Dance – Página 3 – Blog Mister Music

Los mejores álbumes del 2025 (1ª parte del año)

julio 2, 2025diciembre 14, 2025deividtoxic2 comentarios

6. American Heart de Benson Boone.

En 2024 vio la luz «Fireworks & Rollerblades», el álbum debut de Benson Boone, el cual ocupó el top 10 en la lista americana de álbumes y fue certificado platino en Estados Unidos. Este álbum incluye el exitoso single ‘Beautiful Things’, que alcanzó el #2 en la lista americana y ha destacado por su gran longevidad en la misma, ya que después de un año y medio de su lanzamiento todavía ocupa el top 10 de la lista Billboard. Desde entonces la popularidad del joven cantante creció como la espuma entre el público joven no solo por sus pegadizas canciones sino gracias a sus enérgicas actuaciones en directo, sus llamativos atuendos y su carismática e irreverente personalidad. En febrero de este año llegó el single presentación de su nuevo álbum, Sorry I’m Here for Someone Else, que se trata de un enérgico tema up-tempo de estilo pop/rock y synth-pop producido por Jason Evigan cuyas letras hablan sobre pasar página de una antigua relación sin guardar rencor a tu ex-pareja. En ‘Sorry I’m Here for Someone Else’ Benson describe un incómodo encuentro en un restaurante con un antiguo amor mientras duda si decirle que está esperando a su nueva pareja para no hacerle daño. Este tema sin duda supone una gran elección como primer single debido a su ritmo contagioso, sus pegadizas letras y la magnífica ejecución vocal de Benson Boone. Como segundo single se lanzó Mystical Magical, un tema pop/rock y synth-pop de sonido retro que contiene una interpolación de ‘Physical’ de Olivia Newton-John y recuerda el estilo del último álbum de Harry Styles. Este tema producido por Evan Blair habla de vivir el momento y disfrutar al máximo el tiempo que pasas con tu amante porque no sabes cuánto tiempo va a durar. Como tercer single se lanzó Momma Song, una emotiva pero poco memorable balada en cuyas letras reflexiona sobre el paso del tiempo y habla del amor que profesa a su madre y anhela pasar más momentos junto a ella. El segundo álbum de Benson Boone tiene por título American Heart y está formado por 10 temas encuadrados dentro del pop/rock al igual que su predecesor, pero destaca por su influencia del sonido synth-pop y tiene un cierto toque retro. El joven cantante ha compuesto todos los temas presentes en el álbum junto a su habitual colaborador Jack LaFrantz y cuenta con la producción de Jason Evigan, Evan Blair, Malay y Jason Suwito, quienes ya participaron en su anterior trabajo. Benson Boone ha declarado que compuso todas las canciones del álbum en un periodo de tan solo 17 días y se inspiró en Bruce Springsteen y la música tradicional americana. Coincidiendo con la publicación del álbum se desveló el videoclip de Mr Electric Blue, que se trata de un marchoso tema pop/rock cuyas letras hablan de la admiración de Benson por su padre y cómo de pequeño le idolatraba como si fuera un superhéroe. Uno de los temas más destacados del álbum es ‘Young American Heart’, que refleja el espíritu joven, rebelde e indómito de Benson y cuyas letras hacen referencia a un accidente de coche que sufrió a los 16 años junto a un amigo, quien estuvo a punto de morir, lo que supuso un punto de inflexión en su vida y le hizo reflexionar sobre su futuro. «American Heart» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el segundo top 10 de Benson en Estados Unidos. En resumen, «American Heart» mantiene el buen nivel de su predecesor y está formado por un breve conjunto de canciones entretenidas y disfrutables pero que no muestran una excesiva evolución musical con respecto a «Fireworks & Rollerblades» debido a su escasa diferencia temporal. La ejecución vocal de Benson Boone es uno de los puntos fuertes del álbum: si bien no posee una voz especialmente distintiva, sí resulta potente y alcanza sin problema los tonos más agudos. Por otra parte, las canciones presentes no destacan por tener un componente lírico excesivamente profundo o elaborado, pero Benson tiene un gran futuro por delante para mejorar sus habilidades como compositor. Este álbum, más que recordar a la música de Bruce Springsteen, guarda ciertas similitudes con los últimos trabajos de Harry Styles y destaca por su sonido retro y su mayor componente synth-pop. Puntuación: 7/10.

5. Something Beautiful de Miley Cyrus.

Miley Cyrus vivió un gran momento profesional en 2023 gracias al tremendo éxito cosechado por el single ‘Flowers’, el cual alcanzó el #1 en las listas de prácticamente todo el mundo y consiguió cifras astronómicas de streaming. Dos años después de «Endless Summer Vacation» ha llegado el noveno trabajo discográfico de la cantante americana, Something Beautiful, que se trata de un álbum visual que contiene una temática existencial y se centra en el proceso de curación de los traumas y encontrar la belleza incluso en los rincones más oscuros de la vida. En el terreno musical, «Something Beautiful» es un álbum encuadrado dentro del pop que incorpora influencias dance-pop, pop/rock, synth-pop o Disco, sin embargo destaca por su carácter experimental y contiene cambios de ritmo y elementos disruptivos, por lo que podríamos denominarlo como pop progresivo. Miley ha participado en la composición de los 13 temas presentes y ha contado con la ayuda de un gran número de compositores y productores de la talla de Shawn Everett, Kid Harpoon, Michael Pollack, Jonathan Rado, Alec O’Hanley o BJ Burton entre otros. Las letras de las canciones hablan sobre el desamor, la muerte, la incertidumbre de la existencia y encontrar un punto de belleza en los momentos más difíciles de nuestra vida. El componente lírico es uno de los aspectos más destacados del álbum y muestra una gran madurez y evolución de Miley como compositora. El single presentación del álbum fue End of the World, un tema pop up-tempo de sonido retro que contiene influencias dance-pop y Disco y cuyas letras hablan de vivir la vida al máximo como si llegara el fin del mundo. Antes de la publicación del álbum se lanzaron varios sencillos promocionales: ‘Something Beautiful’, que se trata de una balada de R&B alternativo con elementos jazz y Soul (aunque durante el estribillo incorpora elementos experimentales y del rock progresivo acompañado de voces distorsionadas por parte de Miley) cuyas letras hacen referencia a la búsqueda de las cosas bonitas que ofrece la vida o ‘More to Lose’, una balada de rica instrumentación que habla de una relación fallida y muestra el lado más honesto y personal de Miley. Coincidiendo con la publicación del álbum llegó otro sencillo promocional, Easy Lover, que se trata de un tema pop/rock cuyas letras hablan de una complicada relación en la que Miley es incapaz de dejar a su pareja incluso cuando el amor se vuelve doloroso. En la primera parte del álbum se concentran los sencillos promocionales pero aparecen demasiados temas lentos y dos interludios innecesarios. La segunda parte resulta notablemente superior y encontramos canciones más bailables, divertidas y que destacan por su larga duración. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Golden Burning Sun’, un tema mid-tempo con cierto aroma pop/rock que habla del amor incondicional o ‘Walk of Fame’, un tema synth-pop de carácter up-tempo cuyas letras hacen referencia de los efectos que conllevan la fama y el estrellato. En resumen, «Something Beautiful» es un álbum elegante y bien producido que destaca por su componente lírico y su variedad de géneros presentes. Además de su labor como compositora, se aprecia una gran evolución como artista de Miley Cyrus. Mientras que «Endless Summer Vacation» contenía demasiado relleno y no resultaba un álbum especialmente memorable pero albergaba singles llamativos y de gran calidad, «Something Beautiful» es cohesivo, muestra un carácter experimental a la vez que resulta comercial y accesible, sin embargo no hay hits potenciales ni temas especialmente distintivos, aunque sí un conjunto digno de ‘album tracks’. Puntuación: 7/10.

4. Why Not More? de Coco Jones.

En 2022 la cantante Coco Jones publicó el EP What I Didn’t Tell You, su trabajo discográfico más ambicioso hasta la fecha, con el que se abrió a un mayor público y se hizo un importante hueco en el panorama R&B estadounidense. La reedición de «What I Didn’t Tell You» fue nominada a mejor álbum de R&B en los premios Grammy del año 2024 y ‘ICU’ se convirtió en su primer tema que entraba en la lista americana de singles y fue nominado a mejor actuación R&B en los Grammy del mismo año. Courtney Michaela Jones es conocida también por su faceta de actriz y ha protagonizado recientemente el remake de la famosa serie ‘El Príncipe de Bel-Air’, en la que interpretaba a Hilary Banks. En el mes de abril vio la luz el álbum debut de Coco Jones, Why Not More?, en el que muestra su crecimiento como mujer y artista durante los últimos años. El álbum está formado por 14 temas, principalmente baladas y medios tiempos R&B, compuestos por la propia cantante junto a importantes productores de la talla de London on da Track, Stargate, Cardiak, Eric Hudson o Cirkut. A lo largo de las canciones que forman parte del álbum Coco habla de amor y explora la complejidad de las relaciones. En mayo del año pasado llegó el single presentación del álbum, Here We Go (Uh Oh), que se trata de una balada R&B mid-tempo producida por Cardiak en cuyas letras Coco relata cómo su ex-pareja, un hombre inmaduro e incapaz de comprometerse, intenta volver con ella pero sus amigos le aconsejan que no lo haga y evite tener contacto con él. Ya en 2025 llegó Taste, un tema R&B mid-tempo producido por Stargate y Jasper Harris que samplea el estribillo del icónico ‘Toxic’ de Britney Spears y en cuyas letras Coco, al igual que la princesa del pop, habla de un amante del que no puede desengancharse. El single previo a la publicación del álbum ha sido You, una balada R&B producida por London on da Track en la que Coco deja a un lado el drama y las relaciones turbulentas y habla del gran momento de amor que está viviendo con su pareja. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘On Sight’, en cuyas letras Coco pide a su amante que sea sincero y no esconda sus sentimientos o ‘Keep It Quiet’, en el que explora los conflictos que surgen en las relaciones. En resumen, «Why Not More?» resulta cohesivo y destaca por su elegante producción y la magnífica ejecución vocal de Coco Jones. «Why Not More?» guarda similitudes con «Revenge» de Muni Long, uno de los mejores álbumes de R&B del año pasado, lo cual es un gran cumplido para la joven cantante de Tennessee. Los únicos puntos en contra del álbum son la gran abundancia de medios tiempos y baladas y el uso excesivo de samplers de famosas canciones. Coco Jones no resulta una vocalista distintiva o con una personalidad marcada que le haga diferenciarse del resto de competidoras, sin embargo es una artista talentosa a la cual le auguro un gran futuro en el mundo de la música y concretamente en el género R&B. Puntuación: 7’5/10.

3. Hurry Up Tomorrow de The Weeknd.

A finales de enero llegó el quinto álbum de estudio de The Weeknd, titulado Hurry Up Tomorrow y se trata de la tercera y última parte de una trilogía iniciada por el cantante canadiense con «After Hours», que representaba el infierno (la oscuridad, la vida disoluta de Abel y sus pensamientos atormentados y autodestructivos) y continuaba con «Dawn FM», el purgatorio (la madurez del artista y el comienzo de una nueva etapa más alegre en su vida). «Hurry Up Tomorrow» representa el paraíso y supone la cúspide creativa de este ambicioso y complejo proyecto creado por Abel Tesfaye, elaborado con temas existenciales y auto-referenciales. En «Hurry Up Tomorrow» seguimos encontrando las influencias ochenteras presentes en sus dos últimos trabajos a través de temas up-tempo de sonido synth-pop y electropop, sin embargo en esta ocasión existe un predominio de baladas y medios tiempos encuadrados dentro del sonido R&B. Abel Tesfaye ha compuesto los 22 temas presentes en el álbum y entre los productores implicados se encuentran importantes nombres como Mike Dean, Metro Boomin, Oneohtrix Point Never, Cirkut, Tommy Brown o Pharrell Williams entre otros. Cabe destacar que Max Martin y Oscar Holter, mano derecha de The Weeknd en sus últimos trabajos y los artífices de hits de la talla de ‘Blinding Lights’ o ‘Save Your Tears’, disminuyen notoriamente su presencia en este álbum. En septiembre del año pasado llegó el supuesto single presentación del álbum, Dancing in the Flames, que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop producido por Max Martin y Oscar Holter que sigue la estela musical de los anteriores singles de The Weeknd. Las letras de ‘Dancing in the Flames’ hablan a un amor apasionado que perdura en el tiempo a pesar del sentimiento de dolor y pérdida y en el que las referencias a los accidentes de conducción y llamas son una metáfora de una peligrosa e impredecible relación amorosa. ‘Dancing in the Flames’ fue descartado de la edición final del álbum debido a su escaso éxito comercial. Mientras que ‘Dancing in the Flames’ marcaba la transición perfecta entre los dos anteriores álbumes y «Hurry Up Tomorrow» debido a su sonido synth-pop y sus influencias ochenteras, los dos siguientes sencillos cambiaban radicalmente de estilo. Como segundo single se lanzó Timeless, un anodino tema mid-tempo de estilo Hip Hop y Trap que cuenta con la participación del rapero Playboi Carti. Este tema, producido por Mike Dean, Pharrell Williams y Ojivolta, explora temas como la auto-identidad o la transitoriedad de las relaciones amorosas dentro del vacío mundo de la fama. El siguiente single fue São Paulo, un extraño tema influenciado por el funk brasileño y que cuenta con la participación de la cantante brasileña Anitta. Uno de los temas más continuistas con respecto al sonido presente en los anteriores trabajos de The Weeknd es ‘Open Hearts’, que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop y electropop que mantiene las influencias ochenteras de ‘Dancing in the Flames’ y su naturaleza bailable. En este tema, uno de los pocos producidos por Max Martin y Oscar Holter, Abel habla sobre la lucha de dar otra oportunidad al amor tras una ruptura sentimental. En mi opinión, ‘Open Hearts’ es el tema más sobresaliente del álbum y sería un gran candidato a siguiente single. Las influencias de la música de los años 80 y el uso de sintetizadores están presentes en temas como ‘Wake Me Up’, en el que Abel reflexiona sobre sus luchas internas y explora temas como el existencialismo o la búsqueda de la autenticidad o ‘Cry for Me’, que contiene ciertas influencias Trap al final de la canción y en el que vuelve a mostrar su lado más atormentado y sus sentimientos de dolor y sufrimiento. Entre las canciones más destacadas del álbum se encuentran ‘Give Me Mercy’, que se trata de otra de las producciones de Max Martin y en la que admite los errores cometidos y pide piedad o ‘Take Me Back To LA’, un tema synth-pop de carácter mid-tempo que pertenece a las sesiones de grabación del álbum «After Hours» y en el que muestra su sentimiento de redención. El resto del álbum navega en un mar de temas downtempo R&B que recuerdan a los orígenes musicales del cantante. Es un placer encontrar en «Hurry Up Tomorrow» un gran número de temas R&B que le sientan como un guante a su agradable y bonito timbre de voz, sin embargo se echan en falta más canciones up-tempo como ‘Open Hearts’ o ‘Dancing in the Flames’, que continúan la senda musical explorada en los anteriores trabajos de la trilogía. «Hurry Up Tomorrow» no logra igualar el gran nivel de «After Hours» y «Dawn FM» pero se trata de un álbum sólido, magníficamente ejecutado por Abel a nivel vocal, muy cohesionado líricamente y con una magistral producción. Los puntos en contra son su larguísima extensión, la omisión de ‘Dancing in the Flames’ en la edición final del álbum y la desacertada elección de los singles, que no representan la esencia del álbum y resultan los temas más flojos. «Hurry Up Tomorrow» ha cerrado con broche de oro esta trilogía, la cual le ha convertido a The Weeknd en el artista más exitoso de los últimos años y el más escuchado en las plataformas de streaming. Puntuación: 7’8/10.

2. Princess of Power de Marina.

Una gran parte de los seguidores de Marina Diamandis, anteriormente conocida como Marina and the Diamonds, llevan reclamando desde hace muchos años la vuelta de la artista al estilo presente en el álbum «Electra Heart», considerado por muchos como su obra maestra y mejor trabajo hasta la fecha. La cantante galesa mostró su lado más divertido, irreverente y desenfadado durante la promoción de este trabajo y al finalizar dicha etapa enterró al personaje Electra Heart y se entregó a otros proyectos que se centraban en su lado más serio, introspectivo y maduro. Pese a que «Electra Heart» supone una parte importante en sus giras de conciertos y Marina siempre interpreta sus temas más populares (‘Primadonna’, ‘Bubblegum Bitch’ o ‘How to Be a Heartbreaker’), nunca ha acabado de reconciliarse con ese personaje y ha preferido dejarlo como parte de su pasado. El sexto álbum de estudio de Marina tiene por título Princess of Power y está formado por 13 canciones, principalmente temas up-tempo de estilo electropop y synth-pop, compuestos por la cantante galesa junto a CJ Baran, quien se ha encargado de la entera producción. «Princess of Power» es un álbum conceptual en el que Marina reivindica el amor como un superpoder que nos empodera y celebra el liderazgo de la mujer en nuestra generación. La cantante de ascendencia griega ha declarado que para la creación de este álbum se inspiró escuchando música alegre y eufórica de bandas de los años 70 como ABBA o divas del pop contemporáneas de la talla de Madonna o Kylie Minogue. «Princess of Power» es el primer álbum de Marina publicado de manera independiente tras abandonar Atlantic Records y toma el relevo del notable «Ancient Dreams in a Modern Land», publicado hace 4 años. Como suele ser habitual, la elección de los singles por parte de Marina ha sido excepcional, ya que nos ha presentado su nuevo álbum con tres temas potentes, llamativos y originales. El single presentación del álbum fue Butterfly, que se trata de un tema de pop alternativo con elementos dance-pop y synth-pop cuyas letras representan el crecimiento personal y renacimiento espiritual de un individuo a través de la metáfora del ciclo de vida de las mariposas. En ‘Butterfly’, la cantante de ascendencia griega realiza sus habituales piruetas vocales y alterna el tono grave y agudo de su voz. Sin duda ‘Butterfly’ supone uno de sus ‘lead singles’ más solventes por la gran ejecución vocal de Marina y su componente lírico. Como segundo single se lanzó Cupid’s Girl, un enérgico tema electropop y synth-pop que recuerda al estilo presente en «Electra Heart» y en cuyas letras Marina pide a su amante que no le tenga miedo al amor y se entregue a la pasión. El tercer single lanzado fue Cuntissimo, un tema inspirado en las mujeres fuertes, valientes y seguras de sí mismas que disfrutan la vida al máximo y cuyas letras se centran en la búsqueda del placer, que según la cantante ha sido negado a lo largo de la historia a las mujeres debido al poder del patriarcado. Este tema supone un himno de empoderamiento femenino y celebración del poder de las mujeres. ‘Cuntissimo’ comienza con un sonido clásico y melodía de violines para convertirse más adelante en un enérgico tema up-tempo electropop con uso prominente de sintetizadores. Marina destaca en su papel como compositora en temas como ‘Princess of Power’, en el que reflexiona sobre cómo ha sobrevivido a los altibajos de la vida y ha conseguido superar el dolor causado por personas cercanas y relata su transformación hacia una princesa poderosa. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘I < 3 You’, un marchoso tema synth-pop con influencia Disco en cuyas letras la cantante afirma que le gustaría volver a la edad de oro de los 70 o ‘Everybody Knows I’m Sad’, en el que Marina se enfrenta a su sentimiento de soledad y se regodea en su propia tristeza y desesperanza. «Princess of Power» debutó en el #7 de la lista británica de álbumes, su quinto top 10 en Reino Unido y que supone una mejora con respecto al desempeño comercial de su último trabajo. Mientras que los anteriores álbumes de Marina resultaban irregulares (contaban con magníficos singles pero contenían excesivo relleno) y tropezaban en la misma piedra (un exceso de baladas insípidas y monótonas), en «Princess of Power» el número de temas lentos se reduce notoriamente y resulta el trabajo más bailable y marchoso de la cantante desde «Electra Heart». En definitiva, este álbum recupera el espíritu atrevido, desenfadado y divertido de «Electra Heart», además comparte sus letras sobre empoderamiento femenino y nos devuelve a la Marina que nos enamoró a principios de su carrera. Sin duda, «Princess of Power» se posiciona como uno de los trabajos más notables de la carrera de Marina y resulta uno de los mejores álbumes publicados durante este 2025. Puntuación: 8/10.

1. Mayhem de Lady Gaga.

Durante los últimos años, Lady Gaga se ha debatido entre seguir mostrando su lado más extravagante para complacer a sus leales ‘little monsters’ con el pop electrónico que ha sido su seña de identidad desde sus comienzos y desarrollar su lado más maduro y serio con álbumes de jazz o Country enfocados a un público más adulto y diverso. No sabemos qué camino escogerá la cantante americana en su futuro profesional (el éxito de ‘Die with a Smile’ junto a Bruno Mars podría hacerle decantarse por su perfil más serio y adulto) sin embargo lo que sí sabemos con certeza es que ha iniciado una nueva era en la que ha apostado por tirar de nostalgia y recuperar los mejores momentos de su glorioso pasado. El último álbum de Lady Gaga tiene por título Mayhem (que significa caos o desorden) y está formado por 14 temas compuestos por la propia Stefani Germanotta y producidos por Cirkut y Andrew Watt, con producción adicional de Gesaffelstein. Este álbum fue concebido una vez que la cantante neoyorquina se enfrentó al miedo de volver al pop de sus comienzos y que sus fans iniciales adoraban. Según Lady Gaga, «Mayhem» es un trabajo ecléctico y caótico que amalgama diferentes géneros, estilos y emociones, todo guiado por su profundo amor a la música. Los estilos predominantes en el álbum son el synth-pop ochentero reminiscencia de «The Fame» y el electropop, aunque también encontramos elementos del glam rock, dance-pop, funk y Disco. Lady Gaga declaró que la fuente de inspiración en la creación de este trabajo fue la música industrial (un género que fusiona la música electrónica con el rock y contiene sonidos duros, agresivos y transgresores) sin embargo este pop industrial apenas hace acto de presencia dentro del álbum. El single presentación del álbum fue Disease, un tema mid-tempo electropop y synth-pop de sonido oscuro y con una producción abrasiva e industrial que recuerda al estilo de algunas canciones presentes en el álbum «Born This Way». Este tema, compuesto por Lady Gaga junto a su novio Michael Polansky, destaca por sus letras en las que la cantante ofrece el antídoto a las enfermedades y males de su amante, con una temática oscura reminiscencia de la era «The Fame Monster» y temas como ‘Bad Romance’. Pese a ser un ‘lead single’ solvente y digno, ‘Disease’ tuvo un discreto desempeño comercial. El segundo single lanzado fue Abracadabra, un enérgico tema dance-pop y electropop cuyas letras hacen referencia a la lucha interna de elegir entre entre la oscuridad y la luz, además de enfrentarse a los miedos y dudas internas. Este tema cuenta con una dramática ejecución vocal por parte de Lady Gaga y unos ganchos (‘abracadabra amor uh na na, abracadabra morta uh gaga’) inspirados en temas como ‘Bad Romance’. Por su estilo y sonido, ‘Abracadabra’ podría tratarse de un tema perdido entre las eras «The Fame Monster» y «Born This Way» aunque también comparte el espíritu desenfadado de «Chromatica». Este tema ha recibido elogios de la crítica por su carácter bailable y su pegadizo estribillo y ha sido muy bien recibido por parte de sus fieles seguidores. ‘Abracadabra’ ha superado el desempeño comercial del anterior single y ha alcanzado el top 5 en Reino Unido o Alemania y el top 15 en Estados Unidos, Canadá o Australia. El álbum se puede escuchar prácticamente del tirón sin apenas saltar ninguna canción y encontramos varios temas con gran potencial como futuros singles. Dentro del álbum destacan ‘Garden of Eden’, un tema electropop que incluye referencias al pasaje bíblico del mismo nombre en el que Gaga representa la serpiente que ofreció la manzana a Eva, ‘Shadow of a Man’, que habla de su tortuoso camino hasta convertirse en la estrella del pop que es hoy y cómo tuvo que estar a la sombra de otros antes de triunfar o ‘Vanish into You’, un tema con influencias Disco y glam rock en el que Gaga celebra el descubrimiento del amor y desea fusionarse con su amante en una entidad conjunta. «Mayhem» ha resultado un notable éxito comercial y ha alcanzado el #1 en las listas de ventas de más de 20 países de todo el mundo. Quizás no encontremos en «Mayhem» demasiado del pop industrial que nos prometió, pero sí aparecen influencias del synth-pop de los años 80 y artistas como David Bowie (que ya fueron fuente de inspiración en «The Fame»), lo que supone un gran acierto. «Mayhem» resulta sólido y cohesivo pese a la mezcla de estilos presentes y supone un evidente paso adelante con respecto a «Chromatica», el cual era un trabajo interesante y más que digno pero demasiado genérico y formulaico. Es un verdadero placer presenciar a Lady Gaga volviendo a sus raíces y haciendo lo que mejor se le da: crear temas divertidos y bailables con estribillos pegadizos e inmediatos. En mi opinión nos encontramos ante el mejor álbum pop de lo que llevamos de 2025 y uno de los mejores trabajos de la discografía de Lady Gaga después de «The Fame» y «The Fame Monster», sin duda sus obras maestras. Puntuación: 8/10.

