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Crítica de «Earthly Delights» de David Archuleta

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David Archuleta es un cantante americano que tras participar en varios concursos de talentos durante su adolescencia saltó a la fama al quedar segundo en la séptima temporada del popular show American Idol. Su primer álbum de título homónimo fue publicado cuando todavía no había cumplido los 18 años y resultó un éxito en Estados Unidos, donde vendió casi un millón de copias y contó con el hit ‘Crush’. Nacido en Miami, David Archuleta posee raíces españolas (concretamente vascas) por parte de padre y hondureñas por parte de madre, de ahí que hable fluidamente el español. Perteneciente a una familia religiosa, David fue misionero voluntario en una iglesia mormona y durante dos años fue asignado para servir en Chile. En 2021 salió del armario de manera pública (años antes lo hizo en el ámbito familiar) y debido al conflicto interior entre su fe y su orientación sexual, que incluso le llevó a contemplar el suicidio, David decidió abandonar dicha iglesia. El pasado mes de agosto vio la luz su nuevo proyecto, Earthly Delights, que se trata de un EP formado por 6 temas pop que incorporan ciertos elementos electropop, folk o Disco, todos ellos compuestos por el propio David Archuleta y producidos por Michael Blum. En «Earthly Delights» el cantante explora los placeres y el dolor de la vida terrenal, como sentir conexión con alguien, el desamor o la sensualidad. Por sus creencias religiosas, David siempre tuvo miedo de experimentar su sexualidad y conectar con su lado más tierno, sensual y vulnerable, sin embargo en esta nueva etapa de su vida está disfrutando de las delicias terrenales y abrazando su lado más sensual, que es precisamente lo que se refleja en las letras de las canciones que forman este EP. 

En el mes de marzo llegó el single presentación del EP y que mostraba el lado más picante y juguetón de David Archuleta. Se trata de Crème Brulée, un tema Disco/funk de carácter relajado en cuyas letras el cantante seduce a un chico y le advierte que no se enamore de él ya que solo quiere una noche de pasión, lo que resulta un auténtico himno al sexo casual. ‘Crème Brulée’, que incluye varias frases en español, resulta muy pegadizo y es uno de los temas más destacados del EP, pero guarda similitudes más que evidentes con ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter, lo que le resta originalidad. En mayo llegó el segundo single, Can I Call You, un tema electropop de carácter mid-tempo en cuyas letras el cantante explora el lado más profundo de la atracción. En este tema David cuenta cómo en una fiesta llena de gente ve a un chico que le atrae y quiere charlar con él aunque al principio tiene miedo de ser rechazado. Más tarde, tras tener un encuentro íntimo, David confiesa que echa de menos a su amante y desea volver a sentir su cuerpo. Sin duda ‘Can I Call You’ es uno de los mejores temas del EP por su contenido lírico, la vulnerabilidad mostrada por David y su impecable ejecución vocal. Coincidiendo con la publicación del EP se lanzó un nuevo sencillo promocional, ‘Dulce Amor’, en el que se deshace en halagos con la persona que le ha cambiado la vida.

El proceso creativo de este trabajo comenzó con la canción ‘Home’, que se trata de una emotiva balada cuyas letras se centran en una relación reconfortante especialmente significativa para Archuleta, en concreto la primera vez sintió amor por alguien del mismo sexo. En resumen, «Earthly Delights» es un EP más que digno y agradable de escuchar gracias a la bonita y sedosa voz del cantante y sus sinceras y personales letras, pero se ve lastrado por un exceso de baladas acústicas y temas lentos. David Archuleta es un talentoso vocalista y un solvente compositor que ha iniciado un nuevo capítulo de su vida en el que reivindica su condición sexual, explora su sensualidad y disfruta de los placeres terrenales. En el blog Mister Music estaremos muy atentos de los siguientes pasos de este interesante artista. Temas imprescindibles: Can I Call You, Crème Brulée, Home y Dulce Amor. Puntuación: 6’5/10.

Crítica de «Man’s Best Friend» de Sabrina Carpenter

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Sabrina Carpenter pasó de ser una cantante popular entre el público joven estadounidense a alcanzar las mieles del éxito a nivel internacional gracias a ‘Espresso’, que se convirtió en uno de los temas más populares del año pasado, obtuvo altísimas cifras de streaming y alcanzó las primeras posiciones en las listas de venta de todo el mundo. Tanto ‘Espresso’ como ‘Please Please Please’ y ‘Taste’, los cuales lograron también un gran éxito comercial, formaban parte de Short n’ Sweet, el sexto álbum de la trayectoria musical de Sabrina, pero el primero en despuntar a nivel internacional y considerado por la propia cantante como su ‘debut’ dentro de su etapa como mujer adulta. «Short n’ Sweet» se convirtió en uno de los álbumes más vendidos del año pasado y a principios del 2025 vio la luz su reedición, que incorporaba varios temas como ‘Busy Woman’ que elevaban el álbum en su conjunto. Además de por su talento como cantante y compositora, Sabrina Carpenter se ha ganado al público por su simpatía y carismática personalidad, convirtiéndose en la ‘pop star’ del momento. Sin apenas un respiro y aprovechando su gran momento de popularidad, Sabrina lanzó el pasado mes de junio el single presentación de su nuevo álbum, Manchild, que se trata de un marchoso tema synth-pop con influencias Country compuesto por Sabrina Carpenter junto a Amy Allen y producido por su habitual colaborador Jack Antonoff. La joven cantante hace gala nuevamente de su afilada pluma y su particular sentido del humor al hablar de la naturaleza infantil e inmadura de un hombre que ha sido su ex-pareja. ‘Manchild’ es una canción pegadiza y solvente que cuenta con el inconfundible estilo de Sabrina y su satírico componente lírico, pero no resulta tan original y llamativa como sus anteriores singles. En el terreno comercial ‘Manchild’ se ha convertido en otro éxito para Sabrina: debutó en el #1 de las listas de Estados Unidos o Reino Unido y ha alcanzado el top 5 en Canadá o Australia. Pese a no haber logrado igualar el éxito masivo de ‘Please Please Please’ o ‘Espresso’, que superan los mil y dos mil millones de reproducciones en Spotify respectivamente, ‘Manchild’ acumula unos dignos 300 millones de escuchas en dicha plataforma musical.

El séptimo álbum de estudio de Sabrina Carpenter se titula Man’s Best Friend y está formado por 12 temas pop que siguen la estela musical de su anterior trabajo e incorporan elementos synth-pop, Disco, Country o R&B. La artista nacida en Pennsylvania ha contado nuevamente con la ayuda de su habitual colaboradora Amy Allen (quien ha compuesto todos los temas presentes junto a ella) y los productores Jack Antonoff y John Ryan, responsables de su anterior álbum. La portada de «Man’s Best Friend», en la que encontramos a Sabrina arrodillada y en una posición sumisa siendo agarrada del pelo por un hombre, no ha estado exenta de polémica debido a su connotación de vulnerabilidad y deshumanización como mujer. Sin embargo, quien haya escuchado sus canciones y la conozca mínimamente sabe que esta controvertida portada alberga ironía y doble sentido, puesto que Sabrina es una mujer fuerte e independiente y ampliamente conocida por sus letras de empoderamiento femenino en las que rechaza y critica a los hombres inmaduros, incultos y emocionalmente incapaces de comprometerse. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado el segundo single, Tears, que se trata de un tema up-tempo de estilo Disco/pop que intenta replicar la fórmula de ‘Espresso’ pero no cuenta con un estribillo tan pegadizo. En las letras de ‘Tears’, Sabrina declara que el comportamiento educado y las buenas maneras de su hombre le hacen excitarse. Este tema ha contado con un videoclip de alto presupuesto que comienza como una película de terror para terminar convirtiéndose en una fiesta discotequera con Drag Queens y mucho baile.

En «Man’s Best Friend» no encontramos tantos temas con potencial de hit como en «Short n’ Sweet», sin embargo hay un par que destacan por encima del resto y tienen muchas posibilidades de ser futuros singles. ‘My Man on Willpower’ es un tema con ciertos toques Country en cuyas letras Sabrina se queja de que su hombre tiene mucha fuerza de voluntad, templanza y autocontrol (a diferencia de los chicos que le suelen gustar), lo que provoca que no quiera tener contacto sexual con ella. Por su parte, ‘House Tour’ es un tema synth-pop y post-Disco muy ochentero que relata los estadios iniciales de una relación y en cuyas letras Sabrina muestra por primera vez su casa a un chico y le pide que se sienta cómodo en ella. También merece la pena reseñar ‘Goodbye’, una canción influenciada por el estilo de ABBA y que describe una ruptura en la que hay rencor y resentimiento. La pícara cantante saca a relucir sus satíricas e ingeniosas letras en temas como ‘Never Getting Laid’, en el que tras una ruptura, desea a su ex que abrace el celibato y nunca más vuelva a tener sexo.

En resumen, «Man’s Best Friend» es un álbum ameno y agradable de escuchar gracias a la bonita voz de Sabrina Carpenter pero no cuenta con canciones tan efectivas e inmediatas como las presentes en «Short n’ Sweet» y en su conjunto resulta menos llamativo y original. Los puntos fuertes del álbum son la cuidada producción, el innegable talento como compositora de Sabrina y su manera sarcástica e irónica de relatar sus relaciones con los hombres. En «Man’s Best Friend» no encontramos joyas de la talla de ‘Espresso’ o ‘Please Please Please’ y se nota que el álbum ha sido concebido y creado con prisa en un intento por capitalizar el extraordinario momento de popularidad que vive la cantante. Confiemos en que Sabrina se haya guardado un par de ases en la manga y publique una reedición del álbum tan interesante como sucedió con «Short n’ Sweet». Temas imprescindibles: Manchild, Tears, My Man on Willpower, House Tour y Goodbye. Puntuación: 7/10.

Crítica del álbum «CiCi» de Ciara

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Tras las bajas ventas obtenidas por el álbum «Jackie» y el moderado desempeño comercial de sus singles, Ciara abandonó Epic Records, se convirtió en artista independiente y creó su propio sello discográfico, Beauty Marks Entertainment. En 2019, la cantante americana publicó su séptimo álbum, Beauty Marks, el cual fue precedido por numerosos singles, de entre los que destacó ‘Level Up’, con el que consiguió un modesto hit en la lista americana y se convirtió en uno de sus temas más populares de los últimos años, en parte gracias a su videoclip, que destacaba por su enérgica y frenética coreografía. En 2023 Ciara lanzó el EP CiCi, cuyo título proviene del sobrenombre por el que es conocida entre sus fans y que corresponde a la versión más empoderada de Ciara, como cuando está encima de los escenarios. «CiCi» estaba formado por 7 temas encuadrados dentro del R&B cuyas letras hablaban de la celebración de la vida, el empoderamiento femenino o el compromiso y fidelidad en las relaciones. Durante aquel año, la cantante de Atlanta fue madre por cuarta vez, lo cual pasó factura a la promoción de este trabajo. El single presentación del EP fue How We Roll, un marchoso tema R&B up-tempo que cuenta con la colaboración de Chris Brown y cuyas letras hacen referencia a la química existente entre dos amantes que están preparados para tener un encuentro íntimo. ‘How We Roll’ tuvo un desempeño comercial positivo en el circuito urbano estadounidense y alcanzó el top 10 en el componente Hot R&B Songs de Billboard. Coincidiendo con la llegada del EP se lanzó otro single, Forever, que se trata de un tema R&B mid-tempo que cuenta con la participación del rapero Lil Baby y resulta un himno al amor verdadero en el que Ciara aconseja no precipitarse y tomarse el tiempo necesario hasta saber que es un amor para siempre. Durante el 2024, Ciara Princess Harris lanzó varios singles sueltos y se embarcó junto a Missy Elliott y Busta Rhymes en la gira ‘Out of This World’, la cual resultó un éxito en tierras americanas. Precisamente junto al veterano rapero Busta Rhymes, Ciara lanzó Wassup, un tema de carácter urbano influenciado por el sonido Trap/Hip-Hop y producido por J.R. Rotem en el que Ciara demuestra su ‘swag’ y su confianza en sí misma.

Este mes de agosto ha visto la luz el octavo álbum de estudio de Ciara, titulado CiCi y que se trata de una extensión del EP de idéntico nombre lanzado en 2023. Este álbum está formado por una combinación de los temas presentes en dicho EP, los singles Ciara que lanzó posteriormente y nuevas canciones creadas expresamente para este proyecto. «CiCi» está compuesto por 14 temas encuadrados dentro del R&B con influencias Hip Hop y producidos por Tommy Brown, J.R. Rotem, Theron Thomas, Jasper Cameron o Jazze Pha entre otros. El álbum cuenta con un gran número de artistas invitados, entre los que se encuentran Chris Brown, Tyga, Busta Rhymes, BossMan Dlow, Latto o Lil Baby entre otros. En palabras de la propia cantante, «CiCi» es una celebración del viaje que ha recorrido durante estas últimas dos décadas de carrera profesional y supone un agradecimiento a sus seguidores por el apoyo recibido.

