10. Cowboy Carter de Beyoncé.

En 2022 Beyoncé publicó su séptimo álbum de estudio, Renaissance, que suponía el primer acto de una trilogía que grabó durante el confinamiento por la pandemia del coronavirus y en el que rendía homenaje a los pioneros afroamericanos de la música de baile. Este álbum profundizaba en los géneros Dance, Disco y House, pero se trataba de un trabajo muy variado que incorporaba elementos R&B, pop o Soul y contaba con numerosos samplers de famosas canciones. Tras el éxito de la gira promocional de «Renaissance», la cantante de Houston (Texas) ha regresado al panorama musical con el segundo acto de la trilogía, aunque fue el primero en ser grabado. En Cowboy Carter, su octavo trabajo discográfico, Beyoncé ha decidido recuperar sus raíces sureñas y profundizar en el género Country y la música tradicional americana. Mientras que en su anterior álbum rendía tributo a los pioneros afroamericanos de la música de baile, en esta ocasión celebra las raíces negras del Country. La cantante sólo había experimentado con dicho género anteriormente en el tema ‘Daddy Lessons’ perteneciente al álbum «Lemonade». Beyoncé confesó que la inspiración de hacer un álbum de estilo Country proviene de su controvertida actuación de ‘Daddy Lessons’ junto a The Chicks en la gala de los Country Music Awards de 2016, en la cual sintió que no era aceptada por ser una mujer de color y se encontró fuera de lugar entre un público eminentemente blanco. «Cowboy Carter» se trata de un álbum muy extenso, formado por 27 temas encuadrados dentro del Country (con ciertos elementos R&B, pop/rock, folk, Soul o Blues) y producidos por The Dream, Raphael Saadiq, Swizz Beatz o Pharrell Williams entre otros. En febrero Beyoncé lanzó dos singles como anticipo del álbum. Uno de ellos fue Texas Hold ‘Em, un tema up-tempo Country-pop con influencias folk y Soul cuyo título hace referencia a una de las variaciones más populares del juego de póker y en el que Beyoncé celebra las raíces negras de la música Country y rinde homenaje a sus orígenes sureños. ‘Texas Hold ‘Em’ recibió buenas críticas por su naturaleza desenfadada y la versatilidad vocal de Beyoncé y fue considerado el responsable de ampliar el público potencial de la música Country gracias a su éxito comercial. ‘Texas Hold ‘Em’ ha ocupado el #1 en las principales importantes listas de venta y supera los 350 millones de escuchas en Spotify. Por su parte, 16 Carriages se trata de una balada de estilo Country en la que la cantante texana describe la vida de carretera durante las giras de conciertos, pero también da detalles de la relación de sus padres cuando era joven y describe sus experiencias de adolescente cuando formaba parte de Destiny’s Child. Como siguiente single se lanzó II Most Wanted, un tema pop/rock y Country-pop de carácter downtempo que cuenta con la colaboración de Miley Cyrus y en el que ambas cantantes hablan de su estatus en la industria musical. A lo largo de su extensa trayectoria profesional, Beyoncé ha experimentado con géneros musicales tan diversos como el R&B, pop, funk, Soul, Hip Hop o electropop y es de alabar su versatilidad como artista al aproximarse en esta ocasión al Country, pero en mi opinión no es el género que mejor se adapta a su voz, la cual encaja mejor dentro del género R&B. Además, el acercamiento de Beyoncé al Country no resulta genuino o auténtico, ya que pese a sus orígenes sureños nunca ha expresado verdadero interés por este género ni ha mencionado a artistas de Country entre sus referencias musicales. Los puntos fuertes de «Cowboy Carter» son la magnífica ejecución vocal de Beyoncé, la rica y variada instrumentación y su cuidada producción, sin embargo no es el mejor trabajo de su trayectoria ya que resulta excesivamente largo, contiene interludios innecesarios y en ciertos momentos resulta monótono y repetitivo. Puntuación: 7/10.