Throwback Review: «Passion» de Geri Halliwell

junio 15, 2025deividtoxic1 comentario

Geri Halliwell vivió un gran momento profesional como artista en solitario gracias a la buena acogida de su álbum debut, Schizophonic, el cual contaba con los exitosos singles ‘Look at Me’ y ‘Mi Chico Latino’ y vendió 4 millones de copias en todo el mundo. «Schizophonic» se trataba de un álbum muy ecléctico y con una evidente falta de dirección musical, pero contaba con un puñado de canciones divertidas y resultaba un debut más que digno. El escaso rango vocal de Geri y sus limitadas habilidades como compositora eran compensadas con creces con su carismática personalidad y simpatía. Con 3 singles #1 consecutivos en Reino Unido (‘Mi Chico Latino’, ‘Lift Me Up’ y ‘Bag It Up’) la carrera de Geri Halliwell resultaba de lo más prometedora y demostraba que no necesitaba al resto de chicas picantes para triunfar. Tras su álbum debut, la conocida como Ginger Spice participó en la banda sonora de la película «Bridget Jones» con su versión del tema ‘It’s Raining Men’, que ocupó las primeras posiciones en las listas de venta europeas y se convirtió en su mayor éxito en solitario. Su segundo álbum en solitario, Scream If You Wanna Go Faster, estaba más centrado en el sonido dance-pop y pop/rock, tuvo un desempeño comercial mediocre y escasas ventas, no alcanzó las expectativas puestas en él y supuso una decepción para Geri y su discográfica.

Con motivo del vigésimo aniversario del lanzamiento del tercer álbum de Geri Halliwell realizaré una reseña en retrospectiva de este trabajo. En junio de 2005 vio la luz Passion, el cual resulta más personal que los anteriores trabajos de Geri ya que se implicó en mayor medida en el proceso creativo del álbum y participó en la composición de los 12 temas presentes, los cuales fueron producidos por el dúo Absolute, Peter-John Vetesse, Ian Masterson o Quiz & Larossi entre otros. La primera parte del álbum está formada por enérgicos temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop mientras que en la segunda predominan las baladas, que mostraban el lado más vulnerable y emotivo de la cantante de ascendencia oscense. También podemos encontrar un par de temas influenciados por el jazz, como la canción titular, pero no se adecuaban al rango vocal de Geri. Desde sus inicios en Spice Girls, Geri fue criticada por su escasa técnica como vocalista y se caracterizó por tener un registro muy limitado, sin embargo en este álbum se aprecia una notable mejoría en sus habilidades vocales, ya que tomó clases para reforzar tu voz y mejorar su técnica. En el terreno comercial, «Passion» debutó en el top 50 de la lista británica de álbumes y resultó un rotundo fracaso.

El single presentación del álbum fue Ride It, un enérgico tema dance-pop dirigido a las pistas de baile que destacaba por su naturaleza desenfadada y divertida. ‘Ride It’ recibió impresiones positivas por parte de los expertos musicales, obtuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el top 5 en las listas de Reino Unido o España. El segundo single lanzado fue Desire, un tema electropop de carácter mid-tempo en cuyas letras Geri se compara con un felino y describe sus deseos sexuales. Debido al mediocre desempeño comercial de ‘Desire’, que apenas ocupó el top 25 en la lista británica, no fue lanzado ningún single más de «Passion». La canción más llamativa del álbum es sin duda ‘Love Never Loved Me’, un magnífico tema dance-pop y synth-pop en el que Geri canta de manera melancólica cómo el amor le ha sido esquivo en la vida pese a haber amado intensamente. Mientras que «Passion» recibió en su mayoría opiniones negativas por parte de los expertos musicales, ‘Love Never Loved Me’ fue aclamado por la crítica y es considerado el tema más sobresaliente del álbum. Sin duda fue un desacierto no lanzar ‘Love Never Loved Me’ como single, ya que es la mejor canción de Geri en solitario y podría haber relanzado el álbum y su carrera musical.

También merece la pena reseñar ‘Let Me Love You More’, una bonita balada sobre el amor incondicional en la que Geri hace gala de un mayor control vocal y ofrece un tono de voz muy agradable o ‘There’s Always Tomorrow’, un tema influenciado por la bossa nova cuyas letras nos animan a disfrutar de la vida y tener esperanza en encontrar el amor aunque nos haya sido esquivo. Desde el blog Mister Music me gustaría romper una lanza en favor de «Passion», un álbum injustamente tratado por la crítica, ignorado por el gran público y que careció de una promoción adecuada pese a ser un trabajo más que digno, superior a «Scream If You Wanna Go Faster» y en el que Geri muestra una mayor madurez y una mejora en sus habilidades como vocalista y compositora. Temas imprescindibles: Love Never Loved Me, Ride It, Let Me Love You More, There’s Always Tomorrow y Feel the Fear. Puntuación: 7’5/10.

Crítica de «Princess of Power» de Marina

junio 9, 2025junio 9, 2025deividtoxic2 comentarios

Como segundo single se lanzó Cupid’s Girl, un enérgico tema electropop y synth-pop que recuerda al estilo presente en «Electra Heart» y en cuyas letras Marina pide a su amante que no le tenga miedo al amor y se entregue a la pasión. Tanto ‘Butterfly’ como ‘Cupid’s Girl’ han tenido un impacto mínimo en las listas de venta, sin embargo superan los 10 millones de reproducciones en Spotify. El tercer single lanzado fue Cuntissimo, un tema inspirado en las mujeres fuertes, valientes y seguras de sí mismas que disfrutan la vida al máximo y cuyas letras se centran en la búsqueda del placer, que según la cantante ha sido negado a lo largo de la historia a las mujeres debido al poder del patriarcado. Sin duda este tema supone un himno de empoderamiento femenino y celebración del poder de las mujeres. ‘Cuntissimo’ comienza con un sonido clásico y melodía de violines para convertirse más adelante en un enérgico tema up-tempo electropop con uso prominente de sintetizadores. Como suele ser habitual, la elección de los singles por parte de Marina ha sido excepcional, ya que nos ha presentado su nuevo álbum con tres temas potentes, llamativos y originales.

El sexto álbum de estudio de Marina tiene por título Princess of Power y está formado por 13 canciones, principalmente temas up-tempo de estilo electropop y synth-pop, compuestos por la cantante galesa junto a CJ Baran, quien se ha encargado de la entera producción. «Princess of Power» es un álbum conceptual en el que Marina reivindica el amor como un superpoder que nos empodera y celebra el liderazgo de la mujer en nuestra generación. La cantante de ascendencia griega ha declarado que para la creación de este álbum se inspiró escuchando música alegre y eufórica de bandas de los años 70 como ABBA o divas del pop contemporáneas de la talla de Madonna o Kylie Minogue. «Princess of Power» es el primer álbum de Marina publicado de manera independiente tras abandonar Atlantic Records y toma el relevo del notable «Ancient Dreams in a Modern Land», publicado hace 4 años. Marina destaca en su papel como compositora en temas como ‘Princess of Power’, en el que reflexiona sobre cómo ha sobrevivido a los altibajos de la vida y ha conseguido superar el dolor causado por personas cercanas y relata su transformación hacia una princesa poderosa. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘I < 3 You’, un marchoso tema synth-pop con influencia Disco en cuyas letras la cantante afirma que le gustaría volver a la edad de oro de los 70 (una época de cambio cultural y político y que coincide con la segunda ola del feminismo) o ‘Everybody Knows I’m Sad’, en el que Marina se enfrenta a su sentimiento de soledad y se regodea en su propia tristeza y desesperanza.

Mientras que los anteriores álbumes de Marina resultaban irregulares (contaban con magníficos singles pero contenían excesivo relleno) y tropezaban en la misma piedra (un exceso de baladas insípidas y monótonas), en «Princess of Power» el número de temas lentos se reduce notoriamente y resulta el trabajo más bailable y marchoso de la cantante desde «Electra Heart». En definitiva, este álbum recupera el espíritu atrevido, desenfadado y divertido de «Electra Heart», además comparte sus letras sobre empoderamiento femenino y nos devuelve a la Marina que nos enamoró a principios de su carrera. Sin duda, «Princess of Power» se posiciona como uno de los trabajos más notables de la carrera de Marina y resulta uno de los mejores álbumes publicados durante este 2025. Temas imprescindibles: Cuntissimo, Butterfly, Cupid’s Girl, I < 3 You, Everybody Knows I’m Sad y Princess of Power. Puntuación: 8/10.

Los mejores álbumes de Jennifer Lopez

junio 9, 2025deividtoxic1 comentario

8. Como Ama Una Mujer.

2007 se convirtió en uno de los años más prolíficos dentro de la carrera musical de Jennifer Lopez teniendo en cuenta que durante dicho periodo publicó dos álbumes de estudio, uno en español y otro en inglés. Sin embargo no resultó su mejor año en cuestión de popularidad, ya que tras varios años en la cima de las listas de venta inició una espiral decreciente en su éxito comercial y ambos discos obtuvieron unas ventas inferiores a las que estaba acostumbrada hasta entonces. Pese a todo hay que destacar la versatilidad como artista de Jennifer Lopez y su gran capacidad de trabajo, además del riesgo de embarcarse en dos proyectos tan diferentes entre sí. En marzo de 2007 vio la luz su quinto álbum de estudio y el primero grabado íntegramente en español, Como Ama Una Mujer, el cual está encuadrado dentro del sonido Latin-pop con ciertos elementos pop/rock y R&B. Su pareja por entonces, Marc Anthony fue quien le animó a lanzarse de lleno al mercado latino tras haber hecho pequeñas incursiones en nuestro idioma en sus primeros álbumes. «Como Ama Una Mujer» no era el álbum que todos esperábamos ya que está formado en su mayoría por baladas románticas y de desamor bajo la producción del famoso compositor Estéfano (conocido por su trabajo para importantes cantantes latinos como Ricky Martin, Gloria Estefan o Chayanne), Julio Reyes y Marc Anthony. Los puntos fuertes del álbum son el componente lírico de las canciones, la madurez y evolución como artista mostrada por Jennifer y sus mejoradas habilidades vocales. Por otra parte el álbum contiene demasiado relleno y una excesiva abundancia de baladas. «Como Ama Una Mujer» tuvo un desempeño comercial moderadamente positivo en Estados Unidos: alcanzó el top 10 en la lista de álbumes y se convirtió en uno de los pocos trabajos en español que ocupaban un puesto tan alto en la lista americana durante aquellos años, aunque las ventas totales fueron muy bajas. El single presentación del álbum fue Qué Hiciste, un tema pop/rock y Latin-pop con ciertas influencias R&B en cuyas letras Jennifer habla de un desengaño amoroso sumamente doloroso y que supone una de las pocas canciones up-tempo del álbum. Este single recibió buenas impresiones de los expertos musicales y alcanzó el #1 en las listas de venta de España e Italia. El segundo single lanzado fue Me Haces Falta, un tema mid-tempo Latin-pop y pop/rock compuesto y producido por Marc Anthony y Estéfano que habla sobre echar terriblemente de menos a tu interés amoroso. En resumen, «Como Ama Una Mujer» es un álbum consistente y que muestra una mayor madurez y evolución musical por parte de Jennifer Lopez, sin embargo contiene demasiado relleno y una excesiva abundancia de baladas. Puntuación: 7/10.

7. This Is Me… Now.

En 2002 Jennifer Lopez publicó su tercer álbum de estudio, «This Is Me… Then», que supuso su consolidación en el mundo de la música tras el éxito de sus anteriores trabajos y su consagración como artista. Este álbum resultaba más maduro que los anteriores y estaba dedicado a su pareja por entonces, el actor Ben Affleck, por ello sus letras se centraban en el amor. «This Is Me… Then» fue precisamente la fuente de inspiración para el noveno álbum de estudio de Jennifer Lopez, This Is Me… Now, el cual vio la luz en 2024, una década después de «A.K.A.», su último trabajo discográfico. «This Is Me… Now» está encuadrado dentro del sonido R&B/pop y sigue la estela musical y el carácter mid-tempo de «This Is Me… Then». La artista neoyorquina participó en la composición de todos los temas presentes y contó con la producción de Rogét Chahayed, Jeff ‘Gitty’ Gitelman, Hit-Boy, Yeti Beats, Tay Keith o Bongo By the Way entre otros. Este álbum relata el viaje emocional y espiritual que ha experimentado Jennifer Lopez durante estas últimas dos décadas, como sonados romances, frustradas campanas de boda y el proceso de curación tras las ruptura sentimentales. Las letras de las canciones están inspiradas en su reconexión con Ben Affleck tras años de distanciamiento y su posterior boda. El single presentación del álbum fue Can’t Get Enough, un animado tema pop/R&B que contiene una pequeña interpolación del tema ‘I’m Still in Love’ de Alton Ellis (popularizado por Sean Paul en el single ‘I’m Still in Love With You) y en el que la cantante expresa la gran atracción y conexión que siente por su pareja y afirma que no tiene suficiente de él. Unas semanas antes de la publicación del álbum, la cantante neoyorquina desveló el tema titular, ‘This Is Me… Now’, que se trata de una balada R&B con melodía de arpa y flauta que resume a la perfección la esencia del álbum. En este tema Jennifer muestra su vulnerabilidad relatando el proceso de curación tras una ruptura sentimental, la búsqueda del amor y el posterior periodo de romance, lo que supone un tema recurrente en la discografía de la cantante. El álbum está compuesto principalmente por temas mid-tempo, una decisión coherente teniendo en cuenta que nos encontramos ante una secuela de «This Is Me… Then» (en el que abundaban los medios tiempos con melodías inspiradas en el estilo Soul y numerosos samplers) pero eso se traduce en que muchos de los temas presentes no son tan accesibles e inmediatos como los que aparecían en álbumes como «J.Lo» o «Love?». Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Hearts and Flowers’, un potente tema R&B con influencias Hip Hop en el que hace referencia a su hit ‘Jenny from the Block’ y relata su camino hacia la fama, ‘Greatest Love Story Never Told’, un tema muy melódico y que destaca por la gran ejecución vocal de Jennifer al final de la canción o el medio tiempo ‘Rebound’, que contiene un sonido R&B reminiscencia de la década del 2000 y en el que admite que se refugió en los brazos de Ben Affleck para escapar del dolor que sufría. «This Is Me… Now» supone un evidente paso adelante con respecto al poco memorable «A.K.A.» y se pone al nivel de «This Is Me… Then», pero falla en los mismos puntos que éste último, como la naturaleza demasiado almibarada de las letras y la abundancia de canciones de carácter mid-tempo. Definitivamente Jennifer Lopez no arriesgó en exceso con este trabajo y apostó por lo seguro con sonidos R&B de la década del 2000, pero en conjunto resulta un álbum solvente y más que digno. Puntuación: 7’5/10.

Brave 6. Brave.

Apenas 7 meses después del lanzamiento de su primer trabajo en español, «Como Ama Una Mujer», llegó Brave, que resultaba totalmente diferente al anterior ya que estaba grabado íntegramente en inglés, resultaba más alegre y marchoso y regresaba al estilo habitual de la diva del Bronx. «Brave» está formado en su mayoría por temas up-tempo, encuadrados dentro del pop y el R&B con influencias funk/Disco y que cuentan con varios samplers de canciones de los años 70. Jennifer Lopez participó en la composición de 5 de los temas presentes y contó con una amplia nómina de productores entre los que se encontraban Hit-Boy, J.R. Rotem, Bloodshy & Avant, The Clutch, Ryan Tedder o su habitual colaborador Cory Rooney. «Brave» debutó en un modesto puesto #12 en la lista americana (su peor posición en Estados Unidos e incluso por debajo de «Como Ama Una Mujer») y vendió menos de 200 mil copias en tierras americanas, convirtiéndose en uno de los mayores fracasos del año. El single presentación del álbum fue Do It Well, un enérgico tema pop/R&B con influencia Disco/funk compuesto y producido por Ryan Tedder que recordaba a otro de sus singles más famosos, ‘Get Right’ y recibió buenas críticas por su trepidante ritmo up-tempo y sus pegadizas letras. ‘Do It Well’ logró un desempeño moderado en las listas de ventas: fue #11 en Reino Unido y el top 40 en Estados Unidos, Canadá, Francia o Alemania. Cabe destacar que la intensa promoción de ‘Do It Well’ se produjo cuando Jennifer estaba embarazada de sus gemelos, lo que no le impidió cantar en directo e incluso realizar una compleja coreografía, un hecho digno de admirar. Como segundo single se lanzó Hold It Don’t Drop It, un marchoso tema Disco/funk producido por Cory Rooney que sampleaba una conocida canción Soul de los años 70. Este tema, uno de los más up-tempo y bailables de «Brave», se lanzó como single de manera muy limitada y careció de promoción por parte de la cantante de origen puertorriqueño porque se encontraba en un avanzado estado de embarazo y por ello fracasó en las listas de venta y fue el último lanzamiento del disco. Las canciones más destacadas del álbum son ‘Forever’, un tema R&B mid-tempo producido por Hit-Boy en el que J.Lo declara amor eterno a su pareja, ‘Brave’, un tema dance-pop producido por Bloodshy & Avant en el que habla de su valentía y confianza en sí misma conseguidas gracias al amor o ‘Mile In These Shoes’, un original tema con influencia pop/rock en el que J.Lo habla de los problemas de ser un personaje famoso. Pese a que en el álbum dominan los temas up-tempo también encontramos canciones más tranquilas, como ‘Wrong When You’re Gone’, una emotiva balada R&B originalmente grabada por la cantante Keri Hilson o ‘Never Gonna Give Up’, cuyas letras hablan de una dolorosa ruptura sentimental. «Brave» es uno de los álbumes más desconocidos de Jennifer Lopez y muy infravalorado por parte del público y la crítica, pero que en mi opinión se trata de un trabajo sólido lleno de buenas canciones en el que podemos apreciar una mejora considerable en sus habilidades vocales teniendo en cuenta que siempre se ha caracterizado por tener un rango vocal limitado. En resumen, «Brave» es el ejemplo perfecto de que no siempre calidad es sinónimo de cantidad, puesto que no gozó del éxito que merecía. Puntuación: 7’5/10.

This Is Me...Then 5. This Is Me… Then.

Tras la buena recepción comercial de sus dos primeros álbumes, Jennifer Lopez publicó «J To Tha L-O!», un disco con remixes de sus temas más conocidos. Este álbum resultó un éxito de ventas en Estados Unidos: se convirtió en el primer disco de remixes en alcanzar el #1 en la lista americana, contó con dos singles top 10 y se sitúa en el top 5 de los discos de remixes más vendidos de todos los tiempos. A finales del año 2002 vio la luz el tercer álbum de estudio de la cantante neoyorquina, This Is Me… Then, cuyo título hace referencia al carácter personal e introspectivo de sus canciones, las cuales estaban co-escritas por la propia Jennifer Lopez, quien asumió un mayor papel en el proceso creativo que en sus anteriores trabajos. Las letras de este álbum giran alrededor del amor y está dedicado al actor Ben Affleck, con el que estaba saliendo durante aquella época. Jennifer Lopez confió en su habitual colaborador Cory Rooney para dar forma a este trabajo además de otros productores como Troy Oliver o Trackmasters y en él abandonaba el urban-pop para adentrarse de lleno en un sonido R&B/Soul más adulto (con ciertas pinceladas pop y Hip Hop) que encajaba mejor con el contenido del álbum. A diferencia de «J.Lo», este trabajo profundiza en los medios tiempos y baladas, apenas cuenta con temas up-tempo y destaca por el gran uso de samplers de canciones Soul de los años 70, lo que otorga al disco un sonido retro. «This Is Me… Then» recibió críticas muy variadas de los expertos musicales: por una parte se alabó la evolución musical y su mayor implicación en la composición sin embargo se criticó la gran similitud existente entre los temas presentes, el escaso rango vocal de la cantante, la repetitiva producción y el contenido excesivamente blando en contraposición al carácter marchoso y alegre de su música hasta entonces. «This Is Me… Then» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado doble platino por ventas superiores a los dos millones y medio de copias. En el resto del mundo, aunque tuvo un rendimiento comercial inferior a «J.Lo», ocupó el top 5 en Canadá, Francia y Alemania y fue top 20 en Reino Unido, Australia o España. «This Is Me… Then» está compuesto principalmente por temas mid-tempo, sin embargo los dos primeros singles extraídos podemos considerarlos como una excepción a lo que encontramos dentro del álbum y no representan su esencia ya que incorporan un gran toque urbano y Hip Hop reminiscencia de su reciente álbum de remixes. El single presentación fue Jenny from the Block, un tema Hip Hop y R&B up-tempo producido por Troy Oliver y Cory Rooney que cuenta con la participación de los raperos Jadakiss y Styles y samplea varios temas del ‘Old School Hip-Hop’ en sus escasos tres minutos de duración. Este single destacaba por sus reveladoras y pegadizas letras en las que Jennifer Lopez declaraba que pese a la fama y éxito obtenidos a lo largo de años sigue siendo la misma chica que creció en el humilde barrio neoyorquino del Bronx. ‘Jenny from the Block’ supuso un tremendo éxito para la cantante: alcanzó el #1 en Canadá y ocupó el top 5 en la mayoría de países como Reino Unido, Australia, Estados Unidos o España. ‘Jenny from the Block’ resultó uno de los singles más populares del año 2002 y se ha convertido en uno de los temas más representativos de su carrera musical. El segundo single lanzado fue All I Have, un tema R&B y Hip Hop mid-tempo que cuenta con la participación del veterano rapero LL Cool J y samplea el famoso tema ‘Very Special’ de Debra Laws. Este tema habla de la ruptura de una pareja a raíz de una infidelidad y mientras que Jennifer trata de pasar página, LL Cool J intenta recuperarla y salvar la relación. ‘All I Have’ puede presumir de haber ocupado el #1 en la lista americana de singles (su cuarto ‘chart topper’ en Estados Unidos) y en el resto del mundo alcanzó el #2 en Reino Unido o Australia. Como tercer single del álbum se lanzó I’m Glad, un tema mid-tempo pop/R&B de corte retro que destacaba por su melodía con arpa y en el que relataba la felicidad en su vida tras conocer a Ben Affleck. ‘I’m Glad’ tuvo un impacto moderado en las listas de venta y apenas ocupó el top 40 en Estados Unidos. El último single lanzado fue Baby I Love U!, una balada mid-tempo R&B que hablaba nuevamente del amor incondicional hacia su pareja. Entre los mejores temas del álbum se encuentran ‘Still’, un medio tiempo pop/R&B que abre el álbum y habla de la relación con un ex-amante o ‘You Belong to Me’, que se trata de una versión del tema de Carly Simon pero con mayor influencia latina y que supone el momento más bailable del álbum. Los puntos negativos de «This Is Me… Then» son la similitud entre las canciones presentes debido al carácter mid-tempo predominante, su componente blando y sus repetitivas letras sobre amor. Aún con sus defectos, no es un trabajo de baja calidad en absoluto, sino un álbum nacido de un momento concreto en su vida personal ya que según las propias palabras de Jennifer Lopez lo tituló de esa manera para que pasados los años supiéramos ‘cómo era ella por entonces’. Aunque Jennifer mostraba una mayor madurez como artista en este álbum, su registro vocal era todavía escaso y limitado. Puntuación: 7’5/10.