El pasado mes de abril llegó el single presentación del álbum, Ecstasy, que se trata de una sensual balada R&B producida por Tommy Brown en cuyas letras Ciara revela que su cuerpo cobra vida cuando su amante se acerca y ambos pueden sentir el cuerpo del otro. ‘Ecstasy’ se une a la amplia lista de ‘bed bangers’ que la cantante ha lanzado durante su trayectoria, como ‘Body Party’ o ‘Promise’, perteneciente a su segundo álbum y que Ciara considera como su ‘hermana mayor’. Este single alcanzó el top 10 en el componente Hot R&B Songs de Billboard. En junio fue lanzado un remix de ‘Ecstasy’ junto a las cantantes Normani y Teyana Taylor. Como sencillo promocional se lanzó This Right Here, un tema R&B up-tempo con influencias Crunk y Hip Hop producido por Jazze Pha (el artífice de sus primeros éxitos) y que cuenta con la participación de la rapera Latto. Este tema supone un himno a Atlanta, ciudad originaria de todos ellos. En el momento de la publicación de «CiCi» la mayoría de las canciones presentes estaban a disposición del público en las plataformas musicales. Pasaremos a reseñar las canciones inéditas. El tema que abre el álbum es ‘Made It’, un medio tiempo R&B en el que Ciara celebra cómo se han cumplido todos sus sueños profesionales y personales. ‘Dance With Me’ es un tema up-tempo bailable y pegadizo que captura la esencia de la cantante y cuenta con la participación del rapero Tyga. ‘Drop Your Love’ es otro tema rítmico en cuyas letras Ciara habla de la sensación liberadora de bailar y enamorarse sin complejos ni remordimientos.

Más que un proyecto centrado y cohesivo, «CiCi» se trata de una colección de singles o una playlist de las canciones que Ciara ha lanzado durante estos últimos años. Además, en el momento de su publicación, la mayor parte del contenido del álbum estaba ya a disposición del público en las plataformas musicales, por lo que el factor sorpresa de este lanzamiento ha sido mínimo. Pese a estos fallos, «CiCi» no es un proyecto de baja calidad en absoluto, sino que se trata de un álbum sólido, consistente y formado por un conjunto de canciones marchosas y pegadizas con el inconfundible estilo de Ciara. En resumen, «CiCi» mantiene el buen nivel del resto de la discografía de Ciara, recupera sus raíces musicales urbanas y sigue su habitual fórmula, con un compendio de enérgicos temas up-tempo y sensuales baladas. Temas imprescindibles: How It Roll, Wassup, Ecstasy, This Right Here, Dance With Me y Forever. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Don’t Click Play» de Ava Max

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Ava Max supuso un soplo de aire fresco dentro del panorama pop durante los primeros años de la década del 2020 gracias a su primer álbum, «Heaven & Hell«, el cual contó con exitosos singles como ‘Sweet but Psycho’ o ‘Kings & Queens’, que obtuvieron excelentes cifras de streaming, ocuparon la parte alta de las listas de venta y dispararon la popularidad de la cantante americana. Tras su impresionante debut, Ava Max regresó en 2023 con «Diamonds & Dancefloors», que seguía los pasos de su predecesor y resultaba un trabajo muy sólido, sin embargo tuvo un desempeño comercial notoriamente inferior. Durante el año pasado Ava realizó diversas colaboraciones con otros artistas y también lanzó un par de temas propios que en su momento fueron catalogados como los singles presentación de su tercer álbum de estudio. Tanto ‘My Oh My’ como ‘Spot a Fake’ no se alejaban demasiado de la habitual fórmula de Ava Max y se trataban de marchosos temas dance-pop de naturaleza bailable y que contaban con estribillos pegadizos e inmediatos. Ambos temas formaban parte de la versión inicial de su nuevo álbum, sin embargo la cantante americana declaró que habían sido descartados del ‘track listing’ final debido a motivos personales que le hicieron cambiar el rumbo del álbum.

El pasado mes de febrero llegó el definitivo single presentación del álbum, Lost Your Faith, que se trata de un tema pop/rock producido por Pink Slip en el que Ava Max relata una dolorosa ruptura sentimental. Este tema llamaba la atención por su cambio de dirección hacia el sonido pop/rock e incorporaba un potente solo de guitarra eléctrica, aunque el estribillo mantenía el espíritu ‘power pop’ de otros himnos de Ava como ‘Kings & Queens’. Pese a ser un tema potente y un solvente ‘lead single’, ‘Lost Your Faith’ recibió escasa promoción por parte de su discográfica y tuvo un impacto comercial mínimo. Como segundo single se lanzó Lovin Myself, un tema up-tempo de estilo electropop producido nuevamente por Pink Slip en el que la cantante se define como una superviviente del desamor y declara que está intentando reconectar consigo misma, ya que no necesita a nadie, puesto que se está amando a sí misma. Sin apenas un respiro llegó el tercer single, Wet, Hot American Dream, que se trataba de un animado tema electropop y dance-pop en cuyas letras Ava pide a su amante que le cuente sus fantasías y secretos más ocultos a la vez que añade una imaginería americana.

Durante el último mes no hemos tenido ninguna noticia de Ava Max y se ha mantenido inactiva en sus redes sociales, lo que resulta un comportamiento un tanto extraño teniendo en cuenta que las semanas antes del lanzamiento de un álbum son clave en la campaña promocional y es precisamente cuando los artistas se mantienen más activos en sus redes sociales y realizan entrevistas en medios de comunicación y apariciones en programas de televisión. Más tarde hemos sabido que la cantante ha pasado por malos momentos personales que le han impedido estar presente en el foco mediático. Con el hype por los suelos debido al desastroso rollout del álbum y sin un single exitoso que respalde su publicación, se ha puesto a la venta el nuevo trabajo discográfico de Ava Max.

El tercer álbum de estudio de Ava Max tiene por título Don’t Click Play y está formado por 12 temas pop que siguen la estela musical de sus anteriores trabajos y profundizan en el dance-pop y el electropop. Las rupturas sentimentales que ha sufrido Ava y el posterior proceso de curación emocional han sido la fuente de inspiración en las letras de las canciones presentes, además de tocar temas como el auto-empoderamiento o las críticas recibidas a través de las redes sociales. «Don’t Click Play« no se aleja demasiado de la fórmula musical y el sonido de los anteriores trabajos de la cantante de Milwaukee, sin embargo la principal diferencia es que el productor Cirkut (su mano derecha, artífice de sus mayores éxitos y ex-pareja) no participa en este proyecto y ha sido sustituido por otros productores de la talla de Pink Slip, Inverness, Frequency o David Stewart entre otros. Pese a su ruptura sentimental, Cirkut y Ava siguieron trabajando juntos, sin embargo el motivo del distanciamiento entre ambos se produjo cuando el productor inició una relación secreta con Madison Love (amiga, compositora y co-autora de varios de sus canciones), lo que fue visto por Ava como una traición por parte de dos personas de su máxima confianza.

Con «Don’t Click Play» Ava Max ha querido demostrarse a sí misma y a los demás que es capaz de seguir creando hits sin la ayuda de Cirkut. Como veremos más adelante, este objetivo solo se ha conseguido en parte. Una de las canciones más llamativas y reveladoras del álbum es ‘Don’t Click Play’, en la que Ava aborda el odio que recibe en las redes sociales y habla por primera vez de las críticas que ha recibido desde el principio de su carrera en las que se le acusa de ser una imitadora de Lady Gaga y se le critica por su afición a usar samplers en sus canciones. En una de las líneas del tema, Ava incluso comenta de manera irónica que ‘Kings & Queens’ queda bien junto a ‘Poker Face’. Otro de de los temas más destacados es ‘World’s Smallest Violin’, perteneciente a las sesiones de grabación de «Diamonds & Dancefloors» y que resulta un himno de autoestima e independencia tras una ruptura, ya que en sus letras Ava afirma tomar el control de su vida tras el desamor y trata de evitar comportamientos tóxicos como volver con su ex. También merece la pena reseñar ‘Sucks to Be My Ex’, un pegadizo tema dance-pop cuyas letras hablan de una ruptura sentimental y el sentimiento de confianza y empoderamiento que se siente después o ‘Know Somebody’, uno de los pocos temas mid-tempo del álbum y en el que explora los sentimientos de traición y decepción. El resto de temas presentes en el álbum, pese a ser pegadizos y bailables, resultan genéricos, derivativos de los trabajos anteriores de Ava Max y no ofrecen nada nuevo al panorama musical.

Con un magnífico álbum debut y varios hits a sus espaldas, Ava Max parecía tener un prometedor futuro por delante, sin embargo la falta de criterio por parte de su management, las erróneas decisiones tomadas en torno a su carrera, la escasa promoción por parte de su discográfica y sus desacertadas colaboraciones con otros artistas han hecho que el globo del éxito de la cantante esté deshinchándose a pasos agigantados y el interés por parte del público haya disminuido dramáticamente. Pese a que «Don’t Click Play» no llega al gran nivel de sus anteriores álbumes (que son dos auténticas obras maestras del pop), no nos encontramos ante un proyecto de baja calidad en absoluto, ya que se trata de un álbum solvente y más que digno que contiene un conjunto de canciones entretenidas, pegadizas y con estribillos efectivos e inmediatos (que sigue siendo la seña de identidad de Ava Max), sin embargo por primera vez encontramos algún tema de relleno y no resulta tan consistente y cohesivo como «Heaven & Hell» o «Diamonds & Dancefloors».

Sin duda Cirkut fue una pieza esencial en el éxito de la cantante y su ausencia se echa en falta en este trabajo, sin embargo Ava Max sigue manteniendo su habilidad para crear canciones divertidas y pegadizas. En una de las pocas entrevistas que ha concedido recientemente, Ava se quejaba de que posiblemente sea la artista peor gestionada de la historia de música, y efectivamente no se equivoca, ya que su discográfica y su equipo de management no han sabido explotar su talento como artista. Sin duda la cantante de ascendencia albanesa podría haber ocupado una posición dominante en el pop de esta década si hubiera estado mejor dirigida y aconsejada. El título del álbum («no le des al play»), además de premonitorio, ha resultado un tanto confuso para el público y no ha ayudado en absoluto a su desempeño comercial. Temas imprescindibles: Lost Your Faith, Lovin Myself, Sucks to Be My Ex, World’s Smallest Violin, How Can I Dance y Don’t Click Play. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Commitment» de Craig David

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En agosto del año 2000 vio la luz Born to Do It, el debut del cantante Craig David y uno de los álbumes de R&B más icónicos de la década del 2000. Este álbum resultó un éxito comercial en todo el mundo: vendió 8 millones de copias y contó con singles de la talla de ‘Fill Me In’, ‘7 Days’ o ‘Walking Away’, que resultaron muy populares en Europa e incluso traspasaron fronteras y triunfaron en el complicado mercado americano. «Born to Do It» recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales por su magnífica producción, su combinación de R&B y Garage, la madurez como artista de Craig David y su versatilidad vocal. 25 años después del exitoso debut del cantante inglés se ha puesto a la venta su noveno álbum de estudio, Commitment, el cual está formado por 13 temas compuestos por el propio Craig David y producidos principalmente por su habitual colaborador Mike Brainchild, con producción adicional de Tre Jean-Marie o Harmony Samuels entre otros. «Commitment» sigue la estela musical de sus anteriores trabajos y está formado por un compendio de marchosos temas up-tempo de estilo dance-pop, Garage o Tropical House y medios tiempos y baladas R&B que muestran el talento vocal del cantante de Southampton. Las letras de las canciones presentes en el álbum exploran temas como la complejidad del amor, la devoción o el compromiso en las relaciones y muestran el lado más vulnerable y emotivo de Craig David. «Commitment» toma el relevo a «22», publicado en el año 2022 y que se convirtió en su sexto álbum top 10 en la lista británica.

Un gran número de singles promocionales han sido lanzados con anterioridad a la publicación del álbum aunque ninguno de ellos ha conseguido entrar en la lista británica. En septiembre del año pasado llegó el primer sencillo, In Your Hands, que se trata de un enérgico tema dance-pop con ciertos arreglos musicales pertenecientes al género Country y cuyo estribillo contiene una interpolación de un canto espiritual de origen africano. Las letras de ‘In Your Hands’ envían un mensaje muy positivo sobre el auto-descubrimiento y el crecimiento personal. Ya en 2025 llegó el segundo single, SOS, que se trata de un marchoso tema dance-pop y Tropical House cuyas letras hablan de la vulnerabilidad de volver a estar abierto al amor tras una ruptura sentimental. Como tercer single se lanzó el tema titular, Commitment, que se trata de un tema mid-tempo R&B con influencias Afrobeats que cuenta con la participación de la cantante nigeriana Tiwa Savage y cuyas letras exploran los altibajos que se producen en las relaciones y el compromiso dentro de la pareja y destaca la importancia de la dedicación y el esfuerzo para que una relación funcione. ‘Commitment’ resulta uno de los temas más interesantes del álbum y guarda similitudes con el componente lírico de ‘Walking Away’, perteneciente a su álbum debut.

El cuarto single lanzado fue Wake Up, un marchoso tema de estilo Garage en el que Craig David rinde tributo a sus orígenes musicales y recupera el estilo presente en temas como ‘Fill Me In’, con el que se hizo conocido a principios de su carrera. Como quinto single se lanzó In It With You, una balada R&B a dúo con la cantante americana JoJo cuyas letras hablan de la fuerza del amor y el compromiso mientras ambos artistas enfatizan en la idea de permanecer unidos pese a los malos momentos. En ‘In It With You’ se aprecia una gran química entre Craig David y JoJo, quienes además destacan por su gran ejecución vocal. Coincidiendo con la publicación del álbum se ha lanzado un sexto single, Rain, que se trata de una balada R&B producida por Tre Jean-Marie que habla de la sensación de pérdida y cambio tras una ruptura sentimental. Este tema destaca por su carácter vulnerable e introspectivo y muestra la capacidad de Craig David para transmitir emociones. Dentro del álbum merece la pena destacar ‘Mr Right’, un medio tiempo R&B producido por Harmony Samuels en el que afirma que es el hombre adecuado, ‘Leave the Light On’, un marchoso tema dance-pop que cuenta con la participación de la cantante británica Louisa Johnson o ‘Dominoes’, una balada de sonido acústico cuyas letras exploran temas como la resiliencia y el sentimiento universal de caer y hundirse en ciertos momentos de la vida.

