Autor: deividtoxic

Los álbumes imprescindibles de Hip Hop femenino (2ª parte)

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The Naked TruthThe Naked Truth de Lil’ Kim.

En marzo de 2005 Lil’ Kim fue declarada culpable de conspiración y perjurio por mentir al jurado sobre su participación y la de sus amigos en un tiroteo a las afueras de una estación de radio de Nueva York y cumplió un año de prisión en Filadelfia. Mientras Kimberly Jones (el verdadero nombre de Lil’ Kim) se encontraba encarcelada, vio la luz su cuarto álbum de estudio, titulado The Naked Truth, el cual se trata de un álbum muy largo, con más de 20 temas, que cuenta con la producción de Scott Storch, J.R. Rotem, Red Spyda o Channel 7 y en el que aparecen un gran número de artistas invitados, como Snoop Dogg, The Game, T.I. o Twista. «The Naked Truth» recibió excelentes críticas de los expertos musicales por las grandes habilidades de Lil’ Kim como rapera y su magistral producción y fue considerado como su álbum más personal hasta la fecha y un clásico del Hip Hop contemporáneo. La prestigiosa publicación americana The Source, especializada en música Hip Hop, le dio al álbum la máxima puntuación, convirtiendo a Lil’ Kim en la primera rapera femenina en conseguir dicho logro. Pese a su nula promoción debido al encarcelamiento de Kim, «The Naked Truth» debutó en el #6 de la lista americana (el tercer álbum top 10 consecutivo de la rapera neoyorquina) y fue certificado oro en Estados Unidos por ventas superiores al medio millón de copias. El primer single del álbum fue Lighters Up, un clásico tema Hip Hop producido por su ex-pareja Scott Storch en el que Kim rinde homenaje a su barrio natal de Brooklyn. ‘Lighters Up’ ocupó el top 40 en la lista americana y alcanzó su mejor posición en Reino Unido, donde fue #12. El segundo y último single lanzado fue Whoa, un pegadizo tema producido por J.R. Rotem en el que la rapera neoyorquina ataca a Junior M.A.F.I.A. y a los responsables de que entrara en prisión. Merece la pena reseñar temas como ‘Quiet’, que cuenta con la participación del rapero The Game, el marchoso ‘Spell Check’ en el que nuevamente se enfrenta a su antiguo grupo o ‘Shut Up Bitch’, en el que presume de su status social y económico y se declara superior a sus rivales. En definitiva, «The Naked Truth» es uno de los álbumes de Hip Hop femenino más sólidos y consistentes lanzados durante la década del 2000 y uno de los responsables de allanar el camino a una generación posterior de mujeres fuertes y empoderadas que triunfarían años más tarde dentro del Rap femenino.

Good NewsGood News de Megan Thee Stallion.

El 2020 resultó un año clave en la carrera profesional de Megan Thee Stallion ya que pasó de ser una rapera conocida dentro del circuito Hip Hop americano a despuntar a nivel internacional gracias al éxito de sus singles y las colaboraciones realizadas con otros artistas. A principios del año Megan publicó su tercer EP, «Suga», que recibió buenas críticas por sus habilidades como rapera y contó con el hit single ‘Savage’, el cual fue lanzado posteriormente en forma de remix con la colaboración de Beyoncé y alcanzó el #1 en la lista americana. El álbum debut de la rapera texana tiene por título Good News y está formado por 17 temas encuadrados en el Hip Hop y compuestos por la propia Megan bajo la producción de Scott Storch, J. White Did It, Buddah Bless, J.R. Rotem o DJ Mustard entre otros. «Good News» cuenta con la participación de un gran número de invitados de la talla de DaBaby, City Girls, Big Sean, 2 Chainz, Lil Durk o la cantante SZA. El single presentación del álbum fue Girls In The Hood, que se trata de un marchoso tema Hip Hop producido por Scott Storch que samplea ‘Boyz-n-the-Hood’ de Eazy-E pero cambia el contenido machista de esta canción y se convierta en un himno en defensa de las mujeres, por lo general tratadas de manera injusta en las letras de las canciones de Hip Hop. Meses más tarde, Cardi B solicitó la presencia de Megan Thee Stallion en el single ‘WAP’, el cual llamó la atención del público por sus letras muy explícitas sobre la satisfacción sexual de las mujeres y su controvertido videoclip y acabó ocupando nuevamente el #1 en la lista americana, todo un éxito para la joven rapera. El segundo single lanzado fue Don’t Stop, que se trata de un tema Hip Hop con influencia Trap y fuerte componente electrónico que cuenta con la participación del rapero Young Thug y continua con su mensaje positivo sobre la sexualidad femenina. Como tercer single se lanzó Body, un marchoso tema en el que la rapera reivindica su rotunda figura y anima a las mujeres a celebrar sus cuerpos, continuando el mensaje de auto-aceptación y empoderamiento femenino de los anteriores singles. «Good News» destaca por sus letras sexuales pero cargadas de un mensaje feminista y su influencia del sonido Old School, distanciándose del repetitivo sonido Trap que inundó la escena Hip Hop durante aquellos años.

Queen de Nicki Minaj.

Nicki Minaj se consolidó como una de las figuras más prominentes del panorama Hip Hop femenino gracias al éxito de sus tres primeros álbumes. En el año 2018 vio la luz su cuarto trabajo discográfico, Queen, el cual está formado en su mayoría por temas Hip Hop de carácter up-tempo con influencias R&B, Trap y de sonidos tropicales y caribeños como Dancehall o reggae. La rapera nacida en Trinidad y Tobago decidió mantener su credibilidad como artista de Hip Hop y seguir la estela musical de su anterior álbum «The Pinkprint», alejándose del sonido dance-pop y electropop que introdujo en «Pink Friday: Roman Reloaded», su segundo trabajo. «Queen» cuenta con una larga lista artistas invitados entre los que se encuentran Eminem, The Weeknd, Ariana Grande, Future, Lil Wayne o Foxy Brown. Como anticipo del álbum, la rapera neoyorquina lanzó dos singles: ‘Chun-Li’ y ‘Barbie Tingz’, los cuales lograron un éxito moderado en la lista americana, sin embargo el primero de ellos logró gran popularidad y un mayor impacto comercial, por lo que fue catalogado como single oficial de «Queen» y por el contrario ‘Barbie Tingz’ no fue incluido en la edición final del álbum. Chun-Li se trata de un tema up-tempo influenciado por el East Coast Hip Hop en el que Nicki critica a sus detractores y se compara con el personaje del videojuego Street Fighter. ‘Chun-Li’ debutó en el top 10 de la lista americana y fue certificado platino en Estados Unidos. Como sencillo promocional Nicki Minaj ‘Rich Sex’, que se trata de un tema Hip Hop y Trap de carácter duro y agresivo que cuenta con la participación de su íntimo amigo Lil Wayne, devuelve a Nicki su ‘street credibility’ perdida gracias a sus letras y su estilo Gangsta Rap y recuerda a la música de la rapera Trina. El segundo single lanzado fue Bed, un medio tiempo R&B y Hip Hop en el que colabora Ariana Grande, con quien Nicki ya trabajó en varias ocasiones desde que coincidieron en ‘Bang Bang’ de Jessie J. ‘Bed’ comparte similitudes con ‘Right By My Side’ del álbum «Roman Reloaded» y es el tema más comercial de «Queen» por su pegadizo estribillo pop y la dulce voz de Ariana. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Majesty’, que cuenta con un rap de Eminem y la voz del cantante Labrinth en un estribillo memorable y nos recuerda a su álbum debut, ‘Hard White’, otro agresivo tema Gangsta Rap similar a ‘Rich Sex’ que viene a demostrar que más allá de pelucas coloridas y looks imposibles, Nicki es una gran artista rimando y componiendo o ‘Thought I Knew You’, un tema con influencia R&B alternativo donde la presencia del artista invitado, The Weeknd, acapara el protagonismo de la canción. También destacan ‘Ganja Burns’, un tema Hip Hop up-tempo muy marchoso que contiene melodía Afrobeat o ‘Barbie Dreams’, en el cual Nicki se inspira en un famoso tema del legendario The Notorious B.I.G. y cita a sus artistas de Rap favoritos. En resumen, «Queen» es un buen sucesor de «The Pinkprint» y mereció la pena su espera de casi 4 años, sin embargo no es la obra maestra que nos pretendía vender Nicki Minaj ya que resulta muy largo y sobran unos cuantos temas. Pese a todo Nicki demostró que sigue siendo una importante figura del Hip Hop femenino contemporáneo debido a su gran versatilidad como artista y sus habilidades como compositora y rapera.

Eve-OlutionEve-Olution de Eve.

En 2001 vio la luz Scorpion, el segundo trabajo discográfico de Eve, el cual estaba producido por Swizz Beatz y Dr. Dre y recibió buenas críticas por el talento de Eve como rapera y liricista y la gran producción. «Scorpion» debutó en el #4 en la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado platino por ventas superiores al millón de ejemplares en Estados Unidos. Uno de los puntos fuertes de «Scorpion» sin duda fueron sus dos magníficos singles, ‘Who’s that Girl?’ y ‘Let Me Blow Ya Mind’ junto a Gwen Stefani, los cuales tuvieron una gran respuesta por parte del público. Apenas un año después de «Scorpion» y aprovechando su gran popularidad, Eve publicó su tercer álbum de estudio, titulado Eve-Olution, el cual está formado por 16 temas encuadrados dentro del Hip Hop con influencias R&B y compuestos por la propia Eve bajo la producción de sus habituales colaboradores Swizz Beatz y Dr. Dre, además de Trackmasters o Irv Gotti entre otros. Como todo álbum de Hip Hop que se precie, «Eve-Olution» cuenta con un gran número de artistas invitados entre los que se encuentran Snoop Dogg, Alicia Keys, Truth Hurts, Styles P, Nate Dogg o Jadakiss. «Eve-Olution» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes (su tercer top 10 consecutivo) y fue certificado oro en Estados Unidos. El single presentación del álbum fue Gangsta Lovin’, un pegadizo tema Hip Hop y R&B producido por Irv Gotti que cuenta con la participación de Alicia Keys y habla de su pasión por los hombres de barrio. ‘Gangsta Lovin’ es uno de los temas más ‘radio friendly’ y accesibles del álbum, recibió buenas críticas de los expertos musicales y resultó un gran éxito ya que alcanzó el #2 en la lista americana de singles (la misma posición que ‘Let Me Blow Ya Mind’) y fue top 10 en Reino Unido o Australia, convirtiéndose en uno de los temas más populares de la carrera de Eve. El segundo single lanzado fue Satisfaction, un tema Hip Hop producido por Dr. Dre en el que Eve relata lo motivada que se siente por aportar nueva música que pueda revolucionar el género a la vez que defiende su estatus dentro del mundo del Rap. ‘Satisfaction’ tuvo un desempeño comercial moderado y alcanzó el top 40 en Estados Unidos y Reino Unido. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘What’, que cuenta con la inconfundible producción de Dr. Dre y participa la cantante Truth Hurts, ‘Let This Go’, un marchoso tema con uso prominente de guitarra española en el que Eve relata una ruptura con su pareja o ‘Hey Y’All’, que muestra el lado más urbano del álbum y cuenta con la colaboración del rapero Snoop Doog y el cantante Nate Dogg. Eve es una de las mejores raperas y liricistas de su generación, sin embargo conoce el poder de un buen estribillo pop, por ello «Eve-Olution» contiene temas de Hip Hop en sentido estricto pero también canciones con pegadizos ganchos interpretados por famosas cantantes. En resumen, «Eve-Olution» mantiene el buen nivel de «Scorpion» y es uno de los mejores álbumes dentro del Hip Hop femenino de la década del 2000. «Eve-Olution» es el último ‘gran álbum’ de Eve antes de iniciar una espiral decreciente en su éxito comercial y una dramática disminución de popularidad.

Still Da BaddestStill Da Baddest de Trina.

En 2008 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Trina, Still Da Baddest, cuyo título hace referencia a su icónico disco debut, Da Baddest Bitch, dando a entender que la rapera de Florida sigue siendo la misma mujer empoderada y auténtica de siempre que habla sin tapujos de sexo al igual que lo hacen sus compañeros masculinos. «Still Da Baddest» está compuesto por 12 canciones de estilo Hip Hop con influencias R&B en los que Trina sigue con su habitual temática sobre sexo, poder y lujo, aunque también hay espacio para baladas en las que muestra su lado más vulnerable y emotivo. Un gran número de artistas invitados aparecen en el álbum (7 de los 12 temas contienen ‘featurings’) entre los que se encuentran Missy Elliott, Keyshia Cole, Killer Mike, Pitbull o Rick Ross. «Still Da Baddest» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes (#1 en los componentes Hip-Hop/R&B y Rap de Billboard), convirtiéndose en el primer álbum top 10 de Trina en Estados Unidos y su mejor posición hasta la fecha. Con más de 400 mil copias vendidas en tierras americanas, Trina demostró ser una de las raperas con la carrera más estable y consistente dentro del Hip Hop femenino de la década del 2000. El single presentación del álbum fue Single Again, un marchoso tema Hip Hop de carácter up-tempo e influencia pop/R&B que destaca por el hecho de que Trina canta durante un verso y el estribillo. Este tema se convirtió en su mayor aproximación al mainstream y uno de sus temas más ‘radio friendly’, estilo que copiarían más adelante raperas como Nicki Minaj. En ‘Single Again’, la artista de Miami celebra su soltería tras su ruptura con Lil Wayne y declara que nunca encontrará otra mujer como ella, aunque confiesa que formaban una gran pareja como Jay-Z y Beyoncé. Pese a ser uno de los mejores singles lanzados por Trina hasta la fecha, ‘Single Again’ no consiguió entrar en la lista americana y tuvo un mediocre rendimiento comercial. Como segundo single llegó I Got a Thang for You, una balada R&B y Hip Hop que cuenta con la colaboración de la cantante Keyshia Cole y muestra la faceta más vulnerable y emotiva de Trina. Este tema recibió algunas críticas por su «contenido blando» y su intento de capitalizar el éxito de ‘Here We Go’ repitiendo la misma fórmula de tema lento con colaboración de una estrella del R&B. Merece la pena reseñar la canción que da título al álbum, ‘Still Da Baddest’, en el que Trina reivindica que sigue siendo «la perra más mala» del panorama Hip Hop con unos vigorosos y agresivos versos que demuestran que es una de las mejores raperas de su generación o ‘Clear It Out’, otro de los pocos temas sin ‘featurings’ del disco pero en el que Trina se basta y se sobra para demostrar su talento. «Still The Baddest» es uno de los trabajos más sólidos dentro de la discografía de Trina y reforzó su posición dominante dentro del Hip Hop de la década del 2000.