4. On the 6.

Cuando ya era una actriz reconocida, Jennifer Lopez hizo su debut en el mundo de la música en 1999 con On the 6, cuyo título proviene de la línea de metro que tomaba para hacer las pruebas y castings en su intento por llegar a ser actriz. En un primer momento el entorno de Jennifer creyó que era un movimiento muy arriesgado para una actriz famosa pasarse al mundo de la música, ya que si fracasaba arruinaría su imagen pública, sin embargo su álbum debut resultó un gran éxito y no hizo sino aumentar su popularidad y fama. Jennifer Lopez se rodeó de grandes nombres de la industria musical como Rodney ‘Darkchild‘ Jerkins, el rapero Puff Daddy (quien era su pareja por entonces), Poke and Tone, Ric Wake o Cory Rooney, quien compuso gran parte de las canciones del disco y se convirtió desde entonces en su habitual colaborador. Cabe destacar que Jennifer participó en la composición de 5 temas del álbum. «On the 6» es un álbum ecléctico que fusiona pop, R&B y Latin-pop, aunque también hay cierta influencia del género Hip Hop, ya que Jennifer se crió en el barrio neoyorquino del Bronx, donde este tipo de música es muy popular. Sus influencias latinas vienen de su familia, que es de origen puertorriqueño y por su papel en la película ‘Selena’, el cual le inspiró a dar el salto al mundo de la música. El primer single del álbum fue If You Had My Love, un tema pop/R&B mid-tempo en cuyas letras Jennifer confronta a su interés amoroso con una serie de reglas básicas relativas al inicio de su relación. Este tema no estuvo exento de polémica ya que Darkchild compuso y produjo un tema llamado ‘If I Gave Love’ para la cantante de R&B Chanté Moore y Puff Daddy quiso ese tema para Jennifer, por lo que Darkchild rehizo la canción y la convirtió en ‘If You Had My Love’, pero resultó muy parecido al tema de Chanté Moore, la cual no pudo lanzarlo como single debido a la gran similitud entre ambos temas. Este single se convirtió en un gran éxito en todo el mundo y alcanzó el #1 en la lista de Estados Unidos, Australia o Canadá y fue top 10 en España o Reino Unido, un gran logro para una recién llegada al mundo de la música. El segundo single lanzado fue Waiting for Tonight, un enérgico tema dance-pop y Latin-House en cuyas letras Jennifer compara su vida sexual con una escena de película y que también se ha convertido en una de las canciones más representativas y famosas dentro de su carrera. ‘Waiting for Tonight’ continuó la gran racha comercial de Jennifer y alcanzó el top 5 en Reino Unido, Australia o España y el top 10 en Estados Unidos. Mientras que en Europa se lanzó como tercer single Let’s Get Loud, un tema Latin-pop y dance-pop de letras muy pegadizas originalmente grabado por Gloria Estefan, para el mercado americano y anglosajón se eligió Feelin’ So Good, el tema más Hip Hop del disco, producido por Puff Daddy y que contaba con la colaboración de dos importantes raperos, Fat Joe y Big Pun, el cual falleció poco después de rodar el videoclip. Dentro del disco podemos encontrar desde temas de influencia R&B como el medio tiempo ‘Too Late’ hasta canciones con gran inspiración latina como el marchoso ‘Open Off My Love’ o el híbrido R&B/Latin-pop ‘It’s Not That Serious’ producido por Darkchild. También hay espacio para los temas lentos como ‘Should’ve Never’, que cuenta con un prominente uso de guitarra española y unas letras muy sensuales o ‘No Me Ames’, una emotiva balada a dúo con el cantante Marc Anthony, quien años mas tarde se convertiría en su marido. Aunque por entonces Jennifer Lopez no era una cantante profesional y contaba con un registro muy limitado, su voz resultaba muy cálida y agradable. «On the 6» es un debut sólido y el álbum más influenciado por la música latina de toda su carrera, con canciones en español e inglés y una producción pop/R&B de gran nivel. Puntuación: 8/10.

3. Rebirth.

Con su carrera como cantante totalmente asentada, en 2005 vio la luz el cuarto álbum de estudio de Jennifer Lopez, Rebirth, cuyo título hace referencia a su renacimiento personal tras la sobreexposición en los medios de comunicación que vivió durante la época de su relación con el actor Ben Affleck, lo que le hizo madurar como persona y adquirir gran experiencia. Tras la promoción de «This Is Me… Then», la cantante de origen puertorriqueño se centró en su faceta como actriz y una vez que rompió con Ben Affleck se tomó un tiempo de descanso y volvió a reconectar con una persona muy especial de su pasado, Marc Anthony, con el que se casó en 2004. «Rebirth» está formado por un compendio de medios tiempos pop/R&B y temas up-tempo con influencia funk, dance-pop o Hip Hop y cuenta con la producción de su habitual colaborador Cory Rooney además de otros importantes nombres de la industria musical como Darkchild, Rich Harrison, Tim & Bob, Timbaland, Danja y su por entonces marido Marc Anthony. «Rebirth» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias en Estados Unidos, lo que suponía unas cifras notoriamente inferiores a las de sus anteriores trabajos. En el resto del mundo resultó un éxito moderado y ocupó el top 10 en los principales mercados europeos. El single presentación del álbum fue Get Right, un marchoso tema R&B y dance-pop con influencia funk y Hip Hop producido por Rich Harrison. En los créditos de este tema aparece Usher como compositor ya que ‘Get Right’ es en realidad una versión remodelada de ‘Ride’, un descarte de las sesiones de grabación de su álbum «Confessions», que tras ser rechazado por el cantante fue a parar a manos de Jennifer Lopez, aunque Rich Harrison modificó gran parte de las letras originales manteniendo intacta su melodía. ‘Get Right’ recibió buenas críticas de los expertos musicales por su trepidante ritmo, sus pegadizas letras y su sonido ‘Old School’. En el terreno comercial resultó un éxito: fue #1 en Reino Unido y ocupó el top 5 en importantes mercados musicales como Australia, Canadá, Francia o España, aunque en Estados Unidos solo alcanzó el #12 (la peor posición de un ‘lead single’ hasta la fecha). Como segundo single se lanzó Hold You Down, una balada Hip-Hop/R&B que cuenta con la colaboración del rapero Fat Joe (amigo de la cantante, también originario del Bronx y quien ya participó en ‘Feelin’ So Good’ de su álbum debut). Este single habla de la amistad entre ambos artistas, que comparten raíces latinas y su procedencia de uno de los barrios más humildes de Nueva York, por lo que siempre se han apoyado a lo largo de su carrera. ‘Hold You Down’ tuvo un rendimiento comercial muy mediocre en Estados Unidos y apenas ocupó el top 70 en la lista americana aunque tuvo fue top 10 en Reino Unido. Debido a la rápida caída en las ventas de «Rebirth» solo fueron lanzados dos singles. Dentro del álbum encontramos varios temas muy interesantes, como ‘Step Into My World’, que se trata de un pegadizo tema R&B mid-tempo producido por Darkchild que cuenta con una adictiva melodía y unas letras muy sensuales en las que J.Lo intenta seducir a su amante, ‘He’ll Be Back’, un medio tiempo R&B producido por Timbaland y Danja que cuenta con una hipnótica melodía inspirada en la música del Medio Oriente y en el que habla de su ruptura con Ben Affleck o ‘I Got U’, un marchoso tema pop/R&B up-tempo que Darkchild compuso inspirándose en la relación de amor de Jennifer con Marc Anthony. En resumen, «Rebirth» es un álbum sólido que nos muestra una Jennifer más madura y serena, aunque como puntos en contra encontramos unas letras en general poco personales y el limitado rango vocal de la cantante. «Rebirth» fue muy infravalorado por la crítica y es una verdadera lástima que recibiera una escasa promoción por parte de Jennifer ya que quedaron en el tintero grandes canciones que pudieron haber triunfado. Puntuación: 8/10.

Love? 2. Love?.

Durante los primeros años de la década del 2000 la popularidad de Jennifer Lopez estaba en su mejor momento gracias a una sucesión de singles que ocuparon las primeras posiciones en las listas de venta, sin embargo a finales de la década sufrió una espiral decreciente en su éxito comercial tras el tibio recibimiento de su álbum en español y el fracaso de «Brave». Cuando su carrera estaba en la cuerda floja, Jennifer resurgió de sus cenizas como el ave fénix con su séptimo álbum de estudio, Love?, el cual vio la luz en 2011 y está formado por una mezcla de las canciones que grabó en Epic antes de abandonar dicha discográfica y acabaron filtrándose en internet y nuevos temas grabados dentro de Island Def Jam, su nuevo sello discográfico. «Love?» marca una divergencia musical con respecto a los anteriores trabajos de la cantante neoyorquina y está formado principalmente por temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop (el sonido de moda en la década del 2010) además de varios temas R&B mid-tempo. Los productores implicados en este proyecto fueron RedOne (artífice de los primeros éxitos de Lady Gaga), Stargate, Danja, Tricky Stewart, The Dream o D’Mile y cabe destacar que J.Lo sólo participó en la composición de un tema del álbum. «Love?» tuvo un desempeño comercial positivo: debutó en el top 10 en los principales mercados y superó los dos millones de copias a nivel mundial, lo que suponía un evidente paso adelante con respecto a las escasas ventas de «Brave». El single presentación del álbum fue On the Floor, un enérgico tema dance-pop con influencia House y Latin-pop producido por RedOne y que cuenta con la colaboración de Pitbull. Este tema llamó la atención del público por incorporar una interpolación de la famosa melodía de la ‘Lambada’ (popularizada por Kaoma, pero perteneciente originalmente a la canción ‘Llorando se fue’). Jennifer quiso imprimir en este tema sus raíces latinas y rendir homenaje a sus orígenes como bailarina. En el terreno comercial ‘On the Floor’ resultó un tremendo e inesperado éxito: ocupó el #1 en más de 20 países de todo el mundo (en Estados Unidos alcanzó el #3, uno de los pocos mercados donde no lideró la lista de ventas) y acabó vendiendo 8 millones de copias, convirtiéndose en uno de los singles más importantes de aquel año. Como segundo single se lanzó I’m Into You, un tema mid-tempo pop/R&B con influencia caribeña producido por Stargate y que cuenta con la colaboración del rapero Lil Wayne. ‘I’m Into You’ permaneció a la sombra del éxito de ‘On the Floor’ y tuvo un desempeño comercial moderado, aunque consiguió alcanzar el top 10 en Reino Unido y el top 20 en España o Alemania. Como tercer single se lanzó Papi, un marchoso tema dance-pop con influencia Latin-pop producido por RedOne en el que Jennifer declara su pasión por bailar para su hombre. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Invading My Mind’ e ‘Hypnotico’, dos bailables temas dance-pop y electropop compuestos por Lady Gaga y RedOne, ‘Good Hit’, un tema R&B up-tempo o ‘Everybody’s Girl’, perteneciente a las sesiones originales del álbum. Uno de los temas más destacados del álbum es ‘One Love’, compuesto por la propia Jennifer y que se trata de un tema mid-tempo R&B producido por D’Mile en el que repasa su ajetreado curriculum sentimental y hace referencias a sus antiguos novios Diddy o Ben Affleck. En resumen, «Love?» es un álbum bailable formado por canciones divertidas y alegres, aunque también se trata de un trabajo personal en el que J.Lo habla del amor y de las experiencias con los hombres a lo largo de su vida. Sin duda este álbum supuso un importante regreso al panorama musical tras varios fracasos comerciales y se trata de uno de sus álbumes más sólidos. Puntuación: 8’5/10.

J.Lo 1. J.Lo.

«On The 6» resultó un gran éxito de ventas y superó ampliamente las expectativas puestas en él, por lo que la discográfica de Jennifer Lopez no dudó en dar continuidad a su faceta como cantante. En 2001, sin apenas un respiro, vio la luz J.Lo, su segundo álbum de estudio. Pese a que en un principio no le gustaba demasiado el apodo ‘J.Lo’ con el que se referían a ella sus fans y los medios de comunicación, Jennifer Lopez finalmente decidió titular de esta manera su segundo trabajo discográfico. Debido al éxito que consiguieron los temas más urbanos de «On The 6», para su siguiente álbum Jennifer profundizó en el sonido R&B y se unió a importantes productores de este género, como P. Diddy (su pareja por entonces), Mario Winans, Ric Wake, Darkchild o Troy Oliver, además de su colaborador habitual Cory Rooney. Aunque podemos encuadrar a «J.Lo» dentro del pop y el R&B, resulta un álbum muy ecléctico que incorpora elementos Latin-pop, dance-pop y electropop. La edición original del álbum contaba con dos temas originales en español (‘Si Ya Se acabó’ y ‘Dame’, un dueto junto a Chayanne), mientras que la edición que llegó a España y Latinoamérica añadía 3 versiones en español de temas originalmente grabados en inglés y la edición internacional contaba con varios temas inéditos en inglés además del remix Hip Hop de ‘I’m Real’ junto a Ja Rule. Este álbum tuvo un gran desempeño comercial y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Canadá, Alemania o España y ocupó el top 5 en Reino Unido o Australia. Las ventas de «J.Lo» se mantuvieron muy consistentes durante los siguientes meses debido a la buena aceptación de los sencillos lanzados y el álbum acabó siendo certificado 4 veces platino en Estados Unidos y vendió más de 8 millones de ejemplares en todo el mundo. La misma semana en que «J.Lo» alcanzaba la posición de honor en la lista de ventas de Estados Unidos, su película ‘The Wedding Planner’ se convertía en #1 de taquilla en los cines americanos, haciendo de Jennifer la única artista en conseguir de manera simultánea un álbum y una película #1. El single presentación del álbum fue Love Don’t Cost a Thing, un pegadizo tema pop/R&B up-tempo producido por Cory Rooney y Ric Wake en el que Jennifer relata cómo su hombre intenta ganarse su amor con caros regalos pero ella confiesa que su amor no se compra con dinero. Muchos creyeron que dicho mensaje iba dirigido al rapero P. Diddy, su pareja por entonces y con el que rompió poco después del lanzamiento del disco. ‘Love Don’t Cost a Thing’ cosechó un gran éxito comercial (fue #1 en Reino Unido, Canadá o España y top 5 en Estados Unidos o Australia) y se ha convertido en una de las canciones más representativas de Jennifer. En 2001 se lanzó como segundo single Play, uno de los temas con mayor componente electrónico del disco, compuesto por Cory Rooney y la cantante Christina Milian (la cual también participa haciendo los coros) en el que Jennifer pedía al DJ que le pusiera su canción favorita. Este tema electropop con toque funk y notoria presencia de guitarra eléctrica recibió algunas críticas negativas por parte de los expertos musicales. ‘Play’ obtuvo un rendimiento moderado en las listas de venta y ocupó el top 20 en Reino Unido, Australia y Estados Unidos. Como tercer single se lanzó Ain’t It Funny, el tema más Latin-pop del álbum, compuesto por la propia Jennifer y que comenzaba con la frase en español «estoy loca, enamorada de ti». Este tema contaba con una versión en español titulada ‘Qué Ironía’, recibió buenas opiniones de los expertos, los cuales la consideraron una reminiscencia del lado latino de «On The 6» y obtuvo una gran respuesta comercial en Europa, donde ocupó el top 10 en Reino Unido y España. Como cuarto single se eligió I’m Real, un marchoso tema pop/R&B up-tempo de sonido retro producido por Cory Rooney junto a Troy Oliver. Para la reedición del disco se grabó un remix de dicho tema con sonido Hip Hop junto al rapero Ja Rule titulado I’m Real (Murder Remix), el cual también fue lanzado como single y debido a su buena respuesta dentro del circuito urbano acabó alcanzando el #1 en la lista americana, convirtiéndose en el segundo single de Jennifer Lopez que llegaba a lo más alto en Estados Unidos. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘That’s the Way’, que combina percusión tribal con la producción R&B típica de Darkchild, ‘Si Ya Se Acabó’, un emotivo tema en español en el que destaca especialmente la voz de Jennifer, ‘I’m Gonna Be Alright’, un tema pop/R&B que más tarde sería lanzado en forma de remix o ‘Walking On Sunshine’, un tema up-tempo de sonido electrónico que comparte similitudes con su hit ‘Waiting for Tonight’. Algunos expertos musicales opinaron que «J.Lo» estaba sobreproducido y criticaron la limitada voz de Jennifer Lopez como puntos negativos del álbum, sin embargo yo lo considero uno de los mejores álbumes de principios de la década del 2000 y el ejemplo perfecto del sonido ‘urban pop’ que triunfó durante aquellos años. «J.Lo» fue uno de los primeros CD’s que tuve por lo que le tengo un gran cariño, me trae muy buenos recuerdos y se ha convertido en uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos. Pese a su larga extensión no sobra casi ninguna canción (quizás únicamente las insípidas baladas ‘Come Over’ y ‘Secretly’). En resumen, «J.Lo» es el trabajo más completo, variado y representativo de la trayectoria musical de Jennifer Lopez. Puntuación: 9/10.

Crítica de «Something Beautiful» de Miley Cyrus

junio 2, 2025agosto 31, 2025deividtoxic4 comentarios

Miley Cyrus vivió un gran momento profesional en 2023 gracias al tremendo éxito cosechado por el single ‘Flowers’, el cual alcanzó el #1 en las listas de prácticamente todo el mundo y consiguió cifras astronómicas de streaming (actualmente supera los dos mil millones de reproducciones en Spotify). Este tema pertenecía a «Endless Summer Vacation», un álbum irregular y que no repitió el éxito del single anteriormente mencionado. Dos años después de «Endless Summer Vacation» ha llegado el noveno trabajo discográfico de la cantante americana, Something Beautiful, que se trata de un álbum visual que contiene una temática existencial y se centra en el proceso de curación de los traumas y encontrar la belleza incluso en los rincones más oscuros de la vida. En el terreno musical, «Something Beautiful» es un álbum encuadrado dentro del pop que incorpora influencias dance-pop, pop/rock, synth-pop o Disco, sin embargo destaca por su carácter experimental y contiene cambios de ritmo y elementos disruptivos, por lo que podríamos denominarlo como pop progresivo. Miley ha participado en la composición de los 13 temas presentes y ha contado con la ayuda de un gran número de compositores y productores de la talla de Shawn Everett, Kid Harpoon, Michael Pollack, Jonathan Rado, Alec O’Hanley o BJ Burton entre otros. Las letras de las canciones hablan sobre el desamor, la muerte, la incertidumbre de la existencia y encontrar un punto de belleza en los momentos más difíciles de nuestra vida. El componente lírico es uno de los aspectos más destacados del álbum y muestra una gran madurez y evolución de Miley como compositora. El single presentación del álbum ha sido End of the World, un tema pop up-tempo de sonido retro que contiene influencias dance-pop y Disco y cuyas letras hablan de vivir la vida al máximo como si llegara el fin del mundo. A diferencia de otros ‘lead singles’ de Miley, ‘End of the World’ ha tenido un mediocre rendimiento comercial y apenas ha alcanzado el top 25 en Reino Unido y el top 60 en Australia o Estados Unidos.

Durante los últimos meses se han lanzado varios sencillos promocionales como aperitivo del álbum. Uno de ellos fue ‘Something Beautiful’, que se trata de una balada de R&B alternativo con elementos jazz y Soul (aunque durante el estribillo incorpora elementos experimentales y del rock progresivo acompañado de voces distorsionadas por parte de Miley) cuyas letras hacen referencia a la búsqueda de las cosas bonitas que ofrece la vida. También fue lanzado ‘More to Lose’, una balada de rica instrumentación que habla de una relación fallida y muestra el lado más honesto y personal de Miley. Coincidiendo con la publicación del álbum ha llegado otro sencillo promocional, ‘Easy Lover’, que se trata de un tema pop/rock cuyas letras hablan de una complicada relación en la que Miley es incapaz de dejar a su pareja incluso cuando el amor se vuelve doloroso. Este tema, en el que observamos su lado más vulnerable y emotivo, fue compuesto durante las sesiones de grabación de «Plastic Hearts» pero fue descartado de la edición final del álbum.

En la primera parte del álbum se concentran los sencillos promocionales pero aparecen demasiados temas lentos y dos interludios innecesarios. La segunda parte resulta notablemente superior y encontramos canciones más bailables, divertidas y que destacan por su larga duración. Entre los temas más destacados se encuentran ‘Golden Burning Sun’, un tema mid-tempo con cierto aroma pop/rock que habla del amor incondicional o ‘Walk of Fame’, un tema synth-pop de carácter up-tempo cuyas letras hacen referencia de los efectos que conllevan la fama y el estrellato. También merece la pena reseñar ‘Reborn’, un himno de renacimiento personal a través de la iluminación espiritual o ‘Every Girl You’ve Ever Loved’, un tema muy bailable y discotequero que cuenta con una intervención tan innecesaria como prescindible por parte de Naomi Campbell.

En resumen, «Something Beautiful» es un álbum elegante y bien producido que destaca por su componente lírico y su variedad de géneros presentes. Además de su labor como compositora, se aprecia una gran evolución como artista de Miley Cyrus. Mientras que «Endless Summer Vacation» contenía demasiado relleno y no resultaba un álbum especialmente memorable pero albergaba singles llamativos y de gran calidad, «Something Beautiful» es cohesivo, muestra un carácter experimental a la vez que resulta comercial y accesible, sin embargo no hay hits potenciales ni temas especialmente distintivos, aunque sí un conjunto muy digno de ‘album tracks’. Temas imprescindibles: End of the World, Easy Lover, Walk of Fame, Golden Burning Sun y Reborn. Puntuación: 7/10.

Los mejores álbumes de Britney Spears

mayo 28, 2025octubre 21, 2025deividtoxicDeja un comentario

glory 8. Glory.

En 2013 vio la luz el álbum Britney Jean, el cual recibió críticas mayoritariamente negativas por su producción desfasada por parte de Will.I.Am y su sonido machacón y obtuvo unas ventas muy bajas, marcando mínimos en la carrera de Britney Spears. En 2016, mientras la cantante se encontraba inmersa en su residencia de conciertos en Las Vegas, llegó su noveno álbum de estudio, Glory, que se trata de su trabajo más maduro y último publicado hasta la fecha. Mientras que «Britney Jean» estaba formado principalmente por temas up-tempo de estilo dance-pop y varias baladas, en «Glory» abundan los medios tiempos y llama la atención los pocos temas up-tempo que aparecen. La otra gran diferencia es su estilo musical, ya que «Glory» se aleja del sonido electropop de sus anteriores trabajos para profundizar en un pop más alternativo con gran influencia del sonido R&B. «Glory» se sumerge en una atmósfera más ambiental y orgánica con la voz de Britney más clara, en primera línea y por encima de la producción, que no resulta tan pesada como en «Britney Jean». La cantante americana se rodeó de productores relativamente poco conocidos como Mattman & Robin, Nick Monson, Jason Evigan, Burns o BloodPop, además de los compositores Julia Michaels y Justin Tranter. En el terreno comercial «Glory» debutó en el top 5 de las principales listas de venta de todo el mundo, pero obtuvo unas ventas muy bajas. El single presentación del álbum fue Make Me, una balada pop/R&B de sonido enigmático que cuenta con la participación del rapero G-Eazy y contiene unas letras muy sugerentes en las que Britney demanda satisfacción sexual a su amante. Este tema evidenciaba un cambio de dirección musical y una mayor madurez por parte de Britney y recibió críticas muy positivas por parte de los expertos musicales. ‘Make Me’ tuvo un impacto moderado en las listas de venta y ocupó el top 20 en Estados Unidos, Francia o Canadá y el top 50 en Reino Unido o Australia. El segundo single lanzado fue Slumber Party, un tema mid-tempo R&B con influencia reggae que contiene unas letras de naturaleza sexual y habla de las aventuras de una noche y fiestas de pijama. ‘Slumber Party’ tuvo un mediocre desempeño comercial en las listas de venta y ningún single más fue lanzado del álbum. Como sencillo promocional se lanzó ‘Do You Wanna Come Over?’, un tema dance-pop y electropop con un uso de las guitarras eléctricas y que resultaba uno de los pocos temas up-tempo del álbum. En 2020 el álbum fue reeditado con temas nuevos, entre los que destaca ‘Mood Ring’, un tema electro-R&B producido por DJ Mustard en cuyas letras Britney decide qué versión de sí misma quiere ofrecer a un posible pretendiente. Los puntos fuertes del álbum son la ejecución y versatilidad vocal de Britney («Glory» es el primer álbum en mucho tiempo en el que sus habilidades vocales lucen especialmente), la gran producción y el sólido y consistente conjunto de canciones presentes, donde apenas existe relleno. Puntuación: 8/10.

Circus 7. Circus.