«Commitment» intenta recuperar el espíritu y la esencia del álbum debut de Craig David y trae de vuelta al 2025 los sonidos R&B y Garage típicos de la década del 2000. En resumen, «Commitment» está formado por un conjunto sólido de canciones, mantiene el buen nivel presente en el resto de la discografía del artista y supone una gran adición a su notable catálogo musical. El veterano cantante británico demuestra con este álbum que sigue siendo un excelente vocalista y un solvente compositor, además de un artista con una gran capacidad para transmitir emociones que conectan con el público. Temas imprescindibles: Wake Up, In It With You, SOS, Commitment y Rain. Puntuación: 7’5/10.

Throwback Review: «Sweet Kisses» de Jessica Simpson

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El popular show de televisión «The Mickey Mouse Club» resultó una auténtica cantera de futuras estrellas, ya que en dicho programa participaron talentosos niños que años más tarde se convertirían en actores de renombre como Ryan Gosling o cantantes de la talla de Justin Timberlake, Britney Spears o Christina Aguilera. Debido al tremendo impacto comercial y social que tuvieron Britney y Christina en el mundo de la música, las discográficas se apresuraron a lanzar al mercado ‘imitadoras’ para capitalizar este auge en el pop femenino, que vivió su mejor momento desde que Mariah Carey y Janet Jackson triunfaran en los años 90. A la sombra de Britney y Christina surgió Jessica Simpson, una eterna ‘segundona’ cuya carrera musical se vio eclipsada por el éxito sin precedentes de ambas artistas. Las señoritas Spears y Aguilera publicaron sus álbumes debut en el año 1999 y cuando ya habían conseguido ventas millonarias y contaban con una legión de fans por todo el mundo, Jessica publicó en el mes de noviembre su primer trabajo discográfico, Sweet Kisses, el cual está compuesto por 11 temas producidos por importantes nombres de la industria musical como Cory Rooney, Sam Watters, Louis Biancaniello, Evan Rogers o Carl Sturken entre otros. «Sweet Kisses» está formado principalmente por baladas pop y temas up-tempo de estilo dance-pop, aunque la influencia del sonido R&B está presente en muchas de las canciones. Mientras que la imagen de Britney durante sus primeros años era la de una Lolita sexy aunque dulce y su música estaba dirigida a un público adolescente, la discográfica de Jessica Simpson, liderada por Tommy Mottola, quiso posicionarla en el mercado como la nueva Mariah Carey y centrarse en un público de mayor edad gracias a un sonido ‘Adult Contemporary’ y una imagen más conservadora y recatada. Jessica Simpson era una joven de familia religiosa y tradicional que repitió hasta la saciedad que llegaría virgen al matrimonio y encajaba más con el tipo de artista que se llevaba a principios de los años 90 (como Mariah Carey en sus inicios) aunque lo que demandaba el público en el nuevo milenio era un tipo de cantante más sexy y desenfadada, como lo eran sus máximas competidoras.

El single presentación del álbum fue I Wanna Love You Forever, una desgarradora balada pop compuesta y producida por Sam Watters y Louis Biancaniello en la que Jessica describe sus sentimientos de profundo amor hacia un hombre de una manera que antes no había experimentado. Pese a lo arriesgado que resulta lanzar una balada tan clásica como primer single, ‘I Wanna Love You Forever’ resultó un éxito en la lista americana y alcanzó el #3. En el resto del mundo también tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 10 en Canadá, Reino Unido o Australia. Este tema recibió buenas críticas por la magnífica ejecución vocal de Jessica (fue comparada al estilo de Mariah Carey o Céline Dion), su componente lírico y la madurez de la joven cantante. El segundo single lanzado fue Where You Are, una balada con uso prominente de guitarra española e influencias R&B y Latin-pop cantada a dúo con Nick Lachey, componente del grupo 98 Degrees y que se convertiría en su futuro marido. Pese a su gran calidad, este tema tuvo un mediocre desempeño comercial y apenas ocupó el top 70 del la lista americana. Tras dos baladas orientadas a un público más adulto, como tercer single fue lanzado un tema más accesible y comercial, similar al estilo presente en el álbum debut de Britney Spears. Me refiero a I Think I’m in Love with You, un tema pop up-tempo producido por Cory Rooney que nuevamente tenía una temática de amor adolescente como muchas de las canciones presente en el álbum. ‘I Think I’m in Love with You’ ocupó el top 25 en la lista americana y en el resto del mundo tuvo un mayor impacto comercial y alcanzó el top 10 en Australia o el top 15 en Reino Unido.

Dentro del lado up-tempo del álbum destacan ‘Final Heartbreak’, un marchoso tema dance-pop en cuyas letras Jessica le dice a su nuevo interés amoroso que su reciente ruptura podría ser la última y ella podría mostrarle el lado bueno del amor si inician una relación o ‘I’ve Got My Eyes on You’, un animado tema ‘urban pop’ muy en la onda de Britney y que podría aparecer en su álbum debut. Merece la pena reseñar ‘Woman in Me’, un tema mid-tempo influenciado por el sonido R&B y que cuenta con la participación de Destiny’s Child. El resto del álbum son baladas en las que Jessica se luce vocalmente e intenta imitar a sus ídolos Céline y Mariah, pero resultan un tanto insípidas y anodinas. En ‘Heart of Innocence’, que cuenta con cierto aroma R&B, la cantante texana habla sobre las virtudes de la abstinencia antes del matrimonio.

«Sweet Kisses» debutó tímidamente en el top 70 de la lista americana, lo que supuso una gran decepción para Columbia (el sello discográfico de la cantante texana), sin embargo a raíz del buen desempeño comercial del tercer single, el álbum ascendió hasta el top 25. Pese a que el debut de Jessica Simpson vendió casi dos millones de ejemplares en Estados Unidos, las comparaciones resultan odiosas y al lado de los debuts de Britney y Christina (con 14 y 9 millones de copias vendidas en tierras americanas respectivamente y singles de la talla de ‘…Baby One More Time’ o ‘Genie In a Bottle’) el álbum de Jessica no cubrió las expectativas de su discográfica y fue tachado como un fracaso (aunque hoy en día se consideraría un éxito notable).

«Sweet Kisses» es un álbum debut más que digno que cuenta con un solvente conjunto de canciones, sin embargo no resulta tan sólido como los primeros trabajos de Britney o Christina. El principal problema al que se enfrentó Jessica Simpson desde el inicio de su carrera es su falta de carisma en comparación a sus rivales, ya que fue percibida como una imitadora que ofrecía un producto más genérico y repetitivo, además poseía una imagen demasiado adulta para el público adolescente. El punto fuerte del álbum es el innegable talento de Jessica como cantante y su gran técnica vocal. Temas imprescindibles: Final Heartbreak, I Wanna Love You Forever, I Think I’m in Love with You, I’ve Got My Eyes on You, Where You Are y Woman in Me. Puntuación: 7/10.

Los mejores álbumes de Beyoncé

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Cowboy Carter8. Cowboy Carter.

Tras triunfar con el «Renaissance World Tour», su gira de conciertos más recaudadora y exitosa hasta la fecha, Beyoncé regresó al panorama musical en 2024 con el segundo acto de su trilogía, iniciada con «Renaissance». En Cowboy Carter, su octavo trabajo discográfico, Beyoncé decidió recuperar sus raíces sureñas y profundizar en el género Country y la música tradicional americana. Mientras que en su anterior álbum rendía tributo a los pioneros afroamericanos de la música de baile, en esta ocasión celebra las raíces negras del Country. La cantante sólo había experimentado con dicho género anteriormente en el tema ‘Daddy Lessons’ perteneciente a su álbum «Lemonade». Beyoncé declaró que la inspiración de hacer un álbum de estilo Country proviene de su controvertida actuación de ‘Daddy Lessons’ junto a The Chicks en la gala de los Country Music Awards de 2016, en la cual sintió que no era aceptada por ser una mujer de color y se encontró fuera de lugar entre un público eminentemente blanco. «Cowboy Carter» se trata de un álbum muy extenso, formado por 27 temas encuadrados dentro del Country (con ciertos elementos R&B, pop/rock, folk, Soul o Blues) y producidos por The Dream, Raphael Saadiq, Swizz Beatz o Pharrell Williams entre otros. Entre los artistas invitados en «Cowboy Carter» encontramos a Post Malone, Miley Cyrus y jóvenes promesas del género como Brittney Spencer o Reyna Roberts, mientras que leyendas del Country como Willie Nelson, Dolly Parton o Linda Martell hacen su aparición en los interludios del álbum a modo de DJ’s de una radioemisora de música Country. Beyoncé lanzó dos singles muy diferentes como adelanto de este trabajo discográfico. El primero de ellos fue Texas Hold ‘Em, un tema up-tempo Country-pop con influencias folk y Soul cuyo título hace referencia a una de las variaciones más populares del juego de póker y en el que Beyoncé celebra las raíces negras de la música Country y rinde homenaje a sus orígenes sureños. Por su parte, 16 Carriages se trata de una balada de estilo Country en la que la cantante texana describe la vida de carretera durante las giras de conciertos, pero también da detalles de la relación de sus padres cuando era joven y describe sus experiencias de adolescente cuando formaba parte de Destiny’s Child. Mientras que ‘Texas Hold ‘Em’ ocupó el #1 en las principales listas de venta y obtuvo altas cifras de streaming, ’16 Carriages’ despertó menos interés por parte del público. Como siguiente single se lanzó II Most Wanted, un tema pop/rock y Country-pop de carácter downtempo que cuenta con la colaboración de Miley Cyrus y en el que ambas cantantes hablan de su estatus en la industria musical. Merece la pena reseñar ‘Levi’s Jeans’, en el que aparece Post Malone como artista invitado y cuyas letras se alejan de la habitual temática Country para mostrar el lado más sensual de la cantante, quien hace referencia a la famosa marca de pantalones vaqueros, ‘Bodyguard’, que deja a un lado el sonido tradicional presente en el álbum para sumergirse en una atmósfera más relajada y en cuyas letras Beyoncé le ofrece a su pareja la protección que podría darle un guardaespaldas o ‘Tyrant’, que llama la atención por su base de Trap, la melodía de armónica distorsionada y su sonido urbano, pero destaca por sus reveladoras letras en las que la cantante nuevamente hace referencia a la infidelidad de su marido y sigue exigiendo una disculpa por parte de la amante. Aunque es digno de alabar la versatilidad como artista de Beyoncé al probar con numerosos géneros o estilos a lo largo de su extensa trayectoria, su aproximación al Country no resulta genuina o auténtica, ya que pese a sus orígenes sureños nunca ha expresado verdadero interés por este género ni ha mencionado a artistas de Country entre sus referencias musicales. Los puntos fuertes de «Cowboy Carter» son la magnífica ejecución vocal de Beyoncé, la rica y variada instrumentación y su cuidada producción, sin embargo resulta excesivamente largo, contiene interludios innecesarios y en ciertos momentos es monótono y repetitivo. Puntuación: 7/10.

beyonce-lemonade7. Lemonade.

A finales del 2013 Beyoncé sorprendió al mundo al lanzar sin previo aviso su quinto álbum de estudio. Esta manera de publicar un disco sin publicidad o promoción previa creó un gran impacto en el mundo de la música y se le llamó «hacer un Beyoncé». En 2016 la cantante repitió dicha táctica y volvió a lanzar por sorpresa su sexto álbum, Lemonade, el cual se trata de un proyecto audiovisual con un concepto similar al de «Beyoncé», pero en vez de acompañar el álbum con videoclips independientes y sin relación, la cantante grabó un documental de una hora de duración en el que hablaba sin tapujos de su turbulento matrimonio con Jay-Z e incluso desvelaba las infidelidades del rapero. «Lemonade» es un álbum conceptual aborda el viaje emocional de Beyoncé tras enterarse de la infidelidad de su marido hasta la posterior venganza, pero también explora su feminidad, sus raíces sureñas y su identidad como mujer afroamericana. En el aspecto musical «Lemonade» está encuadrado dentro del R&B pero resulta un trabajo muy ecléctico que experimenta con sonidos tan variados como el Soul, Blues, rock, Country, funk, Trap o Hip Hop. Beyoncé compuso todos los presentes en el álbum y se rodeó de una amplia nómina de productores entre los que se encuentran Mike Will Made It, Hit-Boy, Just Blaze, Diplo o Boots. Este complejo álbum conceptual aborda el viaje emocional de la cantante tras enterarse de la infidelidad de su marido hasta la posterior venganza, pero también explora su feminidad, sus raíces sureñas y su identidad como mujer afroamericana. El single presentación del álbum fue Formation, tema R&B producido por Mike Will con fuertes influencias del Southern Hip Hop, el Bounce y el Trap en el que Beyoncé celebra su identidad y cultura como mujer afroamericana nacida en un estado sureño como Texas. ‘Formation’ es quizás el single menos comercial lanzado por la cantante hasta la fecha y recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su arriesgado sonido y su concepto feminista. Como segundo single se lanzó Sorry, un tema electro-R&B de carácter mid-tempo cuyas letras hacen referencia a cómo Beyoncé hizo frente a la infidelidad de su marido con otra mujer, que es definida por la cantante como «Becky con buen pelo». Este tema resultó muy controvertido por sus letras con todo lujo de detalles y supone una de las canciones más autobiográficas y personales de toda la carrera de Beyoncé. El tercer single lanzado fue Hold Up, un tema R&B con influencia reggae compuesto junto a MNEK y producido por Diplo en el que Beyoncé declara, con ira y resentimiento, que ama a su pareja pero quiere saber hasta dónde llega su lealtad. Como cuarto single llegó Freedom, un tema downtempo Blues y R&B con influencia Hip Hop en el que participa el rapero Kendrick Lamar y destaca por sus letras a favor del empoderamiento de las mujeres afroamericanas, en las que Beyoncé intenta guiar a otras mujeres negras a que se desprendan de las cadenas que la sociedad les impone. Además habla de su lucha contra la infidelidad como mujer negra y menciona la esclavitud sufrida por los afroamericanos y el movimiento ‘Black Lives Matter’. Este tema fue aclamado por la crítica por sus poderosas letras y recibió una nominación a los premios Grammy. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Daddy Lessons’, un tema Country y Blues en el que Beyoncé relata la turbulenta relación con su padre Mathew Knowles, las infidelidades hacia su madre y su carácter controlador o ‘6 Inch’, un tema de R&B alternativo en el que participa The Weeknd y cuyas letras hablan de cómo Beyoncé ha luchado muy duro por conseguir el poder y la riqueza que ahora posee, además de animar a otras mujeres a que sigan trabajando y ganando dinero. «Lemonade» fue aclamado por la crítica y es considerado como la obra maestra de la cantante, sin embargo en mi opinión Beyoncé sigue empeñada en alejarse del estilo comercial de sus primeros álbumes y explorar un sonido más alternativo, oscuro y arriesgado, por lo que sus trabajos cada vez resultan menos accesibles y más pesados de escuchar. «Lemonade» es un álbum de gran calidad, con letras muy personales en las que la cantante desnuda sus sentimientos relatando la deslealtad de su marido o los problemas que sufren las mujeres negras en la sociedad. Puntuación: 7’5/10.

