Electropop

Crítica de «Midnight Sun» de Zara Larsson

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En febrero del año pasado Zara Larsson publicó su último trabajo discográfico, Venus, que se trataba de un álbum más que digno pero sumamente irregular: contaba con unos magníficos singles pero albergaba un relleno considerable pese a su brevedad y contenía varias baladas anodinas y prescindibles. Apenas un año y medio después ha llegado su quinto álbum de estudio, Midnight Sun, el cual refleja el crecimiento personal de la joven cantante (con temas que exploran ambición, identidad y autorreflexión) y está inspirado en sus raíces suecas. El álbum está formado por 10 temas compuestos por la propia Zara Larsson junto a MNEK, Margo XS o Zhone y encuadrados dentro del pop, dance-pop y electropop. «Midnight Sun» ha alcanzado el #1 en la lista sueca de álbumes, convirtiéndose en su quinto trabajo que ocupa el top 5 (y su tercer ‘chart topper’), lo que denota el gran éxito que tiene la cantante en su tierra nativa. El pasado mes de abril llegó el single anticipo del álbum, Pretty Ugly, que se trata de un arriesgado tema dance-pop cuyas letras abordan las expectativas que la sociedad impone a las mujeres y cómo Zara rechaza la idea de encajar en el patrón de mujer tradicional y femenina. El estribillo, cantado de manera agresiva por parte de la cantante, explora la rebelión, desorden y libertad de los estándares de belleza convencionales. ‘Pretty Ugly’ no acabó de convencer al público: apenas ocupó el top 15 en la lista sueca de singles y acumula unas cifras de streaming inferiores a lo que Zara suele acostumbrar. Como segundo single se lanzó el tema titular, Midnight Sun, una canción sobre el amor y la celebración de la vida cuyas letras están inspiradas en las noches de verano de su Suecia natal, en las que el sol nunca se pone y se siente una atmósfera atemporal. Este tema, de estilo electropop con influencias dupstep, tiene un significado especial para Zara, ya que le retrotrae a su infancia y adolescencia en Suecia. ‘Midnight Sun’ resultaba un single más efectivo e inmediato que el anterior debido a su sonido más convencional. Este tema alcanzó el #9 en la lista sueca, convirtiéndose en su vigésimo single top 10. 

El tercer single lanzado fue Crush, un enérgico tema dance-pop cuyas letras exploran el conflicto de tener sentimientos por otra persona cuando te encuentras en una relación estable. Zara se debate entre la sensación de excitación y el conflicto e impacto por interrumpir la relación con su pareja. ‘Crush’, que recuerda al estilo de las canciones más bailables de «Venus», hubiera sido una gran elección como single anticipo del álbum por su ritmo bailable y sus letras pegadizas. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Eurosummer’, un tema dance-pop de sonido muy eurovisivo que habla de pasarlo bien en las noches de verano o ‘Girl’s Girl’, que explora el conflicto interno de sentir una atracción por el novio de una amiga íntima y muestra los sentimientos de vulnerabilidad y honestidad de Zara. También merece la pena reseñar ‘Blue Moon’, un tema de ritmo vibrante inspirado en el sonido Baltimore Club en cuyas letras la cantante celebra un romance único en la vida bajo la interminable luz nórdica del verano.

Por una parte, Zara Larsson ha aprendido la lección y no ha vuelto a tropezar en la misma piedra que su anterior álbum: en «Midnight Sun» las baladas (que suelen ser su punto débil) se reducen a la mínima expresión y casi todos los temas presentes son de carácter up-tempo, pero por otra parte las letras de las canciones resultan genéricas e impersonales y seguimos encontrando varios temas de relleno pese a la brevedad del álbum. Pese a sus evidentes defectos «Midnight Sun» es un álbum entretenido, bailable y agradable de escuchar. Zara Larsson tiene todos los ingredientes para triunfar: es atractiva, buena bailarina y una excelente vocalista, sin embargo sigue sin entregarnos su obra maestra, más allá de unos estupendos singles. Temas imprescindibles: Crush, Midnight Sun, Eurosummer, Pretty Ugly, Blue Moon y Girl’s Girl. Puntuación: 7/10.

Crítica de «Perimenopop» de Sophie Ellis-Bextor

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Sophie Ellis-Bextor vivió su momento de apogeo a principios de la década del 2000 con su álbum debut, «Read My Lips», el cual contenía singles tan interesantes como ‘Get Over You’ o su versión de ‘Take Me Home’, pero sobretodo ‘Murder on the Dancefloor’, que triunfó en las listas de venta de medio mundo gracias a sus pegadizas letras y su inconfundible sonido Disco. A raíz de su aparición en una secuencia de la película «Saltburn», ‘Murder on the Dancefloor’ volvió a ganar popularidad entre el público y a principios de 2024 regresó a las listas de venta de todo el mundo: alcanzó nuevamente el #2 en Reino Unido y debutó por primera vez en la lista americana. Este inesperado éxito viral de ‘Murder on the Dancefloor’ inspiró a la cantante inglesa a regresar a la música Disco, que tantas alegrías le ha proporcionado a lo largo de su carrera. El octavo álbum de estudio de Sophie Ellis-Bextor, Perimenopop, supone una celebración de su etapa vital actual, ya que ha descubierto exactamente quién es y abraza la alegría y el empoderamiento que ello conlleva. El título del álbum es una combinación de la palabra perimenopausia (que se refiere a la etapa de transición previa a la menopausia) y pop, reivindicando que este género no es solo cosa de artistas jóvenes. «Perimenopop» es el álbum idóneo que Sophie debía grabar para celebrar sus 25 años de carrera y así lo describe la cantante: «A lo largo de mi carrera he tenido la suerte de tocar felizmente muchos géneros musicales, pero mi corazón late más rápido por el pop. Este álbum es una celebración de esa relación». El nuevo trabajo de Sophie Ellis-Bextor está formado por 12 temas encuadrados dentro del sonido Disco y el dance-pop con ciertos elementos electropop, synth-pop y funk. La artista londinense ha participado en la composición de todos los temas presentes y ha contado con la producción de Jon Shave, Richard Stannard, Duke Blackwell, Kid Harpoon, Karma Kid o su marido Richard Jones entre otros.

Una gran cantidad de singles han sido lanzados previamente para promocionar el álbum. Para dar con el single presentación tenemos que retroceder hasta octubre del año pasado, cuando vio la luz Freedom of the Night, que se trata de un marchoso tema Disco y dance-pop producido por Richard Stannard y Duck Blackwell en cuyas letras Sophie se abandona al baile y a la euforia de la noche. Este tema guarda numerosas similitudes con su hit ‘Murder on the Dancefloor’ y suponía un magnífico anticipo de su nuevo trabajo. Pese a su gran potencial, ‘Freedom of the Night’ fue incapaz de entrar en la lista británica debido a su escasa promoción. Como segundo single se lanzó Relentless Love, un tema Disco con rica instrumentación de guitarras y violines que se inspira en el sonido Disco clásico de los años 70 y tiene como referentes a Diana Ross, Donna Summer o ABBA. En ‘Relentless Love’, Sophie se entrega a la pasión en un amor implacable. El tercer single lanzado fue Vertigo, un tema de ritmo trepidante que se aleja del sonido Disco convencional de los anteriores singles y profundiza en el electropop. ‘Vertigo’ es la típica expresión del amor incontrolable y Sophie se siente en una nube o torbellino de emociones ya que siente la adrenalina y el vértigo del amor.

La artista de 46 años y madre de 5 hijos varones siguió desgranando su nuevo trabajo y lanzó otro single, Taste, que se trata de un animado tema Disco/funk compuesto junto a MNEK cuyas letras hablan de la química existente con tu pareja y lo que te atrae de la otra persona. Tras estos 4 estupendos singles llegaron otros dos que seguían la senda bailable y el espíritu Disco pero resultaban menos certeros, como Dolce Vita, un tema de sonido fresco y veraniego que habla de las vacaciones como vía de escape o Stay on Me, que coincidió con la publicación del álbum y cuenta con Selena Gomez como compositora. Nada más y nada menos que la mitad del contenido de «Perimenopop» estaba a disposición del público en las plataformas musicales en el momento de su lanzamiento, lo que ha reducido notoriamente el factor sorpresa del álbum. Aunque las mejores canciones ya han sido lanzadas como single, todavía quedan interesantes temas que reseñar, como ‘Glamorous’, que describe el glamuroso momento en que Sophie conoció a un hombre que le cambió la vida o ‘Diamond in the Dark’, un tema Disco/funk muy setentero cuyas letras nuevamente hablan de encontrar al hombre que le robó el corazón y al que considera como un ‘diamante en la oscuridad’. El único tema del álbum que abandona el carácter up-tempo y el sonido Disco es ‘Heart Sings’, que se trata de un medio tiempo electropop en el que se aprecia el talento como compositora y vocalista de Sophie.

Durante el año 2020 se produjo un resurgimiento del sonido Disco protagonizado por Dua Lipa, Kylie Minogue o Jessie Ware, cuya música nos hizo más ameno y llevadero el confinamiento por la pandemia y los meses posteriores. «Perimenopop» es precisamente el álbum que todos esperábamos de Sophie Ellis-Bextor tras el revival Disco que se vivió en el 2020 en el mundo de la música, sin embargo publicó a su vez «Hana», para cerrar su trilogía de álbumes dedicada a sus viajes por el mundo, iniciada con «Wanderlust» y «Familia», los cuales profundizaban en el pop alternativo. «Perimenopop» recupera el sonido Disco de «Read My Lips» y el estilo bailable y enérgico de «Make a Scene», uno de los mejores trabajos de su trayectoria y quizás el más infravalorado por parte del público y la crítica. En resumen, «Perimenopop» es un álbum cohesivo y sólido formado por un conjunto de canciones divertidas, bailables y entretenidas que muestran la elegancia natural de Sophie y su magnífica ejecución vocal. El principal problema al que se ha enfrentado el álbum es su desconcertante ‘rollout’ y su desastrosa estrategia promocional, ya que el primer single fue lanzado hace más de un año, por lo que el público fue perdiendo progresivamente el interés y el ‘hype’ se redujo de manera notoria. Pese a este fallo, «Perimenopop» es uno de los mejores álbumes de pop publicados durante este 2025 hasta la fecha. Temas imprescindibles: Freedom of the Night, Vertigo, Relentless Love, Glamorous, Taste, Dolce Vita y Diamond in the Dark. Puntuación: 8/10.

Crítica de «That’s Showbiz Baby!» de Jade

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Con 6 álbumes publicados y una sólida carrera de más de una década, Little Mix se convirtió en uno de los grupos femeninos más estables y con una trayectoria más consistente dentro de la historia reciente del pop. Solo basta recordar que Spice Girls, una de las ‘girl bands’ más importantes, solo publicaron tres álbumes, The Pussycat Dolls apenas dos y Fifth Harmony, quizás sus mayores competidoras, solo tres. Una de las razones por las que Little Mix tuvieron una carrera más larga y estable que la mayoría de ‘girl bands’, más allá de la gran calidad de sus álbumes y la magnífica selección de singles lanzados, es que ninguna de las componentes sobresalía por encima de las demás y había un reparto igualitario de solos en las canciones, a diferencia de Destiny’s Child o The Pussycat Dolls, en las que existía una líder que acaparaba todos los focos y el micrófono. En diciembre de 2020, apenas un mes después del lanzamiento de «Confetti», Jesy Nelson anunció su salida de Little Mix. El grupo siguió con la promoción del exitoso álbum como cuarteto y el año siguiente publicaron un disco de grandes éxitos a la vez que anunciaban su separación temporal. Los embarazos de dos de las componentes, el cansancio por el frenético ritmo de trabajo desde sus inicios y sus deseos de lanzarse en solitario fueron las causas de la pausa temporal de Little Mix, las cuales demostraron más compañerismo y sororidad que la mayoría de ‘girl bands’ existentes. Tras la decepcionante carrera como solista de Jesy, las componentes de Little Mix también hicieron sus pinitos en solitario al margen del grupo. Tanto Perrie como Leigh-Anne han lanzado varios singles en solitario que han sido bien recibidos por los habituales seguidores del grupo, sin embargo han tenido un mediocre desempeño comercial y no han sido capaces de ampliar su público objetivo. La gran sorpresa la ha dado Jade Thirlwall, quien fue la última componente en lanzarse en solitario pero la primera en publicar su álbum debut y es precisamente la que más se ha alejado del estilo musical característico de Little Mix. Cabe destacar que Leigh-Anne lanzó un EP en mayo del año pasado y Perrie publicará su primer álbum a finales de septiembre.

El álbum debut de Jade (que ha dejado atrás su apellido para su carrera en solitario) tiene por título That’s Showbiz Baby! y está formado por 14 temas que cuentan con la producción de importantes nombres de la industria musical como Mike Sabath, Oscar Görres, Cirkut o Lostboy, responsables de algunos de los mayores éxitos pop recientes. «That’s Showbiz Baby!» se trata de un álbum ecléctico, de sonido arriesgado y experimental que se aleja del pop comercial de Little Mix y se centra en el electropop, synth-pop y dance-pop, aunque también aparecen elementos Disco, funk o R&B. La cantante inglesa ha afirmado que el sonido presente en el álbum se inspira en los artistas que ha escuchado desde pequeña, como Madonna, Janet Jackson, Spice Girls o Diana Ross. A diferencia de las canciones que hacía junto a Little Mix (de naturaleza más genérica y con las que la mayoría de sus fans podían identificarse), este álbum contiene letras personales y autobiográficas en las que Jade habla de relaciones pasadas o la sexualidad femenina, pero sobretodo profundiza en sus experiencias dentro del ‘show business’. En el momento de la publicación del álbum se han lanzado 4 singles oficiales y 3 sencillos promocionales (casi la mitad del contenido del álbum ya ha sido desvelado), lo que ha disminuido en parte el factor sorpresa.

Para dar con el primer single tenemos que retroceder hasta julio del año pasado, cuando vio la luz Angel of My Dreams, que se trata de un tema de carácter experimental, con varios cambios de ritmo y que comienza como una grandiosa balada pop para convertirse en un caótico tema up-tempo que combina electropop, synth-pop y dance-pop. ‘Angel of My Dreams’ está producido por Mike Sabath y contiene una interpolación del famoso tema ‘Puppet on a String’ de Sandie Shaw, que ganó el festival de Eurovisión en los años 60. Sus letras hablan de las experiencias de Jade en la industria musical (con la que mantiene una especie de relación tóxica), con referencias a las desavenencias de Little Mix con Simon Cowell, creador de X Factor UK y propietario de Syco Music, la discográfica del grupo durante sus inicios. Este single tuvo un gran desempeño comercial en Reino Unido: ocupó el top 10 en la lista británica y supera los 60 millones de reproducciones en Spotify. ‘Angel of My Dreams’ es un tema innovador, arriesgado y distinto a lo que se escucha actualmente en el panorama pop y destaca por la gran ejecución y versatilidad vocal de Jade. Este tema fue aclamado por prestigiosas publicaciones musicales como The Guardian, Billboard o Rolling Stone, los cuales lo consideraron uno de los mejores temas del 2024 y recibió una nominación a canción del año en los BRIT Awards.

Como agradecimiento a sus fans por el masivo apoyo a ‘Angel of My Dreams’, la cantante inglesa lanzó un nuevo tema, pero aclaró que tan solo se trataba de un sencillo promocional para amenizar la espera del álbum. Midnight Cowboy es un tema de carácter electrónico y experimental, que destaca por su martilleante percusión y en el que Jade canta y rapea sobre su tener control de su propia sexualidad. Tras ‘Midnight Cowboy’ llegó el segundo single oficial, Fantasy, que se trata de un marchoso tema Disco/funk cuyas letras hablan de positivismo sexual, feminidad y de realizar sus fantasías sexuales, convirtiéndose en un auténtico himno de empoderamiento femenino. Este tema se inspira en el sonido Disco de los años 70 de artistas de la talla de Donna Summer o Diana Ross y guarda similitudes con el estilo presente en álbumes como «What’s Your Pleasure?» de Jessie Ware o «Disco» de Kylie Minogue. ‘Fantasy’ resultaba otro acierto por parte de Jade debido a su ritmo bailable y su versatilidad vocal. Pese a su gran potencial y las buenas críticas recibidas, este single tuvo un mediocre desempeño comercial en la lista británica y apenas alcanzó el top 60. Ya en 2025 llegó un nuevo sencillo promocional, It Girl, que se trata de un enérgico tema electropop producido por Lostboy y Cirkut en cuyas letras Jade habla de su paso por X Factor, la búsqueda de su independencia y vuelve a lanzar dardos contra Simon Cowell. ‘It Girl’ consiguió alcanzar el top 50 en la lista británica a pesar de ser un sencillo promocional.