2008 fue un año clave en la carrera profesional de Britney Spears ya que tras graves problemas de salud, personales y familiares vividos durante los años anteriores, recuperó el estatus de princesa del pop que ostentaba a principios de la década gracias al lanzamiento de su sexto álbum de estudio. Un año antes, mientras Britney vivía una de sus peores épocas, vio la luz «Blackout», el cual fue elogiado por los críticos, es considerado como el mejor disco de toda su trayectoria y ha sido incluido en varias listas que recogen los mejores álbumes de todos los tiempos. El sexto álbum de estudio de Britney, titulado Circus, llegó apenas un par de meses después de los premios MTV Video Music Awards, donde la cantante fue la triunfadora de la noche y presentó una imagen muy recuperada que auguraba el inicio de una gran época en su trayectoria profesional. «Circus» mantiene el toque electrónico de «Blackout», pero pierde su sonido urbano y oscuro en favor de melodías pop más ligeras y comerciales en un intento por recuperar su público inicial que perdió años atrás. «Circus» está encuadrado dentro del pop, electropop y dance-pop y cuenta con la producción de Danja y Bloodshy & Avant, además de otros importantes nombres de la industria musical como Dr. Luke, Benny Blanco, Guy Sigsworth o Max Martin. «Circus» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el quinto álbum de la princesa del pop que llegaba a lo más alto en Estados Unidos con más de 500 mil copias en su primera semana a la venta, unas cifras muy altas que jamás volvería a ver Britney. «Circus» acabó siendo certificado platino en Estados Unidos por ventas superiores al millón y medio de copias, un notable incremento con respecto a «Blackout», su álbum menos vendido hasta la fecha. En el resto del mundo también tuvo un desempeño muy positivo, alcanzando el #1 en Canadá o el top 10 en Australia, Alemania o Reino Unido, con ventas superiores a los 4 millones de copias a nivel internacional. El single presentación del álbum fue Womanizer, un enérgico tema electropop y dance-pop producido por The Outsyders cuyas reveladoras letras acerca de una pareja infiel y el pegadizo estribillo resultan tremendamente adictivos y lo convertían en un auténtico himno de empoderamiento femenino. ‘Womanizer’ obtuvo un tremendo éxito y devolvió a Britney a los primeros puestos de las listas de venta: alcanzó el #1 en Estados Unidos y se convirtió en su segundo ‘chart topper’ en la lista americana después de una década. ‘Womanizer’ superó los tres millones y medio de copias digitales en Estados Unidos, haciendo de él su tema más vendido en este formato en tierras americanas. A nivel internacional, también tuvo un espectacular rendimiento comercial y alcanzó el #1 en Francia o Canadá y top 5 en Reino Unido, Alemania y Australia. ‘Womanizer’ recibió críticas positivas por parte de los expertos musicales y consiguió una nominación a mejor canción Dance en los premios Grammy. El segundo single lanzado fue la canción titular, Circus, que se trata de un tema electropop con gran uso de sintetizadores producido por Dr. Luke y Benny Blanco en el que Britney utiliza la técnica sing/rap y compara su pasión por el mundo del espectáculo con ser una domadora de circo, mostrando a la perfección la esencia del álbum. ‘Circus’ tuvo un desempeño comercial muy positivo en Estados Unidos y alcanzó el #3, una de sus mejores posiciones en la lista americana. En el resto del mundo no logró este nivel de éxito pero ocupó el top 10 en Australia o Canadá y top 15 en Reino Unido y Alemania. Como tercer single llegó If U Seek Amy, la aportación de Max Martin al álbum y que se trataba de un original tema dance-pop que recuerda a las antiguas producciones del sueco para Britney. ‘If U Seek Amy’ recibió buenas críticas por ser uno de los temas más pegadizos y bailables del álbum y se alabó la ejecución vocal de Britney, sin embargo también resultó muy polémico por sus letras con doble sentido. ‘If U Seek Amy’ tuvo un desempeño moderado en las listas de venta y ocupó el top 20 en Estados Unidos o Reino Unido. El cuarto y último single del álbum fue Radar, originalmente perteneciente al álbum «Blackout» pero que se incluyó posteriormente como bonus track en «Circus» y lanzado como single por motivos contractuales con los productores del tema, Bloodshy & Avant. Este tema electropop con gran uso de sintetizadores resulta tremendamente pegadizo y la voz de Britney aparecía muy distorsionada por los trucos de producción. En resumen, podemos considerar a «Circus» como el hermano más refinado y pulido de «Blackout», ya que conserva el estilo electropop y los ritmos bailables pero resulta más comercial y accesible para el gran público. Además supuso un importante regreso de la cantante a la escena musical con una imagen sana y recuperada tras los malos momentos sufridos en los últimos años. «Circus» no es el mejor álbum de la trayectoria de Britney Spears pero se puede escuchar prácticamente en su totalidad ya que apenas sobran un par de canciones y destaca por tener una de las selecciones de singles más acertadas de toda su trayectoria. Puntuación: 8/10.

In_The_Zone 6. In the Zone.

Después de unos años de intenso trabajo en los que Britney Spears alcanzó la cima del mundo del pop gracias a tres álbumes de ventas millonarias, la cantante americana se tomó unos meses de descanso en 2002 tras la gira promocional de su tercer trabajo y la separación de su novio Justin Timberlake. Un año después vio la luz su cuarto álbum de estudio, In the Zone, el cual destacó desde un principio por su divergencia con respecto al sonido presente en sus primeros trabajos ya que se distancia de su clásico sonido ‘teen pop’ para adentrarse de lleno en la música electrónica, aunque es un álbum muy ecléctico que incluye influencias Dance, House, R&B o Hip Hop. Mientras que Britney Spears apenas participó en la composición de sus primeros álbumes, en «In the Zone» se involucró en mayor medida en el proceso creativo y participó en la composición de 9 de las canciones presentes en el álbum. «In the Zone» también destaca sin duda por la temática de las canciones, que muestran a una Britney más madura y cómoda hablando de su propia sexualidad, ya que el sexo es uno de los temas principales en el álbum, además de las relaciones amorosas y es considerado el álbum más autobiográfico de la cantante hasta la fecha. Max Martin, quien fue pieza esencial en el éxito inicial de Britney Spears, no participó en este álbum por diferencias creativas y a su vez trabajó con un amplio rango de productores como Bloodshy & Avant, Tricky Stewart, Guy Sigsworth, R.Kelly, Diddy o Moby entre otros. «In The Zone» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes (su cuarto álbum ‘chart topper’ consecutivo) con más de 600 mil copias en su primera semana, las segundas cifras más altas del año por parte de una artista femenina y acabó siendo certificado doble platino en Estados Unidos con ventas superiores a los tres millones de ejemplares. En el resto del mundo, también resultó un éxito comercial y alcanzó el #1 en Francia y el top 10 en Australia, Canadá o Alemania, aunque en importantes mercados como Reino Unido y España apenas fue top 15. El single presentación del álbum fue Me Against the Music, un marchoso tema dance-pop con influencias funk, R&B y Hip Hop compuesto por Britney Spears junto a Tricky Stewart y que cuenta con la participación de Madonna, su gran ídolo. ‘Me Against The Music’ tuvo un rendimiento comercial moderado en la lista americana de singles y apenas ocupó el top 40, sin embargo en el resto del mundo resultó muy exitoso y alcanzó el #1 en España, Australia o Irlanda y fue top 5 en Reino Unido, Canadá o Alemania. ‘Me Against the Music’ recibió críticas tibias por parte de los expertos musicales y algunos expertos lo catalogaron como uno de sus singles menos memorables y con una presencia de Madonna poco aprovechada. Como segundo single llegó el que se convertiría en uno de los singles más famosos, representativos y exitosos de la carrera de Britney Spears. Me refiero a Toxic, un enérgico tema dance-pop y electropop con melodía inspirada en la música Bhangra producido por Bloodshy & Avant, cuyas letras hacen referencia a un amante peligroso y que resulta como una droga adictiva para la cantante. ‘Toxic’ se convirtió en uno de los mayores éxitos del 2004: debutó en lo más alto de las listas de venta de Reino Unido o Australia, fue top 5 en España, Francia o Alemania y top 10 en Estados Unidos. ‘Toxic’ fue elogiado por los expertos musicales por su adictivo ritmo y su pegadizo estribillo y recibió un premio Grammy a mejor grabación Dance, el único que ostenta Britney. Con más de mil millones de reproducciones en Spotify, ‘Toxic’ es la canción más escuchada de Britney en dicha plataforma musical. Como tercer single se lanzó Everytime, una balada pop a piano compuesta íntegramente por Britney y producida por Guy Sigsworth en la que pide perdón por haber hecho daño involuntariamente a su pareja (muchos vieron esta canción como la respuesta a ‘Cry Me a River’ de Justin Timberlake tras la ruptura de la relación). ‘Everytime’ fue elogiada por la crítica por la emotividad en la voz de Britney y su labor como compositora y fue considerada como la canción más destacada del álbum y una de sus mejores baladas. ‘Everytime’ resultó nuevamente un éxito y consiguió el #1 en Reino Unido o Australia y ocupó el #15 en la lista americana. Como cuarto single del álbum tenía previsto lanzarse Outrageous, pero mientras Britney grababa su videoclip en Nueva York, sufrió una caída durante una coreografía y se rompió la rodilla izquierda, por lo que tuvo que ser operada de urgencia y el lanzamiento del single se canceló. ‘Outrageous’ es un tema R&B up-tempo compuesto y producido por R. Kelly que destaca por su melodía hipnótica inspirada en el música del Medio Oriente y sus influencias Hip Hop, convirtiéndolo en uno de los temas más urbanos de Britney hasta la fecha. Mientras que el álbum «Britney» es considerado un punto de inflexión en la carrera de la cantante de Louisiana al dejar atrás su antigua imagen adolescente y mostrar una faceta más sexy, «In The Zone» nos presenta a una Britney ya adulta, más madura y cómoda hablando de sexo y resulta un trabajo original y arriesgado. Este álbum contiene hits incontestables de Britney como ‘Toxic’ o ‘Everytime’ y resulta muy variado musicalmente. Puntuación: 8/10.

5. …Baby One More Time.

Tras participar en el Club Disney americano, Britney Spears formó parte brevemente de un grupo femenino e hizo audiciones para varias discográficas, las cuales rechazaron a la joven cantante argumentando que lo que buscaban en esos momentos eran grupos y no artistas solistas, sin embargo los ejecutivos de Jive quedaron asombrados con la audición de Britney interpretando ‘I Have Nothing’ de Whitney Houston y decidieron hacerle un contrato y ficharla en su discográfica. Britney, con tan sólo 16 años, viajó a Suecia para trabajar en su primer álbum con Max Martin, Rami y Denniz Pop en los famosos estudios Cheiron de Estocolmo. Bajo las astutas manos de Max Martin, Britney Jean Spears grabó varias de las canciones de su disco debut, incluyendo un tema que fue rechazado por el grupo americano TLC y el cual cambiaría su vida. Estoy hablando obviamente de …Baby One More Time, el primer single de Britney, el cual irrumpió las radios en octubre de 1998 y se convirtió en uno de los mayores éxitos de toda la historia de la música. Este tema, originalmente llamado ‘Hit Me One More Time’ fue ofrecido a varios grupos antes de caer en manos de Britney y sus letras y título tuvieron que ser modificados en parte para adaptarlo a la perspectiva de una adolescente. Este single alcanzó el #1 en las listas de venta de más de 20 países, vendió 10 millones de copias en todo el mundo y la catapultó a lo más alto del panorama pop. Tras este éxito sin precedentes para una artista adolescente, en enero de 1999 vio la luz el álbum debut de Britney, titulado también …Baby One More Time en intento por rentabilizar la enorme popularidad obtenida por el single de idéntico nombre. El álbum, respaldado por un single triunfal, obtuvo una extraordinaria acogida en todo el mundo: fue #1 en Estados Unidos, Canadá o Alemania y ocupó el #2 en Reino Unido, España o Australia. En Estados Unidos debutó en lo más alto con unas discretas ventas, pero pasados los meses y gracias al apoyo de los siguientes singles promocionales, el álbum acabó siendo certificado diamante por ventas superiores a los 10 millones de copias (actualmente es 14 veces platino), convirtiéndose en la artista americana más joven en obtener un disco de diamante. Alrededor del mundo «…Baby One More Time» ha vendido más de 25 millones de ejemplares, formando parte de la lista de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. El segundo single lanzado fue Sometimes, que se trata de bonita balada pop mid-tempo en cuyas letras la cantante pedía a su interés amoroso que se tomara las cosas con calma a la hora de conquistarle. ‘Sometimes’ tuvo un desempeño comercial positivo y ocupó el #2 en Australia o el #3 en Reino Unido, sin embargo en la lista americana fue un éxito moderado y sólo alcanzó el top 25. Como tercer single se lanzó (You Drive Me) Crazy, un enérgico tema dance-pop que con el tiempo se ha convertido en uno de los temas más icónicos del álbum y una de las canciones más representativas de su carrera inicial. ‘Crazy’ superó el desempeño comercial de Sometimes y alcanzó el top 10 en la lista americana y el top 5 en Reino Unido, Francia o Canadá. Como cuarto single para los mercados europeos se optó por Born to Make You Happy, un melódico tema pop en el que Britney intenta averiguar qué salió mal en su relación y que resulta uno de los momentos más profundos del álbum y en el que Britney alcanza sus notas más altas. En Estados Unidos, Canadá y Australia como último single se lanzó From the Bottom of My Broken Heart, una de las grandes baladas del disco, con la que la joven cantante de Louisiana anotó otro top 20 en la lista americana. «…Baby One More Time» está formado por un compendio de marchosos temas dance-pop y clásicas baladas. Dentro de los temas más bailables encontramos ‘I Will Be There’, la tercera aportación de Max Martin al disco, que destacaba por el uso de guitarra eléctrica, resultó una de las canciones favoritas de los fans y hubiera sido una gran apuesta como single o ‘Deep In My Heart’, otro marchoso tema dance-pop muy noventero que sólo fue incluido en la versión internacional del álbum. «…Baby One More Time» se ha convertido no solo en uno de los álbumes más exitosos de la historia de la música, sino uno de los más influyentes dentro de la década de los 90 y que sirvió de inspiración a una generación entera de cantantes, que más tarde copiarían el estilo de Britney y su puesta en escena. Este álbum ha aparecido en numerosas listas que lo sitúan como uno de los referentes de la música pop y consiguió múltiples premios (entre ellos Billboard y American Music Awards) aunque perdió el codiciado Grammy a mejor nuevo artista a manos de su compañera Christina Aguilera. En definitiva, «…Baby One More Time» es una obra maestra del pop que forma parte de los álbumes más icónicos de la década de los 90. Puntuación: 8’5/10.

Britney_Spears_-_Britney 4. Britney.

En 2001, Britney Spears publicó su tercer álbum de estudio, titulado simplemente Britney, que hacía referencia al carácter personal de sus canciones y reflejaba el periodo vital por el que estaba pasando la cantante en esa época. Aunque está encuadrado dentro del pop y el dance-pop como sus dos anteriores trabajos, «Britney» es un álbum más variado musicalmente y profundiza en el sonido R&B, además de incorporar ciertos elementos electrónicos, funk y pop/rock. Britney siguió confiando en sus habituales colaboradores Max Martin y Rami (responsables de la mayoría de sus éxitos y que produjeron 4 temas para este álbum) o Darkchild, sin embargo se unió a nuevos productores como The Neptunes, que aportaron un sonido más moderno y vanguardista al álbum. La cantante de Louisiana asumió un mayor papel creativo que en sus dos anteriores trabajos y participó en la composición de 6 temas del álbum. Podemos considerar «Britney» como un disco de transición entre la primera etapa de Britney Spears, en la que era una adolescente y mostraba su lado más dulce e inocente y su paso a la madurez, incorporando una imagen más sexy y provocativa. En «Britney» podemos encontrar tanto canciones que recuerdan a la época «Oops!» (las producidas por Max Martin que seguían fieles a su anterior sonido) y nuevos temas con letras más sugerentes, en las que Britney habla de su sexualidad. «Britney» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes con más de 740 mil copias en su primera semana y acabó siendo certificado cuádruple platino por ventas superiores a los 4 millones de copias, lo que suponían unas cifras de venta notoriamente inferiores a las de sus dos anteriores trabajos, sin embargo todavía se podía considerar un gran éxito comercial. A nivel internacional, el álbum también tuvo un desempeño comercial muy positivo y fue #1 en Alemania o Canadá y top 5 en Reino Unido, Australia, España, Francia y la mayoría de países del mundo. «Britney» acabó el 2001 como el quinto álbum más vendido del año y supera los 10 millones de copias a nivel mundial, convirtiéndose en el tercer trabajo más exitoso de la cantante. El single presentación del álbum fue I’m a Slave 4 U, un tema R&B de sonido urbano producido por The Neptunes que incorporaba su habitual uso de sintetizadores y moderna producción. The Neptunes crearon este tema con Janet Jackson en mente, sin embargo al ser rechazado por la hermana de Michael para su álbum «All for You», fue ofrecido a la discográfica de Britney, quienes aceptaron encantados. ‘I’m a Slave 4 U’ destaca por la manera susurrada de cantar de Britney (inspirada en Janet) y sus letras de naturaleza sexual en las que habla de sentirse liberada y dar rienda suelta a sus fantasías. ‘I’m a Slave 4 U’ recibió opiniones muy variadas por parte de los expertos musicales y el público, ya que por una parte se alabó su nueva dirección musical y su mayor madurez sin embargo se criticó su imagen más sexualizada, en contraposición a la antigua imagen de «chica de al lado». En Estados Unidos, ‘I’m a Slave 4 U’ tuvo un rendimiento comercial moderado y apenas ocupó el #27 sin embargo en el resto del mundo gozó de gran éxito: fue top 5 en Reino Unido o Alemania y top 10 en Canadá, Australia, Francia o España. Como segundo single internacional se lanzó Overprotected, un tema pop y dance-pop producido por Max Martin y Rami que pertenecía al lado del álbum que continuaba con el habitual estilo de Britney y recordaba a anteriores temas up-tempo como ‘Stronger’. ‘Overprotected’ resultaba uno de los temas más interesantes de «Britney» debido a su naturaleza bailable, su pegadiza melodía y sus reveladoras letras en las que Britney declara que está harta de ser controlada y sobreprotegida y quiere ser libre y sentirse ella misma. Unas letras que hoy en día cobran un nuevo significado debido a la tutela a la que se vio sometida la cantante por parte de su padre y el excesivo control que ejerció sobre ella. ‘Overprotected’ ocupó el top 5 en Reino Unido e Italia y fue top 20 en España, Francia o Australia. El segundo single en tierras americanas y tercero a nivel internacional fue I’m Not a Girl, Not Yet a Woman, una clásica balada pop compuesta y producida por Max Martin y Rami en cuyos créditos también aparecía la cantante Dido como compositora. En este tema, Britney hablaba de lo complicado que resulta la época de la pubertad y su paso hacia la madurez. Este tema recibió buenas impresiones de los críticos musicales por sus personales letras, la gran ejecución vocal de Britney y su magistral producción. ‘I’m Not a Girl, Not Yet a Woman’ es además el tema principal de la película Crossroads que vio la luz a principios del año 2002 y está protagonizada por Britney. Este single tuvo un buen desempeño comercial en Europa, sin embargo en Estados Unidos se convirtió en uno de los singles menos exitosos de Britney Spears y el segundo en no aparecer en el Billboard Hot 100. El cuarto single lanzado fue I Love Rock’n’Roll, una de las pocas incursiones de Britney en el pop/rock y que se trata de una versión del grupo de rock Arrow (popularizada más tarde por Joan Jett) bajo la fue producción de Darkchild, quien también se encargó de la versión de ‘Satisfaction’ de anterior álbum. Como quinto y último single del álbum se lanzó Boys, un tema up-tempo R&B y funk producido por The Neptunes en el que Britney utiliza la técnica sing-rap y cuyas letras hablan de ligar con un chico que te gusta mientras ofreces tu lado más provocativo. En resumen, «Britney» mantuvo el buen nivel de los dos primeros álbumes de Britney Spears y estaba compuesto por conjunto muy sólido de canciones que combinaban el clásico estilo pop de sus comienzos con un nuevo sonido más urbano y moderno. Además es considerado un disco transicional que refleja el momento vital que atravesaba Britney, la cual pasó de dulce adolescente a una mujer cómoda con su propia sexualidad. Sin duda «Britney» es uno de los álbumes pop más importantes de la década del 2000 e indispensable dentro del amplio catálogo musical de la princesa del pop. Puntuación: 8’5/10.

3. Femme Fatale.

En el año 2009 Britney Spears publicó su segundo álbum de grandes éxitos, The Singles Collection, que incluía sus canciones más conocidas hasta la fecha además de un tema inédito, ‘3’, el cual fue lanzado como single y alcanzó el #1 en la lista americana, convirtiéndose en el tercer ‘chart topper’ de la cantante y el primero que debutaba directamente en el #1. La cantante americana comenzó a trabajar en su siguiente álbum de estudio en 2009, mientras daba la vuelta al mundo con la maratoniana gira del álbum «Circus». En 2011 vio la luz su séptimo álbum de estudio, Femme Fatale, cuyo título hace referencia a una mujer sexy, misteriosa, fuerte y segura de sí misma. «Femme Fatale» está formado por temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del electropop y el dance-pop y cuenta con la producción ejecutiva de Max Martin y Dr. Luke, aunque también participaron importantes nombres de la industria musical como Bloodshy (la mitad del dúo Bloodshy & Avant), Darkchild, Will.I.Am o Stargate. Tras varios años sin trabajar juntos, Max Martin produjo el tema ‘If U Seek Amy’ del álbum «Circus» por expreso deseo de Britney y desde ese momento ambos volvieron a reconectar, por lo que el productor sueco se encargó de ‘3’ y la mayor parte del nuevo álbum. «Femme Fatale» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el sexto trabajo #1 de Britney Spears en Estados Unidos y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. En el resto del mundo también resultó un éxito comercial: alcanzó el #1 en Canadá o Australia y fue top 10 en Reino Unido, España o Alemania. El single presentación del álbum fue Hold It Against Me, un enérgico tema dance-pop y electropop con influencia de la música industrial y el dubstep producido por Dr. Luke y Max Martin cuyas letras hablan de seducir a alguien en la pista de baile. ‘Hold It Against Me’ debutó directamente en el #1 de la lista americana, convirtiéndose en cuarto single ‘chart topper’ de Britney y el segundo que debutaba directamente en lo más alto de la tabla. En el resto del mundo también tuvo un gran impacto comercial y fue #1 en Canadá y ocupó el top 10 en Reino Unido, Australia o España. El segundo single lanzado fue Till the World Ends, un tema electropop y dance-pop producido por Dr. Luke y Max Martin en cuyos créditos de composición aparece la cantante Kesha y en el que Britney canta sobre bailar hasta que el mundo se acabe. ‘Till the World Ends’ fue elogiado por los expertos musicales por su naturaleza bailable y su pegadizo estribillo y fue considerado su mejor tema desde ‘Toxic’ y el single más memorable de la era «Femme Fatale». ‘Till the World Ends’ tuvo un desempeño comercial positivo: alcanzó el #3 en la lista americana gracias en parte por el remix junto a Nicki Minaj y Kesha y en el resto del mundo fue top 10 en Australia, Canadá y Francia. El tercer single lanzado fue I Wanna Go, que se trata de un marchoso tema dance-pop producido por Max Martin y su colaborador Shellback que habla sobre deshacerse de las inhibiciones en el sexo y destaca por el uso de un silbido a lo largo de la canción. Este single tuvo un rendimiento moderado aunque alcanzó el #7 en la lista americana (el tercer single de «Femme Fatale» que ocupaba el top 10 en Estados Unidos) y fue top 10 en Francia o Canadá. Como último single del álbum llegó Criminal, un medio tiempo pop con influencia folk producido por Max Martin que destaca por su original melodía de flauta y en el que Britney relata que se ha enamorado de un delincuente y ruega a su madre que no se preocupe por ella. ‘Criminal’ fue aclamado por la crítica por su sonido orgánico dentro de un álbum dominado por los sintetizadores y también se destacó la ejecución vocal de Britney, ya que su voz suena más natural y sin trucos de producción a diferencia del resto del álbum. Este álbum se puede escuchar en su totalidad prácticamente sin descartar ningún tema, ya que está compuesto por un conjunto muy sólido de canciones que inciden en el sonido electropop que triunfaba durante aquella época. «Femme Fatale» destacó por su acertada elección de los singles y se convirtió en la era más exitosa de Britney Spears en Estados Unidos en cuanto al desempeño comercial de los singles, ya que los tres primeros ocuparon el top 10 en la lista americana. El único punto en contra del álbum es la poca implicación de Britney en las letras de las canciones, pero no pudo estar en mejores manos que en las de Max Martin y Dr. Luke. En resumen, «Femme Fatale» es uno de los mejores álbumes dentro de la amplia discografía de Britney Spears. Puntuación: 9/10.