Renaissance.jpg6. Renaissance.

En 2022 vio la luz el séptimo álbum de estudio de Beyoncé, titulado Renaissance y que se trata del primer acto de un proyecto formado por tres álbumes. El concepto del álbum fue concebido durante la pandemia del coronavirus y supone un himno al hedonismo, ya que tras la angustia y tristeza provocadas por el confinamiento, es hora de bailar y disfrutar de la vida. Aparte de sus hijos y su marido, la cantante dedicó este álbum a su primo fallecido, conocido como ‘tío Jonny’, el cual le introdujo en la música de baile y la cultura de club. «Renaissance» está formado por 16 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del Dance, Disco y House, aunque incorpora elementos pop, funk, R&B, Gospel o Soul. Este trabajo tiene como objetivo rendir tributo a los pioneros de la música de baile (sobretodo los de origen afroamericano) y destaca por el uso de numerosos samplers. Beyoncé participó en la composición y producción de todos los temas presentes, pero contó con una extensa nómina de colaboradores entre los que se encuentran Tricky Stewart, The Dream, Bloodpop, Raphael Saadiq, Hit-Boy, Nova Wav, Honey Dijon o Skrillex entre otros. Todas las canciones del álbum están conectadas unas con las otras como si de una sesión de Dj se tratase. El single presentación del álbum fue Break My Soul, que se trata de un marchoso tema Dance/House de sonido ‘noventero’ compuesto junto a Jay-Z y producido por Tricky Stewart y The Dream que cuenta con varios samplers, entre ellos el clásico de Robin S ‘Show Me Love’ y un tema de estilo Bounce del cantante Big Freedia. Las letras de ‘Break My Soul’ hacen referencia al movimiento social surgido en la población americana durante los últimos años (denominado como ‘la gran renuncia’) por el que muchos trabajadores abandonan sus empleos debido a la precariedad de sus puestos de trabajo y el estancamiento de sus sueldos. ‘Break My Soul’ tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 10 en Estados Unidos, Australia o Reino Unido, aunque en importantes mercados musicales como Francia, Alemania o España apenas alcanzó el top 50. Como segundo single se lanzó Cuff It, un tema Disco/funk que recordaba el estilo de varias canciones del álbum «4» y resultaba uno de los temas más inmediatos y pegadizos del álbum. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Virgo’s Groove’, un tema Disco/funk de más de 6 minutos que resulta una de las canciones sexualmente más explícitas del álbum, ‘Summer Renaissance’, un marchoso tema Dance/House que samplea el clásico ‘I Feel Love’ de Donna Summer o ‘Heated’, un marchoso tema Dancehall en cuyos créditos de composición aparece el rapero Drake. Dentro de un álbum mayoritariamente up-tempo destaca ‘Plastic off the Sofa’, un tema de carácter mid-tempo y sonido R&B/Soul que supone la canción menos experimental del álbum y podría pertenecer al catálogo de Destiny’s Child o de los inicios de Beyoncé. En resumen, «Renaissance» es una buena adición al catálogo musical de Beyoncé por su versatilidad vocal, el carácter bailable y desenfadado de las canciones, la enérgica producción, sus sonidos experimentales y su temática en la que reivindica sus orígenes como mujer afroamericana y rinde tributo a la cultura de club. Los puntos en contra son el excesivo relleno, el abuso de los samplers y que muchas de las canciones cuentan una lista excesivamente larga de compositores y productores implicados. Puntuación: 7’5/10.

Beyoncé 4 album5. 4.

En 2011 vio la luz el cuarto álbum del estudio de Beyoncé y así es precisamente como fue titulado dicho trabajo, 4, ya que según la cantante americana es su número favorito, pues es la fecha de su cumpleaños y el día en el que se casó con el rapero Jay-Z. «4» es el sucesor de «I Am… Sasha Fierce», que fue publicado a finales de 2008 y cosechó gran éxito de ventas gracias al éxito de singles lanzados. El cuarto álbum de Beyoncé abandona el estilo pop de su anterior álbum y vuelve a sus raíces R&B, inspirándose en el funk de los años 70 o el Soul de 90. Beyoncé compuso la mayor parte de los temas del álbum (que hablan de monogamia, empoderamiento femenino o auto-reflexión) y contó con un amplio rango de productores entre los que se encuentran Shea Taylor, Tricky Stewart, The Dream, Ryan Tedder o Jeff Bhasker entre otros. La primera parte del álbum está formada por baladas de estilo R&B/Soul mientras que la segunda parte contiene marchosos temas up-tempo con influencias funk, Hip Hop o Disco. «4» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el cuarto álbum ‘chart topper’ de Beyoncé en Estados Unidos, donde fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. En el resto del mundo fue #1 en España o Reino Unido y top 5 en Australia, Canadá o Alemania, con ventas superiores a los 5 millones de copias a nivel global. El single presentación del álbum fue Run the World (Girls), un tema R&B up-tempo con influencia Dancehall y percusión tribal producido por Switch y The Dream. Este tema recibió opiniones muy variadas de los críticos: por una parte alabaron el mensaje de empoderamiento femenino (con una temática muy similar a su hit ‘Single Ladies’ o ‘Independent Women’ de Destiny’s Child) aunque se criticó el tono agresivo de Beyoncé. ‘Run the World (Girls)’ tuvo un recibimiento muy tibio por parte del público y se convirtió en uno de los singles menos exitosos de la cantante en Estados Unidos, donde ocupó el top 40 en la lista americana. Tras la moderada acogida del primer single, la discográfica de Beyoncé se apresuró a lanzar el segundo single, Best Thing I Never Had, que se trata de una balada pop/R&B producida por Babyface en la que la cantante declara que se siente feliz de haber dejado a su pareja ya que él no le valora lo suficiente. Este tema, que recuerda a su hit ‘Irreplaceable’, recibió buenas opiniones de los expertos musicales y en el terreno comercial ocupó el top 5 en la lista de Reino Unido aunque en el resto del mundo ha tenido un rendimiento moderado. Uno de los singles más populares del álbum fue Love on Top, un tema R&B up-tempo de sonido retro e influencias Disco y Soul cuyas letras hablan de una persona con la que siempre puedes contar en los malos momentos y al final te ganas su amor y respeto. ‘Love on Top’ fue aclamado por la crítica y ganó un premio Grammy a mejor actuación de R&B tradicional. Entre los temas más destacados se encuentran ‘End of Time’, un tema up-tempo con ritmos tribales y uso prominente de percusión en el que la cantante profesa su amor a su pareja y resulta una declaración de co-dependencia o ‘Countdown’, un marchoso tema R&B y funk en el que Beyoncé envía un mensaje de monogamia a su pareja y aprecia su valía. De entre las baladas destacan ‘I Was Here’, compuesta por Diane Warren y en la que la cantante muestra su lado más vulnerable reflexionando sobre su impacto en el mundo antes de que su vida llegue al fin o ‘I Care’, una balada R&B de carácter mid-tempo con influencias rock y Soul. En resumen, «4» ofrece un lado más maduro y reflexivo por parte de la cantante que sus anteriores trabajos, resulta un álbum sólido y contiene varios temas interesantes pero también encontramos varias baladas de relleno. Puntuación: 7’5/10.

Sasha Fierce 4. I Am… Sasha Fierce.

En 2008 vio la luz el tercer álbum de estudio de Beyoncé, I Am… Sasha Fierce, que se trata de un álbum doble en el que podemos encontrar dos personalidades muy diferentes de la cantante pero que en su totalidad nos permite conocer su verdadera esencia como persona y artista. En la primera parte del álbum, «I Am», encontramos baladas y medios tiempos de estilo pop/R&B, en los que muestra su lado más sensible y es la parte menos conocida de Beyoncé, mientras que la segunda, «Sasha Fierce», está formada por temas up-tempo de carácter bailable en los que experimenta con el electropop y el dance-pop. Sasha Fierce es el ‘alter ego’ de la cantante cuando está encima de los escenarios y en el que se muestra como una mujer empoderada y sexy. La cantante nacida en Houston participó en la composición de todos los temas presentes en el álbum y contó una amplia nómina de productores entre los que se encuentran Stargate, Darkchild, Tricky Stewart, The Dream, Ryan Tedder, Toby Gad, Bangladesh o Jim Jonsin entre otros. «I Am… Sasha Fierce» resultó otro éxito para Beyoncé: debutó en el #1 de la lista americana, ocupó el top 10 en las principales listas de venta internacionales y superó los 10 millones de copias a nivel mundial. Este álbum recibió críticas mayoritariamente positivas por parte de los expertos musicales y ganó 6 premios Grammy, entre ellos álbum del año. Para presentar «I Am… Sasha Fierce» se eligieron dos singles muy diferentes: ‘If I Were a Boy’, perteneciente al lado más lento del álbum y ‘Single Ladies (Put a Ring on It)’, que forma parte del lado «Sasha Fierce». If I Were a Boy es una balada mid-tempo pop/R&B con influencias folk y pop/rock producida por Toby Gad en la que la cantante reflexiona sobre cómo cambiarían las relaciones de pareja si se produjera un cambio de roles y los hombres tuvieran la empatía de las mujeres, además de mostrar los malentendidos que surgen entre ambos sexos en las relaciones. Este tema recibió buenas opiniones de los expertos musicales por sus profundas letras y la vulnerabilidad mostrada por Beyoncé. ‘If I Were a Boy’ resultó un éxito comercial y alcanzó el #1 en Reino Unido, el #3 en Estados Unidos y ocupó el top 5 en los principales mercados musicales. Por otro lado estaba Single Ladies (Put a Ring on It), un enérgico tema R&B y dance-pop producido por The Dream y Tricky Stewart en el que Beyoncé celebra el estado de soltería y habla de la falta de compromiso por parte de los hombres. ‘Single Ladies’ recibió buenas críticas por su naturaleza bailable y sus pegadizas letras y en el terreno comercial resultó un éxito ya que alcanzó el #1 en la lista americana (su quinto ‘chart topper’ en la lista Billboard) y ocupó el top 10 en los principales mercados musicales. El tercer single lanzado en tierras americanas fue Diva, un extraño tema R&B y Hip Hop de sonido agresivo producido por Bangladesh en el que Beyoncé habla de independencia y empoderamiento femenino. Para el mercado internacional se lanzó Halo, una emotiva balada pop/R&B producida por Ryan Tedder que cuenta con una rica instrumentación que incluye piano, percusión o cuerdas y en la que la cantante habla del amor incondicional y muestra su lado más romántico. ‘Halo’ recibió grandes criticas por la magnífica ejecución vocal de Beyoncé y su elegante producción y ganó un premio Grammy a mejor actuación vocal pop femenina. ‘Halo’ resultó un auténtico éxito comercial: alcanzó el top 5 en los principales mercados y se convirtió en uno de los mayores éxitos del año 2009. Un gran número de singles fueron lanzados, entre ellos Broken-Hearted Girl, una desgarradora balada R&B producida por Stargate en la que la cantante relata una ruptura y habla de las inseguridades que tiene cuando está enamorada o Sweet Dreams, un tema up-tempo electropop y dance-pop producido por Rico Love en el que Beyoncé describe una relación amorosa que cree que podría ser un sueño. En resumen, «I Am… Sasha Fierce» está formado por un conjunto sólido de canciones que muestran una evolución musical por parte de Beyoncé y en las que hace gala de su extraordinario rango vocal y sus múltiples registros. La parte de las baladas resulta algo más aburrida y engancha menos que el lado marchoso, el cual destaca por adentrarse en el sonido electropop y ofrece la faceta más bailable de la cantante. «I Am… Sasha Fierce» supone una gran adición al catálogo musical de Beyoncé ya que nos muestra sus diferentes personalidades y contó con una selección muy interesante de singles. Puntuación: 8/10.

beyonce3. Beyoncé.