81fCEGQbUIL._SL1450_Under Construction de Missy Elliott.

En 2002 Missy Elliott publicó en 2002 su cuarto álbum de estudio, Under Construction, el cual está encuadrado dentro del Hip Hop y el R&B al igual que sus anteriores trabajos, sin embargo en esta ocasión abandona el sonido electrónico de su anterior álbum para centrarse en un sonido más retro influenciado por el Old School Hip Hop. «Under Construction» cuenta con la producción de la propia Missy Elliott y su habitual colaborador y amigo de la infancia Timbaland, sin embargo por primera vez encontramos varias canciones firmadas por otros productores, en concreto Craig Brockman y Nisan Stewart, quienes ya habían co-producido anteriormente temas junto a Timbaland y Missy. Entre los artistas invitados en el álbum se encuentran Ludacris, Method Man, Jay-Z, el grupo TLC o Beyoncé. «Under Construction» debutó en el #3 de la lista americana de álbumes con 250 mil copias en su primera semana a la venta, las cifras más altas de Missy Elliott hasta la fecha y acabó siendo certificado doble platino por vender más de dos millones de ejemplares en Estados Unidos, lo que convirtió al cuarto disco de la rapera en el más exitoso de su trayectoria. En el resto del mundo, ocupó el top 30 en las listas de venta de Francia, Reino Unido, Australia o Alemania. «Under Construction» recibió excelentes críticas de los expertos musicales que lo calificaron como el mejor álbum de su carrera y fue nominado a mejor álbum de Rap y álbum del año en los premios Grammy. El single presentación del álbum fue Work It, un tema inspirado en el Old School Hip Hop de los años 80 y que destaca por las habilidades para rimar de Missy y sus originales onomatopeyas y la gran producción de Timbaland. ‘Work It’ permaneció en el #2 de la lista americana de singles durante 10 semanas consecutivas pero fue incapaz de llegar a lo más alto debido al éxito masivo conseguido por ‘Lose Yourself’ de Eminem que se mantenía imbatible en el #1. ‘Work It’ alcanzó el top 10 en Reino Unido y Australia, convirtiéndose en su single más exitoso hasta la fecha a nivel internacional. La prestigiosa revista musical Rolling Stone nombró a ‘Work It’ single del año, lo cual se convirtió en un gran logro para la rapera, quien el año anterior consiguió el mismo reconocimiento con ‘Get Ur Freak On’. Como segundo single se lanzó Gossip Folks, que se trata de un marchoso tema Hip Hop cuenta con la colaboración de Ludacris (quien ya participó en su hit ‘One Minute Man’) y en el que Missy se enfrentaba a los rumores acerca de su sexualidad o su peso. ‘Gossip Folks’ ocupó nuevamente el top 10 en la listas de venta de Estados Unidos y Reino Unido. Sólo dos singles fueron lanzados de este álbum, lo cual es una auténtica lástima ya que hay grandes temas, como ‘Back In the Day’, un clásico tema Old School Hip Hop que cuenta con la participación del rapero Jay-Z y contiene coros de Tweet, la protegida de Missy Elliott. En este tema Missy y Jay-Z hablan con nostalgia del Hip Hop de la vieja escuela, relatan cómo ha cambiado el mundo del Rap durante estos últimos años y hacen referencias a legendarios artistas como Tupac, Dr. Dre o The Notorious BIG. En resumen, «Under Construction» es uno de los mejores álbumes de Hip Hop de la pasada década debido al gran talento de Missy Elliott como compositora, productora, rapera, cantante y ‘show woman’ en general, lo que unido a la magistral producción de Timbaland y los importantes artistas invitados hacen de este trabajo una auténtica obra maestra.

The PinkprintThe Pinkprint de Nicki Minaj.

El 2014 resultó un gran año para Nicki Minaj, ya que su presencia en las radios y las listas de venta fue máxima gracias a sus singles y las numerosas colaboraciones realizadas con otros artistas. Además Nicki fue uno de los personajes más populares en Estados Unidos no sólo por su música, sino por su faceta como actriz, modelo y empresaria. A finales del 2014 vio la luz su tercer álbum de estudio, The Pinkprint, en el que la rapera neoyorquina se aleja del sonido dance-pop presente en su anterior disco y recupera el Hip Hop más tradicional. «The Pinkprint» está formado principalmente por baladas Hip Hop reminiscencia de su primer álbum, compuestas por la propia Nicki bajo la producción de Dr. Luke, Mike WiLL Made It, Hit-Boy, Hitmaka, Pop & Oak, Boi-1da o Polow da Don entre otros y cuenta con la participación de un gran número de artistas invitados como Drake, Lil Wayne, Chris Brown, Beyoncé o Ariana Grande. «The Pinkprint» debutó en el #2 de la lista americana, pero obtuvo unas cifras de venta inferiores a las logradas por «Pink Friday» y «Roman Reloaded». Durante la promoción del álbum, la rapera de Trinidad y Tobago declaró que «The Pinkprint» era su trabajo más maduro, vulnerable y autobiográfico, ya que por primera vez habla de sus propias experiencias, lo que lo convierte en su disco más personal hasta el momento. Onika Maraj (el verdadero nombre de Nicki Minaj) comentó que para la grabación de este álbum se inspiró en «The Blueprint» de Jay-Z y al igual que este disco se ha convertido en un clásico del Hip Hop masculino, cree que «The Pinkprint» será un referente del Hip Hop femenino para las generaciones venideras. El álbum recibió buenas críticas de los expertos musicales debido a las habilidades de Nicki Minaj como compositora, su gran técnica con rapera su sólida colección de canciones presentes. El single presentación del álbum fue Pills n Potions, una balada Hip Hop con influencias pop/R&B producida por Dr. Luke en la que Nicki habla de alguien que le hirió pero que todavía sigue amando y guarda muchas similitudes con los temas pertenecientes a su álbum debut. Como segundo single se lanzó Anaconda, un tema Hip Hop de letras sexualmente muy explícitas en las que Nicki se refiere a la parte más llamativa de su anatomía. Gracias a su polémica actuación en los premios MTV y su explícito videoclip, ‘Anaconda’ se convirtió en un auténtico éxito en Estados Unidos, donde alcanzó el #2, la mejor posición de Nicki Minaj en la lista americana hasta la fecha. El tercer single lanzado fue Only, un tema Hip Hop de carácter downtempo y sonido oscuro que cuenta con la colaboración de Lil Wayne, Drake y Chris Brown y destaca por su vuelta al Hip Hop más agresivo y duro de sus orígenes. Como cuarto single se lanzó Bed of Lies, una bonita balada a piano que cuenta con la colaboración de la cantante Skylar Grey y recibió buenas críticas por sus emotivas letras sobre su reciente ruptura sentimental y el talento para rimar de Nicki. La mayor parte del álbum está formada por baladas Hip Hop como por ejemplo ‘All Things Go’, el tema que abre el disco y en el que Nicki relata grandes desafíos a los que se ha enfrentado en su vida como las complicadas relaciones familiares o el camino hasta alcanzar la fama y el éxito. Del resto del álbum destacan ‘The Night Is Still Young’, el momento más up-tempo del álbum y único tema dance-pop que encontramos o ‘Get on Your Knees’, de temática muy sexual, con influencias R&B y que cuenta con la participación de Ariana Grande. En resumen, «The Pinkprint» es un álbum de Hip Hop muy sólido que nos presenta a una Nicki Minaj más auténtica, vulnerable y madura, que abandona sus pelucas rosas y excéntricos atuendos del pasado para mostrarse tal y como es.

Supa Dupa FlySupa Dupa Fly de Missy Elliott.

El debut de Missy Elliott es uno de los álbumes más importantes e icónicos dentro del género Hip Hop y que ha sido incluido tanto en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos como en la de los mejores álbumes debut de la historia de la música, ambos creados por la prestigiosa revista musical Rolling Stone. Mientras componía canciones para otros artistas como Total, 702, Ginuwine o Aaliyah, Missy empezó a trabajar en su álbum debut, el cual vio la luz en julio de 1997. Supa Dupa Fly está formado por 17 temas encuadrados dentro del Hip Hop y el R&B y compuestos por Missy ‘Misdemeanor’ Elliott junto a Timbaland, el cual se encargaba además de la entera producción de este trabajo. Desde un principio Missy Elliott destacó por su carismática personalidad, su inconfundible estilo y su gran versatilidad como cantante y rapera, lo que unido a la magistral producción de Timbaland, quien añadió a las canciones un sonido vanguardista y numerosos samplers, hicieron de este álbum uno de los más destacados de la década de los 90 dentro del género Hip Hop. Además Missy y Timbaland fueron los responsables de redefinir el sonido R&B y Hip-Hop de la época con este álbum, el cual inspiró a numerosos artistas posteriores como Aaliyah, Destiny’s Child o Ciara. «Supa Dupa Fly» cuenta con la colaboración de varios artistas invitados como el propio Timbaland, Aaliyah (quien se convertiría en su protegida e íntima amiga), Lil’ Kim, Da Brat, 702, Nicole Wray, Magoo o Busta Rhymes. «Supa Dupa Fly» debutó en el #3 de la lista americana de álbumes y superó las 120 mil copias en su primera semana a la venta, lo que suponían las cifras más altas de una rapera hasta el momento. El debut de Missy acabó vendiendo más de un millón de copias en Estados Unidos y fue certificado platino. El single presentación fue The Rain (Supa Dupa Fly), un original tema mid-tempo Hip-Hop y R&B que sampleaba una canción de los años 70 llamada ‘I Can’t Stand The Rain’, cuyas letras servían de estribillo al tema. ‘The Rain’ tuvo un desempeño muy moderado en Estados Unidos y no logró entrar en el Hot 100 de Billboard, sin embargo ocupó el top 20 en Reino Unido, que se convirtió en uno de los países más receptivos a la música de Missy. Como segundo single se lanzó Sock It 2 Me, otro tema que fusionaba R&B y Hip-Hop (lo que se convertiría en una de las señas de identidad de Missy Elliott) y contaba con la colaboración de la rapera Da Brat. ‘Sock It 2 Me’ alcanzó el #12 en la lista americana de singles, su mejor posición hasta el momento y también ocupó el top 50 en Alemania y Reino Unido. El tercer single lanzado fue Beep Me 911, un marchoso tema Hip-Hop/R&B que contaba con la colaboración del trío de R&B 702 y el rapero Magoo y en cuyas letras Missy insiste a su amante que si piensa abandonarle debe decírselo antes de marcharse. ‘Beep Me 911’ nuevamente tuvo un buen desempeño comercial en Reino Unido, donde alcanzó el #14, sin embargo no logró pisar el Hot 100 americano. Como cuarto y último single del álbum se extrajo Hit Em wit da Hee, un tema R&B/Hip-Hop de sonido oscuro en cuya versión del álbum cuenta con la participación de Lil’ Kim pero para su lanzamiento como single fue sustituida por la menos conocida rapera Mocha. Mientras que sus colegas masculinos de la época hablaban de drogas y violencia y las raperas femeninas contemporáneas se centraban en el sexo, Missy, quien no tenía un físico imponente como Lil’ Kim, destacó por tratar temas como la auto-aceptación, el empoderamiento femenino y las complicadas relaciones con los hombres. En resumen, «Supa Dupa Fly» es uno de los álbumes debut más potentes de un artista de Hip Hop de todos los tiempos y tanto las canciones, como la innovadora producción de Timbaland, la estética de los videoclips y la presencia escénica de Missy Elliott resultan vanguardistas, están adelantados a su tiempo e incluso hoy en día siguen llamando la atención y resultan modernos.

Crítica de «So Close to What» de Tate McRae

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Como ya he comentado en varias ocasiones en el blog Mister Music, en cada generación aparecen un par de ‘pop stars’ dominantes que triunfan a nivel global y a su sombra surgen otras cantantes ‘segundonas’ que no logran el mismo impacto debido a su inferior talento o simplemente por tratarse de copias descaradas de conocidas divas del pop. Tate McRae es una joven y prometedora cantante que aspira a convertirse en la nueva princesa del pop y cualidades no le faltan, sin embargo no posee el carisma y la simpatía de la pícara Sabrina Carpenter, la presencia escénica de Katy Perry o la prodigiosa voz de Ariana Grande y desde luego no es la nueva Britney Spears (uno de sus claros referentes y fuente de inspiración). Sin embargo, con tan solo 21 años la cantante canadiense tiene una legión de fans en todo el mundo gracias al tremendo éxito conseguido con canciones como ‘Greedy’, que acumula cifras estratosféricas en las plataformas musicales y ocupó el top 5 en las principales listas de venta. Este mes de febrero ha visto la luz el tercer álbum de estudio de Tate McRae, titulado So Close to What, el cual se trata de un álbum eminentemente pop con numerosos elementos R&B, electropop y synth-pop. La cantante nacida en Calgary (sin ser una excepcional compositora) ha participado en la composición de todos los temas presentes en el álbum y ha contado con la producción de importantes nombres de la industria musical como Ryan Tedder, Lostboy, Blake Slatkin o Ilya entre otros. Los canciones de «So Close to What» exploran temas como el auto-descubrimiento, el amor y los problemas que surgen en las relaciones sentimentales.