Como tercer single se lanzó FUFN (Fuck You for Now), un tema electropop de sonido más convencional producido por Lostboy y compuesto por Jade junto a la cantante Raye. El concepto de ‘FUFN’ está inspirado en un sueño que tuvo Jade en el que su novio le engañaba y sus letras hacen referencia a una gran discusión con su pareja que no acaba en ruptura sino en un momento de desahogar su ira hacia su novio. ‘FUFN’ tuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el top 25 en la lista británica, convirtiéndose en el segundo single más exitoso del álbum. El cuarto single lanzado (y sexto avance del álbum) ha sido Plastic Box, un pegadizo tema synth-pop y electropop que contiene unas letras muy personales en las que explora la inseguridad irracional y los celos hacia las relaciones pasadas de tu pareja. Este tema ha sido producido por Oscar Görres, responsable de ‘We Can’t Be Friends’ de Ariana Grande, con el que guarda ciertas similitudes en cuanto a estilo musical. ‘Plastic Box’ ha ocupado el top 50 en la lista británica. Coincidiendo con la salida del álbum se ha lanzado otro single, Uncondicional, que se trata de un tema up-tempo electropop cuyas letras hablan del amor incondicional de su madre, que pese a las enfermedades que ha sufrido a lo largo de su vida, siempre la apoyó en su camino hacia el estrellato.

Los álbumes debut, sobretodo de aquellos artistas que han formado parte de famosos grupos, suelen ser eclécticos, poco cohesivos y carecen de una dirección musical clara o concreta porque el cantante en cuestión todavía no ha encontrado su personalidad propia como artista ni ha encontrado el género con el que se siente más cómodo (véase como ejemplo Geri Halliwell). «That’s Showbiz Baby!» de Jade no es una excepción y podemos apreciar su variedad y eclecticismo en temas como ‘Glitch’, un medio tiempo influenciado por el R&B alternativo en el que Jade explora sus inseguridades y describe una relación tóxica o ‘Before You Break My Heart’, un tema Disco de sonido retro que contiene una interpolación de ‘Stop! In the Name of Love’ de las Supremes. Los temas inéditos del álbum no son tan potentes como los singles lanzados pero merece la pena reseñar la balada ‘Silent Disco’, que explora la intimidad y conexión profunda entre dos personas, ‘Lip Service’, un tema synth-pop de carácter mid-tempo que habla de sexo oral o ‘Self Saboteur’, una de las primeras canciones que Jade escribió para el álbum y en cuyas letras admite su miedo a enamorarse y afirma que suele sabotear las relaciones que inicia.

Tras la separación de Little Mix, en un principio tuve ciertas reticencias en seguir las carreras de sus componentes en solitario, sin embargo ha resultado una agradable sorpresa presenciar el inicio de la carrera como solista de Jade, cuyo debut ha supuesto un soplo de aire fresco en el panorama pop y la ha situado como la alumna más aventajada de su grupo. Con su carismática personalidad, su simpatía, frescura y sencillez, Jade Thirlwall se ha ganado al público y ha conseguido hacerse un importante hueco en el panorama pop europeo. «That’s Showbiz Baby!» es un álbum entretenido y disfrutable, compuesto por un sólido conjunto de canciones que ponen de manifiesto la versatilidad y el excepcional talento vocal de Jade, además de sus solventes habilidades como compositora. Uno de los pocos puntos en contra del álbum es que, tras una magnífica selección de singles, el resto de los temas presentes no resultan tan impactantes y todavía se hace más evidente debido a la cuestionable secuencia del álbum, en la que todos los sencillos están colocados en las 7 primeras posiciones. Tampoco ha ayudado el ‘rollout’ tan extenso que ha tenido el álbum y el lanzamiento de demasiados singles previos a su publicación, que ha reducido notoriamente el hype. Sin duda «That’s Showbiz Baby!» es uno de los álbumes pop más destacados del 2025. Temas imprescindibles: Angel of My Dreams, Fuck You for Now, It Girl, Plastic Box, Unconditional, Fantasy y Before You Break My Heart. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Don’t Click Play» de Ava Max

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Ava Max supuso un soplo de aire fresco dentro del panorama pop durante los primeros años de la década del 2020 gracias a su primer álbum, «Heaven & Hell«, el cual contó con exitosos singles como ‘Sweet but Psycho’ o ‘Kings & Queens’, que obtuvieron excelentes cifras de streaming, ocuparon la parte alta de las listas de venta y dispararon la popularidad de la cantante americana. Tras su impresionante debut, Ava Max regresó en 2023 con «Diamonds & Dancefloors», que seguía los pasos de su predecesor y resultaba un trabajo muy sólido, sin embargo tuvo un desempeño comercial notoriamente inferior. Durante el año pasado Ava realizó diversas colaboraciones con otros artistas y también lanzó un par de temas propios que en su momento fueron catalogados como los singles presentación de su tercer álbum de estudio. Tanto ‘My Oh My’ como ‘Spot a Fake’ no se alejaban demasiado de la habitual fórmula de Ava Max y se trataban de marchosos temas dance-pop de naturaleza bailable y que contaban con estribillos pegadizos e inmediatos. Ambos temas formaban parte de la versión inicial de su nuevo álbum, sin embargo la cantante americana declaró que habían sido descartados del ‘track listing’ final debido a motivos personales que le hicieron cambiar el rumbo del álbum.

El pasado mes de febrero llegó el definitivo single presentación del álbum, Lost Your Faith, que se trata de un tema pop/rock producido por Pink Slip en el que Ava Max relata una dolorosa ruptura sentimental. Este tema llamaba la atención por su cambio de dirección hacia el sonido pop/rock e incorporaba un potente solo de guitarra eléctrica, aunque el estribillo mantenía el espíritu ‘power pop’ de otros himnos de Ava como ‘Kings & Queens’. Pese a ser un tema potente y un solvente ‘lead single’, ‘Lost Your Faith’ recibió escasa promoción por parte de su discográfica y tuvo un impacto comercial mínimo. Como segundo single se lanzó Lovin Myself, un tema up-tempo de estilo electropop producido nuevamente por Pink Slip en el que la cantante se define como una superviviente del desamor y declara que está intentando reconectar consigo misma, ya que no necesita a nadie, puesto que se está amando a sí misma. Sin apenas un respiro llegó el tercer single, Wet, Hot American Dream, que se trataba de un animado tema electropop y dance-pop en cuyas letras Ava pide a su amante que le cuente sus fantasías y secretos más ocultos a la vez que añade una imaginería americana.

Durante el último mes no hemos tenido ninguna noticia de Ava Max y se ha mantenido inactiva en sus redes sociales, lo que resulta un comportamiento un tanto extraño teniendo en cuenta que las semanas antes del lanzamiento de un álbum son clave en la campaña promocional y es precisamente cuando los artistas se mantienen más activos en sus redes sociales y realizan entrevistas en medios de comunicación y apariciones en programas de televisión. Más tarde hemos sabido que la cantante ha pasado por malos momentos personales que le han impedido estar presente en el foco mediático. Con el hype por los suelos debido al desastroso rollout del álbum y sin un single exitoso que respalde su publicación, se ha puesto a la venta el nuevo trabajo discográfico de Ava Max.

El tercer álbum de estudio de Ava Max tiene por título Don’t Click Play y está formado por 12 temas pop que siguen la estela musical de sus anteriores trabajos y profundizan en el dance-pop y el electropop. Las rupturas sentimentales que ha sufrido Ava y el posterior proceso de curación emocional han sido la fuente de inspiración en las letras de las canciones presentes, además de tocar temas como el auto-empoderamiento o las críticas recibidas a través de las redes sociales. «Don’t Click Play« no se aleja demasiado de la fórmula musical y el sonido de los anteriores trabajos de la cantante de Milwaukee, sin embargo la principal diferencia es que el productor Cirkut (su mano derecha, artífice de sus mayores éxitos y ex-pareja) no participa en este proyecto y ha sido sustituido por otros productores de la talla de Pink Slip, Inverness, Frequency o David Stewart entre otros. Pese a su ruptura sentimental, Cirkut y Ava siguieron trabajando juntos, sin embargo el motivo del distanciamiento entre ambos se produjo cuando el productor inició una relación secreta con Madison Love (amiga, compositora y co-autora de varios de sus canciones), lo que fue visto por Ava como una traición por parte de dos personas de su máxima confianza.

Con «Don’t Click Play» Ava Max ha querido demostrarse a sí misma y a los demás que es capaz de seguir creando hits sin la ayuda de Cirkut. Como veremos más adelante, este objetivo solo se ha conseguido en parte. Una de las canciones más llamativas y reveladoras del álbum es ‘Don’t Click Play’, en la que Ava aborda el odio que recibe en las redes sociales y habla por primera vez de las críticas que ha recibido desde el principio de su carrera en las que se le acusa de ser una imitadora de Lady Gaga y se le critica por su afición a usar samplers en sus canciones. En una de las líneas del tema, Ava incluso comenta de manera irónica que ‘Kings & Queens’ queda bien junto a ‘Poker Face’. Otro de de los temas más destacados es ‘World’s Smallest Violin’, perteneciente a las sesiones de grabación de «Diamonds & Dancefloors» y que resulta un himno de autoestima e independencia tras una ruptura, ya que en sus letras Ava afirma tomar el control de su vida tras el desamor y trata de evitar comportamientos tóxicos como volver con su ex. También merece la pena reseñar ‘Sucks to Be My Ex’, un pegadizo tema dance-pop cuyas letras hablan de una ruptura sentimental y el sentimiento de confianza y empoderamiento que se siente después o ‘Know Somebody’, uno de los pocos temas mid-tempo del álbum y en el que explora los sentimientos de traición y decepción. El resto de temas presentes en el álbum, pese a ser pegadizos y bailables, resultan genéricos, derivativos de los trabajos anteriores de Ava Max y no ofrecen nada nuevo al panorama musical.

Con un magnífico álbum debut y varios hits a sus espaldas, Ava Max parecía tener un prometedor futuro por delante, sin embargo la falta de criterio por parte de su management, las erróneas decisiones tomadas en torno a su carrera, la escasa promoción por parte de su discográfica y sus desacertadas colaboraciones con otros artistas han hecho que el globo del éxito de la cantante esté deshinchándose a pasos agigantados y el interés por parte del público haya disminuido dramáticamente. Pese a que «Don’t Click Play» no llega al gran nivel de sus anteriores álbumes (que son dos auténticas obras maestras del pop), no nos encontramos ante un proyecto de baja calidad en absoluto, ya que se trata de un álbum solvente y más que digno que contiene un conjunto de canciones entretenidas, pegadizas y con estribillos efectivos e inmediatos (que sigue siendo la seña de identidad de Ava Max), sin embargo por primera vez encontramos algún tema de relleno y no resulta tan consistente y cohesivo como «Heaven & Hell» o «Diamonds & Dancefloors».

Sin duda Cirkut fue una pieza esencial en el éxito de la cantante y su ausencia se echa en falta en este trabajo, sin embargo Ava Max sigue manteniendo su habilidad para crear canciones divertidas y pegadizas. En una de las pocas entrevistas que ha concedido recientemente, Ava se quejaba de que posiblemente sea la artista peor gestionada de la historia de música, y efectivamente no se equivoca, ya que su discográfica y su equipo de management no han sabido explotar su talento como artista. Sin duda la cantante de ascendencia albanesa podría haber ocupado una posición dominante en el pop de esta década si hubiera estado mejor dirigida y aconsejada. El título del álbum («no le des al play»), además de premonitorio, ha resultado un tanto confuso para el público y no ha ayudado en absoluto a su desempeño comercial. Temas imprescindibles: Lost Your Faith, Lovin Myself, Sucks to Be My Ex, World’s Smallest Violin, How Can I Dance y Don’t Click Play. Puntuación: 7’5/10.

Los mejores álbumes de Pink

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Beautiful Trauma9. Beautiful Trauma.

En 2017 fue publicado el séptimo álbum de estudio de Pink, Beautiful Trauma, el cual vio la luz 5 años después de la publicación de «The Truth About Love», lo que suponía el mayor lapso de tiempo entre álbum y álbum de toda su carrera. Durante ese tiempo la cantante americana se centró en su vida personal, pudo dedicarse al cuidado de su primera hija y fue madre de un niño. «Beautiful Trauma» cuenta con la producción de sus habituales colaboradores Billy Mann, Greg Kurstin, Max Martin y Shellback, y a ellos se les suman otros productores como Mattman & Robin, Jack Antonoff o Steve Mac, con los que Pink trabajaba por primera vez. «Beautiful Trauma» marca una divergencia musical con respecto a los anteriores álbumes de Pink (que contaban con un gran componente rock y uso prominente de guitarra eléctrica) y se trata de un trabajo eminentemente pop, que profundiza en el sonido dance-pop, además de incorporar ciertos elementos electrónicos, folk y pop/rock. Las letras de las canciones presentes en este álbum tienen un gran componente emocional y hablan de las inseguridades y las relaciones imperfectas, además de las preocupaciones de Pink por problemas sociales y políticos que ocurren en el mundo. «Beautiful Trauma» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes (el segundo trabajo de Pink que llegaba a lo más alto en Estados Unidos) y fue certificado platino. En el resto del mundo lideró las listas de venta de Reino Unido, Canadá o Australia. El single presentación del álbum fue What About Us, un enérgico tema dance-pop producido por Steve Max que suponía uno de los temas más up-tempo y bailables lanzados por Pink hasta la fecha. ‘What About Us’ destacaba por sus letras con fuerte contenido político-social, en las que afirmaba que el gobierno estadounidense había fallado a su gente y por ello enviaba un mensaje de inclusividad y apoyo a aquellos que se sentían no escuchados o olvidados. ‘What About Us’ alcanzó el #1 en Australia y el top 5 en Reino Unido, Alemania o Francia, sin embargo en la lista americana apenas ocupó el top 25, convirtiéndose en uno de sus ‘lead singles’ menos exitosos en Estados Unidos. El segundo single lanzado fue la canción que da título al álbum, Beautiful Trauma, que habla de una relación problemática que es comparada por Pink con una adicción a las drogas. ‘Beautiful Trauma’ tuvo un rendimiento comercial moderado y ocupó el top 25 en Reino Unido o Australia. Como tercer single llegó Whatever You Want, un tema pop/rock producido por Max Martin cuyas letras hacen referencia a las dificultades a las que se ha enfrentado Pink en su complicada relación con su pareja Carey Hart. El último single lanzado fue Secrets, un tema dance-pop producido por Max Martin que suponía uno de los temas más marchosos y bailables del álbum. «Beautiful Trauma» cuenta con un gran número de canciones tranquilas y sosegadas, como la sombría balada ‘Wild Hearts Can’t Be Broken’, en la que repasa algunos de los duros momentos que ha vivido la artista y donde podemos apreciar su magnífica voz. En «Beautiful Trauma», Pink demuestra que es una talentosa artista con una magnífica voz y unas grandes habilidades como compositora, sin embargo el álbum peca de un exceso de relleno, contiene demasiadas baladas y algunas de las canciones resultan genéricas. Puntuación: 7/10.

Pink Trustfall8. Trustfall.

A lo largo de su extensa trayectoria musical, Pink no solo ha demostrado su gran versatilidad sino que ha sabido evolucionar como artista y adoptar diferentes estilos. Tras unos inicios encuadrados dentro del R&B, enseguida se decantó por un pop/rock comercial que le ha acompañado durante la mayor parte de su carrera, para terminar adoptando un sonido electropop y dance-pop en sus últimos álbumes. La muerte de su padre en 2021 y la enfermedad de su hijo marcaron la vida de la cantante y fueron la fuente de inspiración en la composición de su último trabajo hasta la fecha, Trustfall, que llegó en 2023, 4 años después de «Hurts 2B Human». El noveno álbum de estudio de Pink cuenta con la producción de Greg Kurstin, Max Martin, Shellback, Billy Mann o Jason Evigan entre otros y está formado por temas up-tempo de estilo synth-pop, dance-pop y pop/rock además de baladas influenciadas por el sonido folk y Country. Alecia Moore compuso 6 de los temas presentes (una cantidad inferior a lo usual) pero se ha rodeado de compositores de la talla de Wrabel, Jesse Shatkin, Mathew Koma o Chris Stapleton, quien además participa como artista invitado en un tema. El single presentación del álbum fue Never Gonna Not Dance Again, que se trata de un animado tema dance-pop con influencia Disco/funk producido por Max Martin en el que Pink habla sobre todas las cosas que le alegran en la vida y supone un himno de celebración y optimismo. Este tema destaca por su naturaleza desenfadada y su ritmo bailable, pero recibió algunas críticas negativas por sus letras genéricas, su parecido a ‘Can’t Stop the Feeling!’ de Justin Timberlake y por recurrir a Max Martin, el rey midas del pop, en un intento desesperado por devolverle la popularidad perdida. ‘Never Gonna Not Dance Again’ fracasó en las listas de venta y se ha convertido en el ‘lead single’ menos exitoso de toda su carrera. El segundo single lanzado fue Trustfall, que se trata de un enérgico tema synth-pop y dance-pop en el que la veterana cantante habla sobre cómo superar el miedo a la incertidumbre y confiar en que todo saldrá bien. ‘Trustfall’ es uno de los singles más potentes de Pink de los últimos tiempos y en el terreno comercial ocupó el top 40 en las listas de venta Reino Unido o Australia. Dentro del lado más up-tempo del álbum destaca ‘Runaway’, un tema synth-pop y dance-pop inspirado en el estilo ochentero de ‘Blinding Lights’ de The Weeknd y en el que habla de escapar de la negatividad del pasado y viajar a un lugar lejano donde poder ser libre o ‘Hate Me’, en el que rescata su sonido pop/rock y su rebeldía interior afirmando que su amante le convirtió en una villana y un monstruo y ahora le odia por ello. También merece la pena reseñar ‘Turbulence’, en el que Pink hace referencia a las adversidades y los baches con los que se ha encontrado en los últimos años pero que finalmente ha podido superar ya que sólo se trataban de turbulencias pasajeras o ‘Last Call’, un tema pop/rock mid-tempo producido por Billy Mann que habla de hacer las paces con tu pareja y disfrutar del momento antes de que todo pueda acabar. El principal defecto de este álbum es la abundancia de baladas, muchas de ellas insípidas y que no acaban de enganchar. Por otra parte, «Trusfall» es uno de los álbumes más honestos y vulnerables de Pink, en el que relata los momentos dolorosos que le han marcado los últimos años pero que ha podido superar gracias al apoyo de su familia y seres queridos. Puntuación: 7/10.