En diciembre de 2013, la cantante de Houston publicó de manera repentina y sin previo aviso su quinto álbum de estudio, titulado simplemente Beyoncé. Pese al elemento sorpresa, el álbum obtuvo unas ventas muy altas tanto en América como en el resto del mundo. «Beyoncé» fue el disco de una artista femenina más vendido del año 2013 en Estados Unidos y el cuarto más vendido en general, por detrás de Justin Timberlake, Eminem y Drake. A nivel internacional también resultó muy exitoso y alcanzó el #1 en Australia, #2 en Reino Unido y el top 10 en España. «Beyoncé» se trata de un álbum visual formado por 14 temas y los videoclips de todas las canciones presentes en el álbum. Este complejo proyecto no sólo tuvo un espectacular impacto comercial sino que fue aclamado por la crítica por la constante reinvención mostrada por Beyoncé, su moderna visión de la música y el arte, su versatilidad vocal y la dirección musical tomada en este álbum, ya que se desvincula de su habitual estilo pop/R&B comercial para adentrarse en un R&B más alternativo y experimental, que podemos definir como electro-R&B. En este álbum, Beyoncé habla sin tapujos del amor, el sexo, la depresión post-parto que sufrió, además de la vulnerabilidad y las inseguridades que sufren las mujeres ya que es un disco que habla de la feminidad y el empoderamiento de las mujeres y destaca por tener un sonido más oscuro que sus anteriores trabajos discográficos. Beyoncé participó en la composición de todos los temas del álbum junto a Sia Furler, Frank Ocean, Justin Timberlake o Miguel y contó con la producción de grandes nombres de la industria musical como Timbaland, Pharrell Williams, Ammo, Hit-Boy, The Dream, Ryan Tedder o Boots. Dos temas fueron lanzados como singles presentación del álbum: XO es un medio tiempo electropop con influencias R&B y pop/rock cuyas letras hablan de la búsqueda de un amor estable y duradero pese a los altibajos que se presentan en la vida y Drunk In Love es un tema R&B y Hip Hop con gran influencia Trap que habla de la sexualidad femenina y cuenta con la colaboración de su marido, el rapero Jay-Z. ‘XO’ tuvo un desempeño moderado en las listas de todo el mundo y ‘Drunk In Love’ resultó más exitoso y alcanzó el #2 de la lista americana. El siguiente single lanzado fue Partition, un tema electro-R&B de naturaleza muy sexual compuesto junto a Justin Timberlake y producido por Timbaland que en realidad está compuesto por dos canciones: ‘Yoncé’, que destaca por su melodía caribeña y ‘Partition’, con influencia del Southern Hip Hop. Como último single se lanzó Pretty Hurts, una balada R&B/Soul compuesta junto a Sia que habla sobre los efectos que producen los altos estándares existentes en el mundo de la belleza y el espectáculo (como por ejemplo desórdenes alimenticios) y resulta un himno de empoderamiento femenino. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Blow’, un marchoso tema Disco/funk producido por Pharrell Williams y Timbaland que contiene letras muy explícitas sobre sexo oral o ‘Flawless’, un tema R&B alternativo con influencia Trap que contiene una porción del tema ‘Bow Down’, que causó controversia por sus letras en contra de sus rivales e incluye un alegato feminista a mitad de la canción. En resumen, «Beyoncé» es un proyecto muy ambicioso en el que la cantante texana ofreció su visión feminista del amor y el sexo a través de canciones y videoclips muy interesantes. El quinto trabajo discográfico de la ex-componente de Destiny’s Child es uno de los álbumes de R&B más influyentes de la década del 2010. Puntuación: 8/10.

Dangeroulsy In Love2. Dangerously In Love.

Una vez acabada la promoción de «Survivor», el tercer álbum de Destiny’s Child, las componentes del famoso grupo femenino se tomaron un descanso e iniciaron sus carreras en solitario. Tras los álbumes debut como solistas de Michelle Williams y Kelly Rowland, la líder indiscutible del grupo, Beyoncé Knowles, publicó en 2003 su primer álbum en solitario, Dangerously In Love, el cual está formado por temas R&B/pop con influencias funk, Hip Hop y Soul. Beyoncé participó en la composición de los 15 temas presentes y contó con la producción de importantes nombres de la industria musical como Scott Storch, Rich Harrison o Missy Elliott entre otros. El título del álbum procede de una de las canciones pertenecientes a «Survivor» y que volvió a ser incluida en este trabajo en una nueva versión cantada en su totalidad por Beyoncé. «Dangerously In Love» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con más de 300 mil copias en su primera semana y acabó siendo certificado 6 veces platino por ventas superiores a los 6 millones de copias en Estados Unidos. A nivel internacional también tuvo un desempeño comercial muy positivo y alcanzó el #1 en Alemania, Canadá o Reino Unido, el top 5 en los principales mercados y superó los 10 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los álbumes más exitosos del año. El single presentación del álbum fue Crazy In Love, un marchoso tema R&B up-tempo con influencia funk y Hip Hop producido por Rich Harrison y que cuenta con la participación de su entonces novio el rapero Jay-Z. Este tema, en el que la cantante de Houston relata el amor obsesivo que siente por su amante, fue aclamado por los críticos musicales por su trepidante ritmo, la ejecución vocal de Beyoncé y su química con Jay-Z y ganó dos premios Grammy. ‘Crazy In Love’ resultó un tremendo éxito comercial: alcanzó el #1 en Estados Unidos o Reino Unido y el top 5 en las principales listas de venta y superó los 8 millones de copias físicas y digitales en todo el mundo. Como segundo single se lanzó Baby Boy, un tema R&B con influencias caribeñas producido por Scott Storch en el que Beyoncé detalla sus fantasías como mujer y cuenta con la colaboración de Sean Paul. ‘Baby Boy’ no igualó el impacto comercial de ‘Crazy In Love’ pero tuvo un desempeño muy positivo y nuevamente alcanzó el #1 en la lista americana y el top 5 en Australia, Reino Unido o Alemania. Para mostrar la versatilidad de la cantante y la variedad presente en el álbum, como single se lanzó Me Myself & I, una balada R&B mid-tempo producida por Scott Storch en la que Beyoncé describe cómo afrontar la infidelidad de su pareja. Este single tuvo un éxito moderado en todo el mundo y ocupó el top 5 en Estados Unidos y el top 15 en Canadá, Australia y Reino Unido. Como último single llegó Naughty Girl, un marchoso tema R&B up-tempo con melodía inspirada en la música árabe que samplea el tema Disco ‘Love to Love You Baby’ de Donna Summer y contiene unas letras muy sensuales en las que Beyoncé relata sus conquistas sexuales durante una noche. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Be With You’, un medio tiempo R&B producido por Rich Harrison en el que la cantante de Houston admite que su hombre satisface todas sus necesidades o ‘That’s How You Like It’, en el que describe todo lo que gusta de su por entonces novio Jay-Z, quien además colabora en la canción. El desmesurado éxito de «Dangerously In Love» confirmó que el futuro de Beyoncé estaba en su carrera en solitario y fue uno de los motivos por los que Destiny’s Child no continuaron como grupo más allá de «Destiny Fulfilled», publicado un año después. Este álbum destaca por la magnífica ejecución vocal de Beyoncé y su gran selección de singles lanzados, sin embargo contiene un exceso de relleno y el resto de temas presentes no están a la altura de ‘Crazy In Love’ o ‘Naughty Girl’. Sin duda «Dangerously In Love» es uno de los álbumes de R&B más importantes de la década del 2000 y supuso el inicio de la fulgurante carrera en solitario de Beyoncé. Puntuación: 8/10.

B'Day Deluxe1. B’Day.

Coincidiendo con su 25 cumpleaños, Beyoncé publicó en septiembre del 2006 su segundo álbum de estudio, B’Day, el cual está encuadrado dentro del R&B/pop con elementos Hip Hop al igual que su álbum debut pero destaca por su gran influencia del sonido funk de los años 70 y su mayor uso de instrumentos en vivo como saxofón o trompetas, para recrear el sonido de la música sureña americana. La edición original de «B’Day» está compuesta por 10 temas, sin embargo en 2007 se lanzó la edición deluxe del álbum que incorporaba varios temas inéditos y versiones en español de algunas de las canciones. «B’Day» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con más de medio millón de copias en su primera semana a la venta y acabó siendo certificado tres veces platino por ventas superiores a los 3 millones de copias en Estados Unidos. A nivel internacional ocupó el top 10 en los principales mercados musicales y superó los 8 millones de ejemplares. El primer single lanzado fue Déjà Vu, un marchoso tema R&B up-tempo inspirado en el sonido funk/Soul de los años 70 y que cuenta con un gran su uso de instrumentos en vivo. Este tema está producido por Darkchild y cuenta con la participación de su pareja, el rapero Jay-Z. ‘Déjà Vu’ recibió buenas críticas de los expertos musicales por su producción, su sonido orgánico y la gran ejecución vocal de Beyoncé, aunque fue comparado con su hit ‘Crazy In Love’. Aunque no logró superar el éxito de sus primeros singles en solitario, este tema ocupó el top 5 en Estados Unidos y fue #1 en Reino Unido. El segundo single lanzado en tierras americanas fue Ring the Alarm, un extraño tema R&B producido por Swizz Beatz que destaca por el tono agresivo y distorsionado en la voz de Beyoncé y el uso de sirenas durante la canción. Muy interesantes resultan sus letras, en las que la cantante se siente amenazada por otra mujer que intenta arrebatarle a su hombre. Se rumoreó que dichas letras estaban dirigidas hacia Rihanna (quien por entonces era la protegida de Jay-Z) aunque fue negado por Beyoncé. Como segundo single internacional se lanzó Irreplaceable, un medio tiempo pop/R&B compuesto junto a Ne-Yo y producido por Stargate que contaba con el sonido habitual del dúo noruego utilizado anteriormente con otros artistas. Beyoncé quiso crear una canción con la que cualquiera pudiera sentirse identificado ya que sus letras hacían referencia a la ruptura con un hombre que le había sido infiel y resultaba un auténtico himno de auto-empoderamiento. ‘Irreplaceable’ obtuvo una excepcional acogida comercial y ocupó el #1 en la lista americana durante 10 semanas consecutivas, convirtiéndose en el cuarto single de Beyoncé en solitario que ocupaba la posición de honor en Estados Unidos. Tras ganar airplay en las radios urbanas, la discográfica de Beyoncé decidió lanzar como single Upgrade U, que se trata de un tema mid-tempo Hip Hop y R&B compuesto por Beyoncé junto a su hermana Solange y que cuenta nuevamente con la colaboración de Jay-Z. ‘Upgrade U’ es el tema más urbano de «B’Day» y recibió buenas críticas por la química de la pareja y la asertividad de Beyoncé mientras canta sobre ofrecer lujos a su hombre para mejorar su estilo de vida. El single presentación de la reedición fue Beautiful Liar, que se trata de un adictivo tema mid-tempo R&B y Latin-pop con influencias de la música árabe producido por Stargate y que cuenta con la participación de Shakira. ‘Beautiful Liar’ recibió muy buenas críticas por su hipnótica melodía latina y sus letras sobre empoderamiento femenino, que hablan de un hombre que juega con dos mujeres y en vez de enfrentarse entre ellas se unen en contra del infiel. ‘Beautiful Liar’ alcanzó el #3 en la lista americana y a nivel internacional resultó un éxito en mayúsculas en Europa y se convirtió en el single más popular del álbum. Como último single internacional se lanzó Green Light, un enérgico tema funk/R&B de ritmo trepidante producido por The Neptunes que cuenta con un gran uso de instrumentos en vivo como el saxofón y el trombón. «B’Day» es un álbum breve pero sólido, que destaca por su variedad de estilos presentes y muestra la versatilidad de Beyoncé como artista y su gran talento como vocalista. En mi opinión «B’Day» es el mejor trabajo en solitario de Beyoncé (sobretodo en la versión reeditada) y uno de los álbumes de R&B más importantes de la década del 2000. Puntuación: 8’5/10.

Throwback Review: «The Colour of My Love» de Céline Dion

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En noviembre de 1993 vio la luz el duodécimo álbum de estudio de Céline Dion y tercero grabado en inglés, The Colour of My Love, el cual supuso el espaldarazo definitivo en términos de popularidad y éxito comercial de la cantante canadiense. «The Colour of My Love» está formado por un compendio de temas pop up-tempo y románticas baladas en las que Céline nos deleita con su extraordinario torrente de voz y su impecable técnica. Entre los productores implicados se encuentran importantes nombres de la industria musical como Walter Afanasieff, David Foster, Guy Roche, Ric Wake o Christopher Neil entre otros. La afamada compositora Diane Warren, especialista en baladas, contribuyó al álbum componiendo 4 de las 15 canciones presentes. «The Colour of My Love» debutó tímidamente en la lista americana de álbumes pero destacó por su gran longevidad y meses después de su publicación, gracias al éxito de los singles lanzados, ascendió hasta el #4, convirtiéndose en el primer top 5 de Céline en Estados Unidos. El álbum fue certificado 6 veces platino en tierras americanas y superó los 4 millones y medio de copias vendidas. A nivel internacional «The Colour of My Love» también resultó un gran éxito comercial: alcanzó el #1 en las listas de venta de Australia, Reino Unido o su nativa Canadá y superó los 20 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música.

Antes de la publicación de «The Colour of My Love», la cantante de Quebec colaboró con Steve Griffin en el tema When I Fall in Love, perteneciente a la banda sonora de la famosa película «Algo Para Recordar» e incluido posteriormente en el álbum. El single presentación fue The Power of Love, una poderosa balada pop producida por David Foster y originalmente grabada por la cantante americana Jennifer Rush. Esta romántica balada fue elogiada por la crítica por la emotividad en la interpretación de Céline Dion y su espectacular ejecución vocal. ‘The Power of Love’ alcanzó el #1 en la lista americana de singles (el primero de la cantante canadiense) y se convirtió en el sencillo más vendido de una artista femenina en 1994 en Estados Unidos. En el resto del mundo también logró un gran éxito comercial y fue #1 en Canadá o Australia y el top 5 en Francia y Reino Unido.