9. Megan de Megan Thee Stallion.

Durante los últimos años, Megan Thee Stallion se ha convertido en una de las figuras más destacadas del Hip Hop femenino y ha tenido una gran presencia en las radios y listas de venta estadounidenses gracias a sus singles y las colaboraciones con otros artistas. En noviembre del año pasado llegó el single presentación de su nuevo álbum, Cobra, que marcaba una divergencia con respecto al habitual estilo Hip Hop de Megan y exploraba el sonido Rap rock. Las letras de ‘Cobra’ resultan muy honestas y muestran la vulnerabilidad de la rapera al narrar los difíciles momentos que ha vivido durante los últimos años, como la muerte de su madre y su abuela en apenas un mes, su ruptura con Pardison Fontaine o el disparo que sufrió en el pie por parte del cantante Tory Lanez. Según Megan Thee Stallion, las cobras son un ejemplo de auto-suficiencia y coraje, ya que se enfrentan a sus rivales poniéndose de pie y se muestran feroces ante las amenazas. Este single fue aclamado por la crítica por sus vulnerables y honestas letras, el cambio de dirección musical y el ágil flow de Megan. ‘Cobra’ tuvo un rendimiento moderado en la lista americana y alcanzó el top 40. El segundo single lanzado fue Hiss, un tema Hip Hop carente de estribillo en el que Megan se enfrenta a sus haters y dispara dardos envenenados a todos los artistas que han hablado negativamente de ella, como Nicki Minaj. En las letras de ‘Hiss’, Megan hace referencia a una ley federal americana por la que las personas con antecedentes penales deben notificar los cambios de domicilio, una clara alusión al marido de Nicki Minaj, culpable de una violación años atrás. En el terreno comercial ‘Hiss’ resultó un notable éxito: debutó en el #1 de la lista americana, ocupó el top 40 en Reino Unido y acumula más de 80 millones de escuchas en Spotify. Siguiendo la temática de las serpientes, como tercer single se lanzó Boa, un tema Hip Hop y Trap que samplea el conocido tema ‘What You Waiting For?’ de Gwen Stefani y resulta toda una declaración de intereses por parte de Megan, ya que habla de su estatus en el mundo de la música (se refiere a sí misma como la reina del Hip Hop) y nuevamente se enfrenta a sus rivales, principalmente Nicki Minaj. El tercer álbum de estudio de la rapera texana tiene por título Megan y supone un renacimiento para la artista y utiliza la temática de las serpientes para dar muestra no solo de su ferocidad y fuerza frente a las adversidades, sino para demostrar que con este trabajo ‘ha mudado de piel’ y muestra su verdadera personalidad. «Megan» mantiene el buen nivel de los anteriores trabajos de Megan Thee Stallion, explora nuevos géneros sin perder su esencia y sigue poniendo de manifiesto sus grandes habilidades como rapera y liricista, lo que le sitúa en una posición dominante dentro del Hip Hop femenino. Pese al innegable talento para rimar de la artista texana, las letras de las canciones presentes en «Megan» no evolucionan demasiado con respecto a las de sus anteriores trabajos, ya que siguen haciendo referencia a su atractivo físico, su riqueza y sus logros conseguidos en el mundo de la música, aunque también hay espacio para temas con letras más profundas y vulnerables en las que habla de las situaciones traumáticas que ha vivido durante los últimos años. Con sus aciertos y sus defectos (básicamente la falta de evolución en la composición y su larga extensión) «Megan» es uno de los álbumes de Hip Hop más destacados del año. Puntuación: 7’5/10.