Try This7. Try This.

Tras el gran éxito conseguido con Missundaztood, el cual vendió más de 12 millones de copias en todo el mundo y contó con 4 populares singles, Pink se consagró como una de las figuras más importantes del pop de la década del 2000. Dos años después de «Missundaztood» Pink regresó con su tercer álbum de estudio, Try This, en el que profundizó en el sonido pop/rock iniciado en su anterior álbum y para ello trabajó con Tim Amstrong (perteneciente al grupo de rock Rancid) además de Linda Perry, quien ya contribuyó en varios temas de «Missundaztood», incluyendo el primer single. «Try This» es un álbum eminentemente pop/rock aunque podemos encontrar ciertas influencias punk-rock, dance-pop y R&B en varias de las canciones. Con una promoción inferior a la de su anterior trabajo, «Try This» se convirtió en el álbum menos vendido de la cantante americana hasta la fecha y en la actualidad permanece como uno de sus trabajos menos exitosos. «Try This» debutó en el top 10 de la lista americana de álbumes y vendió un millón de copias en Estados Unidos (una cifra notoriamente inferior a la de «Missundaztood») y en el resto del mundo alcanzó el top 5 en Reino Unido o Alemania y el top 10 en Australia. El single presentación del álbum fue Trouble, un enérgico tema pop/rock con influencia punk-rock producido por Tim Amstrong cuyas letras hacen referencia al espíritu rebelde e indómito de la cantante. ‘Trouble’ estuvo acompañado de un original videoclip ambientado en un pueblo del Oeste americano dominado por rufianes al que llega Pink para devolver el orden y la legalidad. ‘Trouble’ gozó de un gran éxito en Australia, Reino Unido, Alemania o Canadá, donde alcanzó el top 10, sin embargo en Estados Unidos tuvo un escaso impacto y se convirtió el single menos exitoso de Pink hasta el momento. ‘Trouble’ ganó un premio Grammy a mejor actuación femenina de rock, el segundo Grammy que recibiría la cantante americana en su carrera tras su participación en el hit ‘Lady Marmalade’. El segundo single lanzado fue God Is a DJ, un bailable tema pop/rock y dance-pop con un gran aire ‘ochentero’ y que destaca por sus originales letras «Si Dios es un DJ, la vida es una pista de baile, el amor es el ritmo y tu eres la música» en las que Pink anima a vivir la vida al máximo. ‘God Is a DJ’ recibió críticas positivas aunque tuvo un desempeño comercial muy mediocre, marcando mínimos en la carrera de Pink. Como tercer y último single se lanzó Last to Know, un potente tema rock que suponía la inmersión definitiva de la cantante en dicho género. Debido a que Pink estaba embarcada en una extensa gira por Europa y América, este single apenas contó con promoción y fracasó en las listas de venta. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Humble Neighborhoods’ y ‘Try Too Hard’, dos enérgicas canciones rock de carácter up-tempo, ‘Oh My God’, un tema electroclash de letras muy explícitas que cuenta con la colaboración de la cantante Peaches o ‘Catch Me While I’m Sleeping’, una balada producida por Linda Perry reminiscencia del sonido R&B de su primer álbum. Pese a que «Try This» no se encuentra entre mis álbumes favoritos de Pink, no resulta un trabajo de baja calidad en absoluto ya que contiene un conjunto más que digno de canciones de sonido pop/rock que encajan a la perfección con la personalidad rebelde e inconformista de la cantante americana. Puntuación: 7/10.

Hurts 2B Human6. Hurts 2B Human.

El octavo álbum de estudio de Pink, Hurts 2B Human, fue publicado en 2019, apenas año y medio después del lanzamiento de «Beautiful Trauma», el cual recibió críticas muy variadas por parte de los expertos musicales pero obtuvo una gran respuesta comercial y alcanzó el #1 en las listas de venta de Estados Unidos, Reino Unido o Australia entre otros. «Hurts 2B Human» sigue la estela musical de «Beautiful Trauma», está encuadrado dentro del pop e incorpora elementos dance-pop, electropop y Country. En lo que respecta a las letras, este álbum resulta más optimista que «Beautiful Trauma» y trata temas como las relaciones de pareja, el amor propio, la vida y la familia. El single presentación del álbum fue Walk Me Home, un tema pop mid-tempo compuesto junto a Nate Ruess que destaca por su mensaje inspirador y contiene el característico estribillo de Pink con coro creciente. A diferencia de otros primeros singles, ‘Walk Me Home’ no enganchaba tanto y resultaba poco llamativo y original, además tuvo un moderado desempeño comercial. Como segundo single se lanzó Can We Pretend, un marchoso tema dance-pop producido por Ryan Tedder cuyas letras hacen referencia a hacer uso de la nostalgia para escapar de la realidad. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘(Hey You) Miss You Sometime’, un enérgico tema electropop y dance-pop producido por Max Martin y Shellback en el que la voz de la cantante aparece sintetizada, ‘Courage’, un bonito medio tiempo pop que resulta uno de los momentos más emotivos o ‘Hustle’, un original tema pop con influencias Country en el Pink habla de una relación fallida en la que advierte a su ex que no podrá aprovecharse de ella otra vez. Uno de los pocos temas que conserva el característico estilo pop/rock de Pink es ‘We Could Have It All’, producido por Greg Kurstin y en el que Pink se arrepiente de haber arruinado una relación. Pink incursiona en el género Country en ‘Love Me Anyway’, una balada cuyas letras hacen referencia al compromiso en una relación y en la que participa Chris Stapleton. «Hurts 2B Human» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes (su tercer trabajo ‘chart topper’ en Estados Unidos) y también lideró las listas de venta de Australia, Reino Unido o Canadá. Este álbum cuenta con varias canciones interesantes, pero en su conjunto no ofrece nada nuevo u original al panorama musical y repite la fórmula utilizada en «Beautiful Trauma». En definitiva «Hurts 2B Human» no es el mejor álbum de la trayectoria de Pink sin embargo sí es una buena adición a su amplio catálogo musical. Puntuación: 7’5/10.

Missundaztood5. Missundaztood.

En 2001 Pink participó junto con Christina Aguilera, Lil’ Kim y Mya en la banda sonora de la película ‘Moulin Rouge’ con el tema Lady Marmalade, que se trataba de una versión de la famosa canción de Patty Labelle pero con un toque R&B/Hip-Hop moderno y producido por Missy Elliott. Esta nueva versión resultó tremendamente popular aquel año, superó el éxito de la versión original y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Australia, Reino Unido y más de 10 países en todo el mundo. Con una popularidad al alza, Pink publicó a finales del 2001 su segundo álbum de estudio, titulado Missundaztood (que podríamos traducirlo como incomprendida) y en el que dejaba a un lado su antiguo look con el pelo rosa y mostraba una nueva imagen más rebelde. «Missundaztood» destacó por su gran divergencia con respecto al estilo musical de su anterior álbum y profundizaba en un sonido pop/rock más maduro con ciertos elementos dance-pop y R&B. Pink compuso la mayoría de los temas del álbum y para lograr su sonido deseado trabajó principalmente con Linda Perry (componente del grupo 4 Non Blondes) y Dallas Austin, con producción adicional de Scott Storch y Damon Elliott. «Missundaztood» debutó en el #8 de la lista americana y gracias al buen desempeño de los singles lanzados alcanzó el #6, el primer top 10 de Pink en Estados Unidos. El álbum gozó de una gran longevidad en la lista americana y superó los 5 millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el segundo álbum de una artista femenina más vendido del 2002. A nivel internacional también logró un buen desempeño comercial: fue top 5 en Reino Unido o Alemania y top 20 en Australia y Francia y superó los 12 millones de copias en todo el mundo. El single presentación del álbum fue Get The Party Started, un pegadizo tema dance-pop compuesto y producido por Linda Perry que habla sobre salir de fiesta y pasarlo bien. ‘Get The Party Started’ resultó un gran éxito en las listas de venta, alcanzó el #1 en Australia o España y el top 5 en Reino Unido, Alemania, Francia o Estados Unidos. Como segundo single se lanzó Don’t Let Me Get Me, un marchoso tema pop/rock con uso prominente de guitarra eléctrica en el que Pink habla de su falta de autoestima cuando era adolescente y sus problemas para encajar en la escuela. Muy revelador resulta el contenido del segundo verso en el que confiesa que «L.A. (Reid, el presidente de su discográfica) me dijo que sería una pop star y lo que tenía que hacer es cambiar todo lo que soy» o «estoy harta de ser comparada con la ‘maldita’ Britney Spears, ella es muy guapa pero yo no soy ella», confirmando que durante su primer álbum no se sintió cómoda ni pudo expresar sus verdaderas aspiraciones musicales. Este tema tuvo buena acogida entre el público y ocupó nuevamente el top 10 en los principales mercados musicales. El tercer single lanzado fue Just Like a Pill, un enérgico tema pop/rock producido por Dallas Austin en el que la cantante de Pennsylvania habla de una relación tóxica y el abuso de sustancias y compara a su pareja con una pastilla que en vez de curarle le hace más daño todavía. Just Like a Pill recibió grandes criticas de los expertos musicales por sus personales letras y la ejecución vocal de Pink como ‘rock star’. Este tema continuó la racha de éxito de los singles anteriores y alcanzó el #1 en Reino Unido y el top 10 en Estados Unidos. Como último single se lanzó Family Portrait, un medio tiempo R&B producido por Scott Storch que destacaba por sus letras autobiográficas sobre su complicada infancia, las peleas que tenían sus padres delante de ella y su posterior divorcio. Dentro del álbum destacan ’18 Wheeler’, un potente tema pop/rock producido por Dallas Austin, ‘Eventually’, una balada de desamor con cierto aroma R&B que resulta el momento más vulnerable y emotivo del álbum o ‘My Vietnam’, una balada influenciada por el sonido folk que habla de las complicadas experiencias personales durante su adolescencia, comparándolas con la guerra de Vietnam. En resumen, «Missundaztood» supuso el impulso definitivo de Pink para triunfar en todo el mundo gracias a una acertada selección de singles y un conjunto sólido de canciones que ponían de manifiesto el impresionante torrente vocal de la cantante americana y su talento como compositora. Puntuación: 7’5/10.

Pink4. Can’t Take Me Home.

En el año 2000, Alecia Moore, más conocida como Pink por su llamativo color de pelo rosa, publicó su álbum debut, Can’t Take Me Home, el cual está formado por medios tiempos, baladas y temas up-tempo de estilo R&B/pop bajo la producción de algunos de los mejores productores del género R&B como Babyface, She’kspere, Soulshock & Karlin o Tricky Stewart. Pese a que Pink no tuvo demasiado control creativo en este álbum, compuso 7 de los 13 temas presentes. El single presentación fue There You Go, un marchoso tema R&B/pop up-tempo producido por She’kspere que contenía el sonido R&B típico de principios del 2000 y cuya melodía resultaba similar a ‘Bills Bills Bills’ de Destiny’s Child o ‘No Scrubs’ de TLC, ambos también compuestos por Kandi y producidos por el propio She’kspere. En este pegadizo tema Pink se encuentra en una relación tóxica que no tiene futuro y opta por dejar a su pareja pese a que éste le ruega que le perdone y continúen la relación. ‘There You Go’ cosechó gran éxito y alcanzó el #2 en Australia y el top 10 en Estados Unidos, Canadá o Reino Unido. El segundo single lanzado fue Most Girls, un medio tiempo R&B producido por Babyface cuyas letras hacían referencia a que Pink es una mujer independiente y autosuficiente que no necesita a un hombre que la mantenga por lo que resultaba un himno de empoderamiento femenino. ‘Most Girls’ fue considerado como el tema más sobresaliente del álbum y resultó un hit en las listas de venta: fue #1 en Australia y top 5 en Estados Unidos, Canadá o Reino Unido. Como tercer y último single se extrajo You Make Me Sick, un tema R&B producido por Babyface en el que Pink relataba la deteriorada relación con su pareja, al que le reprocha su comportamiento y declara estar harta de él. ‘You Make Me Sick’ ocupó el top 40 en Estados Unidos o Australia pero en Reino Unido se convirtió en el tercer top 10 consecutivo de Pink. Dentro del álbum encontramos joyas del R&B como ‘Split Personality’, en el que Pink declara que tiene doble personalidad, ‘Can’t Take Me Home’, un marchoso tema dance-pop que resultaba el más up-tempo del disco, la balada R&B/Soul ‘Let Me Let You Know’, en cuyos créditos encontramos a Robin Thicke como compositor o ‘Love Is Such a Crazy Thing’, un original tema de amor que destaca por su larga introducción instrumental en la que se van añadiendo progresivamente nuevos instrumentos. «Can’t Take Me Home» debutó en un discreto #26 de la lista americana pero el buen desempeño de los singles consiguió que el álbum vendiera más de dos millones de copias en Estados Unidos y fuera certificado doble platino. A nivel internacional el desempeño comercial fue moderado, alcanzó su mejor posición en Australia donde fue #10 y acabó vendiendo más de 4 millones en todo el mundo. El álbum debut de Pink recibió críticas mixtas por parte de los expertos musicales, quienes consideraron que no resultaba original ni llamativo, aunque alabaron las habilidades vocales de Pink. «Can’t Take Me Home» es posiblemente el álbum más desconocido de su discografía por parte del gran público ya que Pink triunfó de manera masiva a partir de su siguiente álbum, sin embargo es uno de mis favoritos debido a su magnífica selección de singles y su clásico sonido R&B de principios de la década del 2000. Puntuación: 8/10.

The Truth About Love3. The Truth About Love.