Para mostrar la variedad presente en el álbum, se eligió como segundo single Misled, que se trata de un tema pop up-tempo producido por Ric Wake en cuyas letras Céline afirma que ha pasado página de su relación con un hombre que está confundido y todavía cree que sigue pensando en él. Este marchoso tema cuenta con ciertas influencias funk y New Jack Swing que recuerdan al estilo de Janet Jackson. ‘Misled’ tuvo un desempeño comercial moderado y alcanzó el top 15 en la lista de Reino Unido y el top 25 en la lista de Estados Unidos. Gracias sus bailables remixes, este tema alcanzó el #1 en el componente Club Dance Songs de la lista Billboard. Como tercer single se lanzó Think Twice, una balada pop/rock que destaca por su solo de guitarra y en cuyas letras Céline le dice a su amante que se lo piense dos veces antes de dejarla. Mientras que en tierras americanas ‘Think Twice’ tuvo un impacto comercial mínimo, en el resto del mundo resultó un éxito y fue #1 en Reino Unido y top 5 en Australia. El cuarto single lanzado fue Only One Road, que se trata de una balada pop producida por Ric Wake en la que Céline muestra su fuerza, poder y control vocal.

En resumen, «The Colour of My Love» es un álbum cohesivo y equilibrado, que destaca por su cuidada producción, el gran nivel del equipo de compositores implicados y la impresionante ejecución vocal de Céline Dion, sin embargo la sobreabundancia de baladas, el carácter formulaico de algunas canciones y el excesivo relleno pasa factura al resultado final. «The Colour of My Love» es el primero de los tres álbumes de Céline Dion (junto a «Falling Into You» y «Let’s Talk About Love») que vendieron más de 20 millones de copias a nivel mundial y la catapultaron al olimpo de las artistas femeninas más exitosas de la década de los 90. Temas imprescindibles: The Power of Love, Think Twice, Misled, Only One Road y When I Fall in Love. Puntuación: 7’5/10.

Los mejores álbumes de Pink

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Beautiful Trauma9. Beautiful Trauma.

En 2017 fue publicado el séptimo álbum de estudio de Pink, Beautiful Trauma, el cual vio la luz 5 años después de la publicación de «The Truth About Love», lo que suponía el mayor lapso de tiempo entre álbum y álbum de toda su carrera. Durante ese tiempo la cantante americana se centró en su vida personal, pudo dedicarse al cuidado de su primera hija y fue madre de un niño. «Beautiful Trauma» cuenta con la producción de sus habituales colaboradores Billy Mann, Greg Kurstin, Max Martin y Shellback, y a ellos se les suman otros productores como Mattman & Robin, Jack Antonoff o Steve Mac, con los que Pink trabajaba por primera vez. «Beautiful Trauma» marca una divergencia musical con respecto a los anteriores álbumes de Pink (que contaban con un gran componente rock y uso prominente de guitarra eléctrica) y se trata de un trabajo eminentemente pop, que profundiza en el sonido dance-pop, además de incorporar ciertos elementos electrónicos, folk y pop/rock. Las letras de las canciones presentes en este álbum tienen un gran componente emocional y hablan de las inseguridades y las relaciones imperfectas, además de las preocupaciones de Pink por problemas sociales y políticos que ocurren en el mundo. «Beautiful Trauma» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes (el segundo trabajo de Pink que llegaba a lo más alto en Estados Unidos) y fue certificado platino. En el resto del mundo lideró las listas de venta de Reino Unido, Canadá o Australia. El single presentación del álbum fue What About Us, un enérgico tema dance-pop producido por Steve Max que suponía uno de los temas más up-tempo y bailables lanzados por Pink hasta la fecha. ‘What About Us’ destacaba por sus letras con fuerte contenido político-social, en las que afirmaba que el gobierno estadounidense había fallado a su gente y por ello enviaba un mensaje de inclusividad y apoyo a aquellos que se sentían no escuchados o olvidados. ‘What About Us’ alcanzó el #1 en Australia y el top 5 en Reino Unido, Alemania o Francia, sin embargo en la lista americana apenas ocupó el top 25, convirtiéndose en uno de sus ‘lead singles’ menos exitosos en Estados Unidos. El segundo single lanzado fue la canción que da título al álbum, Beautiful Trauma, que habla de una relación problemática que es comparada por Pink con una adicción a las drogas. ‘Beautiful Trauma’ tuvo un rendimiento comercial moderado y ocupó el top 25 en Reino Unido o Australia. Como tercer single llegó Whatever You Want, un tema pop/rock producido por Max Martin cuyas letras hacen referencia a las dificultades a las que se ha enfrentado Pink en su complicada relación con su pareja Carey Hart. El último single lanzado fue Secrets, un tema dance-pop producido por Max Martin que suponía uno de los temas más marchosos y bailables del álbum. «Beautiful Trauma» cuenta con un gran número de canciones tranquilas y sosegadas, como la sombría balada ‘Wild Hearts Can’t Be Broken’, en la que repasa algunos de los duros momentos que ha vivido la artista y donde podemos apreciar su magnífica voz. En «Beautiful Trauma», Pink demuestra que es una talentosa artista con una magnífica voz y unas grandes habilidades como compositora, sin embargo el álbum peca de un exceso de relleno, contiene demasiadas baladas y algunas de las canciones resultan genéricas. Puntuación: 7/10.

Pink Trustfall8. Trustfall.

A lo largo de su extensa trayectoria musical, Pink no solo ha demostrado su gran versatilidad sino que ha sabido evolucionar como artista y adoptar diferentes estilos. Tras unos inicios encuadrados dentro del R&B, enseguida se decantó por un pop/rock comercial que le ha acompañado durante la mayor parte de su carrera, para terminar adoptando un sonido electropop y dance-pop en sus últimos álbumes. La muerte de su padre en 2021 y la enfermedad de su hijo marcaron la vida de la cantante y fueron la fuente de inspiración en la composición de su último trabajo hasta la fecha, Trustfall, que llegó en 2023, 4 años después de «Hurts 2B Human». El noveno álbum de estudio de Pink cuenta con la producción de Greg Kurstin, Max Martin, Shellback, Billy Mann o Jason Evigan entre otros y está formado por temas up-tempo de estilo synth-pop, dance-pop y pop/rock además de baladas influenciadas por el sonido folk y Country. Alecia Moore compuso 6 de los temas presentes (una cantidad inferior a lo usual) pero se ha rodeado de compositores de la talla de Wrabel, Jesse Shatkin, Mathew Koma o Chris Stapleton, quien además participa como artista invitado en un tema. El single presentación del álbum fue Never Gonna Not Dance Again, que se trata de un animado tema dance-pop con influencia Disco/funk producido por Max Martin en el que Pink habla sobre todas las cosas que le alegran en la vida y supone un himno de celebración y optimismo. Este tema destaca por su naturaleza desenfadada y su ritmo bailable, pero recibió algunas críticas negativas por sus letras genéricas, su parecido a ‘Can’t Stop the Feeling!’ de Justin Timberlake y por recurrir a Max Martin, el rey midas del pop, en un intento desesperado por devolverle la popularidad perdida. ‘Never Gonna Not Dance Again’ fracasó en las listas de venta y se ha convertido en el ‘lead single’ menos exitoso de toda su carrera. El segundo single lanzado fue Trustfall, que se trata de un enérgico tema synth-pop y dance-pop en el que la veterana cantante habla sobre cómo superar el miedo a la incertidumbre y confiar en que todo saldrá bien. ‘Trustfall’ es uno de los singles más potentes de Pink de los últimos tiempos y en el terreno comercial ocupó el top 40 en las listas de venta Reino Unido o Australia. Dentro del lado más up-tempo del álbum destaca ‘Runaway’, un tema synth-pop y dance-pop inspirado en el estilo ochentero de ‘Blinding Lights’ de The Weeknd y en el que habla de escapar de la negatividad del pasado y viajar a un lugar lejano donde poder ser libre o ‘Hate Me’, en el que rescata su sonido pop/rock y su rebeldía interior afirmando que su amante le convirtió en una villana y un monstruo y ahora le odia por ello. También merece la pena reseñar ‘Turbulence’, en el que Pink hace referencia a las adversidades y los baches con los que se ha encontrado en los últimos años pero que finalmente ha podido superar ya que sólo se trataban de turbulencias pasajeras o ‘Last Call’, un tema pop/rock mid-tempo producido por Billy Mann que habla de hacer las paces con tu pareja y disfrutar del momento antes de que todo pueda acabar. El principal defecto de este álbum es la abundancia de baladas, muchas de ellas insípidas y que no acaban de enganchar. Por otra parte, «Trusfall» es uno de los álbumes más honestos y vulnerables de Pink, en el que relata los momentos dolorosos que le han marcado los últimos años pero que ha podido superar gracias al apoyo de su familia y seres queridos. Puntuación: 7/10.

Try This7. Try This.

Tras el gran éxito conseguido con Missundaztood, el cual vendió más de 12 millones de copias en todo el mundo y contó con 4 populares singles, Pink se consagró como una de las figuras más importantes del pop de la década del 2000. Dos años después de «Missundaztood» Pink regresó con su tercer álbum de estudio, Try This, en el que profundizó en el sonido pop/rock iniciado en su anterior álbum y para ello trabajó con Tim Amstrong (perteneciente al grupo de rock Rancid) además de Linda Perry, quien ya contribuyó en varios temas de «Missundaztood», incluyendo el primer single. «Try This» es un álbum eminentemente pop/rock aunque podemos encontrar ciertas influencias punk-rock, dance-pop y R&B en varias de las canciones. Con una promoción inferior a la de su anterior trabajo, «Try This» se convirtió en el álbum menos vendido de la cantante americana hasta la fecha y en la actualidad permanece como uno de sus trabajos menos exitosos. «Try This» debutó en el top 10 de la lista americana de álbumes y vendió un millón de copias en Estados Unidos (una cifra notoriamente inferior a la de «Missundaztood») y en el resto del mundo alcanzó el top 5 en Reino Unido o Alemania y el top 10 en Australia. El single presentación del álbum fue Trouble, un enérgico tema pop/rock con influencia punk-rock producido por Tim Amstrong cuyas letras hacen referencia al espíritu rebelde e indómito de la cantante. ‘Trouble’ estuvo acompañado de un original videoclip ambientado en un pueblo del Oeste americano dominado por rufianes al que llega Pink para devolver el orden y la legalidad. ‘Trouble’ gozó de un gran éxito en Australia, Reino Unido, Alemania o Canadá, donde alcanzó el top 10, sin embargo en Estados Unidos tuvo un escaso impacto y se convirtió el single menos exitoso de Pink hasta el momento. ‘Trouble’ ganó un premio Grammy a mejor actuación femenina de rock, el segundo Grammy que recibiría la cantante americana en su carrera tras su participación en el hit ‘Lady Marmalade’. El segundo single lanzado fue God Is a DJ, un bailable tema pop/rock y dance-pop con un gran aire ‘ochentero’ y que destaca por sus originales letras «Si Dios es un DJ, la vida es una pista de baile, el amor es el ritmo y tu eres la música» en las que Pink anima a vivir la vida al máximo. ‘God Is a DJ’ recibió críticas positivas aunque tuvo un desempeño comercial muy mediocre, marcando mínimos en la carrera de Pink. Como tercer y último single se lanzó Last to Know, un potente tema rock que suponía la inmersión definitiva de la cantante en dicho género. Debido a que Pink estaba embarcada en una extensa gira por Europa y América, este single apenas contó con promoción y fracasó en las listas de venta. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Humble Neighborhoods’ y ‘Try Too Hard’, dos enérgicas canciones rock de carácter up-tempo, ‘Oh My God’, un tema electroclash de letras muy explícitas que cuenta con la colaboración de la cantante Peaches o ‘Catch Me While I’m Sleeping’, una balada producida por Linda Perry reminiscencia del sonido R&B de su primer álbum. Pese a que «Try This» no se encuentra entre mis álbumes favoritos de Pink, no resulta un trabajo de baja calidad en absoluto ya que contiene un conjunto más que digno de canciones de sonido pop/rock que encajan a la perfección con la personalidad rebelde e inconformista de la cantante americana. Puntuación: 7/10.

Hurts 2B Human6. Hurts 2B Human.

El octavo álbum de estudio de Pink, Hurts 2B Human, fue publicado en 2019, apenas año y medio después del lanzamiento de «Beautiful Trauma», el cual recibió críticas muy variadas por parte de los expertos musicales pero obtuvo una gran respuesta comercial y alcanzó el #1 en las listas de venta de Estados Unidos, Reino Unido o Australia entre otros. «Hurts 2B Human» sigue la estela musical de «Beautiful Trauma», está encuadrado dentro del pop e incorpora elementos dance-pop, electropop y Country. En lo que respecta a las letras, este álbum resulta más optimista que «Beautiful Trauma» y trata temas como las relaciones de pareja, el amor propio, la vida y la familia. El single presentación del álbum fue Walk Me Home, un tema pop mid-tempo compuesto junto a Nate Ruess que destaca por su mensaje inspirador y contiene el característico estribillo de Pink con coro creciente. A diferencia de otros primeros singles, ‘Walk Me Home’ no enganchaba tanto y resultaba poco llamativo y original, además tuvo un moderado desempeño comercial. Como segundo single se lanzó Can We Pretend, un marchoso tema dance-pop producido por Ryan Tedder cuyas letras hacen referencia a hacer uso de la nostalgia para escapar de la realidad. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘(Hey You) Miss You Sometime’, un enérgico tema electropop y dance-pop producido por Max Martin y Shellback en el que la voz de la cantante aparece sintetizada, ‘Courage’, un bonito medio tiempo pop que resulta uno de los momentos más emotivos o ‘Hustle’, un original tema pop con influencias Country en el Pink habla de una relación fallida en la que advierte a su ex que no podrá aprovecharse de ella otra vez. Uno de los pocos temas que conserva el característico estilo pop/rock de Pink es ‘We Could Have It All’, producido por Greg Kurstin y en el que Pink se arrepiente de haber arruinado una relación. Pink incursiona en el género Country en ‘Love Me Anyway’, una balada cuyas letras hacen referencia al compromiso en una relación y en la que participa Chris Stapleton. «Hurts 2B Human» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes (su tercer trabajo ‘chart topper’ en Estados Unidos) y también lideró las listas de venta de Australia, Reino Unido o Canadá. Este álbum cuenta con varias canciones interesantes, pero en su conjunto no ofrece nada nuevo u original al panorama musical y repite la fórmula utilizada en «Beautiful Trauma». En definitiva «Hurts 2B Human» no es el mejor álbum de la trayectoria de Pink sin embargo sí es una buena adición a su amplio catálogo musical. Puntuación: 7’5/10.

