo. ‘God Is a DJ’ recibió críticas positivas por sus originales letras aunque tuvo un desempeño comercial muy mediocre, marcando mínimos en la carrera de Pink. Como tercer y último single se lanzó Last to Know, un potente tema rock que suponía la inmersión definitiva de la cantante en dicho género. Debido a que Pink estaba embarcada en una extensa gira por Europa y América, este single apenas contó con promoción y fracasó en las listas de venta. Pese a que «Try This» no se encuentra entre mis álbumes favoritos de Pink, no resulta un trabajo de baja calidad en absoluto ya que contiene un conjunto más que digno de canciones de sonido pop/rock que encajan a la perfección con la personalidad rebelde e inconformista de la cantante americana. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Humble Neighborhoods’ y ‘Try Too Hard’, dos enérgicas canciones rock de carácter up-tempo, ‘Oh My God’, un tema electroclash de letras muy explícitas que cuenta con la colaboración de la cantante Peaches o ‘Catch Me While I’m Sleeping’, una balada producida por Linda Perry reminiscencia del sonido R&B de su primer álbum. Temas imprescindibles: Trouble, Last to Know, God Is a DJ, Try Too Hard y Humble Neighborhoods. Puntuación: 7/10.
«Try This» fue el último trabajo de Pink dentro de la discográfica Arista, con la que tuvo grandes diferencias durante la grabación y promoción de dicho disco, lo que provocó su salida después de tres álbumes dentro de ella. Tras la gira promocional de «Try This» Pink se tomó un periodo de descanso en el que se inspiró de nuevos estilos y sonidos para su próximo disco. En abril de 2006 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Pink, I’m Not Dead, cuyo título hacía referencia a que la cantante no estaba ‘muerta’ ni desaparecida del panorama musical tras el fracaso de su anterior álbum. «I’m Not Dead» sigue la estela pop/rock de sus dos anteriores álbumes pero resulta más accesible a todos los públicos y tiene un mayor componente pop que «Try This», el cual contenía un sonido más oscuro. Pink compuso todas las canciones presentes en el álbum y trabajó con importantes nombres de la industria musical como Billy Mann (quien ya contribuyó en su anterior disco), Butch Walker, Max Martin o Dr. Luke entre otros. El single presentación del álbum fue Stupid Girls, un marchoso tema pop con influencias R&B y pop/rock producido por Billy Mann que destacaba por sus letras en contra de la imagen sexualizada que se les impone a las mujeres en la sociedad y el mundo del espectáculo. Este tema resultaba un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que Pink animaba a las niñas y mujeres a potenciar su inteligencia y no su cuerpo. ‘Stupid Girls’ recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus inspiradoras letras y el carácter marchoso y bailable de la canción y fue nominado a mejor actuación vocal femenina en los premios Grammy. ‘Stupid Girls’ llevó de nuevo a Pink a la parte alta de las listas de venta tras el fracaso de sus últimos singles y ocupó el top 5 en Reino Unido, Australia o Canadá y el #13 en Estados Unidos. ‘Stupid Girls’ contó con un divertido e irónico videoclip en el que Pink se metía en el papel de varias chicas superficiales (algunas de ellas famosas como Lindsay Lohan, Jessica Simpson o Paris Hilton) contra las que se revela en la letra de la canción. Como segundo single se lanzó Who Knew, un tema pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke (quienes juntos han creado grandes hits dentro del mundo del pop) en el que Pink muestra su lado más emotivo y vulnerable hablando de un buen amigo al que perdió por el abuso de drogas. ‘Who Knew’ recibió opiniones positivas de los críticos musicales por la emotividad de la cantante y la producción del tema y obtuvo un rendimiento muy positivo en las listas de venta ya que ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. En su lanzamiento original en Estados Unidos, ‘Who Knew’ no tuvo demasiado apoyo por parte del público pero tras el éxito del siguiente single volvió a ser re-lanzado en tierras americanas y alcanzó el top 10 y fue certificado platino.
El tercer single elegido fue U + Ur Hand, otra de las producciones de Max Martin y Dr. Luke para el álbum y que se trataba de un enérgico tema pop/rock en el que Pink habla de cómo rechaza a los hombres en el club y destaca por sus explicitas letras sobre la masturbación. ‘U + Ur Hand’ alcanzó el top 10 en la lista americana, acabó siendo certificado platino (su primer single en alcanzar el millón de copias) y fue el responsable de la revitalización de la carrera de Pink en Estados Unidos y el aumento de ventas de I’m Not Dead. En el resto del mundo también tuvo un desempeño muy positivo y ocupó el top 10 en los principales mercados. En Europa y Australia se lanzó como cuarto single Nobody Knows, que se trataba de una balada a piano producida por Billy Mann que destaca por sus personales letras sobre la depresión que sufrió Pink años atrás. Pese a ser una de las mejores baladas lanzadas por la cantante hasta la fecha, apenas contó con promoción y tuvo un impacto comercial limitado. El siguiente single extraído fue Dear Mr. President, una balada acústica pop/rock y folk que resultó bastante polémica por sus directas letras en contra del entonces presidente de Estados Unidos George Bush, a quien critica sus desacertadas decisiones sobre la guerra de Irak o su oposición al matrimonio gay. Aunque no contó con videoclip ni apenas promoción fue capaz de ocupar el top 5 en Australia y Alemania. Como último single se lanzó Leave Me Alone (I’m Lonely), un marchoso tema pop/rock y dance-pop producido por Butch Walker en el que Pink demanda a su amante más tiempo libre.
«I’m Not Dead» se caracterizó por su gran longevidad en las listas de venta debido al gran número de singles lanzados, debutó en el #6 de la lista americana (la posición más alta de Pink hasta la fecha) y gracias a la consistencia y éxito de los tres primeros singles acabó vendiendo más de dos millones de copias en Estados Unidos. A nivel internacional el éxito del álbum fue muy notorio, sobretodo en Australia y Alemania, donde alcanzó el #1 y en Reino Unido, donde fue #3 y superó los 6 millones en todo el mundo, unas cifras muy superiores a las alcanzadas por «Try This». Aunque casi la mitad de los temas del álbum fueron lanzados como singles, todavía quedaban canciones interesantes dentro de «I’m Not Dead» como ‘Cuz I Can’, un potente tema pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke en el que Pink demuestra que es una mujer fuerte e independiente y no sigue las reglas de los demás o el tema que da título al disco o ‘I’m Not Dead’, que supone una declaración de intereses por parte de Pink. Tras el relativo fracaso que supuso su anterior álbum, Pink regresó con un álbum muy sólido de pop/rock comercial que marcaba el sendero por el que continuaría en sus sucesivos trabajos. Sin duda «I’m Not Dead» es uno de los mejores trabajos de su amplia discografía. Temas imprescindibles: Who Knew, Stupid Girls, I’m Not Dead, Cuz I Can, U + Ur Hand y Leave Me Alone (I’m Lonely). Puntuación: 8/10.
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