En septiembre del año pasado llegó el single presentación del álbum, It’s OK I’m OK, que se trata de un tema up-tempo electropop con influencias R&B y Hip Hop compuesto por Ilya y Savan Kotecha (habituales colaboradores de Max Martin) que nos retrotrae al estilo de Britney y su álbum homónimo, a la que Tate imita su voz sexy y susurrada. En este tema la cantante habla de su ex-novio y advierte a la nueva pareja de él de su verdadera personalidad y comportamiento. ‘It’s OK I’m OK’ tuvo un desempeño comercial positivo y ocupó el top 20 en las listas de venta de Reino Unido, Australia, Canadá o Estados Unidos. Como segundo single se lanzó 2 Hands, un tema electropop y R&B producido por Ryan Tedder y Lostboy cuyas letras hacen referencia a cómo Tate intenta atraer la atención de su amante. ‘2 Hands’ obtuvo de nuevo una buena acogida por parte del público y alcanzó el top 10 en la lista británica y el top 20 en Australia, aunque apenas fue top 50 en la lista americana.

El tercer single lanzado ha sido Sports Car, un tema mid-tempo pop/R&B de sonido muy dosmilero que guarda similitudes con ‘Buttons’ de The Pussycat Dolls y las producciones de Timbaland para el álbum «Loose» de Nelly Furtado. Este tema producido por Ryan Tedder utiliza los coches deportivos como metáfora para hablar de la adrenalina que produce la seducción y el sexo, pero Tate afirma que no desea un compromiso serio con su amante. ‘Sports Car’ ha resultado un éxito comercial y ha ocupado el top 10 en Reino Unido, Canadá o Australia y el top 25 en Estados Unidos. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado como single Revolving Door, un tema up-tempo influenciado por el ritmo Jersey Club cuyas letras hablan de volver a una relación tóxica anterior una y otra vez como si de una puerta giratoria se tratase. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Miss Possessive’, que explora el tema de los celos y el excesivo control dentro de una relación amorosa y en el que Tate deja las cosas claras a una chica que intenta cruzar la línea con su hombre o ‘Dear God’, otro medio tiempo pop/R&B muy dosmilero en el que le pide ayuda a Dios para sacarse de la cabeza a un chico. Tate habla de la complejidad del amor y muestra su vulnerabilidad en temas como ‘Means I Care’, en el que explica la complicada manera en la que muestra afecto a los demás y admite que cuando quiere a alguien a veces marca distancia y se aleja. 

En definitiva, Tate McRae tiene una bonita voz, es atractiva y destaca por ser una magnífica bailarina, sin embargo como artista resulta tremendamente genérica, no tiene identidad propia y cuenta con una voz impersonal y un registro muy limitado. Durante su desarrollo artístico, la cantante canadiense se ha influenciado de estrellas del pop del 2000 como Britney Spears o The Pussycat Dolls, a las que imita con total descaro. El álbum «So Close to What» es entretenido y agradable de escuchar pero no aporta nada nuevo u original al panorama musical actual ya que está formado en general por un conjunto de temas genéricos y poco memorables. La cantante canadiense tiene gran potencial y todavía es muy joven, por lo que solo necesita tiempo para evolucionar, mostrar su verdadera personalidad e identidad y encontrar un estilo propio y diferenciador. Temas imprescindibles: Sports Car, Miss Possessive, Revolving Door, It’s OK I’m OK, Dear God y 2 Hands. Puntuación: 6’5/10.

Throwback Review: «The Family Jewels» de Marina and the Diamonds

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Durante este mes de febrero se han cumplido 15 años del lanzamiento del álbum debut de Marina and the Diamonds, por lo que realizaré una crítica en retrospectiva de este interesante trabajo. Desde sus comienzos en el mundo de la música la cantante británica Marina Diamandis siempre se ha reivindicado como una artista única y original dentro del panorama pop y tanto las letras de sus canciones como la imagen y estilo adoptados durante la promoción de este álbum lo confirman. A lo largo de los temas que conforman el álbum, la cantante galesa muestra su gran versatilidad como vocalista ya que alterna su registro grave con su característico falsete y destaca por adoptar una forma de cantar exagerada y caricaturesca que encaja a la perfección con su divertida imagen y extrovertida personalidad. En febrero de 2010 vio la luz The Family Jewels, el cual está formado por 13 temas encuadrados dentro de un pop alternativo con numerosos elementos synth-pop, electropop, dance-pop o pop/rock y cuenta con influencias de la música de los años 80 y 90. Marina Diamandis compuso todas las canciones presentes en el álbum y contó con la producción de importantes nombres de la industria musical como Greg Kurstin, Richard Stannard o Liam Howe. Marina destaca sin duda por su papel de compositora y en las letras de los temas presentes habla del consumismo y los valores en la sociedad actual, su sueño de ser una estrella de la música, la familia o la sexualidad femenina. «The Family Jewels» debutó en el #5 de la lista británica de álbumes y es el trabajo más vendido de la cantante de ascendencia griega, seguido muy cerca por «Electra Heart», su segundo álbum de estudio.

Una gran cantidad de singles fueron lanzados para promocionar «The Family Jewels». Como single presentación del álbum se lanzó un single de doble cara A formado por los temas ‘Mowgli’s Road’ y ‘Obsessions’. Mowgli’s Road supone toda una declaración de intereses por parte de Marina ya que declara que no es una cantante de ‘pop prefabricado’ y se reivindica como una artista original y distinta a las demás. ‘Mowgli’s Road’ es un tema indie-pop con influencias electropop y pop/rock cuyo título del tema hace referencia al personaje de «El libro de la selva». Por su parte, Obsessions es un tema synth-pop mid-tempo en el que la cantante muestra el lado más sensible y vulnerable en una complicada relación amorosa. Previo a la publicación del álbum se lanzó Hollywood, que se trata de un tema synth-pop producido por Richard Stannard en el que Marina habla de una chica extranjera que viaja a Estados Unidos para vivir el sueño americano y hace una crítica de la obsesión por la cultura de las celebrities y la búsqueda de la fama en Hollywood. ‘Hollywood’ alcanzó el #12 en la lista británica, convirtiéndose en el single más exitoso de Marina hasta la fecha. El tercer single lanzado fue I Am Not a Robot, un tema indie-pop y pop/rock cuyas letras hacen referencia a que incluso las personas que parecen fuertes pueden sufrir en determinados momentos y Marina nos anima a mostrar nuestro lado más vulnerable. ‘I Am Not a Robot’ tuvo buena acogida por parte del público y alcanzó el top 30 en la lista de singles de Reino Unido.

El siguiente single lanzado fue Oh No!, que se trata de un marchoso tema electropop y dance-pop producido por Greg Kurstin en el que Marina aborda su estatus como estrella de la música, antepone su sueño de ser cantante a las relaciones amorosas y habla del miedo al futuro y sus aspiraciones profesionales. ‘Oh No!’ tuvo un desempeño comercial moderado y alcanzó el top 40 en la lista británica de singles. Como último single en Reino Unido se lanzó Shampain, que según Marina es una de las composiciones menos profundas del álbum y en la que habla del lado más deprimente y negativo de emborracharse. ‘Shampain’ es un desenfadado tema electropop  y synth-pop producido por Liam Howe. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Are You Satisfied?’, en cuyas letras Marina afirma que pese a que sus sueños se están haciendo realidad nunca acaba de estar satisfecha completamente o ‘Girls’, un tema up-tempo electropop y pop/rock que habla de sus sus problemas con el peso y anima a las mujeres a no comportarse como enemigas de otras mujeres.

Cabe destacar que en la actualidad 5 temas pertenecientes a «The Family Jewels» se encuentran entre las 10 canciones más populares de Marina en la plataforma Spotify y cuentan con unas altas cifras de streaming, lo que confirma la importancia de este álbum dentro de su magnífico repertorio musical. Personalmente descubrí a Marina and the Diamonds con el álbum «Electra Heart» (el cual considero su obra maestra) sin embargo tiempo más tarde tuve la oportunidad de revisitar su álbum debut, que resulta un trabajo muy sólido, lleno de temas desenfadados y diferentes a lo que se solía escuchar en el panorama pop durante aquella época. Marina and the Diamonds hace gala de su originalidad y estilo distintivo en este álbum y destaca por su talento como compositora y su gran versatilidad como vocalista. Sin duda uno de los álbumes debut más importantes dentro del pop de la década del 2010. Temas imprescindibles: Oh No!, Hollywood, Are You Satisfied?, I Am Not a Robot, Mowgli’s Road, Obsessions y Shampain. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «Kelis Was Here» de Kelis

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Kelis Was HereKelis aumentó de manera notoria su presencia en el panorama musical gracias a su tercer álbum, Tasty, que contó singles muy exitosos como ‘Milshake’ o ‘Trick Me’, los cuales ocuparon los primeros puestos en las listas de venta de todo el mundo e incrementaron la popularidad y fama de la cantante americana. «Tasty» está formado por un conjunto muy variado de canciones que incluían R&B, funk, Hip Hop o Soul y resultaba más accesible al público masivo que sus anteriores trabajos, los cuales tenían un sonido más alternativo. Tras la promoción de «Tasty», Kelis se centró en su vida personal y en 2005 se casó con el rapero Nas tras varios años de noviazgo. Un año más tarde, la cantante neoyorquina regresó al panorama musical con su cuarto álbum de estudio, titulado Kelis Was Here, el cual está formado por 18 temas compuestos por la propia Kelis y producidos por importantes nombres de la industria musical como Polow da Don, Bangladesh, Will.I.Am, Scott Storch, Raphael Saadiq, Sean Garrett o Cool & Dre entre otros. Cabe destacar que The Neptunes, habituales colaboradores de Kelis y responsables de muchos de sus éxitos, no participan en este álbum tras los desencuentros con la cantante y sus crecientes diferencias creativas. Mientras que «Tasty» resultaba un álbum muy ecléctico, «Kelis Was Here» está más centrado en el sonido R&B, aunque encontramos elementos electrónicos, Hip Hop, Soul o pop/rock. «Kelis Was Here» debutó en el #10 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer top 10 de Kelis en Estados Unidos y su posición más alta en la lista Billboard, sin embargo las ventas fueron inferiores a las de «Tasty», su trabajo más exitoso hasta la fecha. En el resto del mundo el álbum tuvo un impacto mínimo y apenas alcanzó el top 50 en Reino Unido, uno de sus mercados estrella. «Kelis Was Here» obtuvo buenas críticas por parte de los expertos musicales y recibió una nominación a los premios Grammy en la categoría de mejor álbum R&B contemporáneo, pero finalmente el galardón se lo llevó «B’Day» de Beyoncé.

El single presentación del álbum fue Bossy, un tema mid-tempo R&B y Hip Hop producido por Bangladesh que contiene varios samplers de canciones famosas y cuenta con el rapero Too Short como artista invitado. Este tema, que resulta un auténtico himno de empoderamiento femenino, presenta a Kelis como una mujer pionera que presume de su credibilidad y reputación en el panorama musical, ya que se auto-referencia como la primera mujer que gritó en una canción (concretamente en su hit single ‘Caught Out There’) y atrajo la atención de todos los chicos por su famoso ‘Milshake’. ‘Bossy’ tuvo un desempeño comercial positivo y alcanzó el top 20 en las listas de Estados Unidos, Australia e incluso España (gracias a sus ventas del CD single en formato físico) o el top 25 en Reino Unido. Este tema permanece como uno de los temas más populares y exitosos de la carrera de Kelis junto con ‘Milshake’ y ‘Trick Me’. El segundo single lanzado fue Blindfold Me, un tema up-tempo R&B y Hip Hop de corte electrónico producido por Polow da Don que cuenta con colaboración de Nas. Este tema destaca por sus letras muy explícitas y de alto voltaje, en las que ambos artistas hablan de sus prácticas sexuales favoritas. Pese a su gran potencial, ‘Blinfold Me’ tuvo un impacto comercial mínimo y fue incapaz de entrar en las principales listas de venta. Como tercer single internacional se lanzó Lil Star, un coqueto tema mid-tempo R&B/Soul de sonido retro que cuenta con unas letras muy personales en las que la cantante reflexiona sobre los momentos en los que se siente insegura y tiene dudas, a diferencia de su habitual personalidad atrevida y segura de sí misma. ‘Lil Star’ alcanzó el #3 en la lista británica, convirtiéndose en uno de los singles de Kelis más exitosos en Reino Unido.