Missundaztood5. Missundaztood.

En 2001 Pink participó junto con Christina Aguilera, Lil’ Kim y Mya en la banda sonora de la película ‘Moulin Rouge’ con el tema Lady Marmalade, que se trataba de una versión de la famosa canción de Patty Labelle pero con un toque R&B/Hip-Hop moderno y producido por Missy Elliott. Esta nueva versión resultó tremendamente popular aquel año, superó el éxito de la versión original y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Australia, Reino Unido y más de 10 países en todo el mundo. Con una popularidad al alza, Pink publicó a finales del 2001 su segundo álbum de estudio, titulado Missundaztood (que podríamos traducirlo como incomprendida) y en el que dejaba a un lado su antiguo look con el pelo rosa y mostraba una nueva imagen más rebelde. «Missundaztood» destacó por su gran divergencia con respecto al estilo musical de su anterior álbum y profundizaba en un sonido pop/rock más maduro con ciertos elementos dance-pop y R&B. Pink compuso la mayoría de los temas del álbum y para lograr su sonido deseado trabajó principalmente con Linda Perry (componente del grupo 4 Non Blondes) y Dallas Austin, con producción adicional de Scott Storch y Damon Elliott. «Missundaztood» debutó en el #8 de la lista americana y gracias al buen desempeño de los singles lanzados alcanzó el #6, el primer top 10 de Pink en Estados Unidos. El álbum gozó de una gran longevidad en la lista americana y superó los 5 millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el segundo álbum de una artista femenina más vendido del 2002. A nivel internacional también logró un buen desempeño comercial: fue top 5 en Reino Unido o Alemania y top 20 en Australia y Francia y superó los 12 millones de copias en todo el mundo. El single presentación del álbum fue Get The Party Started, un pegadizo tema dance-pop compuesto y producido por Linda Perry que habla sobre salir de fiesta y pasarlo bien. ‘Get The Party Started’ resultó un gran éxito en las listas de venta, alcanzó el #1 en Australia o España y el top 5 en Reino Unido, Alemania, Francia o Estados Unidos. Como segundo single se lanzó Don’t Let Me Get Me, un marchoso tema pop/rock con uso prominente de guitarra eléctrica en el que Pink habla de su falta de autoestima cuando era adolescente y sus problemas para encajar en la escuela. Muy revelador resulta el contenido del segundo verso en el que confiesa que «L.A. (Reid, el presidente de su discográfica) me dijo que sería una pop star y lo que tenía que hacer es cambiar todo lo que soy» o «estoy harta de ser comparada con la ‘maldita’ Britney Spears, ella es muy guapa pero yo no soy ella», confirmando que durante su primer álbum no se sintió cómoda ni pudo expresar sus verdaderas aspiraciones musicales. Este tema tuvo buena acogida entre el público y ocupó nuevamente el top 10 en los principales mercados musicales. El tercer single lanzado fue Just Like a Pill, un enérgico tema pop/rock producido por Dallas Austin en el que la cantante de Pennsylvania habla de una relación tóxica y el abuso de sustancias y compara a su pareja con una pastilla que en vez de curarle le hace más daño todavía. Just Like a Pill recibió grandes criticas de los expertos musicales por sus personales letras y la ejecución vocal de Pink como ‘rock star’. Este tema continuó la racha de éxito de los singles anteriores y alcanzó el #1 en Reino Unido y el top 10 en Estados Unidos. Como último single se lanzó Family Portrait, un medio tiempo R&B producido por Scott Storch que destacaba por sus letras autobiográficas sobre su complicada infancia, las peleas que tenían sus padres delante de ella y su posterior divorcio. Dentro del álbum destacan ’18 Wheeler’, un potente tema pop/rock producido por Dallas Austin, ‘Eventually’, una balada de desamor con cierto aroma R&B que resulta el momento más vulnerable y emotivo del álbum o ‘My Vietnam’, una balada influenciada por el sonido folk que habla de las complicadas experiencias personales durante su adolescencia, comparándolas con la guerra de Vietnam. En resumen, «Missundaztood» supuso el impulso definitivo de Pink para triunfar en todo el mundo gracias a una acertada selección de singles y un conjunto sólido de canciones que ponían de manifiesto el impresionante torrente vocal de la cantante americana y su talento como compositora. Puntuación: 7’5/10.

Pink4. Can’t Take Me Home.

En el año 2000, Alecia Moore, más conocida como Pink por su llamativo color de pelo rosa, publicó su álbum debut, Can’t Take Me Home, el cual está formado por medios tiempos, baladas y temas up-tempo de estilo R&B/pop bajo la producción de algunos de los mejores productores del género R&B como Babyface, She’kspere, Soulshock & Karlin o Tricky Stewart. Pese a que Pink no tuvo demasiado control creativo en este álbum, compuso 7 de los 13 temas presentes. El single presentación fue There You Go, un marchoso tema R&B/pop up-tempo producido por She’kspere que contenía el sonido R&B típico de principios del 2000 y cuya melodía resultaba similar a ‘Bills Bills Bills’ de Destiny’s Child o ‘No Scrubs’ de TLC, ambos también compuestos por Kandi y producidos por el propio She’kspere. En este pegadizo tema Pink se encuentra en una relación tóxica que no tiene futuro y opta por dejar a su pareja pese a que éste le ruega que le perdone y continúen la relación. ‘There You Go’ cosechó gran éxito y alcanzó el #2 en Australia y el top 10 en Estados Unidos, Canadá o Reino Unido. El segundo single lanzado fue Most Girls, un medio tiempo R&B producido por Babyface cuyas letras hacían referencia a que Pink es una mujer independiente y autosuficiente que no necesita a un hombre que la mantenga por lo que resultaba un himno de empoderamiento femenino. ‘Most Girls’ fue considerado como el tema más sobresaliente del álbum y resultó un hit en las listas de venta: fue #1 en Australia y top 5 en Estados Unidos, Canadá o Reino Unido. Como tercer y último single se extrajo You Make Me Sick, un tema R&B producido por Babyface en el que Pink relataba la deteriorada relación con su pareja, al que le reprocha su comportamiento y declara estar harta de él. ‘You Make Me Sick’ ocupó el top 40 en Estados Unidos o Australia pero en Reino Unido se convirtió en el tercer top 10 consecutivo de Pink. Dentro del álbum encontramos joyas del R&B como ‘Split Personality’, en el que Pink declara que tiene doble personalidad, ‘Can’t Take Me Home’, un marchoso tema dance-pop que resultaba el más up-tempo del disco, la balada R&B/Soul ‘Let Me Let You Know’, en cuyos créditos encontramos a Robin Thicke como compositor o ‘Love Is Such a Crazy Thing’, un original tema de amor que destaca por su larga introducción instrumental en la que se van añadiendo progresivamente nuevos instrumentos. «Can’t Take Me Home» debutó en un discreto #26 de la lista americana pero el buen desempeño de los singles consiguió que el álbum vendiera más de dos millones de copias en Estados Unidos y fuera certificado doble platino. A nivel internacional el desempeño comercial fue moderado, alcanzó su mejor posición en Australia donde fue #10 y acabó vendiendo más de 4 millones en todo el mundo. El álbum debut de Pink recibió críticas mixtas por parte de los expertos musicales, quienes consideraron que no resultaba original ni llamativo, aunque alabaron las habilidades vocales de Pink. «Can’t Take Me Home» es posiblemente el álbum más desconocido de su discografía por parte del gran público ya que Pink triunfó de manera masiva a partir de su siguiente álbum, sin embargo es uno de mis favoritos debido a su magnífica selección de singles y su clásico sonido R&B de principios de la década del 2000. Puntuación: 8/10.

The Truth About Love3. The Truth About Love.

En el año 2010 Pink publicó un álbum de grandes éxitos que incluía sus singles más famosos lanzados durante la década anterior, en la que fue una de las artistas pop más importantes y exitosas. Tras ser madre de una niña fruto de su relación con el motociclista Carey Hart, la cantante americana regresó en 2012 con su sexto álbum de estudio, titulado The Truth About Love y en el que no solo aborda las diferentes perspectivas del amor y la turbulenta relación con su pareja, sino también otros temas como el empoderamiento femenino o la exclusión social. «The Truth About Love» está formado por 13 temas encuadrados dentro del pop/rock con ciertos elementos electropop y dance-pop, compuestos por la propia Alecia Moore bajo la producción de Greg Kurstin, Billy Mann, Jeff Bhasker, Butch Walker o Max Martin entre otros. Este álbum es uno de los más personales de la carrera de Pink, ya que relata episodios ocurridos en la tumultuosa relación con su pareja y explora temas como la monogamia, el sexo o la confianza dentro de una relación. «The Truth About Love» lideró las listas de ventas de Australia, Canadá o Alemania, destacó por el hecho de que consiguió su primer #1 en Estados Unidos y acabó vendiendo más de 7 millones de copias en todo el mundo gracias a la magnífica acogida de los sencillos lanzados. El single presentación del álbum fue Blow Me (One Last Kiss), un marchoso tema electropop y pop/rock producido por Greg Kurstin que resulta un auténtico himno de desamor tras una ruptura sentimental. ‘Blow Me (One Last Kiss)’ tuvo un desempeño comercial muy positivo y alcanzó el #1 en Australia y ocupó el top 5 en Estados Unidos y Reino Unido. La cantante de Pennsylvania siguió el mismo patrón que con sus anteriores trabajos y tras un explosivo primer single llegó un tema más profundo y emotivo, en este caso Try, que se trata de un tema mid-tempo pop/rock cuyas letras hablan de tomar riesgos con el amor sin importar las consecuencias. ‘Try’ suponía uno de los puntos fuertes del álbum por su composición, su cuidada producción y la ejecución vocal de Pink. Como tercer single se lanzó Just Give Me a Reason, una preciosa balada pop a dúo con el cantante Nate Ruess que habla de una relación que se está desmoronando y mientras que uno de los dos comienza a dejar de sentir amor, el otro piensa que tan sólo es una mala racha y se aferra a sus sentimientos. ‘Just Give Me a Reason’ resultó un tremendo éxito en las listas de venta y alcanzó el #1 en Australia, Alemania o Estados Unidos (su cuarto single ‘chart topper’), convirtiéndose en el single más exitoso de la cantante hasta la fecha. El cuarto single lanzado fue True Love, un tema pop/rock con influencia ska que cuenta con la participación de Lily Allen y destaca por su tono humorístico y sus divertidas letras en las que Pink le declara su amor a su marido aunque a veces tenga ganas de agarrarle del cuello, convirtiéndose en un himno del amor disfuncional. De manera limitada se lanzó como sencillo promocional ‘Walk of Shame’, un enérgico tema pop/rock con influencias electropop y New Wave producido por Greg Kurstin que habla sobre la vergüenza y el arrepentimiento que se siente después de una relación de una noche. Dentro del álbum destacan ‘Are We All We Are’, una canción protesta y de auto-empoderamiento cuyas letras hacen referencia a la desigualdad económica, ‘Slut Like You’, un himno feminista que habla del cambio de roles y supone la única contribución de Max Martin al álbum, ‘Here Comes the Weekend’, con influencia Hip Hop y que cuenta con la participación del rapero Eminem o ‘Where Did the Beat Go?’, con cierto aroma R&B y en el que Pink muestra su lado vulnerable relatando una relación que se desmorona y en la que ya no se siente deseada. A lo largo de su extensa carrera, Pink ha demostrado que es capaz de ofrecernos trabajos muy consistentes y «The Truth About Love» es un ejemplo de ello, ya que se encuentra entre los mejores álbumes de su discografía gracias a su sólido conjunto de canciones, su excelente selección de singles y sus personales letras sobre el amor y las relaciones monógamas. Puntuación: 8/10.

I'm Not Dead2. I’m Not Dead.