8. Coming Home de Usher.

Durante un tiempo, Usher consideró hacer una secuela de su legendario álbum Confessions, el cual recibió grandes críticas por parte de los expertos musicales, vendió más de 10 millones de copias en tierras americanas y se convirtió en el álbum R&B más exitoso de la década del 2000 en Estados Unidos. Muchas expectativas estaban puestas en torno a la segunda parte de «Confessions» e incluso fueron reclutados los productores principales de dicho álbum: Jermaine Dupri, Bryan-Michael Cox y Lil Jon. Tras la tibia acogida de los singles lanzados, Usher decidió abandonar este proyecto y no ‘ensuciar’ el buen nombre de su icónico álbum con una segunda parte que podría resultar un fracaso comercial. El cantante de Atlanta cambió de opinión con respecto a la secuela de «Confessions» pero siguió trabajando en su nuevo álbum mientras se encontraba inmerso en su exitosa residencia de conciertos en Las Vegas. Unos días antes de su participación en el intermedio de la Super Bowl, el veterano artista publicó su noveno álbum de estudio, Coming Home, el primero lanzado dentro de una discográfica independiente tras su salida de RCA, el sello discográfico al que estuvo unido durante más de una década. Su último álbum, el poco memorable «Hard II Love», fue publicado en 2016, lo que supone el lapso más largo entre dos álbumes dentro de la larga trayectoria de Usher. «Coming Home» está formado por 20 temas encuadrados dentro del R&B con influencias pop y Hip Hop compuestos por el propio Usher bajo la producción de algunos de los nombres más importantes de la industria musical como The Dream, Tricky Stewart, D’Mile, Jermaine Dupri, Bryan-Michael Cox, Hit-Boy o Rico Love entre otros. «Coming Home» cuenta con numerosos artistas invitados entre los que se encuentran Summer Walker, Latto, 21 Savage, Burna Boy, Pheelz, The Dream y H.E.R. «Coming Home» debutó en el #2 de la lista americana de álbumes (el octavo top 5 de Usher en Estados Unidos) y ha obtenido unas ventas superiores a las de su anterior álbum. El año pasado llegó el single presentación del álbum, Good Good, que se trata de un tema R&B con influencia Trap y Hip Hop producido por Mel & Mus que cuenta con la colaboración de Summer Walker (con quien ya trabajó en el single ‘Come Thru’ de la cantante) y el rapero 21 Savage. En este tema, Usher habla sobre una relación fallida y le desea lo mejor a su ex-pareja, mientras que Summer Walker ofrece la perspectiva femenina y reafirma haber terminado la relación en buenos términos y 21 Savage expresa la voluntad de apoyar a su ex de cualquier manera pese a haber finalizado la relación. El segundo single lanzado fue Ruin, un tema influenciado por el sonido Afrobeats en el que Usher relata una ruptura sentimental y le reprocha amargamente a su pareja que pese a haberse mantenido fiel y comprometido en la relación, ella no ha sabido valorarle. «Coming Home» ha supuesto un importante avance cualitativo en comparación a sus últimos álbumes y nos presenta a un Usher en la madurez, pero que no ha perdido ni un ápice de su enorme talento y sigue siendo un gran vocalista, compositor y showman. Durante el 2024 no sólo se cumple el vigésimo aniversario del icónico «Confessions» sino que también han pasado 30 años del lanzamiento de su álbum debut de título homónimo, con el que inició una impecable carrera dentro el mundo de la música, convirtiéndose en el rey del R&B contemporáneo. «Coming Home» es el trabajo más sólido de la discográfica reciente de Usher y uno de los mejores álbumes R&B publicados durante este año. Puntuación: 7’5/10.

7. Tyla de Tyla.

La cantante sudafricana Tyla alcanzó el reconocimiento del gran público gracias a ‘Water’, el single presentación de su primer álbum. Water es un tema up-tempo que combina R&B, pop y amapiano (una variante del Deep House que emergió en África durante la década del 2010) y contiene unas letras muy sensuales en las que Tyla expresa a su amante su deseo de tener un encuentro íntimo y apasionado. ‘Water’ ha resultado un éxito comercial: ha alcanzado el #7 en la lista americana (el primer top 10 de un artista de origen sudafricano en décadas) y ha ocupado el top 10 en importantes mercados como Reino Unido, Suecia o Australia. ‘Water’ fue aclamado por la crítica, ha recibido un premio Grammy a mejor actuación de música africana y ha obtenido varias nominaciones a los Soul Train Awards o los Brit Awards. El álbum debut de la joven cantante, titulado simplemente Tyla, está formado por un conjunto de canciones que combinan pop y R&B contemporáneo con sonidos tradicionales africanos como el Afrobeats y el amapiano. Durante los últimos años, el Afrobeats se ha vuelto muy popular entre los artistas urbanos y se trata de un sonido de origen africano de naturaleza bailable que se caracteriza por su uso prominente de percusión y ritmos tribales. Las mayores influencias musicales de la joven cantante son artistas de la talla de Michael Jackson, Aaliyah, Rihanna o Britney Spears y según sus propias palabras su sueño sería convertirse en la primera artista sudafricana que triunfa a nivel global. Tyla ha participado en la composición de las 14 canciones presentes en el álbum, las cuales tratan temas como el sexo, las relaciones sentimentales o el empoderamiento femenino. «Tyla» fue publicado el pasado mes de marzo y debutó en el #24 de la lista americana de álbumes, convirtiéndose en la mejor posición conseguida por una artista femenina sudafricana en la historia de la música. Tras ‘Water’ llegó Truth or Dare, otra deliciosa pieza de amapiano y Afrobeats combinado con sonido R&B en cuyas letras Tyla deja las cosas claras a un amante que quiere volver con ella e intenta frenar su acercamiento. Los siguientes singles lanzados fueron Art, en el que Tyla declara que su cuerpo es digno de estar en una galería de arte y Jump, el tema de carácter más urbano del álbum, que cuenta con la colaboración del rapero Gunna y en el que la cantante habla sobre su ascenso a la fama y nombra su ciudad natal. En resumen, Tyla se ha convertido en una de las artistas revelación de este año gracias a sus canciones pegadizas y bailables, su bonita voz y su original sonido. «Tyla» es un álbum debut más que digno que nos ha dado a conocer a una artista muy prometedora y talentosa que dará mucho que hablar en el futuro. El único defecto del álbum es que acaba resultando repetitivo porque la mayoría de las canciones suenan muy parecidas debido a que los temas de estilo Afrobeats y amapiano tienen un tempo y un ritmo similar y no presentan excesivas variaciones. Puntuación: 7’5/10.