En el año 2010 Pink publicó un álbum de grandes éxitos que incluía sus singles más famosos lanzados durante la década anterior, en la que fue una de las artistas pop más importantes y exitosas. Tras ser madre de una niña fruto de su relación con el motociclista Carey Hart, la cantante americana regresó en 2012 con su sexto álbum de estudio, titulado The Truth About Love y en el que no solo aborda las diferentes perspectivas del amor y la turbulenta relación con su pareja, sino también otros temas como el empoderamiento femenino o la exclusión social. «The Truth About Love» está formado por 13 temas encuadrados dentro del pop/rock con ciertos elementos electropop y dance-pop, compuestos por la propia Alecia Moore bajo la producción de Greg Kurstin, Billy Mann, Jeff Bhasker, Butch Walker o Max Martin entre otros. Este álbum es uno de los más personales de la carrera de Pink, ya que relata episodios ocurridos en la tumultuosa relación con su pareja y explora temas como la monogamia, el sexo o la confianza dentro de una relación. «The Truth About Love» lideró las listas de ventas de Australia, Canadá o Alemania, destacó por el hecho de que consiguió su primer #1 en Estados Unidos y acabó vendiendo más de 7 millones de copias en todo el mundo gracias a la magnífica acogida de los sencillos lanzados. El single presentación del álbum fue Blow Me (One Last Kiss), un marchoso tema electropop y pop/rock producido por Greg Kurstin que resulta un auténtico himno de desamor tras una ruptura sentimental. ‘Blow Me (One Last Kiss)’ tuvo un desempeño comercial muy positivo y alcanzó el #1 en Australia y ocupó el top 5 en Estados Unidos y Reino Unido. La cantante de Pennsylvania siguió el mismo patrón que con sus anteriores trabajos y tras un explosivo primer single llegó un tema más profundo y emotivo, en este caso Try, que se trata de un tema mid-tempo pop/rock cuyas letras hablan de tomar riesgos con el amor sin importar las consecuencias. ‘Try’ suponía uno de los puntos fuertes del álbum por su composición, su cuidada producción y la ejecución vocal de Pink. Como tercer single se lanzó Just Give Me a Reason, una preciosa balada pop a dúo con el cantante Nate Ruess que habla de una relación que se está desmoronando y mientras que uno de los dos comienza a dejar de sentir amor, el otro piensa que tan sólo es una mala racha y se aferra a sus sentimientos. ‘Just Give Me a Reason’ resultó un tremendo éxito en las listas de venta y alcanzó el #1 en Australia, Alemania o Estados Unidos (su cuarto single ‘chart topper’), convirtiéndose en el single más exitoso de la cantante hasta la fecha. El cuarto single lanzado fue True Love, un tema pop/rock con influencia ska que cuenta con la participación de Lily Allen y destaca por su tono humorístico y sus divertidas letras en las que Pink le declara su amor a su marido aunque a veces tenga ganas de agarrarle del cuello, convirtiéndose en un himno del amor disfuncional. De manera limitada se lanzó como sencillo promocional ‘Walk of Shame’, un enérgico tema pop/rock con influencias electropop y New Wave producido por Greg Kurstin que habla sobre la vergüenza y el arrepentimiento que se siente después de una relación de una noche. Dentro del álbum destacan ‘Are We All We Are’, una canción protesta y de auto-empoderamiento cuyas letras hacen referencia a la desigualdad económica, ‘Slut Like You’, un himno feminista que habla del cambio de roles y supone la única contribución de Max Martin al álbum, ‘Here Comes the Weekend’, con influencia Hip Hop y que cuenta con la participación del rapero Eminem o ‘Where Did the Beat Go?’, con cierto aroma R&B y en el que Pink muestra su lado vulnerable relatando una relación que se desmorona y en la que ya no se siente deseada. A lo largo de su extensa carrera, Pink ha demostrado que es capaz de ofrecernos trabajos muy consistentes y «The Truth About Love» es un ejemplo de ello, ya que se encuentra entre los mejores álbumes de su discografía gracias a su sólido conjunto de canciones, su excelente selección de singles y sus personales letras sobre el amor y las relaciones monógamas. Puntuación: 8/10.

I'm Not Dead2. I’m Not Dead.

«Try This» fue el último trabajo de Pink dentro de la discográfica Arista, con la que tuvo grandes diferencias durante la grabación y promoción de dicho disco, lo que provocó su salida después de tres álbumes dentro de ella. Tras la gira de «Try This» Pink se tomó un periodo de descanso en el que la cantante se inspiró de nuevos estilos y sonidos para su próximo disco. En 2006 vio la luz su cuarto álbum de estudio, I’m Not Dead, cuyo título hacía referencia a que la cantante no estaba ‘muerta’ ni desaparecida del panorama musical tras el fracaso de su anterior álbum. «I’m Not Dead» sigue la estela pop/rock de sus dos anteriores álbumes pero resulta más accesible a todos los públicos y tiene un mayor componente pop que «Try This», el cual contenía un sonido más rockero y oscuro. Pink compuso todas las canciones presentes en el álbum y trabajó con importantes nombres de la industria musical como Billy Mann, Butch Walker, Max Martin o Dr. Luke entre otros. El single presentación del álbum fue Stupid Girls, un marchoso tema pop con influencias R&B y pop/rock producido por Billy Mann que destacaba por sus letras en contra de la imagen sexualizada que se les impone a las mujeres en la sociedad y el mundo del espectáculo. Este tema resultaba un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que Pink animaba a las niñas y mujeres a potenciar su inteligencia y no su cuerpo. ‘Stupid Girls’ recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus inspiradoras letras y su naturaleza bailable y fue nominado a mejor actuación vocal femenina en los premios Grammy. ‘Stupid Girls’ ocupó el top 5 en Reino Unido, Australia o Canadá y el #13 en Estados Unidos. Como segundo single se lanzó Who Knew, un tema pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke en el que Pink muestra su lado más emotivo y vulnerable hablando de un buen amigo al que perdió por el abuso de drogas. ‘Who Knew’ recibió opiniones positivas de los críticos musicales por la emotividad de la cantante y la producción del tema y obtuvo un rendimiento muy positivo en las listas de venta, ya que ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. En su lanzamiento original en Estados Unidos, ‘Who Knew’ no tuvo demasiado apoyo por parte del público pero tras el éxito del siguiente single volvió a ser relanzado en tierras americanas y alcanzó el top 10 y fue certificado platino. El tercer single elegido fue U + Ur Hand, otra de las producciones de Max Martin y Dr. Luke para el álbum y que se trataba de un enérgico tema pop/rock en el que Pink habla de cómo rechaza a los hombres en el club y destaca por sus explicitas letras sobre la masturbación. ‘U + Ur Hand’ alcanzó el top 10 en la lista americana, acabó siendo certificado platino (su primer single en alcanzar el millón de copias) y fue el responsable de la revitalización de la carrera de Pink en Estados Unidos y el aumento de ventas del álbum. En el resto del mundo también tuvo un desempeño muy positivo y ocupó el top 10 en los principales mercados. Como cuarto single se lanzó Nobody Knows, que se trata de una balada a piano producida por Billy Mann que destaca por sus personales letras sobre la depresión que sufrió Pink años atrás. Pese a ser una de las mejores baladas lanzadas por la cantante hasta la fecha, apenas contó con promoción y tuvo un impacto comercial limitado. El siguiente single extraído fue Dear Mr. President, una balada acústica pop/rock y folk que resultó bastante polémica por sus directas letras en contra del entonces presidente de Estados Unidos George Bush, a quien critica sus desacertadas decisiones sobre la guerra de Irak o su oposición al matrimonio gay. Como último single se lanzó Leave Me Alone (I’m Lonely), un marchoso tema pop/rock y dance-pop producido por Butch Walker en el que Pink demanda a su amante más tiempo libre. «I’m Not Dead» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes (la posición más alta de Pink hasta la fecha), se caracterizó por su gran longevidad en las listas de venta gracias al éxito de los singles lanzados y acabó vendiendo más de dos millones de copias en Estados Unidos. A nivel internacional también resultó un éxito notorio: fue #1 en las listas de venta de Australia o Alemania, #3 en Reino Unido y superó los 6 millones en todo el mundo, unas cifras muy superiores a las alcanzadas por «Try This». Tras el relativo fracaso que supuso su anterior álbum, Pink regresó con un magnífico álbum de pop/rock comercial que marcaba el sendero por el que continuarían sus sucesivos trabajos. Sin duda «I’m Not Dead» es uno de los trabajos más sólidos y consistentes de su amplia discografía. Puntuación: 8/10.

Funhouse1. Funhouse.

Dos años y medio después del lanzamiento de «I’m Not Dead» se puso a la venta el quinto álbum de estudio de Pink, titulado Funhouse, el cual sigue la senda musical de su predecesor, está encuadrado dentro de un pop/rock muy accesible a todos los públicos y resulta uno de sus trabajos más personales hasta la fecha. La cantante de Pennsylvania compuso todos los temas presentes en el álbum bajo la producción de Billy Mann, Max Martin y Butch Walker, quienes fueron los responsables de la mayor parte de su anterior disco, además de otros productores como Danja, Tony Kanal o Eg White, que trabajaban por primera vez con Pink. Respaldado por un single de gran éxito, «Funhouse» debutó en el #2 de la lista americana (su mejor posición hasta la fecha) y gracias a la longevidad del álbum acabó vendiendo más de 3 millones de copias en Estados Unidos. En el resto del mundo también obtuvo un gran impacto comercial, fue #1 en Australia o Reino Unido y superó los 7 millones de ejemplares vendidos a nivel mundial. El single presentación del álbum fue So What, un enérgico tema pop/rock producido por Max Martin y Shellback en el que Pink habla de la separación de su marido, el motociclista Carey Hart. ‘So What’ se convirtió en el tema más exitoso de la cantante hasta la fecha y lideró las listas de venta de Estados Unidos (el primer #1 de Pink en solitario), Reino Unido, Australia y en otros 10 países más. Como segundo single se lanzó Sober, un tema mid-tempo pop/rock producido por Danja y Tony Kanal que destaca por sus letras autobiográficas en las que Pink declara que le gustaría quererse a sí misma tanto estando sobria como cuando está borracha. ‘Sober’ recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su contenido lírico y obtuvo un buen desempeño en las listas de venta y ocupó el top 10 en Reino Unido o Australia y el top 20 en Estados Unidos. El tercer single lanzado fue Please Don’t Leave Me, un tema mid-tempo pop/rock producido por Max Martin que habla de una relación de amor/odio con alguien que tiene un efecto negativo en ti pero no puedes dejar a esa persona, también inspirado en la reciente ruptura con su marido. ‘Please Don’t Leave Me’ resultó un éxito moderado en las listas de venta y ocupó el top 20 en las listas de venta de Australia, Reino Unido y Estados Unidos. Como cuarto single se eligió Bad Influence, un potente tema pop/rock producido por Billy Mann en el que Pink abandona por un momento el tema de la separación de su pareja y habla de pasárselo bien con sus amigas. Como quinto single llegó el tema que da título al álbum, Funhouse, que cuenta con influencia del sonido funk y habla de sentir que ya no encajas y comenzar de nuevo. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘I Don’t Believe You’, una balada a piano y guitarra que muestra su lado más vulnerable y ruega a su pareja que vuelva con ella o ‘Ave Mary A’, un potente tema pop/rock up-tempo en el que Pink toma conciencia social del mundo que le rodea. En mi opinión «Funhouse» es el álbum más sólido dentro de la magnífica trayectoria de Pink y en el que demuestra que es una de las vocalistas y compositoras más talentosas del pop contemporáneo. Este álbum contiene un conjunto de canciones originales, divertidas y alegres pero también emotivas y cargadas de sentimiento. Sin duda uno de los álbumes de pop imprescindibles de la década del 2000. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Period» de Kesha

deividtoxicDeja un comentario

En la década del 2010 Kesha triunfó con canciones como ‘TiK ToK’, ‘Your Love Is My Drug’, ‘We R Who We R’ o ‘Die Young’, las cuales resultaron un auténtico éxito alrededor el mundo, alcanzaron las primeras posiciones en las listas de venta e hicieron de Kesha una de las cantantes de moda durante aquella años. Todos estos temas estaban producidos por Dr. Luke, habitual colaborador de Max Martin y el artífice de incontables éxitos para artistas de la talla de Katy Perry, Pink, Britney Spears o Kelly Clarkson. El primer álbum de estudio de Kesha, Animal y su posterior reedición, Cannibal, abanderaron el sonido electropop que triunfó durante dicha década y obtuvieron altas ventas. Kesha no solo trabajaba estrechamente con Dr. Luke, sino que pertenecía a su discográfica, Kemosabe Records, una división del sello discográfico Sony. Todo parecía que brillaba en el mundo de la joven cantante californiana, sin embargo a principios de 2014 entró en una clínica de rehabilitación por bulimia nerviosa. En octubre de dicho año, Kesha presentó una demanda civil contra Lukasz Gottwald (el verdadero nombre de Dr. Luke) en la que le acusaba de abuso sexual, violencia de género, abuso emocional e incumplimiento de las prácticas comerciales de California durante los 10 años que trabajaron juntos. La cantante de Los Angeles afirmaba que de manera habitual Dr. Luke le drogaba y abusaba sexualmente de ella, lo que le produjo desórdenes alimenticios, y por ello pidió a la corte poder romper sus acuerdos contractuales con el famoso productor. Gottwald negó tales afirmaciones y a su vez presentó otra demanda contra Kesha y su madre por difamación e incumplimiento de contrato. Posteriormente Kesha modificó su denuncia y añadió una demanda a la discográfica Sony, a la que acusó de hacer oídos sordos ante sus quejas por las conductas abusivas por parte de Dr. Luke y no tomar medidas contra él. Durante aquellos años, debido a sus relaciones contractuales con Dr. Luke y Sony, Kesha no podía trabajar con otros productores ni lanzar nueva música en otras discográficas, por lo que solicitó una orden judicial para ser liberada de su contrato y poder obtener la libertad artística que tanto ansiaba. Sin música nueva, Kesha no podía hacer giras de conciertos ni recibir patrocinios, por lo que su imagen de marca cayó en picado. En 2017 Kesha publicó su tercer álbum «Rainbow» bajo el sello discográfico de Dr. Luke, sin embargo pudo evitar trabajar personalmente con él y se involucró con otros productores. En 2023, tras un arduo y largo proceso judicial, ampliamente expuesto en los medios de comunicación estadounidenses, Kesha y Gottwald llegaron a un acuerdo extrajudicial un mes antes de que el caso llegara a su fin.

Kesha Sebert ha regresado este mes de julio con su sexto trabajo discográfico, titulado Period, el cual se trata un álbum de pop muy ecléctico que contiene elementos dance-pop, synth-pop, electropop o hyperpop. Kesha ha participado en la composición de los 11 temas que forman parte del álbum y ha contado con la producción de Zhone, Stuart Crichton, Stint, Pink Slip o Nova Wav entre otros. «Period» es el primer álbum de Kesha como artista independiente y ha sido publicado bajo su propio sello discográfico, Kesha Records. Este álbum supone su regreso al pop bailable y comercial tras su último trabajo, «Gag Order», el cual contenía un sonido oscuro y experimental y relataba cómo superó el trauma y la depresión resultantes de su batalla legal contra Dr. Luke. Hace exactamente un año llegó el single presentación del álbum, Joyride, que se trata de un marchoso tema dance-pop y electropop que destaca por su original melodía de polka y sus influencias del sonido hyperpop. En ‘Joyride’, Kesha hace uso de su habitual técnica sing-rap y utiliza metáforas para comparar la conducción de coches con el auto-empoderamiento y el amor propio. Tras varios años en los que Kesha ha estado apartada del mainstream, ‘Joyride’ ha obtenido unas respetables cifras de streaming (acumula más de cien millones de reproducciones en Spotify) y ha logrado entrar en varias listas de venta alrededor del mundo, aunque ha tenido un mediocre desempeño comercial.

El segundo single lanzado fue Delusional, una balada synth-pop en la que Kesha muestra su lado más vulnerable mientras confronta a un ex incapaz de enfrentarse a la realidad. En 2025 llegó un nuevo single, Yippee-Ki-Yay, que se trata de un extraño tema que mezcla Country-pop, Hip Hop o electropop y cuenta con la producción de Pink Slip y Nova Wav. Como cuarto single se lanzó Boy Crazy, un enérgico tema hyperpop en el que Kesha explora el territorio de Charli XCX y se presenta como una ‘femme fatale’ obsesionada con los hombres. Antes de la publicación del álbum llegó el quinto single, The One, que se trata de un tema pop mid-tempo en el que Kesha habla sobre sus relaciones pasadas, reflexiona sobre la fama y el estrellato y declara que el amor de su vida es ella misma. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘Red Flag’, un marchoso tema electropop en el que Kesha habla de las señales de advertencia que surgen cuando conoces a alguien con el que te planteas tener una relación o ‘Cathedral’, una balada en la que Kesha se luce vocalmente y guarda similitudes con ‘Praying’, solo que la cantante ya no reza para encontrar la liberación, paz y libertad que tanto anhelaba (puesto que ya las ha encontrado), sino que habla de superar los obstáculos y centrarse en la auto-aceptación.

Desde sus inicios, Kesha se presentó al mundo como una chica fiestera y desinhibida que cantaba temas divertidos y desenfadados, sin embargo la realidad era muy diferente de lo que podíamos imaginar. La cantante pasó por duros momentos personales que le han convertido en la mujer fuerte, libre y empoderada que es hoy en día. Personalmente siempre he sido partidario de separar a la persona del artista, y sin saber exactamente lo que ocurrió entre Kesha y Dr. Luke, lo cierto es que el famoso productor fue el responsable de sus temas más famosos y resultó ser una pieza esencial en el éxito de la cantante. En la actualidad, Kesha se esfuerza por encajar en un panorama musical que ha cambiado drásticamente mientras intenta replicar los gloriosos momentos de su pasado. En resumen, «Period» es un álbum ameno pero palidece en comparación con sus primeros trabajos, ya que está formado por un conjunto de canciones olvidables y poco inspiradas, con letras sumamente genéricas y que suenan pasadas de moda. La mayoría de canciones presentes en el álbum, salvo la caótica pero divertida ‘Joyride’, no ofrecen nada nuevo al panorama musical ni van a ayudar a Kesha a recuperar su posición dominante en el mundo del pop como lo hizo en el 2010. En el blog Mister Music valoré de manera positiva tanto «Animal» como «Warrior», dos álbumes que sigo escuchando regularmente, sin embargo «Period» no me ha sorprendido ni llamado la atención. Temas imprescindibles: Joyride, The One, Red Flag, Delusional y Cathedral. Puntuación: 6/10.