«Try This» fue el último trabajo de Pink dentro de la discográfica Arista, con la que tuvo grandes diferencias durante la grabación y promoción de dicho disco, lo que provocó su salida después de tres álbumes dentro de ella. Tras la gira de «Try This» Pink se tomó un periodo de descanso en el que la cantante se inspiró de nuevos estilos y sonidos para su próximo disco. En 2006 vio la luz su cuarto álbum de estudio, I’m Not Dead, cuyo título hacía referencia a que la cantante no estaba ‘muerta’ ni desaparecida del panorama musical tras el fracaso de su anterior álbum. «I’m Not Dead» sigue la estela pop/rock de sus dos anteriores álbumes pero resulta más accesible a todos los públicos y tiene un mayor componente pop que «Try This», el cual contenía un sonido más rockero y oscuro. Pink compuso todas las canciones presentes en el álbum y trabajó con importantes nombres de la industria musical como Billy Mann, Butch Walker, Max Martin o Dr. Luke entre otros. El single presentación del álbum fue Stupid Girls, un marchoso tema pop con influencias R&B y pop/rock producido por Billy Mann que destacaba por sus letras en contra de la imagen sexualizada que se les impone a las mujeres en la sociedad y el mundo del espectáculo. Este tema resultaba un auténtico himno de empoderamiento femenino en el que Pink animaba a las niñas y mujeres a potenciar su inteligencia y no su cuerpo. ‘Stupid Girls’ recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por sus inspiradoras letras y su naturaleza bailable y fue nominado a mejor actuación vocal femenina en los premios Grammy. ‘Stupid Girls’ ocupó el top 5 en Reino Unido, Australia o Canadá y el #13 en Estados Unidos. Como segundo single se lanzó Who Knew, un tema pop/rock producido por Max Martin y Dr. Luke en el que Pink muestra su lado más emotivo y vulnerable hablando de un buen amigo al que perdió por el abuso de drogas. ‘Who Knew’ recibió opiniones positivas de los críticos musicales por la emotividad de la cantante y la producción del tema y obtuvo un rendimiento muy positivo en las listas de venta, ya que ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. En su lanzamiento original en Estados Unidos, ‘Who Knew’ no tuvo demasiado apoyo por parte del público pero tras el éxito del siguiente single volvió a ser relanzado en tierras americanas y alcanzó el top 10 y fue certificado platino. El tercer single elegido fue U + Ur Hand, otra de las producciones de Max Martin y Dr. Luke para el álbum y que se trataba de un enérgico tema pop/rock en el que Pink habla de cómo rechaza a los hombres en el club y destaca por sus explicitas letras sobre la masturbación. ‘U + Ur Hand’ alcanzó el top 10 en la lista americana, acabó siendo certificado platino (su primer single en alcanzar el millón de copias) y fue el responsable de la revitalización de la carrera de Pink en Estados Unidos y el aumento de ventas del álbum. En el resto del mundo también tuvo un desempeño muy positivo y ocupó el top 10 en los principales mercados. Como cuarto single se lanzó Nobody Knows, que se trata de una balada a piano producida por Billy Mann que destaca por sus personales letras sobre la depresión que sufrió Pink años atrás. Pese a ser una de las mejores baladas lanzadas por la cantante hasta la fecha, apenas contó con promoción y tuvo un impacto comercial limitado. El siguiente single extraído fue Dear Mr. President, una balada acústica pop/rock y folk que resultó bastante polémica por sus directas letras en contra del entonces presidente de Estados Unidos George Bush, a quien critica sus desacertadas decisiones sobre la guerra de Irak o su oposición al matrimonio gay. Como último single se lanzó Leave Me Alone (I’m Lonely), un marchoso tema pop/rock y dance-pop producido por Butch Walker en el que Pink demanda a su amante más tiempo libre. «I’m Not Dead» debutó en el #6 de la lista americana de álbumes (la posición más alta de Pink hasta la fecha), se caracterizó por su gran longevidad en las listas de venta gracias al éxito de los singles lanzados y acabó vendiendo más de dos millones de copias en Estados Unidos. A nivel internacional también resultó un éxito notorio: fue #1 en las listas de venta de Australia o Alemania, #3 en Reino Unido y superó los 6 millones en todo el mundo, unas cifras muy superiores a las alcanzadas por «Try This». Tras el relativo fracaso que supuso su anterior álbum, Pink regresó con un magnífico álbum de pop/rock comercial que marcaba el sendero por el que continuarían sus sucesivos trabajos. Sin duda «I’m Not Dead» es uno de los trabajos más sólidos y consistentes de su amplia discografía. Puntuación: 8/10.

Funhouse1. Funhouse.

Dos años y medio después del lanzamiento de «I’m Not Dead» se puso a la venta el quinto álbum de estudio de Pink, titulado Funhouse, el cual sigue la senda musical de su predecesor, está encuadrado dentro de un pop/rock muy accesible a todos los públicos y resulta uno de sus trabajos más personales hasta la fecha. La cantante de Pennsylvania compuso todos los temas presentes en el álbum bajo la producción de Billy Mann, Max Martin y Butch Walker, quienes fueron los responsables de la mayor parte de su anterior disco, además de otros productores como Danja, Tony Kanal o Eg White, que trabajaban por primera vez con Pink. Respaldado por un single de gran éxito, «Funhouse» debutó en el #2 de la lista americana (su mejor posición hasta la fecha) y gracias a la longevidad del álbum acabó vendiendo más de 3 millones de copias en Estados Unidos. En el resto del mundo también obtuvo un gran impacto comercial, fue #1 en Australia o Reino Unido y superó los 7 millones de ejemplares vendidos a nivel mundial. El single presentación del álbum fue So What, un enérgico tema pop/rock producido por Max Martin y Shellback en el que Pink habla de la separación de su marido, el motociclista Carey Hart. ‘So What’ se convirtió en el tema más exitoso de la cantante hasta la fecha y lideró las listas de venta de Estados Unidos (el primer #1 de Pink en solitario), Reino Unido, Australia y en otros 10 países más. Como segundo single se lanzó Sober, un tema mid-tempo pop/rock producido por Danja y Tony Kanal que destaca por sus letras autobiográficas en las que Pink declara que le gustaría quererse a sí misma tanto estando sobria como cuando está borracha. ‘Sober’ recibió buenas críticas por parte de los expertos musicales por su contenido lírico y obtuvo un buen desempeño en las listas de venta y ocupó el top 10 en Reino Unido o Australia y el top 20 en Estados Unidos. El tercer single lanzado fue Please Don’t Leave Me, un tema mid-tempo pop/rock producido por Max Martin que habla de una relación de amor/odio con alguien que tiene un efecto negativo en ti pero no puedes dejar a esa persona, también inspirado en la reciente ruptura con su marido. ‘Please Don’t Leave Me’ resultó un éxito moderado en las listas de venta y ocupó el top 20 en las listas de venta de Australia, Reino Unido y Estados Unidos. Como cuarto single se eligió Bad Influence, un potente tema pop/rock producido por Billy Mann en el que Pink abandona por un momento el tema de la separación de su pareja y habla de pasárselo bien con sus amigas. Como quinto single llegó el tema que da título al álbum, Funhouse, que cuenta con influencia del sonido funk y habla de sentir que ya no encajas y comenzar de nuevo. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘I Don’t Believe You’, una balada a piano y guitarra que muestra su lado más vulnerable y ruega a su pareja que vuelva con ella o ‘Ave Mary A’, un potente tema pop/rock up-tempo en el que Pink toma conciencia social del mundo que le rodea. En mi opinión «Funhouse» es el álbum más sólido dentro de la magnífica trayectoria de Pink y en el que demuestra que es una de las vocalistas y compositoras más talentosas del pop contemporáneo. Este álbum contiene un conjunto de canciones originales, divertidas y alegres pero también emotivas y cargadas de sentimiento. Sin duda uno de los álbumes de pop imprescindibles de la década del 2000. Puntuación: 8/10.

Crítica de «Period» de Kesha

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En la década del 2010 Kesha triunfó con canciones como ‘TiK ToK’, ‘Your Love Is My Drug’, ‘We R Who We R’ o ‘Die Young’, las cuales resultaron un auténtico éxito alrededor el mundo, alcanzaron las primeras posiciones en las listas de venta e hicieron de Kesha una de las cantantes de moda durante aquella años. Todos estos temas estaban producidos por Dr. Luke, habitual colaborador de Max Martin y el artífice de incontables éxitos para artistas de la talla de Katy Perry, Pink, Britney Spears o Kelly Clarkson. El primer álbum de estudio de Kesha, Animal y su posterior reedición, Cannibal, abanderaron el sonido electropop que triunfó durante dicha década y obtuvieron altas ventas. Kesha no solo trabajaba estrechamente con Dr. Luke, sino que pertenecía a su discográfica, Kemosabe Records, una división del sello discográfico Sony. Todo parecía que brillaba en el mundo de la joven cantante californiana, sin embargo a principios de 2014 entró en una clínica de rehabilitación por bulimia nerviosa. En octubre de dicho año, Kesha presentó una demanda civil contra Lukasz Gottwald (el verdadero nombre de Dr. Luke) en la que le acusaba de abuso sexual, violencia de género, abuso emocional e incumplimiento de las prácticas comerciales de California durante los 10 años que trabajaron juntos. La cantante de Los Angeles afirmaba que de manera habitual Dr. Luke le drogaba y abusaba sexualmente de ella, lo que le produjo desórdenes alimenticios, y por ello pidió a la corte poder romper sus acuerdos contractuales con el famoso productor. Gottwald negó tales afirmaciones y a su vez presentó otra demanda contra Kesha y su madre por difamación e incumplimiento de contrato. Posteriormente Kesha modificó su denuncia y añadió una demanda a la discográfica Sony, a la que acusó de hacer oídos sordos ante sus quejas por las conductas abusivas por parte de Dr. Luke y no tomar medidas contra él. Durante aquellos años, debido a sus relaciones contractuales con Dr. Luke y Sony, Kesha no podía trabajar con otros productores ni lanzar nueva música en otras discográficas, por lo que solicitó una orden judicial para ser liberada de su contrato y poder obtener la libertad artística que tanto ansiaba. Sin música nueva, Kesha no podía hacer giras de conciertos ni recibir patrocinios, por lo que su imagen de marca cayó en picado. En 2017 Kesha publicó su tercer álbum «Rainbow» bajo el sello discográfico de Dr. Luke, sin embargo pudo evitar trabajar personalmente con él y se involucró con otros productores. En 2023, tras un arduo y largo proceso judicial, ampliamente expuesto en los medios de comunicación estadounidenses, Kesha y Gottwald llegaron a un acuerdo extrajudicial un mes antes de que el caso llegara a su fin.

Kesha Sebert ha regresado este mes de julio con su sexto trabajo discográfico, titulado Period, el cual se trata un álbum de pop muy ecléctico que contiene elementos dance-pop, synth-pop, electropop o hyperpop. Kesha ha participado en la composición de los 11 temas que forman parte del álbum y ha contado con la producción de Zhone, Stuart Crichton, Stint, Pink Slip o Nova Wav entre otros. «Period» es el primer álbum de Kesha como artista independiente y ha sido publicado bajo su propio sello discográfico, Kesha Records. Este álbum supone su regreso al pop bailable y comercial tras su último trabajo, «Gag Order», el cual contenía un sonido oscuro y experimental y relataba cómo superó el trauma y la depresión resultantes de su batalla legal contra Dr. Luke. Hace exactamente un año llegó el single presentación del álbum, Joyride, que se trata de un marchoso tema dance-pop y electropop que destaca por su original melodía de polka y sus influencias del sonido hyperpop. En ‘Joyride’, Kesha hace uso de su habitual técnica sing-rap y utiliza metáforas para comparar la conducción de coches con el auto-empoderamiento y el amor propio. Tras varios años en los que Kesha ha estado apartada del mainstream, ‘Joyride’ ha obtenido unas respetables cifras de streaming (acumula más de cien millones de reproducciones en Spotify) y ha logrado entrar en varias listas de venta alrededor del mundo, aunque ha tenido un mediocre desempeño comercial.

El segundo single lanzado fue Delusional, una balada synth-pop en la que Kesha muestra su lado más vulnerable mientras confronta a un ex incapaz de enfrentarse a la realidad. En 2025 llegó un nuevo single, Yippee-Ki-Yay, que se trata de un extraño tema que mezcla Country-pop, Hip Hop o electropop y cuenta con la producción de Pink Slip y Nova Wav. Como cuarto single se lanzó Boy Crazy, un enérgico tema hyperpop en el que Kesha explora el territorio de Charli XCX y se presenta como una ‘femme fatale’ obsesionada con los hombres. Antes de la publicación del álbum llegó el quinto single, The One, que se trata de un tema pop mid-tempo en el que Kesha habla sobre sus relaciones pasadas, reflexiona sobre la fama y el estrellato y declara que el amor de su vida es ella misma. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘Red Flag’, un marchoso tema electropop en el que Kesha habla de las señales de advertencia que surgen cuando conoces a alguien con el que te planteas tener una relación o ‘Cathedral’, una balada en la que Kesha se luce vocalmente y guarda similitudes con ‘Praying’, solo que la cantante ya no reza para encontrar la liberación, paz y libertad que tanto anhelaba (puesto que ya las ha encontrado), sino que habla de superar los obstáculos y centrarse en la auto-aceptación.

Desde sus inicios, Kesha se presentó al mundo como una chica fiestera y desinhibida que cantaba temas divertidos y desenfadados, sin embargo la realidad era muy diferente de lo que podíamos imaginar. La cantante pasó por duros momentos personales que le han convertido en la mujer fuerte, libre y empoderada que es hoy en día. Personalmente siempre he sido partidario de separar a la persona del artista, y sin saber exactamente lo que ocurrió entre Kesha y Dr. Luke, lo cierto es que el famoso productor fue el responsable de sus temas más famosos y resultó ser una pieza esencial en el éxito de la cantante. En la actualidad, Kesha se esfuerza por encajar en un panorama musical que ha cambiado drásticamente mientras intenta replicar los gloriosos momentos de su pasado. En resumen, «Period» es un álbum ameno pero palidece en comparación con sus primeros trabajos, ya que está formado por un conjunto de canciones olvidables y poco inspiradas, con letras sumamente genéricas y que suenan pasadas de moda. La mayoría de canciones presentes en el álbum, salvo la caótica pero divertida ‘Joyride’, no ofrecen nada nuevo al panorama musical ni van a ayudar a Kesha a recuperar su posición dominante en el mundo del pop como lo hizo en el 2010. En el blog Mister Music valoré de manera positiva tanto «Animal» como «Warrior», dos álbumes que sigo escuchando regularmente, sin embargo «Period» no me ha sorprendido ni llamado la atención. Temas imprescindibles: Joyride, The One, Red Flag, Delusional y Cathedral. Puntuación: 6/10.