6. Crash de Kehlani.

Durante los últimos años Kehlani se ha convertido en una de las figuras más destacadas dentro del género R&B junto a otras prometedoras cantantes como SZA, Tinashe o Summer Walker, quienes demuestran que este género no está acabado en absoluto y sigue teniendo viabilidad comercial en el mercado americano. En 2022 llegó el último álbum de estudio de la cantante californiana, Blue Water Road, en el cual alcanzaba su madurez artística gracias a un sólido conjunto de canciones cuyas letras giraban en torno a temas como el amor, la sexualidad, la espiritualidad o la claridad emocional. El tercer álbum de Kehlani resultaba más ligero de contenido con respecto a It Was Good Until It Wasn’t, el cual fue publicado en plena pandemia del coronavirus y hablaba de sus turbulentas relaciones sentimentales, el lado oscuro de la fama o las complicaciones que supone la maternidad. El pasado mes de abril llegó el single presentación de su nuevo álbum, After Hours, que se trata de un marchoso tema R&B up-tempo muy influenciado por el sonido Afrobeats y Dancehall en el que la cantante le pide al ligue que ha conocido en la discoteca que se quede con ella para pasar más rato juntos. Este tema, que samplea el hit dosmilero ‘Move Ya Body’ de Nina Sky, ha tenido un mayor impacto comercial que los últimos singles de Kehlani y logrado entrar en la parte baja de la lista americana, lo que supone su primera aparición en el Billboard Hot 100 con un single propio desde ‘Can I’, lanzado en 2020. Sin duda ‘After Hours’ resulta un gran acierto como primer single del álbum debido a su naturaleza bailable y desenfadada y supone la apuesta más comercial de Kehlani hasta la fecha. Como segundo single se ha lanzado Next 2 U, un hipnótico tema R&B mid-tempo en cuyas letras Kehlani habla sobre proteger a una persona querida por encima de todo. En el videoclip de ‘Next 2 U’, la cantante californiana muestra su apoyo a Gaza en su conflicto con Israel y luce varias banderas palestinas. El cuarto álbum de estudio de Kehlani Parrish tiene por título Crash y supone un punto de inflexión en su carrera ya que con él pretende mostrar su evolución artística y su gran versatilidad como cantante y compositora. El álbum está encuadrado dentro del R&B/pop al igual que sus anteriores trabajos, pero resulta musicalmente más ecléctico e incorpora elementos Soul, Afrobeats, Country, folk o rock. «Crash» destaca por el hecho de que no incide tanto en los momentos oscuros de su vida, resulta más alegre y positivo que sus anteriores trabajos y destaca por contener un mayor número de temas up-tempo de carácter bailable. «Crash» es uno de los mejores álbumes dentro de la trayectoria de Kehlani ya que muestra a la perfección su versatilidad artística, su gran talento como compositora y sus excelentes habilidades vocales. Puntuación: 7’5/10.