2. Blackout.

Tras la publicación de «Greatest Hits: My Prerogative», su primer álbum de grandes éxitos, Britney Spears se tomó un descanso del mundo de la música, se centró en su vida personal y dio a luz a su segundo hijo, fruto de la relación con su marido, el bailarín Kevin Federline. Durante los años siguientes, Britney fue acosada y perseguida de manera incesante por los medios de comunicación americanos debido a su publicitado divorcio con Kevin Federline y debido a su comportamiento errático fue ingresada en un centro de rehabilitación y perdió la custodia legal de sus hijos. En 2007 vio la luz su quinto álbum de estudio, Blackout, el cual está encuadrado dentro del electropop y dance-pop con influencias R&B o Disco y cuenta con la producción de Danja, Bloodshy & Avant o The Neptunes. Aunque durante las sesiones de grabación Britney se encontraba embarazada de su segundo hijo y atravesaba uno de los momentos más complicados de su vida, todos los productores involucrados en este proyecto alabaron su profesionalidad y gran ética en el trabajo. El objetivo de Britney con «Blackout» era crear un álbum divertido, bailable, de carácter up-tempo y que celebrara su feminidad. «Blackout» profundizaba en el sonido electrónico iniciado en el álbum «In The Zone», pero añadía una gran influencia urbana además de una naturaleza oscura, ambiental y enigmática en muchas de las canciones. «Blackout» recibió críticas muy positivas por parte de los expertos musicales, quienes alabaron la dirección musical tomada en el álbum, su carácter progresivo, su arriesgada y moderna producción y lo consideraron el trabajo más sólido y consistente de toda su trayectoria profesional. La prestigiosa publicación americana Rolling Stone consideró «Blackout» como uno de los álbumes más influyentes de la historia del pop. «Blackout» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer álbum de Britney que no ocupaba la posición de honor en Estados Unidos y fue certificado platino por ventas de un millón de copias, haciendo de él su álbum de estudio menos vendido hasta la fecha. «Blackout resultó exitoso a nivel internacional: alcanzó el #1 en Canadá y el top 5 en Reino Unido, Francia o Australia, pero apenas superó los 3 millones de copias, unas cifras muy inferiores a las de sus primeros álbumes. El single presentación del álbum fue Gimme More, un marchoso tema electropop y dance-pop con influencia urbana compuesto por la cantante Keri Hilson y producido por Danja que habla de la fascinación que tiene el público por la vida privada de Britney. Desde un primer momento, ‘Gimme More’ llamó la atención del público por sus pegadizas letras, sobretodo su estribillo y por la frase con la que empezaba la canción, «It’s Britney, bitch» que a lo largo de los años se ha convertido en una frase muy representativa de la cantante y forma parte de la cultura popular. ‘Gimme More’ recibió excelentes críticas de los expertos musicales y resultó un gran éxito, ya que ocupó las primeras posiciones en las listas de ventas de todo el mundo, como el #1 en Canadá y el top 5 en Australia, Francia o Reino Unido. En Estados Unidos alcanzó el #3 y fue certificado platino por ventas superiores al millón de copias. ‘Gimme More’ no sólo resultó uno de los temas más populares y exitosos del 2007 sino que con el paso de los años ha ido ganando reconocimiento y se ha convertido en uno de sus temas más representativos de su carrera musical. Como segundo single se lanzó Piece of Me, un tema electropop de carácter mid-tempo producido por Bloodshy & Avant que destacaba por el intenso uso de sintetizadores en la voz de Britney. Pese a no estar compuesto por la cantante, las letras de ‘Piece of Me’ son autobiográficas y hacen referencia al gran escrutinio público que sufrió durante aquel tiempo y la intromisión de los medios de comunicación en su vida privada. ‘Piece of Me’ fue aclamado por la crítica por sus personales letras, la arriesgada producción y la desafiante voz de Britney y fue considerado no sólo uno de los mejores temas del año sino de toda la carrera de Britney y de la historia de la música. ‘Piece of Me’ tuvo un desempeño comercial muy positivo y alcanzó el top 5 en Reino Unido, Canadá o Australia y el top 10 en Alemania. En Estados Unidos ocupó el top 20, fue certificado platino y alcanzó el #1 en el componente Dance/Club de la lista americana. El tercer single lanzado fue Break the Ice, un tema up-tempo de carácter electropop con influencia R&B compuesto por Keri Hilson y producido por Danja que relata el encuentro sexual de Britney con su amante. La discográfica de Britney firmó un contrato con Bloodshy & Avant por el que al menos dos temas producidos por el dúo se lanzarían como singles, sin embargo debido al complicado estado emocional de Britney en aquel momento y el abrupto cese en la promoción de Blackout no pudo lanzarse ningún single más. Por ello, Radar, originalmente pensado como último single del álbum, volvió a incluirse en su siguiente trabajo y se lanzó como cuarto sencillo del álbum. ‘Radar’ es un tema electropop que destaca por su gran uso de sintetizadores y la voz de Britney muy distorsionada y cuyas letras describen la obsesión que siente por un hombre. En resumen, «Blackout» está formado por un conjunto muy sólido de canciones bailables, pegadizas y adelantadas a su tiempo, cuyo estilo ha servido de inspiración a una generación posterior de artistas. Pese a haber llegado en el peor momento de su vida, Britney nos ofreció uno de los mejores trabajos de su trayectoria musical. Puntuación: 9/10.

1. Oops!… I Did It Again.

El segundo álbum de estudio de Britney Spears, Oops!… I Did It Again, fue publicado en mayo del 2000, apenas un año y 4 meses después de su primer álbum, el legendario …Baby One More Time, el cual se convirtió en uno de los álbumes debut más exitosos de todos los tiempos con ventas superiores a los 25 millones de copias a nivel mundial. La meteórica carrera de la cantante de Louisiana continuó con «Oops!… I Did It Again»: el álbum debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos con más de 1’3 millones de copias en su primera semana, la mayor cifra de ventas de una cantante femenina en la historia de la música hasta el momento y que solo fue superada 15 años más tarde por Adele. Con la popularidad de Britney Spears en su mejor momento, «Oops!» fue certificado diamante en tierras americanas por ventas superiores a los 10 millones de ejemplares. A nivel internacional también tuvo un gran impacto comercial y ocupó el #1 en las listas de venta de Canadá, Alemania o Francia y el #2 en Reino Unido, Australia o España. Las ventas totales de «Oops!… I Did It Again» superan los 20 millones de copias, todo un récord para una artista que por entonces apenas tenía 19 años. «Oops!… I Did It Again» está compuesto por un compendio de marchosos temas de estilo pop y dance-pop y varias baladas que mostraban que el rango vocal de Britney era superior a lo que muchos creían. Pese a ser un trabajo eminentemente pop al igual que su predecesor, resulta más variado y contiene influencias funk o R&B. El productor sueco Max Martin incrementó su participación en el proceso creativo y asumió un papel muy importante en el segundo álbum de Britney. Max Martin no solo fue el responsable de los tres primeros singles del disco sino que participó en la composición de la mayoría de canciones presentes junto a su habitual colaborador Rami Yacoub y otros músicos suecos asociados a los estadios Cheiron como Alexander Kronlund, Jörgen Elofsson o Kristian Lundin. Los productores Robert ‘Mutt’ Lange y Rodney ‘Darkchild’ Jerkins y la afamada compositora Diane Warren también contribuyeron con una canción cada uno a este álbum y la propia Britney compuso el tema ‘Dear Diary’. El single presentación del álbum fue Oops!… I Did It Again, el cual ha pasado a la historia como uno de los singles más icónicos y representativos de la carrera inicial de Britney y en la actualidad es su tercer tema más popular en Spotify, con cerca de mil millones de reproducciones. ‘Oops!’ guardaba muchas similitudes con ‘…Baby One More Time’ aunque en sus letras Britney declaraba que «ya no era tan inocente» como antes y en este caso jugaba con los sentimientos de su amante, el cual confunde su flirteo con un interés romántico real. ‘Oops!’ ocupó el #9 en la lista americana, sin embargo en el resto del mundo el desempeño fue muy superior y alcanzó el #1 en más de 15 países incluyendo Australia, Canadá, España o Reino Unido. Como segundo single se lanzó Lucky, un tema pop mid-tempo de pegadizas letras y con una producción muy similar a la de ‘Oops!’ en el que Britney relata la vida de una estrella del cine que lo tiene todo en la vida (dinero, fama y belleza) pero en realidad se siente sola y desdichada. Este tema recibió buenas críticas de los expertos musicales, muchos de los cuales creyeron que la letra de la canción estaba inspirada en su propia vida. ‘Lucky’ logró un éxito moderado en Estados Unidos, donde apenas ocupó el top 25 sin embargo en el resto del mundo tuvo una mejor acogida comercial. Como tercer single llegó Stronger, un potente tema dance-pop que recibió grandes críticas de los expertos musicales por sus letras de auto-empoderamiento («soy más fuerte que ayer») y su declaración de independencia sobre abandonar al amante que la ha engañado. ‘Stronger’ rápidamente se convirtió en uno de los ‘fan favorite’ del álbum ya que contaba con un estribillo muy pegadizo, una moderna y vanguardista producción y Britney brillaba por su ágil ejecución vocal. En el terreno comercial resultó un éxito moderado y ocupó el #11 en Estados Unidos y el top 10 en Alemania o Reino Unido. Como cuarto single se lanzó Don’t Let Me Be the Last to Know, una balada compuesta por Shania Twain y su por entonces marido, el productor Robert ‘Mutt’ Lange, que contenía ciertas influencias Country. Esta canción recibió buenas opiniones de los expertos y la consideraron como una de sus mejores baladas de Britney hasta la fecha, sin embargo a nivel comercial resultó su primer fracaso en Estados Unidos ya que fue incapaz de entrar en el Hot 100 de la lista Billboard. Los segundos álbumes son la prueba de fuego definitiva para los artistas que han cosechado gran éxito con su debut y en muchos casos suponen una importante caída de ventas o resultan un sonoro fracaso, sin embargo este no fue el caso de Britney Spears, ya que sin superar el éxito sin precedentes de «…Baby One More Time», su segundo trabajo obtuvo unas cifras de venta muy altas y casi cercanas. Comparándolo con su predecesor, «Oops!… I Did It Again» resulta un trabajo más maduro, completo y variado, aunque quizás la música de Britney no mostró excesiva evolución musical debido al escaso lapso de tiempo entre sus fechas de publicación. En resumen «Oops!… I Did It Again» es uno de los álbumes más importantes de la historia del pop, de la década del 2000 y en mi opinión uno de los mejores dentro de la discografía de Britney Spears. Puntuación: 9/10.

Los mejores álbumes de Rihanna

mayo 26, 2025mayo 27, 2025deividtoxic2 comentarios

8. Unapologetic.

El plano musical ha sido definitivo en el éxito de Rihanna (sus 14 sencillos #1 en Estados Unidos y los más de 200 millones de álbumes y singles vendidos en todo el mundo le avalan como artista), sin embargo sus continuos cambios de imagen, su turbulenta vida amorosa, su faceta como empresaria y las numerosas polémicas en las que se ha visto envuelta han ayudado a la cantante de Barbados a convertirse en la super estrella que es hoy en día. Rihanna comenzó su carrera musical en 2005 y para dar muestra de su gran agilidad a la hora de lanzar álbumes, solo basta decir que en 2012 llegó su séptimo trabajo discográfico. Unapologetic sigue la estela musical de «Talk That Talk» y está encuadrado dentro del pop/R&B, aunque incorpora elementos synth-pop, dance-pop, dubstep o Hip Hop. El álbum cuenta con la producción de sus habituales colaboradores Stargate además de Benny Blanco, The Dream, Mike Will Made It, Chase & Status o David Guetta entre otros. «Unapologetic» debutó en el #1 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en el primer trabajo de Rihanna en ocupar la posición de honor en Estados Unidos y también fue #1 en importantes mercados como Reino Unido o Canadá. El single presentación del álbum fue Diamonds, un medio tiempo pop/R&B de corte electrónico compuesto por Sia y producido por Stargate y Benny Blanco en el que Rihanna trata el tema de las relaciones, pero se desvía de las habituales relaciones poco saludables y tóxicas que ha vivido anteriormente y a su vez afirma que ella y su pareja son como diamantes en el cielo. Este single resultó un tremendo éxito comercial y alcanzó el #1 en Estados Unidos (convirtiendo a Rihanna en la tercera artista femenina con más #1 en la lista americana) y en más de 10 países de todo el mundo, incluyendo Francia, Alemania o Reino Unido. El segundo single lanzado fue Stay, una balada pop/R&B que cuenta con la participación del cantante Mikky Ekko y en la que Rihanna hace una súplica a su amante para que no se marche y permanezca con ella. ‘Stay’ tuvo buen desempeño comercial y alcanzó el #1 en Canadá y el top 5 en Estados Unidos, Australia o Reino Unido. El tercer single en tierras americanas fue Pour It Up, un extraño tema Trap y R&B producido por Make Will Made It que resulta una declaración de independencia por parte de la cantante, mientras que para los mercados internacionales se lanzó Right Now, un enérgico tema electro-House y dance-pop producido por Stargate y David Guetta que habla sobre vivir la vida y el momento presente. Este tema dirigido a las pistas de baile recuerda a anteriores singles de Rihanna encuadrados en el sonido EDM como ‘We Found Love’ o ‘Where Have You Been’. El último sencillo lanzado fue What Now, que se trata de una emotiva balada pop/R&B a piano en el que Rihanna se hace preguntas sobre la existencia y qué habrá después de esta vida. Este tema destaca por la emotividad de las letras, su cuidada producción y la excelente ejecución vocal de la cantante barbadense. Merece la pena reseñar ‘Jump’, un tema dupstep y electropop en el que Rihanna declara que quiere tener relaciones con un hombre que no está interesado en ella o ‘Nodody’s Business’, un marchoso tema dance-pop con influencia Disco/funk que cuenta con la colaboración de Chris Brown y en el que ambos cantantes se prometen lealtad y comentan que su relación sólo les concierne a ellos y no es asunto de los demás. Mientras que el blog Mister Music ha valorado positivamente todos los álbumes de Rihanna, considero que «Unapologetic» es el trabajo más flojo de toda su discografía ya que aunque contiene varias canciones interesantes (que coinciden con los singles lanzados), en conjunto resulta poco consistente y memorable. La escasa diferencia temporal entre los álbumes de Rihanna (especialmente los publicados en la década del 2010) hace que «Unapologetic» no sorprenda ni llame excesivamente la atención, ya que repite la fórmula de «Talk That Talk» y no ofrece nada nuevo o distintivo. Puntuación: 6’5/10.

7. Music of the Sun.

Con tan solo 18 años, Rihanna hizo su debut en el mundo de la música en 2005 con el álbum Music of the Sun, que rinde homenaje a sus orígenes caribeños y está formado principalmente por temas up-tempo de estilo reggae, Dancehall y dance-pop, además de varias baladas R&B de sonido más tradicional. La joven cantante de Barbados tuvo un escaso papel en el proceso creativo del álbum ya que sólo participó en la composición de 5 canciones y contó con la producción de Carl Sturken y Evan Rogers, quienes la descubrieron en una audición musical y se encargan de la mayor parte de los temas presentes, además de Stargate, D’Mile y Poke & Tone. «Music of the Sun» debutó tímidamente en el top 10 de la lista de ventas de Estados Unidos y Canadá y en el resto del mundo tuvo un desempeño comercial moderado y apenas ocupó el top 40 en Reino Unido, Alemania o Australia. El primer single del álbum fue Pon de Replay, un tema de ritmo trepidante que combina dance-pop, Dancehall y R&B y en el que Rihanna pide al DJ que suba el volumen de su canción favorita mientras baila y lo pasa bien en la discoteca. ‘Pon de Replay’, que significa ‘play it again’ en el dialecto utilizado en Barbados, recibió buenas impresiones por parte de los expertos musicales por su naturaleza bailable y sus pegadizas letras. Este single tuvo un desempeño comercial muy positivo: alcanzó el #2 en la lista americana y ocupó el top 10 en importantes mercados como Reino Unido, Australia o Alemania. Como segundo single se lanzó If It’s Lovin’ That You Want, un tema mid-tempo de estilo reggae y R&B producido por Poke & Tone en el que la cantante le dice a un chico que si busca el amor, debería convertirle en su chica ya que tiene todo lo que él necesita. Este tema resumía a la perfección la esencia reggae del álbum pero recibió ciertas críticas por la escasa capacidad vocal de Rihanna y no estar a la altura del primer single. ‘If It’s Lovin’ That You Want’ tuvo un desempeño moderado en las listas de venta. Solo fueron lanzados dos singles de «Music of the Sun» ya que sin apenas un respiro Robyn Rihanna Fenty entró en el estudio de grabación para dar forma a su siguiente trabajo. Dentro del álbum merece la pena reseñar ‘Let Me’, un marchoso tema dance-pop y Dancehall con melodía inspirada en la música árabe que supone la única contribución de Stargate y muestra el lado más pícaro y desinhibido de la cantante, ‘Here I Go Again’, un tema típicamente reggae en el que Rihanna habla de volver a enamorarse de alguien y cuenta con la participación del grupo J-Status o el remake del clásico de reggae ‘You Don’t Love Me (No, No, No)’ cuyas letras hacen referencia a un hombre que no merece su amor. En «Music of the Sun» Rihanna no había alcanzado todo su potencial puesto que fue grabado cuando apenas era una adolescente, por lo que su rango vocal todavía era muy limitado y su papel en el proceso creativo fue mínimo. Pese a sus defectos no nos encontramos ante un trabajo de baja calidad ya que es un álbum más que digno formado un conjunto de temas bailables y marchosos que nos muestran sus raíces caribeñas. Este álbum, junto a su siguiente trabajo, «A Girl Like Me» son los únicos encuadrados dentro del género reggae dentro de su discografía, ya que más tarde Rihanna profundizaría en el sonido dance-pop. Puntuación: 7/10.

6. A Girl Like Me.

A diferencia de muchas ‘pop stars’ que triunfaron con sus primeros álbumes y luego iniciaron una espiral decreciente en su éxito comercial, Rihanna comenzó tímidamente su carrera musical hasta dar el espaldarazo definitivo a nivel internacional con su tercer álbum para luego convertirse en la super estrella que es hoy en día. Apenas 7 meses después de su álbum debut la artista barbadense publicó su segundo trabajo discográfico, titulado A Girl Like Me, con el amplió su público y empezó a hacerse un nombre en la industria musical. Aunque la mayoría de los temas presentes en el álbum son de estilo reggae e inspirados en sus orígenes caribeños, Rihanna empezó a incorporar un sonido pop/R&B más acusado. Debido al escaso tiempo transcurrido con respecto a su primer trabajo, Rihanna contó con los mismos responsables de «Music of the Sun», Evan Rogers y Carl Sturken, quienes se encargaron de la mayoría de los temas, además del dúo noruego Stargate, JR Rotem o Mike City. Pese a que Rihanna participó en el proceso creativo más que en su anterior trabajo y compuso varias canciones de «A Girl Like Me», todavía no había asumido el control artístico de su carrera, algo muy común en las ‘pop stars’ durante sus primeros años de carrera. El segundo álbum de Robyn Rihanna Fenty debutó en el #5 de la lista americana y vendió un millón y medio de copias en Estados Unidos, aumentando ligeramente las cifras de su álbum debut, sin embargo en el resto del mundo experimentó un mayor avance a nivel comercial y fue #1 en Canadá y top 10 en Reino Unido o Australia. El single presentación del álbum fue SOS, un enérgico tema dance-pop que destaca por samplear la famosa canción ‘Tainted Love’ y está producido por JR Rotem junto a sus habituales colaboradores Evan Rogers y Carl Sturken. ‘SOS’ logró gran éxito en 2006 y se convirtió en el primero de los muchos #1 que conseguiría Rihanna en la lista americana a lo largo de su carrera. Este single también fue #1 en las listas de Canadá o Australia y ocupó el top 5 en Reino Unido o Alemania. El segundo single lanzado fue Unfaithful, que se trata de una melodramática balada pop/R&B a piano compuesta por Ne-Yo junto a Stargate cuyas letras hacen referencia al remordimiento que siente una mujer al ser infiel a su pareja. ‘Unfaithful’ recibió buenas opiniones de los expertos musicales al mostrar el lado más vulnerable de Rihanna sin embargo encontraron el tema muy similar a otras de producciones de Stargate y también se criticó su escaso rango vocal. ‘Unfaithful’ tuvo buen desempeño comercial y ocupó el top 10 en las principales listas de venta. Como tercer single se lanzó We Ride, un medio tiempo R&B producido por Stargate cuyas letras hacen referencia a un chico que promete a Rihanna que estarán siempre juntos pero finalmente no cumple sus promesas. El último single lanzado fue Break It Off, un marchoso tema Dancehall con gran componente electrónico que contaba con la colaboración del artista jamaicano Sean Paul y nos devolvía a los orígenes caribeños de la cantante. La estrategia comercial de «A Girl Like Me» resultó muy acertada ya que se lanzaron como single los temas más marchosos y pegadizos del álbum y que contaban con mayor viabilidad comercial, dejando a un lado los temas de estilo reggae reminiscencia de «Music of the Sun» que abundan en el disco. Dentro del álbum destacan ‘Kisses Don’t Lie’, un original tema reggae con gran componente rock y uso prominente de guitarra eléctrica compuesto por la propia Rihanna o ‘Dem Haters’, uno de los temas con mayor influencia reggae del disco. En su momento este álbum me sorprendió gratamente ya que cuenta con una variedad de estilos que van del reggae al dance-pop o el R&B y resulta un trabajo ameno y agradable de escuchar. Los puntos en contra de «A Girl Like Me» son el limitado rango vocal de Rihanna (que mejoraría a lo largo de su carrera) y en general las baladas, que a excepción de ‘Unfaithful’ resultan bastante insípidas y olvidables. Puntuación: 7’5/10.

Anti 5. ANTI.

«ANTI» llegó 3 años después del lanzamiento de «Unapologetic», lo que supone el lapso más largo de tiempo entre álbum y álbum de toda la trayectoria de Rihanna, quien se caracterizó precisamente por su agilidad a la hora de lanzar música durante sus primeros años de carrera. El octavo álbum de estudio de la cantante barbadense está formado principalmente por medios tiempos y baladas que se caracterizan por su gran componente electrónico, su carácter minimalista y una producción dispersa similar al álbum homónimo de Beyoncé. ANTI está encuadrado dentro del R&B alternativo, pop y Soul aunque resulta un álbum muy variado que incorpora elementos reggae, rock, Dancehall, doo-wop, Trap o Hip Hop. Rihanna participó en la composición de la mayoría de los temas que componen el álbum y contó con la producción de Kuk Harrell, Shea Taylor, DJ Mustard, Timbaland, Hit-Boy, Jeff Bhasker, Brian Kennedy o Boi-1da entre otros. Cabe destacar que sus habituales colaboradores Stargate, presentes en todos sus trabajos anteriores, no participaron en este álbum. El single presentación del álbum fue Work, un tema reggae y Dancehall con influencia R&B producido por Boi-1da y que cuenta con la participación del rapero Drake, quien fue pareja intermitente de Rihanna durante años y con quien ya colaboró en el hit #1 ‘What’s My Name?’. En este tema de ritmo pegadizo destaca por el acento jamaicano que utiliza Rihanna y sus reveladoras letras en las que la cantante afirma que busca una relación más profunda y estable con su amante, mientras que él sólo busca sexo. ‘Work’ alcanzó el #1 en la lista americana (el decimocuarto single #1 de Rihanna) y permaneció en lo más alto durante 9 semanas consecutivas. El segundo single lanzado fue Kiss It Better, una balada R&B con influencias de la música synth-pop de los años 80 cuyas letras hablan de una relación destructiva pero de la que Rihanna no puede escapar. El tercer single lanzado fue Needed Me, un tema mid-tempo de estilo electro-R&B de sonido oscuro producido por DJ Mustard en el que Rihanna habla de una turbulenta relación en la que su amante rechaza tener una relación seria con ella. ‘Needed Me’ debutó tímidamente en la lista americana pero demostró una gran longevidad comercial y acabó ocupando el top 10 de la lista Billboard. Como tercer single llegó Love On the Brain, una balada Soul/R&B de corte retro inspirado en el sonido doo-wop de los años 60 que destaca por su rica instrumentación formada por arpegios de guitarra, órgano y cuerdas y cuyas letras hablan de una relación tóxica. Al igual que el anterior single, ‘Love on the Brain’ fue aclamado por la crítica y resultó ser un ‘sleeper hit’ ya que meses después de su lanzamiento alcanzó el top 5 en la lista americana. «ANTI» resulta completamente diferente a «Good Girl Gone Bad» o «Loud» (los dos álbumes más populares y representativos de la carrera de Rihanna), ya que no resulta tan accesible ni contiene temazos dirigidos a las pistas de baile, sin embargo quienes disfrutaron con la naturaleza oscura de «Rated R» y prefieren el sonido R&B electrónico y alternativo iniciado en «Unapologetic», sin duda apreciarán el contenido de este álbum. En su primera escucha, «ANTI» puede parecer un álbum monótono por el exceso de temas lentos y baladas, pero no se hace pesado y se puede escuchar prácticamente entero sin saltar ningún tema. Con «ANTI», Rihanna mostró su verdadera personalidad y ofreció un disco íntimo, maduro e atemporal. Puntuación: 7’5/10.