Merece la pena reseñar ‘I Don’t Think So’, un enérgico tema pop/rock que cuenta con la producción de los hitmakers Max Martin y Dr. Luke y en cuyas letras Kelis rechaza a los insistentes pretendientes que creen tener una oportunidad con ella pero no valen lo suficiente o ‘Till The Wheels Fall Off’, producido por Will.I.Am y que contiene un aroma Soul/rock. En resumen, «Kelis Was Here» es un álbum muy largo, en el que aparece excesivo relleno y en su conjunto no resulta tan innovador y arriesgado como los anteriores álbumes de Kelis, ya que la mayoría de las canciones presentes navegan dentro de un R&B genérico e impersonal. Pese a sus defectos, no se trata de un trabajo de baja calidad en absoluto, ya que es un álbum más que digno cuyos puntos fuertes son la excelente selección de singles y la versátil y personal voz de la cantante. Temas imprescindibles: Bossy, Blindfold Me, I Don’t Think So y Lil Star. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Fireworks & Rollerblades» de Benson Boone

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Benson Boone se ha convertido en uno de los cantantes más populares durante los últimos meses y su fama no ha hecho sino aumentar debido a su sorprendente actuación en los recientes premios Grammy, donde llamó la atención del público por su llamativo atuendo y su vibrante y enérgico show. Precisamente el joven artista estaba nominado a los Grammy en la categoría de artista revelación (junto a otras nuevas estrellas como Sabrina Carpenter), sin embargo el premio le fue arrebatado por Chappell Roan. En su momento no presté excesiva atención al artista americano pero no me gustaría perder la oportunidad de hacer una reseña de su primer álbum de estudio. Pese a que en abril del 2024 vio la luz su debut, el artista de Monroe (Washington) lleva varios años lanzando singles, entre los que destacan la balada a piano ‘Ghost Town’ o ‘In the Stars’, que acumulan enormes cifras de streaming en las plataformas musicales. El primer álbum de Benson Boone tiene por título Fireworks & Rollerblades y está formado por 15 canciones de estilo pop/rock compuestas por el propio Benson bajo la producción de Jason Evigan, TMS, David Hodges, Evan Blair o Captain Cuts entre otros. Las letras de las canciones tratan las complejidades de las relaciones y el miedo que siente Benson a que acaben mal. «Fireworks & Rollerblades» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes y ha sido certificado platino en Estados Unidos por su combinación de ventas físicas y puntos equivalentes de streaming. En el resto del mundo el álbum ha tenido un desempeño comercial moderado y ha ocupado el top 10 en Francia o Canadá y el top 20 en Australia o Reino Unido.

El single presentación del álbum fue Beautiful Things, una potente balada pop/rock en la que Benson habla del significado de la vida y reflexiona sobre la gratitud por la vida y el amor, aunque es consciente de que la felicidad es volátil. En ‘Beautiful Things’ el artista hace gala de su impresionante rango vocal y su talento como compositor. Debido a su gran viralidad en TikTok, este single resultó un auténtico éxito comercial en todo el mundo: alcanzó el #1 en más de 10 países incluyendo Reino Unido, Alemania, Canadá o Australia y fue #2 en Estados Unidos. ‘Beautiful Things’ es el tema más escuchado de Benson en Spotify con más de 1500 millones de escuchas. El segundo single lanzado fue Slow It Down, un tema pop/rock mid-tempo producido por Jason Evigan en cuyas letras se narra una compleja relación en la que su pareja ha decidido marcharse a otro lugar, lo que provoca un gran dolor en el cantante. Sin duda ‘Slow It Down’ es uno de los temas más destacados del álbum. En el terreno comercial tuvo un desempeño moderado y alcanzó el top 15 en Reino Unido y el top 40 en Australia, Canadá o Estados Unidos. Como tercer single se lanzó Pretty Slowly, un tema con influencias folk producido por Evan Blair cuyas letras hablan de una relación sentimental que acaba en ruptura y Benson recuerda los buenos momentos de la relación y admite los errores que cometió. Inicialmente ‘Pretty Slowly’ no formaba parte del álbum, pero fue añadido más tarde a la versión digital.

Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Be Someone’, un enérgico tema up-tempo en el que Benson pone las cartas encima de la mesa y declara que es una persona entregada e incondicional dentro una relación o ‘Cry’, en el que hace uso de su falsete mientras arremete contra una chica dramática y narcisista que le ha destrozado la vida. Pese a haber sido lanzados como singles hace años, tanto ‘Ghost Town’ como ‘In the Stars’ forman parte del track listing del álbum, lo que ha contribuido a aumentar en gran medida las ventas de «Fireworks & Rollerblades» debido a sus altas cifras de streaming. En definitiva, a Benson Boone no le faltan cualidades para triunfar: posee una potente y personal voz, es atractivo y tiene una arrolladora personalidad, por lo que le auguro un prometedor futuro en el mundo de la música. Pese a estar formado por un solvente conjunto de canciones y ser un debut más que digno, «Fireworks & Rollerblades» no ofrece nada especialmente nuevo o distintivo al panorama musical actual y recuerda a los últimos trabajos de Shawn Mendes o Harry Styles, con los que guarda numerosas similitudes. Temas imprescindibles: Slow It Down, Beautiful Things, Pretty Slowly, Cry y Be Someone. Puntuación: 7/10.

Crítica de «11:11 (Deluxe)» de Chris Brown

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A finales de 2023 vio la luz el undécimo álbum de estudio de Chris Brown. Su título 11:11 no podía ser más oportuno ya que fue publicado en noviembre (el undécimo mes del año) y se trataba de un álbum doble formado por 11 canciones en cada lado. Los últimos álbumes del cantante americano se han caracterizado por su larga extensión y «Heartbreak on a Full Moon», «Indigo» y «Breezy» contenían entre 30 y 40 temas, algo completamente inusual dentro del panorama musical actual pero que le ha proporcionado ingentes cifras de streaming con cada publicación. En palabras del cantante americano, el título del álbum tiene un significado místico ya que según las creencias populares y la numerología, «11:11» significa la presencia de ángeles protectores en nuestra vida y es un recordatorio de que estás en sintonía con el universo y los seres divinos. La edición original de «11:11» estaba formada por 22 temas y la versión deluxe, publicada en 2024, añadía 13 nuevas canciones (varios de ellas descartes de las sesiones originales del álbum), conformando un mastodóntico trabajo de 35 temas, que resulta excesivamente largo para los estándares actuales del mundo de la música. El álbum está encuadrado dentro del sonido R&B/pop habitual de Chris y cuenta con influencias Afrobeats y Dancehall, muy de moda últimamente entre los artistas de R&B. Todos los temas del álbum están compuestos por el propio cantante bajo la producción de Hitmaka, Roccstar, Boi-1da o Troy Taylor entre otros, aunque cabe destacar que la mayoría de los productores implicados no son muy conocidos. Las letras de las canciones no se alejan demasiado del habitual estilo del cantante y hablan de sexo y las diferentes fases del romance, aunque también explora otros temas como la espiritualidad, la resiliencia y la curación de las heridas emocionales. «11:11» debutó en el #9 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el undécimo trabajo de Chris que ocupa el top 10 en la lista de ventas de Estados Unidos. El hecho de que todos sus álbumes hayan sido top 10 en la lista Billboard convierte a Chris Brown en uno de los cantantes de R&B con una carrera más sólida y consistente de las últimas décadas. Recientemente «11:11 (Deluxe)» ha ganado un premio Grammy a mejor álbum R&B del año, que se suma al primer galardón que consiguió con «F.A.M.E.» en 2012 en la misma categoría. Debido a este importante logro para Chris Brown, realizaré una nueva crítica de la versión extendida de este interesante trabajo. 

El single presentación del álbum fue Summer Too Hot, que se trata de un pegadizo tema R&B mid-tempo producido por Roccstar en el que Chris nos cuenta las andanzas sexuales que tiene planeadas durante el verano. Este single recibió buenas impresiones por parte de los expertos musicales debido a su naturaleza desenfadada y fue nominado a los premios Grammy en la categoría de mejor actuación de R&B. En el terreno comercial ‘Summer Too Hot’ tuvo un rendimiento mediocre y apenas pisó la parte baja de la lista americana. El segundo single lanzado fue Sensational, un marchoso tema encuadrado dentro del sonido Afrobeats que cuenta con la colaboración de los cantantes de origen nigeriano Davido y Lojay y está compuesto por Chris junto al artista jamaicano Sean Kingston. Unos días antes del lanzamiento del álbum llegó el tercer single, Nightmares, que se trata de otro tema up-tempo de estilo Afrobeats y Dancehall cuyas letras hacen referencia a un chico pandillero que se automedica y recurre a la bebida para hacer frente a la depresión y sus sentimientos de soledad y desesperanza. 

Debido a su gran acogida por parte del público durante el «11:11 Tour» y sus buenas cifras de streaming tras la publicación de la edición deluxe del álbum, Residuals fue lanzado como primer single de la reedición. ‘Residuals’ es una balada R&B producida por Eric Hudson cuyas letras exploran la complejidad emocional tras el final de una relación y en la que Chris declara que se encuentra en un estado de confusión y dolor y siente que se encuentra atrapado entre el pasado y el presente. Cabe destacar que este tema fue compuesto durante las sesiones de grabación de «Breezy» pero no fue incluido en dicho álbum ni en la versión original de «11:11», sin embargo ha sido añadido muy acertadamente en la edición deluxe del álbum. Durante este 2025 ‘Residuals’ ha alcanzado el top 40 en la lista americana, convirtiéndose en el single más exitoso del álbum. ‘Residuals’ fue nominado a los recientes premios Grammy en la categoría de mejor actuación de R&B (su segunda nominación en dicha categoría dentro del mismo álbum, tras ‘Summer Too Hot’), sin embargo perdió ante Muni Long y su fantástico tema ‘Made for Me’.

Los ritmos caribeños están presentes en muchas de las canciones del álbum, como ‘Shooter’, en el que Chris hace uso de su famoso falsete, sin embargo el cantante brilla cuando regresa a su zona de confort en temas como ‘Press Me’, que adopta un sonido R&B más tradicional mientras describe los primeros pasos del romance cuando uno se deja impresionar por su interés amoroso o ‘Stutter’, otro tema R&B mid-tempo en el que Chris confiesa que estar con una chica impresionante le hace tartamudear. Uno de los pocos temas dance-pop que encontramos es ‘No One Else’, que cuenta con la participación de Fridayy como artista invitado y productor. Uno de los temas más destacados del álbum es ‘Angel Numbers / Ten Toes’, formado por dos canciones diferentes y en cuyas letras Chris relata su batalla contra la ansiedad y la depresión. Entre las baladas destacan ‘Moonlight’, que habla del amor incondicional que siente hacia su pareja. Dentro de la edición deluxe merece la pena reseñar ‘Delusional’, un tema R&B mid-tempo que habla de una relación que se deteriora y explora los sentimientos de culpa y desilusión de Chris y su pareja o la bonita balada ‘Bruce Lee’, cuyas letras toman inspiración de la famosa frase ‘be water, my friend’ del actor. El cantante de R&B Mario participa en el tema ‘Won’t Keep You Waiting’, que recupera los ritmos tropicales, y el rapero Lil Wayne colabora en ‘Freak’, el tema más Hip Hop de este trabajo. 

El artista de Virginia prometió que «11:11» sería más breve que sus anteriores trabajos para poder ser ‘mejor digerido’ por parte del público, sin embargo nos ofreció otro álbum muy largo, que todavía se amplía más en la edición deluxe. El blog Mister Music valoró de manera positiva el álbum, sin embargo comenté que debido a la larga extensión del álbum encontrábamos excesivo relleno y muchas de las canciones acababan resultando repetitivas. «11:11» no ofrece nada nuevo al panorama R&B actual o al catálogo musical de Chris, sin embargo no resulta un proyecto de baja calidad en absoluto, ya que mantiene el buen nivel del resto de su discografía. Chris Brown sigue demostrando que es uno de los artistas más talentosos de su generación y en este álbum los puntos fuertes vuelven a ser sus excelentes habilidades como vocalista y compositor. La versión extendida de «11:11» añade varios temas muy interesantes que consiguen que el producto final se eleve con respecto al álbum original. Temas imprescindibles: Residuals, Summer Too Hot, Delusional, Sensational, Press Me, Bruce Lee y Angel Numbers / Ten Toes. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Hurry Up Tomorrow» de The Weeknd

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El nuevo álbum de The Weeknd tenía previsto ser lanzado el 24 de enero pero a mediados de mes fue pospuesto al día 31 debido a la tragedia de los incendios en Los Ángeles, ciudad a la que admira y ha sido fuente de inspiración para él durante su carrera. El quinto álbum de estudio de The Weeknd tiene por título Hurry Up Tomorrow y se trata de la tercera y última parte de una trilogía iniciada por el cantante canadiense con «After Hours», que representaba el infierno (la oscuridad, la vida disoluta de Abel y sus pensamientos atormentados y autodestructivos) y continuaba con «Dawn FM», el purgatorio (la madurez del artista y el comienzo de una nueva etapa más alegre en su vida). «Hurry Up Tomorrow» representa el paraíso y supone la cúspide creativa de este ambicioso y complejo proyecto creado por Abel Tesfaye, elaborado con temas existenciales y auto-referenciales. Tal y como ha declarado el artista nacido en Toronto, este álbum presumiblemente será el último bajo el seudónimo de The Weeknd, ya que pretende dar por finalizado a este controvertido personaje y continuar lanzando música con su propio nombre. En «Hurry Up Tomorrow» seguimos encontrando las influencias ochenteras presentes en sus dos últimos trabajos a través de temas up-tempo de sonido synth-pop y electropop, sin embargo en esta ocasión existe un predominio de baladas y medios tiempos encuadrados dentro del sonido R&B. Abel Tesfaye ha compuesto los 22 temas presentes en el álbum y entre los productores implicados encontramos importantes nombres de la industria musical como Mike Dean, Metro Boomin, Oneohtrix Point Never, Cirkut, Tommy Brown o Pharrell Williams entre otros. Cabe destacar que Max Martin y Oscar Holter, mano derecha de The Weeknd en sus últimos trabajos y los artífices de hits de la talla de ‘Blinding Lights’ o ‘Save Your Tears’, disminuyen notoriamente su presencia en este álbum.