5. Timeless de Meghan Trainor.

La cantante americana Meghan Trainor se apuntó un importante tanto en 2022 con el single ‘Made You Look’, que destacó por su viralidad en las redes sociales y le devolvió a los primeros puestos de ventas tras unos años en los que no pasaba por su mejor momento de popularidad. ‘Made You Look’ se ha convertido en su tema más popular en las plataformas musicales (acumula más 700 millones de escuchas en Spotify) y a nivel comercial ocupó el top 10 en importantes listas de venta como Australia, Canadá o Reino Unido y el #11 en Estados Unidos. Este single formaba parte del álbum Takin’ It Back, en el que regresaba (con gran acierto) al sonido doo-wop que tantos éxitos le dio en el pasado y es el que mejor se adapta a su voz y su personalidad dulce y naïf. Desde su debut en 2015, Meghan Trainor ha sido la responsable de traer al mainstream el doo-wop y el sonido retro, lo que supuso un soplo de aire fresco en un panorama pop saturado por la música electrónica y el abuso de sintetizadores. Tras ser madre por segunda vez, la cantante de Massachussets lanzó el pasado mes de marzo el single presentación de su nuevo álbum, Been Like This, que se trata de un marchoso tema doo-wop con influencias del sonido swing y big band de los años 20 y que cuenta con la participación del rapero T-Pain, uno de los ídolos de Meghan. ‘Been Like This’ es un himno de auto-aceptación y de confianza en uno mismo en el que Meghan enumera cosas positivas de ella y habla de su estatus en el mundo de la música («soy pop star pero también soy madre»). Pese a su gran potencial, ‘Been Like This’ ha sido incapaz de repetir el éxito de ‘Made You Look’ y apenas ha ocupado el top 40 en Reino Unido y ha tenido un impacto mínimo en las principales listas de venta, sin embargo acumula más de 40 millones de reproducciones en Spotify. El segundo single lanzado fue To the Moon, en el que continúa con su habitual estilo doo-wop pero añade influencias electrónicas y se convierte en una apuesta más moderna y actual por parte de Meghan. En este tema, la rubia cantante habla del amor incondicional que profesa a su marido mientras utiliza metáforas referentes al espacio exterior. El sexto álbum de estudio de Meghan Trainor tiene por título Timeless y está formado por 16 temas encuadrados dentro de su habitual sonido doo-wop con elementos de la música contemporánea como pop, R&B, Disco, synth-pop o Soul. Meghan ha participado en la composición de todas las canciones presentes en álbum (que hablan de empoderamiento, independencia, auto-aceptación, además del amor incondicional que siente por su pareja) y cuentan con la producción de Federico Vindver, Grant Boutin, Jason Evigan o Gian Stone. La primera parte del álbum está formada por temas up-tempo de estilo doo-wop reminiscencia de «Title», mientras que la segunda es más musicalmente más diversa. Meghan Trainor no ha arriesgado demasiado con «Timeless» ni ofrece nada nuevo u original, ya que sigue anclada al estilo doo-wop que tan buenos resultados comerciales le ha dado durante su carrera, pero lo adapta a nuestros días introduciendo algunos sonidos más actuales. A lo largo de su trayectoria profesional, Meghan ha tenido sus aciertos y sus fallos (seguimos encontrando composiciones poco inspiradas en este trabajo), sin embargo no ha publicado ningún álbum malo o de baja calidad y «Timeless» no es una excepción, ya que está formado por un conjunto de temas divertidos y disfrutables acompañados por su dulce y bonita voz. Puntuación: 7’5/10.