Los mejores álbumes del 2025 (1ª parte del año)

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6. American Heart de Benson Boone.

En 2024 vio la luz «Fireworks & Rollerblades», el álbum debut de Benson Boone, el cual ocupó el top 10 en la lista americana de álbumes y fue certificado platino en Estados Unidos. Este álbum incluye el exitoso single ‘Beautiful Things’, que alcanzó el #2 en la lista americana y ha destacado por su gran longevidad en la misma, ya que después de un año y medio de su lanzamiento todavía ocupa el top 10 de la lista Billboard. Desde entonces la popularidad del joven cantante creció como la espuma entre el público joven no solo por sus pegadizas canciones sino gracias a sus enérgicas actuaciones en directo, sus llamativos atuendos y su carismática e irreverente personalidad. En febrero de este año llegó el single presentación de su nuevo álbum, Sorry I’m Here for Someone Else, que se trata de un enérgico tema up-tempo de estilo pop/rock y synth-pop producido por Jason Evigan cuyas letras hablan sobre pasar página de una antigua relación sin guardar rencor a tu ex-pareja. En ‘Sorry I’m Here for Someone Else’ Benson describe un incómodo encuentro en un restaurante con un antiguo amor mientras duda si decirle que está esperando a su nueva pareja para no hacerle daño. Este tema sin duda supone una gran elección como primer single debido a su ritmo contagioso, sus pegadizas letras y la magnífica ejecución vocal de Benson Boone. Como segundo single se lanzó Mystical Magical, un tema pop/rock y synth-pop de sonido retro que contiene una interpolación de ‘Physical’ de Olivia Newton-John y recuerda el estilo del último álbum de Harry Styles. Este tema producido por Evan Blair habla de vivir el momento y disfrutar al máximo el tiempo que pasas con tu amante porque no sabes cuánto tiempo va a durar. Como tercer single se lanzó Momma Song, una emotiva pero poco memorable balada en cuyas letras reflexiona sobre el paso del tiempo y habla del amor que profesa a su madre y anhela pasar más momentos junto a ella. El segundo álbum de Benson Boone tiene por título American Heart y está formado por 10 temas encuadrados dentro del pop/rock al igual que su predecesor, pero destaca por su influencia del sonido synth-pop y tiene un cierto toque retro. El joven cantante ha compuesto todos los temas presentes en el álbum junto a su habitual colaborador Jack LaFrantz y cuenta con la producción de Jason Evigan, Evan Blair, Malay y Jason Suwito, quienes ya participaron en su anterior trabajo. Benson Boone ha declarado que compuso todas las canciones del álbum en un periodo de tan solo 17 días y se inspiró en Bruce Springsteen y la música tradicional americana. Coincidiendo con la publicación del álbum se desveló el videoclip de Mr Electric Blue, que se trata de un marchoso tema pop/rock cuyas letras hablan de la admiración de Benson por su padre y cómo de pequeño le idolatraba como si fuera un superhéroe. Uno de los temas más destacados del álbum es ‘Young American Heart’, que refleja el espíritu joven, rebelde e indómito de Benson y cuyas letras hacen referencia a un accidente de coche que sufrió a los 16 años junto a un amigo, quien estuvo a punto de morir, lo que supuso un punto de inflexión en su vida y le hizo reflexionar sobre su futuro. «American Heart» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el segundo top 10 de Benson en Estados Unidos. En resumen, «American Heart» mantiene el buen nivel de su predecesor y está formado por un breve conjunto de canciones entretenidas y disfrutables pero que no muestran una excesiva evolución musical con respecto a «Fireworks & Rollerblades» debido a su escasa diferencia temporal. La ejecución vocal de Benson Boone es uno de los puntos fuertes del álbum: si bien no posee una voz especialmente distintiva, sí resulta potente y alcanza sin problema los tonos más agudos. Por otra parte, las canciones presentes no destacan por tener un componente lírico excesivamente profundo o elaborado, pero Benson tiene un gran futuro por delante para mejorar sus habilidades como compositor. Este álbum, más que recordar a la música de Bruce Springsteen, guarda ciertas similitudes con los últimos trabajos de Harry Styles y destaca por su sonido retro y su mayor componente synth-pop. Puntuación: 7/10.

5. Something Beautiful de Miley Cyrus.

Miley Cyrus vivió un gran momento profesional en 2023 gracias al tremendo éxito cosechado por el single ‘Flowers’, el cual alcanzó el #1 en las listas de prácticamente todo el mundo y consiguió cifras astronómicas de streaming. Dos años después de «Endless Summer Vacation» ha llegado el noveno trabajo discográfico de la cantante americana, Something Beautiful, que se trata de un álbum visual que contiene una temática existencial y se centra en el proceso de curación de los traumas y encontrar la belleza incluso en los rincones más oscuros de la vida. En el terreno musical, «Something Beautiful» es un álbum encuadrado dentro del pop que incorpora influencias dance-pop, pop/rock, synth-pop o Disco, sin embargo destaca por su carácter experimental y contiene cambios de ritmo y elementos disruptivos, por lo que podríamos denominarlo como pop progresivo. Miley ha participado en la composición de los 13 temas presentes y ha contado con la ayuda de un gran número de compositores y productores de la talla de Shawn Everett, Kid Harpoon, Michael Pollack, Jonathan Rado, Alec O’Hanley o BJ Burton entre otros. Las letras de las canciones hablan sobre el desamor, la muerte, la incertidumbre de la existencia y encontrar un punto de belleza en los momentos más difíciles de nuestra vida. El componente lírico es uno de los aspectos más destacados del álbum y muestra una gran madurez y evolución de Miley como compositora. El single presentación del álbum fue End of the World, un tema pop up-tempo de sonido retro que contiene influencias dance-pop y Disco y cuyas letras hablan de vivir la vida al máximo como si llegara el fin del mundo. Antes de la publicación del álbum se lanzaron varios sencillos promocionales: ‘Something Beautiful’, que se trata de una balada de R&B alternativo con elementos jazz y Soul (aunque durante el estribillo incorpora elementos experimentales y del rock progresivo acompañado de voces distorsionadas por parte de Miley) cuyas letras hacen referencia a la búsqueda de las cosas bonitas que ofrece la vida o ‘More to Lose’, una balada de rica instrumentación que habla de una relación fallida y muestra el lado más honesto y personal de Miley. Coincidiendo con la publicación del álbum llegó otro sencillo promocional, Easy Lover, que se trata de un tema pop/rock cuyas letras hablan de una complicada relación en la que Miley es incapaz de dejar a su pareja incluso cuando el amor se vuelve doloroso. En la primera parte del álbum se concentran los sencillos promocionales pero aparecen demasiados temas lentos y dos interludios innecesarios. La segunda parte resulta notablemente superior y encontramos canciones más bailables, divertidas y que destacan por su larga duración. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Golden Burning Sun’, un tema mid-tempo con cierto aroma pop/rock que habla del amor incondicional o ‘Walk of Fame’, un tema synth-pop de carácter up-tempo cuyas letras hacen referencia de los efectos que conllevan la fama y el estrellato. En resumen, «Something Beautiful» es un álbum elegante y bien producido que destaca por su componente lírico y su variedad de géneros presentes. Además de su labor como compositora, se aprecia una gran evolución como artista de Miley Cyrus. Mientras que «Endless Summer Vacation» contenía demasiado relleno y no resultaba un álbum especialmente memorable pero albergaba singles llamativos y de gran calidad, «Something Beautiful» es cohesivo, muestra un carácter experimental a la vez que resulta comercial y accesible, sin embargo no hay hits potenciales ni temas especialmente distintivos, aunque sí un conjunto digno de ‘album tracks’. Puntuación: 7/10.

4. Why Not More? de Coco Jones.

En 2022 la cantante Coco Jones publicó el EP What I Didn’t Tell You, su trabajo discográfico más ambicioso hasta la fecha, con el que se abrió a un mayor público y se hizo un importante hueco en el panorama R&B estadounidense. La reedición de «What I Didn’t Tell You» fue nominada a mejor álbum de R&B en los premios Grammy del año 2024 y ‘ICU’ se convirtió en su primer tema que entraba en la lista americana de singles y fue nominado a mejor actuación R&B en los Grammy del mismo año. Courtney Michaela Jones es conocida también por su faceta de actriz y ha protagonizado recientemente el remake de la famosa serie ‘El Príncipe de Bel-Air’, en la que interpretaba a Hilary Banks. En el mes de abril vio la luz el álbum debut de Coco Jones, Why Not More?, en el que muestra su crecimiento como mujer y artista durante los últimos años. El álbum está formado por 14 temas, principalmente baladas y medios tiempos R&B, compuestos por la propia cantante junto a importantes productores de la talla de London on da Track, Stargate, Cardiak, Eric Hudson o Cirkut. A lo largo de las canciones que forman parte del álbum Coco habla de amor y explora la complejidad de las relaciones. En mayo del año pasado llegó el single presentación del álbum, Here We Go (Uh Oh), que se trata de una balada R&B mid-tempo producida por Cardiak en cuyas letras Coco relata cómo su ex-pareja, un hombre inmaduro e incapaz de comprometerse, intenta volver con ella pero sus amigos le aconsejan que no lo haga y evite tener contacto con él. Ya en 2025 llegó Taste, un tema R&B mid-tempo producido por Stargate y Jasper Harris que samplea el estribillo del icónico ‘Toxic’ de Britney Spears y en cuyas letras Coco, al igual que la princesa del pop, habla de un amante del que no puede desengancharse. El single previo a la publicación del álbum ha sido You, una balada R&B producida por London on da Track en la que Coco deja a un lado el drama y las relaciones turbulentas y habla del gran momento de amor que está viviendo con su pareja. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘On Sight’, en cuyas letras Coco pide a su amante que sea sincero y no esconda sus sentimientos o ‘Keep It Quiet’, en el que explora los conflictos que surgen en las relaciones. En resumen, «Why Not More?» resulta cohesivo y destaca por su elegante producción y la magnífica ejecución vocal de Coco Jones. «Why Not More?» guarda similitudes con «Revenge» de Muni Long, uno de los mejores álbumes de R&B del año pasado, lo cual es un gran cumplido para la joven cantante de Tennessee. Los únicos puntos en contra del álbum son la gran abundancia de medios tiempos y baladas y el uso excesivo de samplers de famosas canciones. Coco Jones no resulta una vocalista distintiva o con una personalidad marcada que le haga diferenciarse del resto de competidoras, sin embargo es una artista talentosa a la cual le auguro un gran futuro en el mundo de la música y concretamente en el género R&B. Puntuación: 7’5/10.

3. Hurry Up Tomorrow de The Weeknd.

A finales de enero llegó el quinto álbum de estudio de The Weeknd, titulado Hurry Up Tomorrow y se trata de la tercera y última parte de una trilogía iniciada por el cantante canadiense con «After Hours», que representaba el infierno (la oscuridad, la vida disoluta de Abel y sus pensamientos atormentados y autodestructivos) y continuaba con «Dawn FM», el purgatorio (la madurez del artista y el comienzo de una nueva etapa más alegre en su vida). «Hurry Up Tomorrow» representa el paraíso y supone la cúspide creativa de este ambicioso y complejo proyecto creado por Abel Tesfaye, elaborado con temas existenciales y auto-referenciales. En «Hurry Up Tomorrow» seguimos encontrando las influencias ochenteras presentes en sus dos últimos trabajos a través de temas up-tempo de sonido synth-pop y electropop, sin embargo en esta ocasión existe un predominio de baladas y medios tiempos encuadrados dentro del sonido R&B. Abel Tesfaye ha compuesto los 22 temas presentes en el álbum y entre los productores implicados se encuentran importantes nombres como Mike Dean, Metro Boomin, Oneohtrix Point Never, Cirkut, Tommy Brown o Pharrell Williams entre otros. Cabe destacar que Max Martin y Oscar Holter, mano derecha de The Weeknd en sus últimos trabajos y los artífices de hits de la talla de ‘Blinding Lights’ o ‘Save Your Tears’, disminuyen notoriamente su presencia en este álbum. En septiembre del año pasado llegó el supuesto single presentación del álbum, Dancing in the Flames, que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop producido por Max Martin y Oscar Holter que sigue la estela musical de los anteriores singles de The Weeknd. Las letras de ‘Dancing in the Flames’ hablan a un amor apasionado que perdura en el tiempo a pesar del sentimiento de dolor y pérdida y en el que las referencias a los accidentes de conducción y llamas son una metáfora de una peligrosa e impredecible relación amorosa. ‘Dancing in the Flames’ fue descartado de la edición final del álbum debido a su escaso éxito comercial. Mientras que ‘Dancing in the Flames’ marcaba la transición perfecta entre los dos anteriores álbumes y «Hurry Up Tomorrow» debido a su sonido synth-pop y sus influencias ochenteras, los dos siguientes sencillos cambiaban radicalmente de estilo. Como segundo single se lanzó Timeless, un anodino tema mid-tempo de estilo Hip Hop y Trap que cuenta con la participación del rapero Playboi Carti. Este tema, producido por Mike Dean, Pharrell Williams y Ojivolta, explora temas como la auto-identidad o la transitoriedad de las relaciones amorosas dentro del vacío mundo de la fama. El siguiente single fue São Paulo, un extraño tema influenciado por el funk brasileño y que cuenta con la participación de la cantante brasileña Anitta. Uno de los temas más continuistas con respecto al sonido presente en los anteriores trabajos de The Weeknd es ‘Open Hearts’, que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop y electropop que mantiene las influencias ochenteras de ‘Dancing in the Flames’ y su naturaleza bailable. En este tema, uno de los pocos producidos por Max Martin y Oscar Holter, Abel habla sobre la lucha de dar otra oportunidad al amor tras una ruptura sentimental. En mi opinión, ‘Open Hearts’ es el tema más sobresaliente del álbum y sería un gran candidato a siguiente single. Las influencias de la música de los años 80 y el uso de sintetizadores están presentes en temas como ‘Wake Me Up’, en el que Abel reflexiona sobre sus luchas internas y explora temas como el existencialismo o la búsqueda de la autenticidad o ‘Cry for Me’, que contiene ciertas influencias Trap al final de la canción y en el que vuelve a mostrar su lado más atormentado y sus sentimientos de dolor y sufrimiento. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Give Me Mercy’, que se trata de otra de las producciones de Max Martin y en la que admite los errores cometidos y pide piedad o ‘Take Me Back To LA’, un tema synth-pop de carácter mid-tempo que pertenece a las sesiones de grabación del álbum «After Hours» y en el que muestra su sentimiento de redención. El resto del álbum navega en un mar de temas downtempo R&B que recuerdan a los orígenes musicales del cantante. Es un placer encontrar en «Hurry Up Tomorrow» un gran número de temas R&B que le sientan como un guante a su agradable y bonito timbre de voz, sin embargo se echan en falta más canciones up-tempo como ‘Open Hearts’ o ‘Dancing in the Flames’, que continúan la senda musical explorada en los anteriores trabajos de la trilogía. «Hurry Up Tomorrow» no logra igualar el gran nivel de «After Hours» y «Dawn FM» pero se trata de un álbum sólido, magníficamente ejecutado por Abel a nivel vocal, muy cohesionado líricamente y con una magistral producción. Los puntos en contra son su larguísima extensión, la omisión de ‘Dancing in the Flames’ en la edición final del álbum y la desacertada elección de los singles, que no representan la esencia del álbum y resultan los temas más flojos. «Hurry Up Tomorrow» ha cerrado con broche de oro esta trilogía, la cual le ha convertido a The Weeknd en el artista más exitoso de los últimos años y el más escuchado en las plataformas de streaming. Puntuación: 7’8/10.