En septiembre del año pasado llegó el supuesto single presentación del álbum, Dancing in the Flames, que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop producido por Max Martin y Oscar Holter que sigue la estela musical de los anteriores singles de The Weeknd. Las letras de ‘Dancing in the Flames’ hablan a un amor apasionado que perdura en el tiempo a pesar del sentimiento de dolor y pérdida y en el que las referencias a los accidentes de conducción y llamas son una metáfora de una peligrosa e impredecible relación amorosa. Pese a su gran potencial, ‘Dancing in the Flames’ tuvo un moderado desempeño comercial (ocupó el #14 en la lista americana y el top 20 en Reino Unido, Australia o Canadá) y no consiguió el gran nivel de streaming de sus recientes sencillos, lo que da muestra del agotamiento comercial que está empezando a sufrir The Weeknd debido a su presencia máxima en el panorama musical durante los últimos años y a la saturación por parte del público provocada por el tremendo éxito de varios de sus singles. En una decisión tan improvisada como desacertada por parte de la discográfica de The Weeknd, ‘Dancing in the Flames’ ha sido descartado de la edición final del álbum debido a su escaso éxito comercial. 

Mientras que ‘Dancing in the Flames’ marcaba la transición perfecta entre los dos anteriores álbumes y «Hurry Up Tomorrow» debido a su sonido synth-pop y sus influencias ochenteras, los dos siguientes sencillos cambiaban radicalmente de estilo. Como segundo single se lanzó Timeless, un anodino tema mid-tempo de estilo Hip Hop y Trap que cuenta con la participación del rapero Playboi Carti. Este tema, producido por Mike Dean, Pharrell Williams y Ojivolta, explora temas como la auto-identidad o la transitoriedad de las relaciones amorosas dentro del vacío mundo de la fama. ‘Timeless’ ha obtenido un rendimiento comercial notablemente superior al del anterior single: ha alcanzado el top 5 en la lista americana y el top 10 en Reino Unido, Alemania o Canadá y supera los 500 millones de reproducciones en Spotify. El siguiente single fue São Paulo, un extraño tema influenciado por el funk brasileño y que cuenta con la participación de la cantante brasileña Anitta.

Uno de los temas más continuistas con respecto al sonido presente en los anteriores trabajos de The Weeknd es Open Hearts, que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop y electropop que mantiene las influencias ochenteras de ‘Dancing in the Flames’ y su naturaleza bailable. En este tema, uno de los pocos producidos por Max Martin y Oscar Holter, Abel habla sobre la lucha de dar otra oportunidad al amor tras una ruptura sentimental. En mi opinión, ‘Open Hearts’ es el tema más sobresaliente del álbum y sería un gran candidato a siguiente single. Las influencias de la música de los años 80 y el uso de sintetizadores están presentes en temas como ‘Wake Me Up’, en el que Abel reflexiona sobre sus luchas internas y explora temas como el existencialismo o la búsqueda de la autenticidad o ‘Cry for Me’, que contiene ciertas influencias Trap al final de la canción y en el que vuelve a mostrar su lado más atormentado y sus sentimientos de dolor y sufrimiento. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Give Me Mercy’, que se trata de otra de las producciones de Max Martin y en la que admite los errores cometidos y pide piedad o ‘Take Me Back To LA’, un tema synth-pop de carácter mid-tempo que pertenece a las sesiones de grabación del álbum «After Hours» y en el que muestra su sentimiento de redención. El resto del álbum navega en un mar de temas downtempo R&B que recuerdan a los orígenes musicales del cantante. Merece la pena mencionar ‘I Can’t Wait to Get There’, que contiene un gran aroma Neo Soul o la canción titular, ‘Hurry Up Tomorrow’, una de las mejores baladas del álbum.

Como fiel seguidor del sonido R&B, es un placer encontrar en «Hurry Up Tomorrow» un gran número de canciones de este estilo que le sientan como un guante a su agradable y bonito timbre de voz, sin embargo se echan en falta más temas up-tempo como ‘Open Hearts’ o ‘Dancing in the Flames’, que continúan la senda musical explorada en los anteriores trabajos de la trilogía. «Hurry Up Tomorrow» no logra igualar el gran nivel de «After Hours» y «Dawn FM» pero se trata de un álbum sólido, magníficamente ejecutado por Abel a nivel vocal, muy cohesionado líricamente y con una magistral producción. Los puntos en contra son su larguísima extensión, la omisión de ‘Dancing in the Flames’ (uno de los singles más solventes de Abel) en la edición final del álbum y la desacertada elección de los singles, que no representan la esencia del álbum y resultan los temas más flojos. «Hurry Up Tomorrow» ha cerrado con broche de oro esta trilogía, la cual le ha convertido a The Weeknd en el artista más exitoso de los últimos años y el más escuchado en las plataformas de streaming. Temas imprescindibles: Open Hearts, Wake Me Up, Cry for Me, Take Me Back to LA, Baptized in Fear y Give Me Mercy. Puntuación: 7’8/10.

Throwback Review: «I Care 4 U» de Aaliyah

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Aaliyah I Care 4 UEl 25 de agosto del 2001, cuando Aaliyah abandonaba las Bahamas tras grabar el videoclip del single ‘Rock the Boat’, el avión en el que viajaba junto a otras 8 personas se estrelló apenas unos minutos después de despegar debido a un exceso de peso y todo el pasaje murió en el acto. Así se truncó la vida de una de las cantantes más prometedoras del R&B contemporáneo. Aaliyah Dana Haughton, con apenas 22 años, acababa de publicar un mes antes su tercer álbum de estudio, titulado de manera homónima, el cual recibió elogios de la crítica por su carácter innovador y su vanguardista sonido, considerado la antesala del denominado R&B progresivo o alternativo. Aaliyah estaba encuadrado dentro del R&B y Neo Soul con influencias de la música electrónica, Hip Hop, funk o rock y resultaba su trabajo más experimental y arriesgado hasta la fecha. La cantante neoyorquina declaró que quería un sonido diferente al de «One In a Million», su segundo álbum, por lo que aparte de sus habituales colaboradores e amigos íntimos Timbaland y Missy Elliott, trabajó con nuevos colaboradores como Static Major, quien compuso la mayoría de los temas del álbum o Eric Seats, Rapture Stewart y Bud’da, que se encargaron de la producción del resto del álbum. Tras el trágico fallecimiento de la ‘princesa del R&B’, las ventas del álbum se dispararon, «Aaliyah» ascendió al #1 de la lista Billboard y acabó superando los dos millones de copias vendidas en Estados Unidos. Las sesiones de grabación de «Aaliyah» resultaron muy fructíferas y una gran cantidad de canciones fueron grabadas, por lo que tras la trágica muerte de la cantante, varios de los descartes pasaron a formar parte de un álbum recopilatorio, I Care 4 U, que toma su título de uno de las canciones pertenecientes a su tercer álbum. Publicado en 2002, «I Care 4 U» está formado por varios de los singles más exitosos de sus tres álbumes de estudio y 6 temas inéditos, pertenecientes a las sesiones de grabación de «Aaliyah». Entre los grandes éxitos incluidos en el álbum se encuentran icónicos singles de la talla de ‘One In a Million’, ‘Are You That Somebody?’, ‘Try Again’, ‘More Than a Woman’ o ‘We Need a Resolution’. En pleno furor por la música de Aaliyah tras su fallecimiento, el álbum resultó un notable éxito comercial y alcanzó el top 5 en Estados Unidos (donde fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias), Reino Unido, Alemania o Francia.

El single presentación del álbum fue Miss You, una balada mid-tempo R&B compuesta por el cantante Ginuwine y producida por Teddy Bishop cuyas letras hablan de un amor pasado de Aaliyah y cómo echa de menos el tiempo que compartió con su ex-pareja. ‘Miss You’ continuó la excelente racha comercial de sus singles tras su fallecimiento y recibió un gran apoyo por parte del público: alcanzó el #3 de la lista americana (su segunda mejor posición en la lista Billboard tras ‘Try Again’) y fue top 10 en Alemania y top 20 en Canadá. El segundo single lanzado fue Don’t Know What to Tell Ya, un marchoso tema R&B con melodía inspirada en la música del Medio Oriente producido por Timbaland en cuyas letras la cantante se niega a estar atada por parte de una pareja controladora y compara a su relación con estar encarcelada. ‘Don’t Know What to Tell Ya’ es el tema inédito más destacado debido a la moderna e innovadora producción de Timbaland y la gran ejecución vocal de Aaliyah. ‘Don’t Know What to Tell Ya’ se lanzó de manera muy limitada en tierras americanas pero obtuvo un desempeño comercial moderado en el resto del mundo y alcanzó el top 20 en Reino Unido, el top 40 en Australia o el top 50 en Francia.

Originalmente incluido en «Aaliyah» y considerado como uno de los ‘highlights’ del álbum, I Care 4 U fue lanzado como tercer single del recopilatorio póstumo de la cantante. ‘I Care 4 U’ es una emotiva balada Neo Soul y R&B compuesta por amiga Missy Elliott y producido por Timbaland en cuyas letras Aaliyah trata de consolar a un hombre que tiene el corazón roto tras una dolorosa ruptura. El interés del público por la música de Aaliyah tras su muerte continuó y ‘I Care 4 U’ obtuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el #16 en la lista americana. Como cuarto y último single del álbum se lanzó Come Over, una balada R&B producida por Bryan-Michael Cox y Jazze Pha en cuyas letras Aaliyah, tras salir de un vuelo nocturno, no puede esperar hasta la mañana para ver a su hombre. ‘Come Over’ se convirtió en el cuarto single top 40 consecutivo del recopilatorio.

Entre los temas inéditos merece la pena reseñar ‘All I Need’, un tema R&B mid-tempo producido por Teddy Bishop que habla de un amor recién encontrado o ‘Don’t Worry’, un marchoso tema producido por Jazze Pha en cuyas letras Aaliyah le explica a su pareja que no tiene que preocuparse por su lealtad y compromiso. En resumen, «I Care 4 U» es un híbrido entre recopilatorio de grandes éxitos y álbum de estudio, ya que combina algunos de los singles más famosos de la legendaria cantante con temas pertenecientes a las sesiones de grabación de «Aaliyah», la obra maestra de su trayectoria musical. Sin duda se trata de un álbum indispensable para los fervientes seguidores de Aaliyah, entre los que yo me encuentro. Temas imprescindibles: Don’t Know What to Tell Ya, Miss You, I Care 4 U, All I Need y Don’t Worry. Puntuación: 8/10.

Los mejores álbumes del 2024 (2ª parte)

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Quantum Baby10. Quantum Baby de Tinashe.

Durante este año la cantante americana Tinashe ha vivido un gran momento de popularidad gracias al éxito de Nasty, que se trata de un tema R&B de carácter rítmico y moderna producción en el que la cantante hace uso del sing-rap mientras habla de encontrar a una persona que tenga la misma energía sexual que ella y detalla una cita nocturna de alto voltaje entre ambos. Este tema producido por Ricky Reed ha recibido buenas críticas por su naturaleza desenfadada, su adictivo estribillo y la versatilidad vocal de Tinashe. ‘Nasty’ hizo su aparición en la parte baja de la lista americana pero tras hacerse viral en las redes sociales gracias a la sexy coreografía de Tinashe en el videoclip, el single aumentó su popularidad hasta alcanzar el top 70, lo que supone su segunda entrada el Billboard Hot 100 con un tema propio y la primera desde que es una artista de carácter independiente al margen de una gran discográfica. Tras el éxito viral de ‘Nasty’, como segundo single fue lanzado Getting No Sleep, que sigue la estela musical de su predecesor y se trata de un tema R&B de carácter rítmico en el que Tinashe declara que tras una semana de duro trabajo, va a disfrutar el fin de semana junto a su amante sin perder el tiempo en dormir. Este single ha sido incapaz de repetir la buena racha comercial de ‘Nasty’ y no ha entrado en la lista americana ni acumula cifras de streaming tan altas. En agosto vio la luz Quantum Baby, el séptimo álbum de estudio de Tinashe y que supone la segunda parte de una trilogía iniciada con «BB/Ang3l», su anterior trabajo. «Quantum Baby» se trata de un álbum muy breve, formado por 8 temas de R&B con influencias pop y Trap compuestos por la propia Tinashe bajo la producción de Ricky Reed, Nosaj Thing o Zack Sekoff entre otros. Entre los temas más destacados se encuentran ‘No Simulation’, un tema de profundas letras en el que Tinashe busca la verdad y la realidad en un mundo confuso, ‘Thirsty’, que explora temas como la seducción, el deseo o la tentación y en el que la cantante intenta hacer balance entre la búsqueda de afecto y protegerse del dolor emocional o ‘No Broke Boys’, un tema R&B con melodía Trap que resulta un himno de empoderamiento y autoestima y en el que Tinashe establece estándares altos y se niega a conformarse con menos de lo que se merece. En resumen, «Quantum Baby» está formado por un breve pero sólido conjunto de canciones de R&B de moderna producción que resultan pegadizas y bailables pero contienen un mensaje empoderador. Tinashe es una artista muy completa y podríamos considerarla como una de las herederas de Janet Jackson, ya que es una versátil vocalista, una buena compositora y una magnífica bailarina. Cabe destacar que «Quantum Baby» es el cuarto álbum de Tinashe como artista independiente al margen de una gran discográfica, por lo que tiene que asumir más riesgos que un artista convencional y le resulta más complicado llevar adelante sus proyectos. Este álbum mantiene el buen nivel de sus predecesores, pero Tinashe sigue sin entregarnos su obra maestra. Puntuación: 7’5/10. 