4. Eternal Sunshine de Ariana Grande.

La escasa diferencia temporal entre los álbumes «Sweetener», «Thank U, Next» y «Positions» hizo que Ariana Grande tuviera una presencia máxima en radios y listas de venta de todo el mundo y gozara de una tremenda popularidad, pero también llegó a saturar al público con lanzamientos muy seguidos. Además recibió ciertas críticas negativas por no mostrar una evolución musical debido al escaso margen de tiempo entre álbum y álbum. Por ello, tras la promoción de «Positions», la cantante americana decidió tomarse un merecido descanso, que le ha servido para digerir la descomunal fama adquirida durante estos últimos años, superar el trauma que sufrió tras el ataque terrorista en uno de sus conciertos y lidiar con la muerte de un ser querido. Tras un tiempo alejada del panorama musical, la cantante de Florida regresó en enero con el single Yes, And?, que hace un guiño a su famoso tema ‘Thank U, Next’ y en él responde a las numerosas críticas que ha sufrido durante los últimos tiempos por su cambio de apariencia, su gran pérdida de peso y su reciente divorcio, convirtiéndose en un himno de empoderamiento. ‘Yes, And?’ marca una divergencia con respecto al estilo pop/R&B de sus últimos trabajos y se adentra en un sonido Dance/House muy ochentero, reminiscencia de «Renaissance», el último trabajo de Beyoncé, aunque la verdadera inspiración de este tema ha sido el famoso tema ‘Vogue’ de Madonna y la música de baile de los años 80 y 90. ‘Yes, And?’ debutó directamente en el #1 de la lista americana, convirtiéndose en el octavo single ‘chart topper’ de Ariana Grande. El séptimo álbum de estudio de Ariana Grande ha visto la luz tres años y medio después de «Positions», lo que marca el lapso de tiempo más largo entre dos álbumes de toda su carrera. Eternal Sunshine está formado por 13 temas compuestos por la propia Ariana bajo la producción de Max Martin e Ilya, quienes han sido los artífices de algunos de sus mayores éxitos. El álbum está formado principalmente por medios tiempos pop/R&B en la línea de sus últimos trabajos, pero a diferencia de «Positions», resulta un álbum más diverso y encontramos varios temas up-tempo de estilo dance-pop con influencias House y Disco. El reciente divorcio de Ariana con el agente inmobiliario Dalton Gomez y el posterior proceso de curación han inspirado las letras de las canciones presentes en «Eternal Sunshine», el cual muestra el lado más vulnerable, sensible y personal de la cantante y lo convierte en una versión más sofisticada y elevada de sus álbumes anteriores. Coincidiendo con la publicación del álbum llegó el segundo single, We Can’t Be Friends (Wait for Your Love), que se trata de un tema up-tempo de estilo synth-pop que recuerda a su hit ‘Into You’ y en el que Ariana canta sobre la difusa línea que existe entre la amistad y el romance. ‘We Can’t Be Friends’ ha resultado un tremendo éxito (fue nuevamente #1 en Estados Unidos) e incluso ha superado el desempeño comercial del primer single. Como tercer single se lanzó The Boy Is Mine, que se trata de un tema mid-tempo R&B en el que la cantante confiesa que está tratando de resistir el impulso de estar con un hombre casado pero finalmente cede porque está enamorada de él y están destinados a estar juntos. ‘The Boy Is Mine’ se ha lanzado en forma de remix junto a Brandy y Monica, intérpretes del clásico ‘The Boy Is Mine’, tema en el que se inspira el single de Ariana. Sin alejarse demasiado del estilo habitual de Ariana y manteniendo intacta su esencia, «Eternal Sunshine» resulta más variado y ameno de escuchar que «Positions» y destaca por la acertada secuencia de canciones y la inclusión de varios temas up-tempo. Sus puntos fuertes son el componente lírico y la excelente ejecución vocal de la cantante, sin embargo no encontramos canciones especialmente llamativas o que destaquen sobre el resto, con la excepción de los primeros singles. Este álbum no estaba originalmente en los planes de Ariana Grande y surgió de manera natural y espontánea pero en ningún caso es un trabajo precipitado o mal acabado en absoluto, ya que nos encontramos ante un sólido álbum post-divorcio cuyas canciones exploran su lado más vulnerable y sensible. Puntuación: 7’5/10.

3. This Is Me… Now de Jennifer Lopez.

En 2002 Jennifer Lopez publicó uno de los álbumes más emblemáticos de su carrera, This Is Me… Then, que supuso su consolidación en el mundo de la música tras el éxito de sus anteriores trabajos y su consagración como artista. Este álbum resultaba más maduro que los anteriores y estaba dedicado a su pareja por entonces, el actor Ben Affleck, por ello sus letras se centraban en el amor y estaba compuesto en su mayoría por medios tiempos pop/R&B con influencias Soul que marcaban una cierta divergencia con sus anteriores lanzamientos. «This Is Me… Then» ha sido precisamente la inspiración para el nuevo trabajo discográfico de Jennifer Lopez, el primero publicado en una década. Su último álbum, «A.K.A.» llegó en 2014, resultó un fracaso comercial y estaba por debajo de los estándares habituales de la diva del Bronx. Durante este amplio lapso de tiempo Jennifer Lopez no ha dejado de lanzar singles con mayor o menor acierto, pero también ha dado numerosos bandazos artísticos sin saber muy bien cómo enfocarse en un panorama musical muy diferente al de sus inicios en el mundo de la música. El noveno álbum de estudio de la cantante neoyorquina tiene por título This Is Me… Now y está formado por 13 temas encuadrados dentro del R&B/pop que siguen la estela musical y el carácter mid-tempo de «This Is Me… Then». Este álbum relata el viaje emocional y espiritual que ha experimentado Jennifer Lopez durante estas últimas dos décadas, como sonados romances, frustradas campanas de boda y el proceso de curación tras las ruptura sentimentales. Las letras de las canciones están inspiradas en su reconexión con Ben Affleck tras años de distanciamiento y su posterior boda. El single presentación del álbum ha sido Can’t Get Enough, un animado tema pop/R&B up-tempo que contiene una pequeña interpolación del tema ‘I’m Still in Love’ de Alton Ellis (popularizado por Sean Paul en el single ‘I’m Still in Love With You) y en el que la cantante expresa la gran atracción y conexión que siente por su pareja y afirma que no tiene suficiente de él. ‘Can’t Get Enough’ es uno de los pocos temas up-tempo que encontramos en el álbum y quizás el tema más comercial, pero ha tenido un impacto mínimo en las listas de venta. El álbum está compuesto principalmente por temas mid-tempo, una decisión coherente teniendo en cuenta que nos encontramos ante una secuela de «This Is Me… Then» (en el que abundaban los medios tiempos con melodías inspiradas en el estilo Soul y con numerosos samplers) pero eso se traduce en que muchos de los temas presentes no son tan accesibles e inmediatos como los que aparecían en álbumes como «J.Lo» o «Love?». Con este álbum Jennifer Lopez ha cerrado un círculo, ya que ha regresado con su antiguo amor y recupera el estilo presente en «This Is Me… Then», el álbum que le dedicó a Ben Affleck hace dos décadas. «This Is Me… Now» debutó en el top 40 de la lista americana (la peor posición de toda su carrera) y sus ventas se han visto lastradas por un bajo nivel de streaming. Dejando a un lado el aspecto comercial, este álbum supone un evidente paso adelante con respecto al poco memorable «A.K.A.» y se pone al nivel de «This Is Me… Then», pero falla en los mismos puntos que éste último, como la naturaleza demasiado almibarada de las letras, su carácter mid-tempo y la ausencia de hits de la talla de ‘Jenny from the Block’. Definitivamente Jennifer Lopez no ha arriesgado demasiado y ha apostado por lo seguro con sonidos R&B de la década del 2000, pero esto no tendría porqué ser un problema ya que durante dicha época firmó sus mejores álbumes. «This Is Me… Now» es un trabajo más que digno y supone uno de los regresos más importantes del año, por ello ocupa la medalla de bronce en este repaso. Puntuación: 7’5/10.