2. Princess of Power de Marina.

Una gran parte de los seguidores de Marina Diamandis, anteriormente conocida como Marina and the Diamonds, llevan reclamando desde hace muchos años la vuelta de la artista al estilo presente en el álbum «Electra Heart», considerado por muchos como su obra maestra y mejor trabajo hasta la fecha. La cantante galesa mostró su lado más divertido, irreverente y desenfadado durante la promoción de este trabajo y al finalizar dicha etapa enterró al personaje Electra Heart y se entregó a otros proyectos que se centraban en su lado más serio, introspectivo y maduro. Pese a que «Electra Heart» supone una parte importante en sus giras de conciertos y Marina siempre interpreta sus temas más populares (‘Primadonna’, ‘Bubblegum Bitch’ o ‘How to Be a Heartbreaker’), nunca ha acabado de reconciliarse con ese personaje y ha preferido dejarlo como parte de su pasado. El sexto álbum de estudio de Marina tiene por título Princess of Power y está formado por 13 canciones, principalmente temas up-tempo de estilo electropop y synth-pop, compuestos por la cantante galesa junto a CJ Baran, quien se ha encargado de la entera producción. «Princess of Power» es un álbum conceptual en el que Marina reivindica el amor como un superpoder que nos empodera y celebra el liderazgo de la mujer en nuestra generación. La cantante de ascendencia griega ha declarado que para la creación de este álbum se inspiró escuchando música alegre y eufórica de bandas de los años 70 como ABBA o divas del pop contemporáneas de la talla de Madonna o Kylie Minogue. «Princess of Power» es el primer álbum de Marina publicado de manera independiente tras abandonar Atlantic Records y toma el relevo del notable «Ancient Dreams in a Modern Land», publicado hace 4 años. Como suele ser habitual, la elección de los singles por parte de Marina ha sido excepcional, ya que nos ha presentado su nuevo álbum con tres temas potentes, llamativos y originales. El single presentación del álbum fue Butterfly, que se trata de un tema de pop alternativo con elementos dance-pop y synth-pop cuyas letras representan el crecimiento personal y renacimiento espiritual de un individuo a través de la metáfora del ciclo de vida de las mariposas. En ‘Butterfly’, la cantante de ascendencia griega realiza sus habituales piruetas vocales y alterna el tono grave y agudo de su voz. Sin duda ‘Butterfly’ supone uno de sus ‘lead singles’ más solventes por la gran ejecución vocal de Marina y su componente lírico. Como segundo single se lanzó Cupid’s Girl, un enérgico tema electropop y synth-pop que recuerda al estilo presente en «Electra Heart» y en cuyas letras Marina pide a su amante que no le tenga miedo al amor y se entregue a la pasión. El tercer single lanzado fue Cuntissimo, un tema inspirado en las mujeres fuertes, valientes y seguras de sí mismas que disfrutan la vida al máximo y cuyas letras se centran en la búsqueda del placer, que según la cantante ha sido negado a lo largo de la historia a las mujeres debido al poder del patriarcado. Este tema supone un himno de empoderamiento femenino y celebración del poder de las mujeres. ‘Cuntissimo’ comienza con un sonido clásico y melodía de violines para convertirse más adelante en un enérgico tema up-tempo electropop con uso prominente de sintetizadores. Marina destaca en su papel como compositora en temas como ‘Princess of Power’, en el que reflexiona sobre cómo ha sobrevivido a los altibajos de la vida y ha conseguido superar el dolor causado por personas cercanas y relata su transformación hacia una princesa poderosa. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘I < 3 You’, un marchoso tema synth-pop con influencia Disco en cuyas letras la cantante afirma que le gustaría volver a la edad de oro de los 70 o ‘Everybody Knows I’m Sad’, en el que Marina se enfrenta a su sentimiento de soledad y se regodea en su propia tristeza y desesperanza. «Princess of Power» debutó en el #7 de la lista británica de álbumes, su quinto top 10 en Reino Unido y que supone una mejora con respecto al desempeño comercial de su último trabajo. Mientras que los anteriores álbumes de Marina resultaban irregulares (contaban con magníficos singles pero contenían excesivo relleno) y tropezaban en la misma piedra (un exceso de baladas insípidas y monótonas), en «Princess of Power» el número de temas lentos se reduce notoriamente y resulta el trabajo más bailable y marchoso de la cantante desde «Electra Heart». En definitiva, este álbum recupera el espíritu atrevido, desenfadado y divertido de «Electra Heart», además comparte sus letras sobre empoderamiento femenino y nos devuelve a la Marina que nos enamoró a principios de su carrera. Sin duda, «Princess of Power» se posiciona como uno de los trabajos más notables de la carrera de Marina y resulta uno de los mejores álbumes publicados durante este 2025. Puntuación: 8/10.

1. Mayhem de Lady Gaga.

Durante los últimos años, Lady Gaga se ha debatido entre seguir mostrando su lado más extravagante para complacer a sus leales ‘little monsters’ con el pop electrónico que ha sido su seña de identidad desde sus comienzos y desarrollar su lado más maduro y serio con álbumes de jazz o Country enfocados a un público más adulto y diverso. No sabemos qué camino escogerá la cantante americana en su futuro profesional (el éxito de ‘Die with a Smile’ junto a Bruno Mars podría hacerle decantarse por su perfil más serio y adulto) sin embargo lo que sí sabemos con certeza es que ha iniciado una nueva era en la que ha apostado por tirar de nostalgia y recuperar los mejores momentos de su glorioso pasado. El último álbum de Lady Gaga tiene por título Mayhem (que significa caos o desorden) y está formado por 14 temas compuestos por la propia Stefani Germanotta y producidos por Cirkut y Andrew Watt, con producción adicional de Gesaffelstein. Este álbum fue concebido una vez que la cantante neoyorquina se enfrentó al miedo de volver al pop de sus comienzos y que sus fans iniciales adoraban. Según Lady Gaga, «Mayhem» es un trabajo ecléctico y caótico que amalgama diferentes géneros, estilos y emociones, todo guiado por su profundo amor a la música. Los estilos predominantes en el álbum son el synth-pop ochentero reminiscencia de «The Fame» y el electropop, aunque también encontramos elementos del glam rock, dance-pop, funk y Disco. Lady Gaga declaró que la fuente de inspiración en la creación de este trabajo fue la música industrial (un género que fusiona la música electrónica con el rock y contiene sonidos duros, agresivos y transgresores) sin embargo este pop industrial apenas hace acto de presencia dentro del álbum. El single presentación del álbum fue Disease, un tema mid-tempo electropop y synth-pop de sonido oscuro y con una producción abrasiva e industrial que recuerda al estilo de algunas canciones presentes en el álbum «Born This Way». Este tema, compuesto por Lady Gaga junto a su novio Michael Polansky, destaca por sus letras en las que la cantante ofrece el antídoto a las enfermedades y males de su amante, con una temática oscura reminiscencia de la era «The Fame Monster» y temas como ‘Bad Romance’. Pese a ser un ‘lead single’ solvente y digno, ‘Disease’ tuvo un discreto desempeño comercial. El segundo single lanzado fue Abracadabra, un enérgico tema dance-pop y electropop cuyas letras hacen referencia a la lucha interna de elegir entre entre la oscuridad y la luz, además de enfrentarse a los miedos y dudas internas. Este tema cuenta con una dramática ejecución vocal por parte de Lady Gaga y unos ganchos (‘abracadabra amor uh na na, abracadabra morta uh gaga’) inspirados en temas como ‘Bad Romance’. Por su estilo y sonido, ‘Abracadabra’ podría tratarse de un tema perdido entre las eras «The Fame Monster» y «Born This Way» aunque también comparte el espíritu desenfadado de «Chromatica». Este tema ha recibido elogios de la crítica por su carácter bailable y su pegadizo estribillo y ha sido muy bien recibido por parte de sus fieles seguidores. ‘Abracadabra’ ha superado el desempeño comercial del anterior single y ha alcanzado el top 5 en Reino Unido o Alemania y el top 15 en Estados Unidos, Canadá o Australia. El álbum se puede escuchar prácticamente del tirón sin apenas saltar ninguna canción y encontramos varios temas con gran potencial como futuros singles. Dentro del álbum destacan ‘Garden of Eden’, un tema electropop que incluye referencias al pasaje bíblico del mismo nombre en el que Gaga representa la serpiente que ofreció la manzana a Eva, ‘Shadow of a Man’, que habla de su tortuoso camino hasta convertirse en la estrella del pop que es hoy y cómo tuvo que estar a la sombra de otros antes de triunfar o ‘Vanish into You’, un tema con influencias Disco y glam rock en el que Gaga celebra el descubrimiento del amor y desea fusionarse con su amante en una entidad conjunta. «Mayhem» ha resultado un notable éxito comercial y ha alcanzado el #1 en las listas de ventas de más de 20 países de todo el mundo. Quizás no encontremos en «Mayhem» demasiado del pop industrial que nos prometió, pero sí aparecen influencias del synth-pop de los años 80 y artistas como David Bowie (que ya fueron fuente de inspiración en «The Fame»), lo que supone un gran acierto. «Mayhem» resulta sólido y cohesivo pese a la mezcla de estilos presentes y supone un evidente paso adelante con respecto a «Chromatica», el cual era un trabajo interesante y más que digno pero demasiado genérico y formulaico. Es un verdadero placer presenciar a Lady Gaga volviendo a sus raíces y haciendo lo que mejor se le da: crear temas divertidos y bailables con estribillos pegadizos e inmediatos. En mi opinión nos encontramos ante el mejor álbum pop de lo que llevamos de 2025 y uno de los mejores trabajos de la discografía de Lady Gaga después de «The Fame» y «The Fame Monster», sin duda sus obras maestras. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «Passion» de Geri Halliwell

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Geri Halliwell vivió un gran momento profesional como artista en solitario gracias a la buena acogida de su álbum debut, Schizophonic, el cual contaba con los exitosos singles ‘Look at Me’ y ‘Mi Chico Latino’ y vendió 4 millones de copias en todo el mundo. «Schizophonic» se trataba de un álbum muy ecléctico y con una evidente falta de dirección musical, pero contaba con un puñado de canciones divertidas y resultaba un debut más que digno. El escaso rango vocal de Geri y sus limitadas habilidades como compositora eran compensadas con creces con su carismática personalidad y simpatía. Con 3 singles #1 consecutivos en Reino Unido (‘Mi Chico Latino’, ‘Lift Me Up’ y ‘Bag It Up’) la carrera de Geri Halliwell resultaba de lo más prometedora y demostraba que no necesitaba al resto de chicas picantes para triunfar. Tras su álbum debut, la conocida como Ginger Spice participó en la banda sonora de la película «Bridget Jones» con su versión del tema ‘It’s Raining Men’, que ocupó las primeras posiciones en las listas de venta europeas y se convirtió en su mayor éxito en solitario. Su segundo álbum en solitario, Scream If You Wanna Go Faster, estaba más centrado en el sonido dance-pop y pop/rock, tuvo un desempeño comercial mediocre y escasas ventas, no alcanzó las expectativas puestas en él y supuso una decepción para Geri y su discográfica.

Con motivo del vigésimo aniversario del lanzamiento del tercer álbum de Geri Halliwell realizaré una reseña en retrospectiva de este trabajo. En junio de 2005 vio la luz Passion, el cual resulta más personal que los anteriores trabajos de Geri ya que se implicó en mayor medida en el proceso creativo del álbum y participó en la composición de los 12 temas presentes, los cuales fueron producidos por el dúo Absolute, Peter-John Vetesse, Ian Masterson o Quiz & Larossi entre otros. La primera parte del álbum está formada por enérgicos temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop mientras que en la segunda predominan las baladas, que mostraban el lado más vulnerable y emotivo de la cantante de ascendencia oscense. También podemos encontrar un par de temas influenciados por el jazz, como la canción titular, pero no se adecuaban al rango vocal de Geri. Desde sus inicios en Spice Girls, Geri fue criticada por su escasa técnica como vocalista y se caracterizó por tener un registro muy limitado, sin embargo en este álbum se aprecia una notable mejoría en sus habilidades vocales, ya que tomó clases para reforzar tu voz y mejorar su técnica. En el terreno comercial, «Passion» debutó en el top 50 de la lista británica de álbumes y resultó un rotundo fracaso.

El single presentación del álbum fue Ride It, un enérgico tema dance-pop dirigido a las pistas de baile que destacaba por su naturaleza desenfadada y divertida. ‘Ride It’ recibió impresiones positivas por parte de los expertos musicales, obtuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el top 5 en las listas de Reino Unido o España. El segundo single lanzado fue Desire, un tema electropop de carácter mid-tempo en cuyas letras Geri se compara con un felino y describe sus deseos sexuales. Debido al mediocre desempeño comercial de ‘Desire’, que apenas ocupó el top 25 en la lista británica, no fue lanzado ningún single más de «Passion». La canción más llamativa del álbum es sin duda ‘Love Never Loved Me’, un magnífico tema dance-pop y synth-pop en el que Geri canta de manera melancólica cómo el amor le ha sido esquivo en la vida pese a haber amado intensamente. Mientras que «Passion» recibió en su mayoría opiniones negativas por parte de los expertos musicales, ‘Love Never Loved Me’ fue aclamado por la crítica y es considerado el tema más sobresaliente del álbum. Sin duda fue un desacierto no lanzar ‘Love Never Loved Me’ como single, ya que es la mejor canción de Geri en solitario y podría haber relanzado el álbum y su carrera musical.

También merece la pena reseñar ‘Let Me Love You More’, una bonita balada sobre el amor incondicional en la que Geri hace gala de un mayor control vocal y ofrece un tono de voz muy agradable o ‘There’s Always Tomorrow’, un tema influenciado por la bossa nova cuyas letras nos animan a disfrutar de la vida y tener esperanza en encontrar el amor aunque nos haya sido esquivo. Desde el blog Mister Music me gustaría romper una lanza en favor de «Passion», un álbum injustamente tratado por la crítica, ignorado por el gran público y que careció de una promoción adecuada pese a ser un trabajo más que digno, superior a «Scream If You Wanna Go Faster» y en el que Geri muestra una mayor madurez y una mejora en sus habilidades como vocalista y compositora. Temas imprescindibles: Love Never Loved Me, Ride It, Let Me Love You More, There’s Always Tomorrow y Feel the Fear. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Princess of Power» de Marina

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Una gran parte de los seguidores de Marina Diamandis, anteriormente conocida como Marina and the Diamonds, llevan reclamando desde hace muchos años la vuelta de la artista al estilo presente en el álbum «Electra Heart», considerado por muchos (entre los que yo me encuentro) como su obra maestra y mejor trabajo hasta la fecha. La cantante galesa mostró su lado más divertido, irreverente y desenfadado durante la promoción de este trabajo y al finalizar dicha etapa enterró al personaje Electra Heart y se entregó a otros proyectos que se centraban en su lado más serio, introspectivo y maduro. Pese a que «Electra Heart» supone una parte importante en sus giras de conciertos y Marina siempre interpreta sus temas más populares (‘Primadonna’, ‘Bubblegum Bitch’ o ‘How to Be a Heartbreaker’), nunca ha acabado de reconciliarse con ese personaje y ha preferido dejarlo como parte de su pasado. Sin embargo, a lo largo de este artículo veremos cómo Marina hace varios guiños a «Electra Heart» en su nuevo álbum. En el mes de febrero llegó el single presentación del álbum, Butterfly, que se trata de un tema de pop alternativo con elementos dance-pop y synth-pop cuyas letras representan el crecimiento personal y renacimiento espiritual de un individuo a través de la metáfora del ciclo de vida de las mariposas. En ‘Butterfly’, la cantante de ascendencia griega realiza sus habituales piruetas vocales y alterna el tono grave y agudo de su voz. Sin duda ‘Butterfly’ supone uno de sus ‘lead singles’ más solventes por la gran ejecución vocal de Marina y su componente lírico.

Como segundo single se lanzó Cupid’s Girl, un enérgico tema electropop y synth-pop que recuerda al estilo presente en «Electra Heart» y en cuyas letras Marina pide a su amante que no le tenga miedo al amor y se entregue a la pasión. Tanto ‘Butterfly’ como ‘Cupid’s Girl’ han tenido un impacto mínimo en las listas de venta, sin embargo superan los 10 millones de reproducciones en Spotify. El tercer single lanzado fue Cuntissimo, un tema inspirado en las mujeres fuertes, valientes y seguras de sí mismas que disfrutan la vida al máximo y cuyas letras se centran en la búsqueda del placer, que según la cantante ha sido negado a lo largo de la historia a las mujeres debido al poder del patriarcado. Sin duda este tema supone un himno de empoderamiento femenino y celebración del poder de las mujeres. ‘Cuntissimo’ comienza con un sonido clásico y melodía de violines para convertirse más adelante en un enérgico tema up-tempo electropop con uso prominente de sintetizadores. Como suele ser habitual, la elección de los singles por parte de Marina ha sido excepcional, ya que nos ha presentado su nuevo álbum con tres temas potentes, llamativos y originales.