Sugar Honey Iced Tea9. Sugar Honey Iced Tea de Latto.

En 2021 Latto vivió su momento de gloria con el single ‘Big Energy’, que se convirtió en uno de los temas más populares del año y alcanzó el #3 en la lista americana, su mejor posición hasta la fecha. Este formaba parte de «777», su segundo álbum de estudio, el cual recibió críticas positivas parte de los expertos musicales por sus habilidades como rapera y ocupó el #15 en la lista americana. Tras la promoción de «777», Latto lanzó varios singles sueltos, entre ellos ‘Lottery’, un pegadizo tema con influencias Disco/pop que seguía la temática de juegos de azar presente en su anterior trabajo. El año pasado llegó el single Put It On Da Floor, que se trata de un tema de Dirty Rap producido por Go Grizzly en el que la rapera de Atlanta habla sobre lo cansada que está de los haters que la critican a sus espaldas pero no dan la cara. Las letras de este tema hacen alusión a su rivalidad o ‘beef’ con Nicki Minaj, quien lanzó comentarios negativos en contra de Latto en el pasado. En un principio el single tuvo un escaso impacto comercial pero gracias a su remix junto a Cardi B, titulado ‘Put It On Da Floor Again’, ascendió hasta el #13 en la lista americana, convirtiéndose en uno de los singles más exitosos de Latto. A principios del 2024 llegó un nuevo single, Sunday Service, que se trata de un tema Hip Hop en el que Latto crítica a los hombres que cometen infidelidades, presume de su riqueza y su estatus en la industria musical y lanza dardos envenenados a Nicki Minaj o Ice Spice, la cual lanzó un ‘diss track’ contra Latto meses atrás. Al igual que con su anterior single, Latto lanzó un remix de ‘Sunday Service’ con la participación de las raperas Megan Thee Stallion y Flo Milli. Como siguiente single, previo a la publicación del álbum, se lanzó Big Mama, en el que Latto celebra sus logros y supone un himno para las mujeres empoderadas, exitosas y seguras de mismas. Este tema está formado por partes diferenciadas: la primera tiene una producción R&B, Latto adopta un fraseo similar al de Drake y habla de lo enamorada que está de un hombre, mientras que en la segunda, con una producción Trap, adopta un flow similar al de 21 Savage, presume de sus atractivas cualidades y menosprecia a sus rivales. En agosto vio la luz el tercer álbum de estudio de Latto, titulado Sugar Honey Iced Tea, el cual está encuadrado dentro del Hip Hop con influencias del Southern Hip Hop, Trap o R&B y cuenta con la producción de Go Grizzly, Pooh Beatz, Bankroll Got It, Earl on the Beat o The Stereotypes entre otros. El álbum está formado por 17 temas y en la edición deluxe, que sube hasta 21 canciones, encontramos como bonus tracks tanto ‘Put It On Da Floor’ como ‘Sunday Service’ y sus respectivos remixes. «Sugar Honey Iced Tea» cuenta con la participación de numerosos artistas invitados, entre los que se encuentran Ciara, Megan Thee Stallion, Coco Jones, Cardi B o Flo Milli. Las letras de las canciones presentes hablan sobre el estatus de Latto en la industria musical, su riqueza y los logros conseguidos con su trabajo o su superioridad con respecto a sus rivales, pero también rinde homenaje a su ciudad Atlanta y a la cultura urbana sureña. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Good 2 You’, un tema up-tempo muy bailble en el que participa Ciara, también originaria de Atlanta, ‘Squeeze’, de naturaleza muy sexual y en el que hace su gran aparición Megan Thee Stallion o ‘S/O to Me’, de sonido retro y que supone un himno de empoderamiento y confianza en uno mismo. Durante estos últimos años el Hip Hop femenino está viviendo un gran momento y ha sido gracias a una nueva generación de prometedoras raperas (como Megan Thee Stallion, Saweetie, GloRilla o nuestra protagonista Latto) que están haciéndose un importante hueco en un mundo tradicionalmente dominado por hombres y cuya presencia es cada vez mayor en las listas de venta. «Sugar Honey Iced Tea» está formado por un sólido y variado conjunto de canciones de Hip Hop que ponen de manifiesto las grandes habilidades como rapera y liricista de Latto. Con apenas 25 años y tres álbumes a sus espaldas, Latto es una de las raperas con mayor proyección en el panorama musical. Puntuación: 7’5/10.

SZA Lana.jpeg8. Lana de SZA.

SOS, el segundo álbum de estudio de SZA, fue publicado en diciembre de 2022 y pese al handicap de ser uno de los últimos lanzamientos del año y verse inmerso en el periodo navideño se acabó convirtiendo en uno de los discos más importantes del 2022 el 2023 y disparó la popularidad de la cantante americana en todo el mundo. «SOS» resultó extremadamente exitoso en Estados Unidos: debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con más de 300 mil copias vendidas en su primera semana y permaneció en lo más alto de la lista durante 10 semanas no consecutivas. El álbum, que destacó por su larga vida comercial y su gran consistencia en ventas, fue certificado triple platino en Estados Unidos y superó los tres millones de ejemplares. «SOS» contó con una magnífica selección de singles, entre los que destacó sin duda ‘Kill Bill’, el cual logró un éxito desmesurado (fue #1 en la lista americana de singles y lideró el componente Hot R&B/Hip-Hop Songs de Billboard durante más de 20 semanas), aunque también contribuyeron al éxito del álbum temas como ‘I Hate U’, ‘Shirt’, ‘Nobody Gets Me’ o ‘Snooze’, el último single lanzado y que alcanzó el #2 en la lista americana. Las sesiones de grabación de «SOS» resultaron muy fructíferas y una gran cantidad de canciones fueron grabadas, por lo que en un principio SZA consideró lanzar una reedición del álbum, sin embargo tras el éxito de «SOS» la cantante grabó material nuevo junto al productor Carter Lang y pensó en grabar un nuevo álbum de estudio. Finalmente SZA ha publicado la esperada continuación de su segundo álbum de estudio dos años después del lanzamiento de «SOS». Se trata de Lana (el diminutivo de Solana, su nombre de pila), que contiene descartes de las sesiones de grabación originales y nuevos temas, por lo que puede considerarse un álbum con entidad propia. «Lana» está formado por 15 temas encuadrados dentro del R&B contemporáneo y compuestos por SZA bajo la producción de su colaborador habitual Carter Lang, Rob Bisel, Benny Blanco, J. White Did It, Tyler Johnson o ThankGod4Cody entre otros. Durante las sesiones de grabación de «Lana» la cantante se encontró en un estado mental más saludable que cuando compuso sus anteriores álbumes y no se sentía atormentada por el dolor del pasado, por lo que estaba preparada para pasar página. Esta recién encontrada paz interior se refleja en la música y las letras del nuevo álbum. El single presentación del álbum ha sido Saturn, un tema R&B mid-tempo producido por Carter Lang cuyas letras hablan de escapismo, nihilismo y crisis existencial. En ‘Saturn’, una desilusionada SZA le gustaría abandonar la Tierra y viajar al planeta Saturno al ver cómo a las personas buenas les suceden cosas malas. ‘Saturn’ marca una continuación del sonido presente en «SOS» no solo por su paisaje sonoro sino por su componente lírico. Este tema ha recibido dos nominaciones a los premios Grammy, incluyendo mejor canción de R&B del año. El segundo single ha sido Drive, un tema R&B downtempo de carácter minimalista y con melodía de guitarra eléctrica cuyas letras hablan de uno de los momentos más oscuros y confusos de SZA, la cual describe cómo la presión de la fama afectó a su salud mental y confiesa que no va a desperdiciar su energía con los haters y enemigos que sólo buscan la negatividad. Sin llegar al gran listón dejado por «SOS», «Lana» mantiene el nivel alto del resto de la discografía de SZA tanto en el profundo componente lírico de las canciones como en la impecable ejecución vocal de la cantante o su cuidada producción, sin embargo en esta ocasión no encontramos temas tan potentes y distintivos como ‘Kill Bill’. Pese a ser uno de los lanzamientos más tardíos del año, «Lana» forma parte de este repaso a los mejores álbumes del 2024 ya que SZA sigue demostrando en «Lana» que es una de las vocalistas y compositoras más talentosas de su generación. Puntuación: 7’5/10.

City Cinderella7. City Cinderella de JT.

Tras el fracaso comercial del álbum «RAW» y las crecientes diferencias creativas y personales entre JT y Yung Miami, el dúo City Girls anunció hace un par de meses su separación y el inicio de sus carreras en solitario. Yung Miami parecía a priori la componente más popular y carismática dentro del dúo, sin embargo ha sido JT la primera en pasar página de su etapa en City Girls y lanzar su debut en solitario. Durante sus días en City Girs, JT ya hizo sus pinitos en solitario y colaboró con varios artistas como Summer Walker e incluso incluyó un tema como solista, ‘No Bars’, en el álbum «RAW» del dúo, pero su primer single oficial fue Sideways, que hace referencia a la mirada crítica y de desaprobación que pone JT al ver a falsos amigos y personas que le han decepcionado, además de reafirmar el inicio de su carrera en solitario. El segundo single lanzado fue Okay, que se trata de un tema muy influenciado por el Southern Hip Hop en el que JT responde a las críticas de sus haters, presume de su riqueza o sus logros en el mundo de la música y relata su superioridad por encima de otras ‘bitches’ que le envidian y quieren ser como ella. ‘Okay’ ha resultado uno de los temas Hip Hop más interesantes del año por su pegadizo estribillo, el inconfundible flow de JT y sus agresivas barras. ‘Okay’ obtuvo una buena acogida comercial y consiguió alcanzar el #72 en la lista americana de singles (la primera aparición de JT en solitario en el Billboard Hot 100) gracias a sus buenas cifras de streaming. El primer trabajo discográfico en solitario de JT, catalogado como mixtape, tiene por título City Cinderella y está formado por 16 temas de apenas dos minutos de duración encuadrados dentro del Hip Hop y que destacan por alejarse del sonido Trap predominante en muchos de los temas de City Girls y adentrarse en un Hip Hop más nostálgico, que incorpora elementos del Dirty Rap y Southern Hip Hop. A lo largo de esta mixtape, JT habla de sus comienzos, sus logros conseguidos en el mundo del Rap y presume de sus habilidades sexuales y riqueza (temática recurrente en las canciones de City Girls), pero también reivindica su valía como mujer negra y hace un homenaje a Miami, su ciudad originaria. Dentro de «City Cinderella» destacan temas como ‘DOD’, de naturaleza muy sexual y que destaca por su melodía inspirada en la música del Medio Oriente o ‘Servin’, en el que JT presume de su riqueza y los lujosos looks que sirve. Jatavia Johnson ha demostrado no sólo que se defiende a la perfección en solitario y es capaz de llevar adelante una digna carrera como solista, sino que su debut no tiene nada que envidiar a los últimos trabajos de Megan Thee Stallion, Nicki Minaj o Latto. «City Cinderella» es sólo el aperitivo inicial de la carrera en solitario de JT, ya que se grabó de manera rápida y espontánea, pero lo cierto es que supera la calidad del último álbum de City Girls y resulta un trabajo sólido que destaca por la variada producción, el flow lento y fluido de JT y la mejora en su faceta como liricista. JT se ha hecho un importante hueco en el panorama del Hip Hop femenino, el cual vive un gran momento durante los últimos años. Puntuación: 7’5/10.

Glorious6. Glorious de GloRilla.