2. Radical Optimism de Dua Lipa.

Future Nostalgia se convirtió en uno de los álbumes más escuchados de los años 2020 y 2021 y los singles lanzados, entre los que destacaban ‘Don’t Start Now’, ‘Break My Heart’ o ‘Levitating’, alcanzaron los primeros puestos de las listas de venta de todos el mundo y acumulan millones de reproducciones en las plataformas de streaming. La progresión de Dua Lipa en el mundo de la música ha sido imparable y tras unos tímidos comienzos con su álbum debut, la cantante tocó el techo de su carrera con «Future Nostalgia». A finales del año pasado llegó el single presentación del álbum, Houdini, que sin alejarse del estilo bailable de su último álbum y con la mirada puesta nuevamente en el pasado, marca una divergencia con el sonido presente en «Future Nostalgia» y profundiza en la música psicodélica de los años 60 y 70. Este tema utiliza la figura del famoso mago de origen húngaro como metáfora para hacerle saber a su amante que si no le trata como ella merece no estará por mucho tiempo y desaparecerá. ‘Houdini’ ha sido incapaz de repetir el tremendo éxito de los últimos temas de la cantante, pero ha tenido un desempeño comercial más que digno y supera los 500 millones de reproducciones en Spotify, lo cual se puede considerar un gran dato. Sin duda, ‘Houdini’ resultó una apuesta muy acertada y solvente como primer single debido a su inmediatez, su naturaleza desenfadada y su pegadizo estribillo. Como segundo single se lanzó Training Season, un tema dance-pop y Disco de ritmo galopante en el que la cantante inglesa declara que está cansada de los hombres que intentan ligar con ella pero no expresan sus emociones ni saben cómo ganarse su amor y advierte a sus candidatos a pareja que deben currárselo si quieren tener una relación con ella. Estas letras recuerdan a las de su hit ‘New Rules’, pero en esta ocasión, en vez de dar consejos a las mujeres, la cantante se dirige directamente a los hombres. El tercer single fue Illusion, en el que Dua Lipa explora el tema de la madurez en las relaciones sentimentales y habla de las ‘red flags’ o señales de advertencia que indican que tu pareja podría tener un comportamiento tóxico para tu salud emocional, por lo que confiesa que no se va a dejar engañar por ningún novio nunca más. ‘Illusion’, de estilo dance-pop con influencias House, es una de canciones que más se asemeja al sonido presente en «Future Nostalgia» y guarda similitudes con el single ‘Hallucinate’. El tercer álbum de Dua Lipa tiene por título Radical Optimism y está formado por 11 temas up-tempo de estilo dance-pop y electropop con influencias Disco y House, pero destaca por incorporar ciertos elementos de la música psicodélica de los años 70. Las letras de las canciones tratan las diferentes fases de las relaciones sentimentales (como la superación de rupturas complicadas y la vulnerabilidad que se siente al empezar una nueva relación) pero la cantante londinense ha decidido elegir el optimismo como manera de superar las decepciones amorosas. Dua Lipa ha participado en la composición de todos los temas presentes en el álbum y ha confiado la entera producción a Danny L Harle y Kevin Parker. ‘Houdini’ prometía un cambio de dirección musical de Dua Lipa hacia la psicodelia de los años 70, sin embargo estas influencias se van diluyendo a lo largo de «Radical Optimism» y apenas son perceptibles en muchos de los temas presentes, que no se alejan demasiado del estilo bailable de «Future Nostalgia», aunque tienen un perfil más alternativo y menos comercial que éste último. El punto fuerte del álbum es sin duda la excelente selección de los singles lanzados, que resultan tremendamente efectivos e inmediatos, sin embargo el resto de temas no está al nivel de los singles. «Radical Optimism» es un álbum disfrutable, entretenido y tiene una secuencia de canciones muy acertada, pero en su conjunto no aporta nada nuevo u original al panorama musical. Aún con sus fallos, resulta un álbum sólido que merece ocupar la medalla de plata en este repaso a los mejores álbumes del año. Puntuación: 7’5/10.