4. Talk That Talk.

La cantante de Barbados publicó en 2011 su sexto álbum de estudio, titulado Talk That Talk, el cual fue grabado durante la gira promocional de «Loud» y debido al escaso lapso de tiempo entre ambos, resultan muy similares y no se aprecia excesiva evolución. «Talk That Talk» sigue la estela musical de «Loud» y está encuadrado dentro de un pop/R&B muy bailable con influencias electropop, House, dubstep, Hip Hop o Dancehall. Rihanna participó en la composición de 8 temas de álbum y contó con la producción de sus habituales colaboradores Stargate además de Dr. Luke, Cirkut, Hit-Boy, The Dream o Calvin Harris entre otros. «Talk That Talk» debutó en el #3 de la lista americana de álbumes, consiguió el quinto top 5 consecutivo de Rihanna en Estados Unidos y vendió más de un millón de copias en tierras americanas. En el resto del mundo también tuvo una gran acogida comercial: ocupó el top 5 en importantes mercados como Reino Unido, Canadá o Australia y superó los 5 millones de ejemplares. El single presentación del álbum fue We Found Love, un bailable y marchoso tema electro-House y dance-pop producido por Calvin Harris que recordaba a varias canciones de su anterior álbum como ‘Only Girl (In the World)’. Este single logró un éxito descomunal en las listas de venta: llegó al #1 en más de 20 países de todo el mundo, acabó superando los 20 millones de copias y entró en la lista de las canciones más exitosas de todos los tiempos. En la lista americana ‘We Found Love’ se mantuvo en el #1 durante 11 semanas no consecutivas superando a ‘Umbrella’, el single más exitoso de Rihanna hasta la fecha. Este tema que habla de «encontrar el amor en un lugar sin esperanza» obtuvo críticas principalmente positivas y recibió varios premios, entre ellos mejor videoclip del año en los Grammy. Como segundo single se lanzó You Da One, un medio tiempo reggae-pop con influencia electropop y dubstep producido por Dr. Luke y Cirkut. Debido al éxito masivo de ‘We Found Love’, ‘You Da One’ se mantuvo a la sombra de él y pasó muy desapercibido en las radios y listas de venta, aunque ocupó el top 20 en Reino Unido, Canadá o Estados Unidos. El tercer single elegido fue Talk That Talk, un marchoso tema Hip Hop y R&B producido por Stargate que cuenta con la colaboración del veterano rapero Jay-Z y resultaba el tema más urbano del disco. Al no contar con videoclip ni apenas promoción por parte de Rihanna, este single tuvo un desempeño muy moderado y apenas ocupó el top 40 en Estados Unidos, Canadá y Reino Unido. Como cuarto single se lanzó Where Have You Been, un enérgico tema electro-House y dance-pop que compartía similitudes con el estilo del primer single ‘We Found Love’ y estaba producido por Dr. Luke, Cirkut y Calvin Harris. Debido a su naturaleza bailable y desenfadada este tema cosechó buenas críticas por parte de los expertos musicales y recibió una nominación a mejor actuación pop en los premios Grammy. En el terreno comercial resultó un gran éxito y ocupó el top 10 en las listas de venta de Reino Unido, Australia, Francia o Estados Unidos. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Drunk on Love’, un medio tiempo electropop que nos recuerda el estilo de la era «Rated R», el marchoso ‘Watch n Learn’ que contiene ritmos caribeños como Dancehall y reggae o ‘Roc Me Out’, un tema mid-tempo synth-pop con influencia R&B en el que Rihanna seduce a su amante revelándole sus secretos sexuales más íntimos. En resumen, «Talk That Talk» resulta muy similar a «Loud» y podríamos considerarlo como su continuación debido a sus numerosos puntos en común, sin embargo es un álbum sólido y consistente. Puntuación: 7’5/10.

Rated R 3. Rated R.

En la fiesta previa a los premios Grammy del año 2009, el cantante Chris Brown golpeó a su por entonces novia Rihanna, dejándole graves secuelas físicas. Después de este polémico episodio la popularidad de Chris disminuyó de manera dramática y ambos estuvieron expuestos noche y día en los medios de comunicación. En noviembre de dicho año llegó el cuarto álbum de estudio de cantante de Barbados, titulado Rated R, cuyas canciones estaban inspiradas por el incidente de maltrato, por lo que tienen una naturaleza oscura y sombría y están cantadas con un tono de enfado y rabia. «Rated R» está encuadrado dentro del pop/R&B al igual que su anterior álbum aunque marca una divergencia al abandonar el sonido dance-pop y adoptar elementos rock, dubstep o Hip Hop. Este álbum cuenta con la producción de Stargate, Tricky Stewart, The Dream, Chase & Status, Brian Kennedy o Chuck Harmony entre otros. Debido a su contenido sombrío y menos comercial, «Rated R» no obtuvo una acogida por parte del público tan positiva como «Good Girl Gone Bad» y consiguió unas ventas notoriamente inferiores, sin embargo ocupó el top 10 en las listas de Alemania, Reino Unido o Estados Unidos, donde superó el millón de ejemplares vendidos. El single presentación del álbum fue Russian Roulette, una oscura balada pop/rock y R&B compuesta por Ne-Yo y producida por Stargate que destaca por la gran ejecución vocal de Rihanna y cuyas letras hablan sobre una relación abusiva que termina de manera abrupta (una clara alusión a su turbulento noviazgo con Chris Brown). Aunque no era el tema que nos podíamos esperar como primer single, ‘Russian Roulette’ tuvo un buen desempeño comercial y ocupó el top 10 en la mayoría de mercados musicales importantes. El segundo single en tierras americanas fue Hard, un potente tema Hip-Hop/R&B producido por Tricky Stewart y The Dream que cuenta con la colaboración del rapero Young Jeezy y en el que Rihanna hace gala de su poder y fuerza. ‘Hard’ alcanzó el #8 en la lista americana, lo que supuso su decimotercer top 10 en la lista Billboard. El siguiente single lanzado fue Wait Your Turn, un tema mid-tempo dubstep y Hip Hop producido por Stargate en el que Rihanna canta con un acento caribeño. El single más popular del álbum fue Rude Boy, un marchoso tema Dancehall y R&B con gran influencia reggae en cuyas letras Rihanna habla de tomar las riendas de su relación (sobretodo durante el sexo) y hace referencia al tipo de hombre peligroso que suele gustar a las mujeres. ‘Rude Boy’ tuvo un gran impacto en las listas de venta: alcanzó el #1 en Estados Unidos o Australia y ocupó el top 10 en Reino Unido, Francia o Alemania, convirtiéndose en el single más exitoso de «Rated R». El último single lanzado fue Te Amo, un tema mid-tempo synth-pop y R&B con influencia Latin-pop producido por Stargate cuyas letras hablan de la relación de Rihanna con una mujer que está enamorada de ella y cómo la cantante reacciona al enterarse de este amor prohibido. Entre los temas más destacados de «Rated R» se encuentran ‘Rockstar 101’, un oscuro tema rock con uso prominente de guitarra eléctrica en el que Rihanna destaca por su tono de rabia y el uso de su registro vocal más bajo, ‘Stupid In Love’, una balada R&B compuesta por Ne-Yo que relata una relación abusiva o ‘Photographs’, que cuenta con la colaboración de Will.I.Am y supone el tema más bailable y up-tempo del álbum. Mientras que «Good Girl Gone Bad» resultaba alegre y bailable, «Rated R» no tiene nada que ver con su predecesor ya que relata el estado emocional y personal de la cantante de Barbados tras una relación tormentosa y el posterior episodio de maltrato, lo que queda reflejado en una serie de canciones oscuras y sombrías, sin embargo en su conjunto resulta un álbum sólido y muy interesante. Puntuación: 7’5/10.

Loud Rihanna 2. Loud.

Exactamente un año después de «Rated R» vio la luz el quinto álbum de estudio de Rihanna, Loud, con el que volvió a dar un giro a su música. La cantante barbadense nos sorprendió con un trabajo que nada tenía que ver con el anterior ya que resultaba más bailable, alegre y positivo. «Loud» está formado principalmente por temas dance-pop de naturaleza bailable y varios medios tiempos R&B, aunque encontramos canciones con influencias pop/rock, Hip Hop o reggae. Para la creación del álbum Rihanna se reunió nuevamente con sus habituales colaboradores Stargate además de otros productores como The Runners, Tricky Stewart, Soundz o Polow da Don entre otros y cabe destacar que la cantante sólo participó en la composición de tres de los temas presentes. «Loud» debutó en el #3 de la lista americana de álbumes con las cifras más altas de venta de su carrera hasta la fecha y superó el millón y medio de copias en tierras americanas. En el resto del mundo obtuvo un gran éxito: alcanzó el #1 en Canadá o Reino Unido y el top 5 en Australia, Francia o Alemania y acabó vendiendo más de 8 millones de ejemplares a nivel global, convirtiéndose en su segundo álbum más exitoso tras «Good Girl Gone Bad». El single presentación del álbum fue Only Girl (In the World), un marchoso tema dance-pop producido por Stargate que resultaba similar a su hit single ‘Don’t Stop the Music’ y en cuyas letras Rihanna demanda más atención por parte de su pareja. Este single recibió buenas críticas por su nueva dirección musical, su naturaleza bailable y la ejecución vocal de Rihanna y en el terreno comercial resultó un auténtico éxito y ocupó el #1 en más de 10 países de todo el mundo. El segundo single lanzado fue What’s My Name, un tema electro-R&B de carácter mid-tempo y sonido caribeño que cuenta con la colaboración del rapero canadiense Drake, con el que Rihanna estuvo relacionada sentimentalmente durante aquella época. Aunque no resultó tan exitoso como su predecesor, ‘What’s My Name’ alcanzó el #1 en Reino Unido y el top 5 en Canadá. Como dato curioso, ‘What’s My Name’ ocupó el #1 en la lista de singles de Estados Unidos dos semanas antes de que lo hiciera ‘Only Girl’, el primer single, un hecho que nunca se había producido en la lista americana hasta la fecha. Como tercer single se lanzó S&M, un enérgico tema dance-pop y electropop que causó gran controversia por sus letras sexuales de alto voltaje y su temática sobre sadomasoquismo. Este tema fue lanzado más tarde en forma de remix junto a Britney Spears y logró llegar al #1 en Estados Unidos, convirtiéndose en el tercer single consecutivo de «Loud» en liderar la lista americana. En el resto del mundo ‘S&M’ fue #1 en Australia o Canadá y top 5 en Reino Unido, España o Alemania. Como cuarto single internacional se lanzó Man Down, un tema reggae compuesto por la propia Rihanna y cantado con acento caribeño en cuyas letras la cantante es una fugitiva que dispara a un hombre enfrente de una multitud y posteriormente confiesa a su madre que se arrepiente de haberlo hecho. Este tema destaca por regresar al sonido reggae de sus orígenes y resultó un acierto como single ya que es una de las mejores canciones del álbum. Como último single se lanzó California King Bed, una balada mid-tempo pop/rock con uso prominente de guitarra eléctrica producida por The Runners que habla del deterioro de una relación hasta producirse la ruptura. Este tema destaca por la magnífica ejecución vocal de Rihanna y fue considerada una de las mejores baladas de su carrera. ‘California King Bed’ tuvo un desempeño comercial positivo y ocupó el top 10 en Reino Unido, Alemania o Australia y el top 40 en Estados Unidos. Aunque se lanzaron como singles las mejores canciones del álbum, merece la pena ser reseñados ‘Fading’, un tema mid-tempo pop/R&B en el que Rihanna habla de la distancia entre ella y su su pareja que provoca que su relación de desvanezca o ‘Complicated’, un tema electropop y dance-pop cuyas letras hacen referencia a un hombre que resulta difícil amarle. Sin duda «Loud» destacó por su acertada selección de los singles y se convirtió en una de las eras más exitosas de Rihanna, que expandió su fama y popularidad en todo el mundo y se consagró como una super estrella del panorama musical. Este álbum está compuesto por un breve pero sólido conjunto de temas que marcan una divergencia con respecto al sombrío pero notable «Rated R» y vuelven a mostrar el lado más bailable y alegre de la cantante. Sin duda «Loud» es uno de los álbumes imprescindibles de la discografía de Rihanna, de ahí que alcance la posición de honor en este repaso. Puntuación: 8/10.

Rihanna 1. Good Girl Gone Bad.

Desde sus inicios en el mundo de la música, Rihanna se ha caracterizado por su gran agilidad a la hora de publicar álbumes y un año después de «A Girl Like Me» vio la luz su tercer disco, Good Girl Gone Bad, que supuso un punto de inflexión en la carrera de la joven cantante ya que se distanció de la imagen dulce e inocente de sus comienzos para adoptar otra más sexy y rebelde, además su música abandonó el sonido reggae y los ritmos caribeños para incorporar un estilo pop/R&B comercial y accesible a un público más amplio. Sus habituales colaboradores Evan Rogers y Carl Sturken participaron en este álbum, aunque su presencia disminuyó en favor de otros famosos productores como Tricky Stewart, Timbaland, J.R. Rotem, Ne-Yo o Stargate. El álbum debutó en el #2 de la lista americana y superó los 3 millones de ejemplares en Estados Unidos, un incremento más que considerable con respecto a «A Girl Like Me». Alrededor del mundo Rihanna aumentó su popularidad de manera exponencial y el álbum obtuvo un recibimiento muy positivo en las listas de venta: ocupó el top 10 en los principales marcados musicales y superó los 9 millones de copias. El single presentación del álbum fue Umbrella, un marchoso tema pop/R&B con influencia Hip Hop que cuenta con la colaboración del rapero Jay-Z y está producido por Tricky Stewart, quien compuso la canción con Britney Spears en mente sin embargo el equipo de la princesa del pop lo rechazó sin imaginarse el nivel de éxito que alcanzaría dicho tema. ‘Umbrella’ ocupó el #1 en la lista americana durante 7 semanas consecutivas y acabó vendiendo más de 6 millones de copias en Estados Unidos, donde logró un récord en ventas en formato digital. En el resto del mundo también resultó un tremendo éxito y se convirtió en uno de los singles más exitosos de todos los tiempos y el tema más radiado de la década del 2000. ‘Umbrella’ recibió numerosos premios entre ellos el Grammy a mejor colaboración rap/cantada. Como segundo single llegó Shut Up and Drive, que abandonaba el lado urbano del single anterior para adentrarse en el pop/rock y el sonido ‘new wave’ de los años 80. Este tema está producido por Evan Rogers y Carl Sturken recibió criticas muy variadas por parte de los expertos musicales y tuvo un moderado desempeño comercial. El tercer single elegido fue Hate That I Love You, un bonito tema mid-tempo R&B que cuenta con la colaboración del cantante Ne-Yo y nos muestra el lado más sensible de Rihanna. Este tema compartía similitudes con otras producciones de Stargate para Ne-Yo y concretamente con ‘Irreplaceable’ de Beyoncé. ‘Hate That I Love You’ ocupó el top 10 en Estados Unidos y el top 20 en Australia, Canadá y Reino Unido. Como cuarto single se lanzó Don’t Stop the Music, un pegadizo tema dance-pop producido por StarGate cuyas letras hablan de combatir el estrés diario bailando en la discoteca. Este destaca por samplear el famoso estribillo de ‘Wanna Be Startin’ Somethin’ de Michael Jackson y resulta el tema más up-tempo del álbum. Por su naturaleza marchosa y bailable ‘Don’t Stop the Music’ resultó tremendamente popular en Europa y alcanzó el #1 en Francia, Alemania o España y el top 5 en Reino Unido. En Estados Unidos ocupó el #3 y se convirtió en el segundo single más exitoso de la edición original del álbum. Un año después de su lanzamiento, «Good Girl Gone Bad» fue re-editado con nuevos temas, entre ellos Take a Bow, que se trata de una balada R&B mid-tempo producida por Stargate y Ne-Yo que relata la traición e infidelidad de su ex-pareja. ‘Take a Bow’ resultó un éxito comercial y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Reino Unido o Canadá. El siguiente single lanzado de la re-edición fue Disturbia, que se trata de un marchoso y bailable tema electropop y dance-pop compuesto por el cantante Chris Brown y que recuerda a otras canciones del álbum como ‘Don’t Stop The Music’ aunque contiene una temática más oscura que sería la seña de identidad de su siguiente álbum «Rated R». Este single continuó la excelente racha comercial de Rihanna y nuevamente llegó a lo más alto de la lista de ventas americana. Dentro del álbum destacan ‘Breakin’ Dishes’, un marchoso tema electropop producido por Tricky Stewart que muestra a la perfección el lado rebelde que quería ofrecernos Rihanna en este trabajo o ‘Good Girl Gone Bad’, un tema mid-tempo pop/R&B con la producción típica de Stargate que explica cómo los fracasos con los hombres y las relaciones fallidas le hicieron madurar y dejar de ser una chica buena. «Good Girl Gone Bad» fue un álbum clave en la carrera musical de Rihanna ya que le dio el espaldarazo definitivo para convertirse en un fenómeno global y una de las cantantes pop más importantes de la década del 2000. Además «Good Girl Gone Bad» marcó una transición entre sus dos primeros trabajos, muy influenciados por el reggae y sus raíces caribeñas y sus siguientes álbumes, que continuaron con la senda dance-pop. En resumen, «Good Girl Gone Bad» es un disco muy variado, divertido y lleno de buenas canciones que hicieron de Rihanna una súper estrella del mundo de la música. Puntuación: 8/10.

Los mejores álbumes de Madonna

mayo 24, 2025deividtoxic2 comentarios

10. Madonna.

En 1983 vio la luz uno de los álbumes debut más icónicos de todos los tiempos y que cambiaría el rumbo de la música pop. Me refiero sin duda al primer álbum de estudio de Madonna Louise Ciccone, una joven cantante americana de ascendencia italiana por parte de padre que años más tarde se convertiría en la indiscutible reina del pop. El álbum, titulado simplemente Madonna, está formado por 8 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del synth-pop, dance-pop y post-Disco con ciertos elementos pop/rock, New Wave o R&B. La mayoría de los temas fueron compuestos por la propia Madonna y producidos por John ‘Jellybean’ Benitez, Reggie Lucas y Mark Kamins. Las canciones presentes hablan de amor, rupturas sentimentales o pasarlo bien y pese a que no se apreciaba una gran profundidad en las letras, el conjunto de canciones recibió buenas impresiones por parte de los expertos musicales por su naturaleza bailable y desenfadada. Este trabajo incluye singles muy reconocibles de Madonna como ‘Holiday’, ‘Lucky Star’ o ‘Borderline’, que siguen siendo interpretados en directo por la cantante décadas después de su lanzamiento. El álbum debut de Madonna debutó tímidamente en la lista americana, pero tras un lento y constante ascenso a lo largo de un año, en octubre de 1984 alcanzó el #8, su mejor posición en la lista Billboard. «Madonna» acabó siendo certificado 5 veces platino en Estados Unidos por ventas superiores a los 5 millones de copias y supera los 10 millones de ejemplares a nivel mundial. Dos singles fueron lanzados antes de que el álbum fuera completado. Uno de ellos fue ‘Everybody’, cuya demo Madonna llevó a varios clubs nocturnos de Nueva York para introducirse en el circuito musical, entre ellos la discoteca Danceteria, en la que Mark Kamins era el DJ. Con la ayuda de Kamins, quien produjo la edición final del tema, ‘Everybody’ fue presentado a varias discográficas hasta que la joven cantante de Michigan fue fichada por Sire Records y consiguió grabar su primer trabajo discográfico. Everybody es un tema dance-pop y post-Disco con ciertos elementos R&B en el que Madonna anima al oyente a pasarlo bien, bailar y perder sus inhibiciones. Más tarde fue lanzado un single de doble cara A formado por ‘Burning Up’ y ‘Physical Attraction’. Una vez publicado el álbum se lanzó como single Holiday, que se trata de un marchoso tema dance-pop, synth-pop y post-Disco que cuenta con una rica instrumentación compuesta por guitarras y cuerdas sintetizadas y cuyas letras hablan del sentimiento universal que tiene todo ser humano de tomarse unas vacaciones. ‘Holiday’ fue el primer single de Madonna que consiguió éxito comercial y alcanzó el top 10 en Reino Unido o Australia y el top 20 en Estados Unidos. El siguiente single lanzado fue Lucky Star, un tema dance-pop y synth-pop con influencias Disco en cuyas letras Madonna compara el cuerpo de su amante con las estrellas del cielo. El último single lanzado fue Borderline, un tema dance-pop con influencias del sonido Disco de los años 70 en cuyas letras Madonna se queja del comportamiento chovinista de su pareja. El álbum debut de Madonna ha sido fuente de inspiración para varias generaciones posteriores de artistas de pop como Kylie Minogue, Britney Spears o Lady Gaga, en cuyos primeros trabajos se observa una gran influencia del estilo de Madonna. En resumen, «Madonna» es uno de los álbumes debut más sólidos, influyentes e icónicos de todos los tiempos dentro de la música pop. Puntuación: 8/10.

9. Hard Candy.

En el año 2008 vio la luz Hard Candy, el undécimo álbum de estudio de Madonna y el primero publicado tras el enorme éxito conseguido por «Confessions on a Dance Floor», el cual devolvió una vez más a la reina del pop a la cima de las listas de venta gracias a magníficos singles como ‘Hung Up’ o ‘Sorry’, que recuperaban el sonido Disco. Con «Confessions», Madonna recuperó su estatus en el mundo de la música tras el periodo infructuoso que supuso «American Life», por ello había muchas expectativas puestas en «Hard Candy». Madonna no decepcionó y regresó con un álbum marchoso y divertido, que seguía la senda dance-pop y electropop de «Confessions» pero con un fuerte componente urbano e influencias funk, R&B y Hip Hop. Madonna únicamente se había aproximado al R&B anteriormente en el álbum «Bedtime Stories», pero de manera más tranquila y pausada en forma de baladas y medios tiempos. «Hard Candy» es por tanto el álbum más urbano de Madonna y prueba de ello es que los productores implicados fueron Timbaland, Danja y The Neptunes, quizás los más famosos dentro de la escena Hip Hop americana. El cantante Justin Timberlake, habitual colaborador de Timbaland, también participó en la composición y producción de varios temas de «Hard Candy» e incluso hizo un dueto con Madonna en el primer single del álbum, 4 Minutes, que se trata de un marchoso tema dance-pop con gran influencia urbana que contiene un mensaje social para concienciar de la pobreza y el sufrimiento en el tercer mundo. ‘4 Minutes’ recibió buenas críticas por su pegadizo ritmo, la química entre ambos cantantes y su mensaje positivo y recibió varias nominaciones a los premios Grammy, entre ellos mejor colaboración de pop. ‘4 Minutes’ alcanzó el #3 en la lista americana de singles, la mejor posición de Madonna en Estados Unidos desde ‘Music’ y en el resto del mundo también fue un gran éxito y ocupó el #1 en más de 10 países de todo el mundo. El segundo single fue Give It 2 Me, un enérgico tema dance-pop y electropop con influencia Disco/funk producido por The Neptunes y que cuenta con la participación no acreditada de Pharrell Williams. En este tema, Madonna habla de la longevidad de su carrera musical y declara no tener intenciones de retirarse. ‘Give It 2 Me’ recibió buenas opiniones de los críticos por su naturaleza bailable y desenfadada y recibió una nominación a los premios Grammy a mejor grabación Dance. El tercer y último single del álbum fue Miles Away, un medio tiempo electropop con influencia R&B y uso prominente de guitarra producido por Timbaland y Danja que habla de las relaciones a distancia y está inspirado en su relación con Guy Ritchie, su marido por entonces. ‘Miles Away’ contó con escasa promoción y tuvo un impacto mínimo en las listas de venta, aunque fue el tercer single #1 de «Hard Candy» en España. Entre los temas más destacados del álbum se encuentran ‘Beat Goes On’, un marchoso tema dance-pop con influencia Disco y Hip Hop producido por The Neptunes y con la colaboración del rapero Kanye West en el que Madonna nos anima a hacer y decir lo que sintamos en cada momento o ‘She’s Not Me’, un original tema en el que Madonna le dice a su pareja que aunque encuentre otras mujeres nunca serán como ella. El álbum está formado principalmente por temas up-tempo, aunque encontramos la melancólica y misteriosa balada ‘Devil Wouldn’t Recognize You’ que destaca por la magistral producción de Timbaland y ‘Voices’, un tema mid-tempo que cuenta con una pequeña participación de Justin Timberlake al principio de la canción y en cuyas letras Madonna se pregunta quién tiene realmente el control en una relación de pareja. «Hard Candy» alcanzó el #1 en más de 20 países, aunque con 4 millones de copias nivel global se quedó muy atrás de las altas ventas conseguidas por «Confessions». La extensa gira que acompañó este álbum, «Sticky & Sweet Tour», llevó a Madonna por toda Norteamérica y Europa y se convirtió en la más exitosa de un artista en solitario de toda la historia, obteniendo unos ingresos multimillonarios de más de 400 millones de dólares y grandes críticas. Amado y odiado a partes iguales por parte de los fans de Madonna, «Hard Candy» no dejó indiferente a nadie. Personalmente considero que «Hard Candy» es un trabajo sólido formado por un conjunto de temas marchosos y actuales que cuentan con un gran toque urbano, lo que proporcionó a la reina del pop su enésima reinvención. Puntuación: 8/10.