El Hip Hop femenino está viviendo uno de sus mejores momentos durante los últimos años y la nueva generación de raperas está teniendo una gran visibilidad dentro del género y una presencia máxima en las listas de venta, especialmente la estadounidense. Una de las raperas que está de plena actualidad es Gloria Woods, conocida artísticamente como GloRilla, quien lleva activa en el mundo de la música desde 2019, aunque durante los últimos años ha logrado gran repercusión en el mercado americano gracias a sus recientes singles y las colaboraciones con otros artistas. En 2022 vio la luz el EP «Anyways, Life’s Great», que contenía el single ‘Tomorrow’, con el que GloRilla consiguió su primer top 10 en la lista Billboard gracias al remix junto a Cardi B. El pasado mes de abril llegó su segunda mixtape, «Ehhtang Ehhtang», la cual ocupó el top 20 en la lista americana de álbumes e incluía los hit singles ‘Yeah Glo!’ y ‘Wanna Be’ junto a Megan Thee Stallion. En octubre vio la luz el álbum debut de GloRilla, titulado Glorious, el cual está formado por 15 temas encuadrados dentro del Hip Hop (con elementos del Southern Hip Hop y Memphis Rap) y producidos principalmente por Yo Gotti, aunque también contribuyen a la producción importantes nombres como Go Grizzly, Jazze Pha, Timbaland, Lil Ronnie o SkipOnDaBeat entre otros. Como todo álbum de Hip Hop que se precie, «Glorious» cuenta con un gran número de artistas invitados, sobre todo mujeres, entre las que se encuentran Latto, Megan Thee Stallion, Sexyy Red o Muni Long, además de BossMan Dlow, T-Pain o Fridayy como representantes masculinos. A lo largo del álbum, GloRilla hace gala de su fluido y ágil flow, su actitud sin pelos en la lengua y sus afiladas rimas, mientras enfatiza en el empoderamiento femenino y presume de su estatus y poderío económico. El single presentación del álbum fue TGIF, un tema Hip Hop influenciado por el sonido Trap en el que Glo presume de su éxito y la alta asistencia de gente a sus conciertos, además de hablar de pasar tiempo junto a sus amigas y acostarse con los novios de otras mujeres. ‘TGIF’ alcanzó el top 30 en la lista americana. Como segundo single se lanzó Hollon, un tema de Southern Hip Hop que samplea el infeccioso estribillo de ‘Hold On Ho’ y en el que la rapera de Memphis muestra su superioridad con respecto a sus rivales y presume de sus posesiones y vida lujosa. Este single no ha resultado tan exitoso como los anteriores singles de GloRilla y ha ocupado la parte baja de la lista Billboard. El tercer single lanzado fue Whatchu Kno About Me, un potente tema Crunk en el que Glo y Sexyy Red destacan su independencia económica y confianza en sí mismas mientras celebran su éxito y presumen de su físico. Este single ha resultado un éxito y ha ocupado el top 20 en la lista americana. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Procedure’, que resulta un himno de autoestima y empoderamiento femenino en el que GloRilla y Latto rapean sobre lo que desean de sus parejas, exigiendo respeto y reconocimiento o ‘How I Look’, que une a dos de las raperas más aguerridas y con la voz más grave de la escena Hip Hop (además marca la tercera colaboración entre Glo y Megan Thee Stallion), las cuales presumen de su estatus dominante en el mundo del Rap y menosprecian a los haters y rivales insignificantes. También destacan ‘Don’t Deserve’, un magnífico tema de carácter mid-tempo e influenciado por el sonido R&B en el que GloRilla y Muni Long animan a las mujeres a que no dejen que sus parejas les traten mal o les minusvaloren o ‘I Ain’t Going’, un tema influenciado por el sonido Drill en el que la rapera se enfrenta a una relación abusiva y pone en su lugar a su hombre. En resumen, «Glorious» es un trabajo sólido y cohesivo que se une a la lista de interesantes álbumes de Hip Hop publicados durante este año. Puntuación: 7’5/10.

Gratitude5. Gratitude de Mary J Blige.

Con una intachable carrera de más de 30 años a sus espaldas, Mary J Blige se encuentra en un gran momento personal y profesional, por ello no tiene sino palabras de gratitud hacia sus seguidores por el apoyo incondicional durante su extensa trayectoria. De ahí que su nuevo trabajo discográfico, el decimoquinto de su carrera, se titule Gratitude, ya que la cantante americana tiene motivos de sobra para sentirse bendecida y agradecida en la vida. «Gratitude» es el segundo álbum de Mary J Blige publicado bajo su propio sello discográfico y toma el relevo a «Good Morning Gorgeous», el cual recibió varias nominaciones a los premios Grammy y contó con el single del mismo nombre, que le dio su mayor hit en años. «Gratitude» está formado por 12 canciones, principalmente temas rítmicos influenciados por el sonido Hip Hop Soul y clásicas baladas R&B/Soul, que cuentan con la producción de Darkchild, D’Mile, S. Dot, DJ Cassidy o Kaytranada entre otros. Cabe destacar que todos los artistas invitados, entre los que se encuentran grandes figuras del Hip Hop como Fat Joe, Jadakiss, Fabolous o ASAP Ferg, son neoyorquinos al igual que Mary. Todos los álbumes de la cantante reflejan sus circunstancias personales y mientras que «Strength of a Woman» capturaba las emociones de un duro divorcio y «Good Morning Gorgeous» mostraba a una Mary rejuvenecida y que se prioriza a sí misma, «Gratitude» se centra en los aspectos positivos de la vida y el amor. El single presentación del álbum ha sido Breathing, un tema Hip Hop Soul mid-tempo que samplea la melodía de saxofón del clásico ‘I Put a Spell on You’ y cuenta con la participación del rapero Fabolous. En este tema producido por S. Dot, Mary se muestra felizmente enamorada y describe las emociones de haber encontrado al hombre adecuado. El segundo single lanzado ha sido You Ain’t the Only One, un marchoso tema R&B con elementos Hip Hop Soul y funk en el que Mary habla de superar las adversidades y pese a haber pasado por duros momentos se siente agradecida por las cosas buenas que el ofrece la vida. Dentro de «Gratitude» destacan sin duda ‘Never Give Up on Me’, un tema funk up-tempo cuyas letras hacen referencia a no rendirse y seguir creyendo en el amor y ‘Need You More’, un tema Hip Hop Soul producido por Darkchild y con la colaboración de Jadakiss en el que encontramos a Mary anhelando constantemente a su pareja. Sin apenas promoción, «Gratitude» ha tenido un impacto comercial mínimo y ha sido incapaz de entrar en la lista americana. La reina del Hip Hop Soul ha declarado en varias entrevistas que «Gratitude» será su último álbum de estudio, sin embargo no se retirará del mundo de la música inmediatamente ya que en 2025 realizará un a gira de conciertos junto con los cantantes Mario y Ne-Yo. Definitivamente «Gratitude» no es el mejor trabajo de la trayectoria musical de Mary J Blige, sin embargo es un álbum muy digno y correcto que mantiene el buen nivel de sus últimos trabajos, conserva la esencia de la cantante y nos sigue deleitando con su maravillosa voz y su talento para la composición. Puntuación: 7’5/10.

Tension II4. Tension II de Kylie Minogue.

El año pasado Kylie Minogue se apuntó un importante tanto con ‘Padam Padam’, el cual consiguió buenas cifras de streaming a nivel mundial, alcanzó el top 10 en la lista británica y revitalizó la carrera de la cantante australiana. El inesperado éxito de este single resultaba especialmente notorio y significativo para una artista veterana como Kylie, teniendo en cuenta el edadismo presente en la actual industria musical, sobretodo entre las mujeres. Este single formaba parte de Tension, un estupendo álbum de electropop, dance-pop y synth-pop que incluyó otros interesantes singles como ‘Tension’ o ‘Hold On to Now’. Durante el 2024 la diva australiana colaboró con artistas de lo más variado: Sia, con quien colaboró en el marchoso tema Disco ‘Dance Alone’, Orville Peck, que contó con Kylie en el curioso híbrido Country/Disco ‘Midnight Ride’ o la DJ americana The Blessed Madonna en el tema ‘Edge of Saturday Night’. Como anticipo de su nuevo trabajo discográfico, el pasado mes de julio se lanzó My Oh My, un pegadizo tema dance-pop producido por Steve Mac que cuenta con la colaboración de las cantantes Bebe Rexha y Tove Lo. En la letra de ‘My Oh My’, cada una de las tres cantantes utiliza su signo del zodiaco como carta de presentación para coquetear con su amante potencial. ‘My Oh My’ recibió buenas críticas por su naturaleza desenfadada y bailable, pero no resultaba una apuesta tan potente como ‘Padam Padam’ y tuvo un impacto comercial mínimo. En un primer momento, Kylie Minogue tenía previsto lanzar una reedición de «Tension» con las canciones descartadas de sus sesiones de grabación, sin embargo más tarde cambió de opinión y decidió crear un nuevo álbum con algunos de esos descartes y temas inéditos que le ofrecieron varios productores a raíz del éxito de ‘Padam Padam’. En palabras de la cantante australiana, su nuevo trabajo, el decimoséptimo de su trayectoria, se trata de una secuela de «Tension» dirigida más aún a las pistas de baile y que profundizaba en el sonido electrónico. Tension II sigue la estela musical de su predecesor y está formado por temas up-tempo de estilo dance-pop con elementos synth-pop, electropop, Disco o House. «Tension II» contiene 13 temas, 9 de ellos originales y el resto son las colaboraciones que ha realizado la cantante australiana durante estos últimos meses. La cantante ha contado con la producción de su habitual colaborador Richard Stannard, Lostboy, Steve Mac, TMS o Vaughn Oliver entre otros. Como single presentación del álbum se lanzó Lights Camera Action, un enérgico tema club y Techno producido por Lewis Thompson en cuyas letras Kylie describe su glamuroso estilo de vida. Entre los temas más destacados de «Tension II» se encuentran ‘Someone for Me’, un enérgico tema House en cuyas letras Kylie se siente feliz por alguien que está en una relación y desea tener lo mismo para ella, ‘Good as Gone’, que habla de una ruptura sentimental o ‘Taboo’, un pegadizo tema Disco y dance-pop con melodía de violines producido por Steve Mac en el que Kylie celebra su libertad sexual en el club y hace referencia a desear a alguien que está fuera de sus límites. «Tension II» es un trabajo más que digno que mantiene el buen nivel del catalogo musical de Kylie Minogue y contiene un conjunto sólido de canciones bailables y de naturaleza desenfadada. Pese a ser una secuela, en ningún caso se trata de un trabajo de baja calidad o un ‘refrito’. Los únicos puntos en contra son la innecesaria inclusión de algunas de las colaboraciones recientes y la escasa duración de las canciones, que apenas superan los dos minutos en un intento por encajar en los actuales cánones de la industria musical. Puntuación: 7’5/10.

Short n Sweet3. Short n’ Sweet de Sabrina Carpenter.

Sabrina Carpenter alcanzó la fama como actriz en una serie infantil sin embargo se ha labrado una sólida carrera como cantante y ha publicado hasta 5 álbumes de estudio con tan solo 25 años. En 2022 vio la luz su último trabajo, «Emails I Can’t Send», con el que aumentó su popularidad entre el público, gracias en parte al buen desempeño del single ‘Feather’, con el que consiguió su primer top 40 en la lista americana. Su participación como telonera en la reciente gira de Taylor Swift aumentó su exposición al público masivo, pero ha sido durante este año cuando la cantante de Pennsylvania ha alcanzado las mieles del éxito gracias a Espresso, un marchoso tema pop up-tempo con influencia Disco/funk en cuyas letras se compara con un café bien cargado porque su pareja no puede dormir cuando está con ella. Según las propias palabras de Sabrina, ‘Espresso’ es un himno de confianza en uno mismo y habla de abrazar la propia feminidad como un super poder. Este single ha recibido buenas opiniones de los expertos musicales por su naturaleza desenfadada, su pegadizo ritmo, sus inteligentes letras y la mejora en las habilidades de Sabrina como compositora. ‘Espresso’ ha resultado un gran éxito comercial: ha alcanzado el #1 en las listas de venta de Reino Unido o Australia y acumula más de 1500 millones de escuchas en Spotify. Tras el éxito de ‘Expresso’ llegó Please Please Please, un tema pop mid-tempo con elementos Country y synth-pop producido por Jack Antonoff en el que la joven cantante habla de las complejidades de las relaciones amorosas y expresa su frustración y preocupación mientras le pide a su pareja que no manche su reputación. ‘Please Please Please’ destaca por la gran ejecución vocal de Sabrina y su componente lírico, aunque resulta parecido con las producciones de Antonoff para otros artistas. ‘Please Please Please’ alcanzó el #1 en las listas de Reino Unido, Australia o Estados Unidos (su primer ‘chart topper’ en tierras americanas) y supera los mil millones de escuchas en Spotify. Coincidiendo con la publicación del álbum se lanzó el tercer single, Taste, que se trata de un animado tema pop/rock que sigue incidiendo en los problemas que surgen en las relaciones sentimentales, en concreto las traiciones e infidelidades de su pareja, a las que Sabrina responde con cierta venganza afirmando que «incluso cuando besen a su pareja, él siempre tendrá el sabor de ella en sus labios». El sexto álbum de estudio de Sabrina Carpenter tiene por título Short n’ Sweet y está formado por 12 temas pop con influencias pop/rock, folk, Country o R&B producidos por Julian Bunetta, John Ryan, Jack Antonoff o Ian Kirkpatrick. Las afamadas compositoras Julia Michaels y Amy Allen han ayudado a la artista americana en la labor de composición de la mayoría de los temas presentes. Las letras de las canciones hablan principalmente sobre las relaciones sentimentales y el desamor, mientras que Sabrina describe con gran sentido del humor a los hombres tóxicos, infieles o ineptos con los que ha salido a lo largo de su vida. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Bed Chem’, un tema pop y R&B de sonido ochentero en el que relata cómo conoció a su actual pareja y la gran química que existe entre ellos o ‘Good Graces’, un tema con mensaje asertivo que establece los límites en una pareja y recuerda al estilo de Ariana Grande. «Short n’ Sweet» ha supuesto el empujón definitivo a la carrera musical de Sabrina Carpenter y a la vez su punto de partida para el gran público (pese a tener 5 álbumes a sus espaldas). En resumen, «Short n’ Sweet» es un álbum agradable de escuchar gracias a la bonita voz de Sabrina y que destaca por sus satíricas y humorísticas letras sobre las relaciones que ha tenido, sin embargo ganaría muchos puntos si incluyera más temas pegadizos como ‘Espresso’. Puntuación: 7’5/10.

Access All Areas2. Access All Areas de FLO.