El sexto álbum de estudio de Marina tiene por título Princess of Power y está formado por 13 canciones, principalmente temas up-tempo de estilo electropop y synth-pop, compuestos por la cantante galesa junto a CJ Baran, quien se ha encargado de la entera producción. «Princess of Power» es un álbum conceptual en el que Marina reivindica el amor como un superpoder que nos empodera y celebra el liderazgo de la mujer en nuestra generación. La cantante de ascendencia griega ha declarado que para la creación de este álbum se inspiró escuchando música alegre y eufórica de bandas de los años 70 como ABBA o divas del pop contemporáneas de la talla de Madonna o Kylie Minogue. «Princess of Power» es el primer álbum de Marina publicado de manera independiente tras abandonar Atlantic Records y toma el relevo del notable «Ancient Dreams in a Modern Land», publicado hace 4 años. Marina destaca en su papel como compositora en temas como ‘Princess of Power’, en el que reflexiona sobre cómo ha sobrevivido a los altibajos de la vida y ha conseguido superar el dolor causado por personas cercanas y relata su transformación hacia una princesa poderosa. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘I < 3 You’, un marchoso tema synth-pop con influencia Disco en cuyas letras la cantante afirma que le gustaría volver a la edad de oro de los 70 (una época de cambio cultural y político y que coincide con la segunda ola del feminismo) o ‘Everybody Knows I’m Sad’, en el que Marina se enfrenta a su sentimiento de soledad y se regodea en su propia tristeza y desesperanza.

Mientras que los anteriores álbumes de Marina resultaban irregulares (contaban con magníficos singles pero contenían excesivo relleno) y tropezaban en la misma piedra (un exceso de baladas insípidas y monótonas), en «Princess of Power» el número de temas lentos se reduce notoriamente y resulta el trabajo más bailable y marchoso de la cantante desde «Electra Heart». En definitiva, este álbum recupera el espíritu atrevido, desenfadado y divertido de «Electra Heart», además comparte sus letras sobre empoderamiento femenino y nos devuelve a la Marina que nos enamoró a principios de su carrera. Sin duda, «Princess of Power» se posiciona como uno de los trabajos más notables de la carrera de Marina y resulta uno de los mejores álbumes publicados durante este 2025. Temas imprescindibles: Cuntissimo, Butterfly, Cupid’s Girl, I < 3 You, Everybody Knows I’m Sad y Princess of Power. Puntuación: 8/10.

Los mejores álbumes de Jennifer Lopez

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8. Como Ama Una Mujer.

2007 se convirtió en uno de los años más prolíficos dentro de la carrera musical de Jennifer Lopez teniendo en cuenta que durante dicho periodo publicó dos álbumes de estudio, uno en español y otro en inglés. Sin embargo no resultó su mejor año en cuestión de popularidad, ya que tras varios años en la cima de las listas de venta inició una espiral decreciente en su éxito comercial y ambos discos obtuvieron unas ventas inferiores a las que estaba acostumbrada hasta entonces. Pese a todo hay que destacar la versatilidad como artista de Jennifer Lopez y su gran capacidad de trabajo, además del riesgo de embarcarse en dos proyectos tan diferentes entre sí. En marzo de 2007 vio la luz su quinto álbum de estudio y el primero grabado íntegramente en español, Como Ama Una Mujer, el cual está encuadrado dentro del sonido Latin-pop con ciertos elementos pop/rock y R&B. Su pareja por entonces, Marc Anthony fue quien le animó a lanzarse de lleno al mercado latino tras haber hecho pequeñas incursiones en nuestro idioma en sus primeros álbumes. «Como Ama Una Mujer» no era el álbum que todos esperábamos ya que está formado en su mayoría por baladas románticas y de desamor bajo la producción del famoso compositor Estéfano (conocido por su trabajo para importantes cantantes latinos como Ricky Martin, Gloria Estefan o Chayanne), Julio Reyes y Marc Anthony. Los puntos fuertes del álbum son el componente lírico de las canciones, la madurez y evolución como artista mostrada por Jennifer y sus mejoradas habilidades vocales. Por otra parte el álbum contiene demasiado relleno y una excesiva abundancia de baladas. «Como Ama Una Mujer» tuvo un desempeño comercial moderadamente positivo en Estados Unidos: alcanzó el top 10 en la lista de álbumes y se convirtió en uno de los pocos trabajos en español que ocupaban un puesto tan alto en la lista americana durante aquellos años, aunque las ventas totales fueron muy bajas. El single presentación del álbum fue Qué Hiciste, un tema pop/rock y Latin-pop con ciertas influencias R&B en cuyas letras Jennifer habla de un desengaño amoroso sumamente doloroso y que supone una de las pocas canciones up-tempo del álbum. Este single recibió buenas impresiones de los expertos musicales y alcanzó el #1 en las listas de venta de España e Italia. El segundo single lanzado fue Me Haces Falta, un tema mid-tempo Latin-pop y pop/rock compuesto y producido por Marc Anthony y Estéfano que habla sobre echar terriblemente de menos a tu interés amoroso. En resumen, «Como Ama Una Mujer» es un álbum consistente y que muestra una mayor madurez y evolución musical por parte de Jennifer Lopez, sin embargo contiene demasiado relleno y una excesiva abundancia de baladas. Puntuación: 7/10.

This Is me7. This Is Me… Now.

En 2002 Jennifer Lopez publicó su tercer álbum de estudio, «This Is Me… Then», que supuso su consolidación en el mundo de la música tras el éxito de sus anteriores trabajos y su consagración como artista. Este álbum resultaba más maduro que los anteriores y estaba dedicado a su pareja por entonces, el actor Ben Affleck, por ello sus letras se centraban en el amor. «This Is Me… Then» fue precisamente la fuente de inspiración para el noveno álbum de estudio de Jennifer Lopez, This Is Me… Now, el cual vio la luz en 2024, una década después de «A.K.A.», su último trabajo discográfico. «This Is Me… Now» está encuadrado dentro del sonido R&B/pop y sigue la estela musical y el carácter mid-tempo de «This Is Me… Then». La artista neoyorquina participó en la composición de todos los temas presentes y contó con la producción de Rogét Chahayed, Jeff ‘Gitty’ Gitelman, Hit-Boy, Yeti Beats, Tay Keith o Bongo By the Way entre otros. Este álbum relata el viaje emocional y espiritual que ha experimentado Jennifer Lopez durante estas últimas dos décadas, como sonados romances, frustradas campanas de boda y el proceso de curación tras las ruptura sentimentales. Las letras de las canciones están inspiradas en su reconexión con Ben Affleck tras años de distanciamiento y su posterior boda. El single presentación del álbum fue Can’t Get Enough, un animado tema pop/R&B que contiene una pequeña interpolación del tema ‘I’m Still in Love’ de Alton Ellis (popularizado por Sean Paul en el single ‘I’m Still in Love With You) y en el que la cantante expresa la gran atracción y conexión que siente por su pareja y afirma que no tiene suficiente de él. Unas semanas antes de la publicación del álbum, la cantante neoyorquina desveló el tema titular, ‘This Is Me… Now’, que se trata de una balada R&B con melodía de arpa y flauta que resume a la perfección la esencia del álbum. En este tema Jennifer muestra su vulnerabilidad relatando el proceso de curación tras una ruptura sentimental, la búsqueda del amor y el posterior periodo de romance, lo que supone un tema recurrente en la discografía de la cantante. El álbum está compuesto principalmente por temas mid-tempo, una decisión coherente teniendo en cuenta que nos encontramos ante una secuela de «This Is Me… Then» (en el que abundaban los medios tiempos con melodías inspiradas en el estilo Soul y numerosos samplers) pero eso se traduce en que muchos de los temas presentes no son tan accesibles e inmediatos como los que aparecían en álbumes como «J.Lo» o «Love?». Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Hearts and Flowers’, un potente tema R&B con influencias Hip Hop en el que hace referencia a su hit ‘Jenny from the Block’ y relata su camino hacia la fama, ‘Greatest Love Story Never Told’, un tema muy melódico y que destaca por la gran ejecución vocal de Jennifer al final de la canción o el medio tiempo ‘Rebound’, que contiene un sonido R&B reminiscencia de la década del 2000 y en el que admite que se refugió en los brazos de Ben Affleck para escapar del dolor que sufría. «This Is Me… Now» supone un evidente paso adelante con respecto al poco memorable «A.K.A.» y se pone al nivel de «This Is Me… Then», pero falla en los mismos puntos que éste último, como la naturaleza demasiado almibarada de las letras y la abundancia de canciones de carácter mid-tempo. Definitivamente Jennifer Lopez no arriesgó en exceso con este trabajo y apostó por lo seguro con sonidos R&B de la década del 2000, pero en conjunto resulta un álbum solvente y más que digno. Puntuación: 7’5/10.

Brave6. Brave.

Apenas 7 meses después del lanzamiento de su primer trabajo en español, «Como Ama Una Mujer», llegó Brave, que resultaba totalmente diferente al anterior ya que estaba grabado íntegramente en inglés, resultaba más alegre y marchoso y regresaba al estilo habitual de la diva del Bronx. «Brave» está formado en su mayoría por temas up-tempo, encuadrados dentro del pop y el R&B con influencias funk/Disco y que cuentan con varios samplers de canciones de los años 70. Jennifer Lopez participó en la composición de 5 de los temas presentes y contó con una amplia nómina de productores entre los que se encontraban Hit-Boy, J.R. Rotem, Bloodshy & Avant, The Clutch, Ryan Tedder o su habitual colaborador Cory Rooney. «Brave» debutó en un modesto puesto #12 en la lista americana (su peor posición en Estados Unidos e incluso por debajo de «Como Ama Una Mujer») y vendió menos de 200 mil copias en tierras americanas, convirtiéndose en uno de los mayores fracasos del año. El single presentación del álbum fue Do It Well, un enérgico tema pop/R&B con influencia Disco/funk compuesto y producido por Ryan Tedder que recordaba a otro de sus singles más famosos, ‘Get Right’ y recibió buenas críticas por su trepidante ritmo up-tempo y sus pegadizas letras. ‘Do It Well’ logró un desempeño moderado en las listas de ventas: fue #11 en Reino Unido y el top 40 en Estados Unidos, Canadá, Francia o Alemania. Cabe destacar que la intensa promoción de ‘Do It Well’ se produjo cuando Jennifer estaba embarazada de sus gemelos, lo que no le impidió cantar en directo e incluso realizar una compleja coreografía, un hecho digno de admirar. Como segundo single se lanzó Hold It Don’t Drop It, un marchoso tema Disco/funk producido por Cory Rooney que sampleaba una conocida canción Soul de los años 70. Este tema, uno de los más up-tempo y bailables de «Brave», se lanzó como single de manera muy limitada y careció de promoción por parte de la cantante de origen puertorriqueño porque se encontraba en un avanzado estado de embarazo y por ello fracasó en las listas de venta y fue el último lanzamiento del disco. Las canciones más destacadas del álbum son ‘Forever’, un tema R&B mid-tempo producido por Hit-Boy en el que J.Lo declara amor eterno a su pareja, ‘Brave’, un tema dance-pop producido por Bloodshy & Avant en el que habla de su valentía y confianza en sí misma conseguidas gracias al amor o ‘Mile In These Shoes’, un original tema con influencia pop/rock en el que J.Lo habla de los problemas de ser un personaje famoso. Pese a que en el álbum dominan los temas up-tempo también encontramos canciones más tranquilas, como ‘Wrong When You’re Gone’, una emotiva balada R&B originalmente grabada por la cantante Keri Hilson o ‘Never Gonna Give Up’, cuyas letras hablan de una dolorosa ruptura sentimental. «Brave» es uno de los álbumes más desconocidos de Jennifer Lopez y muy infravalorado por parte del público y la crítica, pero que en mi opinión se trata de un trabajo sólido lleno de buenas canciones en el que podemos apreciar una mejora considerable en sus habilidades vocales teniendo en cuenta que siempre se ha caracterizado por tener un rango vocal limitado. En resumen, «Brave» es el ejemplo perfecto de que no siempre calidad es sinónimo de cantidad, puesto que no gozó del éxito que merecía. Puntuación: 7’5/10.

This Is Me...Then5. This Is Me… Then.

Tras la buena recepción comercial de sus dos primeros álbumes, Jennifer Lopez publicó «J To Tha L-O!», un disco con remixes de sus temas más conocidos. Este álbum resultó un éxito de ventas en Estados Unidos: se convirtió en el primer disco de remixes en alcanzar el #1 en la lista americana, contó con dos singles top 10 y se sitúa en el top 5 de los discos de remixes más vendidos de todos los tiempos. A finales del año 2002 vio la luz el tercer álbum de estudio de la cantante neoyorquina, This Is Me… Then, cuyo título hace referencia al carácter personal e introspectivo de sus canciones, las cuales estaban co-escritas por la propia Jennifer Lopez, quien asumió un mayor papel en el proceso creativo que en sus anteriores trabajos. Las letras de este álbum giran alrededor del amor y está dedicado al actor Ben Affleck, con el que estaba saliendo durante aquella época. Jennifer Lopez confió en su habitual colaborador Cory Rooney para dar forma a este trabajo además de otros productores como Troy Oliver o Trackmasters y en él abandonaba el urban-pop para adentrarse de lleno en un sonido R&B/Soul más adulto (con ciertas pinceladas pop y Hip Hop) que encajaba mejor con el contenido del álbum. A diferencia de «J.Lo», este trabajo profundiza en los medios tiempos y baladas, apenas cuenta con temas up-tempo y destaca por el gran uso de samplers de canciones Soul de los años 70, lo que otorga al disco un sonido retro. «This Is Me… Then» recibió críticas muy variadas de los expertos musicales: por una parte se alabó la evolución musical y su mayor implicación en la composición sin embargo se criticó la gran similitud existente entre los temas presentes, el escaso rango vocal de la cantante, la repetitiva producción y el contenido excesivamente blando en contraposición al carácter marchoso y alegre de su música hasta entonces. «This Is Me… Then» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado doble platino por ventas superiores a los dos millones y medio de copias. En el resto del mundo, aunque tuvo un rendimiento comercial inferior a «J.Lo», ocupó el top 5 en Canadá, Francia y Alemania y fue top 20 en Reino Unido, Australia o España. «This Is Me… Then» está compuesto principalmente por temas mid-tempo, sin embargo los dos primeros singles extraídos podemos considerarlos como una excepción a lo que encontramos dentro del álbum y no representan su esencia ya que incorporan un gran toque urbano y Hip Hop reminiscencia de su reciente álbum de remixes. El single presentación fue Jenny from the Block, un tema Hip Hop y R&B up-tempo producido por Troy Oliver y Cory Rooney que cuenta con la participación de los raperos Jadakiss y Styles y samplea varios temas del ‘Old School Hip-Hop’ en sus escasos tres minutos de duración. Este single destacaba por sus reveladoras y pegadizas letras en las que Jennifer Lopez declaraba que pese a la fama y éxito obtenidos a lo largo de años sigue siendo la misma chica que creció en el humilde barrio neoyorquino del Bronx. ‘Jenny from the Block’ supuso un tremendo éxito para la cantante: alcanzó el #1 en Canadá y ocupó el top 5 en la mayoría de países como Reino Unido, Australia, Estados Unidos o España. ‘Jenny from the Block’ resultó uno de los singles más populares del año 2002 y se ha convertido en uno de los temas más representativos de su carrera musical. El segundo single lanzado fue All I Have, un tema R&B y Hip Hop mid-tempo que cuenta con la participación del veterano rapero LL Cool J y samplea el famoso tema ‘Very Special’ de Debra Laws. Este tema habla de la ruptura de una pareja a raíz de una infidelidad y mientras que Jennifer trata de pasar página, LL Cool J intenta recuperarla y salvar la relación. ‘All I Have’ puede presumir de haber ocupado el #1 en la lista americana de singles (su cuarto ‘chart topper’ en Estados Unidos) y en el resto del mundo alcanzó el #2 en Reino Unido o Australia. Como tercer single del álbum se lanzó I’m Glad, un tema mid-tempo pop/R&B de corte retro que destacaba por su melodía con arpa y en el que relataba la felicidad en su vida tras conocer a Ben Affleck. ‘I’m Glad’ tuvo un impacto moderado en las listas de venta y apenas ocupó el top 40 en Estados Unidos. El último single lanzado fue Baby I Love U!, una balada mid-tempo R&B que hablaba nuevamente del amor incondicional hacia su pareja. Entre los mejores temas del álbum se encuentran ‘Still’, un medio tiempo pop/R&B que abre el álbum y habla de la relación con un ex-amante o ‘You Belong to Me’, que se trata de una versión del tema de Carly Simon pero con mayor influencia latina y que supone el momento más bailable del álbum. Los puntos negativos de «This Is Me… Then» son la similitud entre las canciones presentes debido al carácter mid-tempo predominante, su componente blando y sus repetitivas letras sobre amor. Aún con sus defectos, no es un trabajo de baja calidad en absoluto, sino un álbum nacido de un momento concreto en su vida personal ya que según las propias palabras de Jennifer Lopez lo tituló de esa manera para que pasados los años supiéramos ‘cómo era ella por entonces’. Aunque Jennifer mostraba una mayor madurez como artista en este álbum, su registro vocal era todavía escaso y limitado. Puntuación: 7’5/10.