8. Erotica.

En el año 1990 vio la luz «The Immaculate Collection», un álbum de grandes éxitos que resumía la triunfal carrera de Madonna durante la década de los 80. Dos años después llegó su quinto álbum de estudio, Erotica, el cual abandonaba el sonido synth-pop y dance-pop de carácter accesible y comercial de sus anteriores álbumes y resulta un trabajo musicalmente más diverso y ecléctico que contiene elementos House, Trip Hop, R&B, New Jack Swing o Hip Hop. El álbum está formado por 14 temas compuestos por Madonna y Shep Pettibone, quien se encarga de la entera producción del mismo. «Erotica» es un álbum conceptual que habla del amor y romance en los tiempos del sida y toca temas tan controvertidos en los años 90 como la homosexualidad o el sadomasoquismo. En este álbum también podemos encontrar el lado más personal de Madonna, quien relata de manera melancólica y vulnerable sus experiencias personales y relaciones amorosas. «Erotica» fue aclamado por su naturaleza vanguardista y la labor de Madonna como compositora, sin embargo también resultó muy polémico por sus controvertidas letras acerca del sexo y recibió críticas negativas desde el sector más conservador de la sociedad americana. «Erotica» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes y fue certificado doble platino en Estados Unidos, unas cifras notoriamente inferiores a las de sus últimos álbumes. Los apenas 6 millones de ejemplares vendidos de «Erotica» supusieron el primer traspiés en la carrera musical de Madonna y una decepción para la cantante y su discográfica. El single presentación del álbum fue la canción titular, Erotica, que se trata de un tema de estilo Trip Hop (una mezcla de música electrónica y Hip Hop con ritmos lentos y sonido atmosférico) que cuenta con unas controvertidas letras que hablan de sadomasoquismo. En este tema, Madonna adopta el rol de Mistress Dita, una ama dominante que pide a su amante que se comporte de manera sumisa mientras practican sexo. ‘Erotica’ contiene una gran parte de la canción de manera hablada, técnica explorada por la cantante en su reciente single ‘Justify My Love’. Sin resultar un gran éxito, tal y como suelen ser los primeros singles de Madonna, ‘Erotica’ tuvo un buen desempeño comercial y alcanzó el top 5 en las listas de Estados Unidos, Australia o Reino Unido. El segundo single lanzado fue Deeper and Deeper, un marchoso tema up-tempo de estilo Deep House y dance-pop con influencias Disco y Latin-pop que habla del deseo sexual, aunque sus letras también hacen referencia a un joven que acepta su homosexualidad. ‘Deeper and Deeper’ alcanzó el top 10 en las listas de venta de Reino Unido, Canadá o Estados Unidos y resultó uno de los singles más exitosos y populares del álbum. Como tercer single se lanzó Bad Girl, una melancólica y sombría balada pop/R&B en cuyas letras Madonna, para escapar de la tristeza provocada por el fin de una relación, se refugia en conductas autodestructivas como el abuso del alcohol y el tabaco. El cuarto single lanzado fue Fever, que se trata de la versión del famoso tema de los años 50 de Little Willie John (popularizado más tarde por Peggy Lee) pero totalmente renovado por Madonna en clave Dance/House. Como quinto single se lanzó Rain, una balada mid-tempo con influencias R&B y Trip Hop en cuyas letras Madonna compara la lluvia y el agua con el poder del amor. Como último single se lanzó Bye Bye Baby, un marchoso tema dance-pop y synth-pop con influencias Hip Hop en cuyas letras Madonna hace frente a un amante al que está punto de abandonar haciéndole varias preguntas. Este tema también contiene gran parte de la canción de manera hablada al igual que el single titular. Sin duda «Erotica» supuso un gran paso en el proceso de liberación sexual de las mujeres y ha sido fuente de inspiración para numerosas cantantes femeninas posteriores como Janet Jackson, Beyoncé, Britney Spears o Lady Gaga. Pese a que «Erotica» no se encuentra entre mis álbumes favoritos de Madonna, con el paso de los años y tras las sucesivas escuchas ha ido ganando puntos y ha mejorado mi opinión de él. En retrospectiva «Erotica» resulta uno de los trabajos más vanguardistas y revolucionarios de la legendaria cantante y sin duda un álbum adelantado a su tiempo. Puntuación: 8/10.

7. Like a Prayer.

Like a Prayer es el cuarto álbum de estudio de la reina del pop, publicado en 1989 tras el tremendo éxito que cosechó True Blue, el cual alcanzó el #1 en más de 20 países, superó los 25 millones de copias en todo el mundo y se convirtió en el álbum de Madonna más vendido, sólo superado años después por «The Immaculate Collection», su primer disco de grandes éxitos. Aunque «Like a Prayer» es el sucesor natural de «True Blue», lo cierto es que entre ambos discos Madonna publicó «Who’s That Girl», la banda sonora de la película del mismo nombre protagonizada por la cantante y «You Can Dance», un disco de remixes. «Like a Prayer» es uno de los discos más polémicos de Madonna por el uso de temática religiosa en la canción que da título al álbum, lo cual provocó un shock en la Iglesia Católica y numerosos colectivos conservadores de todo el mundo reaccionaron de manera negativa hacia el álbum. Pese a estas polémicas, lo cierto es que «Like a Prayer» es uno de sus discos más autobiográficos, en el que Madonna relata su complicada relación con un padre autoritario, la pérdida de su madre cuando era una niña o episodios violentos en su matrimonio con Sean Penn y su posterior divorcio. Madonna compuso todos los temas del álbum junto a Patrick Leonard (responsable de ‘Live to Tell’ o ‘La Isla Bonita’) y Stephen Bray, quien trabajó anteriormente con la Ciccone en los álbumes «Like a Virgin» y «True Blue». El single presentación del álbum fue Like a Prayer, un tema pop/rock con influencia de la música Gospel que destacaba por el uso prominente de guitarra eléctrica, órgano y los coros Gospel. Madonna utilizó metáforas religiosas y alusiones a su pasado católico en sus letras, mezclándolas con temas de amor y relaciones, lo cual fue visto como un sacrilegio para la moral conservadora de los años 80. Este single fue aclamado por la crítica, resultó un tremendo éxito comercial ya que ocupó el #1 en las listas de venta de prácticamente todo el mundo y pasó a formar parte de los singles más exitosos de todos los tiempos. Como segundo single se lanzó Express Yourself, un marchoso tema dance-pop que se convirtió en un himno de empoderamiento femenino en el que Madonna se desprende de su imagen frívola y superficial iniciada con el tema ‘Material Girl’ para declarar que no necesita anillos de diamantes para ser feliz. Su poderoso mensaje feminista de elegir al hombre que de verdad te conviene y no al que te llena de regalos fue fuente de inspiración a una generación entera de artistas como Spice Girls o Lady Gaga. Para suavizar la imagen de Madonna de cara al público y evitar de nuevo la polémica, se decidió lanzar como tercer single un tema más comercial y menos controvertido. Cherish era un alegre tema pop con influencia doo-wop que recordaba a algunas canciones pertenecientes a «True Blue» y trataba el tema del amor y las relaciones con alusiones a Romeo y Julieta. Como cuarto single Madonna eligió una de las canciones más personales y autobiográficas del álbum: Oh Father, una dramática balada en la que trata la complicada relación con su padre, que era un hombre dictador y autoritario. «Like a Prayer» es un trabajo muy ecléctico y más experimental que sus álbumes anteriores y para dar muestra de la variedad musical presente, Madonna lanzó como siguientes singles Dear Jessie, un extraño tema de estilo pop psicodélico en el que Madonna conecta con su niña interior y Keep It Together, un tema up-tempo de estilo pop/funk producido por Stephen Bray que trata de la relación de Madonna con su familia y pese a ser lanzado como sexto single y apenas contar con promoción ni videoclip su respuesta comercial fue bastante positiva ya que ocupó el top 10 en Estados Unidos y Canadá. «Like a Prayer» tuvo un gran impacto comercial en todo el mundo: debutó en el #1 de las principales listas de venta y acabó vendiendo 15 millones de copias. En tierras americanas fue certificado 4 veces platino por ventas superiores a los 4 millones de ejemplares y en Reino Unido superó el millón de copias, aunque resultan cifras claramente inferiores a las de «True Blue», el mayor éxito de Madonna. Es innegable el tremendo impacto de «Like a Prayer» en la historia del pop y concretamente en la discografía inicial de Madonna, ya que supuso un punto de inflexión en su carrera y marcaba su primer disco en la treintena, mostrando una mayor madurez personal y musical, además de experimentar con nuevos sonidos y estilos. Puntuación: 8/10.

6. Like a Virgin.

Los primeros pasos de Madonna en el mundo de la música no pudieron comenzar de la mejor manera ya que la joven cantante americana triunfó en todo el mundo con singles como ‘Holiday’, ‘Lucky Star’ o ‘Borderline’, pertenecientes a su álbum debut de título homónimo, el cual acabó superó los 10 millones de copias a nivel mundial. En 1984, vio la luz su segundo álbum de estudio, Like a Virgin, el cual está formado por 9 temas (10 en la re-edición internacional) encuadrados dentro del pop y el dance-pop con influencias synth-pop y pop/rock producidos por Nile Rodgers, uno de los componentes fundadores del legendario grupo Chic. Madonna participó en la composición de 6 de los temas presentes con la ayuda de Stephen Bray (su pareja en aquel momento) y quiso producir el álbum pero su discográfica no creyó que estuviera preparada para asumir todo el papel creativo por lo que eligieron a Nile Rodgers, que había producido para David Bowie, Diana Ross o Debbie Harry. Las letras del álbum giran en torno al amor, el sexo y las relaciones y presentaban a Madonna como una cantante moderna, rebelde y provocativa, aunque todavía no estaba envuelta en la polémica como lo haría años más tarde. Cuando las ventas del álbum debut de Madonna todavía se mantenían fuertes, «Like a Virgin» debutó en su primera semana en un puesto muy discreto de la lista Billboard americana, sin embargo la siguiente semana ocupó el top 10 y en febrero de 1985 alcanzó el #1, posición en la que se mantuvo durante 3 semanas. El segundo álbum de Madonna acabó siendo certificado diamante por ventas superiores a los 10 millones en Estados Unidos, todo un éxito para una artista recién llegada al mundo de la música. En el resto del mundo «Like a Virgin» también resultó un tremendo éxito y vendió 20 millones de ejemplares a nivel mundial, convirtiéndose en uno de los álbumes más exitosos de todos los tiempos. El single presentación del álbum fue Like a Virgin, un pegadizo tema pop con influencias synth-pop y dance-pop en el que Madonna canta en su registro vocal más alto. Las letras de este tema son bastante ambiguas y están sujetas a varias interpretaciones, sin embargo podría decirse que es una oda a un amante que le hace sentirse ‘como nueva’ tras un encuentro sexual. ‘Like a Virgin’ resultó un auténtico éxito comercial y alcanzó el #1 en Estados Unidos, Australia o Canadá y el top 5 en Reino Unido o Alemania. Como segundo single se lanzó Material Girl, un marchoso tema dance-pop cuyas letras suponen un himno al materialismo en el que Madonna declara que prefiere tener una vida llena de lujos antes que relaciones amorosas, ya que las joyas duran más que los hombres. Debido a la gran popularidad del tema, Madonna fue denominada durante aquellos años como ‘la chica material’, aunque años más tarde declararía que ya no se sentía identificada con las letras de este tema. El tercer single lanzado fue Angel, un tema mid-tempo synth-pop compuesto por la propia Madonna en el que habla de una chica que es salvada por un ángel y acaba enamorándose de él. ‘Angel’ fue top 5 en Reino Unido, Estados Unidos o España. Cuando su popularidad estaba subiendo como la espuma, Madonna hizo sus pinitos como actriz en la película «Buscando a Susan desesperadamente». Una de las canciones que Madonna interpretaba en dicha película, Into the Groove, no se incluyó en su banda sonora, pero se añadió a la re-edición internacional del álbum. ‘Into the Groove’ se trataba de un pegadizo tema dance-pop en el que la cantante anima a bailar con ella y sentir la libertad y magia que envuelve la pista de baile. Como último single se lanzó Dress You Up, un marchoso tema dance-pop y pop/rock cuyas letras comparan la moda con la pasión y la lujuria. En resumen, «Like a Virgin» seguía la estela musical del álbum debut de Madonna pero suponía un evidente paso adelante ya que está compuesto por un conjunto breve pero muy sólido de canciones pop con el característico sonido ochentero de la época. Este álbum fue el responsable de disparar la popularidad y el éxito de Madonna y se ha convertido en uno de los más memorables dentro de la discografía de la Reina del pop y uno de los más emblemáticos del pop de los años 80. Puntuación: 8/10.

5. Ray of Light.

La popularidad de Madonna descendió notoriamente debido al polémico libro «Sex» y el álbum «Erotica», que observó un considerable bajón en ventas con respecto a sus anteriores trabajos por su naturaleza sexual. Con el álbum «Bedtime Stories» y su participación en la película Evita, la imagen de Madonna se suavizó y se mostró más serena y madura. En 1998 vio la luz su séptimo álbum de estudio, Ray of Light, que resulta su trabajo más místico y espiritual hasta la fecha y en el que se observa una clara influencia de su estudio de la Cábala y el reciente nacimiento de su hija Lourdes María en las letras de las canciones que lo componen. Madonna empezó a grabar el álbum en 1997 junto a su habitual colaborador Patrick Leonard y Babyface, pero las sesiones de grabación no resultaron fructíferas y se unió al productor inglés William Orbit, quien le dio una dirección más experimental al álbum y se adentró de lleno en la música electrónica. «Ray of Light» está compuesto por 13 temas, principalmente baladas y temas downtempo de gran componente electrónico con influencias del sonido Trip Hop, además de varios temas up-tempo que incorporan elementos dance-pop, Techno o House. Todos los temas fueron compuestos por Madonna junto a Patrick Leonard, Rick Nowels y William Orbit, quien se encargó de la entera producción. «Ray of Light» recibió elogios por parte de los expertos musicales por la dirección musical tomada en el álbum, la arriesgada producción de William Orbit, la naturaleza misteriosa y enigmática de las canciones presentes y las habilidades de Madonna como compositora. El álbum recibió 6 nominaciones a los premios Grammy, de los que ganó 4, entre ellos mejor álbum pop. «Ray of Light» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes y acabó siendo certificado cuádruple platino en Estados Unidos por ventas superiores a los 4 millones de copias. En el resto del mundo fue #1 en más de 15 países y superó los 16 millones de copias, superando ampliamente las ventas de sus últimos trabajos. El single presentación del álbum fue Frozen, una balada electrónica mid-tempo con influencia de la música del Medio Oeste compuesta por Madonna junto a Patrick Leonard y producida por William Orbit. Las letras de ‘Frozen’ hablan de un hombre con carácter frío y sin emociones y cómo la cantante desea cambiar su carácter gélido. ‘Frozen’ fue aclamado por la crítica y en el terreno comercial resultó un auténtico éxito. Como segundo single se lanzó Ray of Light, un enérgico tema dance-pop con influencias Techno, Disco y pop/rock en el que Madonna reflexiona sobre lo insignificantes que somos los seres humanos dentro del universo. ‘Ray of Light’ nuevamente fue elogiado por los expertos musicales por su naturaleza ‘club friendly’ y recibió tres nominaciones a los premios Grammy: mejor grabación del año, mejor grabación Dance y mejor videoclip, de los que ganó los dos últimos. El tercer single fue Drowned World/Substitute for Love, un tema downtempo de estilo Trip Hop en el que Madonna relata su transformación espiritual para buscar el amor auténtico y cuyo título dio nombre a la gira con la que la artista promocionó dicho álbum. El cuarto single lanzado fue The Power of Good-Bye, una melancólica balada mid-tempo con gran componente electrónico y orquestal que habla del poderoso sentimiento de «dejar ir» a un ser amado y resulta muy similar al estilo de ‘Frozen’. Como último single se lanzó Nothing Really Matters, un tema up-tempo que incorpora elementos dance-pop, Techno o House y en el que Madonna habla de su papel como madre tras el nacimiento de Lourdes María y cómo antes vivía la vida de manera egoísta. En resumen, «Ray of Light» no sólo es uno de los álbumes mejor valorados por la crítica de toda su carrera, sino que devolvió a Madonna a la primera línea del panorama musical tras una época comercial infructuosa y protagonizó una de sus más célebres reinvenciones. Sin duda uno de los álbumes pop más importantes de la década de los 90 y muy destacado dentro de la extensa discografía de Madonna. Puntuación: 8’5/10.

Music 4. Music.

Music es uno de los álbumes más icónicos de la historia del pop y con el que Madonna inauguró la década del 2000 de la mejor manera posible, ya se ha convertido en uno de los álbumes más importantes dentro de su amplio catálogo musical. «Music» es el sucesor de Ray of Light, que vio la luz en 1998, recibió grandes opiniones por parte de los críticos musicales por su enésima reinvención tanto de imagen como de sonido, su naturaleza experimental y sus letras de carácter introspectivo. Tras el éxito de «Ray of Light» Madonna quiso salir de gira para promocionar el álbum, sin embargo su discográfica la animó para entrar en el estudio de grabación y dar forma a su nuevo disco, por lo que el ‘Drowned World Tour’ de 2001 sirvió como respaldo tanto para «Music» como «Ray of Light». En el año 2000 Madonna retomó su faceta como actriz con la comedia «The Next Best Thing» y participó en la banda sonora de la película con el tema ‘American Pie’, versión del clásico de Don McLean, el cual llegó al #1 en la lista de ventas de más de 10 países de todo el mundo. El álbum «Music» se puso a la venta en septiembre del año 2000 y está formado por 10 temas encuadrados dentro del electropop y el dance-pop con influencias folk y Country. Aunque seguía la estela musical de su disco predecesor, Madonna cambió drásticamente su imagen mística influenciada por la Kabbalah por otra más desenfadada de ‘cow girl’ con estética Country. En cuanto a la producción del álbum, Madonna contó con la ayuda de William Orbit, responsable de la mayor parte de «Ray of Light», aunque su presencia se redujo en favor del productor francés Mirwais Ahmadzaï, el cual se encargó de la mayoría de los temas. «Music» debutó en lo más alto de la lista americana de álbumes con más de 400 mil unidades en su primera semana, convirtiéndose en el cuarto álbum #1 de Madonna en Estados Unidos y el primero desde «Like a Prayer» de 1989. «Music» fue certificado triple platino y superó los 3 millones de ejemplares en Estados Unidos y en el resto del mundo también tuvo una excepcional acogida y lideró las listas de venta en más de 20 países y superó los 11 millones de copias. Gracias al buen momento profesional que vivió durante las eras «Ray of Light» y «Music», Madonna recobró su estatus de reina del pop tras años de declive comercial durante los años 90, cuando su imagen estuvo empañada por diversas polémicas y una imagen abiertamente sexual. El single presentación de álbum fue Music, un marchoso tema electropop y dance-pop con influencia funk/Disco compuesto y producido por Madonna y Mirwais en el que la cantante mandaba un positivo mensaje de unión de las personas a través de la música. Este tema recibió críticas muy positivas por parte de los expertos musicales por su pegadizo estribillo, su naturaleza desenfadada, bailable y optimista en contraposición al carácter introspectivo de las canciones pertenecientes a su anterior álbum. ‘Music’ resultó un tremendo éxito en las listas de venta: ocupó el #1 en Estados Unidos durante 4 semanas y fue certificado platino por ventas de más de un millón de copias. El segundo single lanzado fue Don’t Tell Me, que se trataba de un tema electropop con instrumentación Country y un tono melancólico en la voz de Madonna que encajaba a la perfección con la imagen ‘cow girl’ que nos presentó durante en esta era y en cuyas letras pedía a su amante que no la controle. El tercer single lanzado fue What It Feels Like for a Girl, un tema mid-tempo synth-pop producido por Guy Sigsworth cuyas letras hablan del rol de la mujer en la sociedad y los dobles estándares que existen hacia las mujeres. Este tema fue aclamado por la crítica por sus letras sobre el empoderamiento femenino y considerado como uno de los más sobresalientes del álbum. Entre los temas up-tempo más destacados del álbum se encuentran ‘Runaway Lover’, un enérgico tema Trance/House producido por William Orbit que habla de las relaciones fugaces con hombres que no merecen la pena o ‘Amazing’, un pegadizo tema dance-pop y electropop que guarda similitudes con su single ‘Beautiful Stranger’ y se trata de otra de las aportaciones de William Orbit al álbum. En resumen, «Music» es uno de los álbumes pop más importantes de la década del 2000 no sólo por su notable éxito comercial sino porque Madonna incorporó el sonido electrónico al pop comercial e influyó a una generación entera de jóvenes artistas que decidieron adoptar el estilo presente en el álbum. Varias publicaciones prestigiosas como Rolling Stone han incluido a este álbum en su listado de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Puntuación: 8’5/10.