En ausencia de competencia, el trío británico FLO ha sabido jugar bien sus cartas y ha recuperado el espíritu de las ‘girl bands’ que triunfaron en los años 90 y la década del 2000, ocupando una cuota de mercado prácticamente inexistente en la actualidad. FLO está formado por Jorja Douglas, Stella Quaresma y Renée Downer, tres jovencitas londinenses que lanzaron en 2022 su primer EP, «The Lead», el cual contó con el hit ‘Cardboard Box’ y fue aclamado por parte de la crítica por el innegable talento de las chicas y su gran armonía vocal. Desde principios del 2024 el trío ha lanzado varios singles que han pasado a formar parte de su primer álbum. El primero de ellos fue Walk Like This, un marchoso tema R&B producido por MNEK que resulta un oda al amor que reciben de sus respectivas parejas. Según comentaron las chicas de FLO, también hay que reconocer cuando los hombres hacen las cosas bien. Como segundo single se lanzó Caught Up, un tema R&B mid-tempo cuyas letras hablan de marcar los límites en una relación, hacerse valer y exigir ser respetadas por sus parejas. El tercer single lanzado fue Check, un tema R&B up-tempo con influencia del sonido Garage en el que las chicas de FLO evalúan las cualidades deseables que debe tener un hombre para iniciar una relación, como ser leal, fiel o comportarse como un caballero. Antes del lanzamiento del álbum, FLO desvelaron dos sencillos promocionales que bajaban el ritmo con respecto a los anteriores singles lanzados y destacaban por su sonido retro y su carácter mid-tempo: ‘Bending My Rules’, que muestra la vulnerabilidad de las chicas con sus novios y ‘AAA (Access All Areas)’, que contiene una interpolación de ‘Portuguese Love’ de Teena Marie y en cuyas letras hablan del control y la confianza de las chicas en una relación. El álbum debut de FLO tiene por título Access All Areas y está formado por 16 temas de R&B/pop que recuperan el sonido R&B típico de finales de los 90 y principios del 2000 de grupos como 702, Cherish o Destiny’s Child (sin duda las mayores referentes para el trío londinense). Stella, Jorja y Renée han participado en la composición de la mayoría p de los temas presentes, los cuales han sido producidos por importantes nombres de la industria musical como MNEK, DJ Camper, Jay Versace, Rogét Chahayed o Pop Wansel entre otros. Según las propias palabras de las tres componentes, la creación de este álbum ha sido una labor de amor, representa su dedicación por hacer historia en el mundo de las ‘girl bands’ y continúa el legado de importantes grupos femeninos del pasado. Coincidiendo con la publicación del álbum se lanzó un nuevo single, In My Bag, que se trata de un tema mid-tempo R&B que cuenta con la participación de la rapera GloRilla y resulta un himno de empoderamiento y confianza en uno mismo. Sin duda ‘In My Bag’ es una de las apuestas más potentes de FLO hasta la fecha y posiblemente el single que se adapta mejor a los gustos americanos debido a sus influencias Trap y la participación de GloRilla. FLO han sabido capturar a la perfección el espíritu del R&B ‘dosmilero’ de grupos como Destiny’s Child y han creado un álbum sólido y cohesivo que pone de manifiesto el talento vocal de sus componentes, su solvencia como compositoras y sus perfectas armonías conjuntas. Jorja, Stella y Renée son atractivas, carismáticas y buenas bailarinas, sin embargo ninguna de ellas destaca por encima de las demás ni tienen un ego exacerbado, lo cual es un dato muy positivo, ya que evitará que tengan la tentación de lanzarse en solitario prematuramente como ha ocurrido en infinidad de grupos femeninos. Sin duda «Access All Areas» es uno de los mejores álbumes de R&B publicados durante este año. Puntuación: 7’5/10.

Revenge Muni Long1. Revenge de Muni Long.

Antes de triunfar en su faceta como cantante, Muni Long se hizo un importante nombre en el panorama musical como compositora para artistas de la talla de Kelly Rowland, Mary J Blige, K. Michelle o Ariana Grande entre otros. Sus créditos están detrás de singles tan populares como ‘California King Bed’ de Rihanna, ‘Worth It’ de Fifth Harmony, ‘Don’t Wake Me Up’ de Chris Brown o ‘Love So Soft’ de Kelly Clarkson. Priscilla Renea, el verdadero nombre de Muni Long, publicó su álbum debut en el año 2009 y su segundo trabajo en 2018, pero no fue hasta 2022 cuando saboreó las mieles del éxito gracias al single ‘Hrs and Hrs’, que se convirtió en un éxito viral en la red social TikTok, lo que le llevó a ocupar el #16 en la lista americana, destacando por su gran longevidad en el componente R&B de Billboard, donde alcanzó el top 5. ‘Hrs and Hrs’ fue incluido en «Public Displays of Affection», su tercer álbum de estudio y el primero bajo el sobrenombre de Muni Long, el cual tuvo un impacto comercial mínimo. En 2023 Muni Long regresó con el single presentación de su nuevo trabajo discográfico, Made for Me, que se trata de una balada R&B mid-tempo producida por Jermaine Dupri y Bryan-Michael Cox que recuerda a las famosas producciones de Dupri para Mariah Carey, entre ellas ‘We Belong Together’. En este tema, Muni Long declara el amor que siente por su hombre y enfatiza en la compatibilidad que tienen ambos («nadie me conoce como tú, nadie me quiere tanto como tú»). ‘Made for Me’ de nuevo consiguió gran viralidad en las redes sociales y alcanzó el top 20 en la lista americana (su segundo top 20 en Estados Unidos). Sin duda ‘Made for Me’ es uno de los mejores temas de R&B lanzados durante este 2024. Como segundo single llegó Make Me Forget, que se trata de una tradicional balada R&B producida por Tricky Stewart en la que la cantante lucha contra la atracción de un hombre que no es el suyo y le pide a su corazón que le ayude a olvidar la tentación. El tercer single lanzado fue Ruined Me, una desgarradora balada R&B con bajo marcado y uso prominente de violín en la que Muni Long relata una dolorosa ruptura que le deja sin la capacidad de volver a amar de nuevo. ‘Ruined Me’ es uno de los mejores singles lanzados por la artista americana hasta la fecha, sin embargo ha sido incapaz de repetir el éxito de ‘Made for Me’. El cuarto álbum de estudio de Muni Long tiene por título Revenge y está formado por 14 temas, principalmente baladas y medios tiempos R&B, compuestos por la propia cantante bajo la producción de Tricky Stewart, Jermaine Dupri, Bryan-Michael Cox, OG Parker o Jeff ‘Gitty’ Gitelman entre otros. El tema central del álbum son las complicadas relaciones con los hombres y las diferentes etapas que se viven en las relaciones, como los desengaños, el desamor, las rupturas y el proceso de curación posterior. Este trabajo ha resultado terapéutico para Muni Long ya que ha podido sacar fuera todos sus pensamientos y expresar las emociones que ha vivido durante estos últimos años. Este álbum recupera el clásico sonido R&B de los años 90 y 2000 que ha desaparecido durante estos últimos años y en concreto guarda similitudes con el estilo de Mariah Carey o K. Michelle, con las que tiene muchos puntos en común. Muni Long es una poderosa vocalista y una experimentada compositora, lo que le convierte en una de las artistas más talentosas del panorama R&B actual. En mi opinión «Revenge» es el mejor álbum publicado durante este 2024 y podemos considerarlo como el punto de inflexión en la carrera de la cantante, ya que gracias al éxito de ‘Made for Me’ ha conseguido aumentar su popularidad y lograr el reconocimiento que merece por su innegable talento. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Lana» de SZA

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SZA Lana.jpegSOS, el segundo álbum de estudio de SZA, fue publicado en diciembre de 2022 y pese al handicap de ser uno de los últimos lanzamientos del año y verse inmerso en el periodo navideño se acabó convirtiendo en uno de los discos más importantes del 2022 el 2023 y disparó la popularidad de la cantante americana en todo el mundo. «SOS» se trataba de un trabajo muy largo, con más de 20 temas, encuadrados dentro del R&B y compuestos por la propia SZA bajo la producción de Carter Lang, Rob Bisel, Darkchild, Babyface o Benny Blanco entre otros. Las canciones presentes en «SOS» contenían letras autobiográficas en las que SZA detallaba sus relaciones con los hombres y la complejidad de sentimientos que se producen tras una ruptura o una relación que no funciona. Como consecuencia de haber sido publicado en pleno mes de diciembre cuando la mayoría de publicaciones musicales ya han confeccionado sus listas con los mejores álbumes del año, «SOS» no formó parte de algunos repasos (o fue incluido en los del año siguiente), sin embargo recibió elogios unánimes por parte de todos los medios internacionales y fue considerado uno de los álbumes más sobresalientes del 2022. El blog Mister Music también valoró «SOS» de manera muy positiva debido a su conjunto sólido y cohesionado de canciones en las que SZA desnuda sus sentimientos y detalla las experiencias amorosas que ha vivido durante los últimos años.

«SOS» resultó extremadamente exitoso en Estados Unidos: debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con más de 300 mil copias vendidas en su primera semana y permaneció en lo más alto de la lista durante 10 semanas no consecutivas. El álbum, que destacó por su larga vida comercial y su gran consistencia en ventas, fue certificado triple platino en Estados Unidos y superó los tres millones de ejemplares (entre copias físicas, digitales y su alto nivel de streaming). A nivel internacional también gozó de una gran acogida comercial y alcanzó el #1 en Australia o Canadá y el top 5 en Reino Unido. «SOS» contó con una magnífica selección de singles, entre los que destacó sin duda Kill Bill, el cual logró un éxito desmesurado: fue #1 en la lista americana de singles, lideró el componente Hot R&B/Hip-Hop Songs de Billboard durante más de 20 semanas y supera los 2000 millones de reproducciones en Spotify. También contribuyeron al éxito del álbum temas como ‘I Hate U’, ‘Shirt’, ‘Nobody Gets Me’ o Snooze, el último single lanzado, que alcanzó el #2 en la lista americana y supera los mil millones de reproducciones en Spotify.

Las sesiones de grabación de «SOS» resultaron muy fructíferas y una gran cantidad de canciones fueron grabadas, por lo que en un principio SZA consideró lanzar una reedición del álbum, sin embargo tras el éxito de «SOS» la cantante grabó material nuevo junto al productor Carter Lang y pensó en grabar un nuevo álbum de estudio. Dubitativa entre las dos opciones, finalmente SZA ha publicado la esperada continuación de su segundo álbum de estudio. Dos años después del lanzamiento de «SOS» ha llegado Lana (el diminutivo de Solana, su nombre de pila), que contiene descartes de las sesiones de grabación originales y nuevos temas, por lo que puede considerarse un álbum con entidad propia. «Lana» está formado por 15 temas encuadrados dentro del R&B contemporáneo y compuestos por SZA bajo la producción de su colaborador habitual Carter Lang, Rob Bisel, Benny Blanco, J. White Did It, Tyler Johnson o ThankGod4Cody entre otros. Durante las sesiones de grabación de «Lana» la cantante se encontró en un estado mental más saludable que cuando compuso sus anteriores álbumes y no se sentía atormentada por el dolor del pasado, por lo que estaba preparada para pasar página. Esta recién encontrada paz interior se refleja en la música y las letras del nuevo álbum.

El single presentación del álbum ha sido Saturn, un tema R&B mid-tempo producido por Carter Lang cuyas letras hablan de escapismo, nihilismo y crisis existencial. En ‘Saturn’, una desilusionada SZA le gustaría abandonar la Tierra y viajar al planeta Saturno al ver cómo a las personas buenas les suceden cosas malas. ‘Saturn’ marca una continuación del sonido presente en «SOS» no solo por su paisaje sonoro sino por su componente lírico. ‘Saturn’ resulta una gran apuesta como single por sus profundas letras, su magnífica producción y la gran ejecución vocal de SZA. Este tema ha recibido dos nominaciones a los premios Grammy, incluyendo mejor canción de R&B del año. La cantante nacida en Missouri y criada en Nueva Jersey ha continuado su excelente racha comercial con ‘Saturn’, el cual ocupado el top 10 en las listas de singles de Estados Unidos, Canadá o Australia. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado un nuevo sencillo, Drive, que se trata de un tema R&B downtempo de carácter minimalista y con melodía de guitarra eléctrica producido por ThankGod4Cody. Las letras de ‘Drive’ hablan de uno de los momentos más oscuros y confusos de SZA, la cual describe cómo la presión de la fama afectó a su salud mental y confiesa que no va a desperdiciar su energía con los haters y enemigos que sólo buscan la negatividad. 

El álbum empieza con ‘No More Hiding’, que resulta toda una declaración de intenciones por parte de SZA ya que se muestra tal y como es con sus imperfecciones e intenta evolucionar para ser una mejor persona. Entre las canciones más destacadas de «Lana» se encuentran ‘Kitchen’, que habla de una relación tóxica pero en la que SZA no puede evitar acordarse de los buenos momentos vividos con su pareja, ‘Crybaby’, en la que aborda la percepción que tiene el público de ella de persona vulnerable y sensible o ‘Diamond Boy’, cuyas letras describen a una SZA profundamente enamorada de su chico y dedicada por completo a él hasta el punto de dudar de su propia devoción. Pese a que en el álbum dominan las baladas y los medios tiempos, también encontramos un par de temas up-tempo como ‘Scorsese Baby Daddy’, que relata una relación con grandes dosis de drama o ‘BMF’, que supone una re-interpretación de la bossa nova ‘The Girl from Ipanema’, pero hablando de un chico del sur de Detroit.

Sin llegar al gran listón dejado por «SOS», «Lana» mantiene el nivel alto del resto de la discografía de SZA tanto en el profundo componente lírico de las canciones como en la impecable ejecución vocal de la cantante o su cuidada producción, sin embargo en esta ocasión no encontramos temas tan potentes y distintivos como ‘Kill Bill’. Pese a ser uno de los lanzamientos más tardíos del año, «Lana» sin duda formará del repaso a los mejores álbumes del 2024 que realizará próximamente el blog Mister Music ya que SZA sigue demostrando en «Lana» que es una de las vocalistas y compositoras más talentosas de su generación. Temas imprescindibles: Saturn, Kitchen, No More Hiding, Crybaby, BMF, Diamond Boy y Scorsese Baby Daddy. Puntuación: 7’5/10.