4. On the 6.

Cuando ya era una actriz reconocida, Jennifer Lopez hizo su debut en el mundo de la música en 1999 con On the 6, cuyo título proviene de la línea de metro que tomaba para hacer las pruebas y castings en su intento por llegar a ser actriz. En un primer momento el entorno de Jennifer creyó que era un movimiento muy arriesgado para una actriz famosa pasarse al mundo de la música, ya que si fracasaba arruinaría su imagen pública, sin embargo su álbum debut resultó un gran éxito y no hizo sino aumentar su popularidad y fama. Jennifer Lopez se rodeó de grandes nombres de la industria musical como Rodney ‘Darkchild‘ Jerkins, el rapero Puff Daddy (quien era su pareja por entonces), Poke and Tone, Ric Wake o Cory Rooney, quien compuso gran parte de las canciones del disco y se convirtió desde entonces en su habitual colaborador. Cabe destacar que Jennifer participó en la composición de 5 temas del álbum. «On the 6» es un álbum ecléctico que fusiona pop, R&B y Latin-pop, aunque también hay cierta influencia del género Hip Hop, ya que Jennifer se crió en el barrio neoyorquino del Bronx, donde este tipo de música es muy popular. Sus influencias latinas vienen de su familia, que es de origen puertorriqueño y por su papel en la película ‘Selena’, el cual le inspiró a dar el salto al mundo de la música. El primer single del álbum fue If You Had My Love, un tema pop/R&B mid-tempo en cuyas letras Jennifer confronta a su interés amoroso con una serie de reglas básicas relativas al inicio de su relación. Este tema no estuvo exento de polémica ya que Darkchild compuso y produjo un tema llamado ‘If I Gave Love’ para la cantante de R&B Chanté Moore y Puff Daddy quiso ese tema para Jennifer, por lo que Darkchild rehizo la canción y la convirtió en ‘If You Had My Love’, pero resultó muy parecido al tema de Chanté Moore, la cual no pudo lanzarlo como single debido a la gran similitud entre ambos temas. Este single se convirtió en un gran éxito en todo el mundo y alcanzó el #1 en la lista de Estados Unidos, Australia o Canadá y fue top 10 en España o Reino Unido, un gran logro para una recién llegada al mundo de la música. El segundo single lanzado fue Waiting for Tonight, un enérgico tema dance-pop y Latin-House en cuyas letras Jennifer compara su vida sexual con una escena de película y que también se ha convertido en una de las canciones más representativas y famosas dentro de su carrera. ‘Waiting for Tonight’ continuó la gran racha comercial de Jennifer y alcanzó el top 5 en Reino Unido, Australia o España y el top 10 en Estados Unidos. Mientras que en Europa se lanzó como tercer single Let’s Get Loud, un tema Latin-pop y dance-pop de letras muy pegadizas originalmente grabado por Gloria Estefan, para el mercado americano y anglosajón se eligió Feelin’ So Good, el tema más Hip Hop del disco, producido por Puff Daddy y que contaba con la colaboración de dos importantes raperos, Fat Joe y Big Pun, el cual falleció poco después de rodar el videoclip. Dentro del disco podemos encontrar desde temas de influencia R&B como el medio tiempo ‘Too Late’ hasta canciones con gran inspiración latina como el marchoso ‘Open Off My Love’ o el híbrido R&B/Latin-pop ‘It’s Not That Serious’ producido por Darkchild. También hay espacio para los temas lentos como ‘Should’ve Never’, que cuenta con un prominente uso de guitarra española y unas letras muy sensuales o ‘No Me Ames’, una emotiva balada a dúo con el cantante Marc Anthony, quien años mas tarde se convertiría en su marido. Aunque por entonces Jennifer Lopez no era una cantante profesional y contaba con un registro muy limitado, su voz resultaba muy cálida y agradable. «On the 6» es un debut sólido y el álbum más influenciado por la música latina de toda su carrera, con canciones en español e inglés y una producción pop/R&B de gran nivel. Puntuación: 8/10.

3. Rebirth.

Con su carrera como cantante totalmente asentada, en 2005 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Jennifer Lopez, Rebirth, cuyo título hace referencia a su renacimiento personal tras la sobreexposición en los medios de comunicación que vivió durante la época de su relación con el actor Ben Affleck, lo que le hizo madurar como persona y adquirir gran experiencia. Tras la promoción de «This Is Me… Then», la cantante de origen puertorriqueño se centró en su faceta como actriz y una vez que rompió con Ben Affleck se tomó un tiempo de descanso y volvió a reconectar con una persona muy especial de su pasado, Marc Anthony, con el que se casó en 2004. «Rebirth» está formado por un compendio de medios tiempos pop/R&B y temas up-tempo con influencia funk, dance-pop o Hip Hop y cuenta con la producción de su habitual colaborador Cory Rooney además de otros importantes nombres de la industria musical como Darkchild, Rich Harrison, Tim & Bob, Timbaland, Danja y su por entonces marido Marc Anthony. «Rebirth» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias en Estados Unidos, lo que suponía unas cifras notoriamente inferiores a las de sus anteriores trabajos. En el resto del mundo resultó un éxito moderado y ocupó el top 10 en los principales mercados europeos. El single presentación del álbum fue Get Right, un marchoso tema R&B y dance-pop con influencia funk y Hip Hop producido por Rich Harrison. En los créditos de este tema aparece Usher como compositor ya que ‘Get Right’ es en realidad una versión remodelada de ‘Ride’, un descarte de las sesiones de grabación de su álbum «Confessions», que tras ser rechazado por el cantante fue a parar a manos de Jennifer Lopez, aunque Rich Harrison modificó gran parte de las letras originales manteniendo intacta su melodía. ‘Get Right’ recibió buenas críticas de los expertos musicales por su trepidante ritmo, sus pegadizas letras y su sonido ‘Old School’. En el terreno comercial resultó un éxito: fue #1 en Reino Unido y ocupó el top 5 en importantes mercados musicales como Australia, Canadá, Francia o España, aunque en Estados Unidos solo alcanzó el #12 (la peor posición de un ‘lead single’ hasta la fecha). Como segundo single se lanzó Hold You Down, una balada Hip-Hop/R&B que cuenta con la colaboración del rapero Fat Joe (amigo de la cantante, también originario del Bronx y quien ya participó en ‘Feelin’ So Good’ de su álbum debut). Este single habla de la amistad entre ambos artistas, que comparten raíces latinas y su procedencia de uno de los barrios más humildes de Nueva York, por lo que siempre se han apoyado a lo largo de su carrera. ‘Hold You Down’ tuvo un rendimiento comercial muy mediocre en Estados Unidos y apenas ocupó el top 70 en la lista americana aunque tuvo fue top 10 en Reino Unido. Debido a la rápida caída en las ventas de «Rebirth» solo fueron lanzados dos singles. Dentro del álbum encontramos varios temas muy interesantes, como ‘Step Into My World’, que se trata de un pegadizo tema R&B mid-tempo producido por Darkchild que cuenta con una adictiva melodía y unas letras muy sensuales en las que J.Lo intenta seducir a su amante, ‘He’ll Be Back’, un medio tiempo R&B producido por Timbaland y Danja que cuenta con una hipnótica melodía inspirada en la música del Medio Oriente y en el que habla de su ruptura con Ben Affleck o ‘I Got U’, un marchoso tema pop/R&B up-tempo que Darkchild compuso inspirándose en la relación de amor de Jennifer con Marc Anthony. En resumen, «Rebirth» es un álbum sólido que nos muestra una Jennifer más madura y serena, aunque como puntos en contra encontramos unas letras en general poco personales y el limitado rango vocal de la cantante. «Rebirth» fue muy infravalorado por la crítica y es una verdadera lástima que recibiera una escasa promoción por parte de Jennifer ya que quedaron en el tintero grandes canciones que pudieron haber triunfado. Puntuación: 8/10.

Love?2. Love?.

Durante los primeros años de la década del 2000 la popularidad de Jennifer Lopez estaba en su mejor momento gracias a una sucesión de singles que ocuparon las primeras posiciones en las listas de venta, sin embargo a finales de la década sufrió una espiral decreciente en su éxito comercial tras el tibio recibimiento de su álbum en español y el fracaso de «Brave». Cuando su carrera estaba en la cuerda floja, Jennifer resurgió de sus cenizas como el ave fénix con su séptimo álbum de estudio, Love?, el cual vio la luz en 2011 y está formado por una mezcla de las canciones que grabó en Epic antes de abandonar dicha discográfica y acabaron filtrándose en internet y nuevos temas grabados dentro de Island Def Jam, su nuevo sello discográfico. «Love?» marca una divergencia musical con respecto a los anteriores trabajos de la cantante neoyorquina y está formado principalmente por temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop (el sonido de moda en la década del 2010) además de varios temas R&B mid-tempo. Los productores implicados en este proyecto fueron RedOne (artífice de los primeros éxitos de Lady Gaga), Stargate, Danja, Tricky Stewart, The Dream o D’Mile y cabe destacar que J.Lo sólo participó en la composición de un tema del álbum. «Love?» tuvo un desempeño comercial positivo: debutó en el top 10 en los principales mercados y superó los dos millones de copias a nivel mundial, lo que suponía un evidente paso adelante con respecto a las escasas ventas de «Brave». El single presentación del álbum fue On the Floor, un enérgico tema dance-pop con influencia House y Latin-pop producido por RedOne y que cuenta con la colaboración de Pitbull. Este tema llamó la atención del público por incorporar una interpolación de la famosa melodía de la ‘Lambada’ (popularizada por Kaoma, pero perteneciente originalmente a la canción ‘Llorando se fue’). Jennifer quiso imprimir en este tema sus raíces latinas y rendir homenaje a sus orígenes como bailarina. En el terreno comercial ‘On the Floor’ resultó un tremendo e inesperado éxito: ocupó el #1 en más de 20 países de todo el mundo (en Estados Unidos alcanzó el #3, uno de los pocos mercados donde no lideró la lista de ventas) y acabó vendiendo 8 millones de copias, convirtiéndose en uno de los singles más importantes de aquel año. Como segundo single se lanzó I’m Into You, un tema mid-tempo pop/R&B con influencia caribeña producido por Stargate y que cuenta con la colaboración del rapero Lil Wayne. ‘I’m Into You’ permaneció a la sombra del éxito de ‘On the Floor’ y tuvo un desempeño comercial moderado, aunque consiguió alcanzar el top 10 en Reino Unido y el top 20 en España o Alemania. Como tercer single se lanzó Papi, un marchoso tema dance-pop con influencia Latin-pop producido por RedOne en el que Jennifer declara su pasión por bailar para su hombre. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Invading My Mind’ e ‘Hypnotico’, dos bailables temas dance-pop y electropop compuestos por Lady Gaga y RedOne, ‘Good Hit’, un tema R&B up-tempo o ‘Everybody’s Girl’, perteneciente a las sesiones originales del álbum. Uno de los temas más destacados del álbum es ‘One Love’, compuesto por la propia Jennifer y que se trata de un tema mid-tempo R&B producido por D’Mile en el que repasa su ajetreado curriculum sentimental y hace referencias a sus antiguos novios Diddy o Ben Affleck. En resumen, «Love?» es un álbum bailable formado por canciones divertidas y alegres, aunque también se trata de un trabajo personal en el que J.Lo habla del amor y de las experiencias con los hombres a lo largo de su vida. Sin duda este álbum supuso un importante regreso al panorama musical tras varios fracasos comerciales y se trata de uno de sus álbumes más sólidos. Puntuación: 8’5/10.

J.Lo1. J.Lo. 

«On The 6» resultó un gran éxito de ventas y superó ampliamente las expectativas puestas en él, por lo que la discográfica de Jennifer Lopez no dudó en dar continuidad a su faceta como cantante. En 2001, sin apenas un respiro, vio la luz J.Lo, su segundo álbum de estudio. Pese a que en un principio no le gustaba demasiado el apodo ‘J.Lo’ con el que se referían a ella sus fans y los medios de comunicación, Jennifer Lopez finalmente decidió titular de esta manera su segundo trabajo discográfico. Debido al éxito que consiguieron los temas más urbanos de «On The 6», para su siguiente álbum Jennifer profundizó en el sonido R&B y se unió a importantes productores de este género, como P. Diddy (su pareja por entonces), Mario Winans, Ric Wake, Darkchild o Troy Oliver, además de su colaborador habitual Cory Rooney. Aunque podemos encuadrar a «J.Lo» dentro del pop y el R&B, resulta un álbum muy ecléctico que incorpora elementos Latin-pop, dance-pop y electropop. La edición original del álbum contaba con dos temas originales en español (‘Si Ya Se acabó’ y ‘Dame’, un dueto junto a Chayanne), mientras que la edición que llegó a España y Latinoamérica añadía 3 versiones en español de temas originalmente grabados en inglés y la edición internacional contaba con varios temas inéditos en inglés además del remix Hip Hop de ‘I’m Real’ junto a Ja Rule. Este álbum tuvo un gran desempeño comercial y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Canadá, Alemania o España y ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. Las ventas de «J.Lo» se mantuvieron muy consistentes durante los siguientes meses debido a la buena aceptación de los sencillos lanzados y el álbum acabó siendo certificado 4 veces platino en Estados Unidos y vendió más de 8 millones de ejemplares en todo el mundo. La misma semana en que «J.Lo» alcanzaba la posición de honor en la lista de ventas de Estados Unidos, su película ‘The Wedding Planner’ se convertía en #1 de taquilla en los cines americanos, haciendo de Jennifer la única artista en conseguir de manera simultánea un álbum y una película #1. El single presentación del álbum fue Love Don’t Cost a Thing, un pegadizo tema pop/R&B up-tempo producido por Cory Rooney y Ric Wake en el que Jennifer relata cómo su hombre intenta ganarse su amor con caros regalos pero ella confiesa que su amor no se compra con dinero. Muchos creyeron que dicho mensaje iba dirigido al rapero P. Diddy, su pareja por entonces y con el que rompió poco después del lanzamiento del disco. ‘Love Don’t Cost a Thing’ cosechó un gran éxito comercial (fue #1 en Reino Unido, Canadá o España y top 5 en Estados Unidos o Australia) y se ha convertido en una de las canciones más representativas de Jennifer. En 2001 se lanzó como segundo single Play, uno de los temas con mayor componente electrónico del disco, compuesto por Cory Rooney y la cantante Christina Milian (la cual también participa haciendo los coros) en el que Jennifer pedía al DJ que le pusiera su canción favorita. Este tema electropop con toque funk y notoria presencia de guitarra eléctrica recibió algunas críticas negativas por parte de los expertos musicales. ‘Play’ obtuvo un rendimiento moderado en las listas de venta y ocupó el top 20 en Reino Unido, Australia y Estados Unidos. Como tercer single se lanzó Ain’t It Funny, el tema más Latin-pop del álbum, compuesto por la propia Jennifer y que comenzaba con la frase en español «estoy loca, enamorada de ti». Este tema contaba con una versión en español titulada ‘Qué Ironía’, recibió buenas opiniones de los expertos, los cuales la consideraron una reminiscencia del lado latino de «On The 6» y obtuvo una gran respuesta comercial en Europa, donde ocupó el top 10 en Reino Unido y España. Como cuarto single se eligió I’m Real, un marchoso tema pop/R&B up-tempo de sonido retro producido por Cory Rooney junto a Troy Oliver. Para la reedición del disco se grabó un remix de dicho tema con sonido Hip Hop junto al rapero Ja Rule titulado I’m Real (Murder Remix), el cual también fue lanzado como single y debido a su buena respuesta dentro del circuito urbano acabó alcanzando el #1 en la lista americana, convirtiéndose en el segundo single de Jennifer Lopez que llegaba a lo más alto en Estados Unidos. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘That’s the Way’, que combina percusión tribal con la producción R&B típica de Darkchild, ‘Si Ya Se Acabó’, un emotivo tema en español en el que destaca especialmente la voz de Jennifer, ‘I’m Gonna Be Alright’, un tema pop/R&B que más tarde sería lanzado en forma de remix o ‘Walking On Sunshine’, un tema up-tempo de sonido electrónico que comparte similitudes con su hit ‘Waiting for Tonight’. Algunos expertos musicales opinaron que «J.Lo» estaba sobreproducido y criticaron la limitada voz de Jennifer Lopez como puntos negativos del álbum, sin embargo yo lo considero uno de los mejores álbumes de principios de la década del 2000 y el ejemplo perfecto del sonido ‘urban pop’ que triunfó durante aquellos años. «J.Lo» fue uno de los primeros CD’s que tuve por lo que le tengo un gran cariño, me trae muy buenos recuerdos y se ha convertido en uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos. Pese a su larga extensión no sobra casi ninguna canción (quizás únicamente las insípidas baladas ‘Come Over’ y ‘Secretly’). En resumen, «J.Lo» es el trabajo más completo, variado y representativo de la trayectoria musical de Jennifer Lopez. Puntuación: 9/10.