3. American Life.

Tras la extensa gira ‘Drowned World Tour’, que promocionaba tanto «Music» como «Ray of Light» y se convirtió en la gira más exitosa del año 2001, Madonna publicó su segundo disco de grandes éxitos y retomó su faceta como actriz protagonista en la película ‘Swept Away’ e hizo un pequeño papel en ‘Die Another Day’, perteneciente a la saga de James Bond. En 2003 vio la luz su noveno álbum de estudio, American Life, que sigue la estela musical de «Music» y está formado por 11 temas encuadrados dentro del electropop y dance-pop pero destaca por su gran influencia del sonido folk y el uso prominente de guitarras acústicas. Madonna compuso todos los temas del álbum junto con el productor francés Mirwais Ahmadzaï (responsable de 6 temas de «Music») quien se encargó de la entera producción del álbum, con pequeñas participaciones de otros productores como Stuart Price, Guy Sigsworth y Mike ‘Spike’ Stent. «American Life» es un álbum conceptual que trata temas como el materialismo y la búsqueda del ‘sueño americano’ y supone la respuesta de Madonna como ciudadana estadounidense ante trágicos acontecimientos sucedidos en los últimos años como el atentado a las Torres Gemelas de Nueva York y la guerra de Irak, que tuvieron un profundo efecto en la sociedad americana y crearon una sensación de desasosiego, paranoia y desolación entre la población. Las críticas de Madonna en contra del materialismo y la superficialidad presente en la sociedad actual suponían una divergencia con respecto a la reputación que se ganó la cantante de Michigan durante los años 80 con canciones como ‘Material Girl’. El single presentación fue el tema que daba título al álbum, American Life, en el que Madonna critica la cultura del sueño americano, la fama y la superficialidad de la vida moderna. Este tema está encuadrado dentro del electropop pero contiene gran influencia folk y uso de guitarra acústica durante el estribillo e incorpora un rap en el que Madonna relata todos los privilegios de los que goza pero que no le hacen ser feliz ni estar satisfecha y declara vivir fuera del sueño americano. ‘American Life’ recibió feroces críticas en Estados Unidos por sus polémicas letras, por ello muchas radios americanas dejaron de pinchar el tema, de ahí que apenas alcanzara el top 40 en Billboard, convirtiéndose en la peor posición de un ‘lead single’ de Madonna hasta el momento. El segundo single fue Hollywood, un marchoso tema dance-pop y electropop en el que Madonna continuaba con su crítica al ‘Sueño americano’ y relataba cómo muchas personas intentan conseguir la fama viajando a Hollywood (que representa el negocio del espectáculo), al que califica como un mundo codicioso y de sueños efímeros. Debido al boicot en contra de Madonna en Estados Unidos y su escaso airplay en las radios, ‘Hollywood’ fue incapaz de entrar en la lista americana, convirtiéndose en su primer single en 20 años que no entraba en el Hot 100 de Billboard. Como tercer single se lanzó Nothing Fails, una balada mid-tempo pop/folk con uso prominente de guitarra acústica que se distancia del mensaje anti-capitalista de los anteriores singles y se trata de una canción de amor. Este tema está compuesto junto a Guy Sigsworth y destaca por ser la única canción del álbum no escrita por Mirwais, aunque sí se encargó de la producción. El cuarto y último single del álbum fue Love Profusion, un tema dance-pop y electropop con uso prominente de guitarra dedicado a Guy Ritchie, su marido por entonces y en el que Madonna nuevamente expresa su confusión con respecto a la cultura americana y cómo ha perdido la ilusión. Love Profusion resultaba la apuesta más comercial y ‘radio-friendly’ del álbum y se convirtió en el tercer single #1 del álbum en España, fue top 5 en Canadá o Italia y alcanzó el #11 en Reino Unido. Pese a la intensa polémica que provocó el lanzamiento del primer single, «American Life» debutó en el #1 en la lista americana, convirtiéndose en el quinto álbum #1 de Madonna en Estados Unidos y acabó siendo certificado platino por ventas cercanas al millón de ejemplares, lo que resultaban unas cifras muy inferiores a las de «Music» y «Ray of Light». A nivel internacional, «American Life» alcanzó el #1 en más de 10 países del mundo, incluyendo Reino Unido, Canadá, Francia o Alemania y superó los 5 millones de copias alrededor del mundo, menos de la mitad que «Music». En resumen, aunque «American Life» es considerado como el álbum ‘maldito’ de Madonna y fue muy criticado en el momento de su publicación, años después ha recibido el reconocimiento que merece y personalmente es uno de mis favoritos y más escuchados dentro de su extensa carrera discográfica. Puntuación: 9/10.

2. Confessions on a Dance Floor.

Madonna es conocida dentro del mundo de la música por su capacidad para reinventarse con cada álbum y ofrecer al público un estilo diferente y una imagen totalmente opuesta a la anterior, algo que muchas cantantes han intentado imitar posteriormente. En 2005 la reina del pop resurgió de sus cenizas como el ave fénix con su décimo álbum de estudio, titulado Confessions on a Dance Floor, que tomaba el relevo a «American Life», publicado dos años atrás con críticas y ventas mediocres. «Confessions» supone una gran divergencia en cuanto a sonido con respecto a su anterior álbum y en esta ocasión Madonna regresó a sus raíces pop para ofrecernos un trabajo dirigido a las pistas de baile. Con la ayuda de Stuart Price (principal artífice de este proyecto) y producción adicional de su colaborador habitual Mirwais Ahmadzaï y Bloodshy & Avant, Madonna creó un álbum encuadrado dentro del dance-pop y el electropop con gran influencia del sonido Disco de los años 70 e inspirado en la música de ABBA, Donna Summer o Pet Shop Boys. «Confessions» se puede escuchar de principio a fin porque el relleno se reduce al mínimo y las 12 canciones presentes están encadenadas unas con otras como si de una sesión de DJ se tratase. «Confessions» supuso un repunte en la popularidad de Madonna y resultó un gran éxito comercial: alcanzó el #1 en más de 20 países y superó los 10 millones de copias a nivel mundial. Este álbum no sólo tuvo un enorme impacto comercial sino que recibió excelentes críticas por parte de los expertos musicales, quienes se reconciliaron con la cantante tras sus negativas opiniones hacia «American Life» y consiguió un premio Grammy al mejor álbum electrónico/Dance. Es conocido el hecho de que los componentes del mítico grupo sueco ABBA son muy reticentes a la hora de dejar que otros artistas versionen o utilicen sus canciones sin embargo permitieron a Madonna samplear la melodía de su conocido hit ‘Gimme! Gimme! Gimme!’ para su nuevo single. Dicho tema resultó ser Hung Up, el single presentación de ‘Confessions’ y que se trataba de un bailable tema dance-pop con influencias Disco y House producido por Stuart Price cuyas sencillas letras reflejaban el carácter de mujer fuerte e independiente de Madonna. ‘Hung Up’ superó todas las expectativas posibles y ocupó el #1 en más de 40 países de todo el mundo, pasando a formar parte de las canciones más exitosas de todos los tiempos, con ventas superiores a los 9 millones de copias, incluyendo formato físico y digital. ‘Hung Up’ supuso el mejor resultado de Madonna en Estados Unidos en años, sin embargo sólo ocupó el #7 en la lista de ventas. El segundo single lanzado fue Sorry, otro de los ‘highlights’ del álbum y que recibió alabanzas de los expertos musicales por su carácter pegadizo y bailable. Este tema dance-pop y Disco compartía muchas similitudes con el single precedente aunque tenía contenía más profundidad en las letras y en ellas Madonna declaraba sentirse harta de oír excusas por parte de su amante, el cual no paraba de disculparse por sus errores. En Estados Unidos ‘Sorry’ tuvo un desempeño muy moderado debido a su bajo nivel de airplay sin embargo en el resto del mundo tuvo una acogida muy superior y ocupó el top 5 en los principales mercados musicales. Como tercer single se lanzó Get Together, un potente tema electropop y dance-pop con influencia Disco y House que habla sobre la posibilidad de encontrar el amor en la pista de baile. El cuarto y último single lanzado fue Jump, un tema dance-pop y synth-pop que destacaba por el hecho de que Madonna hace uso de su registro más bajo de la voz y hablaba sobre pasar página de una relación. Entre los temas más interesantes del álbum se encuentran ‘Let It Will Be’, un pegadizo tema Disco con uso prominente de violines que habla del éxito y la fama o ‘Forbidden Love’, un tema electropop y dance-pop de carácter mid-tempo cuyas letras hacen referencia a cómo el amor trasforma nuestras creencias y afecta a las relaciones con los demás. «Confessions on a Dance Floor» siempre será recordado por su carácter discotequero y bailable, los icónicos looks de Madonna ensayando frente al espejo y haciendo ‘posturitas’ en el videoclip de ‘Hung Up’ y ha servido de inspiración a numerosos artistas pop, los cuales empezaron a adoptar el estilo dance-pop y Disco tras el éxito de este álbum. Puntuación: 9/10.

1. True Blue.

En 1986 vio la luz True Blue, el tercer álbum de estudio de Madonna, el cual está formado por 9 temas encuadrados dentro del pop y el dance-pop con influencias Latin-pop y pop/rock compuestos por la propia cantante bajo la producción de Patrick Leonard y Stephen Bray, quien ya participó en varios temas de su anterior álbum. «True Blue» incorporaba letras sobre amor, perseguir sus sueños o las relaciones con su familia y está dedicado a su marido por entonces, el actor Sean Penn. El tercer álbum de Madonna fue aclamado por la crítica por su sólido conjunto de canciones pegadizas y bailables, su mayor madurez como compositora, sus mejoradas habilidades como vocalista y supuso un importante avance cualitativo con respecto a sus dos últimos álbumes. En un intento por llegar a un público de mayor edad, Madonna incorporó a sus canciones una instrumentación más clásica, usó un tono de voz menos agudo y se alejó en cierta manera de la imagen juvenil presentada durante la era «Like a Virgin». Respaldado por varios singles muy exitosos, «True Blue» debutó en el #1 en las listas de venta de 20 países en todo el mundo, incluyendo importantes mercados como Reino Unido, Australia, Canadá, Alemania o España. En Estados Unidos se convirtió en el segundo #1 de Madonna, fue certificado 7 veces platino por ventas superiores a los 7 millones de copias aunque no logró superar las cifras de «Like a Virgin», el cual fue certificado diamante al vender más de 10 millones de ejemplares en tierras americanas. «True Blue» superó los 25 millones de copias a nivel mundial, convirtiéndose en uno de los álbumes más exitosos de los años 80 y permanece como el álbum de estudio de Madonna más vendido, sólo superado por el recopilatorio «The Immaculate Collection», publicado en 1990 y que superó los 30 millones de ejemplares alrededor del mundo. El primer single del álbum fue Live to Tell, una emotiva balada pop producida por Patrick Leonard con gran componente orquestal cuyas letras hablan sobre ser fuerte y sobreponerse al engaño y la desconfianza en las relaciones, inspirada en la complicada relación con sus padres. ‘Live to Tell’ recibió buenas opiniones de los expertos musicales por sus personales letras, la madurez y serenidad mostrada en el tema y fue considerada como una de las mejores baladas dentro de la carrera de Madonna. Como segundo single se lanzó Papa Don’t Preach, un tema pop up-tempo que destacaba por su gran uso de instrumentos musicales, incluyendo violín, piano o guitarra. Mientras que la mayoría de canciones presentes en el álbum hablan de amor, en ‘Papa Don’t Preach’ Madonna trata el tema del embarazo durante la adolescencia y cómo una joven católica afronta su decisión sobre abortar o tener el bebé, además del complicado momento de contarle su situación a un padre religioso y conservador. Esta canción generó gran controversia entre la conservadora sociedad americana de los años 80 por su mensaje anti-aborto y provocó el primer conflicto de Madonna con el Vaticano, sin embargo fue aclamado por la crítica experta, que lo consideró uno de los temas más sobresalientes del disco. ‘Papa Don’t Preach’ fue nominado a un premio Grammy a mejor actuación vocal femenina de pop, tuvo un extraordinario desempeño comercial y lideró las listas de venta de Reino Unido, Australia, Canadá o Estados Unidos. El tercer single lanzado fue True Blue, un tema pop de corte retro con influencia doo-wop, inspirado en el sonido Motown de los años 60 que Madonna escuchaba durante su juventud y cuyas letras están dedicadas al amor que sentía por Sean Penn. Como cuarto single llegó Open Your Heart, un tema pop up-tempo con uso prominente de percusión originalmente concebida como una canción rock para Cindy Lauper pero transformada en un tema dance-pop por Patrick Leonard y Madonna para ser incluido en «True Blue». En esta canción de amor, Madonna rogaba a su amante que abriera su corazón y le expresaba sus deseos más íntimos, convirtiéndose en el tema del álbum con una temática más sexual. El quinto y último single fue La Isla Bonita, un pegadizo tema Latin-pop cuya melodía cuenta con varios instrumentos de origen hispano como la guitarra española, castañuelas o maracas, está inspirado en la pasión de Madonna por la cultura latina e incorpora varias palabras cantadas en español. Este tema recibió grandes críticas por su original melodía de inspiración latina y sus letras sobre soñar con el paraíso como vía de escape de la aburrida vida cotidiana y con el paso de los años se ha convertido en uno de los temas más icónicos de la carrera de Madonna e interpretado en la mayoría de sus giras de conciertos. ‘La Isla Bonita’ resultó extremadamente exitoso en Europa, donde alcanzó el #1 en Reino Unido, Francia, Canadá o Alemania y ocupó el top 5 en Estados Unidos. En resumen, en su momento de lanzamiento, «True Blue» supuso el trabajo más maduro de la carrera de Madonna y mostraba una evidente evolución musical que la convertía en una artista más completa tanto a nivel de compositora como vocalista, además la elección de los singles de este álbum es posiblemente la mejor de toda la trayectoria de la Reina del Pop. El impacto comercial del álbum fue espectacular: se ha convertido en el álbum de estudio más exitoso de Madonna, uno de los más vendidos de la historia de la música y cabe destacar que todos sus singles alcanzaron el #1 bien en Estados Unidos o en Reino Unido. En resumen, «True Blue» está compuesto por un conjunto muy sólido de canciones pop tremendamente marchosas, alegres y pegadizas, de ahí que el blog Mister Music haya situado al álbum en lo más alto de este repaso. Puntuación: 9/10.

Throwback Review: «Oops!… I Did It Again» de Britney Spears

mayo 17, 2025mayo 19, 2025deividtoxic4 comentarios

Durante este mes de mayo se ha cumplido el 25º aniversario del lanzamiento del segundo álbum de estudio de la cantante Britney Spears, por lo que realizaré una crítica en retrospectiva de este icónico álbum. Oops!… I Did It Again fue publicado el 16 de mayo del 2000, apenas un año y 4 meses después de su primer álbum, el legendario …Baby One More Time, el cual se convirtió en uno de los álbumes debut más exitosos de todos los tiempos con ventas superiores a los 25 millones de copias a nivel mundial. La meteórica carrera de la cantante de Louisiana continuó con «Oops!… I Did It Again»: el álbum debutó en el #1 de la lista de ventas de Estados Unidos con más de 1’3 millones de copias en su primera semana, la mayor cifra de ventas de una cantante femenina en la historia de la música hasta el momento y que solo fue superada 15 años más tarde por Adele. Con la popularidad de Britney Spears en su mejor momento, «Oops!» fue certificado diamante en tierras americanas por ventas superiores a los 10 millones de ejemplares. A nivel internacional también tuvo un gran impacto comercial y ocupó el #1 en las listas de venta de Canadá, Alemania o Francia y el #2 en Reino Unido, Australia o España. Las ventas totales de «Oops!… I Did It Again» superan los 20 millones de copias, todo un récord para una artista que por entonces apenas tenía 19 años.

«Oops!… I Did It Again» está compuesto por un compendio de marchosos temas de estilo pop y dance-pop y varias baladas que mostraban que el rango vocal de Britney era superior a lo que muchos creían. Pese a ser un trabajo eminentemente pop al igual que su predecesor, resulta más variado y contiene influencias funk o R&B. El productor sueco Max Martin, artífice de los exitosos singles ‘…Baby One More Time’ y ‘(You Drive Me) Crazy’, incrementó su participación en el proceso creativo y asumió un papel muy importante en el segundo álbum de Britney. Max Martin no solo fue el responsable de los tres primeros singles del disco sino que participó en la composición de la mayoría de canciones presentes junto a su habitual colaborador Rami Yacoub y otros músicos suecos asociados a los estadios Cheiron como Alexander Kronlund, Jörgen Elofsson o Kristian Lundin. Los productores Robert ‘Mutt’ Lange y Rodney ‘Darkchild’ Jerkins y la afamada compositora Diane Warren también contribuyeron con una canción cada uno a este álbum y la propia Britney compuso el tema ‘Dear Diary’.

En una estrategia comercial similar a la utilizada con su álbum debut, el single presentación también era el tema que daba título al álbum. Oops!… I Did It Again ha pasado a la historia como uno de los singles más icónicos y representativos de la carrera inicial de Britney y en la actualidad es su tercer tema más popular en Spotify, con cerca de mil millones de reproducciones. ‘Oops!’ guardaba muchas similitudes con ‘…Baby One More Time’ aunque en sus letras Britney declaraba que «ya no era tan inocente» como antes y en este caso jugaba con los sentimientos de su amante, el cual confunde su flirteo con un interés romántico real. ‘Oops!’ no logró despuntar en Estados Unidos como lo hizo ‘Baby’ y sólo ocupó el #9 en la lista americana, sin embargo en el resto del mundo el desempeño fue muy superior y alcanzó el #1 en más de 15 países incluyendo Australia, Canadá, España o Reino Unido (donde se convirtió en su tercer single #1). El videoclip de ‘Oops!’, ambientado en el planeta Marte y con el icónico traje rojo de látex de Britney, se ha convertido en parte de la cultura pop de la década del 2000. Tras el tremendo éxito cosechado por ‘Oops!’, como segundo single se lanzó Lucky, que se trata de un tema pop mid-tempo de pegadizas letras y con una producción muy similar a la de ‘Oops!’ en el que Britney relata la vida de una estrella del cine que lo tiene todo en la vida (dinero, fama y belleza) pero en realidad se siente sola y desdichada. Este tema recibió buenas críticas de los expertos musicales, muchos de los cuales creyeron que la letra de la canción estaba inspirada en su propia vida. ‘Lucky’ logró un éxito moderado en Estados Unidos, donde apenas ocupó el top 25, pero como es costumbre en el resto del mundo tuvo una mejor acogida y fue #1 en Francia o Alemania y top 5 en Reino Unido, Canadá o Australia.

Como tercer single llegó Stronger, un potente tema dance-pop que recibió grandes críticas de los expertos musicales por sus letras de auto-empoderamiento («soy más fuerte que ayer») y su declaración de independencia sobre abandonar al amante que la ha engañado. ‘Stronger’ tenía todos los elementos para triunfar y rápidamente se convirtió en uno de los ‘fan favorite’ del álbum ya que contaba con un estribillo muy pegadizo, una moderna y vanguardista producción y Britney brillaba por su ágil ejecución vocal. En el terreno comercial resultó un éxito moderado y ocupó el #11 en Estados Unidos y el top 10 en Alemania o Reino Unido. Para mostrar la variedad presente en el álbum, como cuarto y último single se lanzó Don’t Let Me Be the Last to Know, una balada compuesta por Shania Twain y su por entonces marido, el productor Robert ‘Mutt’ Lange, que contenía ciertas influencias Country. Esta canción recibió buenas opiniones de los expertos y la consideraron como una de sus mejores baladas de Britney hasta la fecha, sin embargo a nivel comercial resultó su primer fracaso en Estados Unidos ya que fue incapaz de entrar en el Hot 100 de la lista Billboard.

Entre los temas up-tempo más destacados del álbum se encuentran ‘Don’t Go Knockin’ on My Door’, un marchoso tema pop/R&B con cierto toque funk cuyas letras hacen referencia sobre pasar página tras una ruptura, ‘Can’t Make You Love Me’, un enérgico tema dance-pop que habla sobre el amor verdadero o ‘What U See (Is What U Get)’, que hubiera sido un gran candidato a single y en cuyas letras Britney exige respeto a un amante celoso. Dentro de las baladas sin duda sobresale ‘Where Are You Now’, que destaca por la magnífica ejecución vocal de Britney, quizás una de las mejores de toda su carrera. Uno de los temas peor recibidos por los críticos fue la versión de ‘(I Can’t Get No) Satisfaction’ de Rolling Stones, a la que Darkchild le dio un toque funk y R&B en lugar de su estilo rock original.

Los segundos álbumes son la prueba de fuego definitiva para los artistas que han cosechado gran éxito con su debut y en muchos casos suponen una importante caída de ventas o resultan un sonoro fracaso, sin embargo este no fue el caso de Britney Spears, ya que sin superar el éxito sin precedentes de «…Baby One More Time», su segundo trabajo obtuvo unas cifras de venta muy altas y casi cercanas. Comparándolo con su predecesor, «Oops!… I Did It Again» resulta un trabajo más maduro, completo y variado, aunque quizás la música de Britney no mostró excesiva evolución musical debido al escaso lapso de tiempo entre sus fechas de publicación. En resumen «Oops!… I Did It Again» es uno de los álbumes más importantes de la historia del pop, de la década del 2000 y en mi opinión uno de los mejores dentro de la discografía de Britney Spears. Para conmemorar el vigésimo quinto aniversario de «Oops!… I Did It Again», la discográfica de Britney ha lanzado una edición especial del álbum en vinilo que incluye temas inéditos incluidos en las ediciones internacionales como ‘Girl in the Mirror’, caras B como ‘Walk on By’ o ‘Heart’ y varios remixes de los singles. Temas imprescindibles: Oops!… I Did It Again, Stronger, What U See (Is What U Get), Where Are You Now, Don’t Go Knockin’ on My Door, Girl in the Mirror y Lucky. Puntuación: 9/10.

Crítica del álbum debut de Madonna

mayo 13, 2025mayo 17, 2025deividtoxicDeja un comentario

En julio de 1983 vio la luz uno de los álbumes debut más icónicos de todos los tiempos y que cambiaría el rumbo de la música pop. Me refiero sin duda al primer álbum de estudio de Madonna Louise Ciccone, una joven cantante americana de ascendencia italiana por parte de padre que años más tarde se convertiría en la indiscutible reina del pop. El álbum, titulado simplemente Madonna, está formado por 8 temas de carácter up-tempo encuadrados dentro del synth-pop, dance-pop y post-Disco con ciertos elementos pop/rock, New Wave o R&B. La mayoría de los temas fueron compuestos por la propia Madonna y producidos por John ‘Jellybean’ Benitez, Reggie Lucas y Mark Kamins. Las canciones presentes hablan de amor, rupturas sentimentales o pasarlo bien y pese a que no se apreciaba una gran profundidad en las letras, el conjunto de canciones recibió buenas impresiones por parte de los expertos musicales por su naturaleza bailable y desenfadada. Este trabajo incluye singles muy reconocibles de Madonna como ‘Holiday’, ‘Lucky Star’ o ‘Borderline’, que siguen siendo interpretados en directo por la cantante décadas después de su lanzamiento. El álbum debut de Madonna debutó tímidamente en la lista americana, pero tras un lento y constante ascenso a lo largo de un año, en octubre de 1984 alcanzó el #8, su mejor posición en la lista Billboard. «Madonna» acabó siendo certificado 5 veces platino en Estados Unidos por ventas superiores a los 5 millones de copias y supera los 10 millones de ejemplares a nivel mundial.

Dos singles fueron lanzados antes de que el álbum fuera completado. Uno de ellos fue ‘Everybody’, cuya demo Madonna llevó a varios clubs nocturnos de Nueva York para introducirse en el circuito musical, entre ellos la discoteca Danceteria, en la que Mark Kamins era el DJ. Con la ayuda de Kamins, quien produjo la edición final del tema, ‘Everybody’ fue presentado a varias discográficas hasta que la joven cantante de Michigan fue fichada por Sire Records y consiguió grabar su primer trabajo discográfico. Everybody es un tema dance-pop y post-Disco con ciertos elementos R&B en el que Madonna anima al oyente a pasarlo bien, bailar y perder sus inhibiciones. ‘Everybody’ no entró en la lista americana pero alcanzó el top 5 en el componente Dance Club Songs de la lista Billboard. Más tarde fue lanzado un single de doble cara A formado por ‘Burning Up’ y ‘Physical Attraction’. Burning Up es un enérgico tema pop/rock y dance-pop con influencias New Wave cuyas letras hacen referencia a la ambición y el sexo y en las que Madonna admite que haría cualquier cosa por su amante. Por su parte Physical Attraction es un tema de mid-tempo de más de 6 minutos de duración en el que la cantante habla sobre la atracción entre ella y un chico. Ambos temas tuvieron un impacto mínimo en las listas de venta.

Una vez publicado el álbum se lanzó como single Holiday, que se trata de un marchoso tema dance-pop, synth-pop y post-Disco que cuenta con una rica instrumentación compuesta por guitarras y cuerdas sintetizadas y cuyas letras hablan del sentimiento universal que tiene todo ser humano de tomarse unas vacaciones. ‘Holiday’ fue el primer single de Madonna que consiguió éxito comercial y alcanzó el top 10 en Reino Unido o Australia y el top 20 en Estados Unidos. El siguiente single lanzado fue Lucky Star, un tema dance-pop y synth-pop con influencias Disco en cuyas letras Madonna compara el cuerpo de su amante con las estrellas del cielo. ‘Lucky Star’ continuó la buena racha comercial del anterior sencillo y alcanzó el #4 en la lista americana y el top 15 de Reino Unido. El último single lanzado fue Borderline, un tema dance-pop con influencias del sonido Disco de los años 70 en cuyas letras Madonna se queja del comportamiento chovinista de su pareja. ‘Borderline’ se convirtió en el segundo single de Madonna que alcanzaba el top 10 en la lista americana.

El álbum debut de Madonna ha sido fuente de inspiración para varias generaciones posteriores de artistas de pop como Kylie Minogue, Britney Spears o Lady Gaga, en cuyos primeros trabajos se observa una gran influencia del estilo de Madonna. Este álbum destaca por ser uno de los máximos representantes del sonido post-Disco, término que se utiliza para describir al subgénero de la música Disco en su época final, antes de su desaparición a finales de los 70 y que se caracterizó por tener un sonido más electrónico, convirtiéndose en la antesala del House o el Techno. En resumen, «Madonna» es uno de los álbumes debut más sólidos, influyentes e icónicos de todos los tiempos dentro de la música pop. Temas imprescindibles: Lucky Star, Borderline, Holiday, Burning Up y I Know It. Puntuación: 8/10.