1. Everything I Thought It Was de Justin Timberlake.

Justin Timberlake no está viviendo uno de sus mejores momentos de popularidad: recientemente fue detenido por conducir bajo la influencia del alcohol y tras la publicación de las memorias de Britney Spears su imagen no ha quedado muy bien parada. Sin embargo el 2024 ha sido testigo de la publicación de último trabajo del cantante de Tennessee, que supone una gran adición a su magnífica discografía. Seis años después de «Man of the Woods» ha llegado Everything I Thought It Was, su sexto álbum de estudio, el cual está formado por 18 temas compuestos por el propio Justin Timberlake y producidos por importantes nombres de la industria musical como Cirkut, Louis Bell, Danja, Ryan Tedder, Calvin Harris o su habitual colaborador Timbaland. El álbum está formado por un compendio de medios tiempos pop/R&B y temas up-tempo Disco/funk de corte retro. A diferencia de sus últimos trabajos, «Everything I Thought It Was» no se trata de un álbum conceptual ni sigue una temática en particular pero contiene la esencia de todos sus trabajos discográficos anteriores y habla del amor, el sexo, las relaciones sentimentales y pasarlo bien. El single presentación del álbum fue Selfish, un tema mid-tempo pop/R&B en el que Justin ofrece su lado más vulnerable y expresa la inseguridad que siente a ser reemplazado por otra persona, de ahí que se muestre celoso y egoísta en su relación. ‘Selfish’ ha supuesto un gran single de regreso por parte de Justin, sin embargo ha tenido un rendimiento comercial moderado y apenas ha ocupado el top 20 en Estados Unidos y el top 40 en importantes mercados como Canadá o Reino Unido. Unas semanas antes de la publicación del álbum se lanzó como sencillo promocional Drown, que se trata de un medio tiempo pop/R&B producido nuevamente por Louis Bell y Cirkut en el que Justin describe una relación obsesiva y tóxica en la que es traicionado por su pareja y se siente invadido por un sentimiento de desesperanza y decepción. ‘Drown’ es una de las canciones más destacadas del álbum gracias a sus profundas letras, la versatilidad vocal de Justin y su elegante producción. El segundo single fue No Angels, que se trata de un marchoso tema up-tempo de sonido Disco/funk producido por Calvin Harris que sigue la fórmula de su hit ‘Can’t Stop the Feeling’ y en el que Justin juega el papel de casanova mientras hace uso de su conocido falsete. «Everything I Thought It Was» debutó en el #4 de la lista americana, el sexto álbum top 5 consecutivo de Justin en Estados Unidos, sin embargo ha tenido unas ventas más notoriamente bajas que sus anteriores trabajos. Este álbum supone un evidente paso adelante con respecto a «Man of the Woods» ya que está formado por un sólido conjunto de canciones que capturan a la perfección la esencia de Justin Timberlake y contienen elementos de sus mejores trabajos. Pese a ser un álbum muy extenso y contar con varias canciones de larga duración que tanto le gustan a Justin, no encontramos apenas temas de relleno y resulta muy ameno y agradable de escuchar por su acertada secuencia de canciones, que va alternando medios tiempos y temas up-tempo. Aunque ha recibido opiniones muy diversas por parte de los críticos, según el blog Mister Music es el mejor de los álbumes publicados hasta la mitad del año. Puntuación: